Mes: febrero 2025

Filmin estrena «Lengua extranjera», la esperanza y los deseos de la juventud europea

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“Lengua extranjera”: Un intercambio de palabras y de amores. Claire Burger retrata la esperanza y los deseos de la juventud europea en este drama sobre el acercamiento entre dos chicas estudiantes de intercambio. Estreno en Filmin el 7 de marzo.

Filmin estrena el próximo 7 de marzo, en exclusiva, “Lengua extranjera”, la película de Claire Burger que, a través de la historia de un intercambio lingüístico entre dos jóvenes, retrata la relación entre Francia y Alemania y perfila las preocupaciones de la juventud europea actual. Estrenada en la sección competitiva del Festival de Berlín, la película tuvo su premiere española en el Atlàntida Mallorca Film Fest y fue seleccionada en LesGaiCineMad, donde ganó el premio al Mejor Guion. Las actrices Lilith Grasmug y Josefa Heinsius, que protagonizan la película, fueron seleccionadas como dos de las actrices revelación del año (Les Révelations 2025) por la Academia de los César. Completan el reparto Chiara Mastroianni (“Marcello Mio”) y Nina Hoss (“Phoenix”). 

La película sigue a Fanny (Lilith Grasmug), una estudiante francesa de 17 años, tímida y sensible, que viaja a Alemania para un intercambio lingüístico. Allí conoce a Lena (Josefa Heinsius), su amiga por correspondencia, una joven comprometida con el activismo social. Aunque en un principio parecen tener poco en común, su convivencia dará lugar a una relación que cuestionará sus propias percepciones sobre la amistad, el amor y el futuro. “¿De qué tienes miedo?”, pregunta Fanny. “De todo… del futuro, de los fascistas, de envejecer, de ser aún más cobarde, de nunca cambiar nada”, responde Lena. A medida que la historia avanza, las dos jóvenes se acercan, descubriendo que las barreras culturales e ideológicas pueden desdibujarse cuando entran en juego las emociones.

Claire Burger, quien firma el guion junto a Léa Mysius («Los cinco diablos), se inspira en sus propias experiencias para dotar a la película de realismo y profundidad: “Me baso en mis recuerdos de juventud, en mi propia estancia en el extranjero. Reúno esas vivencias y las actualizo en un contexto actual marcado por la guerra a la vuelta de la esquina, la crisis climática, el auge del populismo y la era de la post-verdad”, explica la cineasta. Más allá del retrato generacional, “Lengua extranjera” es también una exploración de la relación entre Francia y Alemania a través de sus protagonistas. “Este intercambio lingüístico es una metáfora de nuestra historia compartida. Quería poner rostros, cuerpos y emociones en un concepto que a menudo se percibe como frío y distante”, señala Burger. Además, la película juega con la ambigüedad entre la amistad y el deseo. “Al principio, mi intención era escribir una historia sobre la amistad femenina, pero los cuerpos y la conexión física entre ellas cobraron cada vez más peso en el relato. En la adolescencia, los límites entre el amor y la amistad son difusos. Es un momento en el que buscamos construir vínculos con los demás, y esos vínculos, a su vez, nos definen a nosotros mismos”, concluye la directora.

«A Desert» review

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Durante un viaje por carretera, el fotógrafo Alex Clark se abre camino a través de una América polvorienta y desierta, fotografiando fábricas abandonadas, antiguos cementerios de mascotas y lugareños al azar. Entonces, una noche se encuentra y se hace amigo de los hermanos Renny y Susie Q en un motel y su vida, y las vidas de los que están relacionados con él, cambian para siempre.

Una de las óperas primas a destacar en la pasada edición del festival de Sitges fue A Desert, Mejor película (Sección Noves Visions), film que se adentra en la fascinante relación de Estados Unidos con los paisajes que representan el horror. Si en gran parte del cine de terror USA de los años 70 el mal estaba representado en un núcleo aislado del American Gothic, cuya usurpación por parte del desconocido provocaba un estallido de salvajismo, The Texas Chain Saw Massacre (1974), Deranged (1974) o The Hills Have Eyes (1977), Joshua Erkman en A Desert recurre a ese profundo rupturismo a través de la conexión de determinados personajes con el desierto, lugar en el que las pesadillas y los sueños confluyen mediante un tono evolutivo con derivas argumentales al neo-noir surrealista.

Con referencia a dicha evolución, ahora el escenario pasa a ser una fábrica abandonada, antiguos cementerios de mascotas o cines en ruinas, vestigios de una sociedad suburbana abandonada a su suerte, espacios vacíos que reflejan tiempos oscuros del presente, cuyos trasuntos, integrados en una especie de bucle fantasmagórico, a semejanza de los vistos en The Sadist (James Landis 1963), Kalifornia (Dominic Sena 1993) o de algunos de los personajes de la estupenda serie televisiva Too Old to Die Young (Nicolas Winding Refn 2019), entran en conflicto con el observador, con esa supuesta sociedad civilizada. A Desert también establece interesantes sinergias con la notable Twentynine Palms (Bruno Dumont 2003), en lo concerniente a mostrar el ocaso y autodestrucción de un país, a través del acto de fotografiar, filmar y recorrer determinados espacios, mundos en ruinas que son percibidos como espectrales, aquí expuestos a modo de invocación de un purgatorio que atrapa al incauto.

Realidad difuminada, tráiler para «The Actor» de Duke Johnson

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Diez años después de su debut en el largometraje junto a Charlie Kaufman con aquel retrato de la fragilidad que era Anomalisa, Duke Johnson abandona la animación stop motion por la imagen real con The Actor, film que de la mano de Neon acaba de presentar un primer tráiler oficial que podéis ver a final de pagina junto a su póster promocional. La película, que adapta la novela Memory de Donald E. Westlake, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo14 de marzo.    

The Actor nos sitúa en el Ohio de los años 50, a través de la historia de Paul Cole, un hombre atrapado en un misterioso pueblo que no consigue recordar quién es ni cómo llegó a dicho lugar. Sin un sentido de identidad o propósito, empieza desde cero y entabla una relación con una diseñadora local llamada Edna. A medida que empiezan a surgir fragmentos de su vida pasada, intentará encontrar el camino a casa, pero los recuerdos son engañosos, algo que le hará dudar de cuál de sus identidades es la real.

La película, con guion adaptado a cago del propio Duke Johnson junto a Donald E. Westlake y Stephen Cooney, está protagonizada por André Holland, Gemma Chan, Tracey Ullman, Toby Jones, Olwen Fouere, Tanya Reynolds, Simon McBurney, Asim Chaudhry, Edward Hogg, Joe Cole, May Calamawy, Youssef Kerkour, Scott Alexander Young, Fabien Frankel y Cassie Lauren Lewis.

Playlist, nuevo ciclo de cine documental sobre música en La Casa Encendida

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Playlist es un nuevo ciclo de cine documental contemporáneo que explora la intersección entre la música y el cine. La música es el tema principal, pero también se presenta como un elemento narrativo esencial en el lenguaje audiovisual. 

Cuatro de las cinco películas son estreno en Madrid, y Marie Losier visita La Casa Encendida en marzo para presentar Peaches goes Bananas e impartir una clase magistral. El resto de los documentales que se proyectan son: S/He Is Still Her/e – The Official Genesis P-Orridge Documentary, de David Charles Rodrigues;Soundtrack to a Coup d’Etat, de Johan Grimonprez; Omar and Cedric: If This Ever Gets Weird, de Nicolas Jack Davies, yPavements, de Alex Ross Perry.

Es casi imposible contemplar los fenómenos artísticos de los siglos XX y XXI sin entenderlos como un cúmulo de disciplinas convergentes. Músicos, cineastas, creadoras o artistas visuales interactúan entre sí para dar lugar a nuevos formatos y corrientes que avanzan inexorablemente hacia una renovación de los viejos conceptos que rodean la unión entre música e imagen.

Este programa de cine documental contemporáneo propone películas que tienen la música como objeto temático, pero también filmes en los que la música o el sonido destacan por ser un elemento narrativo fundamental. Las películas de Playlist destacan, además, por su valor cinematográfico y la mirada singular de sus autoras, autores y protagonistas: Marie Losier, Peaches, Alex Ross Perry, Pavement, Abbey Lincoln, Max Roach, David Charles Rodrigues, Nick Davies, Johan Grimonprez, Peaches, Genesis P-Orridge, At the Drive-In o The Mars Volta. Una constelación de talentos que hablan de la indisoluble relación entre cine y música.

Ciclo comisariado por Pela del Álamo.

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«The Shrouds» de David Cronenberg estará presente en el D’A 2025

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El D’A – Festival de Cinema de Barcelona sigue siendo un escaparate del mejor cine independiente del momento y una oportunidad para descubrir algunos de los films más destacados del año, los grandes nombres que han triunfado en los festivales internacionales y las nuevas películas de cineastas imprescindibles. El D’A 2025 estrenará en España The Shrouds, la última película del maestro David Cronenberg, un filme estrenado mundialmente en Cannes 2024, con Vincent Cassel, Diane Kruger y Guy Pearce como protagonistas. Otros nombres imprescindibles son los de Dea Kulumbegashvili que, con su segundo filme, April, ganó el premio especial del jurado en Venecia y el premio a la mejor película de la sección Zabaltegi de San Sebastián; o Simón de la montaña, del director argentino Luis Felipe, convertido en uno de los fenómenos del año después de triunfar en Cannes con el Gran Premio de la Semana de la Crítica.

Otras sensaciones de la temporada son Love, del noruego Dag Johan Haugerud, segunda parte de una trilogía dedicada a las relaciones contemporáneas iniciada con Sex y que culmina estos días en la Berlinale con Dreams ; El idioma universal, de Matthew Rankin, premio del público de la Quincena de Cineastas de Cannes y mejor película canadiense en TIFF; Viet and Nam, del cineasta vietnamita Truong Min Quy, con uno de los films queer más contundentes del año, visto en Cannes 2024; Bagger Drama, de Piet Baumgartner, una película que hizo furor en el último festival de San Sebastián, donde ganó el premio de la sección New Directors. A estos nombres de cineastas emergentes se suman dos favoritos del festival, el argentino Matías Piñeiro con su última obra, Tú me abrasas, estrenada en la Berlinale; y La Prisonnière de Bordeaux, de la gran Patricia Mazuy, directora francesa que está consolidando una carrera personalísima, aquí en un film protagonizado por la gran dama del cine francés, Isabelle Huppert.

George A Romero: Zombis, política y cine independiente

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George A. Romero se convirtió en uno de los cineastas más influyentes de la historia del cine desde que, en 1968, se estrenó La noche de los muertos vivientes, una película realizada con poco más de cien mil dólares que transformó el género de terror moderno. Romero liberó a los zombis del yugo de los hechiceros, haciendo que estas criaturas formaran parte de un colectivo emancipado, ampliando así sus posibilidades metafóricas. En este libro, resultado de una exhaustiva investigación en los archivos del director, se revelan algunos de los aspectos menos conocidos de su carrera: el seguimiento que hizo la familia gallega de sus películas, las diferencias que mantuvo con los productores, los primeros borradores de sus largometrajes, los proyectos no materializados…

Además de reinventar un monstruo que acabaría transformándose en un icono de la cultura popular y dirigir varios clásicos del género, Romero escribió decenas de historias que nunca llegaron a rodarse, desde adaptaciones de novelas, cómics y videojuegos, pasando por la creación de un superhéroe para la Marvel y una película del oeste protagonizada exclusivamente por mujeres, hasta relatos originales sobre monstruos, extraterrestres y casas encantadas. A través del análisis de guiones, tratamientos, sinopsis y cartas de su correspondencia privada, así como de conversaciones con especialistas y colaboradores, George A. Romero: Zombis, política y cine independiente no solo nos ofrece un estudio documentado sobre la obra del cineasta estadounidense, sino que también retrata la vida de un artista que siempre luchó para proteger a toda costa su independencia creativa.

Incluye entrevistas con Suzanne Desrocher-Romero, Tony Williams, Tom Fallows, Kendall R. Phillips, Adam Swica, Brandon Salisbury, George Demick y Daniel Kraus.

Autor: Xabier Fole. Editorial: APPLEHEAD TEAM CREACIONES, Páginas:

Proyecciones Xcèntric: Del verbo amar. Mary Jiménez y Narcisa Hirsch

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Andrea 1973 (Narcisa Hirsch, 1973)

A modo de correspondencias, las películas de esta sesión hacen del cine un lugar para los afectos entre madres e hijas. Du verbe aimer (1984) nos muestra cómo, tras la muerte repentina de su madre, la cineasta Mary Jiménez regresa a Lima desde Bruselas para interrogar el paisaje doloroso de su infancia. Por otro lado, Andrea 1973 (1973), de Narcisa Hirsch, es una cine-carta dedicada a su hija por su vigésimo primer cumpleaños.

Du verbe aimer marca el inicio del documental autorreflexivo en Perú. En este ensayo, Mary Jiménez convoca su pasado y su presente. Mientras la banda sonora nos habla de sus esfuerzos por ganarse el amor de su madre, las imágenes nos sitúan ante su duelo. Utilizando películas de diferentes emulsiones y tonalidades, recorre las calles de Lima, su antiguo colegio, las zonas mineras o el hospital psiquiátrico donde estuvo ingresada. Por medio de pequeños rituales, entrevistas y recreaciones, Jiménez propone una crónica fragmentada sobre el amor y la muerte.

Narcisa Hirsch, pionera del cine experimental argentino, realizó una serie de películas íntimas para sus amigas y familiares que hasta hace muy poco no se habían mostrado fuera del espacio doméstico. Andrea 1973 es un regalo de cumpleaños: recuerdos, canciones, fotografías, genealogías, archivos fílmicos del pasado reciente y lejano, juegos y disfraces, un jardín a lo largo de los años y, por supuesto, la voz de la cineasta, que en un momento le dice a su hija: «Quería estar con vos a solas a través de esto, de lo que estamos viendo».

Du verbe aimer, Mary Jiménez, 1984, 16 mm, 77 min, VOSE; Andrea 1973, Narcisa Hirsch, 1973, 16 mm, 9 min.

Proyección en DCP.

Copias procedentes de Centre de l’Audiovisuel à Bruxelles y Filmoteca Narcisa Hirsch, respectivamente.

Agradecimientos: Tomás Rautenstrauch.

Fecha: 2 marzo 2025

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Una amistad peligrosa, primer tráiler para «Friendship» de Andrew DeYoung

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A24 acaba de presentar en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del film Friendship, comedia negra sobre una amistad corrosiva que supone el debut en el largometraje de Andrew DeYoung. La película, que tuvo su premier mundial en el pasado festival de Toronto y que se podrá ver en el inminente SXSW, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo mes de mayo.  

En Friendship vemos como Craig Waterman, que disfruta de una vida sencilla, conoce a su misterioso vecino llamado Austin Carmichael. Una dulce conexión parece florecer entre ambos durante una inocente velada de exploración urbana, punk rock y un gusto mutuo por las antigüedades paleolíticas. Pero lo que debería haber sido el comienzo de una bonita amistad, pronto se verá enrarecida cuando la personalidad de Craig, de naturaleza obsesiva e infantil, empieza a incomodar a su nuevo compañero, lo que ocasionara una extraña espiral que amenaza con trastocar la vida de Craig.

La película, con guion a cargo del propio Andrew DeYoung, está protagonizada por Tim Robinson, Paul Rudd, Kate Mara, Jack Dylan Grazer, Meredith Garretson, Josh Segarra, Conner O’Malley, Raphael Sbarge, Jon Glaser, Billy Bryk, Carmen Christopher, John Cenatiempo y Whitmer Thomas.

«Dahomey», Oso de Oro del Festival de Berlín 2024, llega a Filmin el 14 de febrero

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«Dahomey», Oso de Oro del Festival de Berlín 2024, llega a Filmin el 14 de febrero

El viernes 14 de febrero llega en exclusiva a Filmin «Dahomey», el segundo largometraje de la directora franco-senegalesa Mati Diop («Atlantique»). Se trata de la vigente ganadora del Oso de Oro del Festival de Berlín a la Mejor Película, y llega a la plataforma coincidiendo con el inicio de la edición de este año del certamen alemán. Filmin estrenó «Dahomey» en diciembre del año pasado en los cines de España. Fue la candidata de Senegal en los Óscar e incluida en la short-list de documentales de los premios de la Academia.

«Dahomey» es un documental de creación que pretende registrar un momento histórico: la decisión del gobierno francés presidido por Emmanuel Macron de devolver 26 obras de arte procedentes del reino de Dahomey (en la actual Benín) a su comunidad de origen, en un inédito proceso de repatriación del patrimonio cultural africano. A día de hoy, muchos museos occidentales siguen poblados de obras de origen africano expoliadas durante la época colonial, lo que da en gran medida una idea de la importancia simbólica de esta restitución que no obstante retorna una minúscula parte de los cientos de obras que las tropas coloniales francesas extrajeron de Dahomey en 1892.

Cuenta la directora Mati Diop que durante el confinamiento por la pandemia reflexionó sobre el sentido que quería darle a su carrera como directora y el posicionamiento político de su obra. «Cuando supe que 26 tesoros reales de Dahomey iban a ser devueltos a Benín por Francia, dejé lo que estaba haciendo y decidí hacer una película sobre eso«, recuerda. Una decisión acorde con su obra previa, especialmente con los mediometrajes que dirigió entre 2009 y 2019, antes de su debut en el largo con «Atlantique«: «Las películas que hice en Dakar entre 2009 y 2019 hablan de un proceso de Retorno, volver a mis orígenes africanos, a una parte de mí que había estado enterrada durante demasiado tiempo bajo la hegemonía de mi entorno occidental«, explica.

Al conocer esta noticia, Diop empezó a imaginar una película de ficción que narraba la épica aventura de una de estas obras, desde que fue saqueada a finales del siglo XIX hasta su regreso a casa en 2075. «Tenía que anticipar el futuro, simplemente porque me parecía muy poco probable que cualquier restitución fuera inminente o incluso que estuviéramos vivos para presenciar un capítulo histórico como ese«, recuerda. «Estuvimos atentos a la prensa hasta que de repente llegó la noticia de que 26 tesoros reales de Abomey (Benín) habían sido seleccionados para la restitución el 10 de noviembre de 2021, y teníamos que hacer posible la filmación. Fue una carrera contra el tiempo, pidiendo permiso al gobierno beninés para escoltar los tesoros mientras organizábamos toda la logística de una filmación que iba de París a Cotonou«.

«Dahomey» documenta el viaje de estas 26 piezas desde que abandonan el Museo Quai Branly de París hasta su llegada a Benín. En paralelo, la película nos ofrece el punto de vista de una de estas obras, una especie de deidad, híbrido entre hombre y animal, que reivindica el significado histórico del viaje de vuelta a su país y lo hace en el idioma fon, que todo el mundo habla en Benín. «Es una elección altamente política. Dahomey habla, ante todo, al pueblo de Benin, que debe poder escucharse y reconocerse. Frantz Fanon dijo: Hablar el propio idioma es existir absolutamente para el otro. Pero también es existir absolutamente para uno mismo«.

Finalmente, la película llega al mundo académico africano, a la universidad, donde jóvenes estudiantes, profesores e historiadores reflexionan sobre el impacto simbólico y real de esta restitución en su país y en sus vidas. «Era necesario trasladar todo el asunto de la cumbre a la base, para crear un espacio que permitiera a los jóvenes identificar esta restitución como parte de su historia y reapropiársela. Crear un espacio donde pudieran ser escuchados«, concluye Diop.

Los festivales de Málaga y San Sebastián celebran los 50 años de «Furtivos», la obra maestra de José Luis Borau, restaurada por Video Mercury Films y FlixOlé

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Un libro editado junto con Caimán Cuadernos de Cine analiza el filme, que será Película de Oro en la 28 edición de Málaga e inaugurará la sección de clásicos del certamen donostiarra

El 8 de septiembre de 1975 se estrenó en el cine Amaya de Madrid Furtivos, hoy considerada la obra maestra de José Luis Borau, tras pasar por una serie de vicisitudes que no impidieron que se haya convertido en un clásico del cine español. Ahora, 50 años después, los festivales de Málaga y San Sebastián y la Filmoteca Vasca se unen para rendirle homenaje en su aniversario. Furtivos será la Película de Oro del 28 Festival de Málaga, que tendrá lugar del 14 al 23 de marzo, e inaugurará la sección Klasikoak de la próxima edición del Festival de San Sebastián. Será con una copia restaurada por Video Mercury Films / FlixOlé, en un homenaje que se completará con un libro editado por el Festival de Málaga, Filmoteca Española y Dama, en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine y el Festival de San Sebastián.

Dirigida y escrita por José Luis Borau, en colaboración con Manuel Gutiérrez Aragón, Furtivos está protagonizada por Ovidi Montllor, Lola Gaos y Alicia Sánchez. Cuenta la historia de Ángel, un cazador furtivo que vive en un bosque con su madre Martina, una mujer de carácter tiránico y violento. En uno de sus escasos viajes a la ciudad, conoce a Milagros, joven huida de un reformatorio y amante de un conocido delincuente. Ángel la protege y la lleva a su casa. La animosidad de la madre hacia Milagros, así como la atracción que Ángel siente hacia ella, unido al aspecto claustrofóbico de las relaciones entre los personajes, desembocan en un drama.

La exhibición de Furtivos estuvo tan condicionada por las autoridades franquistas que fue desestimada por los festivales de Cannes y Berlín. Fue mejor recibida en San Sebastián, punto de partida de su rotundo éxito de crítica y público, donde recibió la Concha de Oro a la mejor película y el Premio Perla del Cantábrico al mejor largometraje de habla hispana. También logró el reconocimiento en los Premios del Círculo de Escritores Cinematográficos, los Fotogramas de Plata y el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias.

Antonio Isasi-Isasmendi entregando el premio Concha de Oro al director José Luis Borau, por la película «Furtivos» (1975) Archivo Festival de San Sebastián

Esta nueva copia de la película en 4K que se proyectará en Málaga y San Sebastián ha sido realizada por la distribuidora Video Mercury Films en colaboración con la plataforma FlixOlé. Para su proceso de restauración, se ha utilizado el negativo original en 35mm y se ha contado con la supervisión del cineasta y coguionista de la película, Manuel Gutiérrez Aragón.

El libro Furtivos. 50 años, de Carlos F. Heredero, vuelve a la película para documentar de manera fehaciente, por primera vez, la intrahistoria de tan singular proyecto: la cronología, las cifras, los papeles, la escritura del guion, el plan de producción, los dineros, los contratos, las localizaciones, las incidencias del rodaje, las actas de la censura, las conversaciones con los festivales, la distribución, la taquilla, su circulación internacional, las controversias y las amenazas, etc.

La radiografía ofrece nuevas perspectivas para enmarcar el filme en el contexto social, político y cultural del que surge, entre la criminal agonía de la dictadura franquista y las luchas que preparan la Transición a la democracia.

A su vez, el análisis de sus imágenes –herederas de Buñuel y de Goya, de la Castilla feroz de Gutiérrez Solana y del tremendismo de Cela– permite comprender la compleja naturaleza de su discurso y de sus formas. Una entrevista con Borau rigurosamente inédita hasta ahora, en torno a la película, completa la investigación.

Viaje al fondo de la mente, tráiler para «Hurry Up Tomorrow» de Trey Edward Shults

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Tras darse a conocer con el oscuro relato psicológico Krisha (2015), y adentrarse en el terror alegórico en It Comes at Night (2017), el realizador norteamericano Trey Edward Shults, tras un paréntesis en el drama romántico con Waves (2019), regresa al cine de género con la cinta Hurry Up Tomorrow, film cuyo primer tráiler oficial acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Lionsgate y podéis ver a final de página. La película, donde colabora como protagonista y guionista el cantante y compositor Abel Tesfaye (conocido como The Weeknd), se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 16 de mayo.   

En Hurry Up Tomorrow vemos como un músico aquejado de un terrible insomnio se ve arrastrado a una odisea junto a una desconocida en donde ambos serán testigos del núcleo mismo de sus existencias. Este oscuro viaje pondrá en tela de juicio todo lo que sabe sobre sí mismo.

La película, con guion a cargo del propio Trey Edward Shults junto a Reza Fahim, está protagonizada por The Weeknd, Jenna Ortega, Barry Keoghan, Paul L. Davis, Gabby Barrett, Charli D’Amelio, Cade Foehner, Roman Mitichyan, David Moskowitz, Evan Shafran, Nancy DeMars, Martina Monti y Joshua Moomey.

   

“Sala:B”. Silvia Aguilar; Giallo y carnaval

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Tráfico de menores (Enigma Rosso, Alberto Negrín, 1978). Int.: Fabio Testi, Christine Kaufmann. Ivan Desny. Silvia Aguilar. Italia. 35 mm. Color. 83’

El carnaval de las bestias (Paul Naschy, 1980). Int.: Paul Naschy, Eiko Nagashima, Silvia Aguilar. España. 35 mm. Color. 91’

Silvia Aguilar ha aparecido varias veces por las pantallas de «Sala:B» pero ya tocaba hacer una sesión doble de homenaje a esta actriz, con dos curiosos gialli que se disfrazan de otros géneros para transformarse en algo especial.

En Tráfico de menores, Silvia Aguilar interpreta a Virginia, una de las compañeras de una joven que aparece asesinada en un río. Virginia y sus amigas comienzan a ser acosadas y a recibir poemas amenazantes de un tal Némesis. El caso será investigado por el inspector Di Salvo, interpretado por Fabio Testi, quien centra sus pesquisas en el prestigioso internado donde las chicas estudian. La película mezcla tramas típicas del giallo italiano con elementos del poliziesco, aderezados con sexploitation a la italiana. Un montaje musical y en paralelo entre una clínica abortiva y una orgía lo demuestra. El reparto lo completan nombres tan familiares por aquí como Helga Liné, María Asquerino, Tony Isbert, Wal Davis o Fabián Conde. Esta coproducción italiana fue rodada en localizaciones como el antiguo Matadero, el Castillo de Viñuelas o el Parque de Atracciones de Madrid, y una de las secuencias más memorables tiene lugar en la mítica montaña rusa 7 Picos, ¡con Fabio Testi interrogando a Jack Taylor!

Dicen que El carnaval de las bestias fue la primera coproducción entre España y Japón, algo que solo el entusiasmo y la tenacidad de Paul Naschy podrían alcanzar. Silvia Aguilar ya conocía a nuestro womanizer favorito, pero aquí tiene que competir con Azucena Hernández y hasta una mujer nipona por sus irresistibles encantos. La película es un pastiche de géneros todavía más extravagante, saltando del cine de acción estilo Charles Bronson al melodrama erótico, del giallo al terror gótico. Adrián Esbilla describe la película como un ejemplo del «gótico cazurro», o la auténtica esencia de lo naschyano. La banda sonora incluye composiciones de Ennio Morricone y otros temazos poliziescos. Más caras conocidas: Pepe Ruiz, Paloma Cela, Luis Ciges, Ricardo Palacios, sin olvidar la tétrica casa de Torrelodones en la que más de una vez hemos estado.

Presentación a cargo de la actriz Silvia Aguilar y de Álex Mendíbil, comisario de Sala:B. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 190’)

Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine

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El presente volumen plantea un conjunto de doce aproximaciones a la labor de las directoras y otras creadoras y profesionales desde los inicios del cine hasta nuestros días. A través de una serie de grandes temas imbricados en tres categorías comprensivas las realizadoras adscritas al clasicismo cinematográfico, las afines a la Modernidad, las incatalogables de ayer y hoy, se analizan los aportes al cine de las mujeres teniendo en cuenta siempre dos aspectos complementarios: las diversas facetas creativas, técnicas y productivas del medio y las posibilidades que han tenido las artistas de intervenir sus estructuras a fin de aportar perspectivas fílmicas más enriquecedoras para todas y para todos.

Autor: Coordinado por Elisa McCausland y Diego Salgado, Editorial: Donostia Kultura, Páginas: 193

«La furia» de Gemma Blasco inaugurará el D’A 2025

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La furia, el debut en el largometraje de ficción de la directora catalana Gemma Blasco, inaugurará la 15.ª edición del D’A – Festival de Cinema de Barcelona el 27 de marzo. La película narra el proceso de una joven para canalizar su dolor y su ira tras sufrir una violación, y el camino de oscuridad que emprende su hermano, en quien ella busca refugio y donde solo encuentra incomprensión. Una tragedia moderna con una personal mirada sobre la violencia sexual, el asco y la vergüenza protagonizada por Ángela Cervantes (ganadora de dos Premios Gaudí como mejor actriz secundaria por Chavalas y La maternal) y Àlex Monner (Los niños salvajes, La propera pell). Una película que su directora ha rodado con pulso firme y rabia, y que la confirma como uno de los nuevos talentos del cine hecho en España. Para la ocasión, el D’A 2025 vuelve a la sala más grande de Barcelona, el Aribau Cinema, para la proyección de su película inaugural.

La furia tendrá su estreno mundial en el festival South by Southwest, de Austin (Texas), uno de los certámenes de cine, música y televisión más influyentes de Estados Unidos, y después tendrá su premiere española en la Sección Oficial del Festival de Málaga. La furia es una producción de Ringo Media y cuenta con la participación de RTVE, 3Cat, Aragón TV, Filmin y con la financiación del ICAA, Gobierno de Aragón e ICEC. Distribuye Filmax. La película pasó por el D’A Film Lab Barcelona 2023.

Gemma Blasco no es una recién llegada: su primer largo, el film experimental El Zoo, tuvo su estreno catalán en el D’A 2019. Su cortometraje Jauría se estrenó en el 2018 en el Festival de Málaga y recibió el premio a la mejor dirección SGAE-Nova Autoría del Festival de Sitges.

Un gótico de posguerra, primer tráiler para «L’orto americano» de Pupi Avati

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Con una trayectoria con más de cincuenta títulos en su haber, cuyas incursiones dentro del fantástico resultan ciertamente fascinantes, La casa dalle finestre che ridono (1976), Le strelle nel fosso (1979), Zeder (1983), L’arcano incantatore (1996), Il nascondiglio (2007) y Il signor Diavolo (2019), el veterano realizador transalpino Pupi Avati tiene listo su último trabajo tras las cámaras titulado L’orto americano, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un noir gótico/romántico en blanco y negro con elementos fantasmagóricos dignos de Edgar Allan Poe, tras su paso por festivales como Venecia y Sitges se estrenará comercialmente en Italia el próximo 6 de marzo.   

En L’orto americano vemos como un joven con ambiciones literarias se enamora de una enfermera del ejército estadounidense. Estamos en Bolonia en vísperas de la Liberación y, para este joven atribulado, basta con intercambiar miradas con la bella soldado para que piense en ella como el amor de su vida. Por casualidad, al año siguiente se traslada al Medio Oeste americano, a una casa contigua a la de su amada (en realidad, separada de ella por un siniestro jardín). Allí vive la anciana madre de la mujer, desesperada por la desaparición de su hija: tras el final de la guerra, escribió a casa diciendo que iba a casarse con un italiano, y no se ha vuelto a saber de ella. El joven se embarca así en una angustiosa búsqueda que le sumergirá de lleno en una situación extremadamente dramática, hasta que, en Italia, todo llega a un desenlace totalmente inesperado.

La película, con guion adaptado a cargo del propio Pupi Avati junto a Tommaso Avati, está protagonizada por Filippo Scotti, Rita Tushingham, Roberto De Francesco, Chiara Caselli, Armando De Ceccon, Morena Gentile, Romano Reggiani, Nicola Nocella, Massimo Bonetti, Andrea Roncato, Cesare Cremonini, Claudio Botosso, Robert Madison, Patrizio Pelizzi y Filippo Velardi.

  

España en libertad. 50 años’ y Filmoteca Española presentan “Imágenes para un país en libertad”

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Pepi, Luci, Boom y otras chicas del montón (1980, Pedro Almodóvar)

Ángel Víctor Torres, ministro de Política Territorial y Memoria Democrática, y Ernest Urtasun, ministro de Cultura, han presentado esta mañana el ciclo ‘Imágenes para un país en libertad. Cine, ciudadanía y democracia (1975-2025)’ que con más de una veintena de películas invita a reflexionar sobre el largo y difícil camino emprendido por la sociedad española para recuperar la libertad y la democracia, y conocer, debatir y celebrar la transformación política, económica y social de nuestro país en las últimas cinco décadas.

Organizado por el Comisionado para la celebración de ‘España en Libertad. 50 años’ en colaboración con Filmoteca Española —organismo del Ministerio de Cultura encargado dela preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico—, el ciclo, que se extiende hasta diciembre de 2025, incluye títulos como ‘Camada negra’ (Manuel Gutiérrez Aragón, 1977) o ‘Maixabel’ (Iciar Bollain, 2021) en torno a la violencia política, ‘Vámonos Bárbara’ (Cecilia Bartolomé, 1978) o ‘Función de noche’(Josefina Molina, 1981), sobre la conquista de derechos y libertades femenina; ‘Numax presenta’ (Joaquim Jordá, 1979) sobre el empoderamiento de los ciudadanos; ‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’ (2013, David Trueba) sobre la libertad de expresión; entre otras.

Se trata de un ciclo que reivindica al cine español como ‘lugar de memoria’, como herramienta para ayudarnos a comprender nuestra propia evolución como ciudadanos de un país que en 1975 dejaba atrás la dictadura. Pero también una reivindicación del cine —y de sus profesionales— como ‘agentes’ de la historia, como vehículo para mostrar los anhelos y esperanzas de una sociedad, sus luchas y reivindicaciones, a lo largo de estos 50 años.

El ciclo, que estará acompañado en sus sesiones con la presentación de directoras y protagonistas de las películas, da comienzo mañana 6 de febrero, a las 21 horas, con la proyección de Camada negra, de Manuel Gutiérrez Aragón. La proyección contará con la presentación del director y la comisionada para la celebración de ‘España en libertad. 50 años’. Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, celebra este 2024 los 35 años del Cine Doré como sala estable de proyecciones de la institución mediante el ciclo ´35×35. Cine Doré: 35 años, 35 mm´, que durante 6 meses homenajeará uno de los formatos que no ha parado de preservar y proyectar a lo largo de esas más de tres décadas.

Programación

Febrero Camada negra (Manuel Gutiérrez Aragón,1976) Maixabel (Iciar Bollain, 2021)

Marzo Vámonos, Bárbara (Cecilia Bartolomé, 1978) Función de noche (Josefina Molina, 1981)

Abril El puente (J. A. Bardem, 1977) Numax presenta (Joaquim Jordà, 1979)

Mayo Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013, David Trueba) El arreglo (1983, José Antonio Zorrilla)

Junio Mi querida señorita (1972, Jaime de Armiñán) Cambio de sexo (1977, Vicente Aranda)

Julio El cielo gira (2004, Mercedes Álvarez) En construcción (2001, José Luis Guerin)

Agosto Pepi, Luci, Boom y otras chicas del montón (1980, Pedro Almodóvar) Krámpack (2000, Cesc Gay)

Septiembre Vestigios en Súper-8: una crónica amateur de los años del cambio (2018, Elena Oroz y Xosé Prieto) Canciones para después de una guerra (1976, Basilio Martín Patino)

Septiembre Vestigios en Súper-8: una crónica amateur de los años del cambio (2018, Elena Oroz y Xosé Prieto) Canciones para después de una guerra (1976, Basilio Martín Patino)

Octubre El crimen de Cuenca (1979, Pilar Miró) + Regresa El Cepa (2019,Víctor Matellano) Rocío (1980, Fernando Vergara) + Caja de Resistencia (2024, ConchaBarquero y Alejandro Alvarado)

Noviembre O Corno (2023, Jaione Camborda) Estiu 1993 (2017, Carla Simón)

Diciembre Asignatura pendiente (1977, José Luis Garci)

Teaser tráiler de «Reflet dans un diamant mort», lo nuevo de Hélène Cattet y Bruno Forzani

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Acaba de ver la luz un primer adelanto, en forma de un breve teaser tráiler que podéis ver a final de pagina junto a su póster promocional, del nuevo trabajo tras las cámaras de Hélène Cattet y Bruno Forzani Reflet dans un diamant mort. Película, que al igual que en sus anteriores Amer (2009), L’étrange couleur des larmes de ton corps (2013) y Laissez bronzer les cadavres! (2017), rinde homenaje mediante un peculiar y agresivo estilo visual a distintos géneros cinematográficos, en esta ocasión el relacionado al de los espías europeos de los años 60.

Reflet dans un diamant mort nos presenta a John, un hombre de 70 años que vive en un lujoso y solitario hotel de la Costa Azul. La mujer de la habitación de al lado le intriga al mismo tiempo que le recuerda su salvaje pasado en la Riviera durante los años 60, cuando era un elegante espía internacional en un mundo lleno de peligros. Pero cuando la mujer desaparece misteriosamente, John se ve acosado por flashbacks (o quizás fantasías) de su pasado, de las atractivas mujeres y los villanos que vivieron y murieron durante esa época.

La película, que competirá por el Oso de Oro en la próxima edición del Festival de Berlín, cuenta con un guion a cargo de los propios Hélène Cattet y Bruno Forzani, estando protagonizada por Fabio Testi, Yannick Renier, Koen De Bouw, Maria de Medeiros y Thi Mai.

Cineteca Madrid rinde homenaje a David Lynch y otros grandes maestros en un mes dedicado a la filosofía

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El 1 de febrero se proyectará Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), precuela de la mítica serie que Lynch creó junto a Mark Frost

El ciclo ‘La fábula cinematográfica’ cumple su tercera edición proponiendo encuentros con pensadores en torno al cine y estrenos relacionados con la filosofía

Además, explora la influencia de Michel Foucault en el lenguaje cinematográfico contemporáneo y el universo conceptual de destacados pensadores

La primera retrospectiva en España del director de culto japonés Shinji Sōmai presentará la obra de este cineasta fundamental prácticamente desconocido en nuestro país

Se suma a la programación de febrero la proyección de la afamada trilogía del director polaco Krzysztof Kieślowski, Azul, Blanco y Rojo

La sección dominical de cine familiar se sumerge en el universo mágico de Hayao Miyazaki

El equipo de jóvenes programadores de CineZeta apuesta en su selección de este mes por mostrar visiones disidentes del erotismo en el cine

DESCARGA LA PROGRAMACIÓN COMPLETA

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se transforma en febrero en un punto de encuentro privilegiado para reflexionar sobre cuestiones filosóficas esenciales como la identidad, la verdad, la libertad, el miedo, el mal o la muerte, a través de una cuidada programación que incluye tanto películas de ficción como documentales. Este espacio ubicado en Matadero Madrid dedicará este segundo mes del año una sesión homenaje al recientemente fallecido David Lynch, dos ciclos a los grandes maestros Shinji Sōmai y Krzysztof Kieślowski y una mirada a la influencia del pensador Michel Foucault en el cine, además de adentrarse en el universo mágico de Hayao Miyazaki y en la relación entre cine y filosofía a través de una cuidada selección de proyecciones y encuentros.

Homenaje a David Lynch

Cineteca dedicará una sesión de homenaje al recientemente desaparecido David Lynch (1946-2025), uno de los cineastas más influyentes de las cuatro últimas décadas, cuyo cine ha sido un asiduo en las pantallas de las salas Azcona y Borau. Fallecido el pasado 15 de enero, la gran repercusión que ha tenido su muerte da fe de la devoción hacia su obra, que abarcó cine, televisión, música, diseño y fotografía. El 1 de febrero se proyectará Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), precuela de la mítica serie creada junto a Mark Frost. Una película incomprendida que el tiempo ha reivindicado como pieza clave en su filmografía.

Tercera edición de ‘La fábula cinematográfica: cine y filosofía’

En la ya habitual sección ‘Carta Blanca’, Cineteca invitará a tres pensadores contemporáneos que compartirán su interpretación sobre las películas seleccionadas exclusivamente para este ciclo. El jueves, 6 de febrero, dará comienzo el filósofo y escritor Javier Gomá, que bajo el título Un cine que da qué pensar argumentará su tesis sobre el cine como lugar privilegiado para mostrar la esencia de lo humano, previamente a la proyección de El sabor del té verde con arroz (Yasujirô Ozu, Japón, 1952). Su selección de películas se completa con Las manos en los bolsillos (Marco Bellocchio, Italia, 1965), La americanización de Emily (Arthur Hiller, EE.UU., 1964) y Los niños del paraíso (Marcel Carné, Francia, 1945).

El viernes, 14 de febrero, la especialista en cultura y literatura medieval Victoria Cirlot tratará en su conferencia el retrato de cuatro mujeres a través de la cámara de sendos grandes cineastas: Alain Resnais, Carl Theodor Dreyer, Chantal Akerman y Jacques Demy. El filme elegido para acompañar la conferencia es Una habitación en la ciudad (Jacques Demy, Francia, 1982). Este bloque incluye también la proyección de El año pasado en Marienbad (Alain Resnais, Francia, 1961), Gertrud (Carl Theodor Dreyer, Dinamarca, 1964), Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (Chantal Akerman, Bélgica, 1975).

La filósofa Eurídice Cabañes será la encargada de reflexionar en torno a los límites y fronteras de la tecnología que desafía nuestro pensamiento. Partiendo del lenguaje, nuestra tecnología más antigua, enfrentado a su versión alienígena en La llegada (Denis Villeneuve, Canadá-EE.UU., 2016), siguiendo con las propuestas especulativas de James Ward Byrkit en Shatter Belt (EE.UU., 2023) y la crítica mordaz del cine animado de Don Hertzfeldt, en una sesión que reunirá sus mejores cortometrajes. El viernes, 28 de febrero, eXistenZ (David Cronenberg, Canadá, 1999) servirá de contexto a la conferencia de Cabañes sobre tecnologías contemporáneas e imaginarias como los videojuegos.

Foucault llevado al cine junto a destacados pensadores contemporáneos

El pensamiento del filósofo e historiador francés Michel Foucault se infiltra en la pantalla de cine como una herramienta para desentrañar las complejas relaciones entre poder, cuerpo y subjetividad. En este ciclo, cuatro películas contemporáneas dialogan con los conceptos de Foucault, explorando distintos aspectos de su pensamiento. La primera entrega del ciclo, Nunca, casi nunca, a veces, siempre (Eliza Hittman, EE.UU., 2020) sigue a una adolescente que se enfrenta a un embarazo no deseado en un retrato íntimo y conmovedor de resiliencia. Titane (Julia Ducournau, Francia, 2021) es un thriller visceral que explora la identidad, el trauma y las relaciones humanas a través de la historia de una mujer. Completan el programa Possessor Uncut (Brandon Cronenberg, Canadá-Reino Unido, 2020), que combina ciencia ficción y terror siguiendo a una agente que utiliza la tecnología para cometer asesinatos, y Saint Maud (Rose Glass, Reino Unido, 2019), un inquietante thriller psicológico sobre una enfermera que quiere salvar el alma de su paciente terminal.

Además, Cineteca programa en febrero cuatro documentales de la serie Un œil, une histoire, dedicados a explorar el universo conceptual de destacados pensadores de la historia y la imagen contemporánea: Georges Didi-Huberman, Svetlana Alpers, Carlo Ginzburg y Victor Stoichita. Cada sesión será introducida por el joven filósofo Pablo Caldera, quien ofrecerá claves para profundizar en los diálogos entre pensamiento, historia y estética.

Sōmai y Kieślowski, grandes maestros compartiendo pantalla

La primera retrospectiva española del director de culto Shinji Sōmai y la proyección de la obra maestra del cineasta polaco Krzysztof Kieślowski son otras de las citas imprescindibles de la programación de Cineteca este mes.

Siete películas de Sōmai que reflejan la alienación, frustración y rabia de la juventud japonesa conforman esta retrospectiva organizada en colaboración con la Fundación Japón, con la que se pretende aliviar el desconocimiento en España de este cineasta fundamental. Destacan Typhoon Club (Japón, 1985), considerada la obra maestra del director, o Sailor Suit and Machine Gun (Japón, 1981), que narra la historia de una estudiante de secundaria que hereda el liderazgo de una banda.

Por otra parte, del 18 al 20 de febrero, Cineteca acerca al público la obra maestra del cineasta polaco Krzysztof Kieślowski, conformada por Azul, Blanco y Rojo, una lectura crítica de los ideales de la Revolución Francesa —libertad, igualdad y fraternidad— y un profundo ejercicio filosófico que interpela a grandes conceptos como la existencia y la condición humana.

Estrenos y visiones disidentes del erotismo

La selección de estrenos de este mes también se ocupa de cuestiones filosóficas sobre la creación, la historia y la resistencia política. Se proyectarán Objeto de estudio (Raúl Alaejos, España, 2024), En la alcoba del Sultán (Javier Rebollo, España-Francia, 2024), Dulcinea (Paloma Polo, España, 2023), Cyborg Generation (Miguel Morillo Vega, España, 2024), El arte de los analfabetos (Kevin Castellano y Edu Hirschfeld, España, 2024) y La marsellesa de los borrachos (Pablo Gil Rituerto, España, 2024).

Por su parte, el joven equipo de programadores de CineZeta ha compuesto un ciclo de cuatro sesiones que reflexionan en torno a visiones disidentes del erotismo. Integran la selección títulos como Shakedown (Leilah Weinraub, EE.UU., 2018), Finished (William E. Jones, EEUU, 1997) o Sex Is Comedy (Catherine Breillat, Francia, 2002), que explora los desafíos y tensiones tras la cámara mientras una directora lucha por dirigir una escena de sexo entre dos actores que no se soportan.

El universo mágico de Hayao Miyazaki y secciones habituales

La sección dominical ‘Cineteca en familia’ se adentra en el fascinante mundo de que ha cautivado a distintas generaciones con sus historias llenas de magia, fantasía y profundas lecciones de vida. Cineteca programa cuatro de sus películas más emblemáticas: Mi vecino Totoro (Japón, 1988), El viaje de Chihiro (Japón, 2002), El castillo ambulante (Japón, 2004) y El chico y la garza (Japón, 2003).

No faltarán a su cita las secciones habituales de Cineteca Madrid como el ‘Ciclo Docma’, que presenta Los últimos; ‘La noche Z’, que proyectará Los maestros tullidos; o ‘Somos documentales’, de Televisión Española, con las películas Félix Murcia, el pintor de películas y Ullate: La danza de la vida. La programación se completa con los pases especiales de L’année dernière à Dachau, La Carmen y Cineastas pioneras andaluzas: Pilar Távora.