Categoría: Eventos

La pantalla de cine de Tabakalera mostrará durante todo el año las películas de la generación de cineastas que han consolidado su carrera en programas como Ikusmira Berriak o Noka con la ayuda del Centro y la EQZE.

El feminismo y las mujeres cineastas serán otro de los ejes que vertebrarán la oferta cinematográfica de Tabakalera durante 2025.

El bono de cine y las entradas para las proyecciones de 2025 estarán disponibles a partir del 20 de diciembre en la web y en el Punto de Información de Tabakalera.

Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2025, que dará comienzo el 10 de enero, de la mano de la propuesta elaborada por las entidades que programan en la pantalla compartida de Tabakalera: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.

El próximo año, Tabakalera celebrará su décimo aniversario, y la programación de cine será una prolongación de dicha efeméride, una puesta en valor del camino y el trabajo realizado durante estos años.

‘Generación Tabakalera’

La pantalla de cine de Tabakalera proyectará durante todo el año las películas de la generación de cineastas que ha iniciado y consolidado su carrera al amparo de los diversos programas de residencias y convocatorias de apoyo al cine, promovidas por las entidades que conforman la pantalla compartida, y que ha ido articulando un sistema de apoyo a la creación cinematográfica como Ikusmira Berriak o Noka.

El ciclo Ikusmira Berriak 10 años, parte de Zinemaldia + Plus, se organiza este año en colaboración entre el Festival de San Sebastián y Tabakalera, coincidiendo con el décimo aniversario del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. El nuevo ciclo propone explorar y celebrar, con mirada retrospectiva, los diez años que cumple la residencia cinematográfica Ikusmira Berriak, coorganizada por las dos instituciones junto a Elías Querejeta Zine Eskola, a través de 21 películas desarrolladas en el marco del programa y que ya han sido finalizadas y estrenadas en diversos festivales internacionales como el Festival de San Sebastián, Cannes, Venecia, Berlinale, Sundance, Locarno, Viennale, Márgenes, Torino o Mar del Plata, entre otros.

En la primera sesión, el 25 de enero, se proyectarán el corto El extraño (2016) y el largometraje El gran movimiento (2021), respectivamente dirigidos por Pablo Álvarez y Kiro Russo, mientras que el 1 de febrero coincidirá Calipatria, de Leo Calice y Gerhard Treml, con Eles transportan a morte (2021), de Helena Girón y Samuel Delgado. El 8 de febrero será el turno de Gwendolyn Green (Tamyka Smith, 2017) y All Dirt Roads Taste of Salt (Raven Jackson, 2023), el 15 de febrero el de Trote (Xacio Baño, 2018) y el 8 de marzo el de Las letras de Jordi (Maider Fernández Iriarte, 2019).

Estos son los demás títulos programados, cuyas fechas se concretarán próximamente: Chupacabra (Grigory Kolomytsev, 2020), Stephanie (Leonardo van Dijl, 2020) y Creatura (Elena Martín Gimeno, 2023), Jo ta ke (Aitziber Olaskoaga, 2020), Fantasía (Aitor Merino, 2021) -en la fase de proyecto de esta película también participó Amaia Merino-, El agua (Elena López Riera, 2022), Suro (Mikel Gurrea, 2022), Pornomelancholia (Manuel Abramovich, 2022), Antier noche (Alberto Martín Menacho, 2023), O Corno (Jaione Camborda, 2023), Dormir de olhos abertos (Nele Wohlatz, 2024), Ulysses (Hikaru Uwagawa, 2024) y Monólogo colectivo (Jessica Sarah Rinland, 2024). Aunque también formaron parte de Ikusmira Berriak las películas Muga deitzen da pausoa (2019), de Maider Oleaga, y 918 gau (2022), de Arantza Santesteban, no se proyectarán en la retrospectiva porque han sido recientemente programadas en el ciclo Cineastas Vascas de la Filmoteca Vasca. No obstante, ambas directoras participarán en la celebración presentando alguna película del ciclo.

El aniversario se complementará con un libro cuya publicación está prevista para primavera y que recogerá voces, imágenes y reflexiones acerca de Ikusmira Berriak. No sólo incluirá entrevistas con diez cineastas que han pasado por el programa, sino también aportaciones de algunas personas que han participado en las tutorías o de representantes de las instituciones que impulsan el proyecto. En definitiva, se trata de una memoria que contará los diez años de la residencia y en la que estarán presentes las 53 cineastas que han formado parte de su historia.

Por otro lado, Zinemaldia + Plus también ofrecerá en septiembre las tradicionales proyecciones vinculadas a la filmografía de los Premios Donostia de la edición.

Durante el fin de semana del 13 al 15 de junio, se celebrará el festival Generación Tabakalera, en el que se proyectarán proyectos desarrollados en la EQZE y películas estrenadas en diversos festivales internacionales y que se han desarrollado en los programas de impulso del talento cinematográfico emergente como Noka, una iniciativa dedicada a la tutorización, acompañamiento y apoyo de largometrajes dirigidos por realizadoras vascas que desde su inicio en 2019 ha contado con la participación de una veintena de mujeres cineastas.

El feminismo será otro de los ejes que vertebrará el programa de cine de Tabakalera, con especial protagonismo en ciclos como Nosferatu o la quinta edición de Cineastas Vascas, pero también con los ciclos específicos que durante 2025 se dedicarán a la directora Patricia Mazuy y Cine y literatura: Chantal Akerman con la presencia en el cine de las escritoras Itxaro Borda, Karmele Jaio y Danele Sarriugarte. Además, la visión y la práctica feminista estará presentes en otros ciclos y proyecciones a través de las temáticas o invitadas presentes en la programación.

‘Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine’

El próximo día 15 de enero comenzará en Tabakalera el nuevo ciclo Nosferatu, Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine, que se acerca a la historia del cine desde un punto de vista femenino y feminista y que repasará sus 130 años de existencia a través de películas dirigidas por creadoras de todas las épocas y procedencias.

El ciclo, organizado por Donostia Kultura y la Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – La Filmoteca, se desarrollará entre enero y diciembre de 2025.

Desde 1896, con los trabajos de la pionera francesa Alice Guy (protagonista de la primera sesión, en la que se proyectarán tres de sus películas junto con una de Mabel Normand), hasta la actualidad esta muestra pretende revisar, proyectar y reivindicar el trabajo de directoras, guionistas, productoras y actrices, algunas reconocidas y reivindicadas en los últimos años, otras muchas olvidadas y eliminadas de las historias del cine.

La retrospectiva se inicia mostrando el trabajo de pioneras como Lois Weber, Frances Marion, Musidora, Dorothy Arzner, Ana Mariscal o Ida Lupino (clásicas), continua con, entre otras muchas, Agnès Varda, Chantal Akerman, Lorenza Mazzetti, Lina Wertmüller, Larisa Shepitko o Barbara Loden (modernas) y se cerrará en otoño con extrañas como Susan Seidelman, Naomi Kawase, Kathryn Bigelow, Jane Campion, Isabel Coixet o Mati Diop.

El ciclo se acompañará con la edición de dos libros, uno en castellano y otro en euskera. El primero, Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine, coordinado por Elisa McCausland y Diego Salgado, se publicará en enero de 2025. El segundo, coordinado por Iratxe Fresneda, se editará a finales del próximo año.

Octava edición de Cine y Ciencia

La Filmoteca Vasca comenzará el año con la octava edición del ciclo Cine y Ciencia, que organiza en colaboración con el DIPC (Donostia International Physics Center) y el Festival de San Sebastián. The Theory of Everything –La teoría del todo– (James Marsh, 2014) inaugurará el año el próximo viernes 10 de enero y contará con la presentación del físico y presidente del DIPC, Pedro Miguel Etxenike. Este programa, que se sirve de la universalidad del lenguaje cinematográfico para mostrar la profundidad del pensamiento científico, tiene por objetivo transmitir cultura cinematográfica y científica. Las doce películas que integrarán el ciclo, así como las sesiones escolares, se anunciarán a principios de enero.

Entre abril y junio tendrá lugar la quinta y última edición de Cineastas Vascas, que pondrá de relieve el trabajo de directoras vascas de largometrajes nacidas en los 80 y 90. Este ciclo, habitualmente programado en otoño, se trasladará a los meses de abril, mayo y junio. En julio, será el turno de Jazzinema, la feliz simbiosis entre cine y jazz. Y entre septiembre (durante el Festival de San Sebastián) y diciembre de 2025 y hasta en cinco capitales, la Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián proyectarán Klasikoak, una propuesta con tres grandes ejes que rescatará películas restauradas y memorables de la historia del séptimo arte: un festival de cine clásico extendido en el tiempo y en el espacio.

Patricia Mazuy, Chantal Akerman, Roberto Minervini

El 23 de enero y con la proyección de la película Peaux de vaches Tabakalera se dará inicio a la retrospectiva dedicada a la cineasta Patricia Mazuy, directora formada por el cine de Leone y Peckinpah y aprendiz de la legendaria Agnès Varda. Su filmografía cuenta con seis títulos repartidos a lo largo de más de tres décadas, pero con marcas siempre presentes como la violencia, el humor, lo rural y la mezcla de géneros.

A partir de enero volverá el ciclo que propone el cruce entre cine y literatura, y que en 2025 se centrará en la figura de Chantal Akerman. La primera sesión tendrá lugar el 16 de enero, con la proyección de un hito cinematográfico Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles y contará con una presentación de la mano de la escritora Itxaro Borda.

Roberto Minervini es un director, productor y fotógrafo italiano, residente en EEUU. Se dio a conocer internacionalmente con Stop the Pounding Heart (2014). The Other Side (2016) se estrenó en la sección Un Certain Regard de Cannes. Reconocido por una obra intimista y política que retrata la sociedad norteamericana rural, transita entre la ficción y el documental. Sus retratos de personas marginadas lo han convertido en un cineasta polémico pero indispensable en el panorama actual del cine. Minervini visitará Tabakalera a finales de mayo.

Además, Tabakalera continuará promoviendo el acercamiento entre cineastas y espectadores/as, y el cruce entre las distintas disciplinas creativas en su programación. Proyectos como Cine hablado, que propone un espacio de encuentro para que directores/as charlen en la sala de cine sobre el proceso de creación de sus películas, las sesiones para el público familiar Kameleoiak Gara!, el ciclo de Cine contemporáneo o Cine y Música, continuarán durante 2025.

El Centro también continuará incidiendo en la programación destinada especialmente a atraer nuevos públicos a la sala de cine del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Propuestas específicas como el Jóvenes en el cine, el grupo de programación conformado por estudiantes de la UPV/EHU, continuarán programando una vez al mes la sala de cine de Tabakalera. El 30 de enero proyectarán La Haine (1995), de Mathieu Kassovitz.

Bono de cine 2025 y venta de entradas

El bono de cine de Tabakalera se renueva por otro año, y ofrecerá a los/as usuarios/as la entrada por 120€ a 40 películas de entre todas las programadas por las instituciones socias de la pantalla compartida a lo largo de 2025: Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera, a excepción de las películas programadas durante el Festival de San Sebastián de 2025.

