Crónica festival de San Sebastián: Día 8
The Demons
Mientras en Montreal se produce una ola de secuestros de niños, Félix, un chico de diez años, termina el colegio en Old Longueuil, un barrio residencial de pacífica apariencia. Imaginativo y sensible, Félix, como muchos niños, le tiene miedo a todo: el posible divorcio de sus padres, que parecen atravesar una crisis; los maníacos que acechan a los niños pequeños; los vecinos sospechosos, e incluso el SIDA. Poco a poco, los demonios imaginarios de la infancia se mezclan con los de una realidad inquietante.
El penúltimo día del festival se presentó una de las sorpresas más positivas vistas en esta edición de San Sebastián dentro de la sección oficial, “The Demons” opera prima del director canadiense Philippe Lesage explora a fuego lento un retrato de la infancia de tono algo perturbador, los miedos internos de un niño vividos desde dentro y expuestos alrededor de un contexto que pretende explorar un supuesto conocimiento del mal que orbita alrededor de sus propias vivencias, de lo que se aleja a su entendimiento, una hostilidad existente dentro de un universo que se le antoja ha día de hoy totalmente incomprensible, nuestro precoz protagonista vive entre discusiones paternas, desubicación, unido a un acoso infringido y recibido escolar, un primer y frustrado amor, la homosexualidad, un en definitiva variado temario en la que el director impone una narración quizás algo contemplativa pero que termina focalizando de un modo acertado en la trama en base a la utilización de unos recursos bien explotados como por ejemplo su notable banda sonora, para ir incidiendo en base a pequeños detalles que se van fraguando poco a poco y de un modo similar en la formación de la psique del niño protagonista.
Lástima que el jurado no terminara de dar el visto bueno a una propuesta tan estimulante y valida como la presentada por Philippe Lesage, “The Demons” es una pequeña joya a descubrir y una de las sorpresas más agradables de la presente temporada.
Valoración 0/5: 4
Black Mass
En el sur de Boston, en la década de 1970, el agente del FBI John Connolly convence al gánster irlandés Jimmy Bulger para que colabore con el FBI para así poder eliminar a su enemigo común: la mafia italiana. Esta nefasta alianza se escapa de cualquier control, permitiendo que Bulger evada el peso de la ley mientras consolida su poder y se convierte en uno de los gánsters más implacables y peligrosos de la historia de Boston.
“Black Mass” dirigida por Scott Cooper y presentada en la sección Perlas vuelve a incidir en el biopic gansteril, en este caso la historia real de James “Withey” Bulger y sus sangrientas andanzas a lo largo de más tres décadas, uno de los criminales más duros y temibles de los Estados Unidos aquí caracterizado bajo los rasgos de Johnny Depp, un producto que partía con todos los atributos para convertirse en una de las películas del año y por ende en una firme candidata para los próximos Oscars pero que sin embargo deviene como un producto totalmente fallido, el principal error del tercer largometraje de Scott Cooper es una clara indecisión narrativa que se denota de forma demasiado visible, aparte de llegar a abusar sobremanera de unos testimonios proveniente de múltiples fuentes que la dirigen hacia una disparidad argumental que hacen que el relato adquiera un tono algo deslavazado, no logra apoyarse en una trama tejida de forma correcta apareciendo en escena un barnizado superficial que se apodera de la función por completo y de una forma notoria, de echo una vez acabado el film seguimos sin conocer realmente al personajes principal, todo llega a estar muy esquematizado y de la misma forma da la impresión de que en su variada cartera de personajes se le da demasiada importancia a unos quedándose otros sin embargo a estar muy desaprovechados prentandonoslos como simples apéndices de la historia.
Una propuesta fílmica en definitiva no puede funcionar casi nunca de una manera correcta si su máximo responsable no consigue que la narración tenga que estar al servicio del propio contenido. “Black Mass” solo termina siendo ligeramente disfrutable muy desde la distancia y basándose en los propios atributos que posee la historia en si misma, convirtiéndose en un perfecto ejemplo de como un material a priori prometedor puede llegar a ser desaprovechado por completo por una dirección y un guion que en ningún momento llegan a estar expuestos de una forma acertada.
Valoración 0/5: 2
After Eden
Eve es una actriz de cine para adultos de gran éxito, cuya rutina diaria consiste en fingir una juvenil inocencia para dar placer a su invisible audiencia. Adam es un solitario estudiante universitario obsesionado por los medios de comunicación y con una fijación por Eve. Al conseguir dar con su pista en el mundo real, se convierte en su anónimo perseguidor… hasta que encuentra el valor para tratarla en persona. Cuando Eve accede a protagonizar un vídeo de sexo en privado para Adam, el sueño de este está a punto de hacerse realidad.
