Año: 2016

Carter es una solitaria joven que es contratada como cuidadora de una antigua y misteriosa mansión en Manhattan. Pasa la inmensa mayoría de sus horas en soledad y desde ese momento seremos testigos de su descenso al infierno de la locura.

Mickey Keating en poco más de tres años se ha establecido como un cineasta bastante afín y activo en lo referente al género de terror actual, no solo en lo relativo a su vertiente como director sino también en la de guionista e incluso en la de productor de sus propios trabajos, si sus anteriores «Ritual» y «Pod» no dejaban de ser leves esbozos de naturaleza poco convincente en lo concerniente a sus postulados, en «Darling» da un ligero golpe de timón en estilo y temática y nos ofrece un thriller psicológico con elementos de terror con la premisa del aislamiento expuesto tanto a nivel psíquico como físico, algo que la direcciona inequívocamente y de manera poco disimulada a films referencia en dichas líderes como pueden llegar a ser el «Repulsión» de Roman Polanski o el «The Shining» de Stranley Kubrick, todo ello barnizado con un estilo de características algo arty y marcado tono alucinatorio, de connotaciones casi experimentales, su fotografía en blanco y negro y un ligero trazo críptico en lo concerniente a su narración así lo atestigua. El riesgo formal asumido por Mickey Keating en «Darling» es indudable aunque esto no siempre es garantía de éxito, podríamos aseverar sin riego a equivocarnos que nos encontramos ante un producto en donde prima más los que son sus loables y valientes intenciones que lo que termina siendo su resultado final.

Uno de los mayores problemas a la hora de enfrentarnos a un film de las características de «Darling» reside en su muy endeble guion, no hay una narración argumental valida en lo referente a su desarrollo, estamos ante esa clase de productos en donde cualquier excusa vale para un propósito final, en este caso dado tanto por su inverosimilitud en lo concerniente a varios aspectos de su historia (realmente hay una necesidad real de una cuidadora en la casa) como por la poca profundidad en lo referente a su historia y personajes, tampoco la ambivalencia que quiere dotar Mickey Keating al conjunto llega a ser de un nivel satisfactorio, para crear o sugerir una duda (en este caso lo referente a si realmente la protagonista llega a estar desequilibrada por ella misma o por causa de la casa) se requiere de una consistencia evolutiva por parte del personaje principal (uno de los puntos positivos de «Darling» es la esforzada interpretación de Lauren Ashley Carter, rostro muy reconocible dentro del género actual)algo que no ocurre principalmente por el tono casi episódico que llega a emplear Mickey Keating a la historia, un irregular lienzo estilístico en donde se llega a abusar en algo del fotograma abrupto como mero vehículo gratuito a la hora de intentar perturbar al espectador.

«Darling» termina convirtiéndose de una manera clara en un producto fallido por su no posicionamiento estructural, aun así tiene la ligera virtud de pertenecer a esa clase de películas de muy bajo presupuesto que se apartan del consabido trazo convencional genérico en lo referente a lo que son sus propuestas, films como «I Am a Ghost» o «The House on Pine Street» (bastantes mas superiores al film de nos ocupa) nos recuerdan que aún existen  sendas a explorar dentro del género de terror, del talento de su director depende que el riego final asumido sea reconocido para bien, Mickey Keating y su «Darling» de una forma evidente se queda a medio camino, aun así estamos ante un director inquieto y de naturaleza evolutiva, la buena acogida de su último film en el pasado festival de Sundance «Carnage Park» (un nuevo cambio de registro) parece confirmar un nuevo paso adelante por parte de un autor que no convendría perder de vista en un futuro.

Valoración 0/5:2’5

Greta (Lauren Cohan) es una joven americana que acepta trabajar como niñera en Inglaterra huyendo de su pasado. Para su sorpresa, el niño al que tiene que cuidar es un muñeco a tamaño real. Además, en el cumplimiento de su trabajo tiene que seguir unas reglas muy estrictas. Cuando se queda sola, Greta desobedece las normas, lo que desencadena una serie de eventos perturbadores que le llevarán a convencerse de que el muñeco podría estar vivo.

La premisa del muñeco con vida propia ya sea a través de la posesión o simplemente como un ente con vida propia sin explicación aparente y de intenciones poco amigables ha sido un apéndice algo secundario dentro del género de terror a lo largo de los años, tendríamos que echar la mirada hacia atrás para poder encontrar las mejores propuestas en dicha temática, si nos remontamos a la génesis  ahí encontraremos «The Devil-Doll» de Tod Browning o la fantástica «Dead of Night» y su episodio dirigido por Alberto Cavalcanti The Ventriloquist’s Dummy, más adelante en la fundamental serie de televisión Twilight Zone veremos estimulantes episodios como The Dummy, Living Doll y Cesar and Me, más recientemente Richard Attenborough nos proponía en «Magic» un perturbador relato psicológico con Anthony Hopkins al frente del reparto, el éxito de las sagas en cines «Child’s Play» o en ámbito doméstico «Puppetmasters» y la reciente «Annabelle» (descafeinado spin-off de la notable «The Conjuring«) han contribuido en parte a desvirtuar en alguna medida el concepto clásico del término visto hasta el momento.

