Fantasia, web dedicada al cine, críticas y análisis de películas, series de televisión, festivales, noticias, libros, Dvd & Bluray, merchandising y todo lo que rodea al séptimo arte
Denis Côté, uno de esos autores cuyos trabajos desafían constantemente el lenguaje cinematográfico, tras su incursión en la no ficción con la reciente Paul (2025) regresa a sus habituales universos herméticos con Violence du corps de l’autre. Película, cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, que estará presente en la próxima edición del Festival de Locarno.
En Violence du corps de l’autre vemos como sin un rumbo fijo en la vida ni una dirección que la guíe, Mira se une a Madeleine y Ludo, dos hedonistas de espíritu libre que viven en lo profundo del bosque. Allí comienza a cuestionar su vida errante y a reconsiderar los oscuros pactos que sella con las almas desesperadas que buscan su ayuda.
La película, con guion a cargo del propio Denis Côté, está protagonizada por Larissa Corriveau, Philippe Rebbot, Xavier Bergeron, Gabrielle Lazure y Pierrette Robitaille.
Acaba de ser presentada de la mano de A24 un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut de Lance Oppenheim en el largometraje de ficción titulado Primetime. La película, tras su paso por el inminente festival de Venecia donde competirá por el León de Oro, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 25 de septiembre de 2026.
Ambientada en el año 2006 y basada en hechos reales, el film sigue a Chris Hansen mientras desarrolla para la NBC el controvertido programa de televisión ‘To Catch a Predator‘, en el que se organizan operaciones encubiertas para descubrir y detener a presuntos depredadores sexuales. A medida que el programa se convierte en un fenómeno televisivo, Hansen debe enfrentarse a las implicaciones éticas de convertir investigaciones criminales en entretenimiento, mientras se adentra en un peligroso submundo del crimen y la manipulación mediática.
Primetime, con guion a cargo de Ajon Singh, está protagonizada por Robert Pattinson, Merritt Wever, Skyler Gisondo, Matthew Maher, Phoebe Bridgers, Bokeem Woodbine, Sean Bridgers, Ja’Quan Monroe-Henderson, Russell C. Gibbs, Stanley White Jr., Jessica Blackmore, Ernest Marsh y Brittany Seals.
Natalia, Mariela y Josefina son tres inseparables amigas que viven en las afueras de Buenos Aires y están locamente enamoradas de Diego, su amigo de la infancia. En un verano caluroso de 2001, tras el estallido de violencia que terminó en una profunda crisis económica y social, aparece Silvia, más mayor y más mundana, que cautiva a Diego. Natalia, decidida a reconquistar a Diego, pide ayuda a su abuela, Rita, que la adentrará en el reino de los hechizos y la magia negra.
El retrato alegórico femenino llevado al fantástico continuó siendo el denominador común en el pasado Festival de Sitges, siendo varias las propuestas que orbitaron alrededor de dicho concepto. A tal respecto, la cinta argentina La virgen de la tosquera de Laura Casabé deviene una metódica adaptación de dos cuentos de Mariana Enríquez, El carro y La virgen de la tosquera, pertenecientes a la colección Los peligros de fumar en la cama.
Película que difumina con solvencia los límites entre el terror psicológico y lo social, donde el componente fantástico, manifestado de forma abrupta en un final que posa su mirada sobre el cuento gótico y el ritual pagano, se adentra en un inquietante contexto de realidad; un caluroso verano ubicado en una apocalíptica Argentina al borde del colapso económico del 2001. Se agradece que, mediante oscuras exploraciones del deseo y el poder en el imaginario adolescente, se pervierta ese concepto tan manido del coming-of-age, aquí expuesto desde una perspectiva que sondea el horror de la adolescencia a través del retrato de una joven insatisfecha consigo misma, con el sexo y con todo lo que la rodea.
El realizador británico Christopher Smith, tras películas como Creep (2004), Severance (2006), Triangle (2009) o Black Death (2010), regresa al género fantástico con la comedia de terror titulada Spider Island, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Spider Island, que estará presente en la próxima edición del FrightFest de Londres, nos cuenta como en una apartada isla tropical privada, el hotel Oceania Pearl invita a un grupo de famosos influencers de las redes sociales a su fiesta de inauguración para consolidar su posición como uno de los complejos turísticos más lujosos del mundo. Pero bajo su brillante fachada, el hotel esconde un secreto de pesadilla… Las cuevas subterráneas perturbadas durante una reciente construcción han despertado a una horda de arañas mortíferas, dispuestas a recuperar su hábitat natural.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Christopher Smith junto a Christopher Jolley y David Quantick, está protagonizada por Rose Williams, Tim McInnerny, Andy Nyman, Anuschka van Lent, Carlotta Banat, Lena Mahfouf, Abraham Lewis, Avani Gregg, Edeen Bhugeloo y Divian Ladwa.
El cineasta alemán será homenajeado en la gala de apertura y presentará su película ‘Bucking Fastard’ tras su estreno en Venecia
El director, guionista, productor y actor Werner Herzog recibirá un Premio Donostia en reconocimiento a su carrera durante la gala de apertura del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre en su 74ª edición. La máxima distinción honorífica del Festival para el cineasta alemán irá acompañada de la proyección de su nuevo largometraje, Bucking Fastard, que competirá en el próximo Festival de Venecia.
A lo largo de una carrera que abarca seis décadas, Werner Herzog se ha convertido en una de las figuras más influyentes del cine contemporáneo, construyendo una obra extraordinaria ―alrededor de 80 filmes― y moldeada por la obsesión, las situaciones extremas y las contradicciones de la naturaleza humana. Sus películas, tanto de ficción como de no ficción, están pobladas por soñadores y conquistadores que se enfrentan a paisajes extremos y fuerzas que escapan a su control. Guiado por su concepto de «verdad extática», Herzog defiende un cine que trasciende la mera observación de los hechos para revelar una dimensión más profunda y poética de la realidad.
La proyección del Premio Donostia, que tendrá lugar en el Teatro Victoria Eugenia antes de la ceremonia de entrega en el Kursaal, contará con la última película de Werner Herzog. Protagonizada por Rooney Mara, Kate Mara, Orlando Bloom y Domhnall Gleeson, Bucking Fastard cuenta la inusual historia de dos hermanas gemelas cuyo vínculo extraordinario las lleva a hablar al unísono, amar al mismo hombre y compartir los mismos sueños.
Biografía
Nacido en Múnich en 1942, Werner Herzog creció en un valle remoto de las montañas bávaras. Hasta los 11 años ni siquiera conocía la existencia del cine. Comenzó a desarrollar proyectos cinematográficos a los 15 años y, dado que nadie parecía dispuesto a financiarlos, durante sus últimos años de instituto trabajó en el turno de noche de una fábrica de acero como soldador. También empezó a viajar a pie.
Hizo su primera llamada telefónica a los 17 años y su primera película a los 19. Abandonó la universidad, donde estudió historia y literatura.
Desde entonces ha escrito, producido y dirigido unas 80 películas, entre las que figuran Aguirre, der Zorn Gottes / Aguirre, the Wrath of God (Aguirre, la cólera de Dios, 1972); Fitzcarraldo (1982), para la cual trasladó un barco de vapor sobre una montaña en plena selva; Grizzly Man (2005) y Cave of Forgotten Dreams (La cueva de los sueños olvidados, 2010).
Ha publicado libros de poesía y prosa como Of Walking In Ice (Del caminar sobre hielo), Conquest of the Helpless (Conquista de lo inútil) y, recientemente, la novela The Twilight World (El crepúsculo del mundo).
Ha sido director de escena de una docena de óperas en Bayreuth y en La Scala de Milán, así como en otros teatros de ópera alrededor del mundo.
También ha actuado en películas como Jack Reacher, The Mandalorian y en papeles como invitado en Los Simpson. Creó una instalación artística, Hearsay of the Soul, para la Bienal del Whitney Museum de Nueva York y el Getty Museum de Los Ángeles. Fundó Rogue Film School como contrapunto a lo que se enseña en la mayoría de las escuelas de cine del mundo.
Intérpretes: Rooney Mara, Kate Mara, Orlando Bloom, Domhnall Gleeson
Bucking Fastard trata sobre dos hermanas, Jean y Joan Holbrooke, que están tan unidas que hablan al unísono, aman al mismo hombre y comparten los mismos sueños. Incluso cometen el mismo desliz al mismo tiempo. No podemos ver el mundo tal y como ellas lo ven, pero sí vemos cómo el mundo reacciona ante ellas: a través de los tribunales y la prensa, de quienes quieren ayudarlas y de quienes pretenden aprovecharse de ellas.
El próximo 14 de agosto, Filmin estrena «El sonido de la caída», la nueva película de la directora alemana Mascha Schilinski.Ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes y gran vencedora de los Premios del Cine Alemán, donde obtuvo 10 galardones de 11 nominaciones, la película se ha consolidado como una de las propuestas más celebradas del cine europeo de los últimos años.
Ambientada en una antigua granja del norte de Alemania, «El sonido de la caída» entrelaza las vidas de cuatro niñas separadas por casi un siglo. A través de una narración fragmentada que hace convivir pasado y presente, Schilinski compone un relato hipnótico sobre la memoria, el tiempo y las huellas invisibles que dejan varias generaciones de mujeres en un mismo lugar.
Sinopsis Cuatro niñas, Alma, Erika, Angelika y Lenka, pasan su juventud en la misma granja del norte de Alemania. A medida que la casa evoluciona a lo largo de un siglo, los ecos del pasado perduran en sus paredes. Aunque separadas por el tiempo, sus vidas empiezan a conectarse y reflejarse entre ellas.
Un laberinto de recuerdos
Mascha Schilinski convierte la memoria en el auténtico motor de la película, alejándose de cualquier narración lineal. El relato avanza mediante asociaciones, ecos visuales y pequeños gestos que enlazan a sus protagonistas a través del tiempo, como si los recuerdos de unas acabaran infiltrándose en la vida de las otras.
«La memoria y la imaginación se mezclan constantemente», explica la directora. «No recordamos los hechos de forma cronológica, sino emociones, habitaciones, imágenes que reaparecen muchos años después.»
Esa misma lógica impregna la puesta en escena. La cámara atraviesa puertas, habitaciones y décadas como una presencia silenciosa que intenta reconstruir las vidas de quienes habitaron la casa. Más que un escenario, la granja termina convirtiéndose en un espacio donde el tiempo parece haberse plegado sobre sí mismo.
El peso invisible de lo heredado
Sin recurrir a explicaciones psicológicas ni a grandes revelaciones dramáticas, «El sonido de la caída» reflexiona sobre la forma en que los traumas, los silencios y la violencia atraviesan las generaciones. Schilinski sugiere que ciertas experiencias permanecen inscritas en los lugares y en los cuerpos mucho después de haber sido olvidadas, manifestándose como intuiciones, miedos o recuerdos que nunca llegaron a vivirse.
«Todos podemos sentir cosas que ocurrieron antes incluso de haber nacido, acontecimientos que han moldeado a quienes vinieron antes que nosotros», afirma la directora. Una idea que atraviesa toda la película y que encuentra en la infancia el territorio perfecto para explorar aquello que todavía no puede explicarse con palabras, pero que, de algún modo, sigue presente.
Una aproximación original e imprescindible al universo del legendario cofundador de Studio Ghibli, premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2026.
Explora las fuentes de inspiración de las obras de Hayao Miyazaki, uno de los creadores de cine de animación más importantes de todos los tiempos.
Miyazaki es capaz de imaginar y poblar mundos como ningún otro director o creador de animaciones. Sus brillantes películas, como Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro o El chico y la garza, las dos últimas ganadoras de un Óscar, desarrollan una versión completa y fascinante de la realidad.
Este libro explora la creación de esos mundos, conectando su origen con los intereses, las obsesiones y las influencias del director japonés.Al hablar de las ubicaciones geográficas reales citadas por Miyazaki, de sus propias creencias y biografía, del impacto del manga y del anime, de aspectos de la cultura japonesa tradicional y de los muchos escritores, artistas y cineastas a los que admira, esta obra ofrece una nueva manera de entender y disfrutar sus magistrales películas.
Tras su estreno mundial en la Sección Oficial del pasado Festival de Cannes, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler internacional, que podéis ver a final de página junto a su póster promocional, de la nueva película del sudcoreano Na Hong-jin titulada Hope. Film, que mezcla géneros como la ciencia ficción, acción o comedia, que se estrenará comercialmente en nuestro país, previo paso por los Festivales de San Sebastián y Sitges, a finales de año de la mano de Mubi.
La película nos sitúa en Hope Harbor, una aldea remota cerca de la Zona Desmilitarizada (DMZ) que separa las dos Coreas. Lugar donde los refuerzos se han desviado para combatir los incendios forestales y se han cortado todas las comunicaciones. El jefe del puesto policial de Hope, Bum-seok, y la agente Sung-ae luchan por defender un pueblo de extraños fenómenos, mientras que en las montañas, Sung-ki y los lugareños que se han lanzado a la búsqueda de una bestia. Lo que comienza como un acto de ignorancia siembra la semilla de un desastre, que se intensifica a través del conflicto humano hasta convertirse en una tragedia de proporciones cósmicas.
Hope, con guion a cargo del propio Na Hong-jin, está protagonizada por Hwang Jung-min, Zo In-sung, Jung Ho-yeon, Taylor Russell, Cameron Britton, Michael Fassbender, Alicia Vikander y Eum Moon-Suk.
El ciclo se completará con un libro sobre la obra completa de Giovanni escrito por Felipe Cabrerizo
Un total de 20 largometrajes estrenados entre los años 1960 y 2001 integrarán la retrospectiva dedicada al cineasta, guionista y novelista francés José Giovanni, figura indiscutible de la gran era del cine policíaco francés. En su 74ª edición, el Festival de San Sebastián recuperará la práctica totalidad de la obra que Giovanni firmó como director, así como ocho títulos que escribió para realizadores como Jacques Becker, Jean-Pierre Melville, Jacques Deray, Claude Sautet, Henri Verneuil y Robert Enrico.
Organizado por el Festival y la Filmoteca Vasca con la colaboración de Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación del libro José Giovanni. No hay vida plena sin piedad, escrito por Felipe Cabrerizo y editado por Quim Casas, crítico y miembro del comité de Selección del Festival. El estudio recorre toda la obra como novelista, guionista y director de Giovanni, así como aquellos aspectos de su vida envueltos en cierta polémica, desde su cometido durante la ocupación alemana hasta su intento de huida de la cárcel.