Un año más, la compra del bono incluye una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: AEBetako western post-klasikoa eta garaikidea o la citada Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine.

El bono se podrá adquirir a partir del 20 de diciembre de 2024 a las 12:00 del mediodía, hasta el 31 de enero de 2025 a las 12:00, tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro. También se abrirá en esa misma fecha y hora y en los mismos espacios la venta de entradas ordinarias correspondientes a las proyecciones del mes de enero.

El consumo del bono podrá realizarse desde el 1 de enero de 2025 hasta el 31 de diciembre de 2025 (ambos incluidos), y todas las gestiones vinculadas al bono podrán realizarse tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro: comprar el bono, enviarlo como regalo a otra persona, adquirir entradas para películas con el descuento del bono o consultar el saldo disponible.

Toda la información relacionada con el bono de cine 2025 y las proyecciones previstas para el mes de enero se podrán consultar en la web de Tabakalera.

Xerophtalmie (Akihiko Morishita, 1984), Movie watching (Jun’ichi Okuyama, 1982) i Xerophilie (Akihiko Morishita, 1984)

Esta sesión, un acercamiento al cine de vanguardia japonés de los años setenta y ochenta, reúne la obra de las figuras tutelares de aquella vanguardia con la de artistas prácticamente invisibilizados. El cine ilusionista y lúdico de estas tres generaciones de cineastas combina la representación del paisaje con el análisis minimalista del dispositivo cinematográfico.

Partiendo del mar como motivo (The Pacific Ocean, Heliography, 3···, Walking Works), de la indagación sobre la mecánica del cine (Xérophtalmie, Xérophilie, Spacy, A Man Playing Movie, Wiper) o de una inusitada combinación de ambas aproximaciones (Movie Watching, The Time Slit), las películas de este programa construyen visiones ampliadas que solo posibilita una cámara. Sin embargo, a pesar de las tonalidades compartidas, en esta sesión también se despliega una ecléctica variedad de métodos y referencias de estos cineastas.
Takahiko Iimura condensa una travesía por el Pacífico en la ilusión de un único horizonte. En sus desafíos fisiológicos, Hiroshi Yamazaki altera el eje vertical de la visión o reitera un persistente encuadre a lo largo de diferentes distancias o coordenadas. Itaru Kato y Takashi Ito elaboran sus trampantojos y divertimentos enmascarando o confundiendo imágenes fijas y en movimiento, explorando así la relación entre profundidad y superficie. Del letrismo a Fluxus, Akihiko Morishita encuentra en la referencialidad la ironía con la que construye sus sarcásticos collages. Finalmente, Jun’ichi Okuyama pone en abismo los engranajes de la proyección y sus posibles interferencias, componiendo así analogías líricas asombrosas.

The Pacific Ocean, Takahiko Iimura, 1971, sin sonido, 11 min; Heliography, Hiroshi Yamazaki, 1979, 6 min; Movie Watching, Jun’ichi Okuyama, 1982, sin sonido, 12 min; 3···, Hiroshi Yamazaki, 1984, 5 min; The Time Slit, Jun’ichi Okuyama, 1989, 6 min; Xérophtalmie, Akihiko Morishita, 1984, sin sonido, 9 min; Walking Works, Hiroshi Yamazaki, 1983, 5 min; Xérophilie, Akihiko Morishita, 1984, sin sonido, 9 min; Spacy, Takashi Ito, 1981, 9 min; Wiper, Itaru Kato, 1985, 7 min; A Man Playing Movie, Jun’ichi Okuyama, 1986-87, 10 min.

Proyección en 16 mm.

Copias procedentes de Light Cone (Francia) e Image Forum (Japón).

Agradecimientos a Kenji Kadowaki.

Fecha: 20 febrero 2025

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

•    Fata Morgana (Vicente Aranda, 1966). Int.: Teresa Gimpera, Marianne Benet, Antonio Ferrandis. España. 35 mm. VOSFR. Color. 84’
•    La ocasión (José Ramón Larraz, 1978). Int.: Javier Escrivá, Teresa Gimpera, Ángel Alcáraz. España. 35 mm. Color. 85’

Dedicamos este programa doble a nuestra madrina, la única e irrepetible Teresa Gimpera, que nos acompañó en el nacimiento de «Sala:B» y nos dejó el pasado verano. Sirva este homenaje como prueba de nuestro agradecimiento y eterna fascinación por su trabajo.

Empezamos con Fata Morgana porque fue el debut de la Gimpera y porque marcó el camino para un cine fantástico diferente, que encontraría terreno fértil en Cataluña y hasta una sede permanente. Gim, el papel que ella interpreta, inaugura un modelo de mujer ajeno a la filmografía de la época, un icono de feminidad múltiple: bruja, femme fatale y final girl todo en uno. Fata Morgana, dirigida por Vicente Aranda y escrita por Gonzalo Suárez, desafió las convenciones del cine español, poco o nada preparado para este chute de modernidad. La película se inscribe en el cine experimental y de autor de los años 60, dando pie a lo que se conocería como Escuela de Barcelona, pero sus conexiones con el cine de serie B son innegables, especialmente en lo que respecta a la ciencia ficción, los escenarios futuristas y el uso de estética de comic. Aranda toma elementos propios de la cultura pop como los ambientes opresivos, los personajes casi robóticos y la narración esquemática, para hacer una crítica existencial sobre la sociedad y la despersonalización del mundo moderno.

En La ocasión de José Ramón Larraz, otro habitual de esta sala, la Gimpera retoma ese modelo femenino en un contexto completamente diferente. Ella ya ha superado su etapa de musa de la gauche divine y el cine de la Transición permite que el erotismo y la violencia dejen de ser una fantasía en las pantallas españolas. Ahora, los deseos de aquella mujer prototípica se desvelan y se explicitan en clave de serie B sin artificios. Este thriller psicológico con tintes eróticos combina los temas del deseo, la traición y la tensión entre clases sociales, muy afines a Larraz. Un empresario rancio (Simón Andreu) y su esposa (Teresa Gimpera) se mudan a una casa de campo aislada donde empiezan a desarrollarse ambiguos juegos de seducción y tensión sexual con un joven “pasota” que no desentonaría en la familia Manson.

Presentación a cargo de XXXXXX y Álex Mendíbil, comisario de Sala: B. Duración de la presentación 15’. (Total sesión: 185’)

Cine Doré: Viernes 29/11/2024     19:30 H

Como cada año, el Museo Reina Sofía y Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, organizan un ciclo que se extiende durante dos meses en otoño y que, en esta ocasión, está dedicado a la relación entre cine y esperpento. Este ciclo se desarrolla de forma paralela a la exposición Esperpento. Arte popular y revolución estética, muestra organizada por el Museo Reina Sofía que se podrá visitar hasta el próximo 10 de marzo.

Comisariado por Chema González (Museo Reina Sofía), y Miranda Barrón y Carlos Reviriego (Filmoteca Española), el ciclo se divide en dos amplios programas, cada uno en una sede. En Filmoteca Española, un ensayo sobre el cine español a partir de esta categoría estética. En el Museo, versiones contemporáneas del esperpento en el cine y vídeo más reciente y heterodoxo realizado en España, Portugal y América Latina.

Consulta la programación completa en la página web del Museo Reina Sofía y las sesiones en el cine Doré

https://www.cultura.gob.es/dam/jcr:3452dbe9-0871-4a1d-ad4a-40e75c7e999b/np-ciclo-cine-y-esperpento.docx

Impartido por Antonio José Navarro

Seminario online en directo
30 de noviembre, de 10.30 a 14.30h

Presentación
Sin duda, el alemán Werner Herzog es uno de los artistas cinematográficos más complejos y apasionantes de la actualidad. Con una obra que supera los sesenta títulos, entre films de ficción, documentales y telefilmes, Herzog empezó su carrera al calor del llamado “Nuevo Cine Alemán” —junto a Volker Schlöndorff, Rainer Werner Fassbinder, Margarethe von Trotta o Hans-Jürgen Syberberg—, convirtiéndose en uno de sus más destacados representantes gracias a películas como También los enanos empezaron pequeños (1970), Aguirre, la cólera de Dios (1972), El enigma de Kaspar Hauser (1974), Stroszek (1977) o Nosferatu, vampiro de la noche (1979). Posteriormente, a partir de Fitzcarraldo (1982), su constante deseo de experimentación y búsqueda de nuevos espacios cinematográficos y filosóficos —«Hay estratos muy profundos de verdad en el cine, una verdad poética, extática. Es misteriosa y esquiva, y solo se puede alcanzar a través de la invención, la imaginación y la estilización»—, le han llevado a reinventar el cine documental y el mismo cine de ficción, con Lecciones en la oscuridad (1992), La cueva de los sueños olvidados (2010), Teniente corrupto (2009) o Queen of the Desert (2015).

Objetivo
Desarrollar la sensibilidad estética a través de la mirada de Antonio José Navarro. 

Metodología
El seminario se imparte en directo por videoconferencia. Se visualizan y comentan escenas de la filmografía de Herzog, seleccionadas por Antonio José Navarro.

Impartición
Antonio José Navarro es crítico e historiador de cine, miembro de la Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC) y de la Asociación Española de Historiadores del Cine (AEHC). Ha escrito sobre cine en diversos medios como Dirigido por, Imágenes de Actualidad, Time Out Barcelona o El Periódico de Catalunya. Ha publicado diversos libros de cine como El imperio del miedo. El cine de horror norteamericano post 11-S (2016), Choque de titanes. 50 películas fundamentales sobre la Guerra Fría (2017), y la Guerra contra el Terror (2021) o El banquete infame. Representaciones del canibalismo en el cine (2022).

Precio
60€ (incluye suscripción mensual a Filmin)

https://www.educatumirada.com/matriculacion/

Al hilo de la reciente publicación de su ensayo Los pasadizos secretos para la colección «Breus del CCCB», la cineasta y programadora Elena Duque presenta un programa de animación experimental con piezas icónicas de diferentes estilos, épocas y procedencias, que dan una idea de la riqueza de este género. 

En una de las definiciones de la animación más célebres y difundidas de la historia, Norman McLaren dice que «lo que pasa entre cada fotograma es mucho más importante que lo que hay en cada fotograma. La animación es por tanto el arte de manipular los intersticios invisibles que hay entre fotogramas». En esos intersticios invisibles, pasadizos secretos ocultos en las películas hechas fotograma a fotograma, se esconde el trabajo de quienes hacen animación, que se nos sustrae con el fin de crear esas imágenes en movimiento imposibles. Los pasadizos secretos. Apuntes sobre animación experimental, libro recientemente publicado en la colección «Breus del CCCB» al hilo del catálogo del Archivo Xcèntric, traza una historia del cine de animación en base a esta idea fijándose en la labor manual de las animadoras y animadores, personas poseedoras de un tipo de inteligencia singular capaz de ver las posibilidades infinitas que esos tiempos ocultos ofrecen.