Una tendencia muy habitual vista en la mayoría de óperas primas presentadas este año en la sección Nuevos Directores es que estas se basan y en un número bastante elevado en un material y su correspondiente desarrollo normalmente apoyadas bajo un tono que la direccionan inequívocamente hacia lo convencional, se echa en falta un mayor riesgo formal en propuestas que por ser primerizas tendrían que apostar de una forma más clara por una visión de tono más autoral, afortunadamente “After Eden” de Hans Christian Berger se aleja de convencionalismos para ofrecernos una brillante metáfora resuelta y expuesta en poco más de cinco planos secuencia, el sexo y su idolatracion vista de forma subjetiva, desde el modo vouyer en contraposición con lo explicito o practicado, en unos tiempos actuales en donde la virtualidad se apodera de las constantes necesidades del ciudadano de a pie, un presente el de hoy en día en donde la máxima comunicación ha abocado a gran parte de la sociedad actual a encontrarse perdida a la hora de intentar encontrar la verdad oculta tras la fachada, Hans Christian Berger nos habla de una supuesta falsedad inherente dentro de la figura idolatrada de una porno actriz pero el temario podría extrapolarse a diferentes ámbitos de comportamientos humanos que invitan a la reflexión, siendo esta la principal virtud de “After Eden“, un trabajo que bajo la apariencia de estar expuesto bajo un trazado superficial nos está hablando de algo mucho mas profundo.
Valoración 0/5: 3’5
Mia Madre
Margherita, una directora de cine, está en pleno rodaje de una película protagonizada por un famoso actor estadounidense. A las preguntas que se plantea en calidad de artista comprometida se suman las preocupaciones de su vida privada: su madre, que está ingresada en un hospital, su hija, que está en plena crisis adolescente y su hermano, cuyo comportamiento es absolutamente irreprochable.
Tras su paso por la última edición del festival de Cannes la nueva película Nanni Moretti se presentó de forma algo tardía en la sección Perlas. En “Mia Madre” el director italiano recure un relato autobiográfico que orbita alrededor de la agonía materna con la figura de la actriz Margherita Buy como alter ego en un juego de roles femeninos y masculinos invertidos al azar pues el mismo Moretti interpreta al hermano de la protagonista y en donde por otra parte no escatima una implícita autocrítica a su propia profesión. A medio camino entre un drama que afortunadamente no abusa de lo lacrimógeno y la comedia de tono algo absurdo personificado en el personaje interpretado de manera notable por John Turturro, un equilibrio este que está construido en base a situaciones que basculan entre lo más puramente onírico y los flashbacks insertados de una forma hábil y que sirven al mismo tiempo como claro exponente de hasta qué grado la desaparición de la figura materna o patriarcal puede hacer tambalear la realidad en la que viven de sus allegados así como la evolución de sus propias relaciones ante el inminente desenlace fatídico. Nanni Moretti con “Mia Madre” da un paso hacia adelante con respecto a anteriores trabajos, una reflexión de tono alegórico sobre la vida y la muerte, las metas y de la supuesta finalidad de nuestros propios actos y hacia donde nos llegan a derivar ante un hecho luctuoso y en definitiva el cómo saber hacer emocionar en imágenes través de una carga dramática bien direccionada.
Valoración 0/5: 3’5
Psiconautas, los niños olvidados
Birdboy y Dinki son dos adolescentes que han decidido escapar de una isla asolada por una catástrofe ecológica: Birdboy aislándose del mundo, Dinki emprendiendo un arriesgado viaje con la esperanza de que Birdboy la acompañe.
“Psicópatas, los niños olvidados” de Pedro Rivero y Alberto Vázquez tuvo un paso muy desapercibido por el festival, algo a lamentar pues la propuesta de los ganadores del Goya al mejor corto de animación por “Birdboy” en el 2012 es de las propuestas que merecen un total apoyo, una apuesta tan diferente como arriesgada en su concepción, que se aparta de una forma voluntaria de la animación más puramente infantil y convencional para adentrarse en una sórdida metáfora de tono oscuro sobre las miserias del consumo feroz así como el desprecio a la naturaleza. “Psiconautas” deviene como una fábula post-apocalíptica que vertebra su discurso en base a una textura de tono acido en lo referente a la inocencia de sus personajes y en cómo estos tienen que sobrevivir a los aspectos más oscuros del mundo que les ha tocado vivir. “Psiconautas” termina siendo una pequeña joya de la animación patria no apta para todos los públicos por el temario expuesto, que sabe transitar por territorios complejos y que posee al mismo tiempo una ambientación visual que apuesta de forma valiente por lo sucio e incómodo, merecedora en definitiva de un reconocimiento del todo unánime.
Valoración 0/5: 4
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