Mes: febrero 2018

Alex Ross Perry, convidado de la quinta edición del Americana 2018

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Con sólo cinco películas y treinta y tres años, Alex Ross Perry se ha convertido en un director de renombre dentro del nuevo cine independiente americano. Habitual de festivales tan prestigiosos como Sundance, SXSW, Berlín o Locarno, el director de Pensilvania, como Tarantino, comenzó trabajando en un videoclub donde, además de enamorarse del cine, conoció Sean Price Williams, director de fotografía de todas sus películas. Y es que a Ross Perry le gusta tener un equipo fiel y trabajar a partir de los guiones que él mismo escribe. Jason Schwartzman o Elisabeth Moss son habituales de sus filmes, donde también han participado otros actores de prestigio como Emily Browning, Mary-Louise Parker o Jonathan Pryce.

El cine de Alex Ross Perry estuvo presente en la edición de Americana 2015 en que proyectamos su tercera película Listen Up Philipp, dando voz a un director que hasta entonces era un gran desconocido para nuestro público. Desde entonces, Ross Perry ha ganado prestigio alrededor el mundo gracias a sus dos siguientes film: Queen of Earth y el último, Golden Exits, que tendremos el placer de presentar en esta edición del Festival. La presencia del director permitirá poder disfrutar de un Q&A con él en la sesión de Golden Exits del miércoles 7 de marzo a las 21’45h. en los Cinemes Girona. También estará presente en un par de sesiones de la retrospectiva completa que le dedicará la Filmoteca de Catalunya, el martes 6, en la sesión de las 18’30h. en que se proyectará Queen of Earth y en la sesión del miércoles 7 a las 19’30h., en que se podrá ver su segunda película, The Color Wheel. La Filmoteca además también proyectará su primer film, Impolex, en una oportunidad única de descubrirla y la citada Listen Up Philipp. Podéis consultar los días y horas de la retrospectiva de Alex Ross Perry en la Filmoteca en el siguiente enlace.

Para finalizar, Alex Ross Perry también participará en una charla que se realizará el miércoles 7 de marzo a las 17h. en la sede SGAE de Barcelona (Pg. De Colom, 6) Con el título “The American Way” el director americano mantendrá una conversación con el director catalán Carles Marquès-Marcet, moderada por el productor Xavier Granada, sobre las diferentes formas de producción y dirección entre los Estados Unidos y nuestra industria local, los motivos de esas diferencias y las posibles sinergias entre los dos países.

Unas horas antes, el mismo día 7 de marzo, en este caso a partir de las 10h. y también en la sede SGAE podremos disfrutar de la interesante conferencia “Out Loud: comunicación integral de festivales de cine”, una mesa redonda en que 4 profesionales que cubren los distintos ámbitos de la comunicación nos explicarán de primera mano sus experiencias con la comunicación de un festival o producto audiovisual. Las ponentes serán la consultora de marketing online, RRSS y tecnologías, Elena Neira; Ana Sánchez, prensa de películas, festivales de cine y eventos cinematográficos; Marina Queraltó, comunicadora y especializada en marketing cultural y patrocinios y Gloria Bonet, diseñadora gráfica. El debate estará moderado por la periodista cultural María Espada.

Para ambos actos se pueden reservar plazas desde la web del festival.

«Dawson City: Frozen Time» review

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Desde su nacimiento, el cine desafió uno de los grandes temores del ser humano: el paso del tiempo. Así, la vida podía quedar plasmada en el celuloide. En esta joya de arqueología cinematográfica, rescata centenares de películas perdidas, realizadas a principios del siglo XX en un remoto pueblo americano, febril a causa del oro. Los materiales encontrados desfilan por la pantalla, como un baile de fantasmas, al ritmo de Sigur Rós.

No estaría de más pararnos de forma algo pausada y darle una merecida y por ende mayor difusión a como autores contemporáneos del medio audiovisual que suelen ofrecernos piezas cinematográficas ciertamente valiosas en lo relativo a la manipulación de la imagen trabajadas a través de un material de archivo, no solo en lo referente a cambiar un significado propio, a ofrecernos el revés de una historia contada sino también en referencia a servirnos una narración propia de un devenir histórico en concreto, no es reinvención como por ejemplo podemos comprobar en la magnífica The Green Fog de ese incansable francotirador autoral que es Guy Maddin vista recientemente en el Festival de Berlín y si en exponer a través de la imagen recuperada una crónica que nos hace reflexionar del devenir del tiempo como artilugio que nos hace preservar la memoria, de alguna manera Bill Morrison a través de un concienzudo rastreo histórico que respalda el metraje ofrecido podría considerarse como el tótem de dignificar y darle durante estos últimos años lejos de su actual mimetización genérica un valioso estatus artístico al denostado subgénero del found footage.

Dawson City: Frozen Time parte del hecho de como 533 películas de principios del siglo XX, concretamente con fechas de realización fijadas entre los años 1903 y 1923, fueron enterradas en una piscina de la ciudad, su hallazgo en 1978 fue producido por el levantamiento de ese terreno con motivo de la construcción de un centro recreativo en la ciudad de Dawson, una localidad situada en el noroeste de Canadá que debe principalmente su existencia a la fiebre del oro que sacudió los Estados Unidos a principios del siglo XIX. Pocos años después de su forzoso y de alguna manera no natural nacimiento la ciudad ya en su pleno cenit llego a albergar a cerca de 40.000 habitantes. Dawson debido a su conclave geográfico  se había convertido en la última parada de distribución de una línea de exhibición comercial de películas que recorrían casi todos los pueblos del norte del país. Debido a este fin de trayecto dichas películas no tenían a donde ir, convirtiendo a Dawson en un punto de almacenaje masivo de celuloide, por motivos ciertamente caprichosos en lugar de simplemente deshacerse de ellas, labor imposibilitada al no poder prenderlas fuego por el riesgo explosivo que conlleva el nitrato del celuloide del que estaban fabricadas, ni tampoco la posibilidad de dejarlas tiradas por el riesgo existente de la descomposición de la cinta que provocaría posiblemente una peligrosa detonación se decidió finalmente enterrarlas bajo el hielo de una pista de hockey, un acto que de manera algo involuntaria hizo suspender ese material cinematográfico en el tiempo hasta hace bien poco.

Es en ese sentido del término recuperación previa preservación y posterior exposición es en donde un trabajo de las características de Dawson City: Frozen Time cobra un pleno sentido en referencia a la naturaleza de su labor, no solo por su inequívoca adscripción genealogía del cine sino también por la reconstrucción empírica que hace de ella, en esta unión de documentos audiovisuales sin apenas diálogos, no hacen falta, tan solo unos carteles subtitulados que hacen la función de guía informativa, y con una hechizante música compuesta por el indispensable Alex Somers Bill Morrison nos ofrece  una historia de múltiples niveles identificativos, una narración audiovisual (termino nunca mejor dicho compuesto por el material rescatado de 124 de los 533 carretes encontrados) en donde somos testigos de unos recuerdos fluctuados por imágenes del devenir de la vida pública y privada de una ciudad, como recorrido de una sociedad que termina intercalando en actitudes como una experiencia fílmica del pasado que irremediablemente deviene como contemporánea a través de su propia historia, o lo que es lo mismo la supuesta preservación de dicho material fílmico que termina convirtiéndose en una metáfora o signo de contemporaneidad de lo que entendemos como lo supuestamente civilizado. Dichos artilugios, fácilmente se podrían denominar como espectros que de alguna manera reviven a través del celuloide facilitando la lectura de parte de la historia del siglo XX y que terminan convirtiéndose en procedimientos de un tono poético ciertamente admirable en lo referente a sus propios postulados, siendo servidos al mismo tiempo por una narrativa que siempre parece posicionarse de una forma incondicional en su labor de arqueología al más absoluto servicio de una sincera condescendencia y devoción por el séptimo arte, la magia en definitiva de congelar el tiempo pasado para hacernos entender nuestro propio presente.

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El Festival Nits de Vic celebra 15 años de pasión por el cine y la cultura orientales

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El Festival Nits de cinema oriental de Vic (17-22 de julio de 2018) tendrá como eje central el deporte en el cine comercial asiático. Para celebrar su 15º aniversario, el festival rendirá homenaje a Stephen Show, director de grandes producciones de Hong Kong y China y autor del primer filme que se pudo ver en el festival el año 2004. Asimismo, el certamen mantiene su apoyo a jóvenes cineastas catalanes y amplía su trabajo con las entidades locales, con la complicidad de Vic Comerç y la Escola d’Art de Vic. Cervesa del Montseny también se suma al proyecto como empresa colaboradora.
El Festival ha presentado la imagen de la próxima edición y las principales novedades de su programa en una rueda de prensa celebrada el sábado 24 de febrero en el Espai ETC de Vic. Han intervenido Susagna Roura (Regidora de Cultura y Museos, Convivencia y Seguridad del Ayuntamiento de Vic), Javier Orduña (Director de la Fundació Institut Confuci de Barcelona), Marc Carol (Vicepresidente de Vic Comerç) y Quim Crusellas (Director del Festival Nits de cinema oriental de Vic). A partir de la próxima edición, el eje central del festival dejará de ser un país concreto. La programación y actividades girarán en torno a un tema, un hilo conductor que recorrerá todas las secciones e inspirará la imagen del Festival. En el caso de la edición de 2018: el deporte en el cine comercial asiático. El homenaje a países de Asia se mantendrá en las Nits a la Bassa, donde cada noche se seguirá dedicando la cena y la película a una cultura específica.
Homenaje a Stephen Chow
En su 15º aniversario, el festival rendirá homenaje a Stephen Chow, el director más destacado de Hong Kong y China en la actualidad. Además de proyectar la primera película que pudo verse en la Bassa dels Hermanos en la edición inaugural del Festival Nits, el año 2004: Shaolin Soccer (Stephen Chow, 2001), se presentará la nueva publicación de la Biblioteca FesNits: Stephen Show! El cine espectáculo de Stephen Chow. Los espectadores podrán disfrutar también de una retrospectiva de filmes asiáticos que tienen el deporte como protagonista: Asia en forma.

Nuevos colaboradores
El certamen suma nuevas complicidades en el trabajo que realiza habitualmente con entidades y empresas locales: la asociación Vic Comerç, con la participación de la Escola d’Art de Vic, convertirá las calles cercanas a la Bassa dels Hermanos en una Chinatown perfectamente ambientada. Asimismo, se editará una tarjeta Vic Comerç para que los invitados, acreditados y Nitómanos tengan ventajas en los establecimientos de Vic, y se activarán acciones de promoción y participación conjuntas entre Vic Comerç y el Festival.
También se incorpora al proyecto como empresa colaboradora Cervesa del Montseny. Esta casa de cerveza artesanal instalada en la comarca lanzará una edición especial para el festival: la Nitòmana.
Durante el mes anterior al festival, el Més Nits llenará de nuevo los Centros Cívicos de Vic y otros espacios con una programación de talleres y actividades. Y, en colaboración con el Consell local de cooperació de Vic, el programa del festival incluirá también este año un ciclo de filmes documentales de temática social y debates posteriores con expertos.
Apoyo a los jóvenes cineastas catalanes
El Festival Nits mantiene su compromiso con la joven creación cinematográfica en Cataluña y ha anunciado en la rueda de prensa la finalización del filme Meiying MG-01, nuevo cortometraje de Adrià Guxens. El festival es co-productor asociado del proyecto y lo acompañará también en su difusión internacional. La obra de Guxens, que ya presentó su corto Bittersweet Memories en Vic el año 2016, se caracteriza por su carácter onírico y por inspirarse en la estética y la cultura orientales.
Qiu Qiu y el Año Nuevo Chino
Durante la ruede de prensa se ha presentado también la la imagen del Festival Nits 2018: Qiu Qiu (pronunciado chiou chiou), que significa pelota en mandarín. Es una ilustración del artista Xevi Domínguez que recupera y actualiza el concepto de aquél primer film que se proyectó en el Festival Nits ahora hace 15 años.

La Associació Nits de cinema oriental, organizadora del Festival, continua programando actividades relacionadas con el cine y la cultura asiática a lo largo del año. Aparte de la celebración del Año Nuevo Chino en Vic el fin de semana del 24 y 25 de febrero, durante este mes ha organizado, conjuntamente con la Fundació Institut Confuci de Barcelona, la retrospectiva KUNG FU GIRLS!, la exposición de los carteles de Yuen Tai-yung (artista de Hong Kong que asistió a la pasada edición del certamen) y el pase del documental The Posterist sobre el maestro cartelista.

Teaser tráiler para la nueva «Fahrenheit 451» de la HBO

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Pese a la aparición casi invasiva por parte de Netflix en estos últimos tiempos la cadena por cable norteamericana HBO sigue en su línea sacando proyectos a priori interesantes como por ejemplo esta nueva versión del clásico de Ray Bradbury Fahrenheit 451, miniserie cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. Fahrenheit 451 se estrenará el próximo mes de mayo estando al frente del proyecto Ramin Bahrani (99 Homes). Recordemos que la novela fue publicada en el año 1953 y llevada al cine por primera vez por François Truffaut en 1966. Según palabras del propio Ramin Bahrani «Fue ciertamente intimidante el querer abordar a Bradbury porque todo su trabajo es el de un genio y una leyenda. Cuando intentas hacer una adaptación irremediablemente vas a cambiar cosas. Supe que molestaría a más de uno, aun así intenté ser fiel a los temas  a pesar de que cambiamos algunos personajes y tramas argumentales, el modernizarlo no fue una tarea fácil»

Fahrenheit 451 nos sitúa en un futuro distópico, dicho término se refiere a la temperatura a la que arde el papel de los libros. Guy Montag, un disciplinado bombero encargado de quemar los libros prohibidos por el gobierno conoce a una revolucionaria maestra que se atreve a leer dichos libros. De pronto, se encuentra transformado en un fugitivo, obligado a escoger no sólo en proteger a la mujer sino entre su seguridad personal y su libertad intelectual.

