Tráiler y póster de nueva película de Bruno Dumont «Ma Loute»

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Acaba de ver la luz un primer tráiler oficial (con subtítulos en inglés), que podéis ver a final de página junto a su póster y algunas de sus imágenes, del nuevo film del genial director Bruno Dumont titulado «Ma Loute«. Después de su espléndida aportación televisiva (P’tit Quinquin) el pasado año el realizador francés vuelve a incidir en esa comedia excéntrica tan característica suya en un film que tiene previsto su estreno comercial en Francia para el próximo 11 de mayo, fecha esta que indica de forma inequívoca que tendrá su premiere un poco antes en el
 marco del festival de Cannes.

«Ma Loute» nos cuenta como varios turistas han desaparecido mientras se relajaban en las hermosas playas de la costa Channel, los inspectores Machin y Malfon pronto deducen que el centro de estas misteriosas desapariciones se deba a Slack Bay, un lugar donde el río Slack y el mar se unen en la marea alta. En ese lugar conviven una pequeña comunidad de pescadores y granjeros de ostras, ahí vive una curiosa familia, los Bréfort, barqueros conocidos de la zona, encabezado por el padre apodado «El Eterno«, quien hace lo posible por dominar a su grupo de hijos bromistas, especialmente al impetuoso Ma Loute, de 18 años.

En lo más alto de la bahía se encuentra la mansión Van Peteghem. Cada verano, esta familia burguesa, todos degenerados y decadentes por el incesto, se estancan en la villa no sin antes mezclarse durante sus horas de ocio caminando o pescando con la gente local como los Bréforts. En el trascurso de cinco días, empieza una peculiar historia de amor entre Ma Loute y la joven y traviesa Billie Van Peteghem, confusión y perplejidad descenderá sobre ambas familias, sacudiendo sus convicciones, fundamentos y formas de vida.

La película está protagonizada por Juliette Binoche,  Valeria Bruni Tedeschi,  Fabrice Luchini,   Angélique Vergara y Jean-Luc Vincent.

https://youtu.be/4lU1dR9X9VY

Nocturna 2016 anuncia sus primeros títulos

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Hoy se han dado a conocer algunos de los títulos que formarán parte de NOCTURNA 2016, Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid. La SECCIÓN OFICIAL DARK VISIONS consagrada al cine fantástico más independiente, nos presentará títulos como SENSORIA, debut en la dirección de Christian Hallman, que recibió el premio del público en Fantasporto, y que nos presenta la historia de Caroline, una mujer rozando los cuarenta, que ha perdido todo lo que le importa en el mundo. En su intento de empezar una nueva vida, se muda a un viejo apartamento y rápidamente comienza a darse cuenta de que no está tan sola como pensaba.

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Tráiler:
https://youtu.be/ieszRmpc-hM


THE OPEN será otro de los títulos que se podrán ver en esta sección. Un film de ciencia ficción para paladares exquisitos que tendrá su premiere española en NOCTURNA. Dirigida por Marc Lahore, el film nos traslada a un escenario de guerra global en el que André y Stéphanie preparan su participación en un open de tenis. Ellos creen firmemente en ello y logran convencer a Ralph, un guerrillero de la llanura, que dejará su arma por una raqueta. El film llega directamente desde Portugal tras alzarse con los premios a la mejor película, mejor director y mejor guión en la Semana de los Realizadores del Fantasporto.

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Tráiler:
https://vimeo.com/94489573


La SECCIÓN OFICIAL MADNESS, la más golfa y sangrienta del Festival nos ofrecerá la premiere española de THE LESSON, primer largometraje dirigido por la actriz británica Ruth Platt que nos mostrará la inolvidable lección que aprenderán dos delincuentes juveniles cuando un maestro en el límite de sus fuerzas decide secuestrarlos.

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Tráiler:
https://youtu.be/7EIzR688O-s


Los zombies volverán a NOCTURNA con NIGHT OF THE LIVING DEB, un film dirigido por Kyle Rankin en el que conoceremos a Deb, una torpe joven que se despierta en el apartamento del chico más atractivo de la ciudad para descubrir que la pasada noche fue un error. Ahora en medio de un apocalipsis zombie, deberán confiar el uno en el otro si quieren conservar sus… corazones.

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Tráiler:
https://youtu.be/vWblqO-XLqY


La SECCIÓN OFICIAL FANTASTIC nos ofrecerá varias propuestas llegadas de diferentes partes del mundo. Rusia estará una vez más presente en el Festival con QUEEN OF SPADES: THE DARK RITE, premio especial del Jurado en Fantasporto, el film dirigido por Svyatoslav Pogdayevskiy reta al cine americano con una producción en la que los espejos son un portal al mundo de los muertos. Cuatro jóvenes se enfrentarán a su propia condenación y a la de sus seres queridos cuando conjuren a la Reina de Espadas.

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Tráiler:
https://youtu.be/IY7eYP-CgNg


De Hong Kong llegará la premiere española de KEEPER OF DARKNESS, segunda película dirigida por el actor Nick Cheung (Election) en la que interpreta a un exorcista que se convierte en una celebridad cuando uno de sus trabajos se vuelve viral en la red y despierta la curiosidad de los medios de comunicación, y también de los bajos fondos.

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Tráiler:
https://youtu.be/IHYfKAZa7oI

Paternidad e identidad en clave bíblica, tráiler de «Les fils de Joseph»

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Esta claro que el realizador Eugène Green («Le pont des Arts«, «A Religiosa Portuguesa» y «La Sapienza«) se ha convertido por méritos propios uno de los autores galos (norteamericano de nacimiento pero afincado en Francia desde hace tiempo) más en alza del actual panorama cinematográfico europeo, su último film titulado «Les fils de Joseph» visto en la sección Forum del pasado festival de Berlín nos presenta un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes. Eugène Green con un habitual y peculiar sentido del humor y su muy original estilo nos presenta en esta ocasión una comedia romántica con una singular visión de la paternidad en forma de clara parábola cristiana.

«Les fils de Joseph» nos cuenta la historia de un joven díscolo de tendencias un tanto violentas llamado Vincent que vive con su madre. Debido a que nunca ha conocido a su padre, saldrá en su busca. En esta búsqueda, conoce a un cínico y maquiavélico editor en París de nombre Oscar, supuestamente su padre, a partir de ese momento empezaran a ocurrir en serie de malentendidos cómicos…

La película está protagonizada por Victor Ezenfis,  Natacha Régnier,  Fabrizio Rongione, Mathieu Amalric,  Maria de Medeiros, Julia Gros de Gasquet y Jacques Bonnaffé.

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Robert Rodriguez vs George Miller

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No cabe ninguna duda que el pasado año fue en cierta manera la reivindicación del veterano director australiano George Miller, un tardío reconocimiento que vino dado gracias a su excelente «Mad Max: Fury Road«, indagando un poco más en la figura del genial realizador convendría rescatar una entrevista realizada en pasado año dentro del programa televisivo El Rey’s «The Director’s Chair» a cargo de Robert Rodriguez (mucho mejor entrevistador que director dicho sea de paso), en ella George Miller nos habla largo y tendido de su carrera como director, escritor y productor repasando todos sus films, desde la saga Mad Max hasta películas como «The Witches of Eastwick«, «Lorenzo’s Oil«, «Babe: Pig in the City» o «Happy Feet«. Una charla de cerca una hora de duración que podéis ver dividida en cinco videos subtitulados al castellano gracias a Miravos blog.

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Un jugador de leyenda, tráiler de «Bobby»

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Si en el recientemente terminado OffsideFest tuvimos la ocasión de ver dos de los mejores documentales proyectados dentro del festival, «Gascoigne» y «I Believe in Miracles«, ambos trabajos alrededor de figuras y equipos del futbol británico ahora le toca el turno a «Bobby«, documental cuyo primer tráiler oficial podéis ver a final de página y que aprovechando el 50 aniversario de la victoria de la selección de Inglaterra en el mundial de 1966 nos contextualiza
 la figura del mítico jugador Bobby Moore, ex jugador del West Ham y capitán de la selección inglesa, un recorrido a través del personaje y deportista en donde veremos cómo Moore tuvo que  luchar contra un cáncer durante y después de su carrera deportiva, o anécdotas como cuando se vio implicado en el hipotético robo de un collar la noche antes del partido contra Brasil en el mundial de México. El documental por otra parte contará con los testimonios de futbolistas de la talla de Pele, Wayne Rooney o Frank Lampard entre otros y actores invitados como Russell Brand y Ray Winstone.

Aprovechando dicho aniversario «Bobby» tendrá un estreno limitado en los cines de Gran Bretaña a partir del próximo 27 de mayo para enseguida (el 30 del mismo mes) estar disponible en formato doméstico.

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Crouching Tiger, Hidden Dragon: Sword of Destiny, review

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Después de muchos años de absoluta soledad, la famosa guerrera Yu Shu Lien emerge de su retiro para emprender un viaje a Pekín, donde la legendaria espada de Li Mu Bai conocida como Green Destiny está localizada. Yu Shu Lien, aún de luto por la muerte de Mu Bai, busca la espada como forma de guardar respeto por la memoria de su compañero en batalla. Sin embargo, Hades Dai, un señor de la guerra de los bajos fondos, envía a sus lugartenientes para robar la espada con planes de dominar el mundo marcial. Un héroe con un enigmático pasado llamado Silent Wolf llegan a la ayuda de Shu Lien junto a una banda dispar de guerreros que aún creen en el honor, deberán enfrentarse a Dai y sus combatientes en esta historia de amor perdido, de leyendas escondidas, y de una oportunidad final de redención.

Quince años han tenido que pasar para que esta tardía secuela de la reconocida «Crouching Tiger, Hidden Dragon» de Ang Lee (film capital que dio lugar a que posteriormente directores de la talla de Zhang Yimou, Chen Kaige o recientemente Hou Hsiao-hsien aportarán su punto de vista de dicho subgénero) viera la luz, lo cierto es que las previsiones iniciales con respecto a esta continuación no eran precisamente demasiadas halagüeñas, al excesivo tiempo existente entre los dos films se sumaba la incorporación presupuestaria occidental al proyecto con Harvey Weinstein al mando y con la previsión de estrenar  inicialmente la película en cines en China y posteriormente en formato doméstico para el resto del mundo a través de la plataforma Neflix,  que el rodaje en su gran mayoría trascurriera Nueva Zelanda también era algo que generaba muchas dudas entre los fans del primer film. Curiosamente «Crouching Tiger, Hidden Dragon: Sword of Destiny» pese a estar claramente uno o dos escalones por debajo con respecto a su predecesora deviene como un producto bastante digno y competente en lo referente a lo que es su función y su forma de ser, y que de una forma algo sorpresiva  llega a mostrarse incluso algo más fiel en lo concerniente a lo que es su estructura a las raíces del subgénero del Wuxia de que lo fue la película de Ang Lee.

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Basado nuevamente en las novelas de Wang Du lu (1909-1977), «Crouching Tiger, Hidden Dragon» tiene la principal virtud de apoyarse sobre un tono muy clásico, que tras las cámaras se encuentre un veterano experto en la materia como es Yuen Woo-Ping tiene mucho que ver en ello, de hecho podríamos llegar a aseverar que estamos ante una revisitación de tono ligeramente alternativo del «Crouching Tiger, Hidden Dragon» de Ang Lee, hay patrones narrativos y personajes que circunvalan de una muy forma muy evidente dicho concepto de ese universo antes referido pero despojando al producto de esa cierta hibridación evolutiva que el film del director taiwanés poseía y que la direccionaba de una manera algo puntual a la cultura occidental, un distanciamiento estructural este que a la hora de hacer una comparación global entre ambos films juega muy en contra de «Sword of Destiny«, de todas maneras su apuesta por ese clasismo antes comentado, de connotaciones casi antropológicas, aportan un activo muy notorio al film, especialmente en lo referente a las coreografías y secuencias de acción (la escena del confrontamiento sobre el lago helado es una buena muestra de ello), aparte el carisma en pantalla de Michelle Yeoh y muy especialmente de Donnie Yen, todo un referente actual del cine de acción hongkonés, hacen que el film llegue a ser bastante disfrutable en su vertiente más puramente fandom.

«Crouching Tiger, Hidden Dragon: Sword of Destiny» deviene finalmente como un producto muy digno pero lejos de ser perfecto, poseedor de algún que otro defecto bastante acentuado, especialmente en lo referente a un atropello de ritmo narrativo bastante visible en lo concerniente a su tramo final y a un cierto exceso digital a la hora de mostrar paisajes. Finalmente convendría hacerse la pregunta si es del todo conveniente la elaboración con capital occidental de un material como el que nos ocupa, si el resultado obtenido es un producto de las características de «Sword of Destiny» que al menos intenta mantener la esencia de un ADN puro.. la respuesta es un sí rotundo.  

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Políticas de la Nueva Carne: Calas filosóficas en la filmografía de David Cronenberg

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Políticas de la Nueva Carne: Calas filosóficas en la filmografía de David Cronenberg, nos ofrece un recorrido por las creaciones cinematográficas del famoso cineasta canadiense y su concepción de la corporalidad a través de la mirada escrutadora del escritor y filósofo Jorge Fernández Gonzalo. Tal y como sugiere el autor, la retórica visual de David Cronenberg puede definirse como una compleja vivisección sobre el cuerpo, sus límites y fronteras, sus devenires y rupturas, capaz de trazar puentes entre lo orgánico y lo inorgánico, lo sexual y lo asexual, lo masculino y lo femenino con el fin último de elaborar un catálogo de entrecruzamientos perversos en lo que el propio Cronenberg saludaba como el advenimiento de la Nueva Carne.

En estas páginas se interpela la extensa filmografía del cineasta para determinar los principios que estructuran todo el conjunto de perversiones que definen las más oscuras fantasías cronenbergianas, pues como afirma Fernández Gonzalo, la Nueva Carne es el auténtico problema de nuestro tiempo, y la filmografía de Cronenberg el modo idóneo para dar cobertura visual y narrativa a los mitos recientes engendrados por la posmodernidad.

Nuestro autor es conocido por su particular infierno de imágenes recurrentes, en el cual se ponen de relieve los temores más elementales del ser humano hacia la enfermedad o la transformación del cuerpo, lo desconocido, la sexualidad perversa o la muerte. Ni siquiera podemos encasillar al cineasta dentro de los cánones del género de terror al uso: más allá de ciertos excesos de época (vísceras, desmembramientos y otros efectos especiales de la gramática del cine gore), la producción cronenbergiana transita espacios de gran originalidad y efectividad estética hasta el punto de adquirir claras resonancias filosóficas.

El autor:

Jorge Fernández Gonzalo (Madrid, 1982) es doctor en Filología Hispánica por la Universidad Complutense con una tesis sobre la poesía de Claudio Rodríguez. A su tarea investigadora hay que añadir una reconocida trayectoria como poeta, con cinco poemarios publicados y premios como el Joaquín Benito de Lucas o el premio Hiperión de poesía. Codirige la publicación digital Revista Neutral, especializada en la obra y el pensamiento de Maurice Blanchot, y ha publicado una treintena de estudios sobre poesía, filosofía y pensamiento en revistas especializadas. Próximamente aparecerá, en la editorial Eutelequia, su libro de ensayos La muerte de Acteón. Hacia una arqueología del cuerpo.

Autor; Jorge Fernández Gonzalo; Editorial; Excodra editorial; Páginas; 134

Una huida hacia delante, tráiler oficial de «Sky»

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A medio camino entre la road movie de tono feminista que recuerda inequívocamente al «Thelma & Louise» de Ridley Scott y el drama psicológico el primer largometraje en lengua inglesa de la directora francesa Fabienne Berthaud titulado «Sky» nos presenta un primer tráiler que junto algunas de sus imágenes podéis ver a final de página. La película escrita por la propia Fabienne Berthaud junto a Pascal Arnold tuvo su premiere en el pasado festival de Toronto suponiendo la tercera colaboración entre la realizadora francesa y la actriz Diane Kruger tras las anteriores «Frankie» (2005) y «Pieds nus sur les limaces» (2010). «Sky» tiene previsto su estreno en Estados Unidos para el próximo
 15 de abril.

«Sky» nos cuenta como Romy una mujer bella de vida aparentemente austera  hace un road trip por Estados Unidos junto a su marido Richard. Las vacaciones pronto se convierten en un ajuste de cuentas personal entre una pareja cuya relación hace tiempo que hace aguas. Tras una última discusión muy dura, Romy decide recuperar su libertad, cortando todo lazo con una vida estable y segura que se había vuelto en parte alienante para ella y decide partir en busca de lo desconocido. Continúa su viaje en solitario primero por la bulliciosa La Vegas, después a través de las fascinantes profundidades del desierto, liberada y guiándose tan solo por su intuición. Diego, un hombre carismático y solitario se cruza en el camino de Romy y ambos comparten un amor tan insólito como puro.

La película está interpretada por Diane Kruger, Norman Reedus, Lena Dunham, Gilles Lellouche, Q’orianka Kilcher, Lou Diamond Phillips, Joshua Jackson, Laurene Landon, Trevor Peterson, Arnita Swanson, Vanessa Villalovos y Daniel Polo.

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Western+Horror: Una inusual hibridación, diez propuestas

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Aprovechando el reciente estreno comercial de la notable «Bone Tomahawk» convendría repasar los algo escasos films que han intentado mezclar dos géneros en un principio tan antagonistas entre sí mismos como suelen ser el western y el terror, contextualizar el viejo oeste dentro del ámbito del horror no ha sido una tarea fácil y desde luego para nada fecunda, una hibridación está casi direccionada básicamente hacia la serie B más genuina, moviéndose entre el producto de naturaleza
 claramente atípico e inusual y el film de culto, pocas por no decir ninguna de estas propuestas llegó llego a tener un amplio reconocimiento ya fuera a un nivel comercial o critico provocando su parcial ostracismo a la hora de intentar futuros acercamientos a tan singular unión de escenarios genéricos.

A continuación una lista de diez películas reseñadas de forma cronológica que abordan esta temática, complementadas con dos muy interesantes aportaciones televisivas, una de ellas por parte de la fundamental The Twilight Zone, mítica serie televisiva que recurrió en algunos de sus episodios al western a la hora de contar historias que transitaban dentro del terreno de tono fabulario, el de la ciencia ficción y como no.. el terror.

The Living Coffin  / El grito de la muerte.1959. Fernando Mendez

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Un vaquero (Gastón Santos) y su socio, Coyote Loco (Pedro de Aguillón), se detienen en un rancho misterioso para obtener información sobre una estatuilla de piedra encontrada que retrata a una mujer llorando. Los extraños habitantes del rancho dicen que la estatua fue hecha por la fallecida Clotilde (Carolina Barrett), mujer cuyo fantasma los aldeanos reportan haber visto … llorando.

The Stalking Moon.1968. Robert Mulligan

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Sam Varner (Gregory Peck), un explorador del ejército recién retirado, ayuda a una mujer blanca (Eva Marie Saint) y a su hijo mestizo a volver a casa, después de haber sido encontrados en un cuartel del ejército entre los prisioneros indios de un campamento apache. En su viaje se cruzarán con Salvaje, un apache que busca venganza desatando su ira sobre los habitantes de la región.

The Shadow of Chikara.1977. Earl E. Smith

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Un grupo de veteranos confederados de la Guerra de Secesión, se aventuran a encontrar un tesoro, un montón de diamantes escondidos en una misteriosa cueva. Sin embargo, este grupo, descubre que están siendo seguidos por un extraño «cazador», que puede tener conexión con un mítico espíritu.

Eyes of Fire.1983. Avery Crounse

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América, siglo XVIII. Un hombre es acusado de adulterio y poligamia, con la ayuda de su familia y una especie de Dríada pelirroja que crea una burbuja protectora en su balsa, consigue escapar de su ejecución. En la huida se les unen otros renegados y juntos inician un nuevo asentamiento en un remoto bosque perdido. El problema es que no contaban con que era un lugar maldito, habitad de brujería natural y criaturas de un mundo oscuro. Mientras van creando el nuevo hogar van sufriendo los ataques del bosque, la Dríada estará en batalla constante contra las maldiciones.

Grim Prairie Tales.1990.Wayne Coe

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En la época del salvaje oeste americano, dos viajeros se cruzan en un solitario lugar llegada ya la noche. Uno es un joven que viaja para reunirse con su esposa, el otro es un duro caza recompensas. Los dos hombres deciden acampar y pasar la noche junto a una hoguera, acompañándose mutuamente. Para hacer más amena la noche, comienzan a contarse cuentos de terror, pero las historias que se cuentan empiezan a afectarles psicológicamente a ambos.

Ravenous.1999. Antonia Bird

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En 1847, el capitán John Boyd, que ha cometido una falta grave durante la guerra entre México y EE.UU., es enviado a un remoto fuerte de Sierra Nevada. Un día, Colqhoun, un extraño personaje, sostiene que él y otros colonos, después de ser sorprendidos por una avalancha, quedaron encerrados durante largo tiempo en una cueva, logrando sobrevivir gracias a la práctica del canibalismo. Pero la verdadera historia aún está por descubrir.

Dead Birds.2004.Alex Turner 

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Durante la Guerra Civil Americana, un grupo de criminales se refugia en una casa abandonada, sin sospechar nada de lo que les espera. Aislada y aparentemente vacía, la casa es cualquier cosa menos segura. De noche, y bajo una terrible tormenta, cada miembro del grupo empieza a tener visiones de las atrocidades que ocurrieron dentro de la casa, dejándola maldita para siempre. Mientras el pánico se extiende entre todos y las fuerzas sobrenaturales empiezan a manifestarse, comienzan a atacarse unos a otros, y a despertar la ira de las almas atrapadas entre esas paredes.

The Burrowers.2008. J.T. Petty

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En pleno oeste americano, el joven Coffey se dispone a pedir en matrimonio a su amada cuando alguien asalta el rancho de ella y la secuestra junto a su familia. El chico, cual centauro del desierto, emprende un viaje para rescatarla con la ayuda de dos rancheros y un niño. Pronto descubrirán que la amenaza no parece encontrarse en los indios, sino en algo extraño que sale del interior de las madrigueras.

Exit Humanity.2011. John Geddes

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Tennessee (Estados Unidos). Terminada la Guerra Civil (1861-1865), Edward Young, que ha perdido a su hijo, transporta sus cenizas para esparcirlas en un remanso de paz. Sin embargo, antes de llegar, tendrá que sobrevivir a una epidemia zombi que asola todo el país.

Bone Tomahawk.2015. S. Craig Zahler

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Año 1850. Llega a Bright Hope un forastero que rápidamente levanta las sospechas del sheriff (Kurt Russell), el cual le detiene después de una disputa. Una bella mujer (Lili Simmons) decide cuidar del preso hasta que una noche ambos desaparecen. Debido a que la única pista es una flecha que pertenece a una tribu de caníbales, el sheriff irá en búsqueda de la joven acompañado de algunos hombres entre los que se encuentran un vaquero (Patrick Wilson) y un anciano (Richard Jenkins).

Bonus TV

The Twilight Zone: The Grave.1961. Montgomery Pittman

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Un bandido acaba de ser ajusticiado por los vecinos de un pueblo, pero antes de morir retó a su perseguidor (que no lo pudo atraparlo en vida) a no acercarse a su tumba, si Connie (Lee Marvin) se acerca a ella prometió que se iba a levantar para hacerle frente, como prueba de valor, los vecinos le apuestan a que Connie no es capaz de ir a medianoche al cementerio y clavarle un puñal en la tumba del bandido.

Black Noon.1971.Bernard L. Kowalski

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Un predicador (Roy Thinnes) y su esposa (Lynn Loring) llegan a un pueblo del oeste donde se ha difundido un antiguo culto pagano.

Whit Stillman y el universo Jane Austen, tráiler de «Love & Friendship»

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Muchos años si exceptuamos su anterior «Damsels in Distress» (2011) han pasado sin tener noticias del realizador estadounidense Whit Stillman responsable en los noventa de títulos tales como «Metropolitan«, «Barcelona» o «The Last Days of Disco«. Tras su premiere en el pasado festival de Sundance nos llega un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes de su último trabajo tras las cámaras, «Love & Friendship«, adaptación del relato corto de Jane Austen
 titulado ‘Lady Susan’. El film tras recibir una reacción algo tibia en el festival de Sundance y que supone un cambio de estilo por parte de su director tiene previsto su estreno en Estados Unidos para el próximo mes de mayo.

En «Love & Friendship» vemos como Lady Susan Vernon, una joven viuda, madre de una muchacha casadera, se refugia en casa del hermano de su recientemente difunto esposo huyendo del escándalo provocado por sus coqueteos con un hombre casado. Sus familiares la reciben precedida de su fama de mujer frívola, con prevención; pero Susan intentará acabar con sus recelos y pronto logrará conquistar al señor de Courcy, hermano de su cuñada. Además, escasa de fortuna, Susan desea casar a su hija con un petimetre acaudalado al que la muchacha detesta, aunque pretende ocultar estos planes a su familia, que se opone a los matrimonios de conveniencia.

La película está interpretada por Kate Beckinsale, Chloë Sevigny, Xavier Samuel, Stephen Fry,  Emma Greenwell, James Fleet, Jemma Redgrave, Jenn Murray, Tom Bennett, Morfydd Clark,  Lochlann O’Mearáin, Kelly Campbell, Justin Edwards, Conor MacNeill y Ross Mac Mahon.

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Seoul Station/Train to Busan, zombies y reflexión social a través de la animación y la imagen real

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Yeon Sang-ho aclamado director de animación responsable de las indispensables «The King Of Pigs» y «The Fake» estrenará estos días en el inminente festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas (BIFFF) su nueva película de animación «Seoul Station» (a final de página podéis ver un clip del film junto a su póster), en donde mezcla el terror zombi con una crítica social ya reflejada en anteriores trabajos suyos, una mirada que recuerda al espíritu de George Romero, tan explícita como eminentemente político en lo referente a su discurso. «Seoul Station» nos sitúa tras la puesta de sol. Un viejo sin hogar muere lentamente en la pobreza, cerca de la estación de tren, en un callejón oscuro, el viejo hombre que pensábamos estaba muerto se está comiendo a otro sin hogar con los ojos fuera de órbita. Las calles alrededor de la estación de Seúl se empiezan a llenar de locos que intentan alimentarse de otras personas. Hae-sun, una adolescente que ha escapada de su hogar, se ha estado alojando en una vieja posada desde hace bastante tiempo junto a su novio Ki-Woong. Cuando este intenta obligarla a prostituirse a través de internet para ganarse la vida, ella acaba abandonándolo. Ahora se encuentra sola en un peligroso y cruel mundo alrededor de la estación, donde será testigo de cómo la gente se ataca y se alimentan unos de otros como si fueran animales.

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Pero la noticia no acaba aquí pues Yeon Sang-ho acaba de finalizar de rodar el que será su debut en el cine de imagen real, «Train to Busan» film interpretada por Gong Yoo, Ma Dong-Seok Jeong Yu-Mi, Choi Woo-Shik y Ahn So-Hee será la continuación argumental «Seoul Station«.La película narra el caos a consecuencia del virus zombie que acontece dentro del tren bala de Seúl con destino a Busan. Ambas películas se estrenarán de manera casi consecutiva (solo dos semanas de diferencia) este próximo verano en Corea del Sur.

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«El abrazo de la serpiente» review

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Karamakate fue en su día un poderoso chamán del Amazonas, es el último superviviente de su pueblo, y ahora vive en aislamiento voluntario en lo más profundo de la selva. Lleva años de total soledad que lo han convertido en chullachaqui, una cáscara vacía de hombre, privado de emociones y recuerdos. Pero su vida vacía da un vuelco el día en que a su remota guarida llega Evan, un etnobotánico americano en busca de la yakruna, una poderosa planta oculta, capaz de enseñar a soñar. Karamakate accede a acompañar a Evan en su búsqueda y juntos emprenden un viaje al corazón de la selva en el que el pasado, presente y futuro se confunden, y en el que el chamán irá recuperando sus recuerdos perdidos. Esos recuerdos traen consigo vestigios de una amistad traicionada y de un profundo dolor que no liberará a Karamakate hasta que no transmita por última vez su conocimiento ancestral, el cual parecía destinado a perderse para siempre.

«El abrazo de la serpiente» tercer largometraje de Ciro Guerra ganador del máximo galardón de la quincena de los realizadores del pasado festival de Cannes inicia una nueva etapa dentro del cine colombiano de clara proyección internacional, film que bascula en base a un híbrido entre el documental y la ficción de tono minimalista, a medio camino entre la célebre novela de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas y cierto cine orquestado en su día por Werner Herzor termina moviéndose dentro de unos territorios en donde la premisa del colonialismo brutal y la inexorable pérdida de tradiciones y culturas indígenas quedan plasmadas dentro de una vertiente histórica través del retrato de dos personajes reales (Theodor Koch-Grunberg y Richard Evans Schultes), la cultura primigenia o el conocimiento ancestral en contraposición al de la ciencia, expuesta en forma de una travesía llena de simbolismos que va avanzando entre lo real y lo onírico, a medio camino entre el misticismo y la crítica social. Ciro Guerra logra mostrar a través de ese misticismo sutil antes comentado el discurrir de dos historias en paralelo con todos los matices que ello pueda conllevar, pero más que nada consigue desentrañar una premisa en forma de fábula atemporal de como el carácter humano se llega a posicionar por encima de cualquier tipo de raza, origen o creencias.

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«El conocimiento pertenece a todos», frase que oímos en el film durante varias veces sirve como perfecta metáfora unidireccional
  hacia una civilización que demuestra una supuesta negación a la hora de permitir el progreso hacia otras culturas que amenacen a la suya propia,  y que al mismo tiempo sirve como vehículo de denuncia sobre el efecto devastador causado por el colonialismo, tanto en su vertiente capitalista (el negocio del caucho) como en el referente a su infección ideológica con la religión como arma arrojadiza, es por eso que «El abrazo de la serpiente» aparte de funcionar a modo de plegaria amazónica puede llegar por momentos a operar también tanto como un largometraje de cierto índole político en lo concerniente a su discurso o incluso como una amable, funcional y algo discutible obra de ficción de una orquestada narración que posiblemente abuse de una estructura episódica poseedora de un tono aislado demasiado evidente.

Podríamos llegar a definir que «El abrazo de la serpiente» traza en base a su escenario un camino caustico y algo gris hacia lo más profundo del Amazonas como medio escénico a la hora de penetrar en la mente de diferentes visiones del mundo, es en ese río en donde a través de relatos claves se nos muestran un lugar único y rico en detalles antropológicos y estéticos. Finalmente «El abrazo de la serpiente» deviene como una pieza precisa y compleja presentada casi a modo de una road movie fluvial, de connotaciones algo exageradas y preciosistas en lo referente a la mitología indígena del tema esotérico que expone que pueden llegar a derivar en una cierta confusión hipnótica, contada a partir de una sencillez y una claridad que invita a una posterior reflexión crítica poco complaciente por parte del espectador sobre la conflictiva coexistencia de dos miradas tan elementales como disuasorias, una exploración visualmente fascinante por momentos a través de una imagen prodigiosa, una visión en definitiva del hombre, la naturaleza y los poderes destructivos perpetrados por el colonialismo.

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La fábula forestal de Gerard Depardieu, tráiler de «The End»

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Presentada en la pasada edición del festival de Berlín dentro de la sección Forum la nueva colaboración entre el director francés Guillaume Nicloux y el actor Gerard Depardieu titulada «The End» nos presenta un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes. Rodada en tan solo nueve días la película parte de la premisa de un sueño que él mismo director tuvo hace unos meses y que de forma inmediata pensó que debía llevar a la gran pantalla, una película que parece estar dotada de un claro tono y corte introspectivo y experimental con la metáfora de la soledad como principal eje. «The End» tiene previsto su estreno en tierras francesas para el próximo 8 de abril.

«The End» nos cuenta como un solitario cazador va con su perro a dar una vuelta por el bosque y se pierde por completo entre la inmensidad del paraje iniciando una extraña y angustiosa aventura que le llevara a experimentar al cabo de unas horas extraños encuentros con enigmáticas criaturas.

La película está interpretada por Gérard Depardieu,  Audrey Bonnet,  Swann Arlaud,  Xavier Beauvois y Didier Abot.

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Nocturna 2016 homenajea a H.P. Lovecraft y Nirvana a través de su cartel oficial

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Ya tenemos cartel oficial de la que será la cuarta edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2016 que se celebrará el próximo mes de mayo del 23 al 29, un cartel realizado un año más por el artista Manuel Bejarano. Sobre una idea de José Luis Alemán, el cartel nos muestra a un profundo emergiendo desde la sumergida ciudad de R’Lyeh, atraído por un curioso anzuelo. La imagen sirve de doble homenaje tanto a la obra del escritor norteamericano H.P. Lovecraft como al grupo Nirvana, del que se recrea la celebrada portada de su álbum «Nevermind», publicado en 1991, que lanzó al estrellato a la banda de Seattle y que mostraba a un bebé buceando hacia un billete de un dólar prendido de un anzuelo.

Desde el pasado mes de diciembre, el equipo de NOCTURNA se encuentra trabajando en la próxima edición del festival, de la que os iremos informando durante estos meses de las actividades, invitados y programación de lo que esperamos sea la mejor edición de NOCTURNA.

NOCTURNA 2015 contó con la visita de Robert Englund, Lamberto Bava, o Alexandre Aja entre otros, México como país invitado, además de numerosas premieres internacionales  y actividades paralelas.

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El universo de Orson Welles

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Orson Welles creó a lo largo de su vida un universo realmente fascinador. Muy rico y variado, aquel mundo mezclaba su esencia estadounidense con su alma hispana, sus elevadas ambiciones artísticas con la absoluta despreocupación por acometer proyectos infames… Este libro se zambulle a placer en la vida y obra del hombre que dirigió la mejor película de la Historia del Cine y que se casó con la mujer que todos deseaban pero que también fue repudiado por Hollywood, que no pudo realizar ni mucho menos todo aquello que pretendió y que, muy al contrario, accedió a hacer casi de todo por dinero. Veintidós prestigiosos críticos analizan en “El universo de Orson Welles” sus películas buenas, sus películas malas, sus proyectos inacabados, sus films recuperados, sus amigos, sus fobias…

Autor; Ramón Alfonso, David Felipe Arranz, Victor Arribas, Guillermo Balmori, Joan Bassa, Quim Casas, Luis Alberto de Cuenca, Ramón Freixas, Fernando R, Lafuente, Juan Carlos Laviana, Miguel Marías, Alejandro Melero, Diego Moldes, Israel Paredes, Moisés Rodríguez, Oti Rodriguez Marchante, Enric Ros, Adrián Sánchez, Gerardo Sánchez, Eduardo Torres-Dulce, Joaquin Vallet, Juan Carlos Vizcaino Prólogo: Jose Luis Garci.; Editorial; Notorious Ediciones. Páginas; 432

Primer tráiler de la ganadora del Oso de Oro en la pasada Berlinale «Fuocoammare» de Gianfranco Rosi

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Con el triste drama de los refugiados en plena actualidad nos llega un primer tráiler que podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes del último trabajo del documentalista italiano Gianfranco Rosi «Fuocoammare«, film que obtuvo el Oso de Oro a la mejor película en la pasada edición del festival de Berlín junto al premio del Jurado Ecuménico tras conseguir en el pasado 2013 el León de Oro en Venecia por su anterior «Sacro-GRA«. «Fuocoammare«
 deviene como un documental comprometido que evita el sensacionalismo y en donde vemos como la isla de Lampedusa es el punto geográficamente más meridional de Italia, que a partir de 1990 se ha convertido en el enclave más masivo de desembarco de inmigrantes ilegales procedentes de tierras africanas. En poco más de 20 años, más de 20.000 personas se han ahogado durante la travesía para alcanzar lo que para muchos supone la principal vía de entrada a Europa, y que les debería permitir escapar tanto de la guerra como del hambre pero que de la misma manera se convierten en el objetivo idóneo para las mafias que se aprovechan sus  imperiosas necesidades.

En «Fuocoammare» vemos como Samuel vive en la isla, tiene 12 años, va a la escuela, le gusta tirar con la honda e ir de caza. Le gustan los juegos de tierra, pese a que todo a su alrededor habla del mar y de los hombres, mujeres y niños que intentan cruzarlo para llegar allí. La película aún sin fecha de estreno en territorio español será distribuida por Caramel Films.

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Spanish Horror Icons

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Volvemos a la algo abandonada sección de merchandising para hacernos eco de la nueva línea de bustos y figuras sacada al mercado por los compañeros de
 Scifiworld con el nombre de «Spanish Horror Icons«, una serie que rinden homenaje a los monstruos del cine español fantástico en una colección de bustos de edición limitada y numerada ya disponibles en la web al precio de 160 euros la pieza, los seis bustos a la venta son los siguientes: La Criatura: La criatura de Pánico en el Transiberiano, Conde Drácula: Narciso Ibáñez Menta en La Saga de los Drácula, Amenhotep: El personaje de La Venganza de la Momia, Espectro Templario v.1 y v.2: Las míticas creaciones de Amando de Ossorio y Waldemar Daninsky: El legendario hombre lobo interpretado por Paul Naschy.

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Pánico en el transiberiano


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La Venganza de la Momia


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La Saga de los Drácula


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La Noche del Terror Ciego


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El Retorno de Walpurgis

Primer tráiler del nuevo film de Na Hong-jin «The Wailing»

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Se ha hecho esperar más de la cuenta pero ya está aquí un primer teaser tráiler que podéis ver a final de página junto a tres de sus posters del nuevo trabajo tras las cámaras de Na Hong-jin titulado «Gokseong» (The Wailing). El film que se estrenará este próximo mes de mayo en Corea del Sur y que muy posiblemente esté presente en el inminente festival de Cannes
  parece seguir vistas sus primeras imágenes esa característica senda que la sitúan a medio camino entre cine comercial y el de un trazado claramente de autor que su director ya supo plasmar en sus dos anteriores y extraordinarias películas «The Chaser» y «The Yellow Sea«.

«Gokseong» es un thriller ambientado en un pequeño pueblo al  que acude un equipo de investigación formado por un detective junto a  un chamán para intentar averiguar una serie de misteriosos asesinatos cometidos en una aldea en donde aparece un misterioso rumor va propagándose poco a poco. 

La película está interpretada por Woo-hee Chun, Jeong-min Hwang, So-yeon Jang, Han-Cheol Jo y Do Won Kwak.

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TerrorMolins 2016 presenta su cartel

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Si hace unas semanas se informaba de las fechas y las bases de la XXXV edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, hoy se ha dado a conocer el cartel para la edición de este año. Como ya sabéis el leitmotiv de esta edición son las mutaciones y no cabe duda de que La Mosca (The Fly, 1986) es una película referencia en el género. Este año se cumplen 30 años de su estreno y el Festival homenajea el famoso filme de David Cronemberg que ya proyectamos el año 1987 en la 14a edición del Festival. Por quinto año consecutivo Maite Pascual se ha encargado del diseño del poster de Festival. La diseñadora nos confesó que recibió el encargo con ganas de sorprendernos:

Este año ha sido todo un reto. La intención ha sido darle un aire diferente e innovador a los que estamos acostumbrados a ver cómo imagen en un festival de cine de terror. Y sobre todo creo que deja claro que el Festival de Molins de Rei no es un festival más.

Maite Pascual

Las fechas oficiales para la que será la 35a Edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei serán del 11 al 20 de noviembre de 2016. El TerrorMolins ha ampliado su duración a nueve días en la edición de este año en un nuevo paso hacia ofrecer la mejor experiencia para nuestro público. Nueve días de gloria para todo fan del terror que no os podéis perder.

Recordad pues que la XXXV Edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei arrancará el viernes 11 de noviembre. A modo de curiosidad acerca de la fecha de arranque del Festival de este año señalar que un 11 de noviembre de 2005 muere el veterano productor de cine Moustapha Akkad, responsable de ocho películas de la saga “Halloween”, y también un 11 de noviembre de 2007, domingo, dábamos por concluida la XXVIa Edición de nuestro Festival tras las famosas 12 horas de terror que acabaron ese año con la película “Black Sheep” de Jonathan King.

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«10 Cloverfield Lane» review

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Una joven sufre un accidente de coche. Cuando despierta se encuentra encerrada en una celda bajo tierra, secuestrada por un hombre extraño (John Goodman) que dice haberla salvado del día del juicio final. El excéntrico captor asegura que el exterior es inhabitable por culpa de un terrible ataque químico, algo que no sabe si creer. Es así como comienza su pesadilla, en una espiral de desconocimiento. La mente del criminal es infranqueable, y ella tendrá que intentar analizar a su enemigo para conseguir sobrevivir.

«10 Cloverfield Lane» viene a ser otra muestra muy palpable de que J.J. Abrams es mucho más brillante y funcional como productor que como director, el debut en la dirección de Dan Trachtenberg (ojo a su anterior corto «Portal: No Escape«) nos propone un escenario en donde la ciencia ficción de claro tono minimalista y el concepto post apocalíptico de supervivencia están vistos desde una perspectiva  en donde el suspense y la tensión se erigen como uno de sus principales activos en un producto que termina por resultar de lo más disfrutable, un film que aparte de estar plagado de múltiples referencias cinéfilas conviene enfrentarse a él lo más virgen posible, pues otro de sus máximos activos residen en uno de esos argumentos ( guion obra de Josh Campbell , Matthew Stuecken y Damien Chazelle) repletos de vaivenes y vueltas de tuerca, algunos coherentes con la propia naturaleza del producto, otros encorsetados de una manera algo forzada especialmente en lo referente a su final.

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Catalogar «10 Cloverfield Lane» como un spin-off de aquel esplendido disfrute mainstream cámara en mano que era «Cloverfield» demuestra lo hábil que es J.J. Abrams como productor a la hora de vender el producto en cuestión, nada más lejos de la realidad, en el fondo si nos ponemos a pensar y no hace falta llegar a ser muy ingenioso en lo relativo a dicha tesitura el ochenta por ciento de producciones actuales de ciencia ficción podrían considerarse como claras hereditarias del concepto Cloverfield, la habilidad de J.J. Abrams reside en rescatar un film a través de su compañía Bad Robot direccionado en un principio a una vía completamente diferente a la que al final toma, anteriormente titulado en un primer lugar «Valencia» y más tarde «The Cellar«, un film en principio con una clara vocación de producto destinado a festivales de género que consigue
 revestirlo de engañoso blockbuster adaptando un nuevo final ante lo que es su nuevo status, una operación de marketing inmaculada que nos hace el llegar a preguntarnos qué habría sido si «10 Cloverfield Lane» hubiera coexistido en esa primera vida asignada, ¿una serie B con cierto sabor a culto?, quien sabe, lo cierto es que estamos sin lugar a dudas ante una película que sabe jugar sus bazas de una manera bastante inteligente.

A la hora que centrarnos en esas referencias antes comentadas «10 Cloverfield Lane» bebe mucho de unas coordenadas bastantes reconocibles, amparándose en el thriller psicológico que se apoya principalmente en la duda el film parte desde un punto de partida angustioso y enigmático apoyado en base a un buen desarrollo en lo concerniente a su tensión narrativa (apoyada esta de forma acertada por la banda sonora de Bear McCreary), pocos y carismáticos personajes (esencial la muy notable caracterización a cargo de John Goodman y Mary Elizabeth Winstead), todo ello remite tanto a seriales clásicos tales como «The Twilight Zone» o «The Outer Limits» como a al «Signs» de M. Night Shyamalan como una fiel escenificación a modo de obra de teatro de claro tono intimista e índole paranoico.

«10 Cloverfield Lane» finalmente se vale de su nada disimulada ambivalencia genérica de una manera ejemplar, un muy disfrutable ejercicio de narrativa fluida perfectamente consciente de su estructura de historia reducida pero ingeniosamente tramposa, de alguna manera estamos solo ante un buen entretenimiento sin demasiadas pretensiones y que al mismo tiempo le viene a la perfección al fiel seguidor de la ciencia ficción que quiera alejarse de la aparatosidad del blockbuster de turno o del duro y ceñido relato de género, justo en medio de estas dos corrientes se sitúa «10 Cloverfield Lane«, un film en definitiva que entretiene desde una visión digamos algo alternativa, el problema puede venir dado cuando sea juzgada por un sector de la audiencia como si fuera un producto de gran estudio se tratase cuando en realidad es todo lo contrario.

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Valoración 0/5:3’5

Tim Burton y los niños extraordinarios, tráiler de «Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children»

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20th Century Fox acaba de lanzar un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes, de «Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children» (El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares) adaptación al cine a cargo de Tim Burton de la novela homónima del escritor norteamericano Ranson Riggs publicada en 2011. En un principio el material que le sirve de base a Tim Burton para la película parece bastante propicio para que este vuelva por una buena senda que abandono hace ya un tiempo, el film tiene previsto su estreno el próximo 30 de septiembre.

«Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children» nos cuenta la historia comienza cuando una horrible tragedia familiar deja a Jacob, de 16 años, viajando por la costa de Gales, donde descubre las ruinas del hogar para niños peculiares de Miss Peregrine. Mientras Jacob explora los abandonados cuartos y pasillos, se da cuenta que los niños que allí vivieron (uno de los cuales fue su propio abuelo) eran algo fuera de lo habitual. Pueden haber sido peligrosos. Pueden haber sido puestos en cuarentena en una isla desierta por una buena razón. Y, de algún modo, (imposible, al parecer) pueden estar aún con vida.

La película está protagonizada por Eva Green,  Asa Butterfield,  Samuel L. Jackson,  Judi Dench,  Ella Purnell,  Allison Janney,  Rupert Everett,  Terence Stamp,  Kim Dickens,  Chris O’Dowd,  Finlay MacMillan,  Cameron Greco,  O-Lan Jones,  Justin Davies,  Bomber Hurley-Smith,  George Vricos,  Andrew Fibkins,  Bryson Powers y Jack Fibkins.

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La Pantalla Distópica: Pesadillas del Sueño Americano en el Cine Post 11-S

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El 11-S marcó el comienzo del siglo XXI y, desde aquel “martes negro” de 2001, las distopías de Hollywood, las antiutopías de un futuro más o menos cercano, reflejaron en clave metafórica muchos de los miedos y conflictos que ha experimentado la sociedad estadounidense en el nuevo milenio. Este libro nos invita a un viaje apasionante a través de la historia de las distopías desde el siglo XIX hasta nuestros días; una odisea que se detiene en el análisis de diez películas estadounidenses de ciencia ficción, estrenadas en la década posterior a la caída de las Torres Gemelas. Son relatos futuristas que recrean sistemas totalitarios y sociedades alienadas, ciudades al borde del caos y la destrucción, o mundos apocalípticos, y nos desvelan las pesadillas del sueño americano a lo largo de una década especialmente convulsa: desde la Guerra contra el Terror y el recorte de libertades de la Ley Patriota, durante los dos mandatos de George W. Bush, hasta la llegada de Barack Obama con su “Yes We Can” y el estallido de la crisis económica de 2008.

Autor; Lucia Salvador; Editorial; UNIVERSIDAD DE VALLADOLID. SECRETARIADO DE PUBLICACIONES E I; Páginas; 188

Póster y tráiler de «Hush», lo último de Mike Flanagan

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Aún pendiente de estrenar de su anterior «Before I Wake» Mike Flanagan («Oculus«, «Absentia«) tiene ya lista su última incursión tras las cámaras, «Hush«, una cinta que parece alejarse de la temática sobrenatural vista en sus anteriores trabajos para adentrarse en el
 subgénero de la home invasión y cuyo tráiler junto a su póster podéis ver a final de página. El film ha tenido estos días su premiere mundial en el SXSW de Austin, certamen en donde se hizo público que la cadena Netflix adquirió sus derechos de distribución mundial teniendo previsto estrenarla a través de su plataforma el próximo 12 de abril. Mike Flanagan que está ultimando «Ouija 2» rodará próximamente la adaptación al cine de la novela de Stephen King «Gerald’s Game«.

«Hush» nos cuenta la historia de una joven escritora que se quedó sorda en su adolescencia y vive aislada en una casa en medio de la nada. Una noche comienza a ser acosada por un misterioso hombre enmascarado y sin la posibilidad de pedir ayuda, por lo que tendrá que ingeniárselas para salir airosa de su acosador.

La película está protagonizada por Kate Siegel,  Samantha Sloyan, Michael Trucco, John Gallagher Jr y Emma Graves.

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Primeras imágenes de «Oro», lo nuevo de Agustín Díaz Yanes

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El equipo de «Oro» la nueva película del director Agustín Díaz Yanes, basada en un relato corto del novelista de gran éxito de ventas Arturo Pérez-Reverte, ya está embarcado en el rodaje. Inspirada en la expedición de los conquistadores españoles del siglo XVI, Lope de Aguirre y Núñez de Balboa, esta aventura de época sigue los pasos de su épica expedición por la selva amazónica en busca de una mítica ciudad que, según se creía, estaba hecha completamente de oro. El rodaje, que actualmente se encuentra en Canarias, transcurrirá también entre Andalucía, Panamá y Madrid. El reparto de «Oro» lo forman Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada, José Coronado, Antonio Dechent, José Manuel Cervino, Luis Callejo, Juan José Ballesta, Andrés Gertrúdix, Diego París, Ana Castillo y Juan Carlos Aduviri, con la colaboración especial de Juan Diego.

«Oro» reúne al director ganador de dos Goyas Díaz Yanes (guion original y dirección novel por «Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto«) con el autor superventas Pérez-Reverte, cuya obra se ha traducido a más de 40 idiomas y ha vendido más de 15 millones de ejemplares. Díaz Yanes y Pérez-Reverte colaboraron por última vez en el gran éxito de taquilla «Alatriste«, protagonizado por Viggo Mortensen. «Oro» es una producción de Apache Films, Atresmedia Cine, Telefónica Studios y Sony Pictures España. Sony Pictures además se encargará de su distribución en España, Latinoamérica y los Estados Unidos.

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Crónica OffsideFest 2016

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Del 9 al 13 de marzo se celebró la tercera edición del Offsidefest, un modesto y voluntarioso festival que tiene la particularidad de sustentarse en dos especializaciones dentro de una misma, por una parte el auténtico e indiscutible leitmotiv de la cita, el futbol expuesto a través del documental, pero la propuesta no se queda ahí y se incide especialmente en la particularidad de aquellas producciones que reflejan el deporte rey en una mayor o menor medida desde una perspectiva claramente social, su influencia como fenómeno de masas ya sea a un nivel histórico, político, metafórico o incluso desde una base puramente cultural. Un festival que va dando pequeños pasos en su crecimiento en lo referente a lo que es su infraestructura, se dispuso de una necesaria sala de cine para las proyecciones, se incorporó a la programación de forma acertada un cortometrajes previo pase de cada documental (quizás incluidos de manera algo encorsetada en la parrilla y con poco tiempo para poder tomarse un respiro entre proyecciones).

A la hora de hacer un balance general con respecto de los trabajos vistos en esta edición hubo tres documentales muy por encima de la media, «I Believe in Miracles«, «Una meravigliosa stagione fallimentare» y «Gascoigne» destacaron dentro de un nivel general algo por debajo con respecto al pasado año, una edición no exenta de propuestas de lo más interesantes pero algo inferior si llegamos a diseccionar su calidad global a la hora de compararla con la inusual y extraordinaria cosecha que pudimos visionar en la edición del 2015.

14 largometrajes y otros 14 cortometrajes vistos durante cuatro días en el cine Maldà de Barcelona y la Antiga Fàbrica Estrella Damm, a continuación todo lo que dio de sí un festival muy válido, algo diferente en lo referente a lo que es su propuesta y de ahí posiblemente su máximo activo, una cita casi obligada para lo que entendemos el futbol como algo más, un certamen que da la oportunidad de poder visionar trabajos de una difícil difusión fuera de unos circuitos muy específicos, una en definitiva mirada privilegiada de esa otra cara del futbol la que nos ofrece el Offsidefest. 


Miércoles 9 y Jueves 10

Una de las iniciativas más acertadas vistas en esta edición del Offsidefest fue la de recuperar clásicos del futbol documentado, una mirada hacia atrás sobre trabajos que en cierta manera abrieron una nueva vía dentro del documental futbolístico, en la sección inaugural se pudo ver «El profeta del Gol» documental realizado sobre la figura de Johan Cruyff en uno de los puntos más álgidos de su carrera como jugador (copa de Europa con el Ajax, la liga del Barcelona en 73-74 y el mundial de Alemania en ese mismo año) a cargo del italiano Sandro Ciotti en 1976, un trabajo de claras connotaciones hereditarias ubicadas dentro de un contexto específico que termina reflejando un cierto sabor a nodo, una radiografía la expuesta quizás algo desprovista de una reflexión más íntima acerca de la propia figura del jugador pero poseedor de un estilo casi primigenio acerca del documental del día a día de un deportista que devino clave en el futbol moderno.

«Llegando a casa» de Fernando Kalife es ese tipo de documental que cada propio equipo quisiéramos tener en nuestro poder, la historia sobre las siete décadas del cuadro mexicano en un elaborado trabajo recopilatorio en base a imágenes de archivo y entrevistas a implicados, un vasto nivel informativo de la historia del Club de Fútbol Monterrey mexicano desde sus inicios hasta el día de hoy el que nos ofrece un documental puede llegar a resultar tan detallado, laborioso e impoluto en lo referente a su cometido como algo extenuante al no vinculado emocionalmente con los denominados Rayados, sobretodo dada su muy larga (127 minutos de duración) exposición.

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La simpática «Gol de Cuba» transita a medio camino entre el anecdotario histórico y un fanatismo visto de una perspectiva de lo más peculiar, utilizando ambas herramientas a la hora de presentarnos al pueblo cubano de Zulueta, cuna del futbol de dicho país, en su exclusivo día a día durante la celebración del mundial de 2010 a través de cinco testimonios expuestos en base a su empatización en donde se nos cuenta su curiosa historia de amor hacia el fútbol y la reivindicación-orgullo que sienten hacia la tradición futbolera de su modesto pueblo. Quizás la mayor virtud de «Gol de Cuba» aparte de su complicidad venga dada en parte en su posterior reflexión, y en como el futbol como fenómeno social es utilizado como un ente esperanzador para contrarrestar la precariedad.

La laureada «Return to Homs» (Gran Premio del Jurado de documentales del Festival de Sundance 2013) de Talal Derki nos transporta a la crudeza el conflicto bélico de Siria contado en primera persona y en modo casi mockumentary, el asedio de Bashar al Assad hacia la ciudad de Homs vivido en primera persona en un documento que se aparta del relato de lo que los medios informativos difunden como supuesta información veraz. Posiblemente la excusa del futbol en «Return to Homs» este cogido algo con pinzas (el protagonista fue integrante de la selección nacional de fútbol y en el documental hay apenas algunas esporádicas referencias hacia ello) en un documento que pese a rozar peligrosamente su más que evidente naturaleza de índole propagandística deviene como un estremecedor relato en donde la esperanza del cambio queda crudamente radiografiada  en forma de los últimos suspiros en una cada vez más utópica revolución.

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Viernes 11

«Tanger Gool» vista tras su paso en la pasada edición de la Seminci de Valladolid es un documental financiado a través del crowdfunding que nos ofrece una visión de la juventud árabe expuesta a través de los esfuerzos de los integrantes de una asociación ubicada en uno de los barrios más conflictivos de Tánger a la hora de organizar un partido de fútbol femenino con el equipo local (Al Boughaz) y uno español (Atlético de Madrid). Un esforzado documento friccionado con el fútbol como elemento percutor especialmente direccionado hacia las mujeres de Marruecos en lo referente a su modernización social.

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Por otra parte Pedro Asbeg ganador al mejor documental en la pasada edición del Offsidefest con la extraordinaria «Democracia me preto e branco» junto a Renato Martins vuelve a incidir en la problemática social vista a través del futbol en Brasil, en esta ocasión con «Geraldinos«, un breve documental que nos habla de las consecuencias político-sociales de la remodelación del mítico estadio Maracaná para el Mundial de 2014 que acarreo la desaparición de la denominada Geral, una zona del estadio destinada a las clases más populares por lo económico de sus precios. Un trabajo algo inferior al anterior documental de su director pero que encuentra su algo dispersa validez en su propia función de relato-denuncia del proceso
  de sustitución del futbol como expresión de entretenimiento cultural popular por algo meramente comercial con fines lucrativos. Una de las joyas que se pudo ver este año en el festival sin lugar a dudas «I Believe in Miracles«, los amantes del futbol británico y de la figura de Brian Clough estamos últimamente de enhorabuena, si el pasado año tuvimos la fortuna de poder disfrutar de la publicación en castellano de la mítica novela de David Peace «Maldito United» en donde se relataba los infernales 44 días de Brian Clough al frente del Leeds United el documental que aquí nos ocupa nos explica su posterior e increíble trayectoria al mando del Nottingham Forest, un documental de manual que puede servir al mismo tiempo como una fluida narración e inmejorable anexo documentado a la notable «The Damned United» de Tom Hooper, pues cronológicamente donde termina una empieza la otra, una historia la aquí contada que a un sector determinado de seguidores nos resulta muy complicado el no llegar a empatizar con ella.

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Otro de los documentales vistos este año en el Offsidefest en modo de retrospectiva fue la valiosa «Profis» de Christian Weisenborn y Michael Wulf ambos presentes en el certamen, un documental que 37 años después de su realización deviene como una muestra adelantada a su tiempo, génesis casi perfecta del documento intimo futbolístico en donde asistimos al rígido seguimiento efectuado a Paul Breitner y Uli Hoeness a lo largo de una temporada en el Bayern Múnich, una valiosa pieza de connotaciones casi arqueológicas en donde prima la visión personal por encima de la más meramente futbolística.


Sábado 12

La premisa que nos ofrece «Calabash» es hasta cierto punto muy obvia, quizás demasiada aunque no exenta de un cierto interés, una visión alrededor del primer mundial de fútbol celebrado en África con el trasfondo de la supuesta corrupción institucional de los organizadores y como esto va en detrimento de los más desfavorecidos, volvemos a toparnos al igual que en «Geraldinos» en como la asignación de fondos públicos a un evento deportivo a gran escala deviene como arma arrojadiza en contra del bienestar social de una nación en un estado muy precario, una visión anexionado al mismo tiempo a través de historias explicadas por diferentes personajes que sirven como un fiel reflejo a la actual desigualdad existente entre personas (especialmente personificada en la familia acomodada mexicana que asiste al evento en contraposición  a los lugareños), un retrato que sirve como una fiel metáfora hiriente de la actual situación económica existente en el mundo.

En «Gascoigne» (ganador como mejor documental) la directora Jane Preston vuelve a incidir en la figura del ex futbolista británico, si en el 2013 nos ofrecía en «Being Paul Gascoigne» una visión más dirigida al retrato más puramente familiar, tortuoso y extradeportivo del personaje aquí somos testigos de una sincera confesión en primera persona de connotaciones casi catárticas centrada exclusivamente en su trayectoria deportiva, una carrera plagada de excesos a cargo de una figura atípica dentro del imaginario del futbol inglés, las vicisitudes de un héroe nacional a principios de los 90 documentado dentro de un recorrido plenamente dominado por un vaivén de luces y sombras que es plasmado en un trabajo con una clara vocación de índole claramente futbolística y en donde los escasos testimonios ajenos (Gary Lineker, José Mourinho y Wayne Rooney) pasan a un segundo término para dar lugar a la historia que hay detrás de su ascensión y caída contada desde dentro, como buen documental este a su finalización nos invita a su posterior reflexión y a preguntarnos  si es la prensa la encargada de crea ciertos mitos de cara a la sociedad, unos mitos creados más en función de la indisiocrancia del personaje que a la de sus logros deportivos.

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Uno de los mejores documentales vistos este año en el festival fue «Una meravigliosa stagione fallimentare«, uno de esos film en donde de una manera incuestionable prima más su recorrido a lo que su finalidad, el retrato del entusiasmo de una ciudad entera que vuelve a creer de nuevo en su equipo de fútbol, una historia que sigue la evolución de Bari desde su trágica situación económica a principios de temporada hasta su milagrosa participación en los playoffs de ascenso a la primera división, un documental que aparte posee la virtud y el encanto de apoyarse dentro de unas coordenadas que la direccionan a una cierta tradición e idiosincrasia del prototípico cine clásico Italiano, su música, la particularidad de esa voz en off y personajes como la mascota o la niña son arquetipos muy característicos dentro de una índole perfectamente reconocible, dotado todo ello al mismo tiempo de un innegable encanto cinéfilo. La amena «The Art of Football» por su parte es una divertida y algo despreocupada guía futbolística de la A a la Z conducido por John Cleese, a medio camino entre el testimonio de superestrellas tales como Platini, Pelé, Ronaldo y Beckenbauer o de celebridades Dennis Hopper, Henry Kissinger o Wim Wenders
 y el material de archivo, curiosamente el documental  tiene sus mejores momentos en lo concerniente a los gags a cargo del ex Monty Python, unos intervalos cómicos que tienen la virtud de poseer ese inconfundible tono de humor británico.


Domingo 13

El último día de festival  nos dio la oportunidad de visionar tres mediometrajes, posiblemente el más interesante de largo fue «White, Blue & White«, un acertado documental a cargo del canal ESPN acerca la figura de Ossie Ardiles, su presencia en el mundial del 1978 y su posterior traspaso al Tottenham Hotspur junto a su compatriota Ricky Villa cuando la posibilidad de que jugadores extranjeros jugarán en la liga Inglés era cuanto menos novedosa, una trayectoria que se vio repentinamente interrumpida por la guerra de las Malvinas, un testimonio ofrecido en primera persona a cargo de Ardiles a medio camino entre la tragedia familiar y su difícil situación coyuntural como jugador argentino en la Premier, es a partir de ahí cuando «White, Blue & White» gana enteros y  nos es presentada como una ceñida obra dramática que termina convirtiéndose en un acertado ejemplo de lo que debería ser un documento televisivo que trasciende más allá de lo meramente futbolístico.

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Por otra parte la visión ofrecida en «Looking For Barcelona» de la rivalidad existente los dos grandes rivales deportivos de la ciudad, RCD Espanyol y FC Barcelona con la algo fantasmal presencia de Eric Cantona de por medio aporta bien poco más allá de lo puramente anecdótico a los que nos toca vivir dicha tesitura, un documento algo difuso y de desarrollo irregular en lo referente a su exposición, la carencia de una voz en off y un discurso político por parte de algunos entrevistados algo confuso y en parte discutible hacen del documental una muestra
  fallida en el desarrollo de un tema que da para una exploración mucho más amplia y profunda. Como colofón final del OffsideFest 2016 y aprovechando la presencia como jurado del director Manuel Huerga se tuvo la ocasión de visionar su último trabajo, «371. Thiago Alcantara«, una producción a cargo de Mediapro que es la unión de 4 breves capítulos en donde se nos cuenta la dura vivencia de Thiago durante esos fatídicos días, desde su lesión hasta su recuperación, un documento provisto de entrevistas a compañeros y familiares en un conseguido relato cotidiano a través la dureza del día a día en la recuperación una grave lesión.

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“Hay quien dice que el futbol no tiene nada que ver en la vida de un hombre con las cosas más esenciales. Desconozco cuanto sabe esta gente de la vida. Pero de una cosa estoy seguro; no saben nada del futbol”.

Edurado Sacheri

Primer avance del festival Cinema d’Autor de Barcelona D’A 2016

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El D’A – Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona anuncia los veinte primeros nombres de los más de setenta filmes que formarán parte de la sexta edición del festival, que se celebrará del 21 de abril al 1 de mayo. Entre las secciones Direccions, Talents, Transicions y Retrospectiva, dentro del D’A 2016 se podrán ver películas de 23 países, con doce obras de directores debutantes, diez filmes españoles y diez obras dirigidas por mujeres, que abarcan todo tipo de géneros, desde las nuevas formulaciones del documental al género, reuniendo un año más el mejor cine que se hace en el mundo, los nombres más destacados del momento y las películas que redefinen continuamente la autoría contemporánea. El D’A 2016 empezará el día 21 de abril con la presentación de Cegados por el sol, la nueva película del director italiano LUCA GUADAGNINO (Yo soy el amor) protagonizada por Tilda Swinton, Ralph Fiennes, Dakota Johnson y Matthias Schoenaerts. La propera pell, la nueva película de ISAKI LACUESTA, codirigida con ISA CAMPO y protagonizada por Sergi López, Emma Suárez y Àlex Monner, clausurará el festival.

DIRECCIONS

La sección Direccions está dedicada a los autores de referencia sin los cuales no se puede entender la creación cinematográfica contemporánea y nombres habituales de los principales festivales del mundo. Año tras año, el D’A se hace eco de las nuevas películas de los clásicos del cine de autor, y en la sexta edición del festival se proyectarán las nuevas obras de directores como HONG SANG-SOO (Ahora sí, antes no), BRILLANTE MENDOZA (Taklub), TERENCE DAVIES (Sunset Song), ARNAUD DESPLECHIN (Trois souvenirs de ma jeunesse), ALEXANDER SOKUROV (Francofonia), PHILIPPE GARREL (L’ombre des femmes), ANDRÉS DUQUE (Oleg y las raras artes) o MARCO BELLOCCHIO (Sangue del mio sangue), entre otros.

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PANORAMA DE LA MEJOR AUTORIA EN TRANSICIONS

El D’A no puede dejar pasar las mejores películas de cine de autor que se ha presentado en los festivales internacionales y han despertado el interés de la crítica y la cinefilia de todo el mundo. Así dentro de la sección Transicions algunas de las películas más sorprendentes del año, un radar de la mejor producción del momento, con películas como Dead Slow Ahead del español MAURO HERCE (ganador en Locarno 2015 del premio especial del jurado a Cineastas del Presente), Happy Hour de RYUSUKE HAMAGUCHI, quizá una de las mejores películas que nos han llegado desde el Japón en los últimos años, la producción indie norteamericana Nasty Baby de SEBASTIÁN SILVA con Kristen Wiig como protagonista, El nome de los árboles del asturiano RAMÓN LLUÍS BANDE o la revelación mexicana Te prometo anarquía de JULIO HERNÁNDEZ CORDÓN.

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SANGRE FRESCA EN LA SECCIÓN TALENTS

Talents, la sección competitiva del festival, acoge una selección de películas de directores con un máximo de tres filmes en su filmografía -con doce directores que presentan su primera película- en un viaje que nos lleva por los caminos más nuevos y las voces más frescas de la creación cinematográfica, con visiones osadas, riesgo creativo y diversidad de temáticas y puntos de vista. Se podrán ver la mejor película debutante de Locarno, la china Kaili Blues de GAN BI o una de las revelaciones del año, Bang Gang (Une histoire de amour modern) de la directora EVA HUSSON. Fuera de competición, 600 millas de GABRIEL RIPSTEIN (premio a la mejor película de un director debutante en la Berlinale 2015), Demon del tristemente desaparecido MARCIN WRONA y el primer largometraje como director de LOUIS GARREL, Les deux amis.

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EL DIRECTOR SHARUNAS BARTAS, PROTAGONISTA DE LA RETROSPECTIVA D’A 2016

El director lituano SHARUNAS BARTAS será objeto de la retrospectiva del D’A 2016, aprovechando la presentación de su nueva película después de seis años de inactividad, Peace to Us in Our Dreams. Su obra, formada hasta hoy por doce largometrajes y cortometrajes, dibuja perfectamente el mundo contemporáneo: la miseria, la soledad, los problemas de comunicación, la búsqueda de un futuro mejor que parece inalcanzable. Cineasta de los límites, Bartas confronta los hombres a los espacios y a menudo se pierde en largas expediciones. Su cine se vive como una experiencia física en la cual los lugares y su naturaleza resultan determinantes, dictando una ley que no se puede desobedecer. En colaboración con la Filmoteca de Catalunya se presentará su obra completa, una oportunidad única para descubrir a un cineasta inédito en nuestras pantallas, con obras de impacto como Indigène de Eurasie o The House (protagonizada por Valeria Bruni-Tedeshi y Alex Descas).

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Nicolas Cage y Elijah Wood bajo sospecha, póster y tráiler de «The Trust»

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Acaba de ver la luz un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster del nuevo film protagonizado por el últimamente pluriempleado Nicolas Cage y Elijah Wood, «The Trust«, un thriller criminal a modo de buddy movie que está dirigido por los hermanos
 Alex y Benjamin Brewer, el film tiene la particularidad de contar en su reparto con el mítico Jerry Lewis en un papel secundario. La película tendrá el próximo 13 de mayo un estreno simultáneo en VOD y cines.

«The Trust» nos narra la historia de dos policías que descubren por casualidad el lugar donde está escondida una gran suma de dinero relacionada con el tráfico de drogas. La codicia de los dos agentes les llevara a apropiarse del botín, viéndose obligados a partir de ese momento a luchar por su propia supervivencia y cuestionarse cada uno de los movimientos que realizan a partir de ese instante.

La película está interpretada por Nicolas Cage, Elijah Wood, Kevin Weisman, Jerry Lewis,  Steven Williams, Sky Ferreira, Keston John, Tom Bonello, Christie Beran, Tommie Vegas, Jay Hieron, Lisa Gardner, Phillip Allen Hall III, Frank Parrillo, Mark Roman y Vanessa Christelle.

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Arranca el Offside Fest 2016

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En su tercera edición, que comienza hoy y se alargará hasta el 13 de marzo en Barcelona, el festival internacional de documentales de fútbol proyectará hasta 14 largometrajes y 14 cortometrajes que explican apasionantes historias alrededor del fútbol desde un punto de vista social, cultural, histórico y deportivo.
 La Sesión Inaugural de esta noche en la Antiga Fàbrica Estrella Damm, a partir de las 20:15h, contará con la proyección del clásico El Profeta del Gol de 1976, sobre Johan Cruyff. Después habrá un coloquio con David Carabén (líder de Mishima) y Jordi Marcos (director de L’Últim Partit).

EL CINE MALDÀ, NUEVA SEDE

A partir de mañana el festival estrenará sede en el Cine Maldà de Barcelona, donde hasta el sábado se podrán vivir historias como el emotivo repaso a la carrera de Paul Gascoigne (Gascoigne), el ejemplar lucha de un equipo de fútbol femenino de Tánger para visibiliizar su día a día (Tanger Gool), las repercusiones sociales de la reconstrucción del mítico Estadio Maracaná de Río de Janeiro (Geraldinos), y la particularísima guía futbolística teorizada con mucho humor por el Monty Python John Cleese (The Art Of Football).

Además, habrá espacio para la brutal historia de Return To Homs y su cruda visión de la guerra civil siria, y las historias esperanzadoras, cada una a su manera, de Gol de Cuba, I Believe In Miracles, Una Meravigliosa Stagione Fallimentare y 70 años llegando a casa.

INVITADOS DE LUJO

Frank Clark, ex-jugador, ex-entrenador y ex-presidente del Nottingham Forest, asistirá a la proyección del documental I Believe In Miracles (viernes 11 a las 20:30h). Además, nos visitarán los directores de films como Gascoigne, Profis, y Llegando a casa.

MATINAL GRATUITA Y CLAUSURA EN LA ANTIGA FÀBRICA ESTRELLA DAMM

La tradicional sesión matinal gratuita de cortometrajes tendrá lugar el domingo por la mañana, a partir de las 12:30h, en la Antiga Fàbrica Estrella Damm,  con documentales de Copa 90 También se celebrará un torneo de Pro Evolution Soccer 2016.

El Offside Fest 2016 celebrará su sesión de clausura el domingo 13, de nuevo en la Antiga Fàbrica Estrella Damm, con la proyección de los documentales White, Blue & White, Looking For Barcelona de Eric Cantona, y 371. Thaigo, corto dirigido por Manuel Huerga sobre la recuperación del futbolista actualmente en el Bayern de Múnich.

 

PROGRAMACIÓN OFFSIDE FEST 2016

 – Miércoles 9 de marzo: Sesión inaugural en la Antiga Fàbrica Estrella Damm

 – Del jueves 10 al sábado 12 de marzo: Proyecciones en el Cine Maldà

 – Domingo 13 de marzo (matinal gratuita): Torneo de Pro Evolution Soccer 2016 y matinal de cortos de Copa 90 en la Antiga Fàbrica Estrella Damm

 – Domingo 13 de marzo (tarde): Sesión de clausura y entrega de premios en la Antiga Fàbrica Estrella Damm

PROGRAMA DE MANO CON LOS HORARIOS

 

Crónica festival Americana 2016. Día 3

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Trumbo

Dalton Trumbo fue uno de los más importantes guionistas del Hollywood clásico. Pero era militante comunista. Y además valiente. Y se vio encarcelado, marginado y apartado de su carrera por una sociedad manipulada y unos dirigentes que no querían sentirse amenazados por la lucha de clases o por tener que ceder derechos a los más desprotegidos. La paranoia de la Guerra Fría por parte de algunos y el miedo por parte de otros conducirán a Trumbo al exilio dentro de su propio país, al olvido y al anonimato, justo después de que se hubiera convertido en el guionista mejor pagado del mundo. Su lucha, su resistencia, la relación con su familia y las distintas actitudes de las personas que le rodean servirán para trazar un vivo retrato de aquel Hollywood tan lejano y de aquella etapa triste de los EEUU, además de un relato humano de quien todavía a día de hoy es considerado uno de los guionistas más brillantes de la historia.

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«Trumbo» fue la encargada de clausurar la tercera edición del Americana 2016, un biopic interpretado por el gran Bryan Cranston y realizado por Jay Roach partiendo de la obra “Dalton Trumbo” de Bruce Cook, un retrato que posiblemente  huya  o no acierte a dotar convenientemente de la profundidad requerida al personaje principal, por el contrario el film nos ofrece una exposición a medio camino entre lo más puramente académico y la visión amena y correctamente cronológica de los lamentables hechos que tuvo que sufrir el guionista norteamericano en aquellos años. Hay dos maneras a la hora de enfrentarse a un film de las características de «Trumbo«, por un lado los más conocedores de una de las páginas más negras de la historia de Hollywood seguramente sentirán una cierta decepción ante la falta de sutileza del relato o de una visión más personal e incisiva en el retrato expuesto de Dalton Trumbo, por contra los no tan versados en la materia encontraran en la película una perfecta herramienta didáctico-histórica que funciona como un fluido entretenimiento al  mezcla el drama con toques de comedia al más puro estilo clásico, básicamente porque «Trumbo» consigue funcionar de manera solvente como un profuso catalogo-anecdotario que se apoya en su propia cinefilia, ahí es donde gracias a un ceñido y acertado casting (especialmente brillantes Bryan Cranston y Helen Mirren) el film exhibe sus puntuales aciertos, las referencia y las apariciones de multitud de estrellas de aquellos años y que posturas decidieron tomar muchos de ellos reinan por completo en una función que no quiere o no puede sentar cátedra en la materia, su resultado terminan asemejándose más a una pieza de connotaciones tan efectivas como funcionales.

Valoración 0/5: 2’5

 

Wildlike

Mackenzie es una hermosa adolescente a quien su madre envía a vivir un tiempo a Alaska con su tío, después de la muerte del padre. Pero la relación entre ambos se nos antoja extraña y pronto descubriremos que turbia. Así que la chica huye con destino a Seattle, improvisando sobre la marcha la forma de llegar. El destino la cruzará con Rene, un hombre maduro y viudo con quien vivirá una aventura por las fascinantes tierras de Alaska y con quién iniciará una relación de amistad basada sobre todo en los silencios y la mutua compañía. Pero el tío de Mackenzie no se dará por vencido y la buscará por toda Alaska, para mantener en secreto aquello que les une, pero que también los separa.

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El debut en la dirección de Frank Hall Green fue una de las propuestas presentadas este año dentro
 del festival más fallidas, un film de ritmo excesivamente lento que no termina de encontrar el tono en prácticamente ningún momento de su metraje, a medio camino entre la road movie de poder curativo en lo emocional y el drama de problemática adolescente más una suerte de thriller final, «Wildlike» termina por no sabe encausar adecuadamente un nivel narrativo que fracasa tanto en lo concerniente a su retrato intimista, el de dos personas heridas que tienen que compartir travesía, como a la hora de saber detallar con solvencia su supuesta ambigüedad genérica respecto a lo que es su núcleo narrativo, la descripción de personajes esta radiografiada de forma tan entrecortada que se hace por momentos casi  imposible poder otorgarles la solidez  que se requería en un principio. Al final los únicos activos que podemos destacar de «Wildlike» los vemos únicamente en la solvencia actoral de Bruce Greenwood (un extraordinario secundario de lujo a lo largo de prácticamente toda su carrera) y los paisajes naturales de Alaska que vamos viendo durante el metraje, algo que como resultado final sabe a bien poco la verdad.

Valoración 0/5:2

 

Prophet’s Prey

Warren Jeffs es el líder de la “Iglesia de los santos de los últimos días”. Esta secta evangelista y poligámica de tradición centenaria. Esconde muchos secretos. Viven en pueblos inexpugnables y tienen su propia ley. Las cosas cambian cuando Jeffs, heredero de un linaje de líderes de la iglesia, es acusado de abuso de menores. La investigación llevará a revelar las partes más oscuras de una organización enorme, llena de paranoia, intereses, idolatrías, mentiras y miedo.

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Prophet’s Prey fue uno de los documentales vistos dentro de la nueva sección Americana DOCS, dirigido por la últimamente pluriempleada Amy Berg («West of Memphis«, «Deliver Us from Evil» y la recientemente estrenada «Janis: Little Girl Blue«), el film se adentra en la figura de Warren Jeffs, líder de la secta Fundamentalista SUD y de los abusos que fue cometiendo como “profeta” de la organización. «Prophet’s Prey» podríamos catalogarla como una pieza de corte algo tradicional en lo referente a su desarrollo, su narrativa camina a medias entre los testimonios (algo escuetos) y una investigación estructurada cronológicamente, es en la parte final cuando «Prophet’s Prey» gana atributos al adquirir las connotaciones de un documento de terror amparado en su no ficción.

Si hasta ese momento habíamos seguido la deleznable figura de Warren Jeffs (cerrada de forma escalofriante con una escena en la que la pantalla se pone negra mientras oímos el audio de una ceremonia ritual en el templo donde Warren Jeffs mantiene relaciones sexuales con una niña de 12 años) Amy Berg consigue dar un acertado golpe de timón en esa parte final cambiando el rumbo e introduciéndonos en el sistema de creencias utilizado por un líder encarcelado de por vida hacia sus acólitos, porque al final nos damos cuenta que el auténtico horror no recae en un solo individuo sino en el poder de manipulación de este hacia sus seguidores, es ahí cuando ese reino de terror mental adquiere un status de máxima perturbación hacia el espectador, un retrato en donde su escalofriante veracidad rompe esa barrera de seguridad que suele coexistir dentro de los parámetros de la ficción.

Valoración 0/5: 3’5

 

The Invitation

Will y Eden perdieron a su hijo años atrás. La tragedia afectó su relación de forma irreversible, hasta el punto de que ella desapareció de la noche a la mañana. Un día, Eden regresa a la ciudad; se ha vuelto a casar y en ella parece haber cambiado algo, convirtiéndola en una presencia inquietante e irreconocible incluso para Will.

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«The Invitation» es indiscutiblemente una de las sorpresas más positivas del pasado 2015, aunque en un principio pueda llegar a descolocarnos en algo dado los antecedentes de sus responsables, su directora Karyn Kusama se resarce aquí de anteriores trabajos suyos como eran las horrendas «Aeon Flux» o «Jennifer´s Body» para presentarnos un producto de premisa modesta pero de resultado enriquecedor, ubicado en un escenario claramente minimalista «The Invitation» se presenta en forma de un drama psicológico que va mutando hacia el horror conforme avanza su recorrido argumental, que sabe alejarse de manera consiente del consabido relato de tono críptico usado de forma algo habitual en productos de trazado indie para ofrecernos lo diametralmente opuesto, una historia cocinada a fuego lento en base a un tempo narrativo bien llevado, de estructura sencilla en apariencia, una interpretación de ciertos comportamientos sociales bajo la apariencia de un drama profundamente dialogado y expuesto en cómo el dolor asumido de forma personal ante un hecho luctuoso puede llegar a convertirse en algo realmente espeluznante según como sea aceptado, a partir de dicha premisa el film va jugando en lo concerniente a una serie de continuas sospechas que nos van siendo mostradas y dosificadas en forma de pistas, para dar paso a un continuo tour de force en lo referente a una tensión muy bien direccionada y que termina derivándola en su tramo final a un twist-ending en el que cambia por completo de registro, algo que posiblemente rompa el tono exhibido hasta ese momento.

Seguramente «The Invitation» expuesto en términos plurales no sea un grandioso film, de echo la propuesta presentada por Karyn Kusama es tan sencilla de como efectiva en resultados, pero no deja de ser un notable ejercicio de cómo saber ejecutar el recurso de la tensión psicológica a un relato, en donde su mejor virtud es la de lograr reclutar por completo la atención del espectador durante prácticamente todo su metraje, algo hoy en día digno de resaltarse.

Valoración 0/5: 4

Pantalla espectral. Las 50 películas básicas de fantasmas

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Si existe algún lugar donde el fantasma tiene una verdadera razón de ser, ese es sin lugar a dudas el cine. Las películas son las verdaderas casas encantadas, lugares donde los muertos viven eternamente y donde las tragedias se repiten sin fin, siempre prestas a aparecer ante los ojos inocentes (impresionables, objeto de posesión) de nuevos espectadores. Este libro no sólo se aproxima al concepto de fantasma o espectro con metodología pragmáticamente romántica vinculada a las diversas formas culturales y sociales, sino que se sienta alrededor de una mesa, atenúa las luces y convoca a algunos de ellos. Quedan ustedes invitados a unirse a esta sesión sobrenatural y a adentrarse en una selección de los 50 títulos cinematográficos que consideramos imprescindibles sobre la temática fantasmal. Comedia, romance, terror, experimentación, acción, drama, fantasía… Un viaje hacia lo desconocido y hacia lo inexplicable. Un viaje hacia ese Más Allá atrapado en celuloide.

Autor; Fausto Fernández; Editorial; UOC. Páginas; 182

Crónica festival Americana 2016. Día 2

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Digging for Fire

Tim (Jake Johnson) y Lee (Rosemarie DeWitt) son una de esas parejas atrapadas en su rutina. Con un bebé y las circunstancias sociales de su clase, se sienten obligados a hacer de su amor, una apariencia indispensable en el círculo en que se mueven. Pero una visita familiar y un descubrimiento harán que la pareja opte por dividirse y salir de la claustrofóbica relación durante un fin de semana. La aventura de cada uno por separado en busca de la felicidad y de sus miedos y de sus razones nos acercará a temas trascendentales siempre a través de la mirada ligera de su director.

La nueva película de Joe Swanberg vuelve a incidir en esas pequeñas taras emocionales que subyacen dentro de las parejas que aparentan una felicidad carente de una estabilidad emocional, una crisis matrimonial en donde se sigue a unos personajes a partir de una supuesta búsqueda de la felicidad por separados y durante el trascurso de un breve fin de semana, ya sea a través de una excusa meramente escapista, el descubrimiento de restos humanos en el jardín de la casa donde pasan unos días de relax (el) o bien a través del intento de pequeños escarceos románticos (ella).   

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Un tránsito el que recorre «Digging for Fire» que empieza a partir del cuestionamiento dentro de la propia
 pareja para acabar en una amable parábola sobre el compromiso, en este aspecto queda claro que lo mejor del nuevo film de Joe Swanberg reside parcialmente en lo referente a su trayecto y no en su finalidad (algo pueril), la narrativa de ese microcosmos del descontento llega a funcionar de manera algo dispersa y abrupta, una premisa la expuesta que incluso podríamos catalogarla como una versión alternativa y de claro calado indie del «Eyes Wide Shut» de Stanley Kubrick.

Valoración 0/5: 2


Blood Brother

Rocky Braat no tiene la estabilidad emocional que necesita. Siempre ha querido formar una familia, quizás porque la suya de tan desestructurada es casi inexistente y vive con su amigo del alma, Steve. Buscando encontrarse a sí mismo, comienza un viaje por la India sin destino concreto. Una vez allí, el azar le hará cruzarse con un orfanato de niños con SIDA y su vida cambiará radicalmente. Enganchado a sus afectos, sintiéndose útil y pleno por una vez en su vida, Rocky luchará para sacar a los niños adelante. Pero la pobreza y la enfermedad que sufren harán que la situación sea cruda y desesperada en muchos momentos. Una película dura y tierna que nos acerca a aquellos que sin haberlo planificado destina su vida a ayudar a los demás.

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Dentro de la nueva sección (Americana DOCS) y en la jornada solidaria del festival se rescató «Blood Brother«, opera prima de Steve Hoover, presentada en el Festival de Sundance de 2013 en donde ganó los premios al mejor documental y el premio del público. Difícil el poder discernir de un forma ecuánime los atributos de un film en donde la propia naturaleza del producto va más allá de lo que es su calidad, un retrato crudo y desgarrador, de los que a priori ya esperas que te conmuevan desde un principio. «Blood Brother» huye del prototípico film-denuncia, básicamente nos encontramos ante un diario personal de alguien que decide abandonar su vida acomodada en Estados Unidos para establecerse en la India, donde conoce a un grupo de niños infectados con el VIH Sida. «Blood Brother» funciona como un perfecto retrato de la muestra del poder del amor desinteresado hacia las personas más desfavorecidas, la pregunta viene dada en saber si el retrato que nos ofrece el documental de su protagonista resulta acertado o no, y aquí me remito a lo arriba comentado, en cierta manera el personaje de Rocky Braat convive dentro de una especie de anonimato autoimpuesto, sus motivaciones parecen alejarse por completo del idealismo o la rebeldía, y posiblemente aquí resida la grandeza del documental, en la falta de un discurso propio de tono reivindicativo, una exposición está que los héroes anónimos no suelen necesitar.

Valoración 0/5: 3


People Places Things

Will está absorto en la fiesta de aniversario de sus hijas cuando descubre a su mujer poniéndole los cuernos con un invitado. Ella decide dejarlo, ya que las expectativas en su vida no se han cumplido a su lado. Él, tan aburrido como buena persona, mirará de rehacerse, volverse a enamorar, tener la capacidad de perdonarla y sobre todo encontrar el tiempo y la dedicación suficientes para poder disfrutar más y mejor de sus dos hijas.

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«People, Places, Things» fue la encargada de inaugurar el festival, una película que podríamos catalogarla como un claro y definido prototipo o exponente de la comedia indie norteamericana más actual, un tipo de film de tono sobradamente amable, alejada de tesis transcendentales a la hora de discernir el desarrollo de sus personajes, una tesitura esta que en cierta manera le obliga a transitar hacia una argumentación algo despreocupada pero que suele dar como resultado el contentar a prácticamente a todos tras su visionado. La película de James C. Strouse versa en un principio sobre las relaciones humanas de pareja, sus rupturas, el comienzo de una nueva pero de una manera algo dispersa, pues «People, Places, Things» no es solo un film de relaciones sentimentales, básicamente asistimos a como un hombre ha de afrontar una nueva situación vital, paternidad, trabajo y por supuesto las relaciones románticas a las que se enfrenta, en este aspecto el principal activo del film recae sobre Jemaine Clement, uno de los creadores de «Flight of the Conchords«, actor y director que hemos visto recientemente en la sátira vampírica «What We Do in the Shadows«, sin su empatía actoral sería prácticamente imposible que «People, Places, Things» llegara a funcionar en lo referente a
 su cometido, un film en definitiva que es plenamente consciente de sus propias limitaciones, una simplicidad desarrollada en base a ingeniosos diálogos que la deriva a un producto tan liviano por momentos como ingenioso en su finalidad.

Valoración 0/5: 3


The Overnight

The Overnight nos explica la historia de una pareja recién llegada a Los Ángeles junto a su hijo. Obsesionados con disponer lo más rápidamente posible de una vida social de la que enorgullecerse y de conocer a nuevos amigos, no dudarán en aceptar la invitación de su nuevo vecino, Jason Schwartzmann, a una velada en su lujosa casa. Pero lo que en principio parecía una invitación inocente les llevará a pasar una noche de lo más bizarra con el matrimonio vecino.

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«The Overnight» de Patrick Brice (autor del curioso y estimulante found-footage «Creep» con la que comparte muchos puntos de semejanza a pesar del cambio de registro genérico) se mueve dentro del terreno de la comedia sexual de equívocos, un humor que orbita a través de la sutileza y muy especialmente de la incomodidad, una incomodidad aunque en clave de terror que ya estaba presente en el anterior trabajo de Patrick Brice, en «The Overnight»se contextualiza desde su inicio su hasta cierto punto esquemática
 historia de una forma muy rápida, sin embargo puede llegar a resultar algo complicado que un film de estas características permanezca con nosotros mucho más tiempo después de lo que es su visionado, pues estamos ante un producto que se rige en función básicamente de sus gags y de la comicidad que se le quiera otorgar por parte del espectador a sus personajes.

La inseguridad de la pareja con el trasfondo del tema swinger como supuesta terapia de choque y elemento solucionador, o la necesidad imperiosa de establecer un lazo de comunicación con personas en un principio no muy afines a tu propia personalidad, son solo algunas cuestiones que lanza al aire «The Overnight«, un film que termina teniendo como principal virtud el huir de una manera consiente de ese humor zafio o fácilmente frívolo que dada la premisa de la película era bastante fácil en incurrir, a favor de un tono más liviano o sugerido, algo que le da un cierto sentido a lo que es su propia narrativa, colocando a Patrick Brice como un director aun en desarrollo pero poseedor de un discurso lo suficientemente interesante como para seguirle la pista en un futuro.

Valoración 0/5: 2’5

Una triple historia criminal, tráiler del thriller producido por Johnnie To «Trivisa»

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Fue uno de los títulos vistos en el pasado festival de Berlín dentro de la sección Forum, «Trivisa» (Shu Dai Jiu Fung) película proveniente de Hong Kong supone el debut tras las cámaras del trio de directores noveles Frank Hui, Jevons Au y Vicky Wong, en un film producido por Johnnie To y cuyo primer tráiler junto algunas de sus imágenes podéis ver a final de página. «Trivisa» es un thriller de acción contado a tres bandas, cada director se ocupa de un personaje diferente en una historia que converge y que integra el cine de gangsters dentro un contexto histórico determinado.

«Trivisa» nos sitúa en el verano del año 1997, Hong Kong prepara para el traspaso de soberanía a China y el crimen organizado tiene la necesidad imperiosa de reconvertirse ante la nueva situación política que implicará obligatoriamente nuevos códigos de conducta. «Trivisa» nos cuenta la historia de tres conocidos delincuentes que con la apertura de la frontera a China desean cruzar la frontera y hacer fortuna en un Hong Kong en pleno auge económico. El título del film hace referencia a los «tres venenos«, que según la tradición budista conducen al sufrimiento: la ilusión, el deseo y la furia. Cada personaje representa uno de esos estados.

La película está interpretada por Richie Jen, Jordan Chan, Ka Tung Lam, Kwong Leung Wong y  Fung Woo.

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