Lamentablemente la película  que nos ocupa queda muy por debajo de sus anteriores referentes, el principal problema de un film de las características de «The Boy» es que todo resulta muy predecible a la hora de mostrarnos sus supuestos atributos, pero sobre todo los personajes y según qué situaciones se nos presentan de forma demasiado inverosímil algo que provoca que el efecto terror quede muy diluido por una falta de supuesta credibilidad en lo referente a lo que es su narración. Por otra parte el director William Brente Bell (Devil Inside, Stay Alive) nos propone una situación en donde se sobreexplotan de manera algo forzada y con momentos confusos los tópicos acostumbrados vistos con demasiado frecuencia dentro del género de terror moderno, estos son crear una situación tensa o anómala dentro de un único escenario afín (caserón antiguo) a base principalmente de continuos y gratuitos golpes de efectos y un twist final en teoría sorpresivo pero que se ve venir de lejos, un catálogo repleto de clichés expuestos de una manera bastante torpe en donde prima más lo gratuito y el tono explicito expuesto de manera algo burda en contraposición al tono más sugerido o intuido.

Estamos pues ante una película que se sostiene a duras penas en el momento que nos va mostrando sus cartas, es a la hora de desarrollarlas cuando el castillo de naipes se viene abajo por completo, lo poco rescatable que podemos encontrar en «The Boy» lo visualizamos en su agradable y esforzada protagonista Lauren Cohan (The Walking Dead), embutida en un personaje absurdo, y haciendo todo lo posible por salvarse de la función, tampoco es desdeñable el aséptico diseño de porcelana del muñeco «Brahms”, lástima que no este lo convenientemente bien utilizado en el momento de crear una acertada tensión como vehículo terrorífico, «The Boy» termina convirtiéndose en uno más de esos proyectos que a priori podían haber reconducido en algo diferente el maltrecho subgénero de “muñecos diabólicos”, sin embargo termina siendo un producto más dentro de la larga lista de propuestas fallidas en lo concerniente al género de terror actual.

Valoración 0/5: 2

«James White» nos cuenta como tras la repentina muerte de su padre y el avanzado cáncer que padece su madre hacen de James White, un joven inadaptado de Nueva York, un ser turbulento e irracional que encuentra en la violencia y en su propia autodestrucción una válvula de escape emocional ante los problemas que le asechan, llegados a un punto tendrá que plantearse el luchar para controlar eso impulsos autodestructivos antes que sea demasiado tarde.

Presentada en el festival de Sundance 2015 la opera prima como director de Josh Mond ( ávido productor indie responsable de títulos tales como «Martha Marcy May Marlene» o  «Simon Killer«) deviene como la quintaesencia perfecta de ese cine independiente norteamericano que suele orbitar principalmente a través del drama de connotaciones puramente viscerales, un estudio psicológico algo radical en lo referente a su exposición técnica del caos contemporáneo subyacente dentro de una juventud que se ve imposibilitada a la hora de iniciar un cambio de rumbo en sus vidas, en «James White» vemos esta inmersión emocional en el retrato de un traumático joven de comportamiento totalmente errático que se ve imposibilitado a no poder huir por mucho más tiempo, ha de empezar a tomar decisiones de una manera forzosa (reciente fallecimiento de su padre-enfermedad terminal de su madre), un ciclo a través del dolor, la rabia y muy especialmente la impotencia.

En «James White» asistimos a una visión certeramente expuesta de cómo nuestro comportamiento y las excusas en que solemos apoyarnos acerca de nuestras vidas caen bajo ciertas condiciones de naturaleza ineludible, la mayoría de nosotros hemos tratado con dolor emocional de una manera u otra a lo largo de nuestra vida, la pérdida y el dolor en nuestro devenir te remite a un cambio obligado a la hora de afrontar el futuro, en el film somos testigos de ese tránsito pero direccionado hacia ninguna parte, los meses que entrega todo el amor el personaje protagonizado por Christopher Abbott (magistral interpretación) a su madre sirven como una última conexión para darle algo de sentido a sus propios actos, en este aspecto hay una escena clarificadora que personifica de manera perfecta dicha tesitura, James sabiendo que su madre se está muriendo y viéndola en su momento más vulnerable, le ofrece una utópica visión alternativa de lo que podría ser un futuro que nunca llegara a producirse, aquella en la que se ve a sí mismo como un hombre amable, responsable y de familia numerosa, una fabulación de tono desgarrador en forma de ensoñación vaporosa como único escape posible hacia la nada.

Josh Mond termina aplicando al film un estilo extremadamente hiperrealista, de cerrados planos cámara en mano, prima hermana del found footage pero de intenciones genéricas muy diferentes, una cámara esta utilizada casi como de una herramienta se tratase, que llega a oprimir a nuestro protagonista de una manera casi claustrofóbica, en este sentido la película puede llegar a presentarse como un recurso formal potente pero algo insuficiente y repetitivo por momentos e incluso algo molesto en lo concerniente a lo más estrictamente visual de su propuesta, algo que nos lleva a interpretar a «James White» como un producto que funciona mucho mejor en lo referente a su finalidad que a lo referido a su desarrollo narrativo, y que tiene al mismo tiempo como una de sus principales virtudes el huir de una forma consiente del melodrama manido y simplista, algo que el material en el que se sustenta podía a llegar a ser muy proclive. «James White» termina siendo un demoledor retrato acerca de la desubicación emocional del ser humano, un reflejo sobre la angustia y la falta de dirección de un individuo en ruinas que no llega a encontrar ninguna razón objetiva para poder sustentarse así mismo.

Valoración 0/5.3’5

Después de muchos años de absoluta soledad, la famosa guerrera Yu Shu Lien emerge de su retiro para emprender un viaje a Pekín, donde la legendaria espada de Li Mu Bai conocida como Green Destiny está localizada. Yu Shu Lien, aún de luto por la muerte de Mu Bai, busca la espada como forma de guardar respeto por la memoria de su compañero en batalla. Sin embargo, Hades Dai, un señor de la guerra de los bajos fondos, envía a sus lugartenientes para robar la espada con planes de dominar el mundo marcial. Un héroe con un enigmático pasado llamado Silent Wolf llegan a la ayuda de Shu Lien junto a una banda dispar de guerreros que aún creen en el honor, deberán enfrentarse a Dai y sus combatientes en esta historia de amor perdido, de leyendas escondidas, y de una oportunidad final de redención.

Quince años han tenido que pasar para que esta tardía secuela de la reconocida «Crouching Tiger, Hidden Dragon» de Ang Lee (film capital que dio lugar a que posteriormente directores de la talla de Zhang Yimou, Chen Kaige o recientemente Hou Hsiao-hsien aportarán su punto de vista de dicho subgénero) viera la luz, lo cierto es que las previsiones iniciales con respecto a esta continuación no eran precisamente demasiadas halagüeñas, al excesivo tiempo existente entre los dos films se sumaba la incorporación presupuestaria occidental al proyecto con Harvey Weinstein al mando y con la previsión de estrenar  inicialmente la película en cines en China y posteriormente en formato doméstico para el resto del mundo a través de la plataforma Neflix,  que el rodaje en su gran mayoría trascurriera Nueva Zelanda también era algo que generaba muchas dudas entre los fans del primer film. Curiosamente «Crouching Tiger, Hidden Dragon: Sword of Destiny» pese a estar claramente uno o dos escalones por debajo con respecto a su predecesora deviene como un producto bastante digno y competente en lo referente a lo que es su función y su forma de ser, y que de una forma algo sorpresiva  llega a mostrarse incluso algo más fiel en lo concerniente a lo que es su estructura a las raíces del subgénero del Wuxia de que lo fue la película de Ang Lee.

Basado nuevamente en las novelas de Wang Du lu (1909-1977), «Crouching Tiger, Hidden Dragon» tiene la principal virtud de apoyarse sobre un tono muy clásico, que tras las cámaras se encuentre un veterano experto en la materia como es Yuen Woo-Ping tiene mucho que ver en ello, de hecho podríamos llegar a aseverar que estamos ante una revisitación de tono ligeramente alternativo del «Crouching Tiger, Hidden Dragon» de Ang Lee, hay patrones narrativos y personajes que circunvalan de una muy forma muy evidente dicho concepto de ese universo antes referido pero despojando al producto de esa cierta hibridación evolutiva que el film del director taiwanés poseía y que la direccionaba de una manera algo puntual a la cultura occidental, un distanciamiento estructural este que a la hora de hacer una comparación global entre ambos films juega muy en contra de «Sword of Destiny«, de todas maneras su apuesta por ese clasismo antes comentado, de connotaciones casi antropológicas, aportan un activo muy notorio al film, especialmente en lo referente a las coreografías y secuencias de acción (la escena del confrontamiento sobre el lago helado es una buena muestra de ello), aparte el carisma en pantalla de Michelle Yeoh y muy especialmente de Donnie Yen, todo un referente actual del cine de acción hongkonés, hacen que el film llegue a ser bastante disfrutable en su vertiente más puramente fandom.

«Crouching Tiger, Hidden Dragon: Sword of Destiny» deviene finalmente como un producto muy digno pero lejos de ser perfecto, poseedor de algún que otro defecto bastante acentuado, especialmente en lo referente a un atropello de ritmo narrativo bastante visible en lo concerniente a su tramo final y a un cierto exceso digital a la hora de mostrar paisajes. Finalmente convendría hacerse la pregunta si es del todo conveniente la elaboración con capital occidental de un material como el que nos ocupa, si el resultado obtenido es un producto de las características de «Sword of Destiny» que al menos intenta mantener la esencia de un ADN puro.. la respuesta es un sí rotundo.  

Valoración 0/5:3

Karamakate fue en su día un poderoso chamán del Amazonas, es el último superviviente de su pueblo, y ahora vive en aislamiento voluntario en lo más profundo de la selva. Lleva años de total soledad que lo han convertido en chullachaqui, una cáscara vacía de hombre, privado de emociones y recuerdos. Pero su vida vacía da un vuelco el día en que a su remota guarida llega Evan, un etnobotánico americano en busca de la yakruna, una poderosa planta oculta, capaz de enseñar a soñar. Karamakate accede a acompañar a Evan en su búsqueda y juntos emprenden un viaje al corazón de la selva en el que el pasado, presente y futuro se confunden, y en el que el chamán irá recuperando sus recuerdos perdidos. Esos recuerdos traen consigo vestigios de una amistad traicionada y de un profundo dolor que no liberará a Karamakate hasta que no transmita por última vez su conocimiento ancestral, el cual parecía destinado a perderse para siempre.

«El abrazo de la serpiente» tercer largometraje de Ciro Guerra ganador del máximo galardón de la quincena de los realizadores del pasado festival de Cannes inicia una nueva etapa dentro del cine colombiano de clara proyección internacional, film que bascula en base a un híbrido entre el documental y la ficción de tono minimalista, a medio camino entre la célebre novela de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas y cierto cine orquestado en su día por Werner Herzor termina moviéndose dentro de unos territorios en donde la premisa del colonialismo brutal y la inexorable pérdida de tradiciones y culturas indígenas quedan plasmadas dentro de una vertiente histórica través del retrato de dos personajes reales (Theodor Koch-Grunberg y Richard Evans Schultes), la cultura primigenia o el conocimiento ancestral en contraposición al de la ciencia, expuesta en forma de una travesía llena de simbolismos que va avanzando entre lo real y lo onírico, a medio camino entre el misticismo y la crítica social. Ciro Guerra logra mostrar a través de ese misticismo sutil antes comentado el discurrir de dos historias en paralelo con todos los matices que ello pueda conllevar, pero más que nada consigue desentrañar una premisa en forma de fábula atemporal de como el carácter humano se llega a posicionar por encima de cualquier tipo de raza, origen o creencias.

«El conocimiento pertenece a todos», frase que oímos en el film durante varias veces sirve como perfecta metáfora unidireccional  hacia una civilización que demuestra una supuesta negación a la hora de permitir el progreso hacia otras culturas que amenacen a la suya propia,  y que al mismo tiempo sirve como vehículo de denuncia sobre el efecto devastador causado por el colonialismo, tanto en su vertiente capitalista (el negocio del caucho) como en el referente a su infección ideológica con la religión como arma arrojadiza, es por eso que «El abrazo de la serpiente» aparte de funcionar a modo de plegaria amazónica puede llegar por momentos a operar también tanto como un largometraje de cierto índole político en lo concerniente a su discurso o incluso como una amable, funcional y algo discutible obra de ficción de una orquestada narración que posiblemente abuse de una estructura episódica poseedora de un tono aislado demasiado evidente.

Podríamos llegar a definir que «El abrazo de la serpiente» traza en base a su escenario un camino caustico y algo gris hacia lo más profundo del Amazonas como medio escénico a la hora de penetrar en la mente de diferentes visiones del mundo, es en ese río en donde a través de relatos claves se nos muestran un lugar único y rico en detalles antropológicos y estéticos. Finalmente «El abrazo de la serpiente» deviene como una pieza precisa y compleja presentada casi a modo de una road movie fluvial, de connotaciones algo exageradas y preciosistas en lo referente a la mitología indígena del tema esotérico que expone que pueden llegar a derivar en una cierta confusión hipnótica, contada a partir de una sencillez y una claridad que invita a una posterior reflexión crítica poco complaciente por parte del espectador sobre la conflictiva coexistencia de dos miradas tan elementales como disuasorias, una exploración visualmente fascinante por momentos a través de una imagen prodigiosa, una visión en definitiva del hombre, la naturaleza y los poderes destructivos perpetrados por el colonialismo.

Valoración 0/5:3