Programa:

Ko-Ko’s Earth Control, Dave Fleischer, EE.UU., 1928, 35mm a digital, 8’; Wall, Takashi Ito, Japón, 1987, 16 mm, 7’; Hus, Inger Lise Hansen, Noruega, 1997, 16 mm, 7’; Persian Pickles, Jodie Mack, EE.UU., 2012, 16 mm, 3’; The Dante Quartet, Stan Brakhage, EE.UU., 1987, 16 mm, sin sonido, 6’; Recreation, Robert Breer, EE.UU., 1957, 16 mm, 2’; Frank Film, Frank y Caroline Mouris, EE.UU., 1973, 16 mm a digital, 10’; Bang!, Robert Breer, EE.UU., 1986, 16 mm, 10′; Selfportrait, Maria Lassnig, Austria, 1971, 16 mm a digital, 4′, VOSC.

Proyección en 16mm y digital. Copias procedentes de Light Cone excepto Selfportrait (Sixpackfilm), Ko-Ko’s Earth Control y Frank Film. 

Notas del programa:

Max y Dave Fleischer fundaron un estudio de animación en los años veinte, aplicando una imaginación sin par a su serie Out of the Inkwell, protagonizada por un payaso llamado Koko que se escapa del tintero del dibujante. Esta mezcla del mundo real y el animado ofreció a los hermanos oportunidades para desarrollar su ingenio. En «Ko-Ko’s Earth Control» vemos cómo la mano del dibujante hace nacer al dibujo animado, en un trabajo que termina siendo inusitadamente vanguardista: no solo prefigura un fin del mundo climático, sino que se adelanta a los flicker films, ofrece un ejemplo primigenio de animación de collage y hasta emplea la pixilación, una forma de animación que usa seres humanos. Si la mano del creador en pantalla sirve a los Fleischer para unir sin fisuras la imagen real y la animada, en el caso de Wall, de Takashi Ito, sirve para revelar el «truco» de la película sin por ello anular su magia. Ito crea espacios imposibles refotografiando cuadro a cuadro fotografías fijas impresas en papel, manipulando así la geometría de las calles y edificios a su antojo.

Moldear el mundo a gran escala, hacerlo bailar un baile nuevo, es lo que hace Inger Lise Hansen en Hus. Animando una cabaña de madera a escala real en el desierto californiano, Hansen introduce otro elemento que revela su intersticio invisible: la luz natural, cuyo movimiento nos hace tomar consciencia del paso del tiempo al animar. Usando también elementos de la realidad, emprendemos un viaje hacia la abstracción. Jodie Mack crea películas estroboscópicas con elementos domésticos y populares como encaje, telas estampadas, mantas y tie dye. En esta ocasión, el estampado de «bacterias» o paisley, un cliché de la moda de los sesenta, le sirve para crear un trabajo rigurosamente plástico (que también juega con el sonido) que a la vez reflexiona sobre esta cultura de la mercancía barata, los deshechos del capitalismo y la división entre el Arte con mayúsculas y lo vulgar y cotidiano. Esta abstracción hecha con materiales de uso tiene que ver con la pintura, al igual que una de las películas pintadas más importantes de Stan Brakhage: The Dante Quartet. En este caso, el trabajo material se vuelca sobre la tira de película que Brakhage pinta con inspiración del expresionismo abstracto y de su investigación de los mecanismos de la visión, en un momento en el que su técnica se refina también gracias al trabajo posterior en impresora óptica.

Robert Breer, originalmente pintor, también se dedica a experimentar con la percepción, y en concreto a lo que ocurre con la rápida alternancia de fotogramas dispares. En la ráfaga veloz que es Recreation, Breer comprime trozos de cartulina, pintura, herramientas, guantes y hasta trozos de pan que se funden en un collage creado en nuestros propios ojos. La abstracción va volviendo al mundo real, y a las posibilidades azarosas de la combinatoria de fotogramas sobre la percepción. La animación de collage, de la que Breer es pionero, es lo que usan Frank y Caroline Mouris en la acumulación obsesiva de recortes de objetos similares clasificados de acuerdo a un hilo autobiográfico, el de Frank, en el que habla de su encuentro con la animación al tiempo que dibuja un retrato de los Estados Unidos consumistas de la postguerra a través, precisamente, de los anuncios coloridos de esos objetos que prometían felicidad y bienestar.

Con los años, la experimentación rigurosa de Breer se va fundiendo en una combinación alquímica perfecta con un componente personal casi diarístico. En Bang!, Breer recupera sus dibujos y obsesiones de infancia en una película en la que caben momentos de flicker, «continuidad discontinua», rotoscopia, crisis existenciales y teléfonos con patas. Y justamente esa capacidad de la animación para expresar lo inexpresable es lo que nos ofrece nuestro último pasadizo secreto: los muy particulares «dibujos animados» de la pintora austriaca Maria Lassnig, que en este autorretrato nos confía los pensamientos y sentimientos particulares y específicos de una mujer volcada en el trabajo creativo.

Fecha. 24 noviembre 2024

Horario. 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio. Auditorio

Precio. 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Orloff y el hombre invisible (La vie amoureuse de l’homme invisible, Pierre Chevalier, 1971). Int.: Howard Vernon, Brigitte Carva, Fernando Sancho. Francia. 35 mm. VOSE*.  Color. 82’

La tumba de los muertos vivientes (Jess Franco, 1982). Int.: Manuel Gelin, Eduardo Fajardo, Lina Romay. España. 35 mm. Color. 87’

En esta noche de brujas, ya tradicional en «Sala:B», sesión doble de miedo para homenajear a una de las productoras por excelencia de la serie B en este continente: Eurociné.

La tumba de los muertos vivientes, dirigida por Jess Franco y coproducida por Eurociné, es una película de zombis nada convencional. Por un lado, parece subirse al carro del zombi italiano de Fulci y compañía, o de El lago de los muertos vivientes de Jean Rollin para Eurociné, pero lo que interesa a Jess claramente no es eso, incluso se burla de ese tipo de gore adolescente. Él pone el foco en un romanticismo decadente y exótico, más cercano al zombi de Tourneur (Yo anduve con un zombie) y a las pasiones más allá de la tumba de las leyendas de Bécquer. Es en la versión española, que cuenta además con Eduardo Fajardo como protagonista, donde se aprecia mejor esta intención, unida a unos fantásticos paisajes desérticos fotografiados por Juan Soler en Gran Canaria. Hay que recordar que el cine de terror en España le debe a Eurociné su primer gran éxito internacional, Gritos en la noche de Jess Franco (1961), que marcó una fructífera relación de unas treinta películas entre el director, Marius Lesoeur y su hijo Daniel, actual director de la productora.

Seguimos con una de las secuelas de aquel bombazo que originó la saga del Dr. Orloff, esta vez dirigida por otro habitual de Eurociné, Pierre Chevalier. Orloff y el hombre invisible continúa la senda de lo que algunos llaman Horrotica, una mezcla de terror gótico y erotismo ligero que la productora explotó a fondo. El título en francés era más explícito, aunque poco apropiado: La vida amorosa del hombre invisible. Este episodio, el único no dirigido por Jess Franco, ha sido muy maltratado por crítica y fans, pero visto en 35 mm y no en las típicas copias machacadas de VHS permite apreciar unas cualidades estéticas y oníricas que merecen más atención. Además, tener a Paco Valladares como galán frente al icónico Howard Vernon (Orloff) es otra anomalía indescriptible de la película.

Presentación a cargo de Daniel Lesoeur, productor y presidente de Eurociné, y Álex Mendíbil, comisario de Sala: B. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 185’)

El paleontólogo José Luis Sanz (Universidad Autónoma de Madrid) es uno de los grandes expertos en dinosaurios y, concretamente, un estudioso de la persistente atracción que estos grandes reptiles han ejercido desde sus orígenes sobre el cine y sobre la cultura popular en su conjunto. Del mismo modo que el invento de los Lumière presenta esa turbadora doble faz que aúna lo científico con lo fantástico, lo imaginario con lo real, en la permanente dinomanía (incluso entre jóvenes y niños) juega sin duda un papel fundamental esa razonable convivencia de lo mitológico con lo natural. De la mano del paleontólogo, propondremos una pequeña historia del cine sobre dinosaurios, desde los tiempos del cine mudo hasta la actualidad. La sesión inaugural (12 de septiembre) irá precedida de una conferencia de acceso libre, en la que el paleontólogo presentará las cinco películas que componen el ciclo.

Fecha: 12.09.2024 — 19.09.2024

Películas del ciclo

El mundo perdido (Harry O. Hoyt 1925)

Una expedición científica británica viaja a una remota meseta de la selva brasileña. Allí encuentran hombres prehistóricos y toda clase de dinosaurios en esta adaptación de la famosa novela de Sir Arthur Conan Doyle. Los efectos especiales corrieron a cargo de Willis H. O’Brien, un pionero de la animación en el cine que desarrolló la técnica de simular la animación por medio de figuras de goma con estructuras metálicas que se movían unos milímetros para cada fotograma.

Jue 12/09, 20:30. A las 19h conferencia de introducción al ciclo a cargo de José Luis Sanz

King Kong (Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack 1933)

Un equipo de cine va a rodar una película a la misteriosa isla de Teschio, al este de Sumatra. Allí los recién llegados descubren la existencia de una civilización prehistórica y de una tribu ancestral que secuestra a la atractiva Ann, la actriz protagonista, para ofrecerla en sacrificio ritual a King, un gigantesco gorila.

Vie 13/09, 19:00

El monstruo de tiempos remotos (Eugène Lourié 1953)

El mítico Ray Harryhausen dirigió los efectos especiales de esta clásica cinta de ciencia-ficción basada en un relato de Ray Bradbury «La sirena». Tras un experimento nuclear, un deshielo provoca la vuelta a la vida de un dinosaurio, que sembrará el pánico entre la población.

Mar 17/09, 19:30

Hace un millón de años (Don Chaffey 1966)

En tiempos prehistóricos, los hombres se guian por sus instintos de supervivencia, compitiendo contra los grandes depredadores y las tribus rivales. En una de ellas, Tumak es expulsado de su clan, el Pueblo de las Piedras, por haberse peleado con su padre. Tras vagar durante días, es salvado por el pacífico Pueblo de las Conchas, y allá Tumak se enamora de Loana, uno de sus miembros.

Mié 18/09, 19:30

Parque Jurásico (Steven Spielberg 1993)

Bienvenidos… a Jurassic Park. Los dinosaurios vuelven a caminar sobre la tierra en una de las obras más queridas y recordadas de Steven Spielberg, adaptación de la magnífica novela de Michael Crichton. Suyo es el honor de haber definido en nuestro imaginario al todopoderoso T-Rex y a los icónicos Velociraptores y que la melodía de John Williams suene en nuestras cabezas siempre que recordamos este título. El multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana.

Jue 19/09, 19:30

Lucecita (José Luis Madrid, 1976). Int.: Analía Gadé. Juan Luis Galiardo, Susana Estrada. España. 35 mm. Color. 96’

Me olvidé de vivir (Orlando Jiménez Leal, 1980). Int.: Julio Iglesias, Isa Lorenzm Carol Lynley. España. 35 mm. Color. 90’

Iniciamos temporada con un programa doble intenso y melodramático, fascinados por la publicación de Criaturas estáticas, un repaso a la historia de la fotonovela y una recopilación de sus mejores páginas.

Empezamos con Lucecita, dirigida por José Luis Madrid, alumno de la EOC especializado en serie B, que reunió a un reparto lleno de caras conocidas: Analía Gadé, Juan Luis Galiardo, Susana Estrada, Narciso Ibáñez Menta o el gran Eduardo Fajardo. Lucecita, una humilde empleada doméstica, trabaja en una casa de alta alcurnia. Su vida se complica cuando conquista el corazón de Gustavo, despertando el desprecio y el odio de las mujeres de la casa. Estamos ante un vodevil lleno de bajas pasiones, mentiras, traiciones y sofocos varios, como necesita toda buena telenovela, origen de este auténtico fenómeno intercontinental. Su autora original, la escritora cubana Delia Fiallo, fue una de las reinas del género, responsable además de enganchar a la España de los noventa con Cristal. Como recuerda Manuel Moreno, autor junto a Maite Zabaleta de Criaturas estáticas, “Lucecita fue una de las fotonovelas más vendidas en los años 70 en España, pero también fue radionovela y película, así como merecedora de libros en los que la intelectualidad intentaba, en vano, entender su éxito.” Como pasa con la serie B, estaba mal visto hacer fotonovelas, radionovelas y telenovelas, pero muchos actores y guionistas sobrevivían gracias a ellas, normalmente con seudónimos.

Había fotonovelas de todo tipo, no solo románticas, también de acción, de terror, de humor y hasta de vidas de famosos. Julio Iglesias tuvo su propia fotonovela y es el protagonista de nuestra segunda película: Me olvidé de vivir, una apología del latin-lover mezclada con un largo comercial de viajes. Según Moreno: “Si en La vida sigue igual Julio Iglesias fue protagonista de su propio biopic, en Me olvidé de vivir protagonizaba una ficción que encajaba perfectamente con sus letras y con el personaje que sus fans se habían creado, digno de fotonovelas.”

Presentan la sesión la actriz Susana Estrada, Manuel Moreno, editor, escritor y coleccionista de revistas baratas, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil.  Duración de la presentación: 10’. (Total sesión: 190’). Antes de la proyección, de 19:30 a 20:00 en el hall del Doré, tendrá lugar la presentación del libro Criaturas estáticas (Libros Walden), de Manuel Moreno y Maite Zabaleta, que contará con la presencia de Manuel Moreno y la editora Ruby Fernández.

LUGAR Y FECHAS

Cine Doré

A Agnès Varda le encantaban el mar y Nantes, y contaba que “sólo necesitaba para vivir una cámara, un ordenador y un gato”. Dicen que los gatos tienen siete vidas; ella tuvo tres: la primera como fotógrafa, la segunda y más larga, como cineasta, la tercera como “joven” artista visual. Desde los años 50 no dejó de reinventar y resignificar el mundo de las imágenes con un compromiso y pasión inigualables. Su trabajo nos invita no sólo a “querer ver”, sino a prestar atención y a amar la complejidad del mundo mediante una mirada insaciablemente curiosa, reflexiva y tierna. Siempre encontró formas alternativas de habitar este mundo y, coherentemente, supo materializar sus impresiones sobre él en formatos no preestablecidos con un estilo profundamente personal.

Este curso necesitaría numerosas sesiones para abordar las mil y una caras de Agnès Varda. Lo que propone son tan sólo algunas puertas de acceso a ciertos temas recurrentes que ella amasó con sus pequeñas manos: la subversión de las imágenes de la maternidad, la fructífera relación entre la ficción y lo documental, el diálogo entre el azar y la escritura más elaborada, el concepto de la autobiografía y la primera persona, así como un pequeño acercamiento a las películas realizadas en su amada California.

15.10.2024
Luces y sombras californianas. Garbiñe Ortega

22.10.2024
Maternidades subversivas. Katixa Agirre

29.10.2024
El azar y la elaboración. Inma Merino

05.11.2024
Lo performativo y el montaje en el cine de Agnès Varda. Diana Toucedo

12.11.2024
“Es como si yo filmara tu autorretrato”: Encuentros entre autobiografía y (auto)retrato en el cine de no-ficción de Agnès Varda. Paola Lagos Labbé

Directores

Garbiñe Ortega

Participantes

Garbiñe Ortega

Katixa Agirre

Imma Merino

Diana Toucedo

Paola Lagos Labbé

Fecha: 15 y 29 octubre, 5 y 12 noviembre 2024
22 agosto 2192

Horario: 18.30 – 20.00

Precio: 55 €, 40 € – Estudiantes, desempleados/as, pensionistas, mayores de 65, Amigos/as del CCCB

La inscripción incluye la entrada gratuita a la exposición «Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» y a las proyecciones de Xcèntric de la temporada 24-25 (sujeto a disponibilidad).

Inscripciones: Inscripción curso presencial
Inscripción curso online

Más información: info@instituthumanitats.org

Idioma: Castellano/catalán

Este curso se enmarca en las actividades paralelas a la exposición del CCCB «Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar».

Agnès Varda, Fotografiar, filmar, reciclar

18 julio — 8 diciembre 2024

Agnès Varda fue fotógrafa, artista, cineasta y pionera de la Nouvelle Vague. La exposición recorre la vida, la obra y las fascinantes historias de una creadora libre, moderna y comprometida con su entorno político y social.

Agnès Varda (Bruselas, 1928 – París, 2019) fue una de las pocas mujeres directoras de su generación. Precursora dentro del movimiento cinematográfico de la Nouvelle Vague, Varda rompió normas y clichés y siempre quiso renovarse. Filmó más de cuarenta películas, entre largometrajes y cortometrajes y entre la ficción y el documental, y trabajó tanto en el cine analógico como en el digital.

La muestra celebra la trayectoria y el talento de una artista original y atrevida, que experimentó y jugó con los múltiples soportes y lenguajes del arte. Antes de ser cineasta, Varda fue fotógrafa y retratista y, de mayor, creó instalaciones artísticas para museos. En la exposición se reúnen por primera vez en Cataluña cuatro de las instalaciones de Varda, aparte de una selección de cortometrajes imprescindibles de su filmografía, que se pueden visionar en salas de proyección en el espacio expositivo.

La exposición también nos descubre la fascinante vida de Agnès Varda, marcada por su carrera de fondo para hacer cine con pocos recursos y reconocimiento y por los viajes, hijos, amistades y relaciones diversas que mantuvo. Varda fue protagonista de la efervescencia social y política de su tiempo: el feminismo, el movimiento hippie o la lucha de los Black Panthers. Y se relacionó tanto con artistas y actores famosos como con personas anónimas y marginales, que quiso representar y dignificar en sus películas.

«Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» refleja el espíritu abierto y viajero de Varda a través de objetos personales, carteles, obras de arte o de los retratos y reportajes de fotos que realizó, algunos de ellos desconocidos o inéditos, como la serie fotográfica de su viaje a Cataluña en 1955.

Para reivindicar la curiosidad y el carácter lúdico y juguetón de Agnès Vardà, abrimos el «Laboratorio Varda», un espacio para adentrarse en el imaginario de la autora o descubrir su fascinación por los gatos, espejos y playas.

Coincidiendo con la exposición, La Filmoteca de Catalunya programa un ciclo en el que se podrán ver las películas esenciales de Varda, como La Pointe Courte (1954), Cléo de 5 à 7 (Cleo de cinco a siete, 1962), Sans toit ni loi (Sin techo ni ley, 1985), Les Glaneurs et la Glaneuse (Los espigadores y la espigadora, 2000) o Visages Villages (Caras y lugares,2017), entre otros títulos.

La exposición «Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» es una adaptación ampliada de la muestra «Viva Varda !», concebida y producida por la Cinémathèque française de París en colaboración con Ciné-Tamaris y la amable contribución de Rosalie Varda y Mathieu Demy.

Directora artística: Rosalie Varda
Asesora de la exposición en el CCCB: Imma Merino

Comisariado: Florence Tissot

Esta actividad forma parte de Verano CCCB

Inauguración: 17 julio 2024

Fecha y horario: 18 julio — 8 diciembre 2024

Precios: 6€ / 4€ reduït

Visitas para grupos y escuelas

La playa de las seducciones (José Luis Gonzalvo, 1967). Int.: Manuel Alexandre, Magda Maldonado, Julio Pérez Tabernero. España. DCP. Color. 88’
S.O.S Invasión (Silvio F. Balbuena, 1969). Int.: Jack Taylor, Mara Cruz, Diana Sorell. España. 35 mm. Color. 87’

Playas, bikinis, barcos, crema solar e invasiones de turistas muy marcianos. Refrescante sesión doble de verano en «Sala:B»

En mayo de 1967, Fraga Iribarne, ministro de Información y Turismo, visitaba con las cámaras del NO-DO los nuevos hoteles de la Manga del Mar Menor, dando oficialidad a la campaña que lo iba a cambiar todo: Spain is different. Pocas semanas después se rodaba en el Hotel Entremares La playa de las seducciones, anteriormente conocida como Una historia sacada de la Manga, película a medio camino entre la españolada, el documental costumbrista y los experimentos pop de la Escuela de Barcelona. El gran Manuel Alexandre interpreta a un empresario tan millonario como cateto, acompañado de su corte y dedicados al arte de no hacer nada en vacaciones. Entre episodio y episodio de tontunas, se cruzará con variopintos personajes, como la exótica Claudia Gravi, en plena explosión tras ser descubierta por Jordi Grau. Debut en el largometraje de José Luis Gonzalvo, que aparecía más en la prensa como marido de La Chunga que por méritos propios, y cuya carrera nunca despegó. El título original hace buena justicia a esta rareza veraniega repleta de humor absurdo, montajes más absurdos y homenajes al slapstick mudo, en flamante TechniScope y Eastmancolor.

S.O.S. Invasión es otra película que parece impulsada por el desarrollismo y los avances turísticos en la península ibérica. Rodada entre el Algarve y Madrid, en espectaculares localizaciones e interiores space-lounge, la trama asocia muy oportunamente el turismo con una invasión alienígena de “suecas robot”, vestidas con pelucones y moda ye-ye. Quien espere que esto tenga algún sentido será incapaz de disfrutar de esta auténtica psicotronía, puro guateque narrativo, despreocupado de hilvanar escenas o de armar nada coherente más allá de la caricatura y el deleite estético. Dirige Silvio F. Balbuena, acostumbrado a la serie B y aficionado a la animación, que probablemente tuvo que montar el film a falta de algunas escenas, lo que añade más psicodelia a la mezcla. Jack Taylor, Mara Cruz, Diana Sorel y José María Tasso parecen disfrutar de este genuino tebeo extraterrestre.

Presentan la sesión la actriz Claudia Gravi y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 190’)

LUGAR Y FECHAS

Cine Doré

El segundo y tercer sábado de cada mes, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.

En el mes de junio, La noche bizarra entra por primera vez en el continente asiático para dedicarle un ciclo al visionario director y guionista indonesio Sisworo Gautama Putra (1938-1993). Folklore indonesio, religión, magia negra y asombrosos efectos prácticos se mezclan en el surreal universo de Sisworo Gautama Putra, en el que nos adentraremos con Satan’s Slave (1980), considerada una de las películas más influyentes de la historia del cine de terror asiático, y Santet (1988), un auténtico y explosivo delirio que dejará al espectador boquiabierto, protagonizado por Suzanna, la reina del terror del sudeste asiático. [Programación y notas: Alberto Sedano]

Películas del ciclo

Satan’s Slave

Sesiones

Después de la muerte de su esposa, un hombre de negocios y sus dos hijos adolescentes están plagados de visiones de fantasmas y demonios, y pronto, las personas a su alrededor comienzan a morir, todo lo cual comenzó después de la llegada de su nueva y misteriosa ama de llaves.

Ficha técnica

Santet

Sesiones

El hijo de un antiguo jefe de aldea acaba de regresar de estudiar en una escuela religiosa y se une a la búsqueda de una mujer que acaba de adquirir poderes de magia negra para vengarse de la muerte de su marido.

Ficha técnica

En esta cita con Cinema 3/99 nos hacemos con una caja de lápices y acuarelas para dar color a los tonos grises que dominan nuestros entornos urbanos. De manera abstracta o figurativa, desde la fantasía a lo más cotidiano, a través de las coincidencias y azares tonales, las películas de esta sesión nos invitan a ver y pensar la gama de colores que nos presenta la vida cada día. El programa viene acompañado de una pieza de encargo de la artista gallega Mariquiña Díaz.

Hudson and Troop “Against The Grain”, Dropbear, Australia, 2011, 3 min.

Los lápices de colores aprovechan cuando nadie los mira para hacer coreografías como las de los viejos musicales de Hollywood. He aquí un raro avistamiento de sus bailes y juegos.

Lapiceros [Värvipliiatsid], Avo Paistik, Estonia, 1973, 9 min.

¿Os imagináis un mundo sin colores? Aquí un malvado lápiz negro recurrirá a mil estratagemas para tragarse a todos los demás colores. Pero quizás en la amistad y la colaboración está la clave. Porque el negro, aunque no lo parezca, también es un color.

Boogodobiegodongo, Peter Millard, Reino Unido, 2013, 4 min.

Os damos la bienvenida a Boogodobiegodongo, un país rarísimo inventado y coloreado con témperas por Peter Millard, un guiñol de seres amorfos que mantienen graciosísimas e incomprensibles conversaciones en amarillo-azul-naranja-rosa-azul-verde.

Floues et colorées, Isabelle Cornaro, Francia, 2010, sin sonido, 3 min.

Un momento de calma aerografiado, en una hipnótica progresión de fluidos coloridos que van formando ante nuestros ojos distintos patrones de batik.

Swanee, Jeff Scher, Estados Unidos, 2019, 2 min.

Una cascada de formas brillantes sobre fondo negro va desfilando por la pantalla, como la partitura de una pianola imaginaria que pudiera leer los colores como si fueran notas musicales.

Ginko Yellow, Amy Halpern, Estados Unidos, 2022, sin sonido, 5 min.

Si nos fijamos, el mundo está lleno de cosas amarillas. Como por ejemplo el color al que se viran las hojas del ginko, un árbol cuyo nombre chino significa “albaricoque plateado” y que existe desde hace 290 millones de años. Y muchos años de antigüedad tiene también otro carismático ser amarillo al que conoceremos en esta película.

The Colors, Abbas Kiarostami, Irán, 1976, 16 min.

El director de El sabor de las cerezas y ¿Dónde está la casa de mi amigo? realizó también muchas películas educativas con la misma sensibilidad e imaginación que el resto de su cine. En esta, nos presenta los siete colores a través de diferentes objetos, vegetales, flores y animales, y a través de las peripecias y fantasías de un chiquillo, en un film lleno de imaginación, humor y belleza formal.

Los colores se juntan, Mariquiña Díaz, España, 2024, 4 min.*

Esta pieza nos lleva de paseo por la ciudad con los ojos bien abiertos a los encuentros fortuitos entre colores que se dan en nuestro día a día, como el amarillo de los buzones, los contenedores del plástico, un plátano y una peluca para el carnaval o el verde de las hojas de los árboles, un vestido y las marcas de aparcamiento para residentes. Un desfile cromático que nos invita a experimentar el placer del descubrimiento a través de la observación de interrelaciones azarosas en nuestro entorno cotidiano.

Un programa de Elena Duque con aportaciones de Gloria Vilches.

*El sábado 27 de abril, la autora de la pieza Los colores se juntan, Mariquiña Díaz, impartirá un taller familiar para experimentar con los colores y el cine sin cámara. + info

Fecha: 27 y 28 abril, 25 y 26 mayo, 8 y 9 junio 2024

Horario: Sábados: 17.00
Domingos: 11.00

Espacio: Hall

Precio: Entrada libre

Pestañas postizas (Enrique Belloch, 1982). Int.: Queta Claver, Carmen Belloch, Antonio Banderas. España. 35 mm. Color. 84’
Poppers (José María Castellví, 1984). Int.: Giannina Facio, Miguel Ortiz, Agustín González. España. 35 mm. Color. 83’

Doble dosis de iconografía queer para celebrar el orgullo con un par de óperas primas que se acabaron convirtiendo en películas de culto.

En los años 80, con el país sediento de modernidad y la efímera, pero huracanada clasificación S, la representación LGTB en el cine empezó a derribar los estereotipos más rancios. A pesar de los cambios, algunas películas preferían mantener sus códigos queer en la ambigüedad, como disfrutando de los últimos vestigios de lo prohibido. En Pestañas postizas muchos podrán leer subtextos gay en el personaje que interpreta un jovencísimo Antonio Banderas (que debutaba en el cine también), un sugar baby de mujeres maduras, amante de míticas vedettes como Queta Claver y rodeado de prostitutas y mariquitas clásicas como la que exagera Paco Valladares. Estamos en un universo de claras raíces fassbinderianas, como se encarga de anunciar el primer plano del film, universo que Enrique Belloch traslada a Madrid con ecos mesetarios y falleros, desde Miguel Delibes al surrealismo, sin renunciar nunca al melodrama artificioso y exaltado. Es esa intensa teatralidad que requiere el género –y de la que Almodóvar ha bebido tanto– el mayor desafío que corre la película con el espectador, arriesgándose a perderle por su ciega pasión por la tramoya, origen y refugio de Belloch.

Poppers engaña ya desde su título y algunos carteles promocionales, prometiendo una fantasía fetichista de estimulantes y cuero que poco representa a la película. Poppers es en realidad un thriller posmoderno que cuestiona la Movida desde dentro, poniendo en duda si las drogas de diseño y los sintetizadores podrán cambiar la España de pandereta, reaccionaria y violenta. Tener a Alfredo Mayo como villano fue todo un acierto, como darle el protagonismo a un escultural Miguel Ortiz, que además pone la música. Fue producida y escrita por Jacinto Santos mano a mano con el director, José María Castellví, novel en el cine pero con una larga carrera como paparazzi de estrellas, desde Julio Iglesias o Sara Montiel a las musas del destape. Castellví no volvió a hacer cine y perdimos no solo a un creador de imágenes fascinantes, sino a un ácido creador de historias.

Presentan la sesión el director Enrique Belloch, el escritor Carlos Barea y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 180’)

LUGAR Y FECHAS

Cine Doré

Viernes           28/06/2024      20:00 h

Juan Domínguez y María Jerez se grabaron durante el confinamiento mientras seguían trabajando por Zoom desde sus respectivas viviendas en Berlín y Madrid. Los barrocos es el resultado de ese trabajo.

Los barrocos, una película de principios de siglo. 2021. 60 min.

A principios del siglo XXI, la pandemia del Covid forzó un confinamiento global. Millones de personas vivieron encerradas en sus casas durante meses. Otros tantos millones debieron salir a trabajar en plena pandemia. Muchos proyectos de diferente índole fueron pospuestos o cancelados.

El formato de videollamada que facilitaron Zoom, Skype o Jitsi fueron algunos de los medios para que muchas personas pudieran comunicarse, teletrabajar y seguir desarrollando proyectos desde sus encierros. Durante este periodo, la noción del tiempo a menudo se veía distorsionada, se incrementaba la atención, las situaciones cotidianas tenían una relevancia sobredimensionada o se convertían en algo totalmente absurdo.

El desconcierto, la incertidumbre, la ansiedad, el ocio, la hiperactividad… Se dieron emociones de todo tipo. La desconfianza, incluso, se podía llegar a sospechar de un picaporte de una puerta a la que llevabas mirando un buen rato.

Dependiendo del carácter y de la situación económica, cada persona vivió este estado de alarma de manera diferente.

Después de los primeros momentos de desconcierto, María Jerez y Juan Domínguez siguieron trabajando en la distancia a través de la pantalla desde sus respectivos confinamientos en Madrid y Berlín. Las imágenes de esta película fueron grabadas desde el interior de sus casas, incluyendo objetos más o menos cotidianos y materiales de trabajo, además de imágenes que se veían a través de sus ventanas y patios.

Un año después decidieron reunirse para editar estas conversaciones visuales.

Los barrocos, una película de principios de siglo es una producción de Juan Domínguez realizada e interpretada por María Jerez y Juan Domínguez. Forma parte del ciclo de cine Tramas, comisariado por Juan Domínguez.

Juan Domínguez es performer, coreógrafo, curador y artista dentro de los ámbitos de las artes performáticas. Su trabajo aboga por la completa disolución entre ficción y realidad: utilizando esta para producir aquella, y viceversa. Trabaja obsesivamente con el concepto de tiempo a través del cual entreteje narraciones de procesos pasados y futuros proyectados, recuerdos y promesas, desestabilizando el sentido del presente, exponiéndolo con capas de realidad temporal, abriendo la posibilidad de un presente que no es ni lineal ni circular, sino vibrante, simultáneamente suspendido y (dis)continuo, buscando siempre un tiempo performativo.

Entre sus trabajos más recientes se cuentan: Tálamo (2020), This Is Not Normal y This Is Still Not Normal (2021-2022), en colaboración con Arantxa Martínez, Rhythm Is The Place (2023). Fue director artístico del festival In-Presentable en La Casa Encendida (2003-2012), co-director del Living Room Festival (2010-2017) y codirector, junto a Arantxa Martínez, del Festival Avant-Garten (Internationales Sommer Festival Kampnagel, 2017).

María Jerez (Madrid, 1978) sitúa su trabajo «entre» la coreografía, el cine y las artes visuales. Más allá del interés, en sus primeras piezas, por las convenciones teatrales y cinematográficas, y la comprensión implícita del espectador de las mismas, en sus últimos trabajos busca cuestionar esta relación abriendo espacios de potencialidad a través de encuentros con aquello que encontramos extraño y ajeno. Su trabajo más reciente insiste en la performatividad del encuentro como espacio de transformación. En este proceso de transformación, el «otro» se aloja en uno mismo, estableciendo bordes difusos entre lo conocido y lo desconocido, el objeto y el sujeto, lo animado y lo inanimado. Su trabajo trata de escapar de las lógicas logocéntricas y antropocéntricas, donde el propio conocimiento humano se convierte en un algo vulnerable ante otros ecosistemas enigmáticos y complejos. María Jerez combina la producción de su trabajo artístico con proyectos pedagógicos, curatoriales y editoriales.

2 junio/12:30 h

El viejecito (1959)

A lo largo de tres meses, Filmoteca Española dedica una retrospectiva integral al cineasta sevillano Manuel Summers, uno de los grandes nombres del Nuevo Cine Español

Manuel Summers. Un verso suelto´ se presentará el 10 de mayo en el Cine Doré con la proyección del documental Summers el rebelde (Miguel Olid, 2024) y de El viejecito (Manuel Summers, 1959), cortometraje que dio inicio a su carrera.

La sesión contará con la presencia del periodista y director Miguel Olid, quien ha indagado en la figura del cineasta a través de entrevistas con directores, críticos y familiares del cineasta.

Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, dedica una retrospectiva completa al cineasta Manuel Summers, uno de los grandes nombres del llamado Nuevo Cine Español. El ciclo `Manuel Summers. Un verso suelto´ se celebrará entre los meses de mayo y julio en el Cine Doré.

Un verso suelto

El genio y humanidad de Manuel Summers llega al fin al Cine Doré. Una retrospectiva completa de este “verso suelto” de la historia de nuestro cine arranca en mayo en Filmoteca Española, saldándose así una deuda pendiente con el cineasta. La degradación de determinadas copias había impedido hasta la fecha su programación, pero una reciente masterización digital de determinados títulos, acometidos por su familia, han hecho posible la celebración de este exhaustivo ciclo que revisita su filmografía.

La sesión de presentación de esta retrospectiva tendrá lugar el viernes 10 de mayo con la proyección del documental Summers el rebelde (2024). La sesión contará con la presencia de su director, el periodista y cineasta Miguel Olid, quien ha indagado en la figura del cineasta a través de entrevistas con directores, críticos y familiares del cineasta. En esta misma sesión se proyectará El viejecito (1959), que dio inicio a su trayectoria como cortometraje de fin de carrera en el IEC (Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas). En él afloraba ya de forma temprana su interés por la muerte y el humor negro, así como su debilidad por contar con actores no profesionales.

Durante el mes de mayo, se proyectarán en el Cine Doré Adiós cigüeña adiós (1971), El niño es nuestro (1973), secuela de Adiós, cigüeña, adiós ; Del rosa… al amarillo (1963), con la que recibió la Concha de Plata al mejor director, entre otros galardones; o la trilogía To er mundo é… (1982 1985), entre otros títulos.

Manuel Summers

Manuel Summers (Sevilla, 1935-1993) destacó desde sus inicios por su personal forma de entender el cine. Una vez admitido en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, sobresalió entre sus compañeros con el cortometraje de fin de carrera, El viejecito (1959), en el que ya afloraba su interés por la muerte y el humor negro.

Su trayectoria continuó con películas como Del rosa al amarillo (1963) y La niña de luto (1964), reflejándose en ambos títulos —imbuidos por su particular sentido del humor— los problemas políticos y sociales de la época. Con la primera debutó por todo lo alto estrenándose en el Festival de cine de San Sebastián y recibiendo la Concha de Plata al mejor director, entre otros galardones. Con la segunda, participó en el Festival de Cine de Cannes. A ellas se suman en estos años iniciales de su carrera obras documentales como la excelente Juguetes rotos (1966) o Urtain, el rey de la selva… o así (1969), crítica de la violencia cotidiana en la sociedad y alegato antibelicista en plena guerra del Vietnam, lo que le ocasionó numerosos problemas con la censura.

Pese a estos problemas y a que, tal y como señala Miguel Olid, en su trayectoria no faltaron elogios, pero también críticas y algún descalabro, gozó de un incontestable éxito con el público: títulos como Adiós, cigüeña, adiós fue visto por 3.500.000 personas en España, en Francia estuvo más de 15 semanas en cartel, en Venezuela más de 20 y, según la publicidad de la época, en Colombia su recaudación superó a la de El Padrino. Llegó, además, a mercados inusuales en el cine español, desde el Lejano Oriente, hasta África, pasando por la península arábiga, entre otros muchos países.

Este éxito pudo facilitar que se atreviese a adentrarse en diferentes géneros y tonos, llegando a las películas musicales que realizó en los 80 con el grupo de moda, Hombres G, liderado por su hijo David. Aunque esta fórmula no siempre es sinónimo de buenos resultados, logró con ellas un gran éxito, no solo en España sino también en Iberoamérica. En estos años, a estos títulos se sumaría su trilogía To er mundo é… (1982 1985).

En la necrológica de su fallecimiento que publicó Basilio Martín Patino en el diario `El País´ destacó que había conocido “a pocos hombres de su genio, con una humanidad más generosamente noble, más bueno, desde su sonrosado aire de colegial díscolo y sentimental. (…) Y se enmascaraba de francotirador insolidario en el papel de lobo al que se le veía la patita bonachona bajo el disfraz”.

El curso, abarca desde los clásicos japoneses (con Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi y Yasujiro Ozu a la cabeza), hasta el cine japonés contemporáneo de Hirokazu Koreeda y el anime; pasando por la cinematografía coreana, oculta a lo largo de los años de dictadura, pero que hoy se ha hecho universal gracias a la Nueva Ola de directores; el cine chino junto al producido en Hong Kong y Taiwán; un repaso a una de los cines más coloridos y variados del mundo como es el cine indio; para continuar repasando las cinematografías del Sudeste Asiático, entre las que se encuentran Filipinas (Lav Diaz), Tailandia (Apichatpong Weerashetakul), Vietnam (Tran An Hun), Singapur, Indonesia y Malasia.

Tras la experiencia adquirida entre 2012-2022, el curso ‘Estudios del cine asiático’, se imparte por primera vez a lo largo de un curso académico para todas aquellas alumnas y alumnos que quieran tener una visión global de las diferentes cinematografías asiáticas.

• Bloque 1. Japón y Corea. De los inicios del cine a las nuevas olas del siglo XX

• Bloque 2. China – Hong Kong – Taiwán: diferencias y similitudes. historia.

• Bloque 3. Inicios del cine en India y sudeste asiático (Tailandia y Filipinas)

• Bloque 4. Japón y corea: de las nuevas olas al cine contemporáneo

• Bloque 5. China: el gigante asiático despierta. Hong Kong y Taiwán: bajo la guardia de la china continental

• Bloque 6. el cine indio: evolución y actualidad. sudeste asiático: Indonesia, Vietnam

• Bloque 7. Filmoteca cine Asia

• Fechas: 14 de octubre 2024 a 19 junio 2025

• Horario: 19h a 21h (lunes y miércoles)

• Precio: 1000€ (reserva de plaza 300€)

• Promoión especial: 900€ las 3 primeras matrículas

Docente

• Gloria Fernández

• Enrique Garcelán

• Víctor Muñoz

• Ricard Planas

• Mariona Borrull

• Víctor Esquirol

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El segundo y tercer sábado de cada mes, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas

Dedicamos el mes de mayo de La noche bizarra a dos auténticas películas de culto, obra del artista, cineasta, poeta y psicomago Alejandro Jodorowsky (Chile, 1929). Dos alucinados viajes cinematográficos que se han convertido en referentes de la contracultura de los años 70, el misticismo audiovisual y el cine más bizarro e inclasificable.

Fecha: 11.05.2024 — 18.05.2024

Precio: [entrada 5,5 € – mayores de 65 y Carnet Joven 4 € – abono 3,6 € – socios 3,5 €]

Películas del ciclo

La Montaña Sagrada

Alejandro Jodorowsky, México/USA, 1973, 1h55 VOSE [Archivo digital]

Considerada una de las películas más misteriosas de la historia del cine, convertida en la película-escándalo de Cannes 1973 por su imaginería blasfema, simbolismo místico y violencia surrealista. Ambas películas se proyectarán en todo su esplendor visual, gracias a nuevas restauraciones 4K supervisadas por el propio Jodorowsky.

Sesión: Sábado 11.05.24 · 22:00

El Topo

Alejandro Jodorowsky, México/USA, 1970, 2h04 VOSE [Archivo digital]

Inauguró el fenómeno de las Midnight Movies en Nueva York. La película se proyectaría durante meses a medianoche en el Elgin Theater de Chelsea, agotando entradas todas las noches. Entre sus fans se encontraba John Lennon, que convenció a su manager Allen Klein para que financiara la siguiente película de Jodorowsky, aportando un millón de dólares y ofreciéndole absoluta libertad creativa

 Sesión: Sábado 18.05.24 · 22:00

Los últimos trabajos de la cineasta chilena Malena Szlam y de la artista catalana Patricia Dauder presentan múltiples correspondencias. Las imágenes y sonidos de algunas de sus películas aluden, por un lado, a ciertas estructuras geológicas de lugares marcados por topografías volcánicas y sísmicas, y, por otro, a ciertas figuraciones cósmicas y astrológicas.

Lunar Almanac, la primera película de Malena Szlam que veremos en esta sesión, es un trabajo que registra en 16 mm el ciclo lunar a través de diversas capas y puntos de vista, creando reverberaciones visuales de este astro obtenidas a través de superposiciones y largas exposiciones. A este trabajo le sigue Altiplano, película filmada en la cordillera de los Andes, en el norte de Chile y en el noroeste de Argentina, que presenta paisajes vibrantes de salinas ancestrales, desiertos volcánicos y lagos de colores acompañados de infrasonidos de volcanes, géiseres y ballenas azules. Por último, Merapi es un estudio fragmentado del paisaje alrededor de la «montaña de fuego», un volcán situado en Indonesia en el que la cineasta chilena observa de cerca ciertos fenómenos corrientes como el movimiento de las nubes, el amanecer y el atardecer y sus variaciones lumínicas.

Insulana, de Patricia Dauder, es un trabajo inspirado en la erupción volcánica que afectó al archipiélago de las Azores entre 1957 y 1958 y que dejó la isla de Faial completamente cubierta de cenizas. La película no pretende trazar la historia de este hecho, sino compilar ciertas huellas donde el presente y el pasado conviven indistintamente, y lo hace mezclando imágenes de archivo y otras filmadas por la artista en su estudio y en los lugares afectados por la erupción. La segunda película que veremos de Dauder, Península, es un trabajo que presenta una yuxtaposición constante de espacios interiores y exteriores, formatos (16 mm y súper-8), color y blanco y negro, para intentar trazar un retrato de lo que es estar físicamente en un lugar y mentalmente en otro. La sesión finalizará con March 5th 1979, que parte de una serie de imágenes fijas que retratan un fenómeno luminoso no identificado que tuvo lugar en el cielo de las Islas Canarias el 5 de marzo de 1979.

Malena Szlam: Lunar Almanac, 2013, 16 mm, sin sonido, 4’; Altiplano, 2018, 35 mm, 16’; Merapi, 2021, 16 mm a digital, 8’.

Patricia Dauder: Insulana, 2021, 16mm a digital, 16’; Península, 2018, digital, sin sonido, 5’; March 5th 1979, 2011, 16 mm, sin sonido, 5’.

Copias de Malena Szlam procedentes de Light Cone. Copias de Patricia Dauder cortesía de la autora.

Fecha: 23 mayo 2024

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

El documental, mucho más que cualquier otro género cinematográfico, funciona como un fantástico sismógrafo que detecta y registra los temblores que agitan la realidad de nuestra época. Ajeno a los mecanismos industriales de producción, permite abrir espacios únicos para la representación de los problemas, la reflexión colectiva y el cuestionamiento del mundo que nos rodea. En este programa, ofrecemos una muestra de nueve sobresalientes documentales de distintas temáticas estrenados en los últimos años en España y otros países, que demuestran la buena salud del género y su compromiso con el presente.

Fecha

Del 5 al 19 de mayo de 2024

Programación

Toda una vida

Marta Romero/ España/2023/(72′).

Hace doce años una nieta empezó a grabar a su abuela: quería atrapar el tiempo que el Alzheimer iba a robarle. Más de una década de material filmado se convierte en una emotiva historia sobre la voluntad de amar.

Nuestra película

Diana Bustamante/Colombia, Francia/2022/(73′)

Nuestra película es una re-visita a esas imágenes que se fueron acumulando en hechos y en reproducciones. Un collage de repeticiones y memorias construido a través de la intervención del archivo noticioso colombiano de los años 80 y 90, y es al mismo tiempo un viaje vertiginoso por el sentido ulterior de esas mismas imágenes que se van descomponiendo y perdiendo sentido.

Tetuán

Iratxe Fresneda/España/2022/(95′)

Basándose en experiencias de la vida real, Iratxe Fresneda nos adentra en un viaje personal en el que pasado y presente se funden en una experiencia visual sobrecogedora y sensorial; desde las tranquilas orillas del Danubio hasta la agitada vida de Madrid, cuatro historias entrelazadas convergen y se pierden en los misterios de Tetuán.

Las canciones de la Tierra

(Fedrelandet)/Margreth Olin/Noruega/2023/(90′)

¿Qué significa estar conectado con la naturaleza? El padre de la directora tiene 84 años. Seguimos sus pasos hasta su casa en la montaña. Nos adentramos en la naturaleza más pequeña y salimos rumbo a los grandes paisajes en los que creció. 

Un gif larguisimo

Teddy Williams/España, Noruega, Grecia/2023/(75′)

Un viaje de observación por el paisaje del aparato digestivo, combinado con un zoom detallado de ciudades y personas que se mueven en los límites de nuestra visión, filmado con un potente teleobjetivo. Estos espacios de imágenes dispares se sostienen mutuamente con la tensión de los cuerpos celestes. El sonido de los movimientos superpuestos a través de diferentes aglomeraciones humanas ofrece un tercer nivel de observación. Las escalas se invierten y los movimientos imperceptibles se desvelan en el GIF más largo que jamás haya visto.

Fail Better

Eva Garrido/España/2022/(70′)

Chicos y chicas de todo el mundo han convertido una plaza de Barcelona en su ágora. Patinan, bailan, aman y habitan espontáneamente un espacio público superando cualquier planificación urbanística previa. Fail Better se acerca a este pequeño universo para mirar detenidamente y escuchar, creando una intimidad desprejuiciada con los jóvenes que vamos conociendo.

Geografías de la soledad

(Geographies of Solitude)/Jacquelyn Mills/Canadá/2022/(103′)

Zoe Lucas, naturalista e investigadora autodidacta, lleva más de 40 años viviendo, cuidando y documentando la isla de Sable. Es la única habitante humana de un rico ecosistema donde conviven caballos salvajes, focas, aves e insectos, pero también adonde llegan montañas de residuos plásticos.

Atlantide

Yuri Ancarani/Italia, Francia, EEUU, Rusia, Catar/2021/(100′)

Daniele es un joven de Sant’Erasmo, una isla en los bordes de la laguna de Venecia. Vive al día, aislado incluso de su grupo de amigos, quienes están muy ocupados explorando los placeres de su culto al barchino, una lancha a motor que marca el estatus dentro de este cosmos único. Una obsesión que se materializa en construir motores cada vez más ambiciosos, y así convertir la tranquila laguna en una auténtica pista de carreras acuáticas. Daniele también sueña con romper el récord de velocidad del barchino, algo que le llevará a lo más alto entre su grupo, pero todo lo que hace para conseguirlo se acaba volviendo en su contra.

La vida secreta de los árboles

(Das geheime Leben der Bäume)/Jörg Adolph/Alemania/2021/(96′)

Cuando Peter Wohlleben publicó su libro La vida oculta de los árboles en 2015, irrumpió en todas las listas de éxitos de ventas de la noche a la mañana: nadie había escrito antes sobre los bosques alemanes como el forestal de la parroquia de Wershofen. Wohlleben nos cuenta de una manera entretenida y esclarecedora sobre la solidaridad y la cohesión de los árboles y toca la fibra sensible de su creciente comunidad de lectores: nos acerca a estas asombrosas entidades vivientes en visitas guiadas por el bosque. Wohlleben viaja a Suecia para ver el árbol más antiguo del mundo; visita negocios en Vancouver que buscan un nuevo enfoque sobre cómo tratar los bosques; se pone del lado de los manifestantes en Hambacher Forst. Sabe que los humanos solo podemos sobrevivir si los bosques están sanos, y estamos ante nuestra última oportunidad.

Delirios de amor: Parpados (Iván Zulueta, 1989). Int.: Marisa Paredes, Eusebio Poncela, Marta Fernández-Muro. España. DCP. Color. 29’

Un parpadeo rojo (Asif Ken, 2024). Int.: Juan Carlos, Salvador Buitrago. España. DCP. Color. 14’

El sexto sentido (Nemesio Sobrevila, 1929). Int: María Anaya, Ricardo Baroja, Faustino Bretaño. España. 35mm. B/N. 79’

Triple sesión y triple salto mortal: tanteamos las relaciones entre el cine de serie B y el cine de vanguardia a lo largo de casi un siglo.

Empezamos por el final: en 1929 con Nemesio Sobrevila y El sexto sentido, un clásico que nos remite a aquellos primeros cine-clubs de Ernesto Giménez Caballero, con quien inauguramos en 2017 «Sala:B», un cine-club muy inspirado por ellos. Como explica nuestro invitado el crítico cultural Javier Mateo “cuando filma El sexto sentido, Sobrevila es consciente de ‘sinfonías urbanas’ cinematográficas como las de Walter Ruttman o Dziga Vertov. El protagonista de su historia, el sabio Kamus, representa con su nombre y apariencia estrafalaria un trasunto de los creadores de vanguardia rusos y alemanes, que van del postexpresionismo a la nueva objetividad y, sobre todo, a la idea de cine puro o de cine-ojo.” Y a la vez, Sobrevila, como Giménez Caballero, no pierde de vista lo popular y hasta lo castizo, incorporando sus referencias vanguardistas en un modelo más cercano y costumbrista, en este caso el melodrama romántico de Carmen, su prometido Carlos y su amigo León, que van a los toros y tienen sus malentendidos y sus tontunas. Podría parecer que Sobrevila está parodiando las vanguardias (él hablaba de “cine de retaguardia”), pero también podemos verlo al revés, como una parodia del cine popular español mojigato, incapaz de mirar a la vanguardia si no es en broma.

Saltamos a 1989 con Párpados de Iván Zulueta, porque sería demasiado fácil poner Arrebato, que reinventaba El sexto sentido en el costumbrismo posmoderno madrileño. Párpados es un episodio de la serie de TVE Delirios de amor, rodado en 16 mm y con extensión de mediometraje. Como Sobrevila, Zulueta era otro practicante de la vanguardia por la vía de lo popular, desde el cine de terror al pop juvenil, y en Párpados practica una especie de comic underground con sus imágenes y actores fetiche para desplegar “un juego de espejos en el que las identidades llegan a fundirse, recordándonos a Persona de Bergman”, según Javier Mateo.

Y, para empezar, el muy reciente corto Un parpadeo rojo de Asif Ken Fernandes, que también aúna cine de género con lenguajes nada convencionales. Tres generaciones lejanas en el tiempo pero no tanto en su visión expandida del cine de serie B.

Presentan la sesión el director Asif Ken Fernandes, Javier Mateo Hidalgo, autor del libro De la llegada en tren a la salida en caravana: 126 hitos de la historia del cine y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 137’)

En un barrio viejo (Nicolás Guillén Landrián, 1963)

Esta sesión propone un diálogo en torno a la obra singular de tres cineastas de la diáspora africana en el Caribe y los Estados Unidos. Las películas de Zeinabu Irene Davis, Nicolás Guillén Landrián y Ben Caldwell se inscriben en una historia del cine experimental como proyecto emancipador y subversivo. A través de la alegoría y el baile, el trance espiritual y el trauma colonial, construyen espacios de imaginación para la memoria afrodescendiente y la búsqueda de su representación.

Influenciados por el Tercer Cine de América Latina y África, los cineastas del movimiento L.A. Rebellion, también conocido como Los Angeles School of Black Filmmakers, se formaron en la UCLA (University of California Los Angeles) desde finales de los sesenta (Ben Caldwell) hasta mediados de los ochenta (Zeinabu Irene Davis). En Cycles (1989), su película de tesis, Davis explora las rutinas de una mujer negra que espera la menstruación, planteando el espacio doméstico como un lugar de autoconocimiento y liberación personal. Los rituales de la vida cotidiana se entrelazan en el sueño con un ritual vudú que celebra la belleza y la creatividad. Tanto en Medea (1973) como en I & I: An African Allegory (1979), Caldwell propone un «contra-archivo audiovisual negro» de fotografías, ilustraciones etnográficas, imágenes escenificadas y documentales, cantos y poemas, historias orales, música y creaciones sonoras afroamericanas, a través de un intenso trabajo de collage fílmico. Como afirmó, «tenemos que hacer que las herramientas trabajen para nuestra historia (…), por eso acabé viendo el cine como una forma de emancipar la imagen».