La serie con guion adaptado por el propio Ramin Bahrani junto a Amir Naderi está protagonizada por Michael B. Jordan, Michael Shannon, Sofia Boutella, Laura Harrier, Lilly Singh, Keir Dullea, Martin Donovan, Grace Lynn Kung, Sean Jones, Joe Pingue, Dylan Taylor, Jane Moffat,  Drew Nelson, Lynne Griffin, Saad Siddiqui y Chris Gleason.

Noche sobre América: Cine de terror después del 11-S

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¿De qué tienes miedo? Del dolor, de la muerte, de la pérdida… La mayoría de nuestros terrores son innatos, espontáneos, pero también pueden ser aprendidos, sociales, colectivos. Hemos aprendido a temer muchas cosas en lo que va de siglo, empezando por los atentados del 11 de septiembre y siguiendo con la crisis financiera. Este volumen se centra en el cine de terror estadounidense estrenado entre el 11-S y el comienzo de la crisis (2001-2011), para analizar los cambios que se han producido en la ideología dominante. A través del terror, los excesos del orden y las amenazas de la otredad se vuelven transparentes, pero para verlos debemos elucidar la relación entre el cine y la ideología, entre nuestros miedos cotidianos y los de la ficción. Desde una perspectiva teórica y analítica, este libro analiza con rigor cómo el cine de terror dialoga con la ideología de nuestra época.

ÍNDICE

PRESENTACIÓN, por Juan Miguel Company

Introducción

Para comprender el miedo

La ideología y el cine: fundamentos teóricos (1)

El mito y el cine: fundamentos teóricos (2)

Preludio con fantasmas: el cine antes del 11 de septiembre

Una mitología para el 11 de septiembre

Monstruos tras los muros: la política del aislamiento

El mundo será América o no será: la política de la cruzada

Líbranos del mal

El espejismo americano

Hacia la noche

Conclusiones

Filmografía cronológica

Bibliografía

Autor; Luis Pérez Ochando, Editorial; ADAMA. Páginas; 460

Sobrevivir al caos, tráiler y póster de «Kings»

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Fue en 2015 cuando la directora de origen turco Deniz Gamze Ergüven dio el salto a la palestra con su notable y premiada opera prima Mustang, dos años después en el que es su segundo trabajo tras las cámaras da un salto cualitativo y cambia por completo de tercio con Kings, film cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página. La película al igual que la extraordinaria Detroit de Kathryn Bigelow está basada en hechos reales de uno de los conflictos raciales más virulentos acontecido en los últimos años en Estados Unidos. Kings aún sin fecha de estreno se verá en España de la mano de Vértigo Films estrenándose en cines de Estados Unidos el próximo 27 de abril.

Kings nos sitúa en el año 1992, una madre de familia vive en el distrito de South Central, una zona en donde empiezan a haber grandes disturbios después de la absolución de los policías acusados ​​de golpear a Rodney King, uno de los pocos residentes blancos que vive en dicha localidad y vecino de la mujer tendrá que ayudarla a encontrar y proteger a sus hijos en una ciudad en donde reina el caos más absoluto.

La película con guion de la propia Deniz Gamze Ergüven y música a cargo de Nick Cave y Warren Ellis esta protagoniza  Daniel Craig, Halle Berry, Issac Ryan Brown, Rick Ravanello, Kirk Baltz, Reece Cody, Douglas Spain, Lamar Johnson, Richie Stephens, Charlotte Ubben, Rachel Hilson, Quartay Denaya, Heidi Levitt, Lorenz Arnell y Eric Watson.

Curso «Conociendo Japón a través de su cine»

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Después del éxito del curso de cine “Un travelling por el cine asiático” que se inició el pasado mes de enero, en el que están participando más de 20 alumnos, CineAsia presenta, con motivo del 150 aniversario del establecimiento de las relaciones diplomáticas entre Japón y España, y en colaboración con Casa Asia y la Filmoteca de Catalunya, el curso “Conociendo Japón a través de su cine”.

A partir de la llegada del cine a Japón, a finales del siglo XIX, el curso analizará los cambios sociales, políticos y económicos que se han ido sucediendo en el país asiático, y cómo el cine los ha reflejado. Un recorrido por los directores, las películas, los géneros, las productoras, los actores y las actrices que han hecho del cine japonés una de las cinematografías de referencia internacional.

El curso, que comenzará en el mes de abril y se prolongará hasta junio, se complementará con seis proyecciones en la Filmoteca de Catalunya (de acceso gratuito para los asistentes al curso) y abiertas al público en general. Entre las películas programadas, se podrán ver el clásico Hara Kiri (Masaki Kobayashi, 1962) o el film de animación de culto El viaje de Chihiro (Hayao Miyazaki, 2001).

Para más información:

Link al vídeo del curso: https://youtu.be/jdRe4rm2jYk

Link inscripciones al curso: http://bit.ly/2BruVzM

Más información del curso y material gráfico: cineasia@cineasia.net

 

Programa curso: “Conociendo Japón a través de su cine»

El curso está organizado por Casa Asia, y contará con la colaboración de CineAsia., Fundación Japón y Filmoteca de Catalunya.

Temario del curso:

  1. Diez claves para ver cine japonés. Principales características del cine japonés en comparación con otras cinematografías asiáticas y occidentales. Introducción al curso y a la historia del cine nipón. ¿Cuándo empieza a internacionalizarse su cine? Claves y directores. (Una sesión)
  2. Nacimiento del cine en Japón. Los grandes estudios y los géneros. El cine mudo. El cine llega a Japón a finales de siglo XIX (1897), de la mano de los Hermanos Lumière: a un país que está en un proceso de cambios en los que se está mirando hacia el exterior, iniciados con la era Meiji. Siguiendo el modelo americano el cine se convierte en Japón en una industria: nacimiento de los grandes estudios (Nikkatsu, Shochiku), de unos géneros propios. (Una sesión)
  3. Los años 50: Época dorada del cine japonés: los grandes clásicos. Tras la marcha del ejército americano de Japón, el país vive una época marcada por el crecimiento y desarrollo económico y de las artes: es el momento en el que el cine japonés vive su mayor esplendor. Refrendado por la presencia de tres maestros de categoría internacional: Mizoguchi, Ozu y Akira Kurosawa. (Dos sesiones)
  4. De los 70 al año 2000. La televisión y el V-Cinema: Una cinematografía en continua evolución. La crisis de los grandes estudios unida al nacimiento de los primeros videoclubs y al desarrollo del V-Cinema va a provocar cambios en el panorama cinematográfico japonés. Aparecen nuevas tendencias, nuevos directores, que buscan el mercado del vídeo para desarrollar su capacidad. Es la hora de Imamura, Takeshi Kitano, Shinya Tsukamoto, Hirokazu Kore-eda, Shunji Iwai, Naomi Kawase, Hiroyuki “Sabu”. (Dos sesiones)
  5. El anime: descubriendo un universo nuevo animado. El fenómeno del manga. Los liveactions. Desde la irrupción de Pixar, el mundo de la animación se ha abierto, más allá de las típicas producciones americanas. Este hecho ha permitido al espectador conocer y abrirse otras formas de ver la animación, introduciéndose un concepto, como es el ‘anime’: la animación realizada en Japón, o el cine de animación procedente de otros países asiáticos. (Dos sesiones).
  6. Nuevos tiempos, nuevas tendencias: el cine japonés contemporáneo. El cine japonés inicia su cambio con la internacionalización de varias cintas de terror a principios del 2000. The Ring, Dark Water provocaron que la mirada internacional regresara a Japón. A partir de ahí han surgido un aluvión de nuevos realizadores, muchos de ellos asiduos lectores de manga, que utilizarán este medio de expresión a la búsqueda de nuevas reescrituras del lenguaje cinematográfico. (Dos sesiones)

  • Ciclo de cine en colaboración con la Filmoteca de Catalunya:

El curso se complementa con una selección de films japoneses que se proyectarán en la Filmoteca, los últimos jueves del mes (dos sesiones mensuales) a las 17 horas, entre los meses de abril y junio de 2018. Los primeros quince alumnos que se inscriban al curso, tendrán acceso gratuito a las sesiones, que contarán con una presentación a cargo de CineAsia, así como un cine-forum o debate, al término de la sesión.

Las películas previstas (pendiente de confirmación con la Filmoteca según disponibilidad de la copia):

Harakiri (1962) de Masaki Kobayashi: jueves 19 de abril a las 17.00h en la Filmoteca de Catalunya

La mujer en la arena (1966) de Hiroshi Teshigahara: jueves 26 de abril a las 17.00h en la Filmoteca de Catalunya

Branded to Kill (1967) de Seijun Suzuki, jueves 24 de mayo a las 17.00h en la Filmoteca de Catalunya

Audition (1999) de Takashi Miike, jueves 31 de mayo a las 17.00h en la Filmoteca de Catalunya

El viaje de Chihiro (2000) de Hayao Miyazaki, jueves 21 de junio a las 17.00h en la Filmoteca de Catalunya

Nadie sabe (2004) de Hirokazu Koreeda, jueves 28 de junio a las 17.00h en la Filmoteca de Catalunya

  • Datos del curso:

Duración total del curso y número y duración de las sesiones: 20 horas.

10 sesiones de 2 horas en Casa Asia + 6 proyecciones en la Filmoteca (con presentación antes de la película y cine-forum de media hora después de la misma)

Lugar: Las clases tendrán lugar en la Sede de Casa Asia (Recinto Modernista de Sant Pau Pabellón de Sant Manuel, c/ Sant Antoni Maria Claret, 167, Barcelona); las proyecciones tendrán lugar en la Filmoteca de Catalunya (Plaça de Salvador Seguí, 1-9)

Precio del curso: 130 euros (los alumnos inscritos al curso tendrán acceso gratuito a las sesiones de la Filmoteca). Máximo alumnos: 25 alumnos.

Organizador: Casa Asia, en colaboración con Fundación Japón, Filmoteca de Catalunya y CineAsia.

Vértigo según Guy Maddin, tráiler de «The Green Fog»

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A estas alturas cada nuevo trabajo del realizador canadiense Guy Maddin no deja de ser una bendición en sí mismo para los fans que durante su larga trayectoria le hemos estado siguiendo bien de cerca sino también significa todo un desafío para el espectador más inquieto, aquel que acepta ampliar horizontes en lo referente a las coordenadas que rigen el medio audiovisual y cinematográfico. Con motivo de su reciente paso por el festival de Berlín dentro de la sección Forum nos detenemos brevemente ante su último trabajo tras las cámaras, The Green Fog, film cuyo primer tráiler y poster oficial podéis ver a final de página.

The Green Fog nace de un encargo por parte del Festival Internacional de Cine de San Francisco, para ello el autor de The Saddest Music in the World junto a Galen Johnson con el que participo en el mediometraje Bring Me the Head of Tim Horton (2015) y Evan Johnson coautor de la extraordinaria The Forbidden Room (2015) aúnan esfuerzos para realizar un collage de imágenes a partir de un ingente material de películas y series de televisión rodadas en la ciudad de San Francisco para construir un metraje que reinterpreta la clásica película de Alfred Hitchcock Vértigo.

Un video-ensayo o collage cinematográfico que da paso a un universo paralelo de una hora de duración que el propio Guy Maddin ha descrito como «una rapsodia de imágenes» y que contara con música a cargo de Jacob Garchik interpretada por el grupo Kronos Quartet. Esperemos que este apasionante trabajo que tras su paso por la Berlinale ha sido calificada como una crónica de imágenes fantasmagóricas en donde se puede apreciar cómo la ciudad de San Francisco ha cambiado con el tiempo es que al mismo tiempo es una maravilla de excavación e historia urbana bajo la ornamentación de un found footage pueda verse relativamente pronto en nuestro país por algún festival de cine o plataforma online.

Primera imagen de «The Man Who Killed Don Quixote» de Terry Gilliam

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Durante estos últimos meses hemos estado hablando en varias ocasiones de las largas vicisitudes acontecidas en el proyecto y de cómo ahora por fin el rodaje ya finalizado de la tan ansiada The Man Who Killed Don Quixote por parte de Terry Gilliam parece haber llegado a buen puerto, aprovechando el European Film Market acaba de filtrarse la primera imagen oficial del film que podéis ver a final de página. La película que salvo sorpresa de última hora tendrá su premier mundial en el próximo festival de Cannes se estrenará en las salas comerciales a lo largo del otoño de este 2018.

The Man Who Killed Don Quixote nos cuenta la historia de Toby, un arrogante publicista de visita en España en donde se encontrará casualmente con la copia de una adaptación cinematográfica de la famosa obra de Cervantes que se realizó años atrás con funestas consecuencias. Un descubrimiento este que le llevará de auténtica cabeza cuando se encuentre con el actor que en su día dio vida a Don Quijote en la película, ahora con una severa demencia senil  que le hará creer que sigue metido en la piel del personaje confundiendo a Toby con su fiel y ficticio escudero.

La película que cuenta con guion del propio Terry Gilliam junto a Tony Grisoni está protagonizada por Jonathan Pryce, Adam Driver, Olga Kurylenko, Stellan Skarsgård, Joana Ribeiro, Eva Basteiro-Bertoli, Óscar Jaenada, Jordi Mollá, Rossy de Palma, Jason Watkins, Paloma Bloyd, Sergi López, Mario Tardón, Joe Manjón y Bruno Sevilla.

El rodaje se ha llevado a cabo en diferentes localizaciones de España y Portugal. Gerardo Herrero, Mariela Besuievsky, Amy Gilliam, Tornasol Films, Kinology, Recorded Picture Company, Entre Chien et Loup y Ukbar Filmes en asociación con Alacran Pictures son los productores del film que cuenta con la participación de TVE, Movistar +, Eurimages y Wallimage. Las ventas internacionales están gestionadas por Kinology. Amazon Studios ha adquirido los derechos de distribución para Estados Unidos, Canadá y Reino Unido; y Telemunchen para Alemania y Austria. La distribución en España correrá a cargo de Warner Bros. Pictures International España.

Programación del Thinking Football Film Festival 2018

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La Fundación Athletic Club en colaboración con la Sala BBK y con el patrocinio principal de Euskaltel organiza una nueva edición de Thinking Football Film Festival en 2018. Será los días 5, 6, 12, 13, 19 y 20 de marzo en la Sala BBK. Esta edición será ya la sexta del festival, que como cada año proyectará una quincena de películas de fútbol que en conjunto proponen una reflexión sobre el rol social del fútbol. Entre ellas estará el cortometraje ganador del concurso de proyectos de videocreación en euskera Thinking Football-Euskaltel 2017, de Irene Herrero. El festival se inaugurará el 5 de marzo a las 19:00 horas con la entrega del Premio del Público de 2017 a The Pass y el estreno de la película inglesa Kenny, sobre la vida y carrera de la leyenda escocesa del Liverpool FC, Kenny Dalglish. Dirigida por Stewart Sugg, el largometraje documental hace un especial hincapié en el papel jugado por Dalglish en la lucha por la justicia para las víctimas de la tragedia de Hillsborough en 1989.

La cinta que cerrará el festival, el 20 de marzo, será Forbidden Games: The Justin Fashanu Story, un documental de Adam Darke y Jon Carey que recoge la vida y trágica muerte del primer futbolista que decidió salir del armario, el delantero inglés Justin Fashanu. Ese mismo día de la clausura, por otro lado, se estrenará Iragartze, cortometraje de Irene Herrero ganador del concurso Thinking Football-Euskaltel de Videocreación en euskera, que se convoca de nuevo en 2018.

Entre medias, una edición de Thinking Football Film Festival con claro sabor británico (con nada menos que seis películas procedentes de la cuna del fútbol), en el que se recogerán historias de equipos de gestión popular (El equipo de mi barrio), cómo el fútbol puede servir para ayudar a las personas con problemas (Crazy for football), la denuncia social (The Workers Cup), la magia del estadio (The Lane), la dura realidad de los futbolistas sin equipo (Zweikampfer), el racismo y la violencia en las gradas (Forever Pure) o cómo a veces los sueños deportivos se cumplen (Don’t take me home y 89).

Thinking Football Film Festival está organizado por la Fundación Athletic Club con la colaboración de la Sala BBK y el patrocinio principal de Euskaltel. También cuenta con el patrocinio del Hotel Melià Bilbao y BCD Travel, así como la colaboración de Metro Bilbao, Comunitac, el Instituto Italiano de Cultura de Madrid y las revistas Cinemanía, Panenka y Líbero. Los festivales 11mm de Berlín, CineFoot de Brasil y OffSide Film Fest de Barcelona son nuestros festivales amigos.

Como cada año, todas las sesiones serán en la Sala BBK, con entrada libre hasta agotar aforo. Let’s think football!

Lunes 5 de Marzo

19.00h Kenny

Director/a: Stewart Sugg, Título original: KENNY, Año estreno: 2018, País: Inglaterra, Duración: 86 minutos.

«Kenny» cuenta la historia única de un hombre cuya vida y carrera se unieron a la suerte de su ciudad adoptiva, Liverpool. Conocido como ’El Rey’, Kenny Dalglish fue reverenciado por los hinchas reds durante su estancia en el Liverpool FC, donde como jugador y entrenador acumuló nada menos que 27 trofeos. Sin embargo, podría decirse que su mayor desafío surgió después de la tragedia de Hillsborough en 1989, en la que fallecieron 96 hinchas del Liverpool. Tras ella, Kenny Dalglish se convirtió en un faro de esperanza y fortaleza en la lucha por la justicia a las víctimas. Inspirador, poderoso, divertido, pero a veces verdaderamente desconsolador, este es el retrato de un orgulloso hombre escocés que capturó los corazones de todos en Merseyside.

 

Martes 6 de Marzo

18.00h El equipo de mi barrio

Director/a: Rafa de los Arcos, Título original: EL EQUIPO DE MI BARRIO, Año estreno: 2018, País: España, Duración: 52 minutos.

¿Es la industria del espectáculo un monstruo que se ha comido al deporte? El U.C.CEARES es un pequeño equipo de barrio de Gijón que resiste autogestionado, intentando salir adelante con el presupuesto más bajo de la categoría y ensalzando los auténticos valores del fútbol. Su lema lo deja claro: Últimos en dinero, primeros en corazón. Sin embargo, no todo es diversión y alegría en el Ceares. Ser el equipo más humilde de la categoría también provoca una lucha encarnizada contra los elementos para mantener el club a flote. Pero el U.C.Ceares tiene algo que los grandes clubes no tienen: el orgullo de saber que el equipo es de todos los que forman parte de él.

 

20.00h Don’t take me home

Director/a: Jonny Owen, Título original: DON’T TAKE ME HOME, Año estreno: 2018, País: Gales, Duración: 86 minutos.

Dirigida por Jonny Owen, director de la película sobre el increíble Nottingham Forest de Clough “I believe in miracles”, que ya se proyectara en Thinking Football, “Don’t take me home” cuenta la historia del equipo nacional de Gales, desde la trágica pérdida de su seleccionador Gary Speed hasta la gesta en la Eurocopa 2016, en la que llegaron a semifinales después de 58 años fuera de las grandes competiciones de naciones. Se trata de una cinta emocionante, en la que jugadores e hinchas muestran la pasión por unos colores y la esperanza de que el sueño que estaba viviendo en la Euro no se termine nunca.

 

Lunes 12 de Marzo

18.00h Crazy for Football

Director/a: Volfango De Biasi, Título original: CRAZY FOR FOOTBALL, Año estreno: 2018, País: Italia, Duración: 73 minutos.

Un grupo de pacientes procedentes de varios centros de salud mental de toda Italia, un psiquiatra (Dr. Santo Rullo) como director deportivo, un ex jugador de fútbol sala (Enrico Zanchini) como entrenador y un campeón mundial de boxeo (Vincenzo Cantatore) como preparador físico. Estos son los protagonistas de Crazy for Football (Locos por el fútbol), un documental de Volfango De Biasi sobre el primer equipo italiano de fútbol sala que participa en la Copa Mundial de Pacientes Psiquiátricos en Osaka. La película recoge el proceso, desde la selección de los doce integrantes, hasta la participación en el Mundial. Pero nos lleva también por un viaje más profundo: el de la montaña rusa de sentimientos y sensaciones de quienes sufren una enfermedad mental. Un camino zigzagueante entre la salud y la locura, que nos incumbe a todos. Es esta una película, sin embargo, en la que los jugadores y no su enfermedad son los protagonistas, con el objetivo de luchar contra los prejuicios que rodean a los que sufren enfermedades mentales.

20.00h 89

Director/a: David Stewart, Título original: 89, Año estreno: 2018, País: Inglaterra, Duración: 88 minutos

“89” narra la increíble historia de uno de los triunfos más grandes y épicos del fútbol británico: cuando contra todo pronóstico el Arsenal arrebató el título de liga de Liverpool en Anfield en el último minuto del último partido de la temporada 1988/89. Pero va más allá. Es la historia universal de un grupo de compañeros que, dirigidos por carismático entrenador, George Graham, se conjuraron contra las probabilidades para hacer historia. Articulada a través de imágenes de archivo (muchas inéditas) y entrevistas a jugadores (mitos gunners como Tony Adams, Lee Dixon, Ian Wright o Michael Thomas), periodistas, e hinchas (algunos célebres, como el escritor Nick Hornby), 89 es el relato definitivo de un momento decisivo en el fútbol británico.

 

Martes 13 de Marzo

18.00h Forever Pure

Director/a: Maya Zinshtein, Título original: FOREVER PURE, Año estreno: 2018, País: Israel, Duración: 87 minutos.

El Beitar de Jerusalén es el equipo más controvertido de Israel. Sus hinchas radicales, conocidos como La Familia, se enorgullecen de que el Beitar sea el único equipo profesional israelí que nunca ha tenido un jugador árabe en sus filas. En 2012, el dueño del equipo, Arcadi Gaydamak, un multimillonario nacido en Rusia y candidato fallido a alcalde de Jerusalén, firmó dos jugadores musulmanes de Chechenia. Su presencia en la plantilla provocó el boicot de La Familia, iniciando una batalla ideológica en el seno del club. La cineasta Maya Zinshtein recogió todo el proceso desde dentro, en el vestuario y en la grada, construyendo una historia en la que se mezcla el deporte, la política israelí, el racismo y el fanatismo religioso. Un cóctel en el que se ven atrapados los jugadores, tanto locales como los dos chechenos. Forever Pure es el retrato inquietante de una sociedad conducida hasta el extremismo, donde cientos de espectadores cantan con orgullo «somos el equipo más racista», y donde el ministro de defensa israelí, Avigdor Liberman, legitima la hostilidad alabando al club como una encarnación del nacionalismo. En un momento en que las sociedades de todo el mundo se preparan contra el creciente racismo y el odio irracional al otro-diferente, Forever Pure es una historia que nos advierte sobre el comportamiento de las multitudes, y una mirada comprensiva hacia los seres humanos atrapados en el medio…

20.00h Zweikämpfer

Director/a: Mehdi Benhadj-Djilali, Título original: ZWEIKAMPFER, Año estreno: 2018, País: Alemania, Duración: 98 minutos.

Nico, Micky, Lütti y Benni son futbolistas profesionales que jugaron con éxito como profesionales en la liga alemana durante años. Sin embargo, ahora, pasada la treintena, se encuentran sin equipo. Durante el verano, entrenan con la Asociación de Jugadores, en Duisburgo, junto con otros jugadores desempleados. Durante los amistosos, buscan destacar para encontrar un contrato y volver a casa con él bajo el brazo. A medida que pasa el tiempo, aumenta la presión por encontrar un club. En ese proceso, hinchas, medios, rivales y a veces sus propios familiares, dejan caer sobre los jugadores la sombra del fracaso. Esta batalla por encontrar dónde jugar es una lucha desesperada por recuperar la autoconfianza y su propia identidad como jugadores. Cuando un agente les ofrece jugar para un club en Vietnam, los cuatro futbolistas dudan si aceptar lo que parece una última oportunidad, sabedores de que incluir ese club en su curriculum probablemente sellaría el fin de sus carreras en Europa.

Lunes 19 de Marzo

18.00h The Workers Cup

Director/a: Adam Sobel, Título original: THE WORKERS CUP, Año estreno: 2018, País: Inglaterra, Duración: 88 minutos.

En 2022, Qatar acogerá el mayor evento deportivo del mundo, la Copa Mundial de la FIFA. En este momento, sin embargo, lejos de los focos, centrados en los futbolistas estrella, las instalaciones del torneo están siento construidas con las manos del millón seiscientos mil trabajadores migrantes que viven en Qatar. The Workers Cup (La Copa de los Trabajadores) es un largometraje documental que da voz a los hombres que están trabajando para construir el Mundial. El 60% de la polación de Qatar son trabajadores extranjeros llegados de India, Nepal, Bangladesh, Filipinas y, cada vez más desde África. Estos hombres trabajan en jornadas extremadamente largas a cambio de salarios escasos, y viven aislados en campamentos de trabajo que por ley se mantienen fuera de los límites de la ciudad. La copa se hospedará en el país más rico del mundo. Pero descansará sobre las espaldas de algunas de las personas más pobres. Con un acceso sin precedentes, The Workers Cup se desarrolla en gran medida dentro de un centro de trabajo de Qatar. Los trabajadores que aparecen en la cinta reconocen que se sienten como en una prisión. Oculto entre una autopista y un tramo remoto del desierto, el campamento de Umm Salal está intencionalmente fuera de la vista y fuera de la mente. También lo son los 4000 hombres que viven ahí. El documental se centra en un grupo de hombres del campamento que han sido elegidos para competir en un torneo para los obreros: The Workers Cup. El torneo está patrocinado por el mismo comité que organiza la Copa del Mundo 2022 y 24 empresas de construcción han sido invitadas a presentar un equipo formado por obreros. Durante el transcurso de la copa, el documental sigue a varios obreros que alternan entre dos extremos sorprendentes: héroes en el campo, casi parias en la sociedad fuera de él.

20.00 Boca de Fuego

Director/a: Luciano Pérez Fernández, Título original: BOCA DE FUEGO, Año estreno: 2018, País: Brasil, Duración: 9 minutos.

Ciudad de Salgueiro, en el corazón de Pernambuco, Brasil. En las gradas, el calor castiga a los seguidores. En la radio, Boca de Fuego, enciende la retransmisión. No existe un comentarista deportivo como Boca de Fuego.

 

20.00h The Lane

Director/a: Luke Mellows, Título original: THE LANE, Año estreno: 2018, País: Inglaterra, Duración: 51 minutos.

White Hart Lane fue el estadio del Tottenham Hotspur desde 1899 a 2017, cuando fue demolido para el traslado del club a un nuevo campo. The Lane captura la historia de esos 118 años de vida del estadio del norte londinense, que se elevó desde sus humildes comienzos hasta convertirse en un hito en la ciudad. A través de un impresionante archivo de imágenes y con entrevistas a hinchas, leyendas de los Spurs como Cliff Jones, Pat Jennings, Glenn Hoddle, Ledley King y Ossie Ardiles, jugadores y técnico actuales (Harry Kane, Hugo Lloris y Mauricio Pochettino), The Lane cuenta la historia particular de un club y un estadio especiales, y la universal de un grupo de gente unidos por un escudo al que aman. The Lane fue producido por Pitch International para el canal BT Sport.

Martes 20 de Marzo.

19.00h Iragartze

Director/a: Irene Herrero del Valle, Título original: IRAGARTZE,  Año estreno: 2018, País: Euskal Herria, Duración: 8 minutos.

Cortometraje ganador del primer Concurso de Proyectos de Videocreación Thinking Football. Iragartze Fernández Esesumaga es árbitra asistente en la Tercera División y enfermera. La película sigue su figura, en una mirada que muestra el compromiso del colectivo arbitral por compaginar su día a día con su pasión por el fútbol.

19.00h Forbidden Games. The Justin Fashanu Story

Director/a: Adam Darke y Jon Carey, Título original: FORBIDDEN GAMES: THE JUSTIN FASHANU,  STORY, Año estreno: 2018, País: Inglaterra, Duración: 80 minutos.

Justin Fashanu saltó a la fama en 1980 después de anotar el gol de la temporada contra el Liverpool, liderando una generación de futbolistas negros que se incorporaban a la liga inglesa. Abandonado como niño y criado por una familia adoptiva blanca en el Reino Unido, su infancia fue ciertamente dura. Pero a pesar de la intolerancia y la intimidación de los hooligans durante la época de Thatcher, Fashanu abrió su propio camino al convertirse también en el primer deportista abiertamente gay. Tenía el talento, la ambición y el carisma para convertirse en uno de los futbolistas más relevantes que Inglaterra haya visto en su historia, y sin embargo terminó suicidándose en 1998, tras una carrera llena de altibajos y polémicas. A través de un acceso sin precedentes a entrenadores, compañeros de equipo y familiares -entre ellos su hermano John, quien hizo carrea en el Wimbledon de los noventa-, los cineastas Adam Darke y Jon Carey presentan una de las historias deportivas más fascinantes y finalmente trágicas que jamás ha existido. Forbidden Games no solo explora la batalla de Justn Fashanu contra los prejuicios raciales y sexuales en el fútbol, sino también la idea de que no todos están listos para la fama y riqueza prematura que el fútbol a veces provee.

La penumbra de Michelle Pfeiffer, tráiler y póster de «Where Is Kyra?»

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El pasado 2017 fue un año ciertamente fructífero en lo concerniente al retorno a la gran pantalla por parte de Michelle Pfeiffer, películas como Murder on the Orient Express, Madre! o la televisiva The Wizard of Lies han supuesto una buena carta de presentación en lo relativo a esta vuelta al cine por parte de una de las actrices más icónicas de los años ochenta y noventa, Where Is Kyra?, cuyo tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, se une a los trabajo antes mencionados, en esta ocasión a través de un drama independiente dirigido por Andrew Dosunmu (Restless City 2011, Mother of George 2013) que tuvo su premier mundial hace un año en el festival de Sundance y que verá la luz en los cines estadounidenses el próximo 6 de abril.
Where Is Kyra? nos sitúa en Brooklyn, Nueva York, en dicha ciudad vemos como Kyra (Michelle Pfeiffer) pierde su trabajo y lucha por sobrevivir una vez han desaparecido los pocos ingresos que le llegaban por cuidar a una mujer mayor enferma. Pero a medida que pasan las semanas y los meses, sus problemas empeoran. Esto la lleva a un tomar un camino arriesgado y enigmático que amenazará incluso con su vida.
La película con guion del propio Andrew Dosunmu junto a Darci Picoult y música compuesta por Philip Miller está protagonizada por Michelle Pfeiffer, Babs Olusanmokun, Kiefer Sutherland, Suzanne Shepherd, Marc Menchaca, Celia Au, Gabe Fazio, Anthony Okungbowa, Mauricio Ovalle, Hubert Point-Du Jour, Nimo Gandhi, Bradley W. Anderson y Elizabeth Evans.

Cine y navegación. Los siete mares en setenta películas

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Cine y navegación. Los 7 mares en 70 películas es un libro que une las dos profesiones de su autor, Fernando de Cea: la de marino y la de crítico de cine. Contiene una selección de reseñas de las mejores películas sobre navegación, con comentarios, datos históricos y curiosidades propias del entorno marítimo. Una obra que gustará a los aficionados al cine y a la historia, pero que también atraerá enormemente a quienes les interese todo lo relacionado con la mar.

Un trabajo actual que aborda cintas clásicas y modernas; películas que van desde El capitán Blood, El motín del Caine o Capitanes intrépidos hasta Piratas del Caribe, Capitán Phillips o Master and Commander. Centrado en 70 de las cintas más representativas del género, pero con referencias a más de 500 películas.

Una obra tan original que apenas existen libros publicados sobre el tema y, desde luego, ningún ensayo tan riguroso, ameno y documentado como el que ahora se brinda al lector.

«El cine ha expresado su fascinación por todo lo que tiene que ver con la mar y los océanos, tal como demuestran los cientos de películas que han tratado el tema desde los comienzos del cinematógrafo hasta nuestros días. No es de extrañar que un medio de divulgación tan popular como el cine se encargue de dar a conocer los secretos que esconde un ámbito tan desconocido como la mar. Que una fábrica de sueños ofrezca al espectador, que se encuentra a salvo, sentado cómodamente en su butaca, la posibilidad de ser partícipe de aventuras, de ser testigo de la historia o de sufrir calamidades navegando virtualmente por el océano».

ÍNDICE:

Introducción

  1. AVENTURAS

1.1 Aventura y Mitología.

Ulises

Jasón y los argonautas

Los Vikingos

 

1.2 Una de piratas.

La isla del tesoro

El capitán Blood

El halcón del mar

El cisne negro

El capitán Kidd

La mujer pirata

El temible burlón

Piratas del Caribe

 

1.3 Motines y Guerras Napoleónicas.

Rebelión a bordo

La fragata infernal

El hidalgo de los mares

Master and Commander

 

1.4 Clásicos de la literatura.

Capitanes intrépidos

El lobo de mar

Almas en el mar

Lobos del Norte

El demonio del mar

El mundo en sus manos

Moby Dick

Lord Jim

 

  1. BÉLICAS.

2.1 El acorazado Potemkin.

El acorazado Potemkin

 

2.2 Ha estallado la guerra.

Hombres intrépidos

Pasaje para Marsella

Mare Nostrum

El zorro de los océanos

 

2.3 A la caza del lobo solitario.

La batalla del Río de la Plata

¡Hundid al Bismarck!

Bajo diez banderas

 

2.4 El océano en llamas.

Sangre, sudor y lágrimas

Acción en el Atlántico Norte

The Cruel Sea

No eran imprescindibles

El motín del Caine

El final de la cuenta atrás

 

  1. COMEDIAS.

3.1 Un mar de risas y música.

Escala en Hawai

Las tres noches de Eva

Los caballeros las prefieren rubias

La bella Maggie

 

3.2 Grandes cómicos.

El navegante

Pistoleros de agua dulce

Marineros a la fuerza

La princesa y el pirata

 

  1. DRAMAS.

4.1 Romance y locura.

Viaje de ida

Mares de China

El barco de los locos

Y la nave va

La leyenda del pianista en el océano

 

4.2 Catástrofes.

La aventura del Poseidón

Titanic

La tormenta perfecta

 

4.3 A toda vela.

La fuerza del viento

Tormenta blanca

Kon-Tiki

Cuando todo está perdido

 

  1. CRIMEN Y SUSPENSE.

5.1 Cine negro.

Estambul

La dama de Shanghai

Tener y no tener

Punto de ruptura

Armas para el Caribe

 

5.2 Entre el misterio, el thriller y el terror.

El barco fantasma

Náufragos

El cuchillo en el agua

Lunas de hiel

El fin de Sheila

Calma total

Capitán Phillips

Niebla

Agradecimientos

Bibliografía

Índice de películas citadas pertenecientes al Cine del Mar.

 

El autor

Fernando de Cea Velasco (Madrid, 1958) es capitán de fragata de la Armada, licenciado en Economía y crítico de cine. Colaborador habitual de revistas culturales, ha publicado artículos, reseñas y críticas en prensa escrita, medios digitales y en su blog de cine, El blog de Ethan (elblogdeethan.blogspot.com).

Es autor de las novelas Puentes y sombras, Cenizas para un blues, La habitación 104, El suave roce de tu pelo y Visibilidad Cero; y del ensayo El autoremake en el cine. ¿Obsesión o repetición? (T&B Editores, 2014). Sus libros, reseñas, entrevistas y demás documentación multimedia pueden consultarse en www.fernandodecea.com.

Autor; Fernando de Cea Velasco, Editorial; Berenice (grupo Almuzara). Páginas; 400

La poética del cowboy, tráiler de «The Rider»

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Con tan solo un largometraje en su haber (Songs My Brothers Taught Me 2015) la realizadora Chloé Zhao consiguió labrarse un cierto nombre dentro del circuito de nuevos talentos del actual cine independiente norteamericano, al parecer su segundo trabajo tras las cámaras The Rider, cuyo tráiler y póster oficial podéis ver a final de páginas, va camino de ser la confirmación de su autora si nos atenemos a las buenas reacciones que ha cosechado en su muy extenso paso por certámenes cinematográficos durante el pasado año además de sus cuatro nominaciones (película, director, fotografía y montaje) en los próximos Independent Spririt Awards. El film interpretado por actores no profesionales se adentra a medio camino entre la ficción y el documental en la figura masculina del cowboy a través de un realismo de tono trágico y lirico. The Rider que clausurará la inminente edición del Americana Film Fest tendrá un estreno en cines españoles aun con fecha por confirmar de la mano de Caramel Films.

En The Rider vemos como Brady, que fue una de las estrellas del rodeo y un talentoso entrenador de caballos, sufre un accidente que le incapacita para volver a montar. Cuando vuelve a casa se da cuenta de que lo único que quiere hacer es montar a caballo y participar en rodeos, lo que le frustra bastante. En un intento por retomar el control de su vida, Brady emprende un viaje en busca de una nueva identidad y del significado de lo que es ser un hombre en el corazón de América.

La película con guion de la propia Chloé Zhao y música a cargo de Nathan Halpern está protagonizada por Brady Jandreau, Tim Jandreau, Lilly Jandreau, Cat Clifford, Terri Dawn Pourier, Lane Scott, Tanner Langdeau, James Calhoon y Derrick Janis.

«Brawl in Cell Block 99» review

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Bradley es un ex boxeador con un matrimonio a punto de romperse que pierde su empleo como mecánico de coches. Debido a esta sensación pesimista, acaba decidiendo que su mejor opción es trabajar para un viejo amigo como traficante de drogas. Esta decisión mejorará su vida hasta que se ve envuelto en un tiroteo entre la policía y sus aliados; situación que le acaba llevando a la cárcel.

Con tan solo dos largometrajes en su haber el realizador norteamericano S. Craig Zahler parece haberse consolidado por méritos propios como un referente (aunque siempre dentro de un reducido círculo que reconoce plenamente y sin atisbos de duda su inconfundible trazo autoral) esencial en lo concerniente a esa raza de autores que a día de hoy parecen surgir de manera cada vez más minoritaria y que dan visos en estar empeñados un poco en ir a contracorriente en aplicar sugerentes relecturas y mezclas (que en ningún caso modificaciones estructurales) de códigos genéricos de la serie B norteamericana más caustica y genuina, si ya en su anterior y esplendida Bone Tomahawk (premio al Mejor Director en Sitges 2015) demostró una inusitada habilidad en tal cometido es en Brawl in Cell Block 99 en donde da un paso al frente, una suerte de noir de presidios en donde no solo perfecciona la narrativa a la hora de desarrollar conflictos en lo referente a dicho posicionamiento autoral sino que logra llevar al espectador por tránsitos algo imprevisibles a través curiosamente de un material plenamente reconocible.

La grandeza que reside y podemos encontrar en una película de las características de Brawl in Cell Block 99 y por ende en el cine S. Craig Zahler en general está en ver lo irreductible de su posicionamiento, una metáfora de la sangre transformado en ejercicios no solo provistos de una libertad creativa hoy en día prácticamente inexistente sino ejecutados a modo de una declaración de pertenencia incondicional a lo que podríamos denominar como un reconocible espíritu del Grindhouse más desaforado, a la serie B de videoclub, a la referencia y al homenaje expuesto sin ningún tipo de impostura, y esto es lo realmente importante, todo ello expuesto a través  del conocimiento a dichas referencias que circunvalan dicho culto cinematográfico, en este sentido no basta con escanear pautas y modelos con excesivos manierismos y exponerlos a modo de pleitesía como últimamente vemos repetidamente en esa equivocada y vacua exposición de la nostalgia ochentera que parece estar de muy de moda, aquí no hay lugar a dicha nostalgia pero si a potenciarla a través del conocimiento que rigen sus propias reglas y pautas genéricas. Brawl in Cell Block 99 es la quintaesencia del thriller carcelario por excelencia, violento y oscuro, exacerbado hasta la extenuación, el film representa un viaje y posterior bajada sin posibilidad de retorno a los infiernos por parte de un excelso Vince Vaughn (performance one man show en cada uno de los encuadres del film e inexplicablemente ausente en el palmarés del último festival de Sitges), Craig Zahler al igual que en su anterior trabajo tras las cámaras se toma su tiempo en darnos pistas, se intuye claramente que todo tiende a ir mal, en que no hay visos de mejora y que inexorablemente la historia parece predestinada a abordar el estallido como único recurso de redención, hay un profundo drama familiar en sus primeros cuarenta minutos que no deja de ser un camuflaje muy característico en la narrativa que veremos a continuación, generar paroxismo a través de una visceralidad animal que no se ampara en el virtuosismo o en la espectacularidad de sus escenas más virulentas y si en una cierta tosquedad, aquí lo que parece predominar es un viaje o descenso a los infiernos, una narrativa que hasta ese momento ha ido in crescendo con el escenario final de esa cárcel de contornos tan irreales como fantasmagóricos, a la deshumanización en definitiva como única vía posible de escape que parece estar predestinado el destino del protagonista principal.

Ojala en un futuro que parece no presentarse muy lejano S. Craig Zahler, cuyo ámbito natural por lógica deviene como muy claro dada su estilo y naturaleza, no se deje seducir por los cantos de sirenas provenientes de los grandes estudios para empresas supuestamente mayores, en cierta manera seria un paso lógico dado su innegable talento, pero analizando de una forma detenida su cine o las virtudes que le suelen orbitar este sería ciertamente imposible o muy difícil de llevar a cabo a través de dicho medio, posiblemente nos ofrecería otra visión igualmente interesante pues el talento es inherente y está ahí pero no sería desde luego la que hasta ahora hemos conocido y disfrutado de una forma tan incondicional por algunos como la buena y autentica serie B que en toda la amplitud del término suele proyectar su cine, un cine en definitiva provisto de un talante ciertamente inexorable en lo referente a sus propios postulados.

Valoración 0/5: 4

La nueva realidad, tráiler de «Las herederas»

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Recién inaugurada una nueva edición del festival de Berlín empiezan a llegar los primeros avances de algunas de las películas que se podrán ver en el certamen alemán, Las herederas cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página supone el debut en el largometraje del joven realizador Marcelo Martinessi, dándose la circunstancia de ser la primera película de nacionalidad paraguaya en la historia que competirá por el Oso de Oro. Marcelo Martinessi que con anterioridad había estado presente en la Berlinale con sus cortometrajes Karai Norte 2009 y Calle Última 2011 (su último trabajo en este formato La Voz Perdida 2016 ganó el premio al mejor corto en el festival de Venecia) se adentra en esta ocasión en un universo marcadamente femenino con una fuerte carga social impregnada en el relato.
Las herederas nos narra la historia de Chela y Chiquita, dos mujeres de la sociedad paraguaya que tras treinta años de vivir juntas y después de heredar un suficiente patrimonio para vivir cómodamente ven como a sus 60 años el dinero ya no alcanza, la situación de ambas cambia por completo en el momento en que Chiquita es enviada a prisión por deudas de impago, Chela no tendrá más remedio que trabajar en un servicio de taxi para las señoras mayores adineradas del vecindario. En su nuevo papel como chofer, conoce a una delas hijas de las mujeres, la joven Angy, con la que empieza un fuerte e inesperado vínculo emocional.
La película con guion del propio Marcelo Martinessi está protagonizada por Ana Brun, Margarita Irún, Ana Ivanova, Nilda Gonzalez, María Martins, Alicia Guerra  y Yverá Zayas.

Programación completa del Americana 2018

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El Festival de Cine Independiente de Barcelona llega a su quinta edición y para celebrarlo se alarga un día más respecto al año anterior. Así, Americana comenzará el martes 6 de marzo y nos acompañará hasta el siguiente domingo, 11 de marzo.

Como ya viene siendo habitual en las últimas ediciones la inauguración será en la Sala Phenomena, el martes 6 de marzo a las 20:00h, en una sesión a la que se podrá asistir exclusivamente con invitación. Algunas se podrán conseguir mediante las redes sociales durante los próximos días. El resto del festival se celebrará, como cada año, en las tres salas de los Cinemes Girona de Barcelona. Los precios de las entradas serán de 6 euros por película, con la opción de comprar un abono de cinco sesiones compartible por 25 euros.

Un año más la diseñadora gráfica Glòria Bonet propone una imagen para el festival que quiere transportarnos a la esencia del imaginario americano. Esta vez con un guiño a las omnipresentes barras y estrellas, que toman cuerpo en el paisaje urbano nocturno de un barrio cualquiera que todos podríamos reconocer.

La presente edición está formada por un total de 28 largometrajes repartidos en las tres características secciones del festival: Tops, Next y Docs, además de las habituales sesiones gratuitas de Movistar+. También contamos con 20 cortometrajes que se proyectarán dentro de dos sesiones específicas y dos más incluidos en la sección Tops. Además este año colaboramos con una retrospectiva en la Filmoteca de Catalunya y se comienza una ruta que llevará el festival por diferentes localidades de Cataluña y España.

Americana TOPS, con las cintas más galardonadas y los directores más reconocidos del indie actual, está compuesta por once títulos. Beach Rats trata el tema de la adolescencia y la homosexualidad en un entorno en que la delincuencia es una amenaza. Con una fotografía espectacular, interpretaciones naturales y el encanto del parque de atracciones de Coney Island de fondo, la segunda película de la directora Eliza Hittman ha conseguido multitud de premios, destacando el de mejor dirección en el Festival de Sundance. El osito más enternecedor pero también más triste que se ha visto en una pantalla, Brigsby Bear, llega a Americana después de pasar y triunfar por festivales como Sundance, Cannes o Sitges. Brigsby Bear es una historia de superación, de segundas oportunidades, de anhelos artísticos y de amistad tan divertida como emotiva. También proyectaremos Gemini, la última cinta del prestigioso director Aaron Katz, un thriller con crímenes, estrellas de Hollywood, amistad y fama, muy inquietante y que ha estado en festivales como SXSW y Locarno. Uno de los platos fuertes de esta edición será la proyección de Golden Exits, la última película de Alex Ross Perry, el gran invitado del festival este año y que nos presentará su último trabajo personalmente, así como alguna de las proyecciones de la retrospectiva completa que se le dedicará en la Filmoteca de Catalunya. Golden Exits, como es habitual en los films del director, tiene un casting excepcional y cuenta con la presencia de Elily Browning, Mary-Louise Parker o uno de sus habituales, Jason Schwartzman y trata de la inestabilidad en las relaciones de dos parejas ante la llegada de una joven estudiante al barrio. Otro gran nombre del indie, Aubrey Plaza, protagoniza la comedia Ingrid Goes West, ganadora del mejor guión en Sundance y que nos habla de la adicción a las redes sociales y el peligro de desconexión de la realidad que le puede suponer a una mente débil estar enganchado a ellas. Otro de los nombres propios de esta edición de Americana es Harry Dean Stanton, fallecido recientemente. Con una filmografía excepcional se despide después de componer un personaje entrañable como legado cinematográfico. Lo comprobaremos al ver Lucky, donde ficción y realidad se dan la mano para hablarnos de un viejo ateo de 90 años que convive con su aparente intranscendencia cotidiana.

Menashe, hablada íntegramente en jiddish y seleccionada en más de 15 festivales de todo el mundo, explora la naturaleza de la fe y el precio de la paternidad dentro de una comunidad judía ultra ortodoxa de Brooklyn. The Rider, la película de clausura de este año, premiada en Cannes, Valladolid, Hamburgo y multitud de festivales, trata un tema tan propio del cine americano como la figura del cowboy, pero ofrece una visión muy diferente, tan sutil y poética como triste y conmovedora. Rodada por actores no profesionales y con la grandeza de Dakota del Sud como escenario de fondo, la segunda cinta de la directora de origen chino Chloé Zhao es una de las sorpresas del año. El último largometraje de TOPS es Weirdos, canadiense, rodada en exquisito blanco y negro, en que tienen cabida la juventud, el autostop y una aventura llena de rock. Muy celebrada en su paso por Berlín, Toronto o Gijón. Una película que nos hará pasar un gran rato y dejar de lado todos los complejos es Patti Cake$, nominada a la Cámara de Oro en el pasado festival de Cannes. Una comedia en defensa de las minorías en clave de rap que está nominada al premio a la mejor ópera prima a los Independent Spirit Awards. Finalmente, TOPS presenta una sesión con los dos últimos cortos de Don Hertzfeldt, los dos episodios de World of Tomorrow, la filosófica y futurista obra del animador de cine independiente americano más reconocido en la actualidad. Con su estilo minimalista habitual, Hertzfeld cierra la historia que inició hace tres años y que le valió la nominación al Oscar y multitud de premios. La sesión de Americana (que costará tres euros) será una oportunidad de oro para ver juntos y en pantalla grande, tal como merecen, los dos grandes trabajos del realizador de California.

Nuestras nueve apuestas de futuro que forman la sección de Americana Next empiezan con Dayveon, una ópera prima presente en Sundance en que un adolescente de trece años se convierte en el cabecilla de una banda criminal de una ciudad rural de Arkansas. Don’t Think Twice nos habla de unos amigos que tienen un grupo de teatro de improvisación en Nueva York y de cómo su relación se ve afectada a partir de la irrupción de la televisión en uno de sus espectáculos y de la posible fama que puede suceder a alguno de los miembros del grupo. Flesh and Blood navega entre el documental y la ficción para explicarnos la historia de un hombre que acaba de salir de la cárcel e intenta rehacer su vida. Los personajes del film se interpretan a sí mismos. La cinta estuvo presente en el festival de SXSW. Gook será la cinta inaugural de esta edición de Americana. Una historia de amistad cotidiana rodada en blanco y negro y con el problema del racismo de fondo. La cinta fue la ganadora de la sección Next del festival de Sundance. Rotterdam, SXSW y de nuevo Sundance avalan Lemon, una singular comedia alrededor de un director de teatro con carácter irritante que verá puesta a prueba su estabilidad mental en el momento en que un actor lo deje en evidencia y además, su matrimonio se agote. Saturday Church estuvo en Tribeca y ha ganado multitud de premios en festivales LGTB+. Trata de un adolescente de 14 años en lucha con su identidad de género y su religión. Para evadirse necesitará dar alas a sus fantasías. A Sylvio un gorila con rasgos humanos sufre una crisis de identidad al verse involucrado en un late-night de una televisión local. Una crítica mordaz a nuestro sistema de vida y a los programas de televisión que consumimos. The Endless, por otro lado, mezcla sectas, ciencia ficción y viajes temporales consiguiendo ser una de las grandes sorpresas del año dentro del panorama fantástico. Justin Benson y Aaron Moorhead dirigen, escriben, fotografían e interpretan a los protagonistas de esta película presente en Tribeca y en Sitges. Cierra NEXT un thriller, The Strange Ones, en que un joven y un niño atraviesan los Estados Unidos en coche. Parece que vayan a pasar unas bonitas vacaciones rurales en familia. Pero no. Detrás dejan un hecho espantoso del que intentan escapar.

Las variadas realidades de Americana DOCS las forman cuatro películas. La última y esperada cinta del prestigioso Frederick Wiseman, Ex Libris: The New York Public Library, en que durante más de tres horas tendremos el privilegio de conocer una de las instituciones más extraordinarias de los EEEUU, la biblioteca pública de Nueva York. Ganadora del premio Fipresci y nominada al León de Oro de Venecia, entre muchos otros reconocimientos. Jane, por otro lado, acumula más de 40 premios y nominaciones alrededor del mundo. National Geographic pone al alcance de Brett Morgen material inédito para reconstruir la famosa investigación con chimpancés llevada a cabo por Jane Goodall. Dina, ganadora del Gran Premio del Jurado al mejor documental en el Festival de Sundance, nos habla de la extraña pero increíble historia de amor entre una mujer, la Dina del título, con heridas físicas y psicológicas después de ser maltratada por su anterior pareja y Scott, un hombre con síndrome de Asperger. Finalmente en DOCS también proyectaremos The Work, en que un camarero, un profesor y un comisario de exposiciones se adentran en la prisión de Folsomper para realizar una terapia de grupo con diferentes presos. Sin diferencias, todos los asistentes intentarán liberar su dolor de la manera más sincera posible.

A todos estos largometrajes hay que sumar las tres películas gratuitas de las sesiones de Movistar+. Durante el festival, en los Cinemes Girona, se proyectará Dave Made a Maze, una divertida y creativa cinta sobre un hombre que construye un laberinto de cartón en su casa y se pierde dentro. Estuvo presente en el pasado Festival de Sitges ganando el Premio Nuevas Visiones. También en los Cinemes Girona se podrá ver Miss Stevens, donde la señorita del título ha de cuidar a tres de sus estudiantes durante un viaje de fin de semana con destino a un concurso de teatro. Durante el viaje, se explora la fina línea entre ser un adulto y un niño. Finalmente, el viernes 2 de marzo, a poco de empezar el festival, en el MWC de Pl.Catalunya se podrá ver I am Heath Ledger, un documental que recorre la vida del desafortunado artista de la mano de su familia, de sus conocidos y de él mismo.

Americana SHORTS contará con 20 cortometrajes distribuidos en dos sesiones completamente diferentes que se proyectarán en los Cinemes Girona. Las entradas para estas sesiones costarán tres euros, pero también se podrá ver una de ellas de forma gratuita en La Casa del Cine el jueves 22 de febrero, a las 19h. Entre los cortos elegidos tenemos Deklab Elementary, nominado a los Oscar de este año, así como el ganador de Sundance y SXSW, Laps. Además tendremos la suerte de contar con la presencia de Fredric Lehne, director del corto Shy Guys y actor con una enorme experiencia, sobre todo televisiva, ya que ha salido en series como Dallas y Lost y también en películas como The Dark Knight o Zero Dark Thirty. También proyectaremos dos cortos del director Jim Cummings, autor de la fantástica Thunder Road, la gran sensación de la edición de SHORTS del año pasado, titulados It’s All Right, It’s Ok y The Robbery.

Además recordad que los más pequeños (a partir de 5 años) podrán disfrutar de Americana KIDS y realizar su primera película en stop motion. A diferencia de las anteriores ediciones, estos talleres se realizarán en La Casa del Cine el sábado 10 y el domingo 11 de marzo de 11h. a 13h. y costarán 5 euros por niño.

Y también en La Casa del Cine podréis disfrutar de los talleres y seminarios “El crítico del cine al desnudo: La crónica del festival” impartido por Manu Yáñez y que incluye ser jurado de Americana; “Funambulistas americanos” a cargo de Sergio Morera y finalmente “La campaña de promoción cinematográfica”, un curso impartido por Ana Sánchez y Josep Maria Bunyol. Además, como decíamos al inicio, en esta quinta edición de Americana tendremos como invitado al director Alex Ross Perry, que aprovechará su presencia en Barcelona para presentar su último film, Golden Exits, así como la retrospectiva completa que le dedicará la Filmoteca de Catalunya entre los días 2 y 28 de marzo. Una retrospectiva que incluye sus anteriores cuatro trabajos: Impolex, The Color Wheel, Listen Up Philip y Queen of Earth.

Finalmente, las actividades del festival se completarán con sesiones matinales para institutos bajo el título “Young Americans” y dos sesiones de industria: “The American Way” con la presencia de Alex Ross Perry que nos hablará de cómo hacer cine indie en una industria tan grande como la de los EEUU y “Out Loud”, en que Elena Neira, Ana Sánchez, Marina Queraltó y Glòria Bonet nos hablarán de la comunicación de un festival desde cuatro vertientes diferentes.

Además, por primer año Americana viaja por cineclubs de Cataluña como Igualada, Vilafranca, Manresa, Vic y La Garriga, además de visitar importantes espacios culturales de la geografía española como Tabakalera de San Sebastián, La Casa Encendida de Madrid o el Espai Rambleta de Valencia. A este viaje en que se proyectarán algunas de las películas de Americana de la actual edición lo hemos bautizado con el nombre de Route 66.

Para más información podéis consultar en web y programa de mano.

Primer tráiler de «Grass», lo nuevo de Hong Sang-soo

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Si el pasado año tuvimos triple ración de Hong Sang-soo con la magnífica On the beach at night alone junto a Claire’s Camera y The Day After este 2018 empieza bien pronto con respecto a la productividad del director coreano, Grass, cuyo primer tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página, y que supone el título 22 en la carrera de Hong Sang-soo estará presente en el inminente festival de Berlín dentro de la sección Forum, certamen en donde suele ser un habitual desde el año 1997 en donde presento su opera prima The Day a Pig Fell Into the Well, recordemos que en la pasada edición del festival alemán la extraordinaria Kim Min-hee se alzó con el Oso de Plata a la Mejor Actriz por su papel en On the beach at night alone.
Grass nos sitúa en una historia melancólica y alegre sobre los clientes de un café cuyos dueños son fanáticos de la música clásica. Kim Minhee interpreta a una de las clientas habituales, una mujer que siempre se sienta en una esquina a escribir en su ordenador. Ella encuentra la inspiración en los diálogos que se suceden a su alrededor y, de alguna forma, los adapta y transforma a su gusto introduciéndose ella misma en la historia. ¿Será ella la autora real de todo lo que sucede a su alrededor?
La película con guion del propio Hong Sang-soo como viene siendo norma habitual está protagonizada por Kim Minhee, Jung Jinyoung, Ki Joobong, Seo Younghwa, Kim Saebyuk, Ahn Jaehong y Gong Minjeung.

Koldo Serra dirigirá a Emma Suárez, Nathalie Poza y Hugo Silva en «70 binladens»

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Koldo Serra (Gernika, Bosque de Sombras) comenzará en unas semanas el rodaje de su nueva película, 70 binladens, protagonizada por Emma Suárez, Nathalie Poza y Hugo Silva y producida a cargo de Sayaka Producciones SL, Pokeepsie Films y La Panda.

En este film, Emma Suárez es Raquel, una mujer desesperada. Su situación personal le ha llevado a una coyuntura en la que necesita 35.000 euros (conocidos coloquialmente como 70 binladens) y los necesita en las próximas 24 horas. Su última esperanza es un préstamo bancario. La irrupción de dos atracadores (Nathalie Poza y Hugo Silva) cuando está a punto de cerrar la transacción complicará la situación a Raquel, que no tiene opción: El tiempo corre en su contra y tiene que salir de allí con el dinero, al precio que sea.

Produce Sayaka Producciones (Nahikari Ipiña, Borja Cobeaga, Borja Crespo, Nacho Vigalondo y Koldo Serra), productora de Colossal, Gernika, Negociador y Open Windows, entre otras.

La producción de 70 binladens cuenta además con Pokeepsie Films, productora de Álex de la Iglesia y Carolina Bang, con la que pretenden dar salida a nuevos talentos y LA PANDA, responsables de títulos como 10.000 KM o Tierra Firme.

El rodaje de este thriller con guión de Javier Echániz, Asier Guerricaechebarria y Juan Gil Bengoa, se desarrollará en Bilbao a partir de marzo y cuenta con la participación de RTVE, ETB y Movistar +. La distribución y ventas internacionales irán a cargo de FILMAX.

Sitges visita el South by Southwest de Texas

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El Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya participará en dos sesiones del popular festival de Austin. El prestigioso festival South by Southwest (SXSW) de Austin (Texas) abre la puerta a Sitges. El Festival de Sitges participará en dos paneles profesionales, el próximo 13 de marzo, donde podrá exponer su modelo y la condición de primer certamen de cine fantástico del mundo.

La presencia de Sitges se concreta en dos sesiones, ambas incorporadas en las populares Mentor Sessions de SXSW. Por un lado, la subdirectora de la Fundación organizadora del Festival, Mònica Garcia Massagué, participará en una mesa redonda con otros representantes de festivales internacionales, como el American Film Festival, el Melbourne International Film Festival y el Doqumenta de México. La mesa tendrá una orientación profesional y pondrá el foco de atención en la participación de la industria audiovisual en los festivales. En los últimos años, Sitges ha abierto varias líneas de presencia y participación de la industria en sus actos paralelos, que le han permitido ser destinatario y canalizador de varios proyectos audiovisuales.

La otra sesión tendrá como protagonista a Diego López, miembro del comité de programación del Festival, y expondrá los criterios en la selección de películas de un festival como el de Sitges y los procesos y estrategias a seguir por un director una vez seleccionados en la programación oficial.

En los últimos años, el Festival de Sitges ha intensificado su presencia en las citas cinematográficas más relevantes del planeta. El año pasado –con motivo de la celebración de la cincuenta edición–, Sitges estuvo presente en el Festival de Cannes, donde organizó dos actos de presentación en sociedad, uno dirigido a la industria audiovisual y el otro orientado a directores y programadores. También el año pasado, la marca Sitges estuvo presente en el Bucheon International Fantastic Film Festival de Corea del Sur –donde se reconoció su trayectoria con motivo de sus 50 años–, el festival L’Étrange de París –donde se proyectan películas programadas en Sitges con motivo de un foco de cine fantástico catalán–, y el de Málaga –donde también se abrieron unas sesiones con sello Sitges.

Un ente en la pradera, teaser tráiler de «Mis demonios nunca juraron soledad»

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El cine de género proveniente de México está dando últimamente muchas alegrías al aficionado al fantástico más inquieto, películas como la magnífica La región salvaje de Amat Escalante o la polémica Tenemos la carne de Emiliano Rocha Minter son solo algunas muestra de ello, ahora el joven realizador Jorge Leyva tras su opera prima Más amaneceres nos propone un sugerente hibrido genérico situado entre en fantástico y el western en su segundo trabajo tras las cámaras titulado Mis demonios nunca juraron soledad, film cuyo primer teaser tráiler y póster oficial podéis ver a final de página. La película según palabras del propio director «surgió de la idea de intentar hacer un western, pero marcado por un estilo que fuera muy mexicano, siempre me gustó mucho las leyendas de mi tierra Sonora sobre chamanes, brujos y hechiceros que viven en la sierra, así que traté de unirlos para poder crear una historia y este fue el resultado»

Mis demonios nunca juraron soledad nos sitúa México 1854, en una cabaña cerca de la frontera de Arizona, un buscador de oro y su mujer son acechados por una misteriosa presencia. Ella presiente algo sobrenatural, pero él, alucinado y convencido de que su joven esposa lo engaña con otro colono, decide ir tras él y capturarlo. En su caza terminará descubriendo un terrible secreto guardado en el interior de la montaña.

La película con guion del propio Jorge Leyva y música a cargo de Alejandro Karo está protagonizada por Manuel Uriza, Javier Godino, Paulette Hernandez, Noé Hernández, Sergio Galindo y Osvaldo Sanchez.

La 66 edición del Festival de San Sebastián dedicará una retrospectiva a la directora y guionista británica Muriel Box

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Filmoteca Española y el Festival de San Sebastián organizan, en colaboración con Filmoteca Vasca, Filmoteca del Institut Valencià de Cultura y el Museo San Telmo, una retrospectiva dedicada a Muriel Box.

Muriel Box (1905-1991) se caracterizó a lo largo de toda su obra como escritora y directora, desarrollada entre 1945 y 1964, por tratar temas complejos y prohibidos –como la prostitución, el abuso de menores, el aborto, los hijos ilegítimos o el sexo en la edad adolescente–, de manera muy clarividente y valiente teniendo en cuenta el contexto social y político en el que se produjeron aquellas películas. Su aportación en relación a estas temáticas es fundamental en el cine inglés de los años cincuenta y la primera mitad de los sesenta.

Como ocurre con las estadounidenses Dorothy Arzner –objeto de una retrospectiva en el Festival de San Sebastián de 2014– e Ida Lupino, la revisión actual de su filmografía parece esencial para establecer un discurso feminista y una reivindicación del importante papel de las realizadoras en distintos contextos y cinematografías. Pese a gozar de un cierto prestigio cinéfilo, son pocos los estudios sobre su obra y apenas aparece reseñada en las historias generales del cine.

Muriel Box responde además al canon del cine independiente a pesar de trabajar con temáticas propias de los géneros clásicos y populares, como el melodrama, la comedia, el policíaco o el cine de época. Su obra como directora queda inscrita en un periodo de cambios en el cine británico, el de las comedias de la productora Ealing, la obra de otros independientes como Michael Powell y Emeric Pressburger y el nacimiento de la práctica documental crítica que derivaría en el Free Cinema.

Nacida el 22 de septiembre de 1905 en New Malden (Surrey), con el nombre de Violette Muriel Baker, comenzó en el cine como script. En 1935 contrajo matrimonio con el escritor Sydney Box, con quien crearía cinco años después Verity Films, una productora destinada a financiar cortos de propaganda bélica durante la segunda guerra mundial. La hermana de Sydney, Betty Box –una de las productoras inglesas más influyentes de los cincuenta–, colaboró con ellos. Muriel realizó para Verity el corto The English Inn (1941).

Escribió varias obras de teatro con su marido destinadas a compañías amateurs. Cuando después de la guerra Sydney se convirtió en el director de Gainsborough Pictures, Muriel pasó a ser la responsable del departamento de guiones y codirigió The Lost People (1949), un drama de posguerra iniciado por Bernard Knowles y que ella completó en el sesenta por ciento de metraje, cuya acción se desarrolla en un teatro alemán donde dos soldados británicos custodian a varios refugiados.

En 1951, Sydney creó la compañía London Independent Producers, en la que Muriel pudo acometer argumentos que entonces no estaban bien vistos ni en el cine ni en la sociedad británica, casi siempre con guiones escritos por ella y su esposo. Lo hizo a partir de una mezcla entre mirada autoral y cine de género, y ese resulta uno de sus rasgos principales. Aunque gozó de ciertos privilegios, tuvo que enfrentarse a los prejuicios masculinos e incluso femeninos de la industria cinematográfica: un año antes, la actriz Jean Simmons presionó para que no fuera la directora de So Long at the Fair (Extraño suceso, 1950), dirigida finalmente por Terence Fisher y Anthony Darnborough. Muriel Box ha sido definida como una directora que se desanimaba fácilmente pero que era, a la vez, tenazmente ambiciosa.

Dirigió 14 largometrajes entre 1949 y 1964 –además de un cortometraje–, de entre los que destacan sus peculiares comedias románticas en torno a la guerra de sexos: To Dorothy a Son (Herencia contra reloj, 1954), interpretada por Shelley Winters y centrada en las tribulaciones de varios personajes para cobrar una herencia; Simon and Laura (1955), con Peter Finch y Kay Kendall en los papeles de una pareja de actores de la vida real que se convierten en protagonistas de un programa de la BBC; The Passionate Stranger (1957), con Ralph Richardson como el chófer que tiene una idea equivocada de su jefa, Margaret Leighton, después de leer la novela erótica que ha escrito ella; The Truth About Women (1957), en la que el personaje encarnado por Laurence Harvey revive sus coloristas y exóticas historias de amor en distintos continentes, y Rattle of a Simple Man (1964), el último film de la directora, en el que narra la relación entre un hincha de fútbol muy introvertido y una prostituta.

Brilló igualmente en el drama, con títulos como The Beachcomber (El vagabundo de las islas, 1954), adaptación de una obra clásica de W. Somerset Maugham sobre alcohol, religión, puritanismo y epidemias; This Other Eden (1959), en el que afrontó el tema irlandés al relatar las tensiones en una pequeña ciudad donde se quiere erigir una estatua a un miembro del IRA, y Too Young to Love (1960), una historia de prostitución de menores y aborto ambientada en un juzgado estadounidense y con Thomas Mitchell como el veterano juez. También rodó curiosos relatos criminales: Street Corner (1953), de estilo semi-documental y sobre el trabajo diario de una mujer policía; Eyewitness (Testigo en peligro, 1956), centrado en una mujer que presencia un asesinato en un cine, es atropellada por un autobús y acosada después en el hospital por los criminales, y Subway in the Sky (1959), ambientado en el Berlín de posguerra y protagonizado por Van Johnson y Hildegarde Knef.

En 1946, Muriel ganó el Oscar al mejor guión original por The Seventh Veil (El séptimo velo), filme realizado por Compton Bennett y escrito en colaboración con su esposo. Fue la segunda mujer en obtener un Oscar al mejor guión después de Frances Marion, que lo había ganado dos veces, en 1930 y 1932. Antes de pasar a la realización participó como guionista o productora en películas de Terence Fisher, Compton Bennett y David MacDonald, entre otros directores británicos ilustres de los años cuarenta y cincuenta.

Después de su proyección en el Festival de San Sebastián, la retrospectiva podrá verse en Filmoteca Española, en Madrid, y en la Filmoteca del Institut Valencià de Cultura durante los meses de octubre y noviembre.

Pecado, catarsis y renacimiento, tráiler de «Genesis»

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Buenos tiempos para el cine proveniente de Hungría especialmente en lo relacionado a su buena incidencia dentro del circuito de certámenes cinematográficos, el pasado año películas como On Body and Soul de Ildikó Enyedi, ganadora del Oso de Oro en la última edición del festival de Berlín o Jupiter’s Moon de Kornél Mundruczó presente en Cannes y mejor film en Sitges 2017 son solo algunos ejemplos de ello, el joven realizador Árpád Bogdán con su segundo trabajo tras las cámaras parece seguir dicha línea, Genesis cuyo tráiler subtitulado al inglés y póster oficial podéis ver a final de página estará presente en la inminente edición del festival de Berlín dentro de la sección Panorama, certamen al que vuelve tras presentar en 2007 su notable opera prima Happy New Life.

Genesis nos sitúa en el trasfondo de tres personajes y sus correspondientes historias alrededor de los ataques ocurridos en los años 2008/2009 por parte de grupos de neonazis húngaros contra aldeas romaníes durante los cuales murieron seis personas. Un niño gitano, cuya infancia alcanza un final repentino y drástico cuando pierde a su familia en uno de esos ataques, un joven abogado que bajo la presión de sus superiores se tiene que hacer cargo de la defensa de uno de los hombres que se enfrenta a juicio por su presunta participación en esta serie de asesinatos racistas, mientras investiga el caso entra en contacto con el niño, llamado como testigo, esta reunión casual cambia su perspectiva para siempre. Por otra parte una adolescente también se involucra en el caso cuando salen a la luz los oscuros secretos de su actual novio.

La película con guion del propio Árpád Bogdán con esta protagonizada por Milán Csordás, Anna Marie Cseh, Eniko Anna Illesi, Lídia Danis, Zsolt Kovács, Levente Molnár, Tamás Ravasz, István Szilvási, Szofi Berki y Roland Tzafetás.

La guerra de los clones (Más allá de Star Wars)

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El estreno de La guerra de las galaxias en 1977 provocó una onda cultural expansiva que ha acabado llegando hasta nuestros días, en la que se ha convertido en una franquicia millonaria que inunda nuestras vidas con toneladas de merchandising. Pero este libro no trata de la conocida saga galáctica, sino de sus consecuencias cinematográficas a lo largo de las décadas. Su éxito sin precedentes volvió a colocar las aventuras espaciales de moda y generó montones de imitaciones y derivados. Desde productos rápidos, baratos o poco inspirados a grandes epopeyas de animación, pasando por reinterpretaciones locales facturadas por países como Japón, Turquía o Italia.

En este libro, el equipo de la web El Pájaro Burlón (Javier J. Valencia, Dani Morell, Óscar Sueiro López, Xavier Torrents Valdeiglesias y Víctor Castillo Rodríguez) se dedican a analizar y documentar cuarenta películas surgidas de toda esa fascinación por las naves espaciales, los rayos láser, los robots respondones y los estilismos cósmicos. De las galaxias más resultonas a los agujeros negros más ponzoñosos de la exploitation mundial.

La guerra de los clones: un loco viaje por más de tres décadas de fascinación por las aventuras galácticas, indispensable para todo aquél que, como sus autores, quiera ir más allá de Star Wars.

Autor; Dani Morell, Xavier Torrents Valdeiglesias, Javier J. Valencia, Óscar Sueiro López, Víctor Castillo Rodríguez, Prólogo: Luigi Cozzi, Epílogo: Paco Fox, Editorial; Applehead Team Creaciones, Colección: La Generación del Videoclub; Páginas; 288

La Filmoteca de Cataluña presenta un ciclo dedicado a Pere Portabella como complemento a la exposición que le dedica la Fundación Vila Casas

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La sesión inaugural, con la proyección  L’Umbracle, servirá de homenaje al músico Carles Santos, estrecho colaborador del cineasta, muerto el pasado mes de diciembre.
La exposición «Pere Portabella. Cinema, art i política«, que presenta La Fundació Vila Casas en el museo Can Framis de Barcelona del 12 de febrero al 23 de junio, tendrá un complemento imprescindible en el ciclo que presenta la Filmoteca de Catalunya. La selección de títulos, a cargo del mismo Portabella, servirá para perfilar una figura fundamental de un cine conceptual que, en los años setenta se enfrentaba a la dirección cultural del franquismo. Por otra banda, los jueves del mes de febrero, los cines Texas de Barcelona acogerán la proyección del documental de Pere Portabella El sopar, centrado en una reunión de ex presos políticos celebrada el día de la ejecución de Salvador Puig Antich, en 1974.
Exposición en Can Framis
La muestra sobre Portabella en Can Framis se estructura en cinco ámbitos que exploran las diversas caras de alguien tan polifacético: su trayectoria política se refleja en el retorno del presidente Tarradellas, que él va organizar, el cineasta está presente en los sectores dedicados a Viridiana, coproducida por Portabella, que supuso la vuelta de Buñuel a España y que provoco un escándalo mayúsculo después de ganar la Palma de Oro en Cannes, o en el que se centra en los films que él ha dirigido, Portabella cineasta, que repasa parte de la cinematografía del realizador. Por otra parte la exposición analiza la relación entre Portabella y su entorno artístico, como director de cine, productor y activista político y cultural que ha colaborado con relevantes creadores de vanguardia. El ultimo ámbito de la exposición es Portabella y Miro, se adentra en el vínculo establecido con el pintor mallorquín, con el que colaboro en diversas ocasiones. La obra de Portabella ha entrado en grandes instituciones de arte contemporáneo como el el MoMA, la Tate Modern, el Centre Georges Pompidou, la Documenta de Kassel, el Museu Reina Sofia o el MACBA.
El ciclo de la Filmoteca
El mismo Portabella ha seleccionado el contenido de las cinco secciones programadas por la Filmoteca, entidad que actualmente conserva la totalidad de los materiales que integran su obra. El director presentara personalmente la inauguración del ciclo, el miércoles 14 de febrero, con la proyección d’Umbracle, a partir de un guion de Joan Brossa, que será al mismo tiempo un homenaje al músico desaparecido el pasado 4 de diciembre  Carles Santos, creador inseparable de la filmografía de Portabella, con el cual colaboro repetidamente en la banda sonora e incluso en el guion, con títulos como Die Stille vor Bach o Pont de Varsòvia, también presentes en el ciclo. Esta visión panorámica del universo de Portabella, Premio Nacional de Cinema el 2009 y Gaudí de honor en 2012, se completa con Vampir-Cuadecuc y se cerrara el 28 de febrero con una tabla redonda y la proyección de tres piezas cortas: Art a Catalunya y No al No, de nuevo con la complicidad de Carles Santos, y Mudanza, particularísimo homenaje al poeta Lorca rodado en su casa museo de la Huerta de San Vicente en Granada. A la tabla redonda intervendrán el cineasta Albert Serra, el catedrático Josep M. Català, el director de fotografía Tomàs Pladevall y Esteve Riambau, actual director de la Filmoteca de Catalunya.

 

Secciones del ciclo “Pere Portabella. Cinema, art i política” en la Filmoteca de Cataluña:
Umbracle, Pere Portabella, 1971: Miércoles 14 de febrero / 18.30 h
Homenaje a Carles Santos.
Presentación a cargo de Pere Portabella.
Vampir-Cuadecuc, Pere Portabella, 1970: Miércoles 21 de febrero / 18.30 h
Pont de Varsòvia, Pere Portabella, 1989: Viernes 23 de febrero / 19.00 h
Die Stille vor Bach El silenci abans de Bach Pere Portabella, 2007: Domingo 25 de febrero / 19.00 h

 

Sesión triple de piezas cortas:
Art a Catalunya Pere Portabella, 1992
No al No Pere Portabella, 2006
Mudanza Pere Portabella, 2008: Miercoles 28 de febrero / 18.30 h
Tabla redonda con Albert Serra, Josep M. Català, Tomàs Pladevall y Esteve Riambau
Podéis descargaros documentación y material gráfico AQUÍ

La venganza indígena, tráiler de «Mohawk» de Ted Geoghegan

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Hace un par de años el joven Ted Geoghegan sorprendía a los fans del género de terror con una muy digna serie B titulada We are still here (reseña aquí), una vuelta de tuerca al subgénero de las casas encantadas que desprendía un inconfundible aroma a las películas italianas de los años ochenta como por ejemplo The Beyond o The House by the Cemetery de Lucio Fulci además de contar en su casting con la siempre agradecida presencia de Barbara Crampton, en su segundo trabajo tras las cámaras titulado Mohawk, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, Ted Geoghegan se adentra en una historia a medio camino entre el survival y el film de venganza con la mujer como brazo ejecutor. Posiblemente lo más llamativo de este modesto proyecto sea su ambientación de época, una América colonial que sirve como escenario para unas disputas nada amigables. Mohawk tendrá un estreno simultáneo en cines y VOD en Estados Unidos el próximo 2 de marzo.

Mohawk nos narra como en plena guerra entre británicos y los colonos americanos en el año 1814 una joven mohawk es perseguida por un grupo de implacables soldados renegados después de que alguien de su tribu prendiera fuego al campamento de un soldado estadounidense, lo que les llevará a una batalla en las profundidades del bosque en donde la joven indígena tendrá que utilizar todo lo laberíntico que dicho terreno pueda ofrecer a su favor.

La película con guion del propio Ted Geoghegan junto a Grady Hendrix y música compuesta por Wojciech Golczewski está protagonizada por Kaniehtiio Horn, Ezra Buzzington, Eamon Farren, Justin Rain, Jon Huber, Robert Longstreet, Noah Segan, Ian Colletti, Sheri Foster, Jack Gwaltney, Guy Gane, David La Haye y Wayne W. Johnson.

«Day of the Dead: Bloodline» review

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Day of the Dead: Bloodline nos cuenta como el mundo se encuentra diezmado por unos muertos vivientes que han arrasado prácticamente todo resto de vida existente en el planeta. Un pequeño grupo de personas, formado por científicos y militares se refugian en una antigua instalación subterránea del gobierno. Allí intentan contactar sin éxito con otros grupos supervivientes. Mientras, los doctores investigan el origen del fenómeno, y de su posible cura, a la vez que intentan “domesticar” a un muerto viviente al que mantienen encadenado. A medida que pasa el tiempo, las tensiones entre los científicos y los soldados irán creciendo dentro del grupo.

No deja de ser algo curioso como un director de las características del tristemente recientemente desaparecido George A. Romero ha visto a lo largo de estos últimos años como su primera trilogía zombie ha sido posiblemente la saga cinematográfica más revisionada en forma de remakes en la historia del cine, más sorprendente aún resulta el comprobar el muy irregular bagaje que con que se han saldado estas reinterpretaciones de su obra, si en las dos primeras acometidas realizadas surgieron dos piezas ciertamente inusuales y muy a tener en cuenta como fueron las notables Night of the Living Dead (1990) a cargo de Tom Savini y la adrenalítica Dawn of the Dead (2004) de un primerizo Zack Snyder en lo referente a la ya de culto Day of the Dead (se tendría que revisar y poner como ejemplo de poca ecuanimidad y limitada contextualización critica la desmesurada negatividad con que fue recibida en su estreno comercial), tanto el ignomioso film perpetrado por el otrora notable artesano de genero Steve Miner en 2008 como el film que nos ocupa a continuación son claros ejemplos de lo que podríamos denominar como pobres y por momentos injustificadas injerencias con respecto al material original.

No voy a entrar nuevamente en el sempiterno debate acerca de la necesidad o no de realizar nuevas versiones de films ya existentes, siempre he encontrado un poco absurdo ese posicionamiento de génesis casi fundamentalista e incluso de un cariz casi obtuso en sus postulados en donde se niega sistemáticamente la validez o la mera opción de reinventar la obra original, algo que si se para a pensar un poco detenidamente nunca afectara negativamente a ella, posiblemente todo lo contrario, haciendo enaltecer sus virtudes a la hora de equipararla con su nueva némesis, nunca al revés pues una obra primigenia mejor o peor que su nueva versión es inamovible en lo referente a su status estructural, mi cierta aversión e incluso reticencia a este tipo de films viene dado simplemente a un nivel puramente estadístico, solo hace falta repasar muy por encima las tentativas habidas en estos últimos veinte años para cerciorarse de que en su gran mayoría estas películas han devenido como torpes o fallidas, y lo más preocupante como innecesarias (y aquí entra otra vez en escena la consabida comparativa con el original), Day of the Dead: Bloodline termina siendo una muestra más de la infructuosidad del cometido al que hago referencia.

Lo bueno de Day of the Dead: Bloodline es que difícilmente era hacer una película peor que la realizada por Steve Miner en su día, en este aspecto el film del mallorquín Hèctor Hernández Vicens supera a su más reciente predecesora, aun así el film no logra superar unos mínimos que la conviertan en un producto que eleve la calidad media de los remakes, con las innumerables y muy visibles deficiencias que posee, ese personaje clave en el original que era Bud aquí trasfigurado en un poco creíble y por momentos involuntariamente cómica figura por el que orbita prácticamente toda la narrativa de la película, una pobre y algo limitada puesta en escena, generosa cantidad de personajes de cartón piedra, ese complejo militar que lejos de ser claustrofóbica parece dar una cierta sensación de amplitud y bienestar y un final demasiado abrupto posiblemente debido a la prematura liquidación de su muy evidente exiguo presupuesto, Day of the Dead: Bloodline intenta al menos tímidos escarceos a modo de referencia con respecto al film de Romero, son acercamiento a un nivel casi de atrezo, ese calendario colgado en la pared o las caravanas estacionadas en el interior de la base entre otras referencias, existe como mal menor en el producto una intención que aunque no logra satisfacer de forma clara al fan al menos denotan un esfuerzo y una ligera tentativa de proximidad.

Dejando de lado el análisis de un film que por otra parte no requiere de mucha complejidad no estaría de más resaltar el loable mérito de Hèctor Hernández Vicens, joven realizador que con tan solo un film low cost en su haber (la curiosa El cadáver de Anna Fritz) ha conseguido abrirse por sí mismo camino en el farragoso y complicado mundo de las actuales producciones USA de bajo presupuesto. El gran inconveniente que atesora Day of the Dead: Bloodline subyace en su propia naturaleza de derivado de una obra ya existente, esa condición no favorecen a un film que por otra parte no engaña a nadie en lo referente a su cometido, no deja de ser un producto destinado especialmente al streaming como tantos otros que surgen durante el año, el problema viene dado en como la alargada sombra que proyecta George A. Romero sobre ella logra desvirtualizar por completo una faceta que un principio no deja de ser tan funcional como alimenticia.

Valoración 0/5:2

https://youtu.be/TKc65We4Yhs

Isabelle Huppert en modo dual, tráiler de «Madame Hyde»

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Puede decirse que el realizador galo Serge Bozon con excepción de La France (2007) se ha movido con hasta el momento con bastante solvencia a través de un tono de comedia más bien poco complaciente, películas como Mods (2002) y Tip Top (2013) así lo atestiguan, ahora con su último trabajo tras las cámaras, Madame Hyde, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, vuelve a incidir en dicho género. Madame Hyde es una libre adaptación por parte de Serge Bozon de la novela de Robert Louis Stevenson en donde se nos plantea modo de fábula los conflictos existentes dentro de la educación pública. El film que tuvimos la ocasión de ver en el festival de Sevilla obtuvo el premio a Mejor Actriz para una inconmensurable Isabelle Huppert en el pasado Festival de Locarno, certamen este en donde tuvo su premier mundial.

En Madame Hyde somos testigos de cómo la señora Géquil es una excéntrica profesora que es despreciada tanto por sus compañeros de trabajo como por sus alumnos. Una noche de tormenta, un rayo la alcanza y pierde el conocimiento, cuando recobra el sentido, Madame Géquil se siente completamente cambiada… Pero, ¿podrá controlar a la poderosa y amenazadora Madame Hyde que habita en su interior?

La película con guion del propio Serge Bozon está protagonizada por Isabelle Huppert, José Garcia, Romain Duris, Adda Senani, Guillaume Verdier, Patricia Barzyk, Pierre Léon, Roxane Arnal, Angèle Metzger, Belkacem Lalaoui, Jamel Barbouche, Gernina Mombili, Sanaa El Morsali, Youssouf Diagouraga, Charlotte Véry y Tristan Pagès.

Ciclo en la Filmoteca de Cataluña: Centenario de Ida Lupino, una pionera tras la cámara

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El ciclo, presentado conjuntamente con la Mostra de Films de Dones, incluye sus seis incursiones tras las cámaras junto a grandes interpretaciones como El último refugio y Mientras Nueva York duerme.

En estos tiempos de firmes y justificadas reivindicaciones feministas en el mundo del cine, resulta muy conveniente recordar la trayectoria de Ida Lupino, una actriz que rompió el tabú de ponerse al otro lado de la cámara cuando entonces eran muchos más los prejuicios que dificultaban tal tarea.

Solo hace falta recordar que el Oscar tardo 82 años en ser ganado por una mujer directora: Kathryn Bigelow por The Hurt Locker en el año 2010. El ciclo Ida Lupino, davant i darrera la càmera, que se organiza conjuntamente con la Mostra de Films de Dones, permite acercarse al perfil de toda una pionera. La retrospectiva se inaugurará el 9 de febrero a las 20.15 horas con The Hitch-Hiker (El autoestopista), precedida de un debate y presentación a cargo de Violeta Kovacsis, Maria Adell y Marta Nieto.

Ida Lupino nació en Londres el 4 de febrero de 1918 en el seno de una familia de artistas de origen italiano. A mediados de la década de los 30 desembarca en Hollywood, en donde consigue un puesto de trabajo a las órdenes de directores como Henry Hathaway, William Wellman, Michael Curtiz y sobre todo, Raoul Walsh, dando la réplica a grades actores de la época como Humphrey Bogart, Ronald Colman, John Garfield o Edward G. Robinson. Sin embargo nunca llego a acceder al estatus de estrella de primera fila, la creciente competencia de actrices emergentes y consagradas la llevan a diversificar su carrera dando el salto al otro lado de la cámara. Con una gran dosis de auto ironía, Lupino decía que como actriz era la Bette Davis de los pobres y como directora el Don Siegel de los mismos pobres.

La oportunidad de convertirse en realizadora llega cuando el director de Not Wanted, Elmer Clifton padece un ataque de corazón y es ella quien termina el rodaje. Era una producción de Filmakers, compañía independiente que había fundado con su marido Collier Young con la cual dirigió los seis films que la convirtieron en la única mujer directora en el Hollywood de la década de los cincuenta. Eran films de bajo presupuesto, con temas que reivindicaban a las mujeres y su consideración social, atreviéndose con temas tabú como la bigamia en The Bigamist o la violación en The Outrage. Con la notable The Hitch-Hiker se ganó el honor de ser la primera mujer en dirigir un thriller, a partir de los años cincuenta su trayectoria como directora se traslada a la televisión donde dirige episodios de series tan populares como Alfred Hitchcock Presents, The Untouchables, The Fugitive o The Twilight Zone.

 

Sesiones del ciclo Ida Lupino en la Filmoteca durante el mes de febrero

The Hitch-Hiker/ El autoestopista. Ida Lupino 1953

Viernes 9 de febrero 20.15 h. debate a cargo de Violeta Kovacsis, Maria Adell y Marta Nieto.

Sábado 17 de febrero 22.00h.

 

High Sierra /El último refugio. Raoul Walsh, 1941

Sábado 10 de febrero 22.00h

Domingo 11 de febrero 19.30h.

 

Never Fear/Young lovers/ Nunca tengas miedo. Ida Lupino 1949.

Martes 13 de febrero 21.30h.

Domingo 18 de febrero 19.30h.

 

The Bigamist/El Bigamo. Ida Lupino 1953

Viernes 16 de febrero 19.30h.

Jueves 22 de febrero 21.30h.

 

While the City Sleeps/Mientras Nueva York duerme. Fritz Lang 1956.

Sábado 24 de febrero 19.00h.

 

Private Hell 36. Don Siegel 1954.

Domingo 25 de febrero 21.30h.

Martes 27 de febrero 21.30h.

 

El musical según Lav Diaz, tráiler de «Season of the Devil»

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Después de un muy prolífico 2016 en donde Lav Diaz presentó en sociedad A Lullaby to the Sorrowful Mystery y su extraordinaria The Woman Who Left el realizador de origen filipino vuelve a tener listo el que es su nuevo trabajo tras las cámaras, el film titulado Season of the Devil (Ang panahon ng halimaw) cuyo primer tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página nos sitúa en una perdida aldea filipina durante el periodo de la ley marcial, película rodada en blanco y negro que cuenta con una duración de 230 minutos (algo que parece ya habitual en el cine de Lav Diaz). Season of the Devil según palabras de su productora Bianca Balbuena podría definirse como un musical o más bien anti musical en clave mitológica que deriva en ópera rock.

Season of the Devil tendrá su premier mundial formando parte de la sección oficial a concurso en el próximo festival de Berlín que se celebrará del 15 al 24 del mes de febrero, certamen en donde Lav Diaz hace un par de años se alzó con el premio Alfred Bauer por su A Lullaby to the Sorrowful Mystery.

La película con guion del propio Lav Diaz está protagonizada por Piolo Pascual, Shaina Magdayao, Pinky Amador, Bituin Escalante, Hazel Orencio, Joel Saracho, Bart Guingona, Angel Aquino, Lilit Reyes y Don Melvin Boongaling.

Pensamientos del cine. Las películas que acompañamos. El cine que intentamos recuperar

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Brigadoon, esa pequeña aldea en la altas tierras escocesas imaginada por Vincente Minnelli, despierta y vive un día cada cien años. Es el precio del hechizo que preserva su armonía de fábula, a salvo del terror del mundo. Brigadoon no está en el tiempo ni en los mapas. Jacques Tourneur filmó una noche del demonio hacia la que conduce el jirón de un pergamino, que se pasa de un elegido a otro, como un anillo envenenado. Anuncia un final con forma de luz metafísica en el bosque, que avanza a la velocidad de un tren. “Está en los árboles. Es él, está llegando”. Un viento de tormenta electrifica el bosque fatal. “Es él. Aquí viene”. Podría ser el amor. Podría ser el cine. Si amas a alguien que habita Brigadoon, podrás entrar en ella. Si la abandonas, Brigadoon desaparecerá. El pergamino, insignia metafórica, es lo que no cesa de moverse en la imagen. Pertenece a un libro inhallable, como Brigadoon, un cuerpo virtual de imágenes y signos. Podría ser una película. Para ir hacia lo fantástico, hay que creer. Como creen los niños en sus amigos invisibles. Para entrar al cine, como quien entra a Brigadoon, hay que rendirse a su parpadeo químico, a esa espectacular intermitencia entre la luz desnuda y la ceguera. Y luego, sentir su sedimentación en la memoria, sus minúsculos picos y sus palas, su trepidación subterránea en nuestra psiquis.
Raymond Bellour escribe el cine para recordarlo. Se hace arqueólogo. O porque lo asedia y se anuda en su interior. Se hace exorcista. De Robert Wise a Ritwik Ghatak, de Rossellini a Philippe Grandrieux, de John Ford a Chantal Akerman, de Ingmar Bergman a Gus Van Sant, del rostro inmóvil de Lillian Gish atravesado por minúsculas olas sensibles al rostro de Cary Grant como ojo del montaje y geómetra del plano: todo está allí para ser recuperado, para pujar y ser una memoria imposible, entre la percepción alucinada de la imagen que adviene (como un cataclismo, como una plegaria) y el recuerdo definitivamente incierto que la fija, que la ancla a nuestra vida como un fósil, radioactivo y estremecedor.
El autor
Escritor, crítico y teórico de cine y literatura. Fue uno de los fundadores de la revista Trafic. Ha escrito, entre otros textos, Henri Michaux (1965, 1986), L’analyse du film (1979), Mademoiselle Guillotine (1989), L’Entre Images: Photo. Cinéma.Vidéo (1990), L’Entre Images 2: Mots. Images (1999), Partages de l’ombre (2002) y La querelle des dispositifs: Cinéma – expositions, installations (2012).
Con Pensées du cinéma. Les filmes qu’on accompagne. Le cinéma qu’on cherche à ressaisir (2016), último libro publicado por Raymond Bellour aquí presentado en español, Shangrila continúa la labor de difusión de su obra, iniciada con la publicación, en 2013, de El cuerpo del cine. Hipnosis, emociones, animalidades (Le corps du cinéma: hypnoses, émotions, animalités, 2009).
Autor; Raymond Bellour, Editorial; Shangrila- Contracampo libros. Páginas; 508