El libro, editado en castellano e inglés, es el quinto de la colección impulsada por el Festival y la Filmoteca Vasca tras los dedicados a Claude Sautet, Hiroshi Teshigahara, el cine policíaco italiano y la guionista Lillian Hellman.
En esta ocasión fue Claude Sautet quien llevó a la pantalla otra novela de un Giovanni que empezaba a ser muy requerido en el cine. Lino Ventura es Abel Davos, un criminal que consigue huir a Italia con su familia eludiendo el cerco policial. Pero tras una escaramuza en la frontera, el protagonista se queda solo con sus hijos. Se basa, con el nombre ligeramente cambiado, en un gánster que durante la ocupación colaboró con la Gestapo francesa.
Intérpretes: Michel Constantin, Jean Keraudy, Philippe Leroy, Marc Michel, Raymond Meunier
En su película póstuma, Jacques Becker adaptó la novela de Giovanni en la que relata su intento de fuga de la cárcel de La Santé. El escritor acabó participando activamente en el guion y suministrando todos aquellos elementos que confieren un extremo realismo al filme. Los cuatro protagonistas comparten celda. Cuando están a punto de acometer la huida, les asignan un quinto y desestabilizador recluso en el mismo y reducido espacio.
Intérpretes: Jean-Paul Belmondo, Mario David, Béatrice Altariba, Christine Kaufmann, Henri Virlogeux
Robert La Rocca deja la vida criminal y se retira al campo, pero su meta es lograr la libertad de su mejor amigo, Xavier, condenado a varios años de cárcel. Una serie de acontecimientos le llevan a entrar en el mismo presidio. Tiempo después se les ofrece la posibilidad de aligerar su condena si ayudan a deactivar las minas que han quedado en las playas después de la guerra. Primera adaptación de su novela L’Excommunié.
Intérpretes: Michel Auclair, Charles Vanel, José Giovanni, Claude Dauphin, Michèle Mercier
Cuatro hombres bien posicionados económicamente quieren aumentar sus ingresos participando en el negocio de la droga. Un quinto individuo (interpretado por el propio Giovanni) debe traer el alijo desde Marsella, pero los planes se tuercen y los protagonistas acaban enfrentados entre ellos. Primera de las fructíferas colaboraciones entre Giovanni y Jacques Deray, con participación de Claude Sautet en el guion.
País(es) de producción: Francia – Italia – Alemania – 1966
Intérpretes: Lino Ventura, Marilù Tolo, Jean Bouise, Jean Servais, Wolfgang Preiss
Inmersión de Giovanni y Deray en el relato de espionaje. Lino Ventura es Paul Fabre, un oficial de los servicios secretos franceses enviado a Viena para esclarecer si el responsable de la inteligencia francesa en Austria es en realidad un doble agente. Fabre es requerido para la misión confiando en su experiencia e instinto, y porque es uno de los mejores amigos del sospechoso.
Intérpretes: Lino Ventura, Paul Meurisse, Raymond Pellegrin, Marcel Bozzuffi, Christine Fabrega
Tras evadirse de la cárcel, el peligroso criminal llamado Gustave Minda (Lino Ventura) quiere reactivar a sus hombres pero se ve involucrado en una masacre entre bandas rivales. Un inspector de policía intenta atraparlo mientras él busca dar un último golpe y huir del país. Primera y última colaboración entre dos de los grandes arquitectos del policíaco francés, Giovanni –autor de la novela y coguionista– y Jean-Pierre Melville.
Intérpretes: Jean-Paul Belmondo, Joanna Shimkus, Raymond Bussières, Paul Crauchet, Stéphane Fey
Uno de los pocos casos en los que Giovanni no participaría como guionista en la adaptación de una de sus novelas. Jean-Paul Belmondo interpreta a un excorredor automovilístico. Ha dejado las carreras después de la muerte de un compañero en accidente y ahora trabaja como chófer para una banda criminal que realiza pequeños atracos. Poco a poco trama la realización de un golpe en solitario
País(es) de producción: Francia – Italia – México – 1968
Intérpretes: Lino Ventura, Rosa Furman, Aurora Clavel, Enrique Lucero, Xavier Marc, Farnesio De Bernal
El segundo largometraje dirigido por Giovanni, a partir de la novela The Vulture, del escritor escocés John Carrick, tiene como protagonista a un asesino a sueldo (Lino Ventura) a quien un grupo insurrecto encarga el asesinato de un presidente latinoamericano. Desprovisto de todo ideal, cínico e inflexible, el asesino, apodado Le Rapace, participa de este golpe de Estado sin conocer sus inmediatas consecuencias
Intérpretes: Jean Gabin, Alain Delon, Lino Ventura, Irina Demick, Jacques Duby
Un hombre encarcelado por asesinato es liberado por los miembros del clan de un venerable gánster siciliano. Juntos planean asaltar el avión con destino a Nueva York que transporta unas preciadas joyas, mientras un policía intenta darles caza. Adaptación de una novela de André Le Breton concebida como una gran producción internacional. Reúne a los tres grandes actores del polar: Delon, Gabin y Ventura.
Intérpretes: Lino Ventura, Marlène Jobert, Michel Constantin, Paul Crauchet, Alain Mottet
Lino Ventura interpreta a un encallecido inspector de policía que es relegado de su cargo tras haber detenido al hijo alcoholizado de un abogado influyente. Su nuevo hábitat es una comisaría de barrio en la que inicialmente le encargan detener a delincuentes sexuales. Cuando le asignan una compañera novata (Marlène Jobert, madre de Eva Green), juntos afrontan la búsqueda de un testigo protegido de quien solo conocen el último domicilio en el que habitó.
País(es) de producción: Francia – Italia – España – 1971
Intérpretes: Jean-Claude Bouillon, Nicoletta , Maurice Garrel, Paola Pitagora, Jean Gaven
Un policíaco de cámara basado en una novela estadounidense publicada en la colección Série Noire de la editorial Gallimard. Su personaje principal acaba de fracasar en el atraco a un banco y debe solucionar algunos aspectos de su pasado reciente, ya que es acusado de un crimen que no ha cometido. La historia ya había sido llevada a la pantalla por Robert Siodmak en el film noir Cry of the City (1948).
Intérpretes: Rufus , Paul Crauchet, Alexandra Stewart, Jean Gaven, Philippe March
Filme protagonizado por un actor generalmente identificado con la comedia, Rufus, que ya había participado en Un aller simple. Es una película de marcado signo político: su protagonista trabaja en una organización de carácter pacifista que lucha por liberar a presos políticos, pero poco a poco descubre que la no violencia en la que siempre ha creído ya no funciona, por lo que pasa al otro lado, a la lucha armada.
No contento del todo con la versión que de su novela L’Excommunié había realizado Jean Becker en Un nommé La Rocca, Giovanni la adaptó personalmente, ahora en color, pero con el mismo actor, Jean-Paul Belmondo. La película detalla mejor que la anterior la vida de la delincuencia organizada en la Marsella de los años 30, antes de que el personaje termine en la cárcel y vuelva a la vida civil tras una serie de peripecias
Intérpretes: Jean Gabin, Alain Delon, Mimsy Farmer, Michel Bouquet, Victor Lanoux
Planteada como un alegato contra la pena de muerte, la película narra la historia de un delincuente que logra reintegrarse en la sociedad tras salir de la cárcel. Lo consigue gracias a la ayuda de un educador, pero una serie de acontecimientos, además de la presión que recibe de un inspector de policía que conoce su historial, le devuelven a la vida criminal. Producida por Alain Delon, protagonista junto a Jean Gabin.
Intérpretes: Alain Delon, Paul Meurisse, Annie Girardot, Marcel Bozzuffi, Bernard Giraudeau
En su segunda colaboración con Giovanni como actor y productor, Alain Delon encarna a Hugo Sennart, un gitano francés al que la policía busca por diversos crímenes. Hugo prepara el que podría ser su último golpe, pero su itinerario se mezcla con el de un ladrón de joyas a quien pone cerco el mismo inspector que le busca a él. Pese a ser un relato de ficción, el filme propone una mirada documental a los campamentos de gitanos y su forma de vida.
Intérpretes: Francis Huster, Jean-François Balmer, Lila Kedrova, Bérangère Bonvoisin, Gabriel Briand
Adaptación de la novela autobiográfica de Albert Spaggiari, el cerebro de uno de los mayores atracos bancarios cometidos hasta entonces. Durante un día de julio de 1976, Spaggiari y sus compinches se desplazaron por las alcantarillas hasta la sede central de la Société Général de Niza, permanecieron dentro todo un fin de semana y robaron 60 millones de francos, además de bonos y bienes. Fue conocido como el robo del siglo.
Intérpretes: Annie Girardot, Claude Brasseur, Jacques Perrin, Renaud Verley, François-Éric Gendron
Giovanni relató en este filme la historia de un falso culpable, Simon Risler (Claude Brasseur), quien escapa de la policía después de ser juzgado y condenado a muerte por un asesinato que no ha cometido. Encuentra refugio en casa de su abogada (Annie Girardot), con quien se dispone a demostrar su inocencia y desvelar un turbio asunto en el que puede estar implicados elementos de la Brigada Financiera de la policía francesa.
Intérpretes: Claude Brasseur, Bernard-Pierre Donnadieu, Gérard Darmon, Niels Arestrup, Daniel Duval
A caballo entre la aventura y el espionaje, la pelicula comienza con el secuestro de un importante general de la OTAN por parte de un grupo terrorista. A continuación, los servicios secretos franceses reclutan a una serie de individuos y los entrenan para formar parte del comando que debe liberar al militar. El rodaje fue complicado, pero muy del gusto de Giovanni, con escenas submarinas y otras de dificilísima escalada vertical.
Intérpretes: Valérie Kaprisky, André Dussollier, Thierry Frémont, Steve Kalfa, Yves Kerboul
Otra de las películas de Giovanni con tintes autobiográficos. Se centra en un joven que durante la ocupación, para salir de la cárcel, aceptó colaborar con los nazis. Tiempo después, a las puertas del final de la guerra, intenta obtener la rehabilitación ayudando a un oficial de inteligencia francés a desenmascarar a ciudadanos y policías que participaron duramente en la represión, incluido su propio hermano
Intérpretes: Bruno Cremer, Vincent Lecoeur, Rufus , Michelle Goddet, Nicolas Abraham
Partiendo de su novela Il avait dans le coeur des jardins introuvables, Giovanni realiza un sentido homenaje a su padre, Joe Damiani, quien no ceja en el empeño de liberar a su hijo condenado a la pena capital por su complicidad en un asesinato. El padre (Bruno Cremer) intenta conseguir las pruebas que demuestren su inocencia. Giovanni se despidió del cine con este viaje en el tiempo hasta una de las épocas más dramáticas de su vida.
Biografía
José Giovanni (1923-2004), nacido Joseph Antoine Roger Damiani en París, en el seno de una familia acomodada de origen corso, escribió algunas de las páginas más brillantes tanto de la novela policíaca como del polar, el cine policíaco francés, tan influyente como el film noir estadounidense. Fue antes novelista, adaptador y guionista, pero cuando tomó las riendas de sus propios proyectos como director, estableció una mirada y una estética en el policial francés pareja a la de sus autores más reputados, Jean-Pierre Melville o Jacques Deray. Con ambos colaboró estrechamente en un momento, la primera mitad de los años 60, en el que tener a Giovanni en los créditos suponía una garantía de interés y de éxito cuando el policíaco era uno de los géneros más sólidos del cine francés.
Tuvo una vida ajetreada y compleja, repleta de zonas oscuras. De ella extrajo no pocos elementos argumentales para sus novelas. Su irrupción en el cine fue por la puerta grande: Jacques Becker se fijó en su novela La evasión, en la que Giovanni relataba su estancia en la cárcel –acusado de asesinato y condenado a muerte, aunque la pena capital le fue conmutada por trabajos forzados–, y decidió llevarla a la pantalla. La conexión con el escritor fue inmediata y Giovanni, que había sido contratado como consejero técnico, terminó ejerciendo de coguionista de Le Trou / The Hole (La evasión, 1960). Fue la obra póstuma de Becker y pudo verse en la retrospectiva que el Festival de San Sebastián dedico al director en 2016.
Giovanni publicó La evasión en 1958, año y medio después de salir de prisión. Poco después ya era uno de los escritores incluidos en la prestigiosa Série Noire, la colección de libros policíacos que había ideado Marcel Duhamel en la editorial Gallimard y que marcó una nueva y moderna apreciación de la literatura criminal, incluyendo las traducciones al francés de los clásicos norteamericanos. Su tercera novela, Classe tous risques (1958), dio pie a Classe tous risques / The Big Risk (A todo riesgo, 1960), de Claude Sautet, en la que Giovanni ejerció también de guionista. Y la segunda, Le Deuxième souffle (1958), fue adaptada años más tarde por Jean-Pierre Melville en uno de los títulos clave del polar, Le Deuxième souffle / Second Wind (Hasta el último aliento, 1966). Tanto este filme como el de Sautet, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en 2022, contaron con Lino Ventura, uno de los intérpretes clave del género junto a Jean Gabin y Alain Delon.
Otra de sus novelas del productivo año 1958, L’Excommunié, sirvió de base para Un nommé La Rocca / A Man Named Rocca (Un tal La Rocca, 1961), película protagonizada por Jean-Paul Belmondo y en la que se prolongaba la buena relación con los Becker: fue dirigida por Jean Becker, hijo de Jacques. En 1963 inició como guionista su fructífera colaboración con el director Jacques Deray –(Symphonie pour un massacre / Symphony for a Massacre (Ronda de crímenes, 1963), Rififi à Tokyo / Rififi in Tokyo (Rififí en Tokio, 1963), L’homme de Marrakech / The Man from Marrakech (El hombre de Marrakech, 1966) y Avec la peau des autres / To Skin a Spy (Red siniestra, 1966)–, y tres años después lo hizo con Robert Enrico –Les Grandes gueules / The Wise Guys (Los rufianes, 1966), Les Aventuriers / The Last Adventure (Tres aventureros, 1967) y Ho! / Ho! Criminal Face (¡Ho!, 1968)–. Pero para entonces Giovanni ya barruntaba su paso a la dirección. Debutó tras la cámara con La Loi du survivant / Law of Survival. (La ley del superviviente, 1967), un polar en tiempos bélicos en el que aparecen tres de sus motivos temáticos principales: la Resistencia Francesa durante la II Guerra Mundial, los ambientes de Córcega y la traición.
A partir de este momento, y con la sola excepción de Le Clan des Siciliens / The Sicilian Clan (El clan de los sicilianos, 1969) de Henri Verneuil –obra clave del polar, guion modélico de Giovanni a partir de la novela de Auguste Le Breton y reunión de alto voltaje entre Ventura, Delon y Gabin–, nuestro protagonista se dedicó principalmente a la dirección. Y si bien en sus películas hay rasgos de todos los cineastas con los que trabajó, no tardó en imponer un estilo propio, crudo y directo, adaptándose a sí mismo o a otros escritores, en filmes en los que mostró a asesinos a sueldo, policías de barrio, jóvenes rebeldes enfrentados al sistema, el hampa marsellesa, delincuentes que no pueden reinsertarse en la sociedad, ladrones marginales que viven según sus códigos, robos a gran escala, presidiarios que intentan demostrar su inocencia o buscadores de oro. Un estilo tan agitado como lo fue su propia existencia, muy física y aventurera: por ejemplo, practicó la escalada tanto alpina como urbana, y en una ocasión escaló hasta lo alto de la Torre Eiffel.
De entre los quince largometrajes que dirigió, además de dos filmes para televisión y tres episodios de un par de series, destacan Le Rapace / Birds of Prey (Caza sin cuartel, 1968), Dernier domicile connu / Last Known Address (Último domicilio conocido, 1970) –ambas con Ventura–, Un aller simple / One Way Ticket (La puerta cerrada, 1971), La Scoumoune / Hit Man (El clan de los marselleses, 1972) –con Belmondo, Claudia Cardinale y el actor fetiche de Giovanni, Michel Constantin–, Deux hommes dans la ville / Two Men in Town (Dos hombres en la ciudad, 1973) –con Delon y Gabin compartiendo protagonismo–, Le Gitan / The Gypsy (Alias el gitano, 1975) –producida e interpretada por Delon– y Une robe noire pour un tueur (1981), con Annie Girardot. En sus dos últimas películas, Mon ami le traître / My Friend the Traitor (1988) y Mon père, il m’a sauvé la vie / My Father Saved My Life (Mi padre, 2001) –coescrita con Bertrand Tavernier– reflexionó desde la ficción sobre aspectos determinantes de su propia vida.
Cuando un documentalista descubre una nueva pista perturbadora, la búsqueda desesperada de una mujer por su hermana perdida hace mucho tiempo se convierte en obsesión al darse cuenta de que el demonio imaginario de su infancia puede haber sido real.
La sección Panorama del Festival de Sitges fue concebida con la intención de reunir una serie de títulos que, por logística, no tenían espacio en la Sección Oficial. Con el propósito de ofrecer un tipo de cine independiente más orientado al fantástico, la sección en estos últimos años ha cumplido con relativa solvencia el cometido de detectar virtudes y deficiencias en las propuestas, carencias detectadas en Shelby Oaks, debut en el largometraje del youtuber Chris Stuckmann que pone de manifiesto la supuesta validez de fórmulas y determinadas campañas mediáticas destinadas a embaucar al fandom.
A tal respecto, ni la producción ejecutiva de Mike Flanagan ni la distribución de la cada vez más poderosa NEON legitiman como sello de garantía la indigesta mezcla de formatos, mockumentary, found footage y ficción de una película de nulo pulso visual y atropellada narrativa. En tal sentido, no deja de ser sintomático que su estreno mundial ocurriera hace más de un año en el Fantasia-fest, sufriendo posteriores remontajes y añadidos. La sensación final es la de estar ante una autoría perteneciente a ese grupo de noveles realizadores cuyos conocimientos del cine de terror contemporáneo (las referencias a films como The Blair Witch Project (1999), Session 9 (2001) o Lake Mungo (2008) son evidentes) se limitan a la parte teórica, muy distanciados de una parte práctica consistente.
Un recorrido por diferentes formas de interacción, tensión y transgresión entre imagen y lenguaje en el cine experimental.
La palabra ha mantenido desde sus inicios una estrecha relación con la imagen; una relación muy anterior al cine pero que, con su llegada, se convierte en plena en la confluencia entre las dos. Pronunciada, escrita, invocada o filmada, la palabra se hace imagen; y la imagen, con la incorporación del sonido sincronizado y la liberación de la función narrativa del intertítulo, amplía esta proximidad hacia un abanico de nuevas posibilidades. El cine experimental recoge este legado y se pregunta: ¿hasta dónde se puede estirar la naturaleza de esta afinidad?
Este curso plantea un recorrido que explora distintas formas de interacción, tensión y transgresión entre imagen y lenguaje. No se trata tanto de describir un eje evolutivo como de observar una serie de desplazamientos posibles a través del trabajo particular de algunos cineastas de referencia (dentro del contexto europeo y anglosajón) como Guy Sherwin, Johan van der Keuken, Danièle Huillet i Jean-Marie Straub, Margaret Tait, Su Friedrich y Derek Jarman, entre otros.
20 de octubre de 2026 Escrito en la pantalla. Enrico Camporesi
En el mundo del cine, los textos en pantalla ocupan fundamentalmente espacios liminares (los créditos iniciales o finales), intersticios (los intertítulos del cine mudo) o la periferia de la pantalla (como en el caso de los subtítulos). El radio de acción de estos textos viene determinado, sobre todo, por su función (comunicativa o narrativa). En pantalla, la palabra escrita parece un extra, un añadido, un complemento, un apéndice. Pero ¿qué pasa en el cine que explora los márgenes? Las películas experimentales o de autor tienden a invertir la relación entre el centro y los márgenes situando en primer plano el texto que se proyecta en pantalla.
*Sesión en inglés con traducción simultania al catalán.
27 d’octubre de 2026 Imágenes y palabras cerca del corazón salvaje. Renan Camilo
«La libertad que sentía a veces. No venía de reflexiones nítidas, sino de un estado hecho como de percepciones excesivamente orgánicas para poder ser formuladas a través de pensamientos». (Cerca del corazón salvaje, Clarice Lispector)
A partir de la materialidad fílmica de Guy Sherwin y Johan van der Keuken, y la poética de Lispector, reflexionaremos sobre la curiosidad radical de la infancia, cuando la imagen es una experiencia sensorial arraigada en el cuerpo, y el significado de las palabras se difracta entre luces y sombras. Como decía Van der Keuken, el cine no es un lenguaje en el que ciertas combinaciones de signos cubren ciertas nociones bajo una sintaxis ordenada, sino un medio de amplificación para mostrarlo todo de muchas formas posibles.
3 de novembre de 2026 Subtítulos: lagunas y presencias. Marc Torres Vallverdú
La paradoja de los subtítulos radica en el hecho de que, más allá de su función de traducción o adecuación lingüística, introducen una nueva capa de escritura dentro de la imagen cinematográfica. Los subtítulos orientan inevitablemente la mirada, desvían la atención del cuadro y tienden a hipertrofiar el sentido de las palabras por encima de otros elementos esenciales del cine: la textura de la voz, el ritmo, el silencio o la composición visual. Lejos de ser un elemento neutro o accesorio, constituyen una forma adicional de la escritura cinematográfica, y por tanto una cuestión estética y política que hay que pensar y potencialmente tensionar. La charla tomará como caso paradigmático el trabajo de Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, que extendieron su radicalidad formal a la cuestión de los subtítulos, así como otras prácticas vinculadas a la tradición del cine experimental y documental.
10 de novembre de 2026 La eclosión de una amapola. La poesía en el cine de Margaret Tait. Mireia Montané Guitart
Margaret Tait, poeta y cineasta escocesa, escribía por la misma razón que hacía películas: porque era una forma de prestar atención al mundo, de permanecer al lado de las flores, del barrio, de la madre, del estudio, del mar; de observarlos hasta hacer emerger de ellos la amplificación poética, una especie de verdad inefable a la que ella llamaba «el latido de las cosas».
En esta sesión veremos las particularidades de su lenguaje poético y cinematográfico, así como la disolución de sus límites mediante un compromiso paciente y delicado con el instante presente, en el espíritu del famoso verso de T. S. Eliot: «I have measured out my life with coffee spoons».
17 de novembre de 2026 Hacer temblar las palabras. El cine como ejercicio de lectura. Manuela Gutiérrez
En un cartel del grupo activista LSD, impreso durante la década de los noventa, leemos: «Hay motivos para hacer temblar las palabras, porque en nuestro principio estaba la acción». En la literatura producida desde la militancia queer aparece un deseo manifiesto de generar un nuevo lenguaje. Desde El sueño de una lengua común, de Adrienne Rich, hasta los numerosos textos traducidos y difundidos en los fanzines de las LSD, reaparecen las mismas preguntas: ¿es posible crear un nuevo lenguaje? ¿Podemos romper las palabras hasta que signifiquen lo que queremos decir? Partiendo de cineastas como Su Friedrich, Derek Jarman o Lesley Loksi Chan, esta sesión propone pensar cómo este deseo de generar un nuevo alfabeto se manifiesta en el cine de la disidencia sexual, atendiendo a las múltiples formas en las que la imagen convierte la sala de cine en un ejercicio de lectura.
24 de novembre de 2026 La palabra como única imagen. Marta Azparren
Un recorrido por algunas películas sin imagen o monocromas (cine ciego) donde la única imagen posible es la palabra. Una palabra escrita o hablada que actuará como disparador de los fotogramas de una película propia que siempre será interior. Siguiendo un inventario de nombres para lo que no puede ser visto (invisible, borrado, absente, inmaterial, censurado, vaciado, inconcebible…), encontraremos expresiones en el umbral de lo que consideramos cinematográfico, que, atravesadas por la palabra, llegan donde no puede hacerlo la imagen puramente visual.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer adelanto, en forma de un breve teaser tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del último trabajo tras las cámaras del realizador japonés Takashi Miike titulado Bad Lieutenant: Tokyo. La película, una nueva actualización del film de Abel Ferrara Bad Lieutenant (1992), que en el año 2009 tuvo un remake dirigido por Werner Herzog, (Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans), tendrá su estreno mundial en la próxima edición del Festival de Toronto.
En Bad Lieutenant: Tokyo vemos como un policía de Tokio adicto al juego y un agente del FBI buscan a la hija desaparecida de un político. Mientras tanto, un misterioso asesino acecha en el submundo criminal, vigilando todos sus movimientos.
La película, con guion a cago de Daisuke Tengan, está protagonizada por Shun Oguri, Lily James, Liv Morgan, Shôtarô Mamiya, Jun Kunimura, Hiroshi Tachi y Nanase Nishino.
‘El mal hijo’, ópera prima de Jaime Lorente, inaugurará la sección, mientras que ‘Florid’, debut en el largometraje de Billy Lumby, será la encargada de clausurarla
Cineastas de Alemania, Bulgaria, Chile, Corea del Sur, España, Irán, Japón, Kazajistán, México, Noruega, Reino Unido, Ucrania y Taiwán presentarán sus primeros y segundos largometrajes en la sección New Directors. El mal hijo / The Bad Son, ópera prima de Jaime Lorente será la encargada de inaugurar la sección, mientras que Florid, el debut en el largometraje de Billy Lumby, será la encargada de clausurarla. Los catorce títulos competirán por el Premio Kutxabank-New Directors durante la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará entre el 18 y el 26 de septiembre.
Billy Lumby (Londres, 1980) presenta su primer largometraje, Florid, en el que un joven intenta equilibrar sus problemas mentales, la medicación y las drogas, con sus ambiciones musicales. El cineasta y guionista británico se lanza al formato largo tras cosechar reconocimientos por sus cortometrajes Suspended Animation (2009), Gold View (2012) o Samuel-613 (2015), con el que fue nominado a un premio BAFTA.
Naëmi Ada (Tübingen, 1994) estrena su ópera primaBody of Glass.El filme cuenta la historia de una joven bailarina que comienza a llevar una vida paralela tras un enfrentamiento con su novio, al que le une una relación tóxica. Antes de estudiar cine y dirigir cortometrajes y obras experimentales, la realizadora alemana se formó en el campo de la danza contemporánea.
Tras mostrar su ópera prima, Lluvia (2023), en varios festivales como Málaga, Miami, Morelia, La Habana o Los Ángeles, Rodrigo García Saiz (Ciudad de México) estrena en San Sebastián Morro. Su segunda película está ambientada en un pueblo mexicano, donde un veterinario, tras la muerte de su hijo, cura al perro de un capo local, de modo que entre ambos se genera un vínculo atravesado por el duelo no resuelto.
La cineasta noruega afincada en Dinamarca Marlene Emilie Lyngstad (Oslo, 1997) debuta en el largometraje con Cute, la historia de un hombre preocupado por sus sentimientos prohibidos, que se niega a vivir con su novia y su hija. Entre los cortometrajes previos dirigidos por Lyngstad destacan Norwegian Offspring (2023), ganador del primer premio de La Cinef, la sección del Festival de Cannes que acoge trabajos presentados por escuelas de cine.
The Ballet Lesson es la segunda obra del director japonés Kazuya Murayama (Ishikawa, 1982) después de Torao (2021). El filme acompaña a un exsoldado ruso en su regreso a Japón en busca de sus hijos, que tienen doble nacionalidad, para llevarlos con su madre, una bailarina de ballet japonesa.
Con experiencia previa como ayudante de dirección y directora de arte, la realizadora kazaja Ayana Nurdinova (Almatý, 1995) presenta su ópera prima. Mugalim está protagonizada por un profesor de música que sueña con abandonar la pequeña localidad de Balkhash, pero que en el camino entiende que la música es igual de importante en todas partes.
El cineasta iraní Massih Parsaei (Teherán, 1992) debuta con Lovers Sleep Alone, una película que fue seleccionada el año pasado en WIP Europa. El filme retrata la vida de un joven exiliado iraní que malvive con trabajos precarios en Berlín. Su único vínculo es con un hombre con el que mantiene sexo esporádico en un parque, hasta que un día recibe la visita de su prima de Teherán a la que apenas conoce.
Ri Guang / Will You Still Be My Friend, es la opéra prima de Lu Po-Shun (Taiwán, 1992). Ambientada en una aldea rural de Taiwán inmersa en un conflicto en plena escalada, plasma la lucha de un joven por conservar la amistad con su mejor amigo, criado en Singapur.
Hristo Simeonov (Bulgaria, 1985) debuta en el largometraje con Obuvkite na bashta mi / My Father’s Shoes. El filme acompaña a una joven y a su madre que deben enfrentarse al reconocimiento del cuerpo sin vida de su padre y marido, de quien estaban distanciadas hacía tiempo.
El director Thomas Woodroffe (Santiago de Chile, 1995), que actualmente cursa el máster de Archivo en la Elías Querejeta Zine Eskola, estrena Bloques erráticos / Erratics. Su primer largometraje narra la historia del fantasma del cineasta Lucien Castelnau que, después de ser liberado de un glaciar tras cien años de cautiverio, deambula por una Patagonia futurista, donde el progreso tecnológico colisiona con historias olvidadas. Su cortometraje Fiebre austral / Austral Fever (2019) obtuvo una mención especial del Premio Nest y se exhibió también en los festivales de Venecia y Toronto.
Después de lograr distintos premios en Busan y Rotterdam con su ópera prima Nam-mae wui Yeo-reum-bam / Moving On (Hermanos en una noche de verano, Perlak, 2020), la directora surcoreana Yoon Dan-bi (Gwangju, 1990) estrenará en San Sebastián su segundo largometraje, The World Before. La producción cuenta la historia de Jin, una joven que vive inmersa en la tranquilidad de una isla remota con su abuela. Tras la muerte de la anciana, Doojae llega a la isla y entre ambos surge una intimidad inesperada.
Todas las películas, además de las producciones españolas ya anunciadas, como Esta soledad / This Solitude, de Javier Giner; El mal hijo / The Bad Son, de Jaime Lorente, que inaugurará la sección, ySieben Tage Februar / February, Seven Days, de Tatjana Moutchnik, optan al Premio Kutxabank-New Directors, dotado con 50.000 euros repartidos a partes iguales entre la directora o el director y la distribuidora de la película en España. Dicho reconocimiento está patrocinado por Kutxabank, colaborador oficial del Festival. Además, los trabajos correspondientes a la sección de New Directors optan también al Premio DAMA de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
El Festival de San Sebastián cuenta desde hace más de cinco décadas con una sección dedicada a primeras y segundas películas de sus cineastas, lo que demuestra la apuesta decidida por los nuevos talentos. El certamen donostiarra ha apoyado en sus inicios a cineastas como Olivier Assayas, Nicolas Winding Refn, Jonathan Glazer, Luicile Hadzihalilovic, Bong Joon-ho, Isabel Coixet, Walter Salles o Kevin Smith. Concretamente, las películas seleccionadas el año pasado en esta sección cosecharon cerca de medio centenar de premios y nominaciones tras su paso por San Sebastián.
Intérpretes: Miguel Ángel Puro, Susi Sanchéz, Hugo Arbués, Óscar de la Fuente, Abel de la Fuente
Inauguración
Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, éste se ve obligado a irse a vivir con su abuela a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece haberse detenido, el niño aprenderá cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación, y luchará a medida que crece por intentar sanarlas
Intérpretes: Jonathan Jules, Saskia Chana, Unknown T
Clausura
Jamal, diagnosticado con esquizofrenia, vive en una residencia junto a otras personas con problemas de salud mental. Frustrado por los efectos secundarios de su medicación, deja de tomarla, lo que provoca que las voces que oye se vuelvan más frecuentes e intensas. Con un estado de ánimo cada vez más inestable, Jamal entabla amistad con Kyla, otra residente. Sin embargo, a medida que las voces se intensifican, Jamal debe enfrentarse a la difusa línea que separa la realidad de los sucesos que vivió su familia en el pasado para lograr reconciliarse con esas voces.
País(es) de producción: Chile – Francia – Argentina
Intérpretes: Denis Lavant, Daniel Muñoz
Liberado de un glaciar tras cien años de cautiverio, el fantasma del cineasta Lucien Castelnau deambula por una Patagonia futurista, donde el progreso tecnológico colisiona con historias olvidadas. Incapaz de encontrar descanso mientras su legado cinematográfico permanece invisible, atraviesa un mundo que lo ha borrado de la memoria, en busca de un lugar en la historia y de la audiencia, que finalmente pueda devolver la vida a su obra perdida
Intérpretes: Soma Pysall, Elise Tilloloy, Manuel Severin, Younès Boucif
Tras un violento incidente con Felix, la bailarina Tian huye de su controladora pareja y de la vida que compartían en Marsella. Aislada y desesperada por conectar con alguien, se infiltra en el grupo de duelo de un joven al que nunca conoció, haciéndose pasar por su novia secreta. Mientras se ve envuelta en el dolor y el afecto de ese círculo, oculta una peligrosa verdad: Felix permanece cautivo y atado en el apartamento. Cuando las mentiras, el duelo y la realidad chocan entre sí, Tian debe decidir si romper el ciclo.
País(es) de producción: Dinamarca – Suecia – Noruega
Intérpretes: Jan Gunnar Røise, Gina Jaqueline , Karin Bertling, Kitt Maiken Mortensen, Molly Kirk Rasmussen
Atormentado por los sentimientos prohibidos que alberga hacia su hijastra, que tiene siete años, Richard decide dejar a su novia para refugiarse en la casa donde creció y reformarla antes de venderla. Pero el retiro que se ha autoimpuesto se ve perturbado por la presencia de Stella, la aniñada cuidadora de su madre. Pronto descubre que lleva una doble vida como camgirl, haciendo de Lolita, y empiezan una relación transgresiva, como si fueran padre e hija, que se hace añicos cuando la hijastra a la que abandonó, retoma el contacto
Intérpretes: Oriol Pla, Marina Salas, Gemma Martínez, Kai Etxaniz, Itziar Lazkano
Leo y Lorea se han querido. Quizá se siguen queriendo. Pero algo en ellos se ha roto. Su relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad y una desconexión emocional que le pesa. Ella, enredada entre trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien por dónde empezar. Son dos cuerpos cansados y solos, atravesados por lo precario, por lo no resuelto, por la herencia emocional de una generación que parece llegar siempre tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la madurez, a la calma, a la satisfacción personal.
Intérpretes: Pooyesh Frozandeh, Ava Darvishi, Marcel Kohler, Wolfgang Wobéto
WIP Europa 2025
Iman ha construido su vida en Berlín en torno a la ausencia: la de su familia, la de Irán y la de ser conocido por los demás. Llena el silencio con trabajo, historias inventadas y noches junto a un hombre con quien se cita en el parque para tener sexo. Cuando su prima, a quien apenas conoce, llega de Teherán para una breve visita, aquello que había dejado atrás regresa silenciosamente a su vida.
Intérpretes: Gustavo Sánchez Parra, Anna Diaz, Ernesto Meléndez
Mateo es veterinario en un pequeño pueblo. Desde la muerte de su hijo, su vida transcurre entre rutinas silenciosas y una culpa que permanece sin nombre. La violencia del lugar no irrumpe: se mantiene latente, como un eco constante. Ese equilibrio frágil se ve alterado cuando Mateo debe curar a Morro, el perro herido de un capo local. En el cuidado cotidiano del animal surge un vínculo inesperado: una relación sin juicio ni palabras, que devuelve el sentido a la vida de Mateo.
Intérpretes: Oljas Dalelkhan, Rustem Zhanyamanov, Shynar Janysbekova, Olga Landina, Gulnara Dusmatova, Akif Petrov, Madina Yesmanova, Anna Starchenko, Ruslan Duysembekov
Zhandos, un apreciado profesor de música que vive en la pequeña ciudad de Balkhash, sueña con mudarse a una gran ciudad. La escuela hace la vista gorda ante sus trabajos extra, pero cuando llega un mecenas nostálgico de su ciudad natal, a Zhandos se le presenta la oportunidad de marcharse. En ese momento, debe decidir qué es más importante: el arte que lleva dentro o su papel en el arte.
Mima ha crecido con la ausencia de su padre y una madre inflexible, Boyka. Cuando llega la noticia de la muerte de su padre y el cadáver regresa al pueblo, reconocerlo se convierte a la vez en un deber y un dilema. Mientras Boyka se niega a ver en esas condiciones al hombre que una vez amó, madre e hija se ven obligadas a encarar un pasado silenciado, y Mina debe decidir qué significa tener que llevar una vida que nunca eligió.
Intérpretes: Jaden Wang, Aloysius Looi, Lung Tien Hsiang, Lu Yi-Ching, Andie Chen, Kate Pang
En medio de un conflicto cada vez más intenso en un pueblo de Taiwán, un chico lucha por proteger la amistad secreta que mantiene con su mejor amigo, criado en Singapur, mientras los enfrentamientos entre los adultos amenazan con separarlos. Al mismo tiempo, empieza a cuestionarse en silencio la verdadera naturaleza de los sentimientos que alberga hacia su colega.
Dos concepciones diferentes de la identidad familiar entran en conflicto cuando un hombre de Odesa y su hijo visitan a su hermano en Alemania para asistir el funeral de su madre en la víspera del estallido de la guerra de Ucrania.
En una ciudad de provincias japonesa, los hermanos Nikita y Nina, de ascendencia nipona y rusa, llevan una vida aislada junto a sus abuelos rusos. Solo conocen a sus padres ausentes a través de los relatos que han oído sobre ellos. Cuando su padre, Nikolai, regresa de forma inesperada, emprende con ellos un viaje en busca de su madre, Yuki, una bailarina de ballet japonesa. En el camino, los niños descubren nuevos paisajes, encuentros fugaces y los frágiles vínculos que unen a una familia.
País(es) de producción: Corea del Sur – Japón – Francia
Intérpretes: Su-bin Sim, Eo-jin Kim
Jin tiene 17 años y nunca ha salido de la isla donde nació: un lugar remoto, sin carreteras que la conecten con tierra firme, y donde el mar marca apaciblemente el ritmo de la vida. Cuando Dujae regresa para el funeral de su abuela, se aloja a solas en la casa que dejó atrás. Jin empieza a buscar pequeñas excusas para visitarle y, poco a poco, verle se convierte en parte de su día a día. A medida que avanza el verano, la isla que siempre ha conocido empieza a resultarle ajena; los caminos, el mar y los rostros que la rodean parecen haberse transformado sutilmente. Jin se descubre observando su entorno —y a sí misma— por primera vez. Pero el verano, al igual que todo lo demás en la isla, no durará para siempre.
Esteve Riambau ha ejercido a lo largo de su vida casi todas las labores relacionadas con el séptimo arte: ha sido crítico e historiador del cine, cronista de los más importantes festivales, jurado en diversos certámenes, profesor universitario y también guionista y director. Esta riquísima trayectoria profesional le ha brindado la oportunidad de conocer y entrevistar a grandes realizadores, así como a actores y actrices internacionales, que en estas páginas aparecen con toda su humanidad y sus flaquezas, retratados siempre con ironía, ternura e ingentes dosis de humor. Estas deliciosas memorias comienzan cuando Esteve Riambau organizaba cineclubes de arte y ensayo en los años setenta y culminan con su efectiva gestión al frente de la Filmoteca de Catalunya. Entre ambos periodos, el lector de esta obra disfrutará con este deslumbrante homenaje a grandes protagonistas de la gran pantalla, desde los creadores de la Escuela de Barcelona hasta el glamur de Hollywood pasando por maestros del mejor cine europeo retratados, en algunos casos, desde una entrañable amistad.
A través de material poco visto y durante mucho tiempo olvidado, este documental descubre la maquinaria oculta de la dictadura de Alfredo Stroessner en Paraguay, uno de los regímenes más largos de la historia. Desde la propaganda hasta las emisiones internacionales, la película expone cómo los medios de comunicación dieron forma al poder, controlaron la memoria y construyeron un legado que aún perdura hoy en día.
Presente en la secciónZabaltegi-Tabakalera en el pasado festival de San Sebastian, Bajo las banderas, el sol del debutante Juanjo Pereira, nos muestra el régimen de Alfredo Stroessner en Paraguay entre 1954 y 1989, a través de una vasta recuperación de material propagandístico. Negando el testimonio o la crónica personal, el documental recurre a conceptos cercanos al formato del found-footage a la hora de reconstruir el ascenso, la toma de poder y caída de la dictadura más longeva de Latinoamérica, mediante la maquinaria visual que lo legitimó.
Un detallado ejercicio de arqueología de la imagen política que tiene la virtud de saber utilizar la no ficción como formato narrativo inmejorable para la manipulación de material, en ocasiones, focalizado de forma algo obvia como, por ejemplo, cuando paralelamente superpone las palabras del dictador Alfredo Stroessner loando «las virtudes democráticas» de su mandato con imágenes de la dura represión que ocurría al mismo tiempo en las calles.
Acaba de ser presentada en sociedad de la mano de Black Bear Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la comedia dramática de tono fantástico dirigida por Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson (Save Yourselves! 2020) titulada Wicker. Film basado en el relato corto de Ursula Wills-Jones ‘The Wicker Husband’, que tras su estreno mundial en el pasado Festival de Sundance llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 23 de octubre de 2026.
En Wicker vemos como una solitaria pescadora vive en la periferia de un pueblo costero; es soltera, desaliñada y objeto de constantes burlas por parte de la gente de su alrededor. Un día, cansada de sus estirados y estrechos vecinos, encarga un marido de mimbre para ella.
La película, con guion adaptado a cargo de los propios Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson, está protagonizada por Olivia Colman, Alexander Skarsgard, Peter Dinklage, Elizabeth Debicki, Ella Bruccoleri, Richard E. Grant, Nabhaan Rizwan, Gustav Lindh, Kiell Smith-Bynoe, Marli Siu, Ben Ashenden, Anders Olof Grundberg, Emily Lloyd-Saini, Scott Alexander Young y Daniel Bellus.
La muestra reúne materiales del fondo Eduardo Ducay, recientemente incorporado a las colecciones de Filmoteca Española, y conmemora el centenario de dos figuras esenciales del cine español del siglo XX
La iniciativa Las vitrinas del Doré pone en valor los fondos extrafílmicos como parte fundamental del patrimonio cinematográfico y como fuente para el estudio de la historia del cine
Los espectadores del Cine Doré podrán visitar estos fondos desde el 28 de julio hasta el 25 de noviembre en la antesala de la Sala 1 del Cine Doré
Madrid, 29 de julio de 2026. Filmoteca Española presenta una nueva muestra en el punto expositivo situado en la antesala de la Sala 1 del Cine Doré dedicada a Eduardo Ducay y Francisco Rabal, coincidiendo con el centenario de sus nacimientos y con la reciente incorporación, mediante donación, del fondo documental de Eduardo Ducay a las colecciones de la institución.
La muestra establece un diálogo entre dos trayectorias fundamentales de la cinematografía española y propone una aproximación a la historia del cine a través de los fondos bibliográficos, museográficos y documentales que acompañan a las películas y permiten profundizar en los procesos creativos, profesionales y culturales que las hicieron posibles.
Con esta nueva muestra, Filmoteca Española reafirma la vocación del punto expositivo del Cine Doré como un espacio de encuentro entre los espectadores del cine, las películas y los materiales que las rodean, poniendo en valor unos fondos extrafílmicos esenciales para la conservación, investigación y difusión de la memoria del cine español y para la creación de nuevas lecturas sobre su historia.
Vitrinas del Doré
Inauguradas en 2023, Las vitrinas del Doré ofrecen la posibilidad de descubrir materiales que amplían la mirada sobre las películas y sobre quienes las hicieron posibles: fotografías, guiones, correspondencia, documentos de producción, carteles, programas de mano y otros testimonios que ayudan a reconstruir los procesos creativos, industriales y culturales que forman parte de la historia del cine.
Desde su creación, este espacio ha acogido muestras dedicadas a figuras como José Luis Ozores, Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal, así como selecciones centradas en la prensa cinematográfica española o en la Escuela Oficial de Cine. Estas propuestas expositivas que se articulan en torno a distintas líneas de trabajo, como la recuperación y difusión de la memoria de cineastas e intérpretes, la celebración de aniversarios y centenarios, la presentación de investigaciones vinculadas a sus fondos, las muestras complementarias a las exposiciones temporales organizadas por la institución en sus salas de la calle Magdalena o la puesta en valor de nuevas incorporaciones a sus colecciones.
La muestra que ahora se presenta en estas vitrinas establece un diálogo entre Eduardo Ducay y Francisco Rabal, ambos nacidos en 1926, cuya actividad contribuyó de forma decisiva al desarrollo del cine español contemporáneo. La relación entre ambos nombres permite aproximarse a dos ámbitos complementarios de la creación cinematográfica: la producción y la interpretación, dos dimensiones imprescindibles para comprender la historia de las películas y de quienes las hicieron posibles.
Eduardo Ducay
La reciente incorporación del fondo Eduardo Ducay supone un importante enriquecimiento de las colecciones de Filmoteca Española. Productor, guionista, crítico e impulsor de la cultura cinematográfica, Ducay desempeñó un papel decisivo en la evolución del cine español desde mediados del siglo XX.
Vinculado al cineclubismo y a la reflexión crítica, participó activamente en la renovación de la cultura cinematográfica española y desarrolló una destacada trayectoria como productor, colaborando con algunos de los cineastas más relevantes de su tiempo.
Los materiales procedentes de su fondo ponen de manifiesto el valor de los archivos personales y profesionales como herramientas esenciales para la investigación, conservación y difusión del patrimonio audiovisual. Algunos ejemplos son la nutrida correspondencia con Buñuel, con quien mantuvo una gran amistad -Ducay fue el productor de Tristana-, el plan de rodaje de Padre nuestro, el cuaderno de notas y las fotografías de Carlos Saura para Carta de Sanabria o sus apuntes durante el rodaje de El bosque animado y la fotografía dedicada por José Luis Cuerda.
Francisco Rabal
Francisco Rabal fue uno de los actores españoles de mayor reconocimiento nacional e internacional del siglo XX. A lo largo de más de cinco décadas de carrera trabajó con algunos de los grandes cineastas españoles y europeos, entre ellos Luis Buñuel, Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Carlos Saura o Mario Camus. Su interpretación en Los santos inocentes (1984), por la que recibió el Premio al Mejor Actor en el Festival de Cannes, consolidó una trayectoria marcada por la versatilidad y la excelencia interpretativa.
Esta muestra de fotografías procedentes del archivo personal del actor pone el broche a las actividades organizadas por la institución con motivo del Centenario Rabal, programa que incluyó la celebración del ciclo Francisco Rabal. Cicatriz y memoria, durante los meses de febrero y marzo.
Programación complementaria
La relación entre ambos creadores tiene uno de sus principales puntos de encuentro en Padre nuestro (1985), dirigida por Francisco Regueiro, protagonizada por Francisco Rabal y producida por Eduardo Ducay junto a Julián Marcos. Como complemento a la muestra, el 30 de septiembre, a las 17:30 horas, el Cine Doré acogerá una sesión especial dedicada a la proyección de esta película. Considerada una de las producciones españolas más relevantes de mediados de los años ochenta, Padre nuestro fue seleccionada para la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes y recibió el Gran Premio de las Américas en el Festival Internacional de Cine de Montreal de 1985.
La sesión de homenaje se completará con la proyección del cortometraje El mitin, dirigido por Gloria Carrión, Eduardo Ducay, Bernardo Fernández y Manuel Vicent, un valioso testimonio audiovisual de un momento clave de la Transición española. La pieza recoge la filmación del mitin unitario de los partidos de izquierda celebrado en Valverde del Fresno (Cáceres) el 26 de febrero de 1978, considerado el primero de estas características desde el estallido de la Guerra Civil. De carácter prácticamente inédito, el cortometraje apenas ha tenido oportunidades de exhibición pública. Entre ellas figura la proyección realizada en la Filmoteca de Zaragoza en 2004, dentro de un ciclo de homenaje como cofundador del CineClub de la ciudad y como productor. Tanto en aquella ocasión como en la presente, su recuperación ofrece una oportunidad excepcional para acercarse a un documento que preserva la memoria visual de un acontecimiento histórico y que refleja el proceso de recuperación de las libertades democráticas tras décadas de dictadura.
El director de “Bait”, ganador del BAFTA al mejor debut, firma un inquietante relato de realismo mágico y viajes temporales que formará parte de la sección Rebels del Atlàntida Mallorca Film Fest.
El próximo 31 de julio, Filmin estrena “Rose of Nevada”, la nueva película de Mark Jenkin, uno de los cineastas más singulares y estimulantes del panorama británico actual. La película se presentó en la sección Orizzonti del Festival de Venecia y ha sido seleccionada en Rebels, la sección más arriesgada del Atlàntida Mallorca Film Fest 2026.
Protagonizada por George MacKay (“1917”) y Callum Turner (“Animales fantásticos”), “Rose of Nevada” combina misterio, ciencia ficción y folclore costero en una historia sobre el tiempo, la memoria y las segundas oportunidades. Rodada en 16 mm con el inconfundible estilo artesanal de Jenkin, la película vuelve a demostrar el talento visual del cineasta británico, reconocido internacionalmente tras ganar el BAFTA al mejor debut con “Bait”.
Sinopsis En un olvidado pueblo pesquero, un barco aparece misteriosamente en el puerto. El Rose of Nevada, perdido en el mar con todos sus tripulantes hace 30 años, ha regresado. Para los pocos que lo recuerdan, es una señal: la embarcación debe volver a hacerse a la mar, quizá entonces cambie la suerte de la devastada aldea. Nick acepta un trabajo a bordo del barco en un intento de mantener a su familia. Junto a él, el recién llegado Liam se une a la tripulación, desesperado por escapar de su pasado. Se hacen a la mar y, tras un exitoso viaje, regresan a puerto. Pero algo va mal. Han retrocedido en el tiempo y los aldeanos les reciben como si fueran la tripulación original.
Un cineasta que filma contra las reglas
Desde “Bait”, Mark Jenkin se ha consolidado como una de las voces más personales del cine británico. Fiel al rodaje en celuloide de 16 mm y a un proceso de trabajo completamente artesanal, sus películas convierten las limitaciones técnicas en parte esencial de su lenguaje. «Ruedo en película, pero monto en digital. Vivo en el mundo digital como todos, pero filmo en celuloide porque es la cámara que entiendo. Me encanta su estética y también las limitaciones que impone», explica el director.
Ese método también condiciona la construcción de sus películas. Jenkin rueda con muy poca cobertura y utiliza el montaje para reinventar las escenas: «Muchas veces, cuando llego a la sala de montaje, descubro que no tengo todos los planos que necesito. Me pongo trampas deliberadamente para tener que reconstruir las escenas durante la edición». El resultado es un cine de imágenes rugosas y texturas físicas que convierte cada plano en una experiencia sensorial, donde lo cotidiano adquiere una dimensión casi sobrenatural.
George MacKay y Callum Turner a las órdenes de Jenkin
Al frente del reparto se encuentran dos de los actores británicos más destacados de su generación. George MacKay, protagonista de “1917”, y Callum Turner, conocido por la saga “Animales fantásticos”, coincidieron en señalar el carácter único del proceso creativo de Jenkin.
«Esta película es como un cuadro mezclado con un poema. Al leer el guion podía sentir cada ola, cada golpe y cada sonido. Supe inmediatamente que quería hacerla», afirma Turner. MacKay recuerda, por su parte, que en su primera reunión apenas hablaron de la historia: «Nos pasamos todo el encuentro hablando de otras películas y de su forma de trabajar. Ahí entendí que todo el proceso iba a ser diferente». Jenkin rueda con muy pocas tomas, sin apenas margen para la repetición, obligando a los actores a confiar en el instante y en la precisión de cada interpretación. Un método tan singular como el universo cinematográfico que construye.
Acaba de ser presentada en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora Marie Kreutzer titulado Gentle Monster. La película, un duro drama familiar, tras su estreno mundial en el pasado Festival de Cannes, llegará de la mano de Elástica Films a las salas comerciales de España el próximo mes de marzo de 2027.
En Gentle Monster vemos como Lucy y Philip son felices: acaban de mudarse con su hijo a una casa de campo cerca de Múnich. Una mañana, su vida da un vuelco cuando la policía se presenta en su domicilio para detener a Philip y confiscar sus ordenadores. Conmocionada, Lucy busca la verdad sobre su marido. ¿Quién es realmente? ¿Debe alejarlo de su hijo?
La película, con guion a cargo de la propia Marie Kreutzer, está protagonizada por Léa Seydoux, Jella Haase, Laurence Rupp, Catherine Deneuve, Sylvester Groth, Anton Rubtsov, Katharina Lorenz, Regina Fristch, Raphael Nicholas, Nils Strunk y Jeanne Werner.
· El festival y el director tailandés colaboran en la creación de la imagen de la próxima edición, estableciendo el vínculo entre la identidad del certamen y el universo artístico de uno de los autores esenciales del cine contemporáneo.
· Ganador de la Palma de Oro de Cannes, Weerasethakul se convierte en el primer cineasta internacional en firmar el cartel de la Semana en sus 71 años de historia.
Una obra fotográfica del cineasta y artista visual Apichatpong Weerasethakul protagoniza el cartel de la 71.ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci). Por primera vez en su historia, la imagen del festival estará firmada por un cineasta internacional, una decisión que refuerza su visión global e inaugura el vínculo con el director tailandés.
La elección fue tomada tras un extenso y enriquecedor diálogo con Weerasethakul, incorporando al imaginario del festival la mirada artística de una de las voces esenciales del panorama contemporáneo, donde cine, fotografía e instalación forman parte de un mismo proceso creativo.
La fotografía elegida, Power Boy (Mekong) (2011), integra la figura humana en el imponente paisaje del río Mekong, que en tailandés significa «madre del agua». A lo largo de su trayectoria, Weerasethakul ha representado en numerosas ocasiones este río que recorre gran parte del sudeste asiático, estableciéndolo como símbolo de la memoria personal, y de la relación entre vida, muerte e historia. La imagen comparte con sus películas una cuidada construcción visual y una especial atención a la relación entre la presencia humana, el paisaje y la luz.
PobrelaVaca Studio, la agencia de diseño vallisoletana responsable de la identidad de Seminci desde 2024, será la encargada de desarrollar todas las aplicaciones gráficas del cartel de la 71 edición.
Para los directores de Seminci, Javier H. Estrada y Mariona Viader, la imagen escogida sintetiza muchas de las constantes presentes en la obra del cineasta. «Como su cine, la imagen del cartel es profundamente inspiradora: nace de lo cotidiano y, sin dejarlo nunca de lado, se expande con sencillez y naturalidad hacia lo eterno. De la ligereza se pasa a la trascendencia, lo urbano dialoga con la naturaleza y de una oscuridad reveladora emerge la luz de lo humano», señalan.
Considerado una de las figuras imprescindibles del cine de autor de las últimas décadas, Apichatpong Weerasethakul (Bangkok, 1970) ha construido una filmografía reconocida internacionalmente por la libertad de sus formas narrativas y por una exploración constante de la memoria, el tiempo, la naturaleza y la percepción. Entre los principales reconocimientos de su trayectoria figuran la Palma de Oro del Festival de Cannes por Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas, 2010), el Premio del Jurado por Tropical Malady (2004) y el Premio Un Certain Regard por Blissfully Yours (2002).
Su obra más reciente, Memoria (2021), protagonizada por Tilda Swinton, prolonga esa investigación sobre la escucha y la experiencia sensorial que atraviesa buena parte de su trabajo. La película formará parte del ciclo Una historia del sonido (en el cine), uno de los ejes temáticos del festival.
Esa misma mirada se desarrolla también en su faceta como artista visual. Desde hace más de dos décadas, Weerasethakul presenta instalaciones, videocreaciones y series fotográficas en museos, bienales y centros de arte de todo el mundo, donde amplía, desde otros lenguajes, las mismas cuestiones que atraviesan su cine: la relación entre imagen, sonido, espacio y memoria.
Su obra ha formado parte de algunos de los principales circuitos internacionales de arte contemporáneo, como DOCUMENTA 13 (Kassel, 2012) y la Bienal de Venecia (2019), además de exposiciones individuales y colectivas en instituciones como Haus der Kunst (Múnich), Walker Art Center (Minneapolis), New Museum (Nueva York), Irish Museum of Modern Art (Dublín) y Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.
La elección del cartel da continuidad a una idea que comenzó a desarrollarse durante la preparación de esta edición con José Luis Cienfuegos al frente de la dirección del festival, quien propuso que la imagen de Seminci pudiera surgir de una obra fotográfica. Ese planteamiento encuentra ahora su materialización en una creación de Apichatpong Weerasethakul.
Los directores de Seminci destacan que «es un verdadero honor que Apichatpong Weerasethakul se incorpore a la historia del festival de una manera tan significativa, aportando un elemento fundamental de la identidad de nuestra 71 edición». Ambos destacan también el proceso de trabajo desarrollado junto al cineasta: «Hemos colaborado con él durante meses; nos abrió la puerta de sus creaciones con una gran generosidad y valoramos juntos multitud de opciones hasta llegar a la que consideramos la ideal».
La imagen de la 71 edición, que tendrá lugar del 23 al 31 de octubre de 2026, se ha presentado este martes en un acto celebrado en Espacio Seminci, al que han asistido el alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero, y la concejala de Turismo, Eventos y Marca Ciudad, Blanca Jiménez, además de Mariona Viader y Javier H. Estrada, codirectores del festival.
Francis Ford Coppola (n. 1939) es una figura ineludible y paradigmática de la generación que vino en llamarse el Nuevo Hollywood, de la que también son insignes miembros Martin Scorsese, Brian De Palma, Steven Spielberg, John Milius o George Lucas. Su carácter indómito y su búsqueda de una libertad creativa absoluta le han llevado a una odisea personal que abarca siete décadas de esfuerzo denodado, en las que ha conocido el éxito más arrollador y el fracaso económico más absoluto. Nieto de inmigrantes italianos llegados a los Estados Unidos de América a principios del siglo XX, Francis Coppola destacó ya en la universidad como uno de los directores más prominentes y audaces de su generación antes de convertirse en guionista asalariado y ganar su primer Oscar por el guion de Patton (1970). Su sueño fue siempre poseer su propio estudio y el inconmensurable éxito de El padrino (1972) facilitó poder cumplirlo, así como el gran triunfo de Apocalypse Now (1979). No obstante, el desastre financiero de Corazonada (1981) le obligó a convertirse en un director de encargo durante diez años. El éxito de su Drácula de Bram Stoker (1992) le ayudó a salir de ese abismo y a recuperar su libertad, fuera ya del ámbito de los estudios y consciente de que su legendario legado es el propio de alguien que nunca se dejó doblegar. Francis Ford Coppola: un soñador rebelde representa el primer título de la colección de Kane Ediciones consagrada a dar cuenta de las obras de los directores del Nuevo Hollywood. Se trata de un ensayo que abarca el análisis de cada una de las películas bajo la dirección de Francis Coppola, desde la experimental Tonight for Sure (1962) hasta Megalópolis (2024), el que se revela su canto de cisne.
El autor
ADRIÁN MASSANET nació el 13 de mayo de 1979 en Madrid. Es autor de los libros de cine La genialidad de las series: El canon de las ficciones televisivas, Mad Max: Páramos de fuego y sangre, The Walking Dead: Una epopeya del siglo XXI (2025). Asimismo ha colaborado en numerosos sitios, en los que ha llevado a cabo tareas de crítica cinematográfica, ensayos relacionados con el cine y seguimiento de festivales internacionales, tales como Blogdecine, Hipertextual, La columnata, Making Of. Actualmente colabora en la Revista Contexto CTXT, en la que ofrece ensayos extensos sobre el cine en todas sus formas.
Autor: Adrián Massanet, Editorial: KANE EDICIONES; Páginas: 374
Ali, un profesor universitario en crisis, se enfrenta a la sospechosa muerte de su madre en Turquía. Obsesionado con la venganza, contrata a un enigmático jardinero, Reza, para ejecutar su diabólico plan. Durante la investigación policial, emergerán sombríos secretos familiares que lo llevarán a confrontar la oscuridad de su propia naturaleza.
La sección Noves Visions volvió a erigirse en uno de los apartados más sugerentes del pasado Festival de Sitges, un espacio con vocación por ofrecer contenidos de un marcado tono autoral, poco dado a limitaciones genéricas. A tal respecto, varias fueron las películas que indagaron en el psicodrama como concepto, en mayor o menor medida, cercano al fantástico: The Things You Kill, del cineasta iraní Alireza Khatami, oscuro thriller psicológico que transita por la frustración mental de un individuo y cómo tal malestar nace a consecuencia de un violento legado generacional.
Película sobre masculinidades erráticas y amenazadas socialmente que funciona como una suerte de versión primigenia del Lost Highway de David Lynch, tanto por las disociaciones mentales (y físicas), que vemos en un relato expuesto a medio camino entre la dicotomía y el realismo, como por la imposibilidad de reconocerse a uno mismo.
Sus películas se suman a las tres producciones españolas que también optarán a la Concha de Oro, dirigidas por Roberto Bueso, Mikel Gurrea y Javier Ruiz Caldera
Los nuevos largometrajes de Nicole Garcia, Pablo Larraín, Mike Leigh, Hans Petter Moland, Benjamín Naishtat y Yeşim Ustaoğlu, además de la ópera prima de Maha Harada, competirán en la Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 18 al 26 de septiembre.
La ganadora de un Oscar y Premio Donostia Marion Cotillard y Théodore Pellerin protagonizan 7:40 ce matin-là /Milo, el nuevo largometraje de Nicole Garcia (Orán, 1946), con quien la actriz vuelve a trabajar después Mal de pierres / From the Land of the Moon (El sueño de Gabrielle, 2016). La cineasta, guionista e intérprete francesa estrenará en San Sebastián una historia en la que una mujer sale de prisión y empieza a trabajar de camarera en una cafetería para acercarse a un joven que trabaja en la zona. Garcia participó en el Festival con Un week-end sur deux / Every Other Weekend (Cada dos fines de semana, New Directors, 1990) y algunas de sus películas, como Place Vendôme (1998), L’adversaire / The Adversary (El adversario, 2002) o Amants (Los amantes, 2020), han participado en Venecia y Cannes, entre otros festivales.
Con varios best sellers inspirados en el mundo del arte, como Canvas of Paradise and Guernica Cover up, la escritora y guionista Maha Harada (Tokyo, 1962) debuta como cineasta y optará a la Concha de Oro con Muyou no Hito / In My Father’s Room. Con un guion propio basado en su novela AnUnnecessary Man, la directora japonesa cuenta la historia de la trabajadora de un museo que recibe una misteriosa llave que abre la habitación que en otro tiempo utilizó su fallecido padre.
Pablo Larraín (Santiago de Chile, 1976) regresa con Mis muertos tristes / My Sad Dead, serie que en el Festival será presentada en su formato de largometraje y en cuyo reparto figuran Mercedes Morán, Dolores Fonzi y Carolina Álvarez. La historia, basada en cuatro relatos de Mariana Enriquez, cuenta el caso de Ema, una mujer que puede ver y escuchar a los muertos. Habitual de citas como Venecia, Cannes o Berlín, el director, guionista y productor chileno presentó Spencer, que fue la película sorpresa de 2021, y anteriormente, mostró en Horizontes Latinos obras como Tony Manero (2008), Post mortem (2010) y El club (2015). En Perlak, proyectó No (2012), nominada al Oscar a la mejor película en lengua extranjera, además de Neruda (2016) y Ema (2019).
Tras estrenarse en la Sección Oficial con Hard Truths (Mi única familia, 2024), Mike Leigh (Brocket Hall, 1943)regresa a la competición con Tender Loving Care, un largometraje protagonizado por Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn y Alice Bailey Johnson en el que el cineasta británico continúa su lúcida exploración del mundo contemporáneo. Leigh, nominado al Oscar en varias ocasiones, presentó en Perlak la película con la que logró la Palma de Oro en Cannes, Secrets and Lies (Secretos y mentiras, 1996), además de títulos como Naked (Indefenso,1993), con el que obtuvo el Premio al mejor director en el festival francés; All or Nothing (Todo o nada, 2002); Vera Drake (El secreto de Vera Drake, 2004), ganadora del León de Oro de Venecia, o Happy-Go-Lucky (Happy, un cuento sobre la felicidad, 2008).
El cineasta noruego Hans Petter Moland (Oslo, 1955) volverá a la Sección Oficial con Markens Grode / Growth of the Soil, una historia ambientada en algún lugar del norte de Noruega donde una pareja pone a prueba su amor ante los desafíos que se ciernen sobre ellos. Moland, que ha partido de la novela que el Premio Nobel de Literatura Knut Hamsun escribió en 1917, compitió en la Sección Oficial con su segundo largometraje, Kjærlighetens kjøtere / Zero Kelvin en 1995, con el que logró el Premio Especial del Jurado, y que en 2007 el Festival repuso en la retrospectiva Fiebre helada. El director ha participado en varias ocasiones en la Berlinale, donde presentó Beautiful Country (Un lugar maravilloso, 2004), A Somewhat Gentle man (2010), In Order of Disappearance (Uno tras otro, 2014) y Out Stealing Horses (2019).
Benjamín Naishtat (Buenos Aires, 1986) ganó en 2018 con Rojo la Concha de Plata a la mejor dirección y al mejor actor para Darío Grandinetti, además del Premio a la mejor fotografía. Puan (2023) le valió el Premio a mejor guion escrito junto a María Alché, y la Concha de Plata ex aequo a la mejor interpretación protagonista para Marcelo Subiotto. En esta ocasión, el cineasta opta a la Concha de Oro con la película Glaxo, escrita por el director a partir de la novela homónima de Hernán Ronsino y protagonizada, entre otros, por Lali Espósito, Marcelo Subiotto y Esteban Bigliardi. Transcurre en 1957 en un tranquilo pueblo argentino, donde la llegada de un siniestro excomisario de policía y su seductora esposa fractura el vínculo entre cuatro jóvenes inseparables. Naishtat compitió en Berlín con su debut Historia del miedo / History of Fear (2014), que posteriormente fue programada en Horizontes Latinos. Su segundo largometraje, El movimiento (2015), se presentó en la sección Cineasti del Presente de Locarno. Además, en 2020 ganó el Premio al mejor proyecto del IX Foro de Coproducción Europa- América Latina con su proyecto Pobres Pibes.
Artakalan / What Remains es el título del último largometraje de Yeşim Ustaoğlu (Caykara, 1960), que ganó la Concha de Oro a la mejor película con Pandora’nin Kutusu / Pandora’s Box (La caja de Pandora, 2008), cuya protagonista, Tsilla Chelton, fue reconocida ex aequo con la Concha de Plata a la mejor actriz. En esta ocasión, la cineasta turca cuenta el viaje interior de una poetisa que rompe con el orden asfixiante de su vida para reconectar consigo misma y cuestionarse todo lo que le rodea. Con casi una decena de largometrajes a sus espaldas, Ustaoğlu ha presentado películas como Günese yolculuk / Journey to the Sun (1999) y Araf / Somewhere in Between (2012) en citas como la Berlinale y la Mostra de Venecia, respectivamente.
Estas siete películas se suman a los nueve títulos de Sección Oficial ya anunciados. Entre los largometrajes a concurso figuran El mal padre, de Roberto Bueso; Sants / Saints, de Mikel Gurrea, y 5 minutos más / 5 more minutes, de Javier Ruiz Caldera. La serie El castillo, creada y escrita por Isabel Peña y Eduardo Villanueva, y codirigida por Elena Martín Gimeno y Sandra Romero, se proyectará fuera de concurso. Y, por ahora, la sección completa su programación con las siguientes proyecciones especiales fuera de concurso: Azken Agurra / The Last Goodbye (Último Adiós), de Koldo Almandoz; Ruega por nosotras / Pray for Us, de Daniel Monzón, Sacamantecas / The Harvester, de David Pérez Sañudo y Bajañí, de Fernando Trueba, además de la serie Más allá de la sociedad / Beyond Society, de Carlos Torres.
Intérpretes: Marion Cotillard, Théodore Pellerin, Artus , Laure Calamy, Alexis Manenti, Anne Brochet, Eric Elmosnino, Charles Berling
Alice llega a una tranquila ciudad de provincias y empieza a trabajar en una cafetería, integrándose sin problemas en una vida que no es la suya. Pero no está allí por casualidad, sino por Milo, un joven mecánico de un garaje cercano. Para él, Alice es una forastera. Para ella, él es alguien ligado a un pasado que nunca ha dejado atrás. Cuando empiezan a emerger tensiones ocultas y Milo se adentra en terrenos inciertos, ambos se ven arrastrados a una disyuntiva: ¿se puede reconstruir un vínculo que se rompió hace décadas?
País(es) de producción: Turquía – Francia – Luxemburgo – Bulgaria
Intérpretes: Öykü Karayel, Metin Akdülger, Ali Kayra Kul, İlyas Salman
Una poetisa rompe con una vida asfixiante para volver a entrar en contacto con su consciencia y su voz interior, cuestionando los conceptos tradicionales de familia y sentido de la vida y abriendo así un nuevo camino para ella y su familia.
Intérpretes: Lali Espósito, Marcelo Subiotto, Esteban Bigliardi, Esteban Lamothe, Manu Fanego, Alan Sabbagh
Chivilcoy, 1957. En una tranquila ciudad argentina, la llegada de un siniestro excomisario de policía y su seductora esposa fractura el vínculo entre cuatro jóvenes que son inseparables. Décadas más tarde, el pasado resurge y los obliga a enfrentarse a viejas heridas, la culpa y a la posibilidad de vengarse, en un país que ha perdido su inocencia.
País(es) de producción: Noruega – Dinamarca – Alemania
Intérpretes: Herbert Nordrum, Asta Kamma August, Gard B. Eidsvold
Un desconocido aparece tras las montañas, cargando con poco más que su propia determinación. Isak, un hombre sin pasado, busca un lugar donde asentarse y labrarse una vida trabajando la tierra. Más allá del límite del bosque, encuentra una extensión de terreno baldío, tan hostil como prometedora. La tierra lo lleva al límite, hasta que conoce a Inger, una mujer solitaria forjada por la resiliencia, discreta y silenciosa. Juntos desafían a los elementos y construyen una vida, cultivando la tierra y criando a su familia, que crece al compás de las estaciones. Sin embargo, a medida que pasan los años y el mundo los asfixia, el tiempo, las adversidades y el deseo los transforman
Basada en la obra de Mariana Enriquez y dirigida por Pablo Larraín, Mis muertos tristes sigue a Ema, quien puede ver y escuchar a los muertos. Tras la muerte de su madre, Ema recibe la inesperada visita de su sobrina Julie, con quien comparte el mismo inquietante don. Con el regreso de Julie emergerán secretos familiares y heridas que nunca terminaron de sanar; pero también un extraño fenómeno del que nadie saldrá ileso. Todo el barrio sentirá presencias y el particular sonido de sus propios muertos.
Intérpretes: Yu Aoi, Issey Ogata, Eita Nagayama, Eri Watanabe
Satomi trabaja en un museo de arte cuando recibe un sobre que contiene una misteriosa llave. Abre una habitación cuya existencia desconocía que perteneció a su padre, fallecido en soledad un mes antes. Bajo la influencia de ese pequeño objeto, rememora sus últimos días: un hombre que aparentemente había sido marginado por la sociedad pero que se refugiaba en su devoción silenciosa por la palabra, el arte del té y la belleza sutil. Siguiendo el rastro de su soledad, Satomi descubre lentamente el apacible encanto del mundo de su padre.
País(es) de producción: Reino Unido – EEUU – Singapur
Intérpretes: Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn, Alice Bailey Johnson
Mike Leigh, ganador de la Palma de Oro del Festival de Cannes y nominado al Óscar, regresa con un nuevo largometraje que continúa su lúcida exploración del mundo contemporáneo.
«Cinema 3/99», la propuesta de cine familiar del CCCB, presenta una selección de nueve cortometrajes para todos los públicos con la danza (sui generis) como protagonista. El programa ha sido concebido en esta ocasión en colaboración con el centro de creación de danza La Caldera.
Si nos fijamos bien, todo baila, todo, incluso aquello que pensamos que no: plantas, tijeras, piedras, avestruces, filetes, edificios… A veces solo es cuestión de mirarlos más de cerca, o más despacio o más deprisa, o con otros ojos.
A Chairy Tale (Norman McLaren & Claude Jutra, Canadá, 1957, 10’) Los objetos empiezan a rebelarse: esta silla no es para sentarse.
Dancing Birds (Smac McCreanor, Estados Unidos, 2020-2026, 4’36’’) Cuando no están volando, los pájaros nos enseñan a bailan mejor que nadie.
Dialogues (Lisa Jahovic, Reino Unido, 2024, 3’40’) ¿Sabes bailar ballet? Hay camisas que sí.
Meat Love (Jan Švankmajer, Checoslovaquia, 1’) Un amor muy carnal…
Matrioska (Co Hoedman, Canadá, 4’) Puedes bailar pequeño, puedes bailar grande, todo encaja al final.
Spring City (Jeff Scher, Estados Unidos, 2011, 2’) ¿Quién dijo que una ciudad no puede bailar?
Peas and Cues (Percy Smith, Reino Unido, 1930, 1’) Las plantas bailan tango cuando no las miras.
Ballet Burlón (Fermí Marimón, España, 6’15’’) Imposible aburrirse en esta oficina al compás de un compás.
LITTERED MVMNTS (Shoji Yamasaki, Estados Unidos, 2026, 2’) Vamos a bailar con la basura (pero hay que recogerla después).
Game With Stones (Jan Švankmajer, Checoslovaquia, 1965, 8’30’’, fragmento 1’) Te quedarás de piedra viendo cómo se mueven estas piedras.
Hidrogenesse: se malogró (Darío Peña, España, 2019, 4’) Cuando todo se estropea, mejor seguir bailando.
A Chairy Tale y Matrioska, procedentes del National Film Board of Canada. Dancing Birds, cortesía de Smac McCreanor. Dialogues, cortesía de Lisa Jahovic. Meat Love yA Game with Stones, procedentes de Athanor. Spring City procedente de Lightcone. Ballet burlón, procedente de la Filmoteca de Catalunya. LIITTERED MVMNTS cortesía de Shoji Yamasaki. Videoclip Se malogró de Hidrogenesse, cortesía de Darío Peña.
Cinco años después de Las leyes de la frontera Daniel Monzón vuelve a indagar en la reciente historia de España con Ruega por nosotras, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que toma su título de uno de los ensayos escritos por Consuelo García del Cid, tras su paso por el Festival de San Sebastián, llegará a los cines de nuestro país de la mano de Elastica Films el próximo 6 de noviembre de 2026.
Ruega por nosotras nos sitúa en el año 1974. Ana tiene 19 años, vive en Barcelona y es -a ojos de su acomodada familia- una chica rebelde. Tras una fuga nocturna, su padre decide ponerla en manos del Patronato de protección a la Mujer, institución especializada en “mujeres caídas o en riesgo de caer”. Ana es trasladada a Madrid para ser internada en un reformatorio regentado por monjas y sometida a un brutal régimen disciplinario. Allí tratará de sobrevivir buscando consuelo y apoyo en la amistad de otras chicas en su misma situación, especialmente la de Sole, una chica de pueblo con una vitalidad contagiosa que conecta al instante con ella. Esa luminosa amistad será lo que mantendrá a Ana a flote.
La película, con guion a cargo del propio Daniel Monzón junto a Jorge Guerricaechevarría, está protagonizada por Zoe Bonafonte, Manuela Calle, Carla Domínguez, María Gandiaga, Shiara Fernández, Adelfa Calvo, Malena Gutiérrez, María Cerezuela, Belén Cruz, Xavi Sáez, Bea Segura, Lara Boedo, Natalia Braceli, Laura Iturregi, David Pugès, Berta Rabascall, Nathan Radley Ramos y Adrián de Núñez.
Ganador de la Palma de Oro de Cannes y referente para generaciones de cineastas, su cine retrató los conflictos, las fronteras y las transformaciones de la Europa del siglo XX.
El 31 de julio, Filmin incorpora por primera vez la filmografía completa de Theo Angelopoulos, una de las voces más personales y decisivas del cine europeo de las últimas décadas, en nuevas restauraciones en 4K y 2K que permiten redescubrir la obra del director griego. Este ciclo se enmarca dentro de la programación de la 16ª edición del Atlàntida Mallorca Film Fest, en cuya edición presencial, además, se proyectarán cinco títulos de la filmografía de Angelopoulos.
Desde los paisajes brumosos de “Paisaje en la niebla” (1988) hasta el viaje de “La mirada de Ulises” (1995) o la despedida de “La eternidad y un día” (1998), el cine de Angelopoulos exploró algunos de los grandes temas de la Europa contemporánea: las fronteras, los desplazamientos, la memoria histórica y las consecuencias de los conflictos políticos sobre la vida cotidiana.
El gran poeta del cine europeo
Pocos cineastas han filmado Europa con la lucidez, la melancolía y la ambición de Theo Angelopoulos. Sus películas recorren las fronteras físicas y emocionales del continente: el exilio, la inmigración, la memoria histórica, las guerras de los Balcanes o la búsqueda de un hogar. A través de largos planos secuencia y una puesta en escena de precisión casi coreográfica, el director griego construyó un lenguaje cinematográfico inconfundible que convirtió el tiempo y el paisaje en protagonistas de sus historias.
Heredero de la tragedia griega y profundamente marcado por la historia convulsa de su país, Angelopoulos entendía el cine como una forma de resistencia y de reflexión colectiva. Sus películas, atravesadas por la poesía, la política y la memoria, dialogan constantemente con el pasado para interrogar el presente.
Angelopoulos fue una figura decisiva para varias generaciones de cineastas; de hecho, su influencia puede rastrearse en buena parte del cine contemplativo contemporáneo. Sus imágenes –envueltas en niebla y acompañadas por la música de Eleni Karaindrou– siguen siendo algunas de las más reconocibles y evocadoras del cine europeo de los últimos cincuenta años.
El cineasta griego más influyente
Asimismo, Theo Angelopoulos ocupa un lugar central en la historia del cine europeo. Considerado el cineasta griego más influyente y reconocido internacionalmente, desde “Reconstrucción” (1970) hasta “La eternidad y un día” (1998), su cine fue construyendo una de las obras más coherentes y reconocibles de la cinematografía contemporánea. Colaboró con figuras como el novelista Petros Markaris y el legendario guionista italiano Tonino Guerra, dirigió a actores como Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau, Harvey Keitel, Willem Dafoe o Bruno Ganz, y encontró en la música de Eleni Karaindrou una compañera indispensable para dar forma a ese universo suspendido entre la historia y lo onírico.
Su prestigio internacional alcanzó una nueva dimensión con “La mirada de Ulises” (1995), una extraordinaria travesía por los Balcanes en guerra que obtuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes y confirmó a Angelopoulos como una de las voces imprescindibles del panorama. Tres años después, tras cuatro intentos fallidos, recibiría finalmente la Palma de Oro por “La eternidad y un día”, culminando una trayectoria reconocida también con el León de Oro de Venecia y numerosos galardones en los principales festivales internacionales.
Más allá de los premios, su legado permanece en un cine paciente y profundamente humanista que continúa dialogando con el presente.
Tras su aclamada El hijo de Saúl (2015), el realizado húngaro László Nemes vuelve a fijar su mirada en la Segunda Guerra Mundial con Moulin, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis visionar a final de página junto a su póster oficial. Tras su premiere mundial en el pasado Festival de Cannes, Moulin llegará de la mano de BTeam a las salas comerciales de nuestro país el próximo 20 de noviembre.
La película nos muestra como Jean Moulin se lanzó en paracaídas sobre la Francia ocupada para unificar a los combatientes de la Resistencia francesa bajo el mando del general De Gaulle. A pesar de sus esfuerzos por mantenerse en la clandestinidad, Moulin fue traicionado y entregado a la Gestapo en Lyon, dirigida por el despiadado Klaus Barbie. Torturado sin piedad, jamás se doblegó. Su firme silencio contribuyó a fortalecer a las fuerzas de la Resistencia e infundió un nuevo espíritu de lucha y libertad en Francia.
Moulin, con guion a cargo de Olivier Demangel, está protagonizada por Gilles Lellouche, Lars Eidinger, Louise Bourgoin, Marcin Czarnik, Félix Lefebvre, Hortense Quentin de Gromard, Théo Costa Marini, Pierre Nisse, Christian Harting, Cser Kinga, Hans Peterson y Uwe Lauer.
Los Monty Python no han pasado a la historia solo por haber hecho reír a varias generaciones, sino por haber cambiado desde dentro la manera misma de entender la comedia. Bajo la apariencia de sketches inconexos, humor absurdo y provocación constante, lo que estaba en juego era una inteligencia incómoda, capaz de tensar el lenguaje, ridiculizar la autoridad y poner en evidencia las contradicciones de toda una época. Lo que parecía una sucesión de bromas imposibles terminaba revelándose como una forma nueva de mirar el mundo. Este ensayo se adentra en ese territorio para ir más allá del recuerdo y la admiración. A través de sus orígenes, sus influencias y el contexto cultural que los hizo posibles, Ross Goose reconstruye las claves de un fenómeno que no puede entenderse solo desde el entretenimiento. Desde sus raíces académicas hasta la influencia que ejercieron en la comedia posterior, traza un recorrido entre tradición y ruptura, y muestra cómo el disparate puede convertirse en una herramienta crítica. Lejos de la nostalgia, estas páginas invitan a mirar de nuevo aquello que creíamos conocer y recuerdan que, a veces, la única manera de decir algo serio es no tomarse nada demasiado en serio.
Autor: Ross Goose, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 540
En 2009, un hombre y dos cómplices intentan desalojar a los miembros de la comunidad indígena de Chuschagasta, en el norte de Argentina. Reclamando la propiedad de la tierra y armados con pistolas, matan al líder de la comunidad, Javier Chocobar. El asesinato queda grabado en vídeo. Tras nueve años de protestas, en 2018 se abre finalmente un proceso judicial. Durante todo este tiempo, los asesinos siguen libres. La película combina las voces y fotografías de la comunidad con imágenes de los tribunales para explorar la larga historia de colonialismo y despojo de tierras que condujo a este crimen.
Uno de los puntos álgidos de la sección Horizontes Latinos del pasado Festival de San Sebastián vino de la mano de Nuestra tierra de Lucrecia Martel, primer trabajo de no ficción de la responsable de Zama, que recrea el crimen, y posterior juicio, de un líder indígena de Chuschagasta a manos de un terrateniente y dos expolicías. A través de una premisa basada en nociones cercanas al true crime, el asesinato queda registrado en dispositivos móviles.
Gracias a curiosos apuntes técnicos como el manejo de los drones para intentar contextualizar el espacio en disputa, Lucrecia Martel orquesta un estimulante discurso sobre las grietas sociales de la actual Argentina con relación al patrimonio territorial, y cómo este es puesto en tela de juicio mediante dudosos sistemas legales. Lúcida reflexión sobre una lógica histórica, expandida a una investigación de carácter etnológico que indaga en una memoria colectiva marcada por el expolio a través de una mirada a los orígenes, al recuerdo comunitario y al concepto de una pertenencia moral. Un espléndido ejercicio de cine político entendido en el mejor sentido del término.
Acaba de ser presentada en sociedad de la mano de Universal Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Rob Savage, Host (2020), Dashcam (2021), The Boogeyman (2023), titulado Other Mommy. La película, que adapta la novela Incidents Around the House de Josh Malerman, se estrenará comercialmente en España el próximo 9 de octubre de 2026.
En Other Mommy vemos como Bela, una niña de 8 años que vive en un hogar tenso por el matrimonio problemático de sus padres ve cómo su vida se ve trastornada por una entidad siniestra a la que llama Otra Mamá. Cuando esta presencia malévola emerge de su armario preguntando: «¿Puedo entrar en tu corazón?», Bela se niega. Pero pronto las manifestaciones de la Otra Mamá se vuelven cada vez más agresivas, amenazando la seguridad de la familia de Bela.
La película, con producción de James Wan y guion adaptado a cargo de Nathan Elston, está protagonizada por Jessica Chastain, Jay Duplass, Arabella Olivia Clark, Dichen Lachman, Arian Moayed, Karen Allen, Sean Kaufman, Adam Silver, Carrie Dimaculangan y Alejandro Nieves.
La 59.ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se celebrará del 8 al 18 de octubre y reunirá una amplia selección de títulos que reflejarán el excelente momento que vive el género, con propuestas de la escena nacional e internacional. La programación se completará con la recuperación de grandes clásicos del fantástico, una incursión en el fantástico asiático y un homenaje al cine español, poniendo en valor su contribución al género.
Este año, el Festival rinde homenaje a Carrie, la película dirigida por Brian De Palma y basada en la exitosa primera novela de Stephen King, que celebra su 50.º aniversario. Una obra maestra del cine de terror que continúa resonando en el imaginario colectivo y a la que este año se homenajea también en el cartel de Sitges, inspirado en el icónico baño de sangre que marca el clímax de la película.
Carrie, la eterna heroína maldita, monstruosa si es necesario, pero profundamente humana, transformó para siempre la manera de entender el cine de terror. A través del aislamiento y la humillación sufridos por una adolescente de dieciséis años con poderes telequinéticos, la película muestra las grietas de una moral opresiva que acaba convirtiendo a la víctima en monstruo. Bailes de graduación, poderes psíquicos y violencia fueron la antesala del cine de terror de los años ochenta.
Cincuenta años después, Carrie regresa más vigente que nunca en una edición que sitúa en el centro la mirada sobre la infancia y la adolescencia malditas. Coincidiendo con este aniversario, el Festival presentará una espectacular restauración en 4K de la obra maestra de Brian De Palma.
Siguiendo el hilo de la venganza llegamos a ¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador, uno de los clásicos indiscutibles del cine español y un canto al terror a plena luz del día. La película explora la pérdida de la inocencia a través de la venganza colectiva de los niños frente a los abusos y las guerras del mundo adulto. Una inquietante pesadilla mediterránea, con escenas rodadas en Sitges, que, lejos de representar una forma de justicia, acaba revelando el fracaso de una sociedad incapaz de proteger a sus miembros más vulnerables.
Coincidiendo con su 50.º aniversario, redescubrimos la película restaurada en 4K, demostrando la capacidad del cine de terror español para renovar el género. Un cine que nos ayuda a comprender los traumas del inconsciente para sublimarlos en forma de imágenes de terror, de la manera que tanto nos apasiona en el Festival de Sitges. Un recordatorio de que mirar hacia la infancia y la adolescencia es también abrir la puerta a repensar el mundo del futuro.
En Sitges, Carrie regresa por partida doble. Basada en la icónica novela debut de Stephen King, Carrie es una reinvención audaz, oportuna y sorprendente del clásico relato de iniciación, adaptada por primera vez como serie de televisión por el visionario Mike Flanagan. Flanagan ejerce como showrunner, guionista, productor ejecutivo y director de cuatro episodios, mientras que Stephen King también participa como productor ejecutivo de la serie. El público de Sitges tendrá la oportunidad de disfrutar del primer episodio, antes del 50.º aniversario de la mítica adaptación cinematográfica dirigida por Brian De Palma en 1976.
En torno a estos dos ejes temáticos, SITGES 2026 presentará una programación que recuperará títulos míticos como Scanners (1981), del maestro del body horror David Cronenberg.
La nueva versión remasterizada nos permitirá disfrutar en 4K de una de las escenas más memorables de la historia del cine de terror, aquella que hizo estallar la cabeza de los espectadores de la era analógica. Sangre falsa, comida para perros enlatada e ingeniosos efectos especiales dan vida al universo de los scanners, individuos que, como consecuencia de los efectos de un fármaco, son capaces de leer, manipular y destruir la mente de los demás, y a quienes el gobierno intentará controlar.
KEN RUSSELL’S THE DEVILS: celebrando un mito en Sitges Classics
Regresa la fascinante historia de obsesión, corrupción, poder político y brujería en la Francia del siglo XVII dirigida por Ken Russell y protagonizada por Oliver Reed y Vanessa Redgrave está considerada una de las obras cumbre del cineasta británico. Producida por Warner Bros. en 1971, la película le valió a Russell el premio a la Mejor Dirección en el Festival de Venecia y el galardón de la National Board of Review.
La versión restaurada que podrá verse en SITGES se basa en el montaje del director, reconstruido por primera vez en 2004 bajo la supervisión del propio Russell y del montador Michael Bradsell, con la colaboración del crítico y divulgador cinematográfico Mark Kermode y del productor Paul Joyce.
El estreno por parte de Warner Bros. Clockwork ofrece, por primera vez, la experiencia cinematográfica íntegra y sin censura que el cineasta siempre imaginó. Además, será la primera ocasión en que la película podrá verse restaurada y en resolución 4K.
Tesis: 30 años de una revolución en el cine de género español
¿Qué hay detrás de la fascinación y el morbo que ejercen las imágenes violentas? Llegamos a la génesis de esta atracción por el horror con una magnífica Ana Torrent que investiga los efectos de la violencia en el audiovisual. Convertida ya en una obra de culto del cine de terror contemporáneo, Tesis cumple 30 años y es uno de los grandes homenajes de esta edición. Su esperada restauración reivindica, una vez más, el excepcional legado del cine español.
Se trata de una edición remasterizada de la película supervisada por el propio director, Alejandro Amenábar, que estará presente durante el estreno de la película en el Festival. El filme podrá verse en 2K y se proyectará a 25 fotogramas por segundo, la velocidad original a la que fue rodado, recuperando así el ritmo real de los diálogos y las interpretaciones. Asimismo, se restaurarán las dinámicas de audio de la mezcla original y se ampliarán a nuevos formatos, como Dolby Atmos, que añade una dimensión vertical al sonido.
Junto a esta celebración de Tesis, SITGES 2026 ofrecerá la oportunidad de recuperar otro gran clásico del cine de terror: Holocausto Caníbal (1980), que regresa restaurada en 4K. El italiano Ruggero Deodato dirigió un falso documental en forma de fábula ecosocial sobre los límites de la ambición del mundo occidental y la violencia colonial convertida en espectáculo, que no dejará indiferente a nadie. En el momento de su estreno fue prohibida en más de cincuenta países, convirtiéndose en una de las películas más controvertidas de la historia del cine.
Nos hace especial ilusión presentar el estreno de la versión restaurada en 4K de King Kong (1976). Divertida, irreverente y plenamente vigente, esta auténtica joya analógica del director John Guillermin y del productor Dino De Laurentiis recupera al simio más emblemático —también protagonista de nuestro logotipo— para construir una metáfora sobre la colonización, la explotación de los recursos naturales y la ambición desmedida.
El género fantástico al frente de una selección diversa y heterodoxa
Recién llegada de Cannes tras su paso por Sundance, Leviticus, del cineasta australiano Adrian Chiarella, propone una historia de terror sobrenatural que recurre al imaginario bíblico para explorar la culpa, el fanatismo religioso y la represión del deseo homosexual. Por su parte, Her Private Hell, del reconocido director danés Nicolas Winding Refn, vuelve a demostrar su hipnótico universo visual con un thriller que se adentra en la intimidad y la psique de sus personajes para retratar una deriva marcada por la obsesión, el deseo y la violencia.
Con Kill Me, Peter Warren debuta en el largometraje con una comedia negra que convierte la muerte en un perverso juego de seducción, misterio y supervivencia. Protagonizada por Charlie Day y Allison Williams, la película combina humor negro, suspense y una reflexión sobre la identidad y la autodestrucción. También se suma Sanguine, ópera prima de la cineasta francesa Marion Le Coroller, que explora los vínculos de sangre, el cuerpo y la supervivencia desde una mirada física y sensorial.
Entre las nuevas incorporaciones se encuentra Hungry, de James Nunn, un thriller de supervivencia que recupera el espíritu de las grandes creature features con la historia de un grupo de turistas perseguidos por un hipopótamo asesino en los pantanos de Luisiana.
La directora finlandesa Hanna Bergholm (Hatching) presentará Nightborn, un inquietante folk horror ambientado en los bosques de Finlandia que convierte la maternidad en una pesadilla y explora los límites entre el instinto, el cuerpo y el terror psicológico. Drag, debut de Raviv (Ricky) Ullman y Greg Yagolnitzer, combina thriller y comedia negra en torno a un robo fallido que desemboca en una situación tan absurda como angustiosa.
También podrá verse The Birthday Party (Histoires de la nuit), el nuevo trabajo de Léa Mysius, presentado en competición en el Festival de Cannes. La directora francesa adapta la novela de Laurent Mauvignier en un thriller que transforma una celebración familiar en una pesadilla donde las tensiones acumuladas terminan aflorando.
Lotfy Nathan ofrecerá con The Carpenter’s Son una inquietante reinterpretación de los relatos bíblicos inspirada en el evangelio apócrifo de la infancia de Jesús. Protagonizada por Nicolas Cage, FKA Twigs y Noah Jupe, la película combina thriller psicológico y horror sobrenatural. También podrá verse The End of It, la ópera prima de Maria Martínez Bayona, que imagina un futuro en el que la muerte es opcional para reflexionar, con humor y sensibilidad, sobre la inmortalidad, la inteligencia artificial y el significado de seguir siendo humanos.
El director francés Guillaume Canet presentará Karma, un intenso thriller psicológico sobre la culpa, los secretos del pasado y la fragilidad de los vínculos personales. Victorian Psycho, de Zachary Wigon (Sanctuary), adapta la novela de Virginia Feito en una elegante combinación de terror gótico y humor negro protagonizada por Maika Monroe.
Por su parte, la directora Meredith Alloway presentará Forbidden Fruits, una singular propuesta de folk horror y terror corporal que, a partir de un aquelarre de jóvenes mujeres, explora la identidad, la amistad y el deseo a través de una fábula tan provocadora como inquietante.
El director estadounidense Dave Boyle presentará Never After Dark, un inquietante thriller sobrenatural que sigue a una médium itinerante por el Japón rural dedicada a ayudar a las almas perdidas a cruzar al otro lado.
Tras el éxito mundial de la primera entrega, Apocalipsis Z: El principio del fin, en Prime Video, Carles Torrens regresa con la trepidante Apocalipsis Z: Nuevo Mundo. Basada en la saga literaria de Manel Loureiro, esta secuela amplía su universo postapocalíptico con más acción y una historia coral que retoma la lucha por la supervivencia en un mundo devastado por un virus letal. En esta nueva entrega, las Islas Canarias se convierten en el último refugio de Europa, el único territorio que parece haber escapado de la pandemia. La película llegará a Prime Video este Halloween en más de 240 países y territorios.
El fantástico asiático, más vivo que nunca
Damos la bienvenida un año más al continente asiático. El Festival estrenará Colony, la esperada nueva película del surcoreano Yeon Sang-ho (Train to Busan, Hellbound), un intenso thriller de ciencia ficción que arranca cuando un virus se propaga durante una conferencia de biotecnología, provocando mutaciones entre los asistentes y obligando a las autoridades a sellar las instalaciones.
Por su parte, Joko Anwar (Impetigore, Satan’s Slaves) firma Ghost in the Cell, una explosiva mezcla de terror, acción y humor negro ambientada en una prisión donde una fuerza sobrenatural obliga a reclusos y funcionarios enfrentados a unir fuerzas para sobrevivir
También descubriremos Salmokji: Whispering Water, del debutante Lee Sang-min, que traslada a un equipo de rodaje hasta un embalse maldito donde unas imágenes imposibles despiertan un horror oculto bajo las aguas; The Eyes, del surcoreano Yeom Ji-ho, remake de la española Los ojos de Julia, un thriller psicológico que difumina la frontera entre la realidad y lo invisible; y The Mouths, del director japonés y referente del J-horror Takashi Shimizu (Ju-on), una propuesta de terror sobrenatural que convierte el cuerpo y la palabra en un espacio de tensión entre el deseo, la violencia y la identidad.
El maestro japonés Kiyoshi Kurosawa sorprenderá con Kokurojo: The Samurai and the Prisoner, su primera incursión en el cine de samuráis, un misterio feudal en el que el asedio de un castillo se convierte en un juego de sospechas, conspiraciones y presencias inquietantes.
Por último, el documental The Origin of Ultraman, dirigido por Yutaka Nakamura y Kazuki Yoshida, recorrerá la historia y el legado de uno de los grandes mitos de la cultura popular japonesa, coincidiendo con el 60.º aniversario del legendario superhéroe.
WomanInFan: Horror Girls América Latina
Se presentará la publicación Horror Girls América Latina, una nueva entrega de la colección de investigación impulsada por el programa WomanInFan del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. El volumen recupera y reivindica la contribución de las cineastas al desarrollo del cine fantástico latinoamericano a través de una panorámica histórica elaborada por especialistas de todo el continente, que analiza los vínculos del género con la memoria, el colonialismo, la identidad, el folclore y otras realidades culturales.
Tras los volúmenes dedicados a Europa y a Estados Unidos y Canadá, esta nueva entrega amplía el mapa hacia un territorio donde monstruos, brujas, fantasmas, folk horror, ciencia ficción y realismo mágico dialogan con algunas de las realidades sociales, políticas y culturales más complejas del mundo, demostrando que el fantástico latinoamericano constituye uno de los espacios de mayor riqueza, diversidad y capacidad de renovación del cine contemporáneo.
La mente indómita. Poderes psíquicos, paranoia y cine fantástico
Asimismo, se publicará La mente indómita. Poderes psíquicos, paranoia y cine fantástico, un volumen coordinado por Àngel Sala y Jordi Sánchez-Navarro que, coincidiendo con el 50.º aniversario de Carrie (Brian De Palma, 1976), reflexiona sobre la representación de los poderes mentales en el cine fantástico.
Con textos de Gerard Casau, Mònica Garcia i Massagué, Carles Martínez Agenjo, Àngel Sala, Jordi Sánchez-Navarro y Xavi Sánchez Pons, el libro explora la fascinación y el temor que despiertan las capacidades psíquicas, convertidas a menudo en metáfora del poder, el trauma y la diferencia.
Concebido como un antes, un durante y un después de aquel estallido de 1976, el libro recorre la arqueología del cine de poderes mentales anterior a Carrie, el trauma como superpoder en la obra de Stephen King, la extensa descendencia de las «hijas de Carrie» y el psicopoder como subgénero, la cultura pop parapsicológica de la Transición española y su huella en el cine nacional, así como la deriva contemporánea que va de X-Men a Stranger Things, cuando el don empieza a dejar de ser una maldición para convertirse en una reafirmación.
Tras sus anteriores Coming Home in the Dark (2021) y The Rule of Jenny Pen (2024), el realizador neozelandés James Ashcroft vuelve a adentrarse en el thriller psicológico con The Whisper Man, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que adapta la novela homónima de Alex North, estará disponible en Netflix a partir del próximo 28 de agosto de 2026.
The Whisper Man nos cuenta como tras el repentino secuestro de su hijo de ocho años, un escritor viudo de novela negra se ve obligado a pedir ayuda a su padre, un inspector de policía jubilado del que lleva distanciados años. Pronto descubrirá que la desaparición del niño guarda una inquietante conexión con un asesino en serie condenado décadas atrás, conocido como el Hombre de los Susurros.
La película, con guion adaptado a cargo de Ben Jakoby y Chase Palmer, está protagonizada por Robert De Niro, Michelle Monaghan, Adam Scott, Hamish Linklater, Michael Keaton, Owen Teague, John Carroll Lynch, Acston Luca Porto, Will Brill, Jacob Berger, Jeffrey Mowery, Alyse Alan Louis y Josh Bonzie.