El eje central de la sesión es el irreverente y reflexivo cineasta afrocubano Nicolás Guillén Landrián. Con más de 21 documentales y rompiendo con las formas de representación dominantes, Landrián disocia radicalmente imagen, sonido y palabra escrita en sus películas, alejándose del documental didáctico tradicional y ofreciendo, a su vez, una aproximación lírica a la cultura popular revolucionaria desde un lugar ambiguo e indeterminado. Los del baile (1965), En un barrio viejo (1963) y Coffea Arábiga (1968) son ejemplos de una expresión personal que le costó la acusación y encarcelamiento por «desviación ideológica», la expulsión del ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos), la posterior censura de su filmografía y, finalmente, su exilio a los Estados Unidos en el año 1989.

Cycles, Zeinabu Irene Davis, 1989, 16 mm a digital, 18’, VOSC; Medea, Ben Caldwell, 1973, 16 mm a digital, 7’, VOSC; Los del baile, Nicolás Guillén Landrián, 1965, 35 mm a DCP, 7’; En un barrio viejo, Nicolás Guillén Landrián, 1963, 35 mm a DCP, 9’; Coffea Arábiga, Nicolás Guillén Landrián, 1968, 35 mm a DCP, 19’; I & I: An African Allegory, Ben Caldwell, 1979, 16 mm a digital, 32’, VOSC.

Proyección en digital y DCP.

Fecha: 26 mayo 2024

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

La reformulación de los géneros, el cuestionamiento de las autorías o la influencia de las nuevas tecnologías, por poner algunos ejemplos, son cuestiones que atraviesan, determinan y condicionan la producción cinematográfica actual. Es necesario, por tanto, tenerlas en cuenta a la hora de abordar cualquier texto fílmico. En este sentido, el curso de verano sobre Tendencias del cine contemporáneo, organizado conjuntamente por LCDC y la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC), tiene por objetivo dotar al alumnado de las herramientas para identificar las posibles mutaciones del cine y desarrollar un discurso crítico propio.

Este curso tiene un carácter teórico-práctico que se organiza a través de un itinerario doble. Por un lado, habrá una serie de sesiones dedicadas a distintos cineastas cuya obra se situará dentro de una tendencia concreta del cine contemporáneo, en las que también veremos cómo se ha acercado la crítica a cada autor. Luego, a lo largo de varias sesiones en forma de taller, el alumnado podrá desarrollar su propia capacidad crítica mediante la escritura.

Semana 1: Zack Snyder, Dennis Villeneuve, Todd Haynes. Taller práctico 1 y 2. Cada día una proyección.
Semana 2: Julia Ducornau, David Lynch, Joanna Hogg. Taller práctico 3 y 4. Cada día una proyección.
Semana 3: Tsai Ming-Liang, Neus Ballús, Ramon Lluis Bande-Carolina Astudillo. Taller práctico 5 y 6. Cada día una proyección.
Semana 4: Guy Maddin, Adam Curtis, Stephen Broomer. Taller práctico 7 y 8. Cada día una proyección.

Docentes

Fco. Javier Millán, Antonio José Navarro, Ramón Alfonso, Daniel Pérez Pamies, Jesús González Notario, Eulàlia Iglesias, Marla Jacarilla, Ignasi Franch, Mariana Freijomil, Mireia Iniesta, Guillermo Triguero, Paula A. Ruiz, Vanessa Agudo, Esteve Plantada.

• Fechas: del 1 al 26 de julio 2024

• Horario: 9h a 14h

• Precio: 700€

• Con la insripción un código de filmin gratis (mensual)

Programa

https://lacasadelcine.es/wp-content/uploads/2023/04/Escuela-de-verano-2024.pdf

La cineasta, fotógrafa, bailarina, archivista y profesora neoyorquina radicada en Los Ángeles, Amy Halpern, quedó injusta e inexplicablemente marginada del canon de la escena vanguardista. En 2020, el programa que le dedicamos en Xcèntric, con la presencia de la autora, contribuyó a otorgar a su obra el reconocimiento que merecía. Halpern nos dejó en 2022, pocos meses después de su segunda visita a nuestro país para asistir al (S8) Mostra de Cinema Periférico de A Coruña. Le rendimos ahora homenaje con la proyección de su único largometraje, la enigmática Falling Lessons.

Hasta 200 rostros transitan por la pantalla junto a otros retratos de animales, lugares y gestos. Aunque el título anuncia caídas, los fugaces rostros aparecen y desaparecen como centellas en panorámicas o travellings irónicamente ascendentes. La película juega con una poética formal y sintética, un protagonismo colectivo y abstracto, un montaje rítmico y el uso ingenioso de la lente volteada. Situada en la mitad de sus cinco décadas de profesión, Falling Lessons (1991) reúne los elementos esenciales del personal estilo de Halpern: una economía de los recursos y una libertad expresiva del lenguaje cinematográfico. Aquí indaga en el misterio del retrato personal y espacial, en el potencial hipnótico de la mirada, como en The Glance (1972) y The Unowned Luxuries #3 (2020). Su banda sonora reverbera sobre la disposición fugaz de la imagen, en rima con los objetos o sujetos filmados. Estos «arrebatos» o «rapsodias» lumínicos, en palabras de la autora, resuenan con sus obras silentes Peach Landscape (1973) o Filament (The Hands) (1975). El mínimo elemento cobra luz fruto del dominio de la mecánica del cine.

Falling Lessons, Amy Halpern, 1992, 16 mm, 64’.

Proyección en 16 mm.

Copia procedente de Light Cone.

Fecha: 19 mayo 2024

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

El segundo y tercer sábado de cada mes, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.

Para celebrar el primer aniversario de La noche bizarra, hemos preparado una segunda parte (y esperamos que vengan muchas más) del primer ciclo que programamos, Lucio Fulci: Poéticas del horror. Celebramos así la figura de Lucio Fulci, cineasta fundamental del cine fantástico de los años 70-80 que, pese a influir en directores como Quentin Tarantino o James Wan y disfrutar de cierto reconocimiento entre los fans del género, aún no ha sido suficientemente reivindicado. Apodado el “padrino del gore” por la explícita y violenta brutalidad de sus películas, su cine está también plagado de visiones poéticas y alucinaciones pesadillescas.

Películas del ciclo

Demonia

Lucio Fulci, Italia, 1990, 1h29 VOSE [Archivo digital]

Dos arqueólogos investigan unas excavaciones teñidas con sangre a causa de ciertos crímenes atribuidos a la mafia. Sin embargo, el lugar donde trabajan aparentemente fue sitio de reunión de antiguos satanistas y aún hay alguna presencia demoniaca.

Sesión

Sábado 13.04.24 · 22:00

Aenigma

Lucio Fulci, Italia, 1987, 1h29 VOSE [Archivo digital]

Lucio Fulci definió esta película como «una versión de ‘Carrie’ con dos personajes principales». Telepatía, bromas pesadas en el internado, y una venganza sangrienta.

Una joven es atropellada y queda en estado de coma. El accidente sucede mientras escapa avergonzada después de sufrir una broma de mal gusto de sus compañeros. Desde el hospital se comunica mentalmente con otra muchacha que mata uno por uno a los chicos y así se venga de los que se rieron de ella.

Sesión

Sábado 20.04.24 · 22:00

Quasi at the Quackadero (Sally Cruikshank, 1976)

Movida por el deseo y la curiosidad de ver moverse sus dibujos, Sally Cruikshank estudió animación en el Art Institute de San Francisco a principios de la década de los setenta, y pronto se convirtió en una de las figuras más destacadas y originales de la animación experimental. Influenciada por los cartoons clásicos de los años treinta (Max Fleischer, Winsor McCay o Carl Barks) y el comic underground (Robert Crumb), sus películas se caracterizan por una desbordante y alucinada imaginación, un estilo visual psicodélico de aire retro, excéntricos personajes antropomórficos y una narrativa surrealista, frenética y anárquica, aderezada con un peculiar sentido del humor.

Cruikshank realizó su primera animación corta, Ducky (1971), con una cámara Bolex de 16 mm unida a una ampliadora de fotos. Hecha con acuarelas y animación sobre papel, en ella aparece ya un prototipo de Quasi, el personaje que reaparecerá en sus futuros trabajos con su forma definitiva: un pato amarillo con una capa roja y gafas de culo de vaso. Animada por esa primera experiencia, Cruikshank se matriculó en el Art Institute de San Francisco, donde bajo la tutela del cineasta Larry Jordan realizó su segunda animación, Fun on Mars (1971), en la que emplea, además de acuarelas, ceras, recortables y collage. Para su tercera animación, Chow Fun! (1972), alternó animación en papel y recortes pegados en celdas de animación.

Su obra más conocida es Quasi at the Quackadero (1975), una de las primeras películas contraculturales que se hizo popular en el circuito de exhibición de medianoche (como sucedería un par de años más tarde con Asparagus, de Suzan Pitt). Se trata de una bizarra aventura protagonizada por dos patos parlantes, Quasi y Anita, una deslenguada femme fatale a la que da voz la propia cineasta, que visitan un delirante parque de atracciones en el que pueden llevarse un dibujo de sus pensamientos, conocer a sus reencarnaciones anteriores o viajar en el tiempo. Dibujada laboriosamente sobre acetatos transparentes, con la ayuda ocasional de amigos animadores, la película tardó dos años en completarse. Junto con Make Me Psychic (1978) y Quasi’s Cabaret Trailer (1980), con las que comparte los personajes centrales, esta película compone la trilogía «Art Deco», un estilo visual muy apreciado por la artista, que lo lleva a un terreno personal insuflándole sus característicos colores vivos y surrealismo alucinógeno.

En los años siguientes, Cruikshank compaginó la creación de sus propios cortometrajes independientes con la realización de anuncios o secuencias de créditos y animaciones para películas de Hollywood, así como colaboraciones para Sesame Street, por donde pasaron también otros muchos animadores experimentales como Al Jarnow o Jane Aaron.

Las películas de Sally Cruikshank no envejecen, porque existen en su propio universo, absolutamente libre, en el que cualquier cosa puede suceder. En palabras de la autora: «Animation is this sort of open door to fantasy-land, you’re only limited by what you can draw».

Sally Cruikshank: Ducky, 1971, 16 mm, 3,5’; Fun on Mars, 1971, 16 mm, 4,5’; Chow Fun!, 1972, 16 mm, 4’; Quasi at the Quackadero, 1976, 35 mm, 10’; Make Me Psychic, 1978, 35 mm, 8’; Quasi’s Cabaret Trailer, 1980, 35 mm, 2,5’; Face like a Frog, 1988, 35 mm, 5,5’.

Proyección en 16 mm y 35mm.

Copias procedentes del Academy Film Archive.

Fecha: 16 mayo 2024

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio. Auditorio

Precio:  4 € / 3 € Reducida

Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido

Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.