Mes: enero 2015

Nils, de 45 años, conduce una barredora de nieve por un remoto paraíso nevado. Un día recibe una llamada telefónica: su hijo, que acaba de empezar su carrera universitaria en Oslo, ha muerto por una sobredosis de droga. De repente, Nils se verá envuelto en una guerra entre bandas de narcotraficantes.

El film noruego «In Order of Disappearance» visto dentro de la sección Òrbita, apartado este dedicado a los films pertenecientes a ese género tan colindante últimamente con el fantástico como es el thriller en todas sus posibles ramificaciones, fue una de las pequeñas sorpresas que pudimos descubrir en el pasado festival de Sitges, la película vino proveniente del festival de Berlín del pasado año en donde fue recibido de una manera bastante positiva dado su carácter genérico, viniendo a ser un soplo de aire fresco entre tanta película de compromiso social y tono trascendental,  propuestas recargadas de una solemnidad en exceso, y que suele anidar con demasiada frecuencia dentro de su sección oficial.

El cineasta Hans Petter Moland  sitúa de forma clara a «In Order of Disappearance» en el reconocible territorio del género negro de reminiscencias noir, con un indudable acercamiento temático y nada disimulado al western postmoderno, creando de una manera acertada y en paralelo un vínculo escénico tan reconocible como sustitutivo en la presentación de sus áridos parajes nevados, esa nieve de Oslo, que sirven a modo señas de identidad genéricas a la acción en la que nos sitúa el director noruego, con un aprovechamiento del espacio bastante logrado, todo ello potenciado por la notable fotografía a cargo de Philip Øgaard. Aunque el punto más a destacar del film sea su hibridación genérica, tan sutil como efectiva, sobre todo en el apartado del humor negro que contemplamos durante su metraje, un humor irónico servido a base de pequeñas pinceladas, especialmente en personajes secundarios, algo que dota al conjunto de un sentido coherente a la propuesta y que la asemejan y emparentan de una forma clara a un reconocible cine creado por los hermanos Coen, «Blood Simple», «The Man Who Wasn’t There» y muy especialmente «Fargo» film con el que además comparte un escenario bastante similar, y alejándola al mismo tiempo de esa tendencia Tarantiniana tan dado al exceso nada disimulado y que tiene como máximo exponente el cine de por ejemplo Guy Ritchie.

Esta comedia negra criminal de disfrute liviano, contada y estructurada de modo episódico deviene de forma clara en una apuesta sobradamente sólida y disfrutable, un film sobre una venganza cálida en un escenario frío, que tiene su principal baza en su acertada y antes comentada mixtura genérica, cuyo indudable potencial visual y narrativo queda algo ensombrecido en el pobre desarrollo de sus personaje principales, dando cierta sensación esquemática en sus formas,  poco sabemos del personaje interpretado por Stellan Skarsgård, solo que ha sido recientemente nombrado ciudadano ejemplar del año en la pequeña localidad en donde reside y que se mueve en un ámbito de una exagerada por momentos normalidad, lo mismo se podría decir de los gángsters, tanto el noruego como de serbio, en este aspecto da la sensación de un predominio en la presentación de roles que la indagación personal más propiamente dicha.

Un film sin embargo que reafirma la inequívoca contemporaneidad y buena salud del cine de género negro nórdico y que confirma al mismo tiempo el talento de un cineasta como Hans Petter Moland,  cuya acertada continuidad autoral demuestra no ser para nada casual y del que urge rescatar de una manera apresurada su anterior y brillante «Zero Kelvin». Una propuesta la de «In Order of Disappearance» que se ve al mismo tiempo apoyada por intérpretes cuya sola presencia engrandecen el producto de una forma incuestionable, Stellan Skarsgård y sobre todo un extraordinario Bruno Ganz, dando este un auténtico recital interpretativo en base a ligerísimos matices, algo que parece simple pero que solo está al alcance muy pocos, de genios en definitiva de la talla del actor suizo.

Valoración 0/5:3

Un grupo de teatro ensaya un clásico de misterio, en el que la traición y la venganza ocupan un lugar central. La vida entre bastidores se verá salpicada de sangre cuando lo fantasmagórico abandone la ficción e irrumpa con terribles consecuencias en la realidad.

Lo del prolífico director japonés Takashi Miike es realmente es digno de elogio, no me cabe la menor duda que en un futuro cuando deje de dirigir su carrera será considerada como clave en el devenir de la historia del cine nipón, una trayectoria tan abundante como conceptual, ahora en plena madurez artística no le hace asco prácticamente a nada, consiguiendo no defraudar casi nunca, en «Over Your Dead Body» se atreve a llevar a la pantalla una nueva versión del clásico «Yotsuya Kaidan», relato escrito en 1825 por Tsuruya Nanboku IV como una representación para el teatro kabuki,  una historia de traición, asesinato y venganza fantasmal, en cierta manera se puede llegar a considerar la más famosa de las historias japonesas de fantasmas de todos los tiempos, se ha adaptado para el cine más de 30 veces, teniendo la versión de  1959 «Tôkaidô Yotsuya kaidan» de Nobuo Nakagawa como autentica punta de iceberg, una autentica obra maestra del género, incluso para las nuevas generaciones el bueno de Hideo Nakata intento en el 2007 versionarla de manera  algo mixta en «Kaidan» pues ahí también incluía «Ghost of Kasane» (otra ghost story clásica del folclore japonés), aunque de resultado algo irregular a la hora de plasmar todo ello en la gran pantalla.

Takashi Miike ya ha demostrado no hacerle asco a la hora de versionar películas clásicas de una manera tan pulcra como acertada, ahí están «13 Assassins» (2010) y  «Hara-kiri» (2011) para demostrarlo, en esa alternancia de cierta energía cinética que nos viene acostumbrado en los últimos tiempos, una tendencia bipolar a la hora de cambiar de registros en sus films, algo de alguna manera lo convierten en un creador total, en «Over Your Dead Body» Takashi Miike se sale por completo, consigue es más difícil todavía al ser respetuoso con el original e innovar al mismo tiempo de una manera brillante en lo narrativo, llevando la adaptación a un nuevo nivel, utilizando escenario y decorado para convertirlo en un espacio vital en donde la alternancia de realidades sirven como un perfecto juego de espejos a la hora de mostrar los oscuros recovecos que anidan en la naturaleza humana, mezclando ficción (la obra de teatro representada) y realidad (el devenir de sus protagonistas) en un ejercicio metacinematográfico rompedor, llevando el recurso del plano/contraplano prácticamente hacia la perfección y posibilitando de una manera lógica el diálogo entre lo real y lo ficticio, todo ello plasmado en una puesta en escena en donde la elegancia (elaboradísima fotografía a cargo de Nobuyasu Kita) y un tempo narrativo acorde con la propuesta sobresalen al unísono.

En «Over Your Dead Body»  Takashi Miike se explaya en una puesta en escena acorde con el desarrollo del film, sin rastro de excesos, sobria, impoluta y de un reconocible carácter críptico en este cuento malsano de historias solapadas en donde celos y venganza campan a sus anchas ayudado por la casi ausencia de elipsis algo que se agradece en cierta manera a la hora de hacer una lectura de su narrativa, cuadrando adecuadamente y al mismo tiempo de una manera armoniosa con su faceta técnica en base a unos elegantes movimientos de cámara y un montaje acorde con lo expuesto anteriormente, llegando a ofrecernos momentos bastantes inspirados en cuanto a la construcción de situaciones e imágenes de un poderío incuestionable y de un claro tono perturbador. «Over Your Dead Body» representa de manera perfectamente clara la madurez autoral de uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo, en donde consigue modernizar y pervertir en positivo conceptos casi universales y al mismo tiempo llevarlos más allá de lo visto hasta la fecha.

Valoración 0/5:4

Unos jóvenes recién casados, Paul y Bea, viajan en su luna de miel a un lago remoto. Al poco tiempo de llegar, Paul encuentra a Bea desorientada y errante en mitad de la noche. Ella se va mostrando cada vez más distante y su comportamiento más peculiar. Paul comienza a sospechar que lo que le sucede a su esposa es algo más que sonambulismo.

Intentar hacer una selección adecuada de que ver durante el festival de Sitges de estos últimos años es una tarea tan complicada como difícil, una de las mayores virtudes del festival aunque haya personas que aún no se hayan dado cuenta de ello es su interminable e inabarcable oferta de películas, algo que lleva de manera inevitable a tener que hacer una selección de que ver (siempre llegará a ser más estimulante la oportunidad elegir que no tener no tener que hacerlo) aunque claro esto también conlleva el inconveniente o la incomodidad de llegar a perderte algún que otro descubrimiento programado de manera discutible (únicos pases, horarios difíciles, etc.), paso con la extraordinaria «Starry Eyes» y con la película que aquí nos ocupa, la interesante «Honeymoon«.

El debut en la dirección de la directora Leigh Janiak viene a ser una clara muestra de ese cine de género independiente que intenta abrir algunas nuevas fórmulas de narrativa cinematográfica dentro del fantástico, todo ello a través de una historia casi minimalista, dos únicos personajes, un espacio cerrado, con un innegable acercamiento en lo formal a la explotación del últimamente tan socorrido found footage, logrando la creación de una atmosfera bastante lograda, este es sin lugar a dudas uno de los punto más fuertes de la opera prima de Leigh Janiak, al igual que la utilización del espacio como un personaje clave más en la puesta en escena, ese escenario de naturaleza casi salvaje que se presenta como un claro factor desencadenante  que deriva hacia la propuesta de tono fantástico.

El elemento alegórico que nos presenta  Leigh Janiak en «Honeymoon» es harto evidente, esa representación metafórica que nos hace preguntarnos el cómo intentar convivir a diario con una persona que creías que conocías pero que de repente se destapa como casi un auténtico extraño, un desconocido con el que jamás te habrías llegado a casar, ofreciéndonos una notable producto en forma de thriller de terror psicológico acerca de la oscuridad y degradación tanto física como psicológica como inequívoco símbolo de la crisis en la relación de pareja, todo ello a través de un elementos fantásticos sugeridos y para nada explicativos  y deudora al mismo tiempo de claros y nada disimulados referentes cinéfilos, pérdida de identidad  «Invasion of the Body Snatchers«, o un ligero acercamiento al género redneck «Straw Dogs«, «Deliverance«, e incluso un explícito homenaje a una escena clave del «Shivers» de David Cronenberg.

«Honeymoon» termina siendo al mismo tiempo una clara muestra de cómo este recién acabado año ha supuesto la irrupción en positivo de una visión femenina del género, tan estimulante como atrevida, viendo la luz propuestas dirigidas por féminas en su mayoría operas primas de una indudable valía formal tales como «A Girl Walks Home Alone at Night«, «Goodnight Mommy«, «The Babadook» o «The Voices«, una tendencia está muy a tener en cuenta a partir de ya.                       

Valoración 0/5:3’5

El objetivo de Andrew Neiman, un joven y ambicioso baterista de jazz, es triunfar en el elitista Conservatorio de Música de la Costa Este en el que estudia. Marcado por el fracaso de la carrera literaria de su padre, Andrew alberga sueños de grandeza. Terence Fletcher, un profesor conocido tanto por su talento como por sus rigurosos métodos de enseñanza, dirige el mejor conjunto de jazz del Conservatorio. Cuando Fletcher elige a Andrew y para formar parte del conjunto musical que dirige, cambia para siempre la vida del joven. La pasión de Andrew por alcanzar la perfección se convierte en obsesión, al tiempo que su despiadado profesor lo lleva al límite de su capacidad y de su salud mental.

La evolución vivida en los últimos años en lo referente a la difusión o distribución de films independientes, ese boca a boca festivalero que puede producir un cambio en la percepción que podamos tener de cierto tipo de peliculas, «Whiplash« podría ser un claro ejemplo…película que tras su exitoso paso por numerosos festivales internacionales de cine como Sundance,  ganadora del Gran Premio del Jurado y el Premio del Público, Cannes, Toronto y Nueva York, venía con las expectativas muy altas, algo peligroso para este tipo de films pues la percepción de origen se transmuta en algo diferente a consecuencia del ruido externo, afortunadamente no es el caso de «Whiplash«, al menos en lo que respecta a un servidor, convirtiendo la opera prima de Damien Chazelle en uno de los debuts más interesantes del pasado curso, y justa merecedora del notable recibimiento que el film se empezó a labrar ahora hace exactamente un año.

«Whiplash« es un brillante ejercicio acerca de la búsqueda de la perfección absoluta y de hasta dónde estamos dispuestos a llegar con tal de conseguirla, film de tono casi minimalista en lo referente a sus personajes, ya que ni siquiera se explaya de una manera consiente en la relación amorosa de su protagonista, personajes tales como su novia, padre o compañeros del conservatorio pasan como meros figurantes en el desarrollo de su argumento, en este aspecto Damien Chazelle va directo al grano y poco se le tiene que reprochar al respecto, mostrándonos de manera notable la relación entre maestro-alumno por parte de un soberbio J.K. Simmons y sobre todo un extraordinario Miles Teller (todo un descubrimiento), en una trama donde se nos muestra como las ambiciones y la presión que produce en el individuo el abusar de ellas, de intentar ir hasta al extremo para complacer a las personas y desafiar los niveles propios todo en base a una cierta obsesión, aspecto este que la emparenta con la notable «Black Swan» de Darren Aronofsky. Todo esto da lugar a una serie de comportamiento mostrados con soltura por parte de Damien Chazelle, obsesiones o un perfeccionamiento de claro tono enfermizo, alteraciones de conducta que remiten a cierto aislamiento social, el éxito a toda costa y cueste lo que cueste, haciendo hincapié en el exceso los retos personales de tonos desmedido, todo ello aderezado con la acertada visión mostrada aquí en la relación mentor-discípulo.

«Whiplash» termina siendo todo un descubrimiento que incluso ningún buen amante en mayor o menor medida del jazz se debería perder, sin embargo, a pesar de sus enormes y palparías virtudes, potenciadas en lo técnico en un notable tratamiento del sonido y en un acertado uso del montaje aparte de una acertada radicalidad en el desarrollo de sus personajes la cinta carece de esos pequeños aportes que la acercarían a la perfección. Unos pequeños errores que son visibles básicamente en la propuesta que arrastra el mismo guión, mostrándonos y abusando en cierta medida de clichés cinematográficos ya vistos en infinidad de veces (sobre todo ciertos manierismos en la relación del profesor duro y exigente y alumnado bueno y soñador), o el peaje de no desarrollar lo suficiente ciertos aspectos de la trama antes mencionados como la relación de pareja o la de padre-hijo, aspectos estos que pierden la importancia que parecen tener al comienzo del filme dando lugar a una algo extraña elipsis que apartando en cierta manera todas las tensiones mostradas ofrece una solución que no acaba de ser redonda del todo, dando la sensación de que todo esto existe para rellenar parte del metraje. Detalles que son obviados gracias a su indudable magnetismo, con una escena final inmejorable, más de veinte minutos de pura adrenalina sin apenas diálogos, con una perfecta sincronización imagen-sonido, una escena en la que el director junto a sus dos notables actores consigue transmitirnos de una manera tan áspera como sufrida la obsesión por alcanzar la maestría detrás de una simple batería.

Valoración 0/5:4

A continuación una lista de los diez films más esperados para este recién estrenado 2015, una lista que al final de año muy posiblemente no contara como las mejores pero que a día de hoy son los títulos que para un servidor más expectación en lo referente al género fantástico generan. Unos films que aúna desde los más esperados blockbuster hasta las nuevas películas de directores punteros del cine patrio, pasando por el debut del reconocido guionista Alex Garland o la vuelta y esperemos reset artístico del otrora grande M. Night Shyamalan, solo es una avanzadilla de lo que vendrá, muchos films de bajo presupuesto u operas primas esperan sorprender en positivo en este nuevo año, el próximo festival de Sundance será el punto de salida para esta clase de producciones en un año que a priori se presenta bastante ilusionante en lo referente a grandes propuestas de género fantástico. 

1. Mad Max: Fury Road. D: George Miller

En «Mad Max: Fury Road» la acción se desarrolla en un futuro postapocalíptico en el que la Humanidad se ha disgregado y cada uno lucha por su propia supervivencia. Dentro de este mundo de sangre y fuego, dos rebeldes son capaces de restablecer el orden: Max (Tom Hardy), hombre de acción y pocas palabras que busca la paz interior tras perder a su mujer e hijo, y Furiosa (Charlize Theron), mujer también de acción que cree que logrará sobrevivir si cruza el desierto y llega a la tierra en la que se crió.

Estreno USA y España: mayo de 2015

2. Crimson Peak. D: Guillermo del Toro

«Crimson Peak» nos cuenta como tras una tragedia familiar, una aspirante a escritora se encuentra dividida entre el amor de un amigo de la infancia y la tentación de un misterioso extraño. Intentando escapar de los fantasmas de su pasado, siendo arrastrada hacia una casa que respira, sangra… y recuerda.

Estreno en USA y España: octubre 2015.

3. Star Wars: The Force Awakens. D: J.J. Abrams

Séptima entrega de la saga Star Wars. Fue confirmada en octubre de 2012, cuando The Walt Disney Company compró LucasFilms por 4.000 millones de dólares. Se ambientará 30 años después de «El retorno del Jedi» y según Disney, presentará ‘un trío de nuevos personajes y algunos rostros conocidos.

Estreno mundial: 18 de diciembre de 2015.

4. Regression. D: Alejandro Amenábar

Minessota, años 80. Un hombre es arrestado y acusado de haber abusado de su hija. Aunque no recuerda nada, admite su culpabilidad. Con la ayuda de un psicólogo, revivirá esos momentos y acusará a un policía de haber participado en la agresión. Mientras, los medios locales sugieren la posibilidad de que todo pudo haber sido obra de una secta satánica.

Estreno previsto en USA: 28 agosto 2015.

5. The Avengers: Age of Ultron (The Avengers 2). D: Joss Whedon

Cuando Tony Stark intenta reactivar un programa sin uso que tiene como objetivo de mantener la paz, las cosas comienzan a torcerse y los héroes más poderosos de la Tierra, incluyendo a Iron Man, Capitán América, Thor, El Increíble Hulk, Viuda Negra y Ojo de Halcón, se verán ante su prueba definitiva cuando el destino del planeta se ponga en juego. Cuando el villano Ultron emerge, le corresponderá a Los Vengadores detener sus terribles planes, que junto a incómodas alianzas llevarán a una inesperada acción que allanará el camino para una épica y única aventura.

Estreno: 1 de mayo de 2015.

6. The Lobster. D: Giorgos Lanthimos

La cinta, un historia de amor en palabras de Lanthimos, estará ambientada en un futuro cercano y distópico en el que los solteros son detenidos para ser llevados a un hotel donde están obligados a buscar pareja en no más de 45 días… o si no serán convertidos en el animal de su elección y abandonados a su suerte en un bosque cercano.

7. Welcome to Harmony. D: Miguel Ángel Vivas

Nueve años después de que una infección convirtiese a gran parte de la humanidad en criaturas salvajes y sin intelecto, Patrick, Jack y Lu, una niña de nueve años, sobreviven en aparente tranquilidad en Harmony, un rincón olvidado, cubierto por nieves perennes. Sin embargo, algo terrible ocurrió entre Patrick y Jack y un odio profundo pervive entre ellos. Cuando las criaturas vuelven a aparecer, Patrick y Jack deberán dejar atrás el rencor para proteger lo que más quieren.

8. The Visit. D: M. Night Shyamalan

Una madre soltera lucha por sacar adelante a sus dos hijos. El mayor de ellos es muy sobreprotector con su hermana pequeña. Una noche viajan para ver a sus abuelos, a partir de ese momento sus vidas se convertirán en una pesadilla…

Estreno: septiembre de 2015.

9. Ex Machina. D: Alex Garland

«Ex Machina» nos cuenta como un programador multimillonario contrata a un joven empleado para que pase una semana en un lugar remoto para participar en un test en la que estará involucrada su última creación… un robot mujer donde la inteligencia artificial lo es todo.

Estreno: 27 de febrero de 2015.

10. The Boy and the Beast. D: Mamoru Hosoda

«The Boy and the Beast» nos cuenta una historia que se desarrolla a medio camino entre  el barrio de Shibuya, en Tokio, y un mundo de criaturas sobrenaturales, el “Shibutenmachi” y como un muchacho es separado de sus padres y convertido en el discípulo de un bakemono (una criatura sobrenatural), pasando a llamarse Kyuta.

Estreno en Japón julio del 2015.

Historia basada en la historia real de Margaret (Amy Adams) y Walter Keane (Christoph Waltz), sus trabajos tuvieron un éxito enorme de los años 50 y principios de los 60. Keane alcanzó una notoriedad asombrosa al revolucionar la comercialización y accesibilidad del arte popular con sus enigmáticas pinturas de niños abandonados con grandes ojos. Sin embargo, la verdad terminaría saliendo a la luz: la obra de Keane no fue creada por él, sino por su esposa, Margaret, al parecer, los Keane vivieron una mentira que fue creciendo hasta alcanzar proporciones gigantescas.

Había ciertas esperanzas depositadas en recuperar en cierta medida algo del mejor Tim Burton con «Big Eyes«, principalmente porque la historia aquí contada daba la impresión de adecuarse de alguna manera a ese imaginario fílmico que tan bien manejaba el director años atrás, detrás estaban los guionistas Scott Alexander y Larry Karaszewski, expertos a la hora de escribir biopics, «The People vs. Larry Flynt«, «Man on the Moon» y sobre todo el «Ed Wood» del propio Burton que veinte años atrás colocaban al director californiano con este magnífico trabajo en la que fue posiblemente su cima artística, una historia la de Ed Wood que además denota ciertos paralelismos con la contada en «Big Eyes«, una atípica y en cierto sentido desviada visión del arte desde una óptica de tono algo extraño.

Lamentablemente todos estos mimbres antes mencionados no consiguen salvar a «Big Eyes» de ser un film fallido en donde se certifica de una manera clara el estancamiento en la carrera de Tim Burton de estos últimos años, que aquí no consigue dar rienda suelta a su poderío imaginario, dando la sensación de estar ante un trabajo plano, un drama de pretendido tono culterano que la acerca por momentos a cualquier tv movie de sobremesa al uso, de trama narrativa excesivamente acelerada, algo que inequívocamente lleva a presentar a personajes no desarrollados de una manera convincente, también podríamos hablar de su dudosa elección de casting con una Amy Adams que da la sensación de que el personaje le viene algo grande y un histriónico y teatrero Christoph Waltz que con su performance crea cierta confusión, muy especialmente en el tramo final del juicio en donde parece que Tim Burton recure a esta supuesta teatralidad de claro tono humorístico y paródico para intentar cambiar en algo el ritmo hasta ese momento otorgado al film, acercándolo por momentos a una equivocada tendencia hacia la comedia burda.

Más que un film fallido o una mala película «Big Eyes» es sobre todo un trabajo de ideas desaprovechadas y no desarrolladas de manera adecuada, si la película empieza  con una cita de Andy Warhol sobre las pinturas de Walter Keane “Si sus obras fueran tan malas, a la gente no les gustaría”, el consiguiente debate sobre el discurso de las razones que conlleva el arte o la reflexión sobre lo que debería o no ser arte e incluso la fina frontera que separa el original de la copia, ideas o debate estos que solo quedan expuestos en el film de una manera muy superficial, como simples enunciados sin saber adecuar los matices, del mismo modo que no se aprovecha la presentación de algunos personajes secundarios como el crítico John Canaday (Terence Stamp), personaje éste máximo exponente sobre el debate antes mencionado.

Aun así y aunque sirva solo como mero consuelo hacia los admiradores de su obra, «Big Eyes«, si se escarba con algo de detenimiento en su interior contiene pequeños retazos o ligeros apuntes de ciertos y reconocibles rasgos autorales de Tim Burton pese al evidente estancamiento artístico que padece a día de hoy, muy especialmente el hábil retrato de una época de claros cambios culturales, esa américa burguesa de los años 50 y 60, con la contracultura estadounidense en pleno apogeo, época ya expuesta de manera brillante en otros trabajos suyos anteriores (muy especialmente en «Edward Scissorhands«), en verdad muy poca cosa a la hora de resaltar lo positivo de uno de los directores referentes en los años 80-90.

Valoración 0/5:2