Fantasia, web dedicada al cine, críticas y análisis de películas, series de televisión, festivales, noticias, libros, Dvd & Bluray, merchandising y todo lo que rodea al séptimo arte
· Del 5 al 11 de septiembre y en colaboración con Centro Danza Matadero, Cineteca proyectará los trabajos más destacados de Damien Jalet, con la presencia del artista
· El festival L.E.V. Matadero presentará la instalación audiovisual H U M Ī, del artista Riccardo Giovinetto, que invita a repensar las fronteras como espacios fluidos
· Entre los estrenos más destacados se encontrarán las premiadas óperas primas de los directores Gabriel Azorín y Alejandro Castro
· El ciclo ‘Permanencia de lo efímero’ concederá protagonismo a directores que han transformado la fugacidad de las imágenes de las redes sociales en un testimonio duradero
· Cineteca acogerá el estreno en exclusiva de la versión sin cortes —330 minutos— de La risa y la navaja, la obra maestra de Pedro Pinho sobre el neocolonialismo y el sentimiento de culpa europeo
· Septiembre atrae de nuevo los grandes eventos cinematográficos de la ciudad como Directed by Women Spain y el Festival de Cine de Madrid-PNR
· ‘Cineteca en familia’ convertirá la sala en un espacio de juego donde los niños podrán interactuar con el celuloide, acercarse a los proyectores y experimentar con la imagen
Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte ubicado en Matadero Madrid, inaugura la programación de septiembre con un ciclo dedicado a la figura de Damien Jalet, que tendrá lugar del 5 al 11. Considerado uno de los coreógrafos más relevantes del panorama internacional, Jalet es conocido por difuminar las fronteras entre la danza contemporánea, el cine y las artes visuales. Asimismo, Cineteca Madrid participa, del 17 al 20, en la octava edición del festival L.E.V. Matadero acogiendo H U M Ī, una instalación audiovisual del artista Riccardo Giovinetto.
Por otro lado, Cineteca Madrid arranca la temporada con estrenos y preestrenos que exploran los límites del género, la memoria y la identidad desde miradas diversas: las óperas primas de Gabriel Azorín y Alejandro Castro, un documental musical de Manuel Bellido y Sigfrid Monléon, y una carta de amor al cine firmada por Ramiro Sonzini y Ezequiel Salinas. Además, este espacio acogerá el estreno en exclusiva de la versión sin cortes —330 minutos— de La risa y la navaja, la obra maestra de Pedro Pinho sobre neocolonialismo.
Y, como cada mes de septiembre, Cineteca Madrid se convierte en punto de encuentro de algunos de los principales eventos cinematográficos de la ciudad como Directed by Women Spain y el Festival de Cine de Madrid-PNR.
Ciclo Damien Jalet
Célebre por su estilo visualmente impactante y contemporáneo, el creador y coreógrafo franco-belga ha atraído la atención internacional en los últimos años por sus aplaudidos trabajos, entre otros, como coreógrafo de la galardonada película musical Emilia Pérez, de Jacques Audiard; asesor creativo y coreógrafo de Madonna en la gira The Celebration Tour y en su más reciente Confessions II; y responsable de la coreografía del videoclip viral STORM, del rapero Yung Lean.
En colaboración con Centro Danza Matadero, Cineteca proyectará el 5 de septiembre Suspiria (2018), de Luca Guadagnino, donde la danza se convierte en lenguaje secreto de un aquelarre; Emilia Pérez (2024), de Jacques Audiard, fenómeno transgresor del musical contemporáneo (6 de septiembre); y dos películas poco conocidas: The Ferryman (2016), de Gilles Delmas, donde el coreógrafo da rienda suelta a su talento para construir imaginarios contemporáneos junto a importantes artistas como Marina Abramovic y Ryuichi Sakamoto (6 de septiembre); y DuEls (2024), de Jonas Akerlund, un viaje por el Museo Vigeland de Oslo donde las coreografías de Jalet y Erna Ómarsdóttir dialogan con las esculturas de Gustav Vigeland (11 de septiembre).
Además, ese mismo día en la Sala Azcona se proyectará una selección de videoclips y cortometrajes donde Jalet lleva su lenguaje corporal al formato breve, que contará con la presencia del coreógrafo. Igualmente, el 12 de septiembre, el artista mantendrá un encuentro en la Sala Plató con el director de cine Carlos Marqués-Marcet.
L.E.V. Matadero, festival de electrónica visual y realidades extendidas
Este año, el festival L.E.V. Matadero celebra su octava edición y explora las posibilidades de la creación sonora, audiovisual y digital a través de conciertos, instalaciones y experiencias inmersivas. En este marco, Cineteca acoge H U M Ī, una instalación audiovisual del artista Riccardo Giovinetto que, mediante imágenes satelitales y paisajes sonoros generados en tiempo real, invita a repensar las fronteras como espacios fluidos y en constante transformación.
Estrenos y preestrenos
Cineteca Madrid arranca la temporada con estrenos y preestrenos que exploran los límites del género, la memoria y la identidad desde miradas diversas. Del 4 al 6 de septiembre se proyectará la ópera prima de Gabriel Azorín, Anoche conquisté Tebas (España-Portugal, 2025), tras su aclamado paso por la Giornate degli Autori de Venecia, donde obtuvo el premio Bisato d’Oro a Mejor Guion y Fotografía. También se presentará al público madrileño Harakiri, me haces falta (España, 2025), del director panameño Alejandro Castro, ganadora del premio a la Mejor Ópera Prima en el Festival de Oldenburg, que realiza un retrato visceral de la masculinidad rota (del 25 al 27 de septiembre).
También Cineteca ofrecerá, el 5 de septiembre, el preestreno de Back in Time! (España, 2026), de Manuel Bellido y Sigfrid Monléon, un documental que reconstruye el boom de la música y la libertad en el Torremolinos de los años 60 y 70. Por último, el 26 de septiembre se proyectará La noche está marchándose ya (Argentina, 2025), de Ramiro Sonzini y Ezequiel Salinas —galardonada con el Premio Especial del Jurado en Seminci y el Premio a la Mejor Dirección en Doclisboa—, una agridulce carta de amor al cine como refugio comunitario.
Ciclo ‘Permanencia de lo efímero’
En colaboración con Festival Punto de Vista, Filmoteca de Valencia y Filmoteca de Galicia, este ciclo reúne a cineastas y artistas que han navegado por el magma de las redes sociales, rescatando y reordenando sus fragmentos para encontrar patrones, conexiones e identidades colectivas. Sus películas son obras de apropiación que convierten lo efímero en memoria permanente, transformando la fugacidad de las imágenes amateur en un testimonio duradero del presente. Los pases tendrán lugar del 23 al 27 de septiembre.
Pedro Pinho: una mirada lúcida sobre el impacto del neocolonialismo
Cineteca Madrid estrena en exclusiva (del 24 al 27 de septiembre) la versión sin cortes —de 330 minutos— de La risa y la navaja, la obra maestra de Pedro Pinho, una ambiciosa reflexión sobre el neocolonialismo, la identidad y el sentimiento de culpa europeo. Además, este espacio recupera, el 22 de septiembre, As cidades e as trocas, el documental que Pinho codirigió con Luísa Homem en 2008. Con este ciclo, Cineteca ofrece un recorrido por dos de las obras más significativas de uno de los creadores más lúcidos del cine contemporáneo, unidas por su fascinación por Cabo Verde —una de las antiguas colonias portuguesas— y por su exploración de las complejas relaciones entre Europa y África.
Festivales cinematográficos
Septiembre vuelve a convertir Cineteca Madrid en punto de encuentro para algunos de los principales eventos cinematográficos de la ciudad. La temporada festivalera arranca con la XII edición del festival Directed by Women Spain (del 8 al 13 de septiembre), encuentro dedicado a celebrar el cine dirigido por mujeres, y la 35ª edición del Festival de Cine de Madrid-PNR (del 15 al 20 de septiembre), el certamen cinematográfico más veterano de la capital que pone el foco en obras de nuevos realizadores.
‘Cineteca en familia’
Cineteca abre sus puertas al público infantil con un ciclo de matinales pensado para que los más pequeños descubran el cine como una experiencia viva, táctil y colectiva. En colaboración con Deneb Martos y Pablo Useros —cineastas y educadores con una larga trayectoria en el uso del cine como herramienta educativa—, propone un viaje sensorial al corazón del medio cinematográfico. Lejos de la pasividad de la pantalla digital, aquí el cine se toca, se huele, se escucha. Las sesiones combinan proyecciones en 16 mm, Super 8 y digital, y convierten la sala en un espacio de juego y descubrimiento. Los niños no serán meros espectadores: podrán interactuar con el celuloide, acercarse a los proyectores, experimentar con la luz y la imagen en movimiento, y crear sus propias formas de cine intuitivas.
Cinezeta: Historia natural de Plinio
La novena generación de jóvenes programadores de Cineteca Madrid se despide de los espectadores con la performance audiovisual Historia Natural de Plinio, de Pablo Eguía: una pieza de cine expandido en Super 8 concebida como un concierto en directo, donde el proyector analógico se convierte en un instrumento más de la interpretación. El programa reúne seis películas filmadas entre 2024 y 2025 en Nueva York, en una experiencia que reivindica la materialidad del celuloide y el acto de la proyección como un acontecimiento vivo. /
Ocho años después de dirigir Burning, Lee Chang-Dong vuelve a ponerse detrás de las cámaras con Possible Love, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que formará parte de la Sección Oficial en el inminente Festival de Venecia, estando presente también en el Zinemaldia dentro de la sección Zabaltegi-Tabakalera semana después, llegará a España a través de Netflix el próximo 6 de noviembre de 2026.
En Possible Love vemos como un trabajador despedido y su mujer se cruzan en el camino de una realizadora de documentales y su pareja, y se enfrentan a sus deseos ocultos. Cuando sus mundos chocan, se provocan alteraciones en sus rutinas aparentemente estables.
La película, con guion a cargo del propio Lee Chang-Dong junto a Jungmi Oh, está protagonizada por Jeon Do-yeon, Sul Kyung-gu, Zo In-sung y Cho Yeo-jeong.
· La Sección Oficial y Punto de Encuentro reúnen películas de cineastas como Anthony Chen, İlker Çatak, Sandra Wollner, Markus Schleinzer, Ali Asgari y Emmanuel Marre, junto a algunas de las revelaciones de la temporada cinematográfica, como Marine Atlan o Marie-Clémentine Dusabejambo
· Entre los títulos anunciados figuran Yellow Letters, ganadora del Oso de Oro de la Berlinale; Everytime, Premio Un Certain Regard en Cannes, y Ben’imana, ganadora de la Cámara de Oro
La Semana Internacional de Cine de Valladolid adelanta quince de los títulos que formarán parte de su 71 edición, una selección de películas que contiene algunas de las propuestas que están marcando la temporada cinematográfica por la fuerza de sus historias y la personalidad de sus cineastas. Todos son estrenos en España y formarán parte de la Sección Oficial y Punto de Encuentro.
La Sección Oficial a concurso programará La gradiva, de Marine Atlan, y Un hombre de nuestro tiempo, de Emmanuel Marre, dos de las películas más aclamadas por la crítica francesa, que llegan a Valladolid después de competir en Cannes. El avance incluye además We Are All Strangers, de Anthony Chen; Everytime, de la austriaca Sandra Wollner, ganadora de Un Certain Regard en Cannes; Aquí, de Tiago Guedes, con Manolo Solo en uno de sus últimos papeles ante las cámaras; el Oso de Oro de la 76 Berlinale, Yellow Letters, de İlker Çatak; Rose, de Markus Schleinzer, premio a la mejor interpretación en Berlín para Sandra Hüller; Prosecution, de Faraz Shariat, y A Bit of Light, de Ali Asgari.
Los títulos franceses más aplaudidos del año
En La gradiva, un grupo de estudiantes franceses se desplaza a Nápoles para visitar Pompeya, en un recorrido en el que deseo, violencia y descubrimiento desbordan progresivamente sus relaciones. Marine Atlan convierte este viaje en un lúcido retrato del momento en que la adolescencia pasa abruptamente a la edad adulta. Ópera prima de la cineasta, obtuvo el Gran Premio de la Semana de la Crítica de Cannes.
Un hombre de nuestro tiempo, premio al mejor guion en Cannes, se sitúa en la Francia de 1940, en plena instauración del régimen colaboracionista. Su protagonista, interpretado magistralmente por Swann Arlaud, acaba integrándose en el aparato administrativo de Vichy, lo que permite a Emmanuel Marre evidenciar la inquietante facilidad de adaptación, el oportunismo y las responsabilidades individuales ante la ocupación alemana.
Familias, pérdidas y nuevos comienzos
Anthony Chen, ganador de la Cámara de Oro de Cannes por Ilo Ilo, presenta We Are All Strangers, un drama familiar ambientado en el Singapur contemporáneo. Un acontecimiento inesperado altera la vida de un joven y obliga a su padre, inmerso en una nueva etapa sentimental, a replantearse sus vínculos y responsabilidades. La película construye un relato sobre el cuidado, los afectos y la capacidad de crear nuevas formas de familia.
También competirá Everytime, de Sandra Wollner, Premio Un Certain Regard en Cannes y elegida para representar a Alemania en los Oscar. Una tragedia reúne a una madre, su hija y un adolescente en un aparentemente idílico viaje a Tenerife. La película indaga en el duelo, la culpa y la posibilidad del perdón a través de una propuesta formal tan extraordinaria como inesperada y una narración en la que pasado y presente se superponen.
El portugués Tiago Guedes compite con Aquí, adaptación de la Trilogía de Jesús del premio Nobel de Literatura J. M. Coetzee. En un territorio sin pasado ni identidad definida, Simón se hace cargo de David, un niño que ha perdido a su madre, y busca una figura materna para construir una nueva familia. El reparto incluye a Patricia López Arnaiz, Sergi López, Ángela Molina y Manolo Solo, que se despide del cine con esta interpretación magistral.
La identidad frente al poder
En Rose, Markus Schleinzer retrocede hasta el siglo XVII para contar la historia de una mujer que adopta una identidad masculina para acceder a una libertad negada. Gran éxito de público en Alemania, la película plantea cuánto está dispuesta a esconder de sí misma para poder vivir como desea. Sandra Hüller, protagonista del largometraje, elegido para representar a Austria en los próximos Oscar, recibió el premio a la mejor interpretación en la Berlinale.
Yellow Letters, de İlker Çatak, ganadora del Oso de Oro de la Berlinale, sigue a una pareja de artistas turcos cuya vida en Ankara se ve alterada por la presión política. La persecución que sufren afecta también a su relación y convierte el espacio privado en escenario de un conflicto político. El filme ofrece una estampa dolorosa del avance del autoritarismo y continúa el interés de Çatak por las estructuras de poder, después de La sala de profesores, nominada al Oscar a la mejor película internacional y premio al mejor montaje de la 68 Seminci.
En Prosecution, Premio del Público de Panorama en la Berlinale, Faraz Shariat pone el foco en la violencia de extrema derecha y el racismo institucional a través de una fiscal de origen coreano que, tras sufrir una agresión racista, decide investigar el caso y se enfrenta a los responsables y a las resistencias del sistema judicial. La intensidad del relato se apoya en una protagonista que se niega a convertirse en víctima y decide desafiar al sistema para buscar justicia.
A Bit of Light, de Ali Asgari, ambientado en el Irán actual asolado por las bombas estadounidenses, sigue a un médico que, tras ser detenido y ver clausurada su consulta, pierde la confianza en el futuro. La película, que competirá por el León de Oro del próximo Festival de Venecia, se detiene en las tensiones y restricciones de la sociedad iraní con un relato profundamente humanista sobre el tránsito de la oscuridad a la luz a través de los afectos. Asgari regresa a Valladolid tras ganar con El silencio la Espiga de Oro al mejor corto de la 61 edición y presentar un año después su primer largo, Disappearance.
Punto de Encuentro: el poder transformador del entorno
Punto de Encuentro será, una vez más, el espacio destinado para las grandes revelaciones del año. El avance presenta seis películas, todas ellas atravesadas por la relación entre los personajes y los espacios que habitan, evidenciando la amplitud geográfica de la programación de la 71 Seminci.
En Forest High, la francesa Manon Coubia sitúa a tres mujeres en un refugio de los Alpes, donde los visitantes se suceden a lo largo de las cuatro estaciones. Rodada en 16 mm, la película explora el tiempo, la soledad y las relaciones humanas, convirtiendo ese espacio aislado en un lugar de encuentro, escucha y reconocimiento entre mujeres de distintas edades.
Ben’imana, de la ruandesa Marie-Clémentine Dusabejambo, ganadora de la Cámara de Oro de Cannes, examina las consecuencias del genocidio contra los tutsis a través de una mujer implicada en procesos comunitarios de justicia y reconciliación. Su obra se acerca a la reconstrucción de los vínculos personales y comunitarios tras la violencia, y plantea la dificultad de perdonar cuando el pasado irrumpe en la propia vida.
La japonesa Yukiko Sode presenta Los amantes de la noche, sobre una correctora de textos que vive aislada, cuya existencia se transforma a partir de una relación inesperada. La película retrata la soledad, el deseo y los vínculos afectivos desde la atención a los pequeños gestos, con una elegante puesta en escena que convierte la luz en metáfora de unos sentimientos que permanecen ocultos.
Desde China llega Light Pillar, debut en el largometraje de Xu Zao, que combina animación y acción real para contar la historia de un trabajador de un estudio cinematográfico en decadencia que encuentra una vía de escape en un mundo virtual. Xu Zao ofrece una mirada repleta de humor y melancolía sobre los deseos proyectados hacia otros mundos y todo aquello que el progreso deja atrás.
Yesterday the Eye Didn’t Sleep, ópera prima del palestino Rakan Mayasi, se adentra en una comunidad beduina del sur del Líbano, donde la desaparición de una joven enfrenta a varios clanes. Sus hermanas son ofrecidas como garantía de paz para evitar una escalada de violencia, en una historia sobre la tradición, la libertad individual y la condición femenina, y sobre el coste de una paz construida a partir del sacrificio silencioso de las mujeres que nunca tuvieron la posibilidad de decidir sobre su propio destino.
Cierra el avance 9 Temples to Heaven, del tailandés Sompot Chidgasornpongse, sobre un hombre que emprende con su familia una peregrinación a nueve templos para intentar conjurar el temor a la muerte de su madre. El viaje por Tailandia articula una historia sobre el paso del tiempo y los vínculos entre generaciones, en un relato familiar que plantea, con sencillez y emoción, que quizá no podamos detener la muerte, pero sí acompañarnos mientras llega. La película tiene como productor a Apichatpong Weerasethakul, autor del cartel de la 71 edición de Seminci.
Creada en los años ochenta, la Categoría III es la clasificación de la censura de Hong Kong que prohíbe el acceso a las películas a los menores de 18 años. Convertida en un género por derecho propio, con sus productores estrella, sus actores de culto y sus películas transgénero, dio lugar a un auténtico renacimiento del cine de Hong Kong al producir obras sin concesiones. Ya se trate de las decenas de películas de explotación con tintes pornográficos, de las cintas gore ultraviolentas y muy comprometidas políticamente frente a China o de las primeras producciones que retrataban relaciones homosexuales, el autor analiza en profundidad la riqueza y la profusión de la Categoría III e incluye una extensa filmografía comentada con los títulos más relevantes y curiosos.
La película ‘Heart of the Beast (En el corazón de la bestia)’ de David Ayer participará fuera de concurso en la Sección Oficial y contará con la presencia de Brad Pitt y de David Ayer.
La Sección Oficial del Festival de San Sebastián acogerá la proyección fuera de concurso de Heart of the Beast (En el corazón de la bestia), una película de Paramount Pictures dirigida por David Ayer que contará con la presencia de Brad Pitt y de Ayer en la ciudad. En este thriller de aventuras, el actor estadounidense encarna a un oficial retirado de las Fuerzas Especiales del Ejército que, acompañado por su antiguo perro de combate, debe sobrevivir a la naturaleza salvaje de Alaska tras un terrible accidente de aviación.
Con la incorporación de este filme a la programación queda completo el listado de títulos de la Sección Oficial, que en la 74ª edición incluirá 17 títulos a competición, tres fuera de concurso y cinco Proyecciones Especiales. La película marcará también el regreso de Pitt a San Sebastián tras su visita de 2009, cuando presentó Inglourious Basterds (Malditos bastardos) junto a su director, Quentin Tarantino, en la sección Perlak.
Tras firmar los guiones de películas nominadas al Óscar como U-571 (Jonathan Mostow, 2000) y Training Day (Antoine Fuqua, 2001), el director, guionista y productor estadounidense David Ayer (Champaign, Illinois, 1968) comenzó su carrera como director en 2005. Durante estos casi 20 años ha realizado thrillers y dramas policíacos de tono realista y centrados en sus personajes como End of Watch (Sin tregua, 2012), Fury (Corazones de acero, 2014) o The Beekeeper (Beekeeper: El protector, 2024) y A Working Man (2025).
Escrito por Cameron Alexander, Heart of the Beast (En el corazón de la bestia) es el último largometraje de Ayer, que vuelve a reunirse con Pitt y también cuenta en el reparto con J.K. Simmons y Anna Lambe. Pitt produce la película junto a Olivia Hamilton, Marty Bowen y David Ayer, con Damien Chazelle entre sus productores ejecutivos.
Tras sobrevivir a un brutal accidente aéreo, el oficial de las Fuerzas Especiales James Belmont y su perro de combate Odín quedan atrapados en el corazón indomable de Alaska. Frente a una naturaleza implacable, ambos deberán luchar al límite por sobrevivir. Dirigida por el aclamado David Ayer,En el corazón de la bestia es un intenso thriller de aventuras sobre lealtad, coraje y el vínculo inquebrantable entre un soldado y su compañero más fiel en su mayor desafío.
Vahid, un modesto mecánico iraní, se ve repentinamente forzado a rememorar su tiempo entre rejas a raíz de un encuentro casual con un hombre que le recuerda a su sádico carcelero. Alarmado, Vahid busca ayuda para verificar la identidad de ese hombre. Varias personas que sufrieron torturas podrían reconocerlo. Pero… ¿Qué harán si resulta ser él?
Las secuelas de una dictadura forman parte esencial de Un simple accident de Jafar Panahi, película que parte de una anecdótica premisa: el atropello accidental de un perro por parte de un supuesto antiguo torturador del régimen iraní, acontecimiento que reunirá de forma casual a unos antiguos compañeros de prisión que intentarán verificar la identidad del sospechoso.
Siguiendo unos códigos cercanos a la comedia absurda que, conforme avanza, adquiere una tonalidad cada vez más oscura que podría emparentarla con Death and the Maiden de Roman Polanski, Un simple accident supone el particular ajuste de cuentas moral de Jafar Panahi con el régimen dictatorial iraní. Panahi lo hace mediante un lúcido relato simbólico que expone dilemas de tono casi metafísico sobre la venganza y el perdón, mostrados como un tratado sobre la pesadilla moral de un país que se plantea el poder recuperar la dignidad después de haber sido obligado a abandonarla.
El director de The Witch (2015), The Lighthouse (2019) y Nosferatu (2024) regresa al Festival para recibir el Premio Màquina del Temps en reconocimiento a su trayectoria, a su estrecha vinculación con SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y, sobre todo, con el género fantástico.
La 59.ª edición de SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya recibirá al cineasta estadounidense Robert Eggers para hacerle entrega del Premio Màquina del Temps, en homenaje y reconocimiento a una trayectoria excepcional que ha contribuido decisivamente a la renovación del cine fantástico y de terror contemporáneo. Durante su visita, también presentará un clip de su próxima película, Werwulf, producida por Focus Features y Universal Pictures, que llegará a los cines españoles el 8 de enero de 2027.
Testimonio de una trayectoria brillante
Robert Eggers realizó su primera visita oficial a Sitges en 2015, cuando inauguró la 48.ª edición del Festival con su debut en el largometraje, The Witch, que recibió una gran acogida por parte de la crítica. Aquel año, Eggers asistió personalmente al Festival para presentar su ópera prima junto a una entonces debutante Anya Taylor-Joy. La película, que acababa de triunfar en el Festival de Sundance, situó al joven director en el mapa cinematográfico al revelar una nueva forma de abordar el terror a través del folclore, la superstición y una meticulosa recreación de épocas pasadas.
Cuatro años más tarde, su segunda película regresó al Festival. The Lighthouse, un drama de época protagonizado por Willem Dafoe y Robert Pattinson, también cautivó a la crítica y acabó logrando una nominación a los Premios Oscar a la Mejor Fotografía. Aquel año, en 2019, la película se proyectó fuera de competición dentro de la Sección Oficial Fantàstic.
Su regreso este año, más de diez años después de su primera visita, refuerza el vínculo entre un gran director y un Festival que le ha acompañado durante algunas de las etapas más significativas de su trayectoria artística: desde sus inicios, cuando irrumpió con fuerza en la gran pantalla, hasta su consolidación como una de las figuras más emblemáticas del cine fantástico y de terror contemporáneo.
Un nuevo estreno en el horizonte
Tras su último largometraje, Nosferatu (2024), que recibió cuatro nominaciones a los Premios Oscar y que el propio Festival de Cine de Sitges destacó entre las mejores películas del género fantástico de 2024, Eggers se prepara ahora para el estreno de su nueva obra. Este nuevo largometraje, Werwulf, mantiene el sello característico del director y cuenta una historia de terror folclórico ambientada en la Inglaterra del siglo XIV, donde una misteriosa criatura aterroriza a una comunidad rural.
Coguionizada junto al autor y guionista islandés Sjón, con quien ya había colaborado en The Northman (2022), la película cuenta con un reparto que incluye a actores habituales del universo del director, como Aaron Taylor-Johnson, Lily-Rose Depp y Willem Dafoe. Werwulf llegará a los cines el 8 de enero de 2027.
Con esta visita, el Festival reafirma, refuerza y reivindica su conexión con un cineasta que ha convertido el terror, el folclore y la historia en uno de los conceptos más poderosos del cine contemporáneo.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del film de terror sobrenatural Never After Dark. Dirigida por Dave Boyle, Surrogate Valentine (2011), Daylight Savings (2012), Man from Reno (2014), la película, que estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 25 de septiembre de 2026.
En Never After Dark vemos las andanzas de Airi, una médium errante que se dedica a guiar a los espíritus inquietos a que abandonen el mundo de los vivos. Siempre acompañada de su fiel compañera, su hermana fallecida Miku, Airi es llamada por Teiko, la nueva propietaria de una casa de campo aislada para exorcizar a un espíritu, pero se encontrará cara a cara con una grotesca aparición cuyos poderes desafiarán toda su experiencia anterior. Ante el escepticismo del hijo de Teiko, indagará más a fondo en el pasado de la casa hasta que sale a la luz un secreto, que le obligará a enfrentarse a una fuerza impredecible.
La película, con guion a cargo del propio Dave Boyle, está protagonizada por Hoshi Moeka, Kurumi Inagaki, Kento Kaku, Mutsuo Yoshioka, Bokuzo Masana y Tae Kimura.
La sección Perlak de la 74ª edición del Festival de San Sebastián alberga un total de 16 largometrajes, la mayoría de ellos reconocidos en los principales festivales del mundo. Once de los títulos seleccionados han pasado por Cannes, entre ellos la Palma de Oro, los premios ex aequo a la mejor dirección y los galardones a la mejor interpretación femenina y masculina, mientras que otras películas proceden de festivales como Venecia, Berlín o Sundance. Todas las películas de la sección competirán por el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián, a excepción de Juste une illusion, de Olivier Nakache y Eric Toledano, que clausurará Perlak fuera de concurso.
Después de mostrar en Perlak Nelyubov / Loveless (Sin amor, 2017), el cineasta ruso Andrey Zvyagintsev (Novosibirsk, 1964) volverá para inaugurar la sección con Minotaur (Minotauro), ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes. El largometraje, adaptación libre de la película La femme infidèle / The Unfaithful Wife (La mujer infiel, Claude Chabrol, 1969), es el retrato de un empresario de éxito cercado por distintas presiones cuya vida empieza a desmoronarse. Con su primer filme, Vozvrashchenie / The Return (El regreso, 2003), Zvyagintsev obtuvo el León de Oro de Venecia, y en el Festival de Cannes su película Izgnanie/ The Banishment (Destierro, 2007) logró el Premio al mejor actor para Konstantin Lavronenko. Elena (2011) se llevó el Premio Especial del Jurado de la sección Un Certain Regard de Cannes, mientras que Leviafan/ Leviathan (Leviatán, 2014) se convirtió en la primera película rusa en recibir un Globo de Oro, además de ganar el Premio al mejor guion en Cannes y ser nominada al Oscar a la mejor película extranjera.
Protagonizada por Louis Garrel, Camille Cottin y Pierre Lottin, Juste une illusion / Just an Illusion (Tiempos de ilusión) es la nueva película de Olivier Nakache (Suresnes, 1973) y Eric Toledano (París, 1971), que clausurará Perlak tras su exitoso estreno comercial en Francia. El tándem francés mantiene un estrecho vínculo con San Sebastián, cuya Sección Oficial clausuraron con el estreno mundial de Intouchables / Untouchable (Intocable), la película que les proyectó internacionalmente en 2011. Tras cerrar también la edición de 2014 con Samba, compitieron por la Concha de Oro por primera vez con Le sens de la fête / C’est la vie (2017) y, tras clausurar el Festival de Cannes fuera de concurso, volvieron a Perlak en 2019 con Hors Normes / The Specials (Especiales), que les brindó el Premio del Público a la Mejor Película.
Después de alzarse con el Premio del Público y el Gran Premio del Jurado en Sundance, y participar en competición oficial en la Berlinale, la cineasta estadounidense Beth de Araújo (San Francisco, 1985) mostrará en San Sebastián su segundo largometraje. Protagonizado por Channing Tatum, Gemma Chan y Mason Reeves, Josephine plasma el trauma de una niña tras presenciar accidentalmente una violación.
Conocido por codirigir con Alexandre Astier las películas de animación Astérix: Le Domaine des dieux (Astérix: La residencia de los dioses, 2014) y Astérix: Le Secret de la Potion Magique (Astérix: El secreto de la poción mágica, 2018), el animador francés Louis Clichy (Chartres, 1977) se estrena en solitario con Le corset / Iron Boy. Tras años dedicado a la animación 3D en Pixar, donde trabajó en películas como WALL-E (2008) o UP (2009), su primer largometraje está creado con animación tradicional y le ha valido el Premio Especial del Jurado en la sección Un Certain Regard de Cannes, así como el Premio Especial del Jurado y el Premio del Público al mejor largometraje en el Festival de Annecy.
Los actores Emmanuel Macchia y Valentin Campagne obtuvieron el premio a la mejor interpretación masculina ex aequo en Cannes por sus papeles en Coward (Cobarde), donde interpretan a dos soldados de la I Guerra Mundial que se enamoran. El cineasta belga Lukas Dhont (Gante, 1991) proyectará su tercer filme en San Sebastián, donde ya presentó su debut en el largometraje, Girl (Perlak, 2018). Tras alzarse con la Cámara de Oro a la mejor ópera prima en Un Certain Regard de Cannes, esta película ganó el Premio del Público y el Premio Sebastiane en San Sebastián. Su siguiente trabajo, Close, fue distinguido con el Gran Premio del Jurado en la competición oficial de Cannes, y logró una nominación al Oscar en 2022.
El escritor, productor y actor estadounidense Jordan Firstman (Nueva York, 1991) dirige y protagoniza su debut en el largometraje, Club Kid, cuyo reparto completan Cara Delevingne y Diego Calva, entre otros. Estrenado en Un Certain Regard de Cannes, el largometraje cuenta la historia de un promotor de fiestas de Nueva York, cuyo mundo de excesos cambia al conocer a un niño de 10 años que, según una mujer desconocida, es su hijo.
Virginie Efira y Tao Okamoto lograron en Cannes el premio ex aequo a la mejor interpretación femenina por sus papeles en Soudain / All of a Sudden (De repente), del director japonés Ryusuke Hamaguchi (Kawasaki, 1978), donde encarnan a dos amigas que reflexionan y divagan sobre el capitalismo y la solución a su inhumanidad. Hamaguchi regresa así al Festival, donde estrenó su ópera prima Passion (New Directors, 2008). Ha presentado Asako I & II (2018) en Perlak, sección a la que regresó en 2021 por partida doble con la ganadora del Oscar a la mejor película internacional Drive My Car (Gran Premio Fipresci, 2022) y Guzen to sozo / Wheel of Fortune and Fantasy (La ruleta de la fortuna y la fantasía), y en 2023 con Evil Does Not Exist (El mal no existe), ganadora del Premio Lurra.
El director surcoreano Na Hong-jin (Seúl, 1974) se estrenará en San Sebastián con Hope, un filme lleno de acción y humor con dos alienígenas a quienes dan vida Michael Fassbender y Alicia Vikander. Este largometraje, que fue seleccionado en la competición de Cannes, se suma a otras películas del cineasta como The Chaser (2008), proyectada en la sección Midnight Screenings de Cannes; The Yellow Sea (2010), estrenada en Un Certain Regard de Cannes, y Goksung / The Wailing (El extraño, 2016), mostrada fuera de concurso en el festival galo.
John Malkovich, Sam Rockwell y Steve Buscemi componen el reparto de Wild Horse Nine, la última película de Martin McDonagh (Camberwell, 1970). El cineasta británico ganó con Six Shooter (2004) el Oscar al mejor cortometraje de ficción y su primer largo, In Bruges (Escondidos en Brujas, 2008), recibió el BAFTA al mejor guion original y fue nominado al Oscar en la misma categoría. Con Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Tres anuncios en las afueras, Perlak, 2017) recibió el Premio del Público en San Sebastián, así como el Óscar para Frances McDormand y Sam Rockwell como mejor actriz principal y mejor actor de reparto, respectivamente, y el Globo de Oro a la mejor película, distinción que también obtuvo con The Banshees of Inisherin (Almas en pena de Inisherin, 2022).
Tras su estreno en el Festival de Venecia, el director y actor italiano Nanni Moretti (Brunico, 1953) presentará en el Festival Succederà questa notte / It Will Happen Tonight (Sucederá esta noche), que fue rodada parcialmente en San Sebastián el año pasado. La película se inspira libremente en la colección de relatos Hungry Heart / Lev Raev, del escritor Eshkol Nevo, y está protagonizada por Louis Garrel y Jasmine Trinca. El cineasta ha participado en Perlak con La stanza del figlio (La habitación del hijo, 2001), ganadora de la Palma de Oro en Cannes, y clausuró la sección en 2015 con Mia Madre, que también concursó en el certamen francés igual que lo hicieron Caro Diario, con la que ganó el premio al mejor director; Abril (1998) y Habemus Papam (2011).
La sección Perlak también contará con el título que se ha alzado con la Palma de Oro a mejor película en el Festival de Cannes, además del Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI de la competición. En Fjord, el cineasta rumano Cristian Mungiu (Lasi, 1968) dirige a Sebastian Stan y Renate Reinsve en el papel de una pareja rumano-noruega muy religiosa que se instala en un pueblo situado en un remoto fiordo y cuyos tradicionales métodos educativos levantan las sospechas de la comunidad. El director, que ganó su primera Palma de Oro con 4 luni, 3 saptamini si 2 zile / 4 Months, 3 Weeks and 2 Days (4 meses, 3 semanas y 2 días, Perlak, FIPRESCI Grand Prix, 2007), es habitual del festival galo desde su primer filme, Occident (2002), presentado en la Quincena de Cineastas. Después compitió en su sección oficial con Dupa dealuri (Más allá de las colinas, 2012), premio al mejor guion y la mejor actriz e incluido en la retrospectiva Eastern Promises en San Sebastián en 2014; Bacalaureat (Los exámenes, 2016), que le reportó el galardón al mejor director; y R.M.N. (Perlak, 2022).
Tangleses la segunda película de animación que se proyectará en Perlak. Se trata del debut en el largometraje de la directora canadiense Leah Nelson (Vancouver, 1984), que se estrenó en Cannes como Proyección Especial. El filme, que cuenta con las voces de Julia Louis-Dreyfus, Abbi Jacobson, Bryan Cranston y Seth Rogen, entre otros, aborda la historia de una mujer joven que regresa a su conservador pueblo natal canadiense para cuidar a su madre con alzhéimer. Allí aprende a aceptar a su extraña familia y el deterioro mental de su madre.
Pawel Pawlikowski (Varsovia, 1957) regresa a la Europa de la posguerra con Fatherland, un camino que ya inició con sus largometrajes Ida (2013), ganadora de un Oscar a la mejor película de habla no inglesa, y Zimna Wojna / Cold War (Perlak, 2018), que recibió el premio a mejor director en Cannes. Su último filme, que le valió el premio a mejor dirección ex aequo en Cannes, traslada al espectador a 1949 y se centra en la relación entre el escritor galardonado con el Premio Nobel Thomas Mann (Hanns Zischler) y su hija Erika (Sandra Hüller), actriz, escritora y piloto de automovilismo. Ambos emprenden un viaje por carretera y atraviesan una Alemania en ruinas.
Rami Malek, Tom Sturridge y Luther Ford encabezan el reparto de The Man I Love, una película con la que Ira Sachs (Memphis, 1965) ha participado en la competición oficial de Cannes y en la que un artista underground se enfrenta a un momento decisivo en la Nueva York de finales de los 80. El director estadounidense ha sido seleccionado en Sundance con The Delta (1996), su ópera prima; Forty Shades of Blue (2005), que ganó el Gran Premio del Jurado; Keep the Lights On (2012); Passages (2023) y Peter Hujar’s Day (Un día con Peter Hujar, 2025). Married Life (2007) fue estrenada en el Festival de Toronto y Frankie (2019) compitió en Cannes, mientras que en la Berlinale ha participado en las secciones Generation y Panorama con Little Men (Verano en Brooklyn, 2016) y Love is Strange (El amor es extraño, 2014), ambas programadas después en Perlak.
Olivia Wilde (Nueva York, 1984) dirige y protagoniza The Invite (La invitación), una cinta que combina sátira, comedia de situación y drama para abordar de manera directa las grietas y los conflictos que pueden surgir en distintos momentos de la vida en pareja. Tras mostrar el largometraje en Sundance, Wilde, acompañada en el reparto por Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton, regresa a San Sebastián, donde ya presentó su segundo filme como directora Don’t Worry Darling (No te preocupes querida) (Perlak, 2022). Además, la exitosa Booksmart (Súper empollonas, 2019) le valió el Premio Independent Spirit a la mejor ópera prima.
Estos títulos se suman a La bola negra, de Javier Ambrossi (Madrid, 1984) y Javier Calvo (Madrid, 1991). El filme, que se anunció en la presentación de las producciones españolas programadas para la 74º edición del Festival de San Sebastián, se alzó en el Festival de Cannes con el premio a la mejor dirección ex aequo junto a Fatherland de Pawel Pawlikowski.
Armani Beauty, Official Beauty Sponsor del Festival, es patrocinador de la sección Perlak.
País(es) de producción: Francia – Alemania – Letonia
Intérpretes: Dmitriy Mazurov, Iris Lebedeva, Boris Kudrin, Yuriy Zavalnyouk, Varvara Zmykova, Vladimir Friedman, Elena Bogdanovich-Golubeva, Mikhail Samodakhov
Inauguración
Rusia, 2022. Cuando Gleb, un empresario de éxito, se ve acorralado por las crecientes presiones corporativas y un mundo cada vez más inestable, la vida ordenada que ha construido comienza a desmoronarse, precipitándolo hacia la violencia.
Eric Toledano (Francia), Olivier Nakache (Francia)
País(es) de producción: Francia
Intérpretes: Louis Garrel, Camille Cottin, Pierre Lottin, Simon Boublil, Alexis Rosesnstiehl, Jeanne Lamartine
Clausura fuera de concurso
1985. Vincent, que pronto cumplirá 13 años, vive en las afueras de París con una familia de clase media, entre un hermano mayor que lo ignora y unos padres que no paran de discutir. Ya no es un niño, pero tampoco un adulto. Vincent se debate entre las grandes preguntas de la vida: la identidad, la amistad, la familia, la religión, el deseo, los primeros amores… y por qué los adultos parecen no haber resuelto ninguna de ellas
Intérpretes: Jordan Firstman, Cara Delevingne, Diego Calva
Peter, un promotor de fiestas underground de Nueva York acostumbrado a vivir entre excesos, música electrónica y noches interminables, ve cómo su mundo da un vuelco cuando una desconocida aparece en su puerta con Arlo, un niño de 10 años que asegura que es su hijo. Lo que comienza como una situación imposible pronto da paso a una loca, divertida y tierna conexión, tan inesperada como transformadora.
País(es) de producción: Bélgica – Francia – Países Bajos
Intérpretes: Emmanuel Macchia, Valentin Campagne
Rodeados de brutalidad pero unidos por la ternura, dos soldados de la Primera Guerra Mundial encuentran un frágil santuario de amor y arte entre las sombras de las trincheras belgas. Coward, de Lukas Dhont, plantea una pregunta profunda para una generación enviada a la guerra: cuando el mundo exige violencia, ¿desertar es el acto de valentía más verdadero?
País(es) de producción: Polonia – Alemania – Italia – Francia
Intérpretes: Sandra Hüller, Hanns Zischler, August Diehl, Devid Striesow, Anna Madeley
Fatherland se centra en la relación entre el escritor Thomas Mann, ganador del Premio Nobel, y su hija Erika, actriz, escritora y piloto de rallies. En el verano de 1949, en pleno auge de la Guerra Fría, padre e hija emprenden un exigente y emotivo viaje por carretera en un Buick negro que los lleva a través de una Alemania en ruinas: desde la Fráncfort dominada por Estados Unidos hasta la Weimar controlada por la Unión Soviética. De regreso a casa tras 16 años de exilio en EEUU, Thomas Mann debe enfrentarse no solo a una patria dividida, sino también a una fractura profunda dentro de su propia familia.
País(es) de producción: Rumanía – Francia – Noruega – Suecia – Dinamarca
Intérpretes: Sebastian Stan, Renate Reinsve
Los Gheorghiu, una pareja rumano-noruega muy religiosa, se instalan en un pueblo situado en un remoto fiordo, donde entablan una estrecha relación con sus vecinos, los Halberg. Sus hijos se hacen amigos a pesar de las diferencias en su educación. Cuando la adolescente Elia Gheorghiu aparece en el colegio con algunos moratones en el cuerpo, la comunidad se pregunta si la educación tradicional que los padres imparten a sus hijos tendrá algo que ver con ello.
Intérpretes: Hwang Jung-min, Zo In-sung, Hoyeon , MIchael Fassbender, Alicia Vikander, Taylor Russell, Cameron Britton
Se han desviado refuerzos para combatir los incendios forestales y todas las comunicaciones están cortadas. Bum-seok, jefe del puesto policial de Hope Harbor, y la agente Sung-ae luchan por defender una aldea habitada por ancianos, mientras en las montañas, Sung-ki y los lugareños que salieron a rastrear a la bestia se han convertido en presas. Lo que empezó siendo ignorancia planta la semilla del desastre y los conflictos humanos se convierten en una tragedia de proporciones cósmicas.
Tras presenciar accidentalmente una violación en el Golden Gate Park de San Francisco, Josephine, de 8 años, comienza a mostrar comportamientos violentos y paranoia. El trauma desestabiliza a su familia mientras sus padres buscan justicia y la manera de recuperar la seguridad perdida.
Intérpretes: Guitarricadelafuente , Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas, Penélope Cruz, Glenn Close
Narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia. Es una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca.
Voces: Gary Clichy, Rod Paradot, Dimitri Colas, Aurélie Vassort, Brune Moulin, Alexandre Astier, Jean-Pascal Zadi
Iron Boy cuenta la historia de Christophe, un chico de 11 años que intenta seguir los pasos de su padre ayudando en la granja familiar en la que viven. Pero todo cambia el día que tiene que llevar un corsé metálico por prescripción médica, que le obliga a desatender las tareas cotidianas de la granja. Este cambio repentino, sin embargo, dará a Christophe la oportunidad de descubrir nuevas pasiones como la natación o la música y hacer amistades que marcarán su vida para siempre.
País(es) de producción: Francia – Japón – Alemania – Bélgica
Intérpretes: Virginie Efira, Tao Okamoto
Como directora de una residencia de ancianos, Marie-Lou se esfuerza por implementar una filosofía de atención innovadora basada en escuchar y respetar la dignidad de los residentes, a pesar de la resistencia de algunos miembros de su personal. Su encuentro con Mari, una directorade teatro japonesa que lucha contra el cáncer, cambiará su vida para siempre. Tras forjar una profunda amistad, ambas mujeres se embarcan juntas en una lucha para «hacer posible lo imposible».
Matteo juega un partido de tenis cuando una mujer vestida de novia irrumpe en la pista. Es Greta. Ella se quita los zapatos, coge una raqueta y le propone jugar. Durante siete años, Matteo no dejará de pensar en esa mujer. Mientras ambos recorren sus caminos y vidas paralelas, el destino parece empeñado en no reunirles de nuevo. Pero un día se encuentran de nuevo y quizás, ahora sí, ha llegado su momento. ¿Sucederá esta noche?
Cuando el alzhéimer comienza a borrar la personalidad de su madre, Sarah deja atrás su vida como artista y activista en la San Francisco de los años 90 para regresar al pueblo pequeño y conservador donde vive su excéntrica familia. Al principio cree que podrá hacerse cargo de la situación, pero pronto comprende que solo aceptando la dura y desconcertante realidad de la enfermedad podrá convertirse en la hija que su familia necesita.
Intérpretes: Olivia Wilde, Seth Roger, Penélope Cruz, Edward Norton
Joe y Angela atraviesan una crisis matrimonial. Cuando invitan a cenar a sus enigmáticos vecinos, Pina y Hawk, una velada aparentemente inocente da paso a confesiones, deseos ocultos y situaciones tan incómodas como divertidas que pondrán a prueba su relación.
En la vibrante Nueva York de finales de los 80, Jimmy George, un conocido artista de la escena underground, atraviesa un momento decisivo en su vida en el que, pese a todo, la belleza y el amor siguen siendo posibles.
País(es) de producción: EEUU – Reino Unido – Chile
Intérpretes: John Malkovich, Sam Rockwell, Steve Buscemi, Mariana di Girolamo, Ailin Salas
Poco antes del golpe de Estado de Chile en 1973, los agentes de la CIA Chris y Lee son enviados por su jefe de oficina, MJ desde Santiago, donde están destinados, a la Isla de Pascua. Entre las icónicas estatuas de la isla, y mientras estos veteranos compañeros lidian con sus oscuros pasados y con conspiraciones presentes, el nuevo vínculo que Chris establece con dos estudiantes rebeldes amenaza con echar a perder el viaje de todos a este remoto paraíso
El ruso Kirill Serebrennikov, uno de los cineastas más destacados del panorama internacional, adapta la novela de Olivier Guez sobre los años de clandestinidad del médico nazi Josef Mengele, interpretado por un extraordinario August Diehl.
El próximo 28 de agosto, Filmin estrena “La desaparición de Josef Mengele”, la nueva película de Kirill Serebrennikov (“Leto”,“Limónov”), presentada en la sección Cannes Première del Festival de Cannes. Basada en la novela homónima de Olivier Guez (Tusquets Editores, 2018), la película sigue los pasos de Josef Mengele, el médico de Auschwitz que huyó a Sudamérica tras la Segunda Guerra Mundial y pasó décadas tratando de escapar de la justicia.
A través de una puesta en escena de gran riqueza visual, Serebrennikov reconstruye la vida clandestina de Mengele en Argentina, Paraguay y Brasil y se adentra en la mente de un hombre que nunca llegó a asumir la dimensión de sus crímenes. August Diehl (“Malditos bastardos”, “La vida oculta”) ofrece una de las interpretaciones más impactantes de su carrera en este retrato de un criminal cuya impunidad se prolongó durante décadas.
Sinopsis Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, Josef Mengele, el médico nazi de Auschwitz, huye a Sudamérica para reconstruir su vida en la clandestinidad. A través de los ojos de su hijo, quien vuelve a encontrarlo, Mengele se enfrenta a un pasado que ya no puede ignorar. Desde Buenos Aires hasta Paraguay pasando por Brasil, el hombre que llegó a ser conocido como «El Ángel de la Muerte» organizará su metódica desaparición para evitar cualquier tipo de juicio.
Una vida en la clandestinidad
Tras la derrota de la Alemania nazi, Josef Mengele consiguió escapar de Europa y establecerse en Sudamérica bajo distintas identidades. La película sigue su recorrido por Argentina, Paraguay y Brasil durante las décadas de 1950, 1960 y 1970, mostrando cómo el antiguo médico de Auschwitz construyó una nueva vida mientras aumentaba su temor a ser descubierto. La captura de Adolf Eichmann en Argentina en 1960 se convierte en uno de los grandes puntos de inflexión de su huida: Mengele comprende que la justicia puede acabar alcanzándolo y comienza a extremar las precauciones para protegerse.
Pero su supervivencia no fue únicamente consecuencia de su capacidad para esconderse. Serebrennikov presta especial atención a las comunidades de antiguos nazis instaladas en Sudamérica, así como a las personas que financiaron, protegieron y facilitaron la vida clandestina de Mengele. En estos círculos, la derrota del nazismo no significó el abandono de sus ideas: la nostalgia por el régimen y la defensa de su ideología continuaban formando parte de su vida cotidiana, mientras los responsables de algunos de los peores crímenes del siglo XX lograban rehacer sus vidas lejos de Europa.
Entrar en la mente de Mengele
Serebrennikov construye la película desde la perspectiva de su protagonista, pero sin convertir esta aproximación en una justificación de sus actos. Los recuerdos de Mengele, las conversaciones con su hijo y sus encuentros con otros antiguos nazis permiten reconstruir la lógica con la que intentaba explicar sus crímenes y enfrentarse a un pasado que se negaba a reconocer. El propio director ha explicado que quería “poner la cámara dentro del cerebro de Mengele” y mostrar también “el sistema colectivo llamado Mengele: las personas que le ayudaron, protegieron, financiaron y escondieron”.
La puesta en escena refleja esta aproximación a través de una narración fragmentada, constantes saltos temporales y una fotografía predominantemente en blanco y negro. Serebrennikov combina reconstrucción histórica, imágenes que evocan material de archivo y secuencias de gran complejidad visual para retratar la creciente paranoia de Mengele y el mundo que lo rodea. El resultado es una mirada sobre la pervivencia de una ideología después de la caída del régimen que la originó y sobre la red de complicidades que permitió que uno de sus criminales más conocidos muriera en libertad en Brasil en 1979.
Walter Hill se hizo un hueco en el panorama cinematográfico de los setenta y ochenta gracias a títulos que modernizaban géneros clásicos como el noir, el thriller o el western. Driver, Forajidos de leyenda o las míticas The Warriors. Los amos de la noche y Calles de fuego poseían una estética única y descubrían a un narrador intenso y honesto. Tras la canónica buddy-movie Límite: 48 horas, crítica y público fueron progresivamente dándole la espalda, ignorando las virtudes de fábulas con genuino espíritu serie B como Traición sin límites, Johnny el Guapo o El último hombre. Al igual que los héroes que lo habitan, el cine de Walter Hill ha mantenido siempre su integridad moral, incluso cuando ha ejercido de mercenario, trabajando con estrellas como Schwarzenegger o Stallone, y en su más reciente etapa, ya en los márgenes de la industria hollywoodiense, con peculiares producciones como Dulce venganza o El cazador de recompensas. Alabado por cineastas de nuevo cuño como Tarantino, Edgar Wright o Winding Refn, el presente libro reivindica el conjunto de su obra. Un personal universo de acción y aventuras, donde tiene cabida la potencia del rock’n roll y la melancolía del blues, el artificio de deslumbrantes neones y la majestuosidad de los horizontes crepusculares.
Autor: Francisco Galindo, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 562
La película, que reconstruye uno de los episodios más singulares de la resistencia belga durante la II Guerra Mundial, se proyectará tras el anuncio del palmarés el 26 de septiembre en el Kursaal
El cineasta belga Michaël R. Roskam (Sint-Truiden, 1972) regresará al Festival de San Sebastián con Le Faux Soir, la película de clausura de la 74ª edición del Festival de San Sebastián que podrá verse en estreno europeo tras su paso por Toronto. Roskam, que con The Drop (La entrega, 2014) obtuvo el Premio del Jurado al mejor guion, reconstruye ahora uno de los episodios más singulares de la resistencia belga durante la II Guerra Mundial, una operación clandestina que convirtió la prensa en un arma contra la ocupación nazi.
Basada en el libro Le «faux» Soir, 9 novembre 1943, de Marie Istas, la película cuenta en su reparto con Arieh Worthalter, Mélanie Thierry, Karim Leklou, Mara Taquin, Bouli Lanners, Julien Frison y François Damiens, entre otros intérpretes. La historia transcurre en 1943, cuando en la Bélgica ocupada los nazis convirtieron el diario nacional Le Soir en una herramienta de propaganda. Para elevar la moral de la población, un grupo de miembros de la Resistencia tuvo la descabellada idea de crear una edición falsa del periódico mofándose del ocupante en lo que algunos historiadores consideran como el primer hackeo de la historia a un medio de comunicación.
Michaël R. Roskam trabajó como periodista en el periódico de lengua neerlandesa De Morgen. Escribió y dirigió cortometrajes como Carlo (2004) y The One Thing to Do (2005). Hizo su debut en el largometraje con Rundskop / Bullhead (2011), que tras su estreno en la sección Panorama del Festival de Berlín le valió la nominación al Óscar a la mejor película internacional y su inclusión en la lista de Diez directores a seguir de la revista Variety.
En 2014, The Drop (La entrega), protagonizada por Tom Hardy, Noomi Rapace y James Gandolfini, concursó en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y logró el Premio del Jurado al mejor guion, mientras que Le Fidèle / Racer and the Jailbird (El fiel, 2017) se proyectó fuera de competición en Venecia y fue seleccionada para representar a Bélgica en los Óscar. En 2021 dirigió los tres primeros episodios de la miniserie Black Bird (Encerrado con el diablo), protagonizada por Taron Egerton, que recibió nominaciones en los premios Emmy y en los Globos de Oro.
Intérpretes: Arieh Worthalter, Mélanie Thierry, Karim Leklou, Mara Taquin, Bouli Lanners, Julien Frison, François Damiens
Clausura fuera de concurso
1943. Los nazis ocupan Bélgica y han convertido el diario nacional Le Soir en una herramienta de propaganda. Coincidiendo con las conmemoraciones prohibidas del Día del Armisticio de 1918, un grupo de miembros de la Resistencia tiene una idea descabellada: ¿y si para levantar el ánimo del pueblo belga imprimieran una edición falsa de Le Soir? El mismo papel, la misma cabecera, el mismo formato, pero repleto de artículos que se mofan del ocupante. Un hecho verídico. Un periódico falso. El primer hackeo a un medio de comunicación de la historia.
El Festival de Cine Fantástico de Sitges presenta las producciones españolas que formarán parte de la 59.ª edición, una selección que combina nombres consolidados y nuevas voces del fantástico, y que convierte los paisajes del país en los nuevos escenarios de la gran pantalla.
Ángel Sala, Director Artístico del Festival, y Mònica Garcia i Massagué, Directora de la Fundación, han anunciado un avance de las producciones españolas que este año sorprenderán en la 59.ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, una selección que confirma el gran momento creativo que vive el cine fantástico estatal y su capacidad para explorar nuevos imaginarios desde perspectivas muy diversas.
Terror, fantasía, ciencia ficción, thriller y horror psicológico conviven en una representación que reúne tanto a cineastas consolidados como a nuevas voces dispuestas a expandir los límites del género. Los monstruos, los miedos íntimos y las amenazas colectivas conviven en una selección que convierte lo fantástico en una herramienta para explorar conflictos profundamente humanos. Las fronteras entre realidad e imaginación se desdibujan en historias que abordan la familia, la identidad, la muerte, la supervivencia y la memoria.
España como escenario de la historia
Este año, la representación española en el Festival abarca prácticamente todas las expresiones del cine fantástico contemporáneo. El terror adopta múltiples formas -desde el mundo sobrenatural hasta el psicológico-, la fantasía dialoga con los grandes mitos universales y la ciencia ficción convive con relatos que imaginan futuros inciertos y mundos en transformación.
Desde la relectura de mitos clásicos hasta nuevas aproximaciones al horror contemporáneo, las producciones españolas presentes en Sitges 2026 dibujan un panorama tan heterogéneo como estimulante, que se abre a las grandes tendencias internacionales sin renunciar a una identidad propia. A través de la pantalla, desde Bizkaia hasta los Pirineos, los paisajes del país se convierten en los escenarios donde transcurren las historias de estos nuevos personajes.
Estas son algunas de las producciones que se incorporan a la programación del Festival: Las hijas, 11, Upiro, La muerte de Drácula, La mala madre, Apocalipsis Z: Nuevo mundo i The End of It.
Las películas españolas de Sitges 2026
Las hijas, Daniel Romero (2026) – Sección Oficial Fantástico a Competición
Ópera prima de Daniel Romero, Las hijas se presenta como un inquietante thriller psicológico que se adentra en los límites de la manipulación, el aislamiento y la sumisión. La historia sigue la experiencia de una joven que es secuestrada una noche de fiesta y despierta en una casa aislada en medio del bosque, donde conoce a otras tres chicas que se comportan como si fueran las hijas de su captor. A medida que va descubriendo la realidad que se esconde detrás de aquella peculiar situación, deberá encontrar la manera de salvaguardar su identidad y luchar por escapar de un sistema de control cada vez más perturbador.
Rodada íntegramente en localizaciones de Bizkaia (Bilbao, Balmaseda y Orduña), esta coproducción entre España y el Reino Unido recibió el pasado mes de mayo el Premio Sideral Cinema a Goes to Cannes, dentro del Marché du Film de Cannes.
11, Clàudia y Paula Serra (2026) – Sección Oficial Fantástico a Competición
Lo que debía ser un fin de semana de aventura por los Pirineos andorranos y catalanes cambia radicalmente cuando una violenta tormenta de nieve deja atrapado e incomunicado a un grupo scout de 10 niños y sus monitores. Al hacer recuento, descubren que entre ellos hay un undécimo niño al que nadie había visto llegar. Poco a poco, el miedo, la desconfianza y el instinto de supervivencia comienzan a alterar las normas de convivencia.
Ópera prima de las primas Serra, 11 es una producción que pone el foco en el talento cinematográfico catalán, tanto delante como detrás de la cámara, y cuyo universo conecta directamente con el leitmotiv del Festival, centrado en el mal asociado a la infancia.
Upiro, Óscar Martín (2026) – Sección Oficial Fantástico a Competición
Combinando el thriller histórico con el terror sobrenatural, la nueva película del director de Amigo (2019) se inspira en el primer caso de vampirismo en la península ibérica documentado por la Iglesia católica. Ambientada en 1755, una joven es enviada a un monasterio de clausura, donde descubre que varias novicias padecen una extraña enfermedad en la sangre. En este contexto, un franciscano heterodoxo investiga los hechos enfrentándose a la fe, la superstición y la razón ilustrada, en una España en pleno conflicto entre la tradición y la razón.
Convirtiendo lugares históricos de Cataluña como la Basílica de La Seu de Manresa y el Monasterio de Sant Pere de Casserres en algunos de sus escenarios principales, esta película construye una poderosa atmósfera gótica y sobrenatural a través de una puesta en escena de gran riqueza visual. Su estreno en cines de España está previsto para febrero de 2027, de la mano de Selecta Visión. Este proyecto fue uno de los largometrajes ganadores en el intercambio con Blood Window en 2020.
La muerte de Drácula, Burnin’ Percebes (2026) – Noves Visions
La pareja creativa formada por Juan González y Fernando Martínez propone una irreverente y contemporánea revisión del mito de Drácula con la idea de hablar sobre el final de una era y la necesidad de matar viejos mitos para crear otros nuevos. A través de una historia que combina terror, humor y fantasía, la película parte de la desaparición del mítico vampiro de Bram Stoker para descubrir qué ocurre cuando uno de los grandes monstruos de la historia deja de existir y su legado pasa a manos de una nueva generación.
En este contexto, Barcelona —donde se ha rodado íntegramente— se convierte en el escenario donde se construye el imaginario de un nuevo mundo con nuevos referentes.
La mala madre, Alicia Albares (2026) – Panorama
Ópera prima de la directora, este thriller psicológico de terror sigue la historia de Victoria, una mujer que despierta en una casa abandonada sin recordar nada después de sufrir un grave accidente. Una monja y un médico se encargarán de cuidarla, hasta que la presencia de una mujer que la martiriza le recordará que en aquel accidente también se encontraba su hija. La película explora la maternidad desde una mirada oscura e inquietante, donde el miedo a perder a un hijo y la culpa se convierten en el motor de una historia en la que los límites entre la protección, la obsesión y la manipulación se van difuminando.
Producida por Admirable Films y Mordisco Films, se rodó durante seis semanas en localizaciones de Moncada, Paterna y Serra, en la Comunidad Valenciana.
Otros títulos españoles ya anunciados
A esta lista se suman dos películas más que fueron anunciadas el pasado 20 de julio en la rueda de prensa celebrada en la Fàbrica Moritz.
Basada en la saga literaria de Manel Loureiro, Carles Torrens vuelve a dirigir Apocalipsis Z: Nuevo mundo, donde amplía su universo postapocalíptico con más acción y una historia coral que retoma la lucha por la supervivencia en un mundo devastado por un virus letal. En esta nueva entrega, las Islas Canarias se convierten en el último refugio de Europa, el único territorio que parece haber escapado de la pandemia. Llegará a Prime Video a escala mundial este Halloween, en más de 240 países y territorios.
Por otro lado, The End of It, la ópera prima de Maria Martinez Bayona, imagina un futuro donde la muerte es opcional para reflexionar, con humor y sensibilidad, sobre la inmortalidad, la inteligencia artificial y el significado de seguir siendo humanos.
Avance de películas españolas en Sitges 2026:
Las hijas – Daniel Romero (2026)
11 – Clàudia y Paula Serra (2026)
Upiro – Óscar Martín (2026)
La muerte de Drácula – Burnin’ Percebes (2026)
La mala madre – Alicia Albares (2026)
*Apocalipsis Z: Nuevo mundo – Carles Torrens (2026)
Acaba de ser presentado en sociedad de la mano de A24 un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la comedia dramática Club Kid. Película que supone el debut en el largometraje de Jordan Firstman, que tras su premier mundial en el pasado Festival de Cannes se estrenará comercialmente en España, previo paso por la sección Perlas del Zinemaldia 2026, el próximo 4 de diciembre de la mano de Avalon y Bteam.
En Club Kid vemos como Peter, un promotor de fiestas underground de Nueva York acostumbrado a vivir entre excesos, música electrónica y noches interminables, ve cómo su mundo da un repentino vuelco cuando una desconocida aparece en su puerta con Arlo, un niño de 10 años que asegura que es su hijo. Lo que comienza como una situación imposible pronto da paso a una loca, divertida y tierna conexión, tan inesperada como transformadora.
La película, con guion e interpretación principal a cargo del propio Jordan Firstman, está protagonizada por Reggie Absolom, Diego Calva, Cara Delevigne, Kirby Howell-Baptiste, Colleen Camp, Ben J. Pierce, Eldar Isgandarov, Alaina Surgener, Frank Bourke, Franc Ashman, Will Inman y Brian D. Cohen.
El filme, un drama poético sobre la pérdida y el anhelo, se proyectará en el Kursaal el 18 de septiembre tras la ceremonia de apertura
La competición queda cerrada en 17 títulos, tres de los cuales son óperas primas
El estreno mundial de la películaGeister / Ghost Song inaugurará la Sección Oficial a concurso de la 74º edición del Festival de San Sebastián. El filme dirigido por Fatih Akin (Hamburgo, 1973) se proyectará el 18 de septiembre en el Kursaal tras la ceremonia de inauguración.
Akin competirá por la Concha de Oro por primera vez con un largometraje cuyo reparto está encabezado por Mariam Dawoud y Eren M. Güvercin. Los jóvenes actores interpretan a Farasha y Faris, que se conocen en una fiesta de graduación y se enamoran a primera vista. Cuando esa misma noche ella muere repentinamente, comienza una extraordinaria historia de amor entre dos mundos, pues Farasha encuentra la manera de encontrarse con Faris en sus sueños.
Fatih Akin es uno de los cineastas alemanes más reconocidos del panorama internacional. Alcanzó gran repercusión mundial con Head-On (Contra la pared, 2004), galardonada con el Oso de Oro del Festival de Berlín. Posteriormente, obtuvo el Premio al mejor guion en el Festival de Cannes por The Edge of Heaven (Al otro lado, 2007) y el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia por Soul Kitchen (2009).
Además de desarrollar una sólida trayectoria como director, guionista, productor y actor, Akin ha firmado títulos como The Cut (El padre (The Cut), 2014), estrenado a competición en Venecia; Aus dem Nichts / In the Fade (En la sombra, 2017), que distinguió a Diane Kruger como mejor actriz en Cannes y consiguió el Globo de Oro a la mejor película en lengua extranjera; The Golden Glove (El monstruo de St. Pauli, 2019), estrenado en Berlín; Rheingold (Oro puro – Rheingold, 2022), que superó el millón de espectadores en Alemania, o Amrum(La isla de Amrum, 2025), que también fue presentado en el festival galo.
De esta forma, el realizador alemán completa la lista de los 17 largometrajes que competirán por la Concha de Oro y el resto de premios del palmarés oficial de la 74º edición del Festival de San Sebastián. La Sección Oficial a concurso la integran los nuevos trabajos de Fatih Akin, Roberto Bueso, Fred Cavayé, Jesse Eisenberg, Nicole Garcia, Mikel Gurrea, Amanda Kernell, Pablo Larraín, Mike Leigh, Gabriel Martins, Hans Petter Moland, Benjamín Naishtat, Javier Ruiz Caldera y Yeşim Ustaoğlu, además de las óperas primas de Ah Biao, Maha Harada y Tony Vahl.
Intérpretes: Mariam Dawoud, Eren M. Güvercin, Carlotta von Falkenhayn, Gabriel-Winner Amorim
Inauguración a concurso
Farasha y Faris tienen 20 años cuando se conocen en una fiesta de graduación: una sola mirada lo cambia todo. Pero Farasha muere esa misma noche. Negándose a separarse de él, descubre un modo de cruzar la frontera entre mundos: durante 40 noches, y solo 40, puede encontrarse con Faris en sus sueños. Y así su amor sigue creciendo, hasta la última noche.
Una película de Drácula rodada en Transilvania. ¿Qué contiene? Una cacería de vampiros. Una historia de ciencia-ficción sobre el regreso de Vlad el Empalador. Una adaptación de la primera novela de vampiros rumanos. Una historia de amor. Un montaje reutilizando una película clásica de vampiros. Un vulgar cuento popular. Historias kitsch generadas por la inteligencia artificial. Y muchas delicias en una película que trata de este mito del cine.
Otra deconstrucción genérica vista en el pasado Festival de Sitges es la llevada a cabo por el rumano Radu Jude en Drácula. Película donde el mito local, y simbologías poliédricas relacionadas con dicha figura sirven de excusa a la hora de exponer, mediante una sátira episódica, un acercamiento paródico a la identidad nacional de un país. Próxima a un caótico formato caleidoscópico que utiliza para abordar la confrontación con todas las formas de totalitarismo posibles, ya sean políticas o tecnológicas, el film de Radu Jude deviene un experimento frustrante, especialmente debido a una extenuante indulgencia por intentar subvertir tantas tradiciones cinematográficas como le es posible.
Su aparatoso acomodo en Sitges, certamen poco dado a digresiones autorales de este tipo, propició una de las paradojas más curiosas de esta edición durante su proyección debido a que parte de los espectadores intentaron, sobre la base de la risa fácil, interpretarla como una comedia al uso, cuando, en realidad, estamos ante una película que, mediante un andamiaje nihilista, es una reflexión sobre el público que disfruta más del espectáculo superficial que del arte propiamente dicho.
Presente estos días en el Atlantida Film Festival acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del thriller rural Eixam. Película dirigida por Óscar Bernàcer, responsable de los documentales El hombre que embotelló el sol (2016) y Los que buscamos (2019), que se estrenará comercialmente en España el próximo 4 de septiembre de 2026.
En Eixam vemos como Lluc lo ha perdido todo cuando Alba le ofrece una salida: integrarse en una aldea aislada donde un grupo de desheredados convive en aparente armonía. Lluc se agarra a esta segunda oportunidad, aprende a vivir bajo las normas comunitarias y encuentra el amor de Silvia. Pero el espejismo se resquebraja, revelando la perversión del sistema creado por Alba y los oscuros secretos de su origen. En su intento por recuperar su libertad, Lluc se juega lo único que le queda: su vida.
La película con guion a cargo de Joana M. Ortueta y Jordi Juan Martínez, está protagonizada por Pablo Molinero, Jordi Aguilar, Neus Asensi, Marta Belenguer, Pablo Derqui, Cristina Fernández Pintado, Nuria Herrero, Gloria March, María Maroto, Àngel Fígols, Abdelatif Hwidar y Elías Hwidar.
Por primera vez se publica en español un libro dedicado a los dos cineastas británicos que alcanzaron la gloria varias décadas atrás y que hoy están injustamente olvidados. Todo el mundo ha visto alguna vez en su vida Los cañones de Navarone, El cabo del terror o El justiciero de la ciudad, pero pocos conocen a los directores que estaban detrás de estas exitosas películas. Tirso Calero se acerca a su universo con admiración, respeto y mucha curiosidad. Para ello, ha logrado entrevistar a actores y productores que trabajaron con estos cineastas, así como a prestigiosos especialistas y críticos de cine. Michael Winner y Jack Lee Thompson despuntaron en su Inglaterra natal. Fueron fichados por Hollywood. Consiguieron buenas críticas con sus primeras películas y luego abrazaron el cine más comercial. Y ambos terminaron al servicio de Charles Bronson en la denostada Cannon. Su pasión era rodar. Buenas, malas o mediocres películas. Lo importante era seguir rodando porque el cine era su vida.
Acaba de ser presentada en sociedad un primer adelanto, en forma de un tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster promocional, del film El deshielo. Dirigida por la realizadora chilena Manuela Martelli, Chile Factory (2015), 1976 (2025), la película, un thriller con una fuerte alegoría política, tras su estreno mundial en Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes, estará presente en la próxima edición del Festival de San Sebastián dentro de la sección Horizontes Latinos.
El deshielo nos sitúa en el Chile del año 1992. Durante su estancia en el hotel de sus abuelos en las montañas, Inés se hace amiga de Hanna, una esquiadora alemana. Cuando Hanna desaparece sin dejar rastro, su búsqueda revela verdades que se mantenían ocultas.
La película, con guion a cargo de la propia Manuela Martelli, está protagonizada por Maya O’Rourke, Saskia Rosendahl, Maia Rae Domagala, Jakub Gierszal, Paulina Urrutia, Mauricio Pesutic, Paula Zúñiga, Roberto Farias, Lautaro Cantillana Teke, Luis Uribe, Daniela Pino y Marcela Salinas.
Ava, una mujer desesperada cuyo marido ha desaparecido tras un catastrófico experimento militar, se une a una «unidad de recuperación de cadáveres», pero su búsqueda da un giro escalofriante cuando los cadáveres que está enterrando empiezan a dar señales de vida.
El director australiano Zak Hilditch insiste de forma recurrente en escenarios apocalípticos, si en su anterior These Final Hours (2014) observábamos la conducta de un grupo de personas en el último día antes del fin del mundo, en We Bury The Dead, somos testigos de la travesía a través de los áridos paisajes de Tasmania de una mujer que busca a su marido desaparecido tras un catastrófico experimento militar.
Al igual que veíamos en Monsters (Gareth Edwards, 2010), dos personajes antagónicos entrarán en una zona de cuarentena, sustituyendo el virus alienígena de esta por otro provocado por el hombre que ha convertido a algunas víctimas en muertos vivientes. We Bury The Dead vendría a ser un nuevo ejemplo de relato que se aleja conscientemente del género que explota, donde el concepto fantástico sirve como excusa para una serie de disertaciones, algunas centradas en los supervivientes y sus dilemas, otras provistas de un carácter escénico contemporáneo para recrear escenarios que nos pueden remitir al COVID-19 o al accidente nuclear de Fukushima de 2011. En tal sentido, esa ramificación del subgénero, que podríamos denominar como «drama zombie», hace tiempo que muestra un considerable agotamiento creativo.
Rememorando dicho concepto, uno de sus últimos exponentes podríamos encontrarlo en el plano final de Arnold Schwarzenegger llorando la muerte de su hija en Maggie (Henry Hobson, 2015), cinta cuya retórica introspectiva pasaba de forma bastante más inadvertida que en We Bury The Dead.
Bi Gan (“Largo viaje hacia la noche”) regresa tras siete años con una obra monumental sobre los sueños, el cine y nuestra capacidad para dejarnos llevar por ellos. Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.
El próximo 21 de agosto, Filmin estrena “Resurrection”, el tercer largometraje de Bi Gan, uno de los cineastas más singulares y visionarios del panorama internacional. Siete años después de “Largo viaje hacia la noche”, el director chino regresa con una película que fue una de las grandes sensaciones del Festival de Cannes de 2025, donde se alzó con el Premio Especial del Jurado en su primera participación en la Sección Oficial.
A medio camino entre la ciencia ficción, el cine negro, el cine de terror y el melodrama, “Resurrection” propone un viaje a través de un siglo de historia del cine. Bi Gan estructura el relato en cinco capítulos que recorren diferentes épocas y géneros cinematográficos. En un futuro en el que la humanidad ha renunciado a soñar para alcanzar la vida eterna, aquellos que todavía conservan esa capacidad son considerados una amenaza. Una premisa que permite al director construir una obra tan fascinante como melancólica sobre la pérdida de una determinada forma de mirar y experimentar las películas.
Sinopsis En un mundo donde la humanidad ha perdido la capacidad de soñar, una criatura sigue fascinada por las ilusiones que se desvanecen del mundo onírico. Este monstruo, a la deriva en la ensoñación, se aferra a visiones que nadie más puede ver… hasta que aparece una mujer. Dotada del raro poder de percibir estas ilusiones tal como son, se adentra en los sueños del monstruo, decidida a descubrir la verdad que se oculta en su interior.
El cine de un soñador
La película se divide en cinco capítulos, vinculados a diferentes momentos de la historia del séptimo arte y también a los cinco sentidos. Multitud de géneros y distintas formas de lenguaje cinematográfico aparecen así integrados en un relato que entiende la experiencia cinematográfica como una extensión de la ensoñación. “Cuando pienso en estos dos conceptos, los sueños y el cine, tiendo a pensar en ellos como una misma cosa. Creo que ambos son el mismo recipiente y que se refuerzan mutuamente”, explica Bi Gan.
El proyecto tomó su forma definitiva durante la pandemia, un periodo en el que el director observó tanto la proliferación de sueños lúcidos como el creciente aislamiento de las personas frente a las pantallas. Para Bi Gan, nuestra dependencia de dispositivos y algoritmos ha reducido la capacidad de experimentar el mundo de manera plena y compartir esas experiencias con los demás. “Lo que hemos perdido en estos cien años no es el cine como forma de arte, sino nuestra incapacidad para conectar nuestros sueños con él”, afirma.
El maestro de los planos secuencia
Los planos secuencia son una de las grandes señas de identidad de Bi Gan. En “Kaili Blues”, su debut, el director sorprendió con una secuencia de 43 minutos; en “Largo viaje hacia la noche”, llevó todavía más lejos su exploración del tiempo y el espacio con un plano de más de 50 minutos rodado en 3D. En “Resurrection”, vuelve a recurrir a esta técnica en el tramo final, con una secuencia de 40 minutos que transcurre durante la última noche de 1999 y culmina con la llegada del año 2000.
La decisión de rodarla sin cortes surgió durante el propio proceso de producción. Bi Gan, el director de fotografía Dong Jinsong y el director artístico Liu Qiang habían barajado inicialmente otras posibilidades para este capítulo, pero acabaron considerando que un único plano era la mejor manera de representar el tránsito entre dos siglos concentrado en una sola noche. “Aunque estos planos secuencia puedan ser algo que se espera de mí, esta técnica es perfecta y apropiada para la narrativa de ‘Resurrection’”, explica el cineasta.
El desafío consistía entonces en encontrar una aproximación distinta a la de sus trabajos anteriores. Para ello, Bi Gan tomó como referencia las pinturas de Mark Rothko y su construcción del espacio mediante capas de color. La cámara atraviesa diferentes escenarios y situaciones de forma progresiva, modificando la percepción del espacio sin recurrir al montaje, hasta alcanzar el amanecer. El resultado es un recorrido continuo en el que la transformación de la imagen acompaña el paso de una época a otra.
Acaba de ser presentada en sociedad de la mano de Warner Bros. Clockwork el tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Ken Russell’s The Devils, versión definitiva del film realizado en 1971 que adapta la novela de Aldous Huxley ‘Los demonios de Loudun‘. Esta nueva restauración en 4K, llevada a cabo a partir del negativo original de la cámara, presenta la visión definitiva de Ken Russell sobre The Devils, tomando como referencia el montaje que él mismo creó en el año 2004. La película, tras su estreno mundial en el pasado Festival de Cannes, llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 16 de octubre.
En Ken Russell’s The Devils vemos como un clérigo, en la Francia del XVII, es acusado de herejía. La historia se basa en los hechos reales de la ciudad de Loudun, que son conocidos como el caso más grande de posesión diabólica jamás registrado dentro de la Iglesia católica.
La película, que se podrá ver en la próxima edición del Festival de Sitges, cuenta con un guion adaptado a cargo del propio Ken Russell junto a John Whiting, estando protagonizada por Vanessa Redgrave, Oliver Reed, Dudley Sutton, Max Adrian, Gemma Jones, Murray Melvin, Brian Murphy, Michael Gothard, Georgina Hale, Christopher Logue, Graham Armitage, John Woodvine e Izabella Telezynska.
Sus trabajos se suman a los diez títulos ya anunciados a competición, dirigidos por Roberto Bueso, Nicole Garcia, Mikel Gurrea, Maha Harada, Pablo Larraín, Mike Leigh, Hans Petter Moland, Benjamín Naishtat, Javier Ruiz Caldera y Yeşim Ustaoğlu
Las nuevas películas de Fred Cavayé, Jesse Eisenberg, Amanda Kernell y Gabriel Martins, junto a los debuts en el largometraje de Ah Biao y Tony Vahl, competirán en la Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de San Sebastián. Sus respectivos filmes Les Misérables (Los Miserables), The Debut (El debut), Garrat du váimmu / Brace Your Heart, Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son, Bian jing / Border y Krux se suman a los diez títulos ya anunciados y que también se disputarán la Concha de Oro y el resto de premios del palmarés oficial.
El realizador, guionista y director de fotografía afincado en Bangkok Ah Biao (Shanxi, 1990) competirá con Bian Jing / Border. Su ópera prima está ambientada en un pueblo fronterizo, donde un minero marcado por una vida de abusos es arrastrado a cometer un crimen.
Fred Cavayé (Rennes, 1967) concursará con una nueva adaptación de Les Misérables (Los Miserables) de Víctor Hugo, protagonizada, entre otros, por Vincent Lindon, Tahar Rahim y Noémie Merlant. El guionista y director francés ha demostrado una gran versatilidad a lo largo de su carrera. Tras firmar Pour elle / Anything for Her (Cruzando el límite, 2008), adaptada posteriormente en Hollywood por Paul Haggis, se consolidó en el thriller con À bout portant / Point Blank (Cuenta atrás, 2010) y Mea culpa (2014), para después adentrarse con éxito en la comedia con Radin! / Penny Pincher! (Manual de un tacaño, 2016) y Le Jeu / Nothing to Hide (El juego, 2018), abordar el drama histórico con AdieuMonsieur Haffmann / Farewell, Mr. Haffmann (Adiós, señor Haffmann, 2021) y regresar a la comedia con Les Chèvres! / This Is the Goat! (2024).
Jesse Eisenberg (Nueva York, 1983) dirige a Julianne Moore y a Paul Giamatti en su tercer largometraje tras la cámara. The Debut (El debut), que sigue a una tímida ama de casa convertida inesperadamente en estrella de la música, está escrita, dirigida y producida por Eisenberg, que también actúa en la película y es el compositor de su música y sus letras originales. Su debut como director, When You Finish Saving the World (Cuando termines de salvar el mundo, 2022), inauguró la Semana de la Crítica de Cannes tras su estreno en Sundance, mientras que A Real Pain (2024) ganó el Premio Waldo Salt al mejor guion en Sundance y le valió, entre otros galardones, una nominación al Óscar y un BAFTA al mejor guion original. En su faceta de actor, Eisenberg ha trabajado con cineastas como Noah Baumbach, Kelly Reichardt, Woody Allen, Zack Snyder y David Fincher. Su interpretación en The Social Network (La red social, 2011) a las órdenes de Fincher le valió una nominación al Óscar al mejor actor.
La directora sueca AmandaKernell (Umeå, 1986) presentará Garrat du váimmu / Brace Your Heart, en la que una joven hace todo lo posible para mantener con vida el rebaño de renos de su familia, traspasando sus propios límites y renunciando a su verdadero amor. Kernell obtuvo con su primer largometraje, Sami Blood (2016), el Europa Cinemas Label Award y el Premio Fedeora a la mejor dirección novel en la sección Giornate degli Autori del Festival de Venecia, entre otros galardones. Su segunda película, Charter (2020), compitió en Sundance y fue elegida para representar a Suecia en los Óscar.
Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son es el tercer largometraje del brasileño Gabriel Martins (Belo Horizonte, 1987), en el que una mujer busca el perdón de las familias de un accidente provocado por su hijo. El primer filme de Martins, codirigido por Maurilio Martins, se estrenó en el Festival de Rotterdam bajo el título de No coração do mundo / In the Heart of the World (2019), mientras que su segundo largometraje, Marte um / Mars One (2022), fue presentado en Sundance. Asimismo, sus cortos han sido proyectados en festivales de todo el mundo, como por ejemplo la Quincena de Cineastas de Cannes, que acogió la proyección de Nada / Nothing (2017).
Tony Vahl competirá en la Sección Oficial con Krux. Inspirado en hechos reales, su debut en el largometraje narra la oscura historia de un pequeño pueblo del noreste de Alemania al final de la II Guerra Mundial, cuando el régimen nazi ordenó a sus ciudadanos no dejar con vida nada que el enemigo pudiera encontrar. La cineasta alemana ha dirigido cortometrajes como Pein (2014), nominado al Premio Alemán de Cortometrajes y premiado en el Festival de Dresde, y Gömböc (2010), estrenado en Locarno y ganador del Gran Premio del Festival de Bristol.
Estos seis largometrajes se suman a los diez títulos ya anunciados, que también competirán por la Concha de Oro: El mal padre, de Roberto Bueso;7:40 ce matin-là/ Milo, de Nicole Garcia;Sants / Saints, de Mikel Gurrea; Muyou no hito/In My Father’s Room, de Maha Harada;Mis muertos tristes/My Sad Dead, de Pablo Larraín;Tender Loving Care, de Mike Leigh;Markens Grode /Growth of the Soil, de Hans Petter Moland;Glaxo, de Benjamín Naishtat; 5 minutos más / 5 more minutes, de Javier Ruiz Caldera; yArtakalan/ What Remains, de Yeşim Ustaoğlu.
País(es) de producción: Hong Kong – EEUU – Corea del Sur
Intérpretes: Zheyan Li, Feng Qi , Sanming Han, Gang Zheng, Tao Guo
En un pueblo olvidado donde los hombres han aprendido a sobrevivir ocultando sus sentimientos y utilizando pocas palabras, un joven minero sin dinero pasa silenciosamente y a la deriva por una vida que apenas siente. Su entumecida rutina se ve rota por la llegada de una joven enigmática que atiza una curiosidad dormida y la promesa de algo nuevo. Él la sigue por un camino oscuro, dejando atrás la tranquila seguridad del único mundo que conoce, sin saber que esta desconocida no es lo que parece.
Intérpretes: Elli Sara Valkeapää, Andte Gaup-Juuso, Vincent Niia
Ejva hereda el rebaño de renos de su difunto padre. Mientras lucha por sacarlo adelante, Heaika, el jefe local, se enamora de ella y, aunque duda, Ejva se siente obligada a aceptarlo. Pero todo cambia cuando llega Nejla, primo de Heaika, y Ejva descubre el amor verdadero por primera vez. Sintiéndose traicionado y celoso, Heaika reacciona con dureza, dejando a Ejva con un trastorno que provoca que le tiemblen las manos de forma incontrolable, poniendo en peligro su capacidad para cuidar del rebaño.
Inspirada en hechos reales, Krux narra la oscura historia de un pequeño pueblo del noreste de Alemania al final de la II Guerra Mundial, cuando el régimen nazi ordenó a sus habitantes no dejar nada vivo que el enemigo pudiera encontrar. La mayoría de los hombres están en el frente. Lo que queda es un puñado de mujeres, niños y los pocos hombres a quienes se les permitió quedarse. La vida aún se sostiene en sus viejos rituales: escuela, iglesia, bodas, trabajo. Los vecinos todavía creen que todo terminará bien. Entonces el río devuelve cuerpos que nadie puede nombrar. Nadie sabe cuándo llegará el enemigo ni qué ocurrirá cuando lo haga. Los rumores llenan el silencio donde deberían estar los hechos. De ese silencio crece un miedo más grande que el propio enemigo
Intérpretes: Vincent Lindon, Tahar Rahim, Camille Cottin, Benjamin Lavernhe, Noémie Merlant, Vassili Schneider, Megan Northam, Marie Colomb
Tras 19 años en prisión por robar una hogaza de pan, Jean Valjean busca redención reinventándose como un respetado dignatario bajo una nueva identidad. Promete a Fantine, una trabajadora de fábrica moribunda, rescatar y proteger a su hija, Cosette, quien está siendo explotada y maltratada por la engañosa familia Thénardier. Mientras Valjean cría a Cosette como si fuera su propia hija, es perseguido sin descanso por el inspector Javert. En medio de la agitación social que sacude Francia, los destinos de Valjean, Cosette, su enamorado Marius y Javert se entrelazan en un París turbulento y revolucionario. A través de luchas, sacrificios y un profundo anhelo de justicia, Valjean se esfuerza por culminar su camino de redención y darle a Cosette un futuro de amor y libertad.
Intérpretes: Julianne Moore, Paul Giamatti, Halle Bailey, Jesse Eisenberg, Cara Buono, Craig Bierko, Eldar Isgandarov, Bernadette Peters
Cuando Mona Friedman consigue un pequeño papel en un teatro comunitario, pasa de ser una ama de casa tímida y discreta a convertirse en una apasionada actriz, dispuesta a hacer cualquier cosa para proteger la integridad artística de su papel, aunque eso signifique entrar en guerra con el autoritario director de la obra.
Cuando el autobús conducido por su hijo se precipita desde un paso elevado y causa la muerte de decenas de personas, Vicentina busca a las familias de las víctimas para pedirles disculpas y termina descubriendo los límites del perdón.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del film de terror Trees are Watching. Primera incursión en el género del realizador de origen iraní Bahman Ghobadi, Las tortugas también vuelan (2004), Media luna (2006) o Nadie sabe nada de gatos persas (2009), que tendrá su estreno mundial en la próxima edición del Festival de Toronto.
En Trees are Watching vemos como Darya, una escritora obsesionada con la resonancia espiritual de los árboles regresa a su ciudad natal, Mardin, con su hija sorda y se ve acosada por los recuerdos del pasado relacionados con Spin y Nihal, unas hermanas gemelas que conoció de niña. Al residir en la antigua casa familiar —rodeada de una deforestación masiva, salvo por un par de árboles siniestros plantados uno para cada hermana—, la inquietud de Darya se ve repentinamente agravada por las visitas nocturnas de una entidad maligna que adopta una forma aparentemente inofensiva: una silla fabricada con madera local. Al poco tiempo, mientras reflexiona sobre su relación llena de altibajos con Spin y Nihal —esta última afirmaba estar aterrorizada por un elemento igualmente temible, concretamente una bruja maternal que, según se decía, acechaba en el ruidoso aseo—, la cordura de Darya comienza a desvanecerse.
La película, con guion a cargo del propio Bahman Ghobadi, está protagonizada por Eva Green, Murat Yildirim, Lucas Akoskin, Zeynep Çamci, Eren Demir y Özlem Taş.
Agnès Varda (1928-2019) fue considerada en vida una de las mejores y más influyentes directoras de cine del siglo xx. Precursora de la nouvelle vague francesa, su producción cinematográfica es extensísima y de gran valor. Aun así, su legado se está desdibujando con el paso del tiempo. Buena parte de las nuevas generaciones de cinéfilos la desconocen. Normalmente, si acceden a alguna de sus obras, suele ser a los documentales. Ese extremo no tiene nada de malo, pero obvia el grueso de su trabajo ficcional. Este ensayo pretende reflexionar sobre sus menos conocidos filmes de ficción, pero sin abandonar el ámbito documental. Varda fue pionera en atravesar esa barrera difusa entre ambos modos de narrar. Dentro de su obra, indistintamente de géneros o mixturas, aparecen temas que la configuran como una autora universal, pertinente y de actualidad. El papel de la mujer en la sociedad, con referencias explícitas a un feminismo renovador, así como a su derecho a decidir sobre su cuerpo y sexualidad, la libertad del ser humano o lo absurdo de ciertas instituciones sociales son algunos de ellos. Asimismo, destila críticas al consumismo, cariño por los personajes marginales y destellos de memoria convertida en espejo. Popularizar a Varda, valorada hoy solo por un reducto de fieles entusiastas, es algo necesario por la potencia latente en su filmografía. Revisitar sus piezas y dotarlas de un sentido nuevo anhela reparar cierta invisibilización artística, a todas luces injusta, y profundizar en la realidad del arte de nuestro tiempo.
Autor: Juan Laborda Barceló, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 150
En un campamento de waterpolo masculino, un preadolescente de doce años con ansiedad social se ve arrastrado a formar parte de una cruel tradición que dice atacar a los que no se integran con una enfermedad llamada ‘La Plaga’. Pero a medida que se difuminan los límites entre el juego y la realidad, el chico teme que la broma pueda estar ocultando algo real.
El oscuro imaginario del infante/adolescente y la crueldad existente en dicho microcosmos son los principales protagonistas de la sugerente The Plague, drama con retazos de thriller psicológico, sin atisbo de componente fantástico, más allá de utilizar de forma puntual un extraño contagio cutáneo como metáfora del acoso escolar que mira de reojo la novela de William Golding Lord of the Flies.
Historia situada en un campamento de waterpolo masculino donde tendrá lugar, de forma parecida a la francesa Un monde (Laura Wandel 2021), aunque sin la agitación e hiperrealismo de esta, un laberíntico juego de dinámicas de poder entre alumnos que derivará en presiones grupales, inclusiones, exclusiones y al consabido desarrollo de la personalidad por parte del protagonista. Como punto a su favor, la ópera prima de Charlie Polinger, que, por momentos, parece deleitarse con las posibilidades estéticas que le brinda el tema, no recurre a retóricas manidas o catarsis violentas, y sí a una serie de matices expuestos a modo de una ponderable reflexión sobre las distintas maneras de afrontar el ser diferente.
‘Siempre soy tu animal materno’ de Valentina Maurel inaugurará Horizontes Latinos, que mostrará los trabajos de Ricardo Alves Jr., Juan Miguel Gelacio y Esteban Hoyos García, Lorenzo Ferro y Lucas A. Vignale, Alessandra Sanguinetti, Dominga Sotomayor y Bruno Santamaría Razo
Horizontes Latinos contará con una docena de títulos en la 74º edición del Festival de San Sebastián, que incluirá el estreno mundial de A Professora de Francês / The French Teacher, de Ricardo Alves Jr. Siempre soy tu animal materno / Forever Your Maternal Animal, de Valentina Maurel, inaugurará la sección, y la clausura correrá a cargo de Marcelo Martinessi con Narciso. La programación la completan largometrajes nominados y premiados en festivales como Cannes, Berlín o Locarno. Las películas seleccionadas, que están producidas total o parcialmente en América Latina, dirigidas por cineastas de origen latino o se enmarcan en comunidades latinas, optarán al Premio Horizontes Make & Mark.
Marina De Tavira, Daniela Marín Navarro y Mariangel Villegas se alzaron con el premio a mejor interpretación femenina en la sección Un Certain Regard de Cannes por Siempre soy tu animal materno / Forever Your Maternal Animal. La segunda película de Valentina Maurel (San José, 1988) que inaugurará la sección, cuenta el regreso de Europa a Costa Rica de una joven que, al llegar a casa, se encuentra a su familia totalmente dividida. La cineasta costarricense obtuvo con su primer largometraje, Tengo sueños eléctricos (2022), más de treinta galardones internacionales, entre los que destacan los premios a la mejor dirección, actriz y actor en el Festival de Locarno, y el Premio Horizontes en el Festival.
El estreno mundial de A Professora de Francês / The French Teacher es el cuarto largometraje de ficción de Ricardo Alves Jr. (Belo Horizonte, 1982). El director, guionista, productor y director de teatro brasileño, que ha desarrollado su carrera entre el cine experimental, la no ficción y la ficción, presenta este thriller psicológico en el que una mujer regresa a casa tras enfermar su padre y es acogida por vecinos de una congregación religiosa que amenazan su identidad y su cordura.
Tras presentar en WIP Latam 2023 su primer largometraje Selva / Jungle, el dúo, formado por los colombianos Juan Miguel Gelacio (Bogotá, 1995) y Esteban Hoyos García (Bogotá, 1995) regresa a San Sebastián para presentar su última película Cinco años, cuatro meses / Five Years, Four Months, estrenada en Karlovy Vary. El filme, que en su fase de postproducción obtuvo el Premio EGEDA Platino Industria al Mejor WIP Latam 2025 con el título A la hora de poner la mesa ya no éramos cinco, cuenta la historia de una mujer que sigue el rastro de un oscuro rumor para encontrar a su hijo desaparecido en el conflicto armado de Colombia.
El tren fluvial / The River Train narra el sueño de un bailarín de malambo de nueve años que anhela viajar en tren y conocer Buenos Aires. El filme, dirigido por Lorenzo Ferro (Buenos Aires, 1998) y el recientemente fallecido Lucas A. Vignale (Buenos Aires, 1997-2026), llegará al Festival tras su paso por la sección Perspectives de la Berlinale. Ferro, debuta como cineasta en San Sebastián, un certamen que conoce bien como actor gracias a El Ángel / The Angel (Perlak, 2018), Simón de la montaña / Simon of the Mountain (Horizontes Latinos, 2024) o Cómo ser Pehuén Pedre / How to Be Pehuén Pedre (Zabaltegi-Tabakalera, 2024), interpretaciones por las que recibió diversos reconocimientos en Latinoamérica. Su primer trabajo detrás de las cámaras fue el cortometraje La Pasión (2025), codirigido junto a Vignale. Este último desarrolló buena parte de su trayectoria como realizador especializado en la industria musical, colaborando con artistas como Bizarrap, Nicki Nicole o Nathy Peluso, entre otros. Además, es autor del documental Tripolar 360 (2024), y de varios trabajos de ficción en formato corto y mediometraje.
La reputada fotógrafa Alessandra Sanguinetti (Nueva York, 1968) hace su primera incursión en el cine con La ilusión de un verano sin fin / The Illusion of an Everlasting Summer, una no ficción presentada en la sección Cineasti del Presente del Festival de Locarno. El filme, rodado a lo largo de 25 años, acompaña a Guille y Belinda, dos primas que viven en la pampa argentina y que pasan de la fantasía de la infancia y los deseos de la adolescencia, a los desafíos de la maternidad. Las obras de Sanguinetti, que es miembro de Magnum Photos desde 2007, forman parte de las colecciones del MoMA de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art, el Museum of Fine Arts de Houston y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.
Después de inaugurar Horizontes Latinos en 2025 con el estreno mundial de Limpia, Dominga Sotomayor (Santiago de Chile, 1985) regresa al Festival para mostrar La Perra. El filme, que ha recibido un Palm Dog en la Quincena de Cineastas de Cannes, es una adaptación libre de la novela homónima de Pilar Quintana en la que aborda el duelo íntimo por una maternidad que no fue y cuyas heridas se reabren al aparecer una cachorra abandonada. La cineasta chilena ha dirigido además otros títulos como De jueves a domingo (2012), Tarde para morir joven (2018) y el cortometraje Correspondencia, codirigido con Carla Simón (Zabaltegi-Tabakalera 2020).
El director de fotografía y realizador de largometrajes de no ficción Bruno Santamaria Razo (Ciudad de México, 1986) se lanza a la ficción con Seis meses en el edificio rosa con azul / Six Months In a Pink & Blue Building, estrenado en la Semana de la Crítica de Cannes y que en 2022 recibió el Premio al Mejor Proyecto del Foro de Coproducción y el Premio Dale! (Desarrollo América Latina-Europa). El filme, ambientando en los años 90 en México, se centra en un niño de 11 años que descubre su deseo por su mejor amigo, mientras lidia con la enfermedad de su padre, diagnosticado de VIH.
Todos estos títulos se suman a las películas con coproducción española ya anunciadas, como Ceniza en la boca / Ashes,de Diego Luna; Chicas tristes / Sad Girlz, de Fernanda Tovar; El deshielo / The Meltdown, de Manuela Martelli; Moscas / Flies, de Fernando Eimbcke, y Narciso, de Marcelo Martinessi, que será la encargada de clausurar la sección.
Estos doce títulos que componen la sección Horizontes Latinos optan al Premio Horizontes Make & Mark, dotado con 35.000 euros destinados al productor mayoritario y al distribuidor español de la película. Además, Narciso; Chicas tristes; El Deshielo; Cinco años, cuatro meses; El tren fluvial; Soy tu animal materno, y La ilusión de un verano sin fin, al tratarse de las primeras o segundas películas de su directora o director optan también al Premio DAMA de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
País(es) de producción: Bélgica – Francia – México
Intérpretes: Daniela Marín
Inauguración
Tras años estudiando en Europa, Elsa regresa a Costa Rica para reunirse con su familia. Allí, encuentra a su hermana menor viviendo sola en la casa familiar, cada vez más distante y solitaria, como si se hubiera sumergido en su propio mundo. Mientras tanto, sus padres están absortos en sus propias vidas. Su padre va de un lado a otro con una serie de aventuras amorosas, mientras que su madre está inmersa en la reedición de los poemas eróticos de su juventud, sin que ninguno de los dos comprenda del todo la urgencia de la situación.
Paraguay, 1959. Bajo un régimen militar sofocante, Narciso regresa de Buenos Aires fascinado por el rock and roll. Carismático, enigmático y deseado por hombres y mujeres, pronto se convierte en una estrella de la radio y en un símbolo de libertad. Pero tras su último show aparece sin vida. En un país donde el silencio domina y el miedo asfixia la verdad… ¿quién mató a Narciso?
País(es) de producción: Brasil – Francia – Portugal
Intérpretes: Grace Passô, Jehnny Beth, Pedro Goifman
Proyecta 2018
Graça vive en Belo Horizonte, donde imparte clases particulares de francés y convive con su novia francesa. Tras una emergencia de salud de su padre, regresa a la casa de su infancia en las afueras. Allí, una familia vecina que lidera una congregación religiosa local le ofrece apoyo. Mientras intentan devolverla a «su lugar», Graça queda atrapada en un mundo de intolerancia y fanatismo, lo que la conduce por un inquietante camino hacia la pérdida de la cordura.
En busca de una vida mejor, Lucila viaja con su hermano Diego desde México para encontrarse con su madre en Madrid, quien lleva ahí ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Al llegar, la vida que los espera resulta más dura de lo que imaginaban.
La Maestra y Paula son las mejores nadadoras de su equipo y mejores amigas hasta que un incidente en una fiesta lo trastoca todo. La Maestra, intensa e imparable, nota que algo en su mejor amiga ha cambiado: ahora está triste. Cuando la verdad sale a la luz, ambas se enfrentan a una decisión imposible: Paula quiere guardar silencio, y la Maestra quiere justicia. Su amistad, antes invencible, se pone a prueba como nunca.
Juan Miguel Gelacio (Colombia), Esteban Hoyos García (Colombia)
País(es) de producción: Colombia – EEUU
Intérpretes: Jenny Nava, Carmiña Martínez
WIP Latam 2025
Martha, una madre que perdió el rastro de su hijo durante el conflicto armado colombiano, recibe la noticia de que no se encontró ninguna coincidencia ósea en la última exhumación en la que había participado. Tras agotar todas las vías institucionales, acude a un grupo de mujeres en el que conoce a Sandra, quien le habla de un rumor: “En un pueblo remoto de las llanuras, puedes pedirle un favor a un muerto”. Juntas emprenden un viaje en busca de respuestas.
País(es) de producción: Chile – EEUU – España – México
Intérpretes: Maya O’Rourke, Saskia Rosendahl, Maia Rae Domagala, Jakub Gierszal, Paulina Urrutia
Proyecta 2022
Chile, 1992. Durante su estancia en el hotel de sus abuelos en las montañas, Inés se hace amiga de Hanna, una esquiadora alemana. Cuando Hanna desaparece sin dejar rastro, su búsqueda revela verdades que se mantenían ocultas.
Milo, de 9 años, vive en un remoto pueblo de Argentina, donde se forma como bailarín de malambo. Sin embargo, sus verdaderos sueños apuntan a otra parte: anhela viajar en tren y explorar Buenos Aires, la ciudad que solo ha visto en películas. Para liberarse de su pequeño mundo, deberá atreverse a emprender un nuevo viaje.
El documental arranca en 1999, cuando Sanguinetti invita a sus vecinas de nueve años a compartir sus fantasías, iniciando una colaboración de décadas. Mientras Guillermina y Belinda dejan la infancia, sus juegos adquieren el peso de la realidad. Con el paso del tiempo como eje, la película registra su amistad frente al trabajo, la maternidad y futuros distintos. En la pampa argentina, el film ofrece una mirada femenina sobre una región mitologizada por hombres.
Intérpretes: Manuela Oyarzún, David Gaete, Selton Mello, Paula Luchsinger, Paula Dinamarca, Rafaella Grimberg
En una remota y ventosa isla chilena, Silvia se gana la vida recolectando algas marinas y lleva una vida tranquila junto a su pareja. Cuando adopta a Yuri, una cachorra abandonada, sus días se llenan de tanta alegría, amor y ternura que se vuelve a despertar su deseo de ser madre, que había reprimido durante un largo tiempo. Pero la desaparación repentina de Yuri reaviva un trauma infantil que no había dejado de atormentar a Silvia y le fuerza a enfrentarse a un pasado que nunca había superado.
Desde que Olga sufrió una gran pérdida, se ha aferrado a la soledad, pero la falta de dinero para llevar a cabo una intervención quirúrgica en el dedo gordo de su pie la orilla a rentar un cuarto de su departamento a Tulio, el marido de una paciente hospitalizada en el centro médico que se encuentra frente al enorme multifamiliar en el que vive Olga. Cuando el hombre debe irse por unos días y deja a su hijo Cristian en su lugar.
Ciudad de México, principio de los años 90. El día que Bruno cumple 11 años se enamora de su mejor amigo Vladimir. Esa noche su padre recibe un diagnóstico de VIH positivo que transforma la vida familiar. Como en las canciones de salsa, su familia intenta cantar y bailar para espantar el dolor. Treinta años después, Bruno filma y reimagina la memoria de aquello que de niño no logró comprender del todo.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del drama The Only Living Pickpocket in New York. Dirigida por Noah Segan, Scare Package (2019) y Blood Relatives (2022), la película, tras pasar por festivales como Sundance, Berlín o el inminente TIFF, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 23 de octubre de 2026.
The Only Living Pickpocket in New York nos muestra como en sus días de gloria, las habilidades exquisitamente perfeccionadas y la infalible astucia callejera del experto carterista Harry Lehman (John Turturro) lo convirtieron en un maestro de su oficio. Ahora, a punto de cumplir 70 años, vive en una ciudad de Nueva York muy cambiada, donde el ciudadano medio ya no lleva grandes cantidades de efectivo ni relojes caros, donde las tarjetas de crédito se pueden cancelar al instante y los teléfonos móviles se pueden rastrear con la misma rapidez. Harry sigue siendo un tipo analógico en un mundo digital, luchando por llegar a fin de mes. En una de sus rondas nocturnas, sin darse cuenta le roba una valiosa memoria USB a un joven rico y fiestero, que resulta ser Dylan Diamond (Will Price), el heredero de una despiadada familia criminal que no se detendrá ante nada para recuperar sus propiedades. El viaje para recuperar la memoria USB llevará a Harry a través de los cinco distritos de la ciudad de Nueva York, mientras revisita el mundo de su pasado que se desvanece rápidamente.
La película, con guion a cargo del propio de Noah Segan, está protagonizada por John Turturro, Steve Buscemi, Giancarlo Esposito, Will Price, Tatiana Maslany, Jamie Lee Curtis, Victoria Moroles, Karina Arroyave, Tommy Bayiokos, Delaney Grace Coyle, Ethan Herschenfeld, Michael Hsu y Kelvin Han Yee.
Tras su paso por la Berlinale y la vertiente presencial del Atlàntida Mallorca Film Fest, llega a la plataforma la delicada ópera prima de Muriel d’Ansembourg, una reflexión sobre la educación afectiva de las nuevas generaciones a través del hijo de un productor de cine para adultos.
El próximo 14 de agosto, Filmin estrena «Truly Naked», el debut en el largometraje de la directora belga Muriel d’Ansembourg, nominada al BAFTA por su cortometraje «Good Night». Tras su paso por la sección Perspectives de la Berlinale y su proyección en la vertiente presencial del Atlàntida Mallorca Film Fest, la película llega ahora a la plataforma como parte de la sección Trends.
Ambientada en un pequeño pueblo costero británico, «Truly Naked» transforma una premisa tan insólita como sugerente en un delicado relato de iniciación. A través de la historia de Alec, un adolescente criado en el negocio familiar de la pornografía, Muriel d’Ansembourg explora el despertar sentimental de una generación que ha crecido rodeada de imágenes sexuales, pero no siempre de educación afectiva.
Sinopsis Alec, un adolescente introvertido y de voz suave, siempre ha visto la vida a través del prisma del pequeño negocio de pornografía de su padre. Cuando se mudan de Londres a un tranquilo pueblo costero, Alec espera empezar de cero, intentando hacer amigos sin revelar la naturaleza de su vida poco convencional. Todo cambia cuando conoce a la ferozmente independiente Nina, cuyas convicciones redefinen el mundo en el que él ha crecido. A medida que su relación se profundiza, la comprensión de Alec sobre la sexualidad y el deseo empieza a cambiar. Lo que comienza como una conexión improbable evoluciona hacia una historia tierna e inesperadamente conmovedora sobre el descubrimiento de la verdadera intimidad… y lo que realmente significa ser visto.
Una mirada sin prejuicios
Aunque la pornografía marca el contexto en el que crece su protagonista, «Truly Naked» nunca pretende ser una película sobre la industria del cine para adultos. Muriel d’Ansembourg utiliza ese universo como punto de partida para reflexionar sobre cómo construimos nuestra idea del sexo, el deseo y las relaciones afectivas, especialmente en una generación que ha crecido rodeada de imágenes sexuales, pero no necesariamente de educación emocional.
«Vivimos rodeados de sexualidad; se utiliza para vender absolutamente todo y, al mismo tiempo, sigue estando rodeada de vergüenza y de juicios. Me parece algo profundamente triste», explica la directora. «La sexualidad puede enseñarnos mucho sobre nosotros mismos y sobre nuestra forma de relacionarnos con los demás.»
Una idea que también comparte la actriz de cine para adultos Alessa Savage, que participa en la película: «Lo que ves en el porno no está pensado para reproducirse en casa. La verdadera intimidad debería sentirse mejor de lo que parece.»
Un coming-of-age sobre aprender a querer
«Truly Naked» es, en esencia, la historia del despertar emocional de Alec: su primer amor, el descubrimiento de una forma distinta de entender la intimidad y la compleja relación con un padre que, pese a haber normalizado su trabajo en la industria pornográfica, siempre ha intentado protegerle. El resultado es un coming-of-age que habla menos del sexo que de la dificultad de mostrarse vulnerable y construir vínculos auténticos.
«Quería hablar de personas imperfectas atravesando situaciones complicadas, pero que, por encima de todo, desean encontrar algo verdadero con otra persona», resume d’Ansembourg.
Esa misma idea atraviesa el viaje de Alec, interpretado por el debutante Caolán O’Gorman: «En el fondo, esta no es una película sobre el porno. Es una historia sobre romper con los patrones heredados y dejar de observar la vida desde detrás de una cámara para empezar, por fin, a vivirla.»
Nombrar las cosas por su nombre es, de entrada, un ejercicio de visibilidad. Las películas de esta sesión ponen sobre la mesa la inestabilidad de esta relación. Este programa de proyecciones está vinculado al Aula Xcèntric, dedicada este año al uso de la palabra en el cine experimental.
Guy Sherwin recoge en Messages las asociaciones que hace su hija entre los dos y los cuatro años, justo cuando empieza a ordenar el mundo a través de las palabras y a cuestionar la naturaleza de ciertas conexiones. Las imágenes, entonces, se incorporan para explorar la rara y maravillosa capacidad del cine para hacer que, al allanar todo sobre la superficie de la pantalla, el árbol, por ejemplo, sea, simplemente, el árbol, sin agotar, pero, el misterio que representa para cada uno desde la intimidad de su butaca.
A The leaden echo and the golden echo Margaret Tait recoge el poema de Gerard Manley Hopkis para bajar a la tierra el sentido trascendental que proclama la belleza. Las palabras, sujetas a las idiosincrasias de la voz de quien las pronuncia, se hacen hueco entre los elementos cotidianos de un mundo que las incorpora, les responde y, a veces, también las rechaza.
Gently Down the Stream se aboca a la desconfianza hacia un lenguaje travesado y malogrado por las convicciones que lo sostienen. A través de los descosidos del espacio onírico, las palabras rayadas directamente sobre el material fílmico y unas imágenes que van desnudando cualquier pretensión de coherencia, la película deshace la posibilidad de un relato estable sobre la identidad, aquí escindida entre la educación católica y el deseo lésbico.
Entre la experiencia privada del mote y el uso que arrastra la memoria y las formas compartidas, es cuestión de tiempo que todo se vuelva opaco. En la oscuridad de la pantalla negra, Black, de Anouk de Clercq, se pregunta por la materialidad de la misma oscuridad y por la posibilidad de una imagen que devuelva la claridad al mundo.
Empujando el medio fílmico al límite de una correspondencia siempre intermediada entre lenguaje y referente. Las cuatro películas ensayan diferentes maneras de poner las palabras en relación con una realidad más o menos visible, más o menos reconocible, más o menos descifrable. «Los nombres son eso que ves cuando miras las cosas», se lee en el inicio de Messages, una frase que aparece con la claridad de un sol de mediodía y que parece reverberar a lo largo de todo el programa.
Messages, Guy Sherwin, 1981-1983, 16mm, 34 min; The leaden echo and the golden echo, Margaret Tait, 1955, 16mm, 7 min; Gently down the stream, Su Friedrich, 1981, 16mm, 14 min; Black, Anouk de Clercq, 2015, 35mm, 5 min.
Las películas de esta sesión serán tratadas en profundidad en las ponencias de Aula Xcèntric «Grabada, escrita, pronunciada. La palabra en el cine experimental». Consulta el programa.
Copias de Messages y Gently down the stream procedentes de Lightcone. Copia deThe leaden echo and the golden echo procedente de LUX. Copia de Black procedente de Argos.
No se podrá acceder a la sala una vez iniciada la proyección.
Precios
5 € / 4 € Reducida Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y en línia. Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas. Entradas disponibles a partir de septiembre.
Con su vida literalmente derrumbándose a su alrededor, Linda intenta lidiar con la misteriosa enfermedad de su hija, su marido ausente, una persona desaparecida y una relación cada vez más hostil con su terapeuta.
En If I Had Legs I’d Kick You asistimos a una frustración que, a semejanza de ciertas coordenadas narrativas presentes en aquella frenética y desquiciada cinta británica titulada Surge (Aneil Karia, 2020), nos muestra el colapso interno de un personaje omnipresente en cada plano de la película; Rose Byrne, como una sufrida madre que tendrá que enfrentarse, con un marido ausente, entre otras cosas, a la enfermedad de su hija.
La maternidad como campo de batalla psicológico es una temática que empieza a mostrar numerosos signos de agotamiento, especialmente en digresiones tan cuestionables como, por ejemplo, las recientes Nightbitch (Marielle Heller, 2024) o Salve María (Mar Coll, 2024). En dicho apartado, el film de Mary Bronstein sale relativamente airoso en relación con dichas comparativas, especialmente siendo entendida, salvando las distancias, como una suerte de versión mumblecore de Eraserhead (David Lynch, 1977), con relación a mostrar una fuga disociativa sobre un estado de ansiedad maternal a medio camino entre la psicopatía y la parodia.
Sucio, fuerte y ejecutor. La ley de Harry Callahan es un profundo y concienzudo ensayo que nace de nuestra imperiosa necesidad de rendir tributo a la figura de Harry Callahan, uno de los mayores iconos del cine policíaco estadounidense.
Deteniéndonos minuciosamente en cada una de las cinco películas que componen la saga, hemos procurado analizar con la máxima lucidez posible todos aquellos factores que, a nuestro juicio, contribuyen a definir a nuestro personaje. Pero no sólo eso. Sucio, fuerte y ejecutor. La ley de Harry Callahan también profundiza en los antecedentes cinematográficos de Callahan, en sus secuelas, en su hábitat urbano, en su relevancia como icono pop, en su visión contemporánea y, sobre todo, en sus dos grandes puntas de lanza: Don Siegel y Clint Eastwood.
De lo que no nos cabe ninguna duda, en definitiva, es que Harry el sucio supone un punto de inflexión en la historia del cine policíaco. Para nosotros existe un antes y un después de Harry. Y eso es, precisamente, lo que este libro pretende contaros.
Autor: Xavi J. Prunera y Lluís Nasarre. Textos adicionales: Jaime Vicente Echagüe, Joel Moreno y Ad. Prólogo: Miguel Juan Payán. Portada: Valen García Rodríguez (aka Ron B. Sobbert), Editorial: Applehead team, Colección: Actioner Applehead, Páginas:
