Categoría: Eventos

El siempre controvertido John Waters y cuatro directoras que se introdujeron en el sistema de Hollywood en los años 70 completan la programación desviada de Cineteca para este mes

También el arte sonoro y el cine negro mostrarán su cara más insólita de la mano de los programas presentados por José Iges y Juan Dos Ramos

Una nueva entrega del ciclo Confesionario y las proyecciones del Japanese film festival se suman a las habituales secciones de Cineteca Madrid completando su programación

Cineteca conmemorará el Año Nuevo chino con la proyección de la película Chinas, de Arantxa Echevarría

Cineteca, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se desvía este mes de febrero de las vías principales de la historia del cine para reivindicar los caminos secundarios al encuentro de estilos híbridos y cruces insólitos entre géneros. El 30 aniversario de Los asesinatos de mamá será celebrado con un foco dedicado a la figura de John Waters y se ofrecerá una selección de musicales westerns y thrillers que escapan de los cánones establecidos.

Son muchos los directores que se han servido de los códigos establecidos de los géneros cinematográficos, manipulándolos y transgrediéndolos para encontrar nuevas formas de contar las cosas. En este programa, Cineteca recupera clásicos del cine que han utilizado la hibridación y la introducción de temas insólitos en películas de género para abrir nuevas vías en la exploración de los límites del medio cinematográfico.

El primer género elegido para mostrar películas transgresoras es todo un clásico de Hollywood: el western, dentro del ciclo Westerns desviados. El jueves 1 de febrero se proyectará First Cow (Kelly Reichardt, EEUU, 2019, 121’). A continuación, la multioscarizada Brokeback Mountain. En terreno vedado (Ang Lee, EEUU, 2005, 129′), que cuenta la historia de dos vaqueros gais, y Dead Man (Jim Jarmusch, EEUU, 1995, 124′), con un elenco plagado de estrellas como Johnny Depp, Billy Bob Thornton o el mismísimo Iggy Pop, que completa la triada.

En la sección dedicada a las películas desviadas del cine de terror, destaca la proyección de Anticristo (Dinamarca, 2009, 105′) del director danés Lars Von Trier, programada para el miércoles 7 de febrero. Además, se podrán ver la inquietante Crash (Canadá, 1996, 98’), de David Cronenberg y El asesino del taladro (Abel Ferrara, EEUU, 1979, 96′), ambientada en las calles más sórdidas de Nueva York.

También el género musical tiene muestras de películas que se salen de los cauces de los temas más convencionales a lo largo de la historia del cine. Cineteca proyectará, a finales del mes de febrero, Annette (Leos Carax, Francia, 2021, 140′) y El fantasma del paraíso (EEUU, 1974, 92′), del siempre sorprendente Brian de Palma.

Desvíos sónicos, encuentros con José Iges
Siguiendo con los desvíos, el sonido es el protagonista de este programa comisariado y presentado por el artista sonoro José Iges que, a lo largo de cuatro sesiones, esbozará una historia personal y sentimental del arte sonoro y sus precedentes, apoyada en la escucha de piezas de artistas fundamentales. Cuatro viajes inmóviles a través de paisajes, relatos, procesos y significados de géneros tan dispares como la escultura sonora, la instalación, el radioarte, el concierto o la acción, que tendrán lugar todos los jueves a partir del día 8 de febrero.

Gangsters maricas, extravagancia y furia en el cine negro
Otra muestra de desvío, esta vez en el cine negro: Cineteca presenta el programa Gangsters maricas, comisariado y presentado por Juan Dos Ramos, inspirado en su ensayo del mismo título, que documenta la infiltración de la figura del gangster queer en películas del cine negro americano y británico a lo largo del siglo XX, invitando a revisar la idea de masculinidad asociada con el género. Son cinco películas que recorren más de medio siglo de historia del cine, donde se encriptan códigos y personajes que hoy se asocian con las identidades disidentes comenzando por Gilda (EE. UU., 1946, 112′) de Charles Vidor, con los inolvidables Rita Hayworth y Glenn Ford como protagonistas.

Completan el ciclo Al rojo vivo (Raoul Walsh, EEUU, 1949, 114′), Performance (Nicolas Roeg, Reino Unido, 1970, 100′), Carretera perdida (David Lynch, EEUU-Francia, 1997, 134’) y la obra maestra del cine negro, Los sobornados (Fritz Lang, EEUU, 1953, 90′).

John Waters. Buscando la belleza en la basura
El siempre provocador director de Baltimore protagoniza con su obra este ciclo de tres películas que se debaten entre la poesía desenfrenada de Jean Genet y el naturalismo desprejuiciado de Andy Warhol, rompiendo sistemáticamente las reglas del cine de Hollywood. Cineteca aprovecha el 30 aniversario de Los asesinatos de mamá (EEUU, 1994, 97′), que se proyectará el jueves 29, para reivindicar el papel fundamental de Waters en la creación de un cine desviado, presentando además las siguientes obras: Hairspray, fiebre de los 60 (EEUU, 1988, 92′) y Cry-Baby (El lágrima) (EEUU, 1990, 85′).

Working girls. La generación perdida del nuevo cine estadounidense
El ciclo Working Girls. La generación perdida del nuevo cine estadounidense presentará la obra de cuatro directoras que se introdujeron en el sistema de estudios de Hollywood en los años 70: Nancy Savoca, Claudia Weill, Joyce Chopra y Joan Micklin Silver. En un circuito comercial preponderantemente masculino, desarrollaron filmografías únicas y marcadas, si bien nunca de forma explícita, por la eclosión del feminismo.

Este programa de Irene Castro y Noah Benalal, fundadoras del proyecto Roedor que se dedica a la recuperación de películas poco conocidas en nuestro país, acercará a Cineteca los siguientes títulos: Household Saints (Nancy Savoca, EEUU, 1993, 124′), Las amigas (Claudia Weil, EEUU, 1978, 86′), Palabras suaves (Joyce Chopra, Reino Unido-EEUU, 1985, 92′) y A Fish in the Bathtub (Joan Micklin Silver, EEUU, 1998, 96′).

Estrenos y segundo mes de Confesionario: El cine iluminado de Sandra Davis
Los estrenos que Cineteca ofrecerá en febrero incluyen la proyección de Mudos testigos (Luis Ospina, Jerónimo Atehortúa Arteaga, Colombia, 2023, 79′), película póstuma de Luis Ospina en colaboración con Jerónimo Atehortúa, que narra una fantástica historia de amor construida a modo de collage con metraje encontrado de películas mudas colombianas de principios del siglo XX. También se proyectarán las últimas películas de Ion de Sosa Mamántula (España, 2023, 45′) y Velasco Broca Alegrías riojanas (España, 2022, 28′), que transgreden sistemáticamente los códigos de los géneros cinematográficos en historias desbordantes de imaginación. Entre otros estrenos, se podrán ver dos de las últimas obras del infatigable Pablo Llorca: Película del hierro y la nieve (España, 2023, 107′) y Sexo, drogas, rock ‘n’ roll y política. Instituto Santamarca 1975–1985 (España, 2024, 118′).

La sesión del programa mensual Confesionario, comisariado por el artista e historiador Pablo Marín, trae a Cineteca este mes la obra de la norteamericana Sandra Davis, figura insólita del cine de vanguardia. Se proyectarán tres de sus películas en formato de 16mm.

Japanese film festival: Special world tour 2024 y otras secciones
Además, el mejor cine japonés contemporáneo llega un año más a Cineteca Madrid de la mano de la Fundación Japón, con una muestra de seis películas que dan cuenta de las inquietudes de las nuevas generaciones de cineastas japoneses. Las proyecciones irán acompañadas por presentaciones de expertos y cineastas que acercarán la realidad de un panorama cinematográfico tan desconocido como estimulante.

Tampoco faltarán a su cita mensual las secciones más habituales de Cineteca como Cinezeta, Cineteca en familia, Relatos del ruido, Así son las cosas, La noche Z, Imprescindibles TVE, Ciclo Docma o CIMA en corto, además del pase especial de El dulce sabor del éxito (Emanuele Giusto y Carlos Tejeda, 2020, España, 75’). En conmemoración del Año Nuevo chino, se proyectará Chinas (2023, España, 118’), de Arantxa Echevarría, que muestra desde dentro la vida de una familia de la comunidad china residente en Madrid.

La programación de febrero en Cineteca Madrid incluye varios títulos no recomendados para menores de 18 años: El asesino del taladro (Abel Ferrara, EEUU, 1979), Los asesinatos de mamá (John Waters, EEUU, 1994), Crash (David Cronenberg, Canadá, 1996), Anticristo (Lars Von Trier, Dinamarca, 2009), Molina’s Ferozz (Jorge Molina, Cuba, 2010) y Mamántula (Ion de Sosa, España-Alemania, 2023).

Straits of Magellan: Drafts & Fragments (Hollis Frampton, 1974)

¿Es el cine un invento sin futuro? Esta sesión dedicada a Hollis Frampton intenta, de alguna manera, responder a esa pregunta y, además, percibir qué papel jugaron las primeras películas, incluidas las de los hermanos Lumière, y la historia del cine en la obra del cineasta americano.

Hollis Frampton realizó Public Domain y Straits of Magellan: Drafts & Fragments en un momento en que su obra giraba alrededor de Magellan, su último gran ciclo inconcluso de películas. Esta obra inacabada explicita una concepción del cine y de su historia desvinculada de lo artístico y enlazada con todos los materiales que se filmaron, no importa con qué propósito, una especie de film infinito, en el que el cineasta de Ohio trabaja como un arqueólogo intentando restituir algunos de sus monumentos. En esta sesión intentaremos rastrear algunos de ellos, más concretamente los vinculados con las primeras películas que se realizaron, como las de los hermanos Lumière o las de Edison.

Frampton pasó mucho tiempo en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos investigando su colección de películas impresas en papel, filmes del llamado periodo «primitivo» hechos antes de 1912 cuyos derechos son de dominio público. Planeaba usar muchas de estas piezas, de aproximadamente un minuto de duración, como leitmotiv compositivo de Magellan. De este trabajo de archivo resultó, entre otras obras, Public Domain, compuesta por películas antiguas ordenadas alfabéticamente, entre las que se incluye Record of a Sneeze (1894) y Electrocuting an Elephant (1902), de Edison.

Por otro lado, Straits of Magellan configura un catálogo de «actualidades» hecho por Frampton que evoca el cine de los hermanos Lumière. En muchos casos se trata de una alusión directa, como en la reelaboración que el cineasta americano hizo de Démolition d’un mur (1895); en otros, metafórica: los operadores Lumière, al igual que Magallanes, viajaron por todo el mundo atrapando imágenes de distintos parajes. De las 720 películas mudas de un minuto que Frampton tenía previsto rodar, solo se hicieron 49, pero estos bocetos y fragmentos son un elemento central de Magellan, que, además de evocar el primer cine, reflexionan, a través de una serie de analogías, sobre lo que significa ver en el cine.

Hollis Frampton: Public Domain, 1972, sin sonido, 14’; Drafts & Fragments Straits of Magellan, 1974, sin sonido, 51’.

Proyección en 16 mm.

Copias procedentes de The Film-Makers’ Cooperative.

Fecha: 22 febrero 2024

Horario: 19.00

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Hay que zurrar a los pobres / Un millón de amigos, 190′

•  Hay que zurrar a los pobres (Santiago San Miguel, 1991). Int.: Francisco Casares, Agustín González, Juan Ribó, Mireia Ros. España. 35 mm. Color. 90’

• Un millón de amigos (Fernando Merinero, 2007). Int.: Álex de la Nuez, Miguel Esteban, Francisco Jurdao Arrones, Javier Jurdao. España. DCP. Color. 83’

  Invitamos al director Fernando Merinero a una sesión doble con una de sus comedias más gamberras y nos trae una recomendación con sabor a decadencia baudelairiana y a esperpento.

  Para Merinero, Hay que zurrar a los pobres parece protagonizada por los deudos de los mendigos de Viridiana, pero el director Santiago San Miguel va más atrás y agradece en los créditos la inspiración de Baudelaire. El título remite claramente a uno de los poemas en prosa del autor francés, donde narra precisamente la paradoja que abre y cierra la película.  Merinero nos descubre aquí otra de esas producciones malditas del cine español, que ni con un reparto espléndido, ni con una fotografía del maestro José Luis Alcaine o con la presentación en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, consiguió evitar la indiferencia de crítica y público. En la carrera de San Miguel había hasta entonces películas personales como Adiós, Alicia y La casa del paraíso, y productos de crónica negra a la sombra de El crimen de Cuenca. Con esta película de muy bajo presupuesto intentó recuperar un cine que ya no se estilaba en los 90, con raíces literarias y un costumbrismo oscuro situado entre Berlanga y Ferreri. Hay que zurrar a los pobres bien podría pasar por un precedente de La comunidad de Álex de la Iglesia, con esa cochambrosa pensión Ezequiel y sus extravagantes inquilinos, pero en clave más amarga y simbólica.

Siguiendo el símil de Merinero, el protagonista de Un millón de amigos, Javier Jurdao, no desentonaría como huésped de la pensión Ezequiel; sus diatribas sobre el capitalismo, la religión o las mujeres, podrían haber sido tertulias de sobremesa con palillo en boca y copazo de sol y sombra. Hoy en día suenan a cómico anclado a otra época, que convierte su desubicación en un estilo de vida. Merinero se aproxima a la familia Jurdao como si fuera una versión malagueña de los Panero de El desencanto, más pillos y vividores, con el padre Francisco Jurdao como ‘intelectual con seis carreras’ que ni su exmujer reconoce. La película, reconoce Merinero, trata de empatizar con ellos mientras se ríe de sí misma y se desmitifica.

Presentan la sesión el director Fernando Merinero y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).

La Filmoteca Española dedicará una retrospectiva a Patric Chiha, director de ‘La bestia en la jungla’ durante los meses de febrero y marzo. El ciclo, titulado ‘PATRIC CHIHA. COREOGRAFÍAS DEL DESEO’, contará con la proyección de sus anteriores películas: Domaine (2009), Boys Like Us (2014), Brothers of the Night (2016) y Si esto fuera amor (2020)

La retrospectiva dará el pistoletazo de salida el 22 de febrero con el preestreno de LA BESTIA EN LA JUNGLA en el Cine Doré, sede principal de la Filmoteca. El evento contará con la presentación y posterior coloquio con Patric Chiha, director de la película. Al día siguiente comenzará el ciclo dedicado a su obra. Según Álex Mendíbil (Investigador, guionista y programador), «si sigues los movimientos de Fassbinder, Kenneth Anger, Dennis Cooper o Gisèle Vienne, te acabas cruzando inevitablemente con el cine de Chiha»

LA BESTIA EN LA JUNGLA  – Jueves 22 de febrero a las 20:30h – Sala 1
*PREESTRENO: Presentación y coloquio a cargo del director Patric Chiha y del historiador y programador Álex Mendíbil

DOMAINE – Viernes 23 de febrero a las 17:30h – Sala 1
BOYS LIKE US – Sábado 24 de febrero a las 19:30h – Sala 2
BROTHERS OF THE NIGHT – Martes 27 de febrero a las 20:30h – Sala 1
SI ESTO FUERA AMOR – Miércoles 28 de febrero a las 21:00h – Sala 1

Patric Chiha es un cineasta austriaco de origen húngaro y libanés, nacido en Viena (Austria) en 1975. Se trasladó a París a los 18 años para estudiar diseño de moda. Luego cursó estudios de edición de cine en la Escuela de Cine INSAS en Bruselas. Sus cortometrajes y documentales, como Home y Les Messieurs, han sido seleccionados en diversos festivales de cine. En 2009, dirigió su primera película, Domaine, protagonizada por Béatrice Dalle, que se estrenó en el Festival de Venecia. Le siguieron Boys Like Us en 2014, y los documentales Brothers of the Night en 2016 y Si esto fuera amor en 2019, ambos estrenados en la Berlinale. La bestia en la jungla (2023) es su quinta película.

Un programa comisariado y presentado por Juan Dos Ramos, inspirado en su ensayo Gangsters maricas, que documenta la infiltración de la figura del gangster queer en películas del cine negro americano y británico a lo largo del siglo XX, invitándonos a revisar la idea de masculinidad que asociamos con el género. Cinco películas que recorren más de medio siglo de historia del cine, donde se encriptan códigos y personajes que hoy asociamos con las identidades disidentes.

Programación

Gilda. Charles Vidor. EE.UU. 1946. (112′)

Johnny Farrell llega a Argentina a finales de la Segunda Guerra Mundial en busca de trabajo. Lo encuentra como gerente de un club nocturno propiedad de Ballin Mundson. Farrell descubre sorprendido que la nueva esposa de Mundson es Gilda, su antigua amante. Ella juega a la ambigüedad con ambos hombres hasta que Farell descubre el verdadero negocio que se esconde tras el club.

Febrero Martes 13  20:00 h  Sala Azcona

Al rojo vivo. (White Heat). Raoul Walsh. EE.UU. 1949. (114′)

Después de asaltar un tren que transportaba 300.000 dólares y asesinar a los maquinistas, Cody Jarret y su banda huyen con el dinero, pero son perseguidos por agentes federales que sospechan que Cody es el autor del robo. Una vez preparada una coartada perfecta, Cody se entrega a la policía y es condenado sólo a dos años de prisión; sin embargo, los agentes del Tesoro, convencidos de que fue el cerebro del asalto, le tienden una trampa.

Febrero. Miércoles 14. 20:00 h. Sala Azcona

Performance. Nicolas Roeg. Reino Unido. 1970. (105′)

Chas es un performer de la mafia, un matón a sueldo que aplica curiosas y artísticas torturas a sus víctimas. Cuando surge un problema con su capo, se ve obligado a huir, y decide esconderse en el sótano de una antigua casa de un suburbio de Londres. El casero, una ex estrella de rock, Turner, vive con dos mujeres con las que forma un trío, y se pasa el día comiendo setas alucinógenas e improvisando con la guitarra. Al principio, Chas y Turner chocan, pero poco a poco, en un viaje de conocimiento mutuo, se darán cuenta de que ambos son performers y que tan sólo una delgada línea les separa.

Febrero. Jueves 15.  20:00 h. Sala Plató

Carretera perdida.  David Lynch. Estados Unidos. 1997. (134′)

Fred Madison, un músico de jazz que vive con su esposa Renee, recibe unas misteriosas cintas de vídeo en las que aparece una grabación de él con su mujer dentro de su propia casa. Poco después, durante una fiesta, un misterioso hombre le dice que está precisamente en su casa en ese instante. Las sospechas de que algo raro está pasando se tornan terroríficas cuando ve la siguiente cinta de video…

Febrero. Sábado 17. 20:00 h. Sala Azcona

 Los sobornados. (The Big Heat). Fritz Lang. EE.UU. 1953.(90′)

Tras suicidarse, el policía Tom Duncan deja una carta en la que confiesa haberse dejado sobornar por una banda de gángsters, pero también denuncia la corrupción de altos funcionarios. Cuando el sargento Dave Bannion trata de esclarecer su muerte tropieza con toda clase de obstáculos.

Febrero. Domingo 18.  20:00 h. Sala Azcona

A Study in Choreography for Camera (Maya Deren, 1945)

Maya Deren exploró una nueva forma cinemática para crear un cine-ritual. Este programa agrupa sus obras más relevantes en esa obsesiva investigación, intelectual y pasional, que quedó en parte inacabada y como promesa de un cine posible y que atraviesa toda su trayectoria: el cine como forma de meditación y poética de la metamorfosis, a fin de «buscar la verdad que es más extraña que la ficción».

Desde su aprendizaje en los cuarenta junto a la antropóloga y coreógrafa Katherine Dunham (de la que proyectamos una breve filmación) hasta el estudio de la película rodada en Bali por Margaret Mead y Gregory Bateson (que también se incluye en la sesión), y a lo largo de sus viajes a Haití, Maya Deren se impregnó de los rituales de posesión, el trance, el vudú: «El arte se basa en la noción de que, si quieres realmente celebrar una idea o principio, debes pensar, debes planear, debes ponerte a ti misma en un completo estado de devoción…».

Con A Study in Choreography for Camera —de la que mostramos la versión montada de tres minutos y los outtakes que muestran su técnica compositiva—, Deren se situó detrás de la cámara para filmar/danzar con Talley Beatty, un bailarín de la compañía de Dunham, y representar la liberación de su cuerpo del mundo real, el pasaje físico y espiritual de un estado a otro, y la coreografía fílmica de cuerpo, objetos y naturaleza. Ritual in Transfigured Time muestra el encuentro enigmático entre Rita Christiani y Maya Deren, inmersas en el ritual de devanar lana de un telar. Meditation on Violence, en la que filma a Chao-Li Chi y por primera vez utiliza materiales musicales de la cultura haitiana, explora el ritual de Wu Tang y la transformación de la violencia en belleza. Stan Brakhage, que la consideraba la película más personal de Deren, señaló al respecto: «No aparece en la película, pero ella es la cámara. Se está moviendo, está respirando en relación con el bailarín».

Entre 1947 y 1955, Deren hizo cuatro viajes, durante 21 meses, a Haití, filmando abundante material con una cámara Bolex sobre la danza y la posesión en la cultura vudú, en un proyecto que quedó inconcluso y que también dio lugar a un libro. Después de la muerte de Deren, una versión de Divine Horsemen. The Living Gods of Haiti fue montada por Teiji Ito, su última pareja. Maya Deren: «Terminé filmando humildemente y lo más preciso que pude. Las lógicas de aquella realidad me forzaron a reconocer su integridad y abandonar mis manipulaciones».

A Study in Choreography for Camera, Maya Deren, 1945, 16 mm, sin sonido, 3’; A Study in Choreography for Camera – Outtakes, Maya Deren, 1945, 16 mm, sin sonido, 16’; Ritual in Transfigured Time, Maya Deren, 1946, 16 mm, sin sonido, 14’; Meditation On Violence, Maya Deren, 1948, 16 mm, 12’; Katherine Dunham Performing Ballet Creole, British Pathé, 1952, 16 mm a digital, 2’; Trance and Dance in Bali, Margaret Mead y Gregory Bateson, 1968, 16 mm a digital, 20’; Divine Horsemen: the Living Gods of Haiti, Maya Deren, 1947-51, 16 mm, 55’.

Proyección en 16 mm y en digital.

Copias en 16 mm procedentes de Light Cone. Copia de A Study in Choreography for Camera – Outtakes procedente de LUX. Copia de Katherine Dunham Performing Ballet Creole procedente de British Pathé.

Fecha: 11 febrero 2024

Horario: 18.30

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

Cada sábado noche, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.

Castillos en ruinas, playas desiertas, cementerios o parajes brumosos de la campiña francesa son algunos de los escenarios habituales del cine de Jean Rollin (1938-2010), el cineasta que llevó el popular género del cine de vampiros a los terrenos más oníricos, poéticos y personales. Descrito como “una de las imaginaciones más puras jamás consagradas al género de terror” (Tim Lucas), la obra de Jean Rollin nos sumerge, con una bellísima fotografía, en esos parajes en los que el tiempo parece estar detenido y que están poblados de rituales, vampiresas, muertos vivientes y fantasmas. Desde La noche bizarra, nos enorgullece presentar, por primera vez en España y en la gran pantalla, las nuevas restauraciones de cuatro de las películas más emblemáticas del cine de Jean Rollin.

Películas del ciclo

Fascinación

Jean Rollin, Francia, 1979, 1h22 VOSE [Archivo digital]

Un criminal fugitivo irrumpe en un castillo aparentemente deshabitado y toma como rehenes a dos asustadas sirvientas. Al caer la noche, llega un grupo de misteriosas mujeres aristócratas y el criminal empieza a darse cuenta de que las mujeres ocultan un siniestro secreto.

Bellamente filmada y con una atmósfera onírica, Fascinación trata el fetiche de la sangre con un subtexto feminista y ofrece al espectador algunas de las imágenes más icónicas de la filmografía de Jean Rollin.

Sesión Sábado 27.01.24 · 22:00

La Muerta Viviente

Jean Rollin, Francia, 1982, 1h30 VOSE [Archivo digital]

Catherine Valmont, una rica heredera que murió de forma prematura, es accidentalmente resucitada por el efecto de unos residuos químicos vertidos en la cripta de su deshabitado castillo. Su amiga de la infancia, Hélene, le ayudará a saciar su insaciable sed de sangre.

Con La muerta viviente, Rollin se adentra en el terreno del gore poético a la vez que explora en profundidad el amor y la amistad entre dos amigas. Una de sus películas más populares (en parte debido a Rob Zombie y su canción The Living Dead Girl) que ofrece además una de las escenas finales más intensas de la historia cine.

Sesión Sábado 03.02.24 · 22:00

Labios de sangre

Jean Rollin, Francia, 1975, 1h27 VOSE [Archivo digital]

Frédéric ve una fotografía de un castillo costero en ruinas que le despierta un extraño recuerdo de su infancia. Entonces emprende una misteriosa búsqueda, ayudado por cuatro vampiras, para encontrar el castillo y a la bella mujer que vive en él.

Labios de sangre quizá sea la película de Rollin que mejor trasciende sus tendencias hacia lo poético y lo arcano, manteniéndose al mismo tiempo fiel a sus obsesiones más personales y recurrentes: la infancia, la nostalgia, el amor perdido, las búsquedas románticas, el cine, la obsolescencia. Labios de sangre era la respuesta cuando le preguntaban a Rollin por su película favorita.

Sesión Sábado 10.02.24 · 22:00

El amanecer de los vampiros

Jean Rollin, Francia, 1971, 1h35 VOSE [Archivo digital]

Una joven pareja de luna de miel pasa la noche en un antiguo castillo. Sin que ellos lo sepan, el castillo es el hogar de una horda de vampiros, que tienen sus propios planes para la pareja.

El imaginario gótico se mezcla con el psicodélico en este relato alucinado con castillos, ataúdes, cementerios, vampiros hippies, rock progresivo y escenas oníricas con colores a lo Mario Bava.

Sesión Sábado 17.02.24 · 22:00

Precio:[entrada 5,5 € – mayores de 65 y Carnet Joven 4 € – abono 3,6 € – socios 3,5 €]

Seminario de cinco sesiones dedicado a los subgéneros más olvidados en las aulas de las escuelas de cine. Pero llenos de iconografías que han marcado la historia del cine de los años 60 y 70 hasta la actualidad. El giallo, el spaguetti western, la edad dorada del fantaterror español, el Blaxploitation, el gore o la serie B japonesa. Un seminario para fans y seguidores del cine más trash.

El seminario

• Italia: giallo (Dario Argento, Mario Bava, Lucio Fulci, etc.) y spaguetti western (Sergio Leone, Sergio Corbucci, Enzo G. Castellari)

• España: la edad dorada del fantaterror (Jess Franco, Paul Naschy, León Klimovsky, Armando de Ossorio…)

• : el Blaxploitation y sus estrellas, Pam Grier y Richard Roundtree. Los inicios del gore: el cine de Herschell Gordon Lewis.

• Japón: la serie B y los pinku eigas (cine erótico) de Nikkatsu. El caso de Seijun Suzuki (Youth of the Beast, Tokyo Drifter, Branded to Kill).

• Hong Kong: los wuxia de los Shaw Brothers. El cine de acción hongkonés.

Fechas: 30 enero y 6, 13, 20, 27 febrero

Horario: 19h a 21h

Precio: 100€

Docente Antonio José Navarro

El género fantástico mueve al año un gran número de aficionados. Y Asia se encuentra colocado en uno de los lugares preferenciales. En el Festival de cine de Sitges es un hecho claro: en la pasada edición, 50 películas de la programación oficial procedían de Asia. ¿Qué es lo que hace al cine de género fantástico y de terror en Asia tan atractivo? ¿Procede de su folclore… de su historia…? A lo largo de este curso, que consta de 10 sesiones de dos horas cada una, intentaremos responder a esta y a otras preguntas para que el alumno tenga una idea de cómo ha evolucionado el género fantástico en los diferentes países asiáticos.

Un curso realizado en colaboración con Sitges – Festival Internacional de cinema Fantàstic de Catalunya.

Ficha técnica

Fechas: miércoles 24 de enero a 27 de marzo de 2024

Sesiones: 10 sesiones de 2 horas, desde el miércoles 24 de enero al 27 de marzo, de 19h a 21h

Online: A través de la plataforma Zoom. 24 horas antes del acto las personas inscritas recibirán la información necesaria para acceder.

Precio: 120€ (público general) 100 € (alumnos que han realizado un curso en CineAsia en 2023)

Certificado del curso: CineAsia entregará por correo electrónico un certificado de asistencia al curso a quien lo solicite y que haya asistido al 80% de las clases.

Sumario del curso (conferencias) 

1. Japón: del folclore y el kaiju-eiga al fantástico de la Nueva Ola

Miércoles 24 de enero de 19 a 21h

En Occidente, el aliado más poderoso de la belleza siempre fue la luz; en la estética tradicional japonesa, lo esencial está en captar el enigma de la sombra. En Japón, la fantasía es real. Los espectros acechan en cualquier esquina y sus apariciones son tema frecuente de conversación entre compañeros de trabajo o estudio. Bienvenidos al fantástico nipón.

2. Japón: El terror y el fantástico japonés llega la ciudad

Miércoles 31 de enero de 19 a 21h

El estreno de Ringu (Hideo Nakata, 2000) supuso un antes y un después dentro del terror y el fantástico asiático: los espectros inicialmente desde Japón van a saltar a las carteleras occidentales. El miedo a los terremotos y a los tsunamis sigue produciendo un sinfín de películas. La animación también es fantástica. Y el terror y fantástico actual.

3. Corea del Sur: el reino ermitaño y los terrores cotidianos

Miércoles 7 de febrero de 19 a 21h.

El cine de terror (de evasión) fue una gran constante durante los primeros años de la dictadura militar de Park Chung-gee, tras la Guerra de Corea. Directores como Sin Sang-ok (con Pulgasari, el primer kaiju del proletariado), Lee Man-hee (con su espléndida The Devil’s Stairs) o el llamado padre del fantástico y terror coreano Kim Ki-young con su obra maestra The Housemaid (1960), marcaron una época del fantástico coreano. Prácticamente desconocida.

4. Corea del Sur: una cinematografía a la búsqueda de su identidad

Miércoles 14 de enero de 19 a 21h.

Se apagan las luces. Los tráilers anuncian el último drama romántico de la temporada… pero no, esa es otra historia. Ahora toca pasar miedo. Asustarse. Corea, a pesar de no ser un género muy apreciado por su público, ha mostrado desde tiempo inmemorial una pasión hacia las películas de terror, incrementada en la última década gracias a la renovación que el género ha vivido en Asia, con los realizadores japoneses Hideo Nakata o Takashi Shimizu como estandartes. Llega el turno de la Nueva Ola y de directores como Park Chan-wook, Bong Joon-ho, Kim Kee-woon o Na Hong-jing.

5. China: los fantasmas del gigante asiático

Miércoles 21 de enero de 19 a 21h.

La primera película de terror china la encontramos en la era muda, Song at Midnight (1937), el remake del clásico de la Universal, El fantasma de la ópera (1925). Con la subida al poder de Mao tras su victoria sobre los nacionalistas, el cine va a servir al Partido durante dos generaciones. A principios de los 90 se vislumbran los primeros cambios, aunque estos no llegarán hasta que China descubra que la ciencia ficción, el terror, y el cine fantástico dan dinero: The Wandering Earth acabó recaudando en 2018 700 millones de dólares.

6. Hong Kong y Taiwán: el cine de evasión vs el cine identitario

Miércoles 28 de enero de 19 a 21h

Comparadas con las películas de terror o fantásticas de Japón y Corea del Sur, el cine de género de Hong Kong tiende a suavizar la magnitud del horror. Esto es debido principalmente a la profunda influencia de la cultura tradicional china y a los límites asignados por la censura del continente. En lugar de enfatizar su parte terrorífica, las películas incorporan importantes elementos sobre la relación entre vivos y muertos. Aunque en los últimos años esto ha cambiado y mucho… Desde Una historia china de fantasmas a Rigor Mortis, se pueden ver estas diferencias.

En cuanto a Taiwán, la Nueva Ola de los años 90 tiende a cuestionarse más problemas de identidad (soy taiwanés o soy chino) que genéricas. Aunque desde el siglo XXI, el cine fantástico tiene una importancia vital tanto dentro como en el exterior: De Detention (2019), que tiene serie en Netflix, a la terrorífica Incantation (2022), han cambiado mucho las cosas en la antigua isla de Formosa.

7. India: el cine de terror más exótico y desconocido 

Miércoles 6 de marzo de 19 a 21h

Una de las características más simpáticas del cine indio de horror es su mala fama entre su público nacional. La mayoría de los propietarios de videoclubs especializados en films de la India o Pakistán establecidos en Europa se reirán en tu cara si les preguntas por películas indias de terror. Otros te dirán directamente que tal cosa no existe, o te explicarán lo malas que son. Aun así, no todo lo que se dice… es cierto. Y hay claros ejemplos para demostrarlo.

8. El Sudeste Asiático: Filipinas e Indonesia: el folk horror 

Miércoles 13 de marzo de 19 a 21h 

El cine de terror en el Sudeste Asiático ha sido tradicionalmente uno de los géneros comerciales que más ha gozado del favor del público, entregado y ávido de historias mitológicas, monstruos, fantasmas, vampiros y superhéroes. Fantasmas de niños de color azul observan al espectador desde debajo de las mesas. Fogonazos de cámara revelan presencias invisibles a simple vista. Y el folk–horror que ha sido uno de sus grandes éxitos en los últimos tiempos.

9. El Sudeste Asiático: Tailandia: criaturas espectrales y folclore 

Miércoles 20 de marzo de 19 a 21h 

De todos los cines del Sudeste Asiático puede que sea Tailandia una de las cinematografías orientales que mejor ha sabido extraer de su tradición la materia constitutiva con la que poblar el universo de la mayor parte de productos fantásticos que ha producido.  La leyenda de los krasues (mujeres que llevan colgando el corazón y las vísceras) ha dado films en los 70, 80, 80 y en los 2000, como Ghost of Valentine (2006). También hay que tener en cuenta las historias de fantasmas, como la de Nang Nak (1999) con la que debutaron en España o la más reciente Shutter (2004)

10. El fantástico asiático: reflexiones finales 

Miércoles 27 de marzo de 19 a 21h 

Ejercicio: confeccionar una lista por parte de los alumnos con 10 de las películas imprescindibles fantásticas asiáticas que han conocido a lo largo del curso. En la última clase la comentaremos. Así como también hablaremos del papel que están teniendo tanto los festivales de cine de género, y las plataformas digitales en el boom que estamos viviendo estos días.

Profesores del curso:

(Próximamente) Estará compuesto por parte del equipo de CineAsa y del Festival de cine de Sitges.

Inscripción en el curso ‘Asia Fantástica’

Nitrato argentino. Museo del Cine «Pablo Ducrós Hicken»

La labor de programación y difusión del cine experimental que realizamos en Xcèntric es inseparable de otra labor: la de todos aquellos profesionales que preservan, restauran e investigan el legado cinematográfico. Los cambios sociales y tecnológicos recientes, como la adopción masiva de los soportes digitales o el imperativo de revisar los cánones heredados, han puesto de manifiesto la necesidad de no dar por descontado la importancia del trabajo con el archivo. Por este motivo, Xcèntric inaugura la programación de 2024 con unas jornadas coorganizadas con Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), centro de referencia en el Estado español que ofrece un programa especializado en archivo cinematográfico. Recogiendo el espíritu interdisciplinar y expandido de la actividad de programación de Xcèntric y del modelo pedagógico de EQZE, estas jornadas quieren poner en diálogo las reflexiones y experiencias de restauradores, archivistas, investigadores y programadores.

Jueves 18 enero

11:30 Presentación del programa y los participantes Gloria Vilches, responsable de Xcèntric.

11:45 Estado de la cuestión con Giovanna Fossati (Eye Filmmuseum)

Giovanna Fossati es autora del libro Del grano al píxel, recientemente traducido al castellano, una obra que se ha convertido en indispensable para entender el estado de los archivos cinematográficos en la era digital. En esta conferencia inaugural, profundizará en el panorama cambiante del discurso sobre el patrimonio cinematográfico en la era digital, explorando aspectos relacionados con la restauración, investigación y reutilización de películas. Reconociendo las relaciones dinámicas entre los factores culturales, técnicos, estéticos y económicos en las prácticas de archivo cinematográfico, esta presentación enfatizará la necesidad urgente de una perspectiva más participativa e inclusiva del patrimonio audiovisual.

12:30 Conversación entre Giovanna Fossati y Pablo La Parra, responsable del departamento de investigación en Elías Querejeta Zine Eskola.

17:30 Cine-Performance: Archivos no-alineados Léa Morin (Investigadora independiente/EQZE)

Los gestos de edición, investigación, restauración, archivo y programación cinematográfica, sobre todo cuando se hacen desde la militancia y en colectivos, nos permiten adentrarnos en los vacíos, las rendijas y las ausencias, para cuidar de las múltiples y estropeadas narraciones del cine. Debatiremos varios proyectos (libros, proyecciones de cine, restauraciones cinematográficas, investigaciones) que contribuyen a problematizar las formas clásicas de aproximarse a la historia del cine, iluminando películas olvidadas, devolviendo a la centralidad escritos esenciales sobre el cine y con ellos un pensamiento cinematográfico más allá de las geografías dominantes, reactivando anhelos por el cine y sueños de revolución siempre necesarios para nuestras sociedades.

19:00 De quelques évènements sans signification (1975)

Primer largometraje del director marroquí Mostafa Derkaoui, considerado perdido hasta que fue localizado y restaurado en la Filmoteca de Catalunya. La sesión estará presentada por Rosa Cardona, responsable del proceso de restauración.

Viernes 19 enero

11:30 Cines pequeños y preservación desigual Carolina Cappa (archivista independiente/ EQZE)

En esta presentación, analizaremos las condiciones tecnológicas y materiales que determinan la preservación cinematográfica, poniendo el foco en los cines menores o aquellos que no pertenecen al régimen de la imagen-mercancía. A partir de algunos proyectos de preservación recientes realizados en España y América Latina, debatiremos sobre cómo estas condiciones intervienen para ofrecer un acceso desigual a determinados cines. Porque existe una enorme brecha entre las películas que reciben financiamiento, se digitalizan o se preservan fotoquímicamente, y se vuelven accesibles, frente a aquellos cines menores que permanecen sumergidos en la opacidad de los archivos (cine amateur, militante, experimental, no comercial, de países pobres). Al abrir la caja negra de la preservación, intentaremos plantear algunas ideas sobre por qué tenemos acceso a ciertas imágenes y no a otras.

12:15 Conversaciones con Mnemósine, el arconte y Dracón: aventuras y desventuras de una investigadora en el archivo Sonia García López (Universidad Carlos III de Madrid)

 La investigación sobre cine en los archivos es apasionante. Permite no solo conocer y estudiar los pormenores de las películas conocidas y admiradas por el público, sino también imaginar y hacer realidad otras historias del cine posibles, aquellas que nunca se contaron. Reconstruir esas historias requiere acercarse no solo a los filmes que se conservan, sino también a otros vestigios en forma de expedientes, fotografías, guiones o planes de rodaje. Sin embargo, las y los cineastas anónimos y las películas huérfanas, desconocidas o invisibilizadas a menudo son objeto de una doble invisibilización: la que produce la dificultad o imposibilidad de acceder a los materiales que permiten contar su historia.

13:00 Mesa redonda entre Carolina Cappa, Sonia García López y Enrique Fibla (UAB), investigador especializado en la relación entre archivo visual y memoria histórica.

17:30 Problemas en la imagen: conservación y restauración de películas experimentales. Mark Toscano (Academy Film Archive)

Incluso para los cinéfilos más acostumbrados, los procesos y las filosofías en torno al archivo de películas pueden ser desconocidas o crípticas. Cuando se trata de cine experimental, esto puede aumentar exponencialmente. Mark Toscano es un conservador de cine en el Academy Film Archive de Los Ángeles, donde se ha especializado en el cuidado, comisariado y restauración de cine experimental durante veinte años. En esta presentación compartirá generalidades, particularidades, anécdotas, excepciones y detalles insólitos sobre su práctica, ampliamente ilustrados con imágenes de su trabajo sobre el cine de artista. Los temas incluirán grano, suciedad, rayas, color, bandas sonoras analógicas, digitales, dibujadas a mano, películas enviadas en contenedores de alimentos y qué ocurre cuando un artista procesa Ektachrome mientras tiene un viaje con LSD.

19:00 There is Something on Your Mind

Mark Toscano presenta un programa de películas experimentales restauradas en Academy Film Archive con la ciudad de Los Ángeles como protagonista.

Domingo 21 enero

18:30 Nitrato lírico. Experimentos con películas de archivo

Como punto final de este Encuentro sobre archivos cinematográficos, Giovanna Fossati propone tres películas de su catálogo que exploran la dimensión estética de los procesos de degradación y descomposición de los soportes fotoquímicos.

Fecha: 18 y 19 enero 2024

Horario: 11.30 – 21.00

Espacio: Auditorio

Precio: Gratuito con reserva

El comisario G. (en el caso del cabaret) (Fernando Merino, 1975). Int.: Emilio Rodríguez, Tina Sainz, Marisa Medina, Ramón Lillo. España. 35 mm. VO Color. 94’
Emma, puertas oscuras (José Ramón Larraz, 1974). Int.: Susanna East, Perla Cristal, Ángel Menéndez, Marina Ferri. España. DCP. VO Color. 75’

Sesión de homenaje a la veterana actriz Perla Cristal, desenterrando dos “perlas” de su filmografía llenas de crímenes, sangre y mujeres muy perturbadas.

Descubierta por Jess Franco en el circo Price, la argentina Perla Cristal es uno de los nombres más icónicos del cine de género español de los años 60 y 70, dedicándose al terror, el western, el noir, el cine de aventuras, la comedia y hasta el giallo a la española. El comisario G (el caso del cabaret) es una de esas tramas de psicópatas y policías que tanto explotaron los italianos en la época, con montones de asesinatos, chicas de moda como Tina Sainz, Rosa Valenty o Marisa Medina y un misterio por resolver. Perla es la Cobra, una vedette con muchos enemigos que representa la decadencia de ese mundo del cabaret y la noche ante los tiempos de cambio que se veían venir en el país. Además del humor que impregna el guionista José María Palacio (Miedo a salir de noche, Un vampiro para dos…), la película de Merino cuenta con una bombástica banda sonora de funk setentero, cortesía del gran Adolfo Santisteban.

Seguimos con Emma, puertas oscuras de José Ramón Larraz, que continúa la senda de su etapa británica de terror psicológico y jóvenes descarriados (Whirlpool, Deviation, Symptoms), pero esta vez producida aquí por los Estudios Balcázar. Eso sí, sin renunciar a sus mansiones góticas, marca de la casa. Perla Cristal es la madre de Emma (Susanna East), una chica con problemas psiquiátricos que haría buenas migas con la Deneuve de Repulsión. Los personajes femeninos complejos y atormentados siguen siendo la especialidad del director. Larraz acomete una vez más el género centrándose más todavía en el suspense y el manejo de la tensión alrededor de dos o tres set-pieces, logrando un minimalismo muy peculiar que divide la película en dos partes muy diferenciadas, casi dos géneros en sí mismos.” (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de la actriz Perla Cristal y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).

La plataforma y el centro valenciano han firmado un convenio de colaboración que permitirá acercar el audiovisual español a los estudiantes de los másteres de cine que ofrece Barreira A+D

FlixOlé y Barreira A+D aúnan esfuerzos para el fomento de las enseñanzas artísticas y la promoción del cine español. La plataforma y el centro han firmado un convenio de colaboración que permitirá dar a conocer la oferta de estudios superiores relacionados con el séptimo arte de la escuela de arte y diseño con el aprendizaje y puesta en valor del audiovisual del país a través de distintas líneas de acción.

Mediante dicho acuerdo, FlixOlé se compromete a apoyar los planes de estudio desarrollados por Barreira A+D en sus másteres de: Guion para cine y nuevos medios, encaminado a que el alumnado conozca a fondo la narrativa audiovisual; Filmmaker, cuyo programa da voz a una de las profesiones emergentes con más futuro; Diseño de Vestuario, enfocado tanto a cine como a teatro y televisión; Dirección de Arte  y  Producción Creativa Digital, centrado este último en las nuevas tecnologías.

“Desde FlixOlé estamos entusiasmados con poder contribuir a la formación que desde hace décadas imparte Barreira A+D. Junto con la escuela, trabajaremos para acercar el cine español a sus alumnos de máster, permitiendo así que las nuevas generaciones de cineastas, guionistas y demás profesionales conozcan nuestro rico y variado patrimonio audiovisual”, han indicado desde la plataforma.

El tejido cinematográfico y el mundo académico

A este respecto, el acuerdo alcanzado por ambas partes contempla un descuento para los estudiantes del centro en la suscripción de FlixOlé. De esta manera, los alumnos podrán acceder a los más de 4.000 títulos del servicio de vídeo bajo demanda. El mismo cuenta con el mayor listado de películas españolas de todos los tiempos, el cual incluye parte de la filmografía de directores como Luis Buñuel, Luis Gª Berlanga, Carlos Saura, Mariano Ozores, Álex de la Iglesia, Icíar Bollaín, Isabel Coixet, Alejandro Amenábar y Fernando León de Aranoa, entre otros. Además, la plataforma dispone de clásicos del cine americano y europeo, pudiéndose visualizar largometrajes de la RKO y westerns.

Los contenidos disponibles en FlixOlé se ponen de este modo al alcance de la labor pedagógica que lleva a cabo el equipo docente de Barreira A+D, integrado por nombres de reconocida trayectoria en la pequeña y gran pantalla del país: como el director de la premiada película de animación Robot Dreams, Pablo Berger; el guionista y realizador, Paco Cabezas; la diseñadora y ganadora de tres premios Goya, Clara Bilbao; el director de series como Mujeres desesperadas y Gossip Girl, David Warren; o la responsable de producción ajena de Movistar Plus+, Leticia Pérez.

Igualmente, la experiencia formativa en clave internacional con la que cuenta la escuela de arte y diseño, a través del Centro Sperimentale di Cinematografia romano, favorece el aprendizaje y promoción del séptimo arte en el exterior.  “Nos satisface enormemente esta colaboración que pone en contacto a los másteres de cine con las referencias del tejido cinematográfico español más actuales, como es el caso de FlixOlé”, concluye por su parte Barreira A+D.

Como punto final del Encuentro sobre archivos cinematográficos, la curadora en jefe del Eye Filmmuseum, Giovanna Fossati, propone una selección de tres películas de su catálogo que exploran la dimensión estética de los procesos de degradación y descomposición de los soportes fotoquímicos.

Esta sesión presenta una selección de cine experimental proveniente de la colección del Eye Filmmuseum de Ámsterdam. Desde la oda poética al cine mudo de Lyrisch Nitraat, obra maestra del found footage, hasta las exploraciones contemporáneas de la materialidad fílmica de Liquidator y Under Saturn (Act 1), esta proyección profundiza en la reutilización del archivo y explora la visualización de la materialidad, la descomposición y la manipulación digital.

En Lyrisch Nitraat (1991), el cineasta, escritor y antiguo director adjunto del Museo de Cine holandés Peter Delpeut se basa en la colección Desmet (1907-1916) para elaborar un homenaje visualmente impresionante al cine de los orígenes. Este clásico del metraje reencontrado muestra la riqueza de la fotografía, la puesta en escena, la actuación y el color del cine mudo de la Colección Desmet, un tesoro de la Memoria del Mundo de la UNESCO.

El estudio del cineasta experimental Karel Doing sobre la película de no ficción Haarlem (1922) se desarrolla como una exploración fascinante de la materialidad del cine. Concebida durante la restauración de la película original, Liquidator (2010) es un viaje experimental a la descomposición de nitratos dentro del dominio digital.

Creada durante la residencia artística de Alexandra Navratil en el Eye Filmmuseum, Under Saturn (Act 1) (2018) explora la materialidad de las primeras películas de no ficción (1895–1935). Centro en películas industriales relacionadas con el carbón o el petróleo, junto con imágenes microscópicas de células sanguíneas y microorganismos, Navratil utiliza herramientas digitales para proporcionar una perspectiva visual y sonora muy original del material de archivo.

Lyrisch Nitraat, Peter Delpeut, Países Bajos, 1991, 35mm, 50′. Liquidator, Karel Doing, Países Bajos, 2010, digital, 8′. Under Saturn (Act 1), Alexandra Navrtil, Países Bajos, 2018, digital, 10′.

Proyección en DCP, cortesía del Eye Filmmuseum.

Fecha: 21 enero 2024

Horario: 18.30

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

La oferta de 2024 incidirá en impulsar el nuevo talento joven a través de la programación de la pantalla compartida.

El bono de cine y las entradas para las proyecciones estarán disponibles a partir del 15 de diciembre en la web y en el Punto de Información de Tabakalera.

Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2024, que dará comienzo el 11 de enero, de la mano de la propuesta elaborada por las entidades que programan en la pantalla compartida de Tabakalera: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.

Uno de los principales objetivos del programa de 2024 es atraer nuevos públicos a la sala de cine del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Para ello, se han diseñado propuestas de programación específicas que han contado con la participación de UPV/EHU y EQZE, entre otros.

Grupo de programación UPV/EHU

A partir del 25 de enero, jueves,y  hasta junio un grupo de estudiantes de la UPV/EHU programará la sala de cine de Tabakalera una vez al mes. El hilo conductor del ciclo será la banda sonora de las películas y la primera que han elegido es Blade Runner de Ridley Scott (1982). El objetivo de abrir la pantalla al gusto de los estudiantes de la UPV/EHU es generar nuevos públicos para la sala de cine.

Por otro lado, el grupo de estudiantes de la especialidad de Comisariado del Curso 2023-2024 de EQZE está trabajando de forma colectiva en la definición de un programa público de cine que se concentrará en la semana que comienza el 8 de abril. Este programa, organizado junto con Tabakalera, será el resultado de un trabajo de reflexión y debate en torno a la curadoría cinematográfica y la programación de cine.

Asimismo, la pantalla de cine de Tabakalera servirá para promover y poner en relación con el público de la sala el talento audiovisual que llega al centro a través de sus diversos programas de residencias y de convocatorias, promovidas por las entidades que conforman la pantalla compartida, y que ha ido articulando progresivamente un sistema de apoyo a la creación, con iniciativas como NEST, Noka e Ikusmira Berriak.

Nosferatu: Western USA contemporáneo

El próximo 17 de enero comenzará el  ciclo Nosferatu, Western USA contemporáneo 1962-2021, con la proyección de Duelo en la Alta Sierra (Ride the High Country, 1962), dirigida por Sam Peckinpah. El ciclo, organizado por Donostia Kultura y la Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – Filmoteca de la Generalitat Valenciana, se desarrollará entre enero y diciembre de 2024.

El ciclo atraviesa seis décadas de westerns crepusculares, dirty westerns con influencias europeas, la aproximación de los cineastas de la “generación de la violencia” (Richard Brooks, Don Siegel) o el “nuevo Hollywood” (Robert Altman, Michael Cimino), los diferentes intentos por revitalizar el género en las décadas de los 80 –Silverado (Lawrence Kasdan, 1985)– y 90 –Bailando con lobos (Dances with Wolves; Kevin Costner, 1990)–, el impulso que supuso el gran éxito crítico y comercial de Sin perdón (Unforgiven; Clint Eastwood, 1992)… hasta los trabajos más recientes de Kelly Reichardt –First Cow (2019)– o Jane Campion –El poder del perro (The Power of the Dog, 2021)–.

En el primer trimestre del año se han programado filmes dirigidos por cineastas como John Ford, Henry Hathaway, Richard Mulligan, John Sturges, Richard Brooks o Sam Peckinpah por partida doble con las fundamentales Duelo en la Alta Sierra y Grupo salvaje.

El ciclo se acompañará de la edición de dos libros, uno en castellano y otro en euskera. El primero, Western USA 1962-1992, nº 20, de la Colección Nosferatu, ha sido coordinado por Carlos Aguilar y Pablo Fernández, y se publicará a principios de año. El segundo, coordinado por Iñigo Marzabal, nº 12 de la Nosferatu Bilduma, se editará a finales de 2024.

Séptima edición de Cine y ciencia

La Filmoteca Vasca comenzará el año con la séptima edición del ciclo Cine y ciencia, que organiza en colaboración con el DIPC (Donostia International Physics Center) y el Festival de San Sebastián. Esta edición comenzará con la proyección de Oppenheimer (Christopher Nolan, 2023). La cita tendrá lugar el 11 de enero (jueves) y contará con la presentación del físico y presidente del DIPC, Pedro Miguel Etxenike, un gran conocedor de la figura de Robert Oppenheimer. La charla comenzará a las 18:00, mientras que la proyección será a las 19:00.

Un ciclo que se sirve de la universalidad del lenguaje cinematográfico para mostrar la profundidad del pensamiento científico; y cuyo objetivo sigue siendo la transmisión de cultura cinematográfica y científica. Las diez películas que conformarán el ciclo serán anunciadas a principios de enero.

En primavera tendrá lugar el ciclo Klasikoak, que rescatará obras maestras de la historia del cine; y en julio, la séptima edición de Jazzinema. El 2024 finalizará con Cineastas Vascas IV, un encuentro para poner de relieve el trabajo de las realizadoras vascas.

Marguerite Duras y Bas Devos

Tabakalera se ha caracterizado desde sus inicios por impulsar el cruce entre distintas disciplinas creativas. Hace varios años dio comienzo el primer ciclo de estas características Banda Sonora Original, en el que son protagonistas la música y el cine. A partir de enero comenzará un nuevo cruce, cine y literatura que se centrará en la figura de la escritora y cineasta Marguerite Duras. El ciclo se compondrá de una sesión de cine mensual relacionada con la escritora y cineasta, junto con una presentación a cargo de un escritor o escritora. Miren Agur Meabe será la primera invitada del ciclo, que ofrecerá el día 12 de enero de 2024 una sesión sobre la película Le Camion, de 1977.

Otra de las características de la programación de cine de la pantalla compartida de Tabakalera es la de ofrecer espacio al cine contemporáneo que se presenta en el circuito de festivales internacionales. Por ello,  desde el 13 de enero al 24 de febrero se ofrecerá toda la filmografía del director y guionista belga Bas Devos. Sus primeros dos largometrajes, Violet y Hellhole, se estrenaron en la Berlinale. Su tercera película, Ghost Tropic, se proyectó como película de clausura en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes de 2019. Su último largometraje, Here ganó la sección Encounters de la Berlinale y estuvo en la sección Zabaltegi-Tabakalera del último festival de San Sebastián.

Además, Tabakalera continuará promoviendo el acercamiento entre cineastas y público, y lo hará gracias a proyectos como Cine hablado, que propone un espacio de encuentro para que directores/as charlen en la sala de cine sobre el proceso de creación de sus películas. El ciclo contará con Fermin Muguruza el próximo domingo, 17 de diciembre,  con la proyección de Bidasoa 2018-2023 y continuará en 2024 con Jaione Camborda, Isabel Herguera, Ion de Sosa, Celia Rico y Alberto Martín Menacho, entre otros.

Por último, se sucederán nuevas ediciones de cine familiar con Kameleoiak Gara! y el ciclo de Cine contemporáneo.

Sostenibilidad, el cortometraje, Artxiboa y Premios Donostia: cuarto año de “Zinemaldia + Plus”

Por cuarto año consecutivo, el Festival de San Sebastián programará en la pantalla compartida a través del ciclo Zinemaldia + Plus, un foco anual vinculado a los programas y contenidos de Z365, el Festival de todo el año del Festival de San Sebastián. El 10 de febrero habrá una sesión relacionada con el proyecto de sostenibilidad, organizada en colaboración con el European Climate Foundation, que reflexionará sobre las narrativas alternativas relacionadas con el cambio climático. La sesión del 6 de abril estará ligada al cortometraje, mientras que el 15 de junio se dedicará a Artxiboa y en particular a la presentación de algunas de las investigaciones resultado de la primera edición de las becas José Ángel Herrero-Velarde. Por último, en septiembre, tendrán lugar las tradicionales proyecciones conectadas a la filmografía de los Premios Donostia de la edición.

Bono de cine 2024 y venta de entradas

El bono de cine de Tabakalera se renueva por otro año, y ofrecerá a las personas usuarias la entrada por 120€ a 40 películas de entre todas las programadas por las instituciones socias de la pantalla compartida a lo largo de 2024: Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera, a excepción de las películas programadas durante el Festival de San Sebastián 2024.

Un año más, la compra del bono incluye una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: Polar frantziarra o Western USA 1962-1992.

El bono se podrá adquirir a partir del 15 de diciembre de 2023 a las 12:00 del mediodía, hasta el 31 de enero de 2024 a las 12:00, tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro. También se abrirá en esa misma fecha y hora y en los mismos espacios la venta de entradas ordinarias correspondientes a las proyecciones del mes de enero.

El consumo del bono podrá realizarse desde el 1 de enero de 2024 hasta el 31 de diciembre de 2024 (ambos incluídos), y todas las gestiones vinculadas al bono podrán realizarse tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro: comprar el bono, enviarlo como regalo a otra persona, adquirir entradas para películas con el descuento del bono o consultar el saldo disponible.

Toda la información relacionada con el bono de cine 2024 y las proyecciones previstas para el mes de enero se podrán consultar en la web de Tabakalera.

Las aventuras de Enrique y Ana (Ramón Fernández, 1981). Int: Enrique del Pozo, Ana Anguita, Amparo Soler Leal, Luis Escobar. España. 35 mm. Color. 91’

Las aventuras de Zipi y Zape (Enrique Guevara, 1981). Int: Francisco Javier Valtuille, Luis María Valtuille, Mary Santpere, Alfredo Luchetti. España. BSP. Color. 93’

Como todos los años por estas fechas, «Sala:B» recurre al cine para niños que no pone límites a su imaginación, aunque se adentre en terrenos tan extravagantes y caóticos como los de la serie B más insobornable.

Las aventuras de Enrique y Ana fue dirigida con no pocos medios por Tito Fernández, responsable de comedias tan populares como No desearás al vecino del 5º o Sor Ye-ye, pero eso no impidió que la película conservara la heterodoxia pop del grupo original. En la creación del dúo de Enrique y Ana, las influencias de artistas como Miguel Bosé, Rafaella Carrá o Rafael Trabucchelli de Hispavox (productor de Raphael, Jeanette, Perales, María Ostiz…) aportaron una visión y una solidez poco frecuente en los productos infantiles prefabricados por casas de discos. Y a pesar del repentino éxito y del tamaño considerable de esta producción, se supo conservar ese tono insolente que se apartaba de la tradición infantil ñoña de Los Payasos de la Tele o de las rancias películas de Parchís. Sin duda, el que más experiencia tenía en la serie B más desvergonzada es el guionista Luis Revenga, que venía de dirigir Caperucita y roja (1976, «Sala:B» 4) y de colaborar ni más ni menos que con Jess Franco en Bésame monstruo y El caso de las dos bellezas, con las que comparte ese sano anarquismo juvenil. Así, Revenga convertía la clásica trama del concurso musical en una fantasía delirante que bebía desde Flash Gordon o Pipi Calzaslargas hasta el punk de la movida madrileña (los Punkitos) o The Rocky Horror Picture Show.

Las aventuras de Zipi y Zape, estrenada unos meses después, no oculta que es una exploitation del cine infantil de la época, parida en este caso por dos insubordinados como Ricard Reguant y Enrique Guevara, entrenados en el cine del destape y las clasificadas “S” barcelonesas. De nuevo, esa rebeldía permite que los personajes de Escobar mantengan su frescura sin edulcorar. Incluso más, porque la película de Guevara parece abrazar la incorrección que anida en la pareja de Don Pantuflo y la sumisa Jaimita, la sirvienta con blackface o la misoginia del gángster. Al final, lo mejor es ese atroz mundo adulto que rodea a los traviesos hermanos y las surrealistas parodias de personajes de moda como la Masa (Hulk) o los Ángeles de Charlie.

Presentación a cargo de la podcaster y escritora Beatriz Cepeda (Perra de Satán) y Álex Mendibil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 204’).

Spiracle (Robert Beavers, 1966)

La intimidad, los afectos y los intercambios creativos entre Tom Chomont y Robert Beavers quedan materializados en estas películas en las que ambos cineastas desarrollan paralelamente la posibilidad de un cine lírico en la frontera entre el retrato y el drama psicológico, el erotismo y la estilización formal. Sus frenéticas meditaciones nos ofrecen visiones complementarias de la escisión del sujeto y la exploración de la sexualidad.

La complejidad rítmica y las narraciones elípticas de las películas de Gregory J. Markopoulos inspiraron a los jóvenes Chomont y Beavers para realizar un cine personal en el que la musicalidad del montaje expresa el flujo psíquico de sus personajes. Partiendo de una premisa retratística y a veces vagamente narrativa, ambos sitúan a sus sujetos (en varias ocasiones, el propio Beavers en las películas de Chomont y Chomont en las de Beavers) en un tiempo suspendido vertebrado por la repetición de instantes y el entrecruzamiento de gestos y motivos, confiriendo a cada imagen una gravedad carnal y metafísica.

Durante el periodo recogido en este programa, ambos cineastas desplegaron su riqueza formal reflejando estados anímicos sombríos relacionados con traumas personales. En el caso de Chomont, mediante su uso intenso de las superposiciones, las imágenes en espejo, la alternancia entre el material en positivo y negativo y la intervención directa sobre la película, multiplicando las simetrías en la superficie del plano, convertido en un mandala. Por su parte, Beavers articula frecuentes referencias musicales, pictóricas y literarias con el empleo de ligeros movimientos de cámara, variaciones de enfoque y el uso reiterado de las máscaras geométricas y los filtros de múltiples colores, que convergen en una imagen de la alienación con el propio cuerpo y con el espacio urbano.

Tom Chomont: Ophelia/The Cat Lady, 1969, 2’; Love Objects, 1971, sin sonido, 16’; The Mirror Garden, 1967, sin sonido, 4’; Epilog/Siam, 1968, sin sonido, 5’; Jabook, 1967, sin sonido, 3’; Phases of the Moon, 1968, sin sonido, 3’; Oblivion, 1969, sin sonido, 4’. Robert Beavers: Spiracle, 1966, 12’; The Count of Days, 1969, 21’; Palinode, 1970, 21’.

Proyección en 16 mm.

Copias de Tom Chomont procedentes de The Film-Makers’ Cooperative. Copia de Spiracle de Filmarchiv Schönecker. Copias de The Count of Days y Palinode procedentes de The Temenos Archives, con agradecimientos al artista.

Fecha: 28 enero 2024

Horario: 18.30

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

El ciclo `Jorge Semprún. Miradas del exilio´ se incluye en el programa de actividades culturales impulsado por el Ministerio de Cultura. La efeméride enlaza valores de democracia, libertad y respeto a los derechos humanos

Las sesiones incluidas en el ciclo se celebrarán en el cine Doré durante los meses de diciembre y enero e incluirán, además de sus obras como guionista cinematográfico, el documental ´Les deux mémoires´, único título dirigido por el escritor y uno de los documentales más destacados sobre la guerra civil española

Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación y difusión del patrimonio cinematográfico español, se suma a la celebración del centenario de Jorge Semprún (1923 – 2011), uno de los intelectuales europeos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

La relevancia de su vida y obra se ve claramente reflejada en su trayectoria como intelectual, político, escritor, guionista y cineasta, facetas estas últimas que articularán el ciclo ´Miradas del exilio’ con el objetivo de profundizar en el conocimiento de su legado cinematográfico, así como de la época que le tocó vivir, abordando aspectos como el exilio español, la oposición al franquismo, el compromiso político de los intelectuales o la relación entre historia y memoria.

Entre los títulos elegidos, podrán verse los guiones en el exilio de Jorge Semprún para directores de relevancia internacional como Costa Gavras, Alain Resnais o Joseph Losey, Yves Boiset, Hugo Santiago o Alexander Arcady; así como el documental ´Les deux mémoires´, único título dirigido por Semprún, y uno de los documentales más destacados sobre la guerra civil española.

El ciclo, que se celebrará en el cine Doré entre los meses de diciembre y enero, comenzará el 27 de noviembre (19:00 h) con la proyección de ´La guerra ha terminado´ (Alain Resnais, 1966). La entrada será libre hasta completar el aforo y contará en su presentación con Felipe Nieto, Doctor en Historia Contemporánea por la UNED y autor de diferentes estudios sobre la figura de Semprún, y con Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española.

Centenario Semprún

El ciclo programado por Filmoteca Española se enmarca dentro del programa de actividades culturales impulsado por el Ministerio de Cultura con motivo de la conmemoración del centenario de su nacimiento. Este programa, que ha arrancado en noviembre, está aglutinando diferentes actividades y propuestas en torno a su vida en instituciones como el Centro Documental de la Memoria Histórica, el Centro Dramático Nacional o el Archivo Histórico Nacional.

Además de la profundización y la difusión del conocimiento de su biografía y su creación, el Centenario Semprún tratará de poner de manifiesto la plena actualidad de muchos de los valores que su legado representa: la solidaridad, la defensa de la democracia y la libertad contra pulsiones totalitarias, la denuncia de la barbarie de la guerra o la reivindicación de la fraternidad y la solidaridad. Igualmente, se destacará la vinculación de la trayectoria y el pensamiento de Semprún con los principios que dan sentido al proyecto de Europa, coincidiendo con la Presidencia española del Consejo de la Unión Europea.

Sesiones noviembre / diciembre

27 de noviembre – 19.00 h. `La guerra ha terminado´ (Alain Resnais, 1966)

3 de diciembre – 17:30 h. ` Z ´ (Costa-Gavras, 1969)

5 de diciembre – 19:30 h. `Las dos memorias´ (Jorge Semprún, 1974)

10 de diciembre – 17:30 `Sección especial´ (Costa-Gavras, 1975)

12 de diciembre – 19:00 ` Stavisky´ (Alain Resnais, 1974)

15 de diciembre – 17:30 `La guerra ha terminado´ (Alain Resnais, 1966)

16 de diciembre – 20:30 `Las dos memorias´ (Jorge Semprún, 1974)

17 de diciembre – 20:30 `La confesión´ (Costa-Gavras, 1970)

20 de diciembre – 21:00 `Las rutas del sur´ (Joseph Losey, 1978)

27 de diciembre – 20:30 `El atentado´ (Yves Boiset, 1972)

29 de noviembre – 17:30 `Z´ (Costa-Gavras, 1969)

Las formas subversivas, las fugas del clasicismo, el cine moderno no francés, el cine del este y latinoamericano, el cine africano de los 60, el cine experimental y/o underground americano, el giallo y el blaxplotation, la serie B japonesa, los cines periféricos o el cine heterodoxo español. Así se planeta este curso anual para estudiar, analizar y reflexionar sobre las cinematografías olvidadas. Una historia que incluya temas, voces y territorios tradicionalmente ignorados ya sea por género, clase, raza o nación.

BLOQUE 1: El clasicismo y sus fugas

▪ La comedia como agente del caos. El slapstick más allá de Chaplin y Keaton: Harold Lloyd, Laurel & Hardy, Mabel Normand y otras heroínas del slapstick, etc.

▪ Autores fuera de canon en el Hollywood clásico: Erich vonStroheim, Josef von Sternberg, F.W. Murnau…

▪ El Hollywood del “Pre-Code”: sexo, moral y censura en el inicio del sonoro. Mae West, actriz-autora.

▪ Directoras del Hollywood clásico: Dorothy Arzner e Ida Lupino

▪ La producción de serie B: géneros, subgéneros y autoría en el Hollywood clásico. El caso de Monogram Pictures. Val Lewton,productor-autor

BLOQUE 2: Los otros cines modernos. Más allá de la nouvelle vague

▪ El Nuevo Cine de los países del Este: Polonia (el primer Polanski, Andrzej Wajda, Jerzy Skolimowski), Checoslovaquia (el primer Milos Forman, Vera Chytilova), Hungría (Miklos Jancso, Laszlo Kovàcs), etc.

▪ El Nuevo Cine Alemán. Más allá de Schlondorff o Fassbinder: Straub & Huillet, Alexander Kluge, el primer Werner Herzog.

▪ Nuevo Cine Latinoamericano. El Cinema Novo (Brasil): Glauber  Rocha, Nelson Pereira Dos Santos, etc. El nuevo cine argentino (Fernando Birri, Fernando Solanas, etc.). El nuevo cine cubano (Tomás Gutiérrez Alea, Santiago Álvarez, etc.). El caso de Sara Gómez, la primera cineasta cubana.

▪ El nacimiento del cine africano en los 60: el cine de Ousmane Sembene (Senegal), Med Hondo (Mauritania) y Djibril Diop Mambety (Senegal).

▪ El cine de la India: de Satyajit Ray al “nuevo cine”. El star system en la India y Bollywood.

BLOQUE 3: Breve recorrido por el experimental y/o underground

▪ Inicios del cine experimental en EE.UU.: Maya Deren, Kenneth Anger, Curtis Harrington y su “cine del psico-drama”.

▪ El New American Cinema: Jonas Mekas, Marie Menken, Stan Brakhage, Bruce Conner, Gregory Markopoulos, etc.

▪ El cine estructural: Peter Kubelka, Hollis Frampton, Michael Snow, Paul Sharits, etc.

▪ El cine militante. Cine y mayo’68. Tercer Cine.

BLOQUE 4: Géneros y subgéneros populares entre los 60 y los 70

▪ Italia: giallo (Dario Argento, Mario Bava, Lucio Fulci, etc.) y spaguetti western (Sergio Leone, Sergio Corbucci, Enzo G. Castellari)

▪ España: la edad dorada del fantaterror (Jess Franco, Paul Naschy, León Klimovsky, Armando de Ossorio…)

▪ EE.UU.: el Blaxploitation y sus estrellas, Pam Grier y Richard Roundtree. Los inicios del gore: el cine de Herschell Gordon Lewis.

▪ Japón: la serie B y los pinku eigas (cine erótico) de Nikkatsu. El caso de Seijun Suzuki (Youth of the Beast, Tokyo Drifter, Branded to Kill)

▪ Hong Kong: los wuxia de los Shaw Brothers. El cine de acción hongkonés.

BLOQUE 5: Cine e identidad(es)

▪ Cine(s) feminista(s). Las pioneras: Agnès Varda, Chantal Akerman. El contracine de Laura Mulvey y Peter Wollen. Born in Flames, de Lizzie Borden. Un caso de estudio: el colectivo de vídeo feminista “Las insumusas” (Delphine Seyrig & Carole Roussopoulos). Otro caso de estudio: Cecilia Bartolomé (España).

▪ Antes del New Queer Cinema: Flaming Creatures de Jack Smith, Derek Jarman. New Queer Cinema: Todd Haynes, Gregg Araki, Rose Troche. El caso de Bruce LaBruce.

BLOQUE 6: Los cines periféricos desde los 80 a la actualidad

▪ El cine iraní desde los años 80 a la actualidad. El cine de Abbas

Kiarostami.

▪ La nueva ola rumana: Cristian Mungiu, Cristi Puiu, Radu Muntean, etc.

▪ El nuevo cine filipino: Lav Diaz, Raya Martin, Brillante Mendoza, etc.

▪ La “nueva” generación de cineastas mejicanos: Carlos Reygadas, Amat Escalante, etc. La “nueva” generación de cineastas argentinos: Lucrecia Martel, Lisandro Alondo, etc.

▪ Corea del Sur y su cine: Bong Jong-hoo, Lee Chang-dong, Na Hong-jing, etc

BLOQUE 7: Breve recorrido por el cine español heterodoxo

▪ Pioneros heterodoxos: Nemesio Sobrevila, Manuel Noriega, Luis Buñuel…

▪ La corriente de “cine telúrico”: Carlos Serrano de Osma. Llorenç Llobet Gràcia y un título de culto: Vida en sombras

▪ José Val del Omar y el Tríptico elemental de España

▪ La Escuela de Barcelona: Joaquim Jordà, Jacinto Esteva, José María Nunes, Gonzalo Suárez, Vicente Aranda…El caso de Pere Portabella y Vampir Cuadecuc.

▪ El cine clandestino catalán: Antoni Padrós, Llorenç Soler, etc. Cine a contracorriente en España: Adolfo Arrieta, Antonio Maenza. Paulino Viota y Contactos.

▪ Cine underground: los cortometrajes (y largometrajes) de Iván Zulueta.

DOCENTES

María Adell, Miquel Echarri, Violeta Kovacsics, Antonio José Navarro, Víctor Esquirol, Mariona Borrull, Adrián Sánchez, Andreu Marves, Bet Giravent, Mar Canet.

Fechas: 9 de enero al 20 de junio 2024

Horario: 19h a 21h (martes y miércoles)

Precio: 700€ (reserva de plaza 300€)

Conjunto de películas para pensar la relación entre la escritura y el cine, dos ámbitos que en este programa no se contraponen, sino todo lo contrario. Muchos de estos trabajos muestran el espacio y los gestos propios de la creación de un texto en analogía con los procedimientos cinematográficos. Plantean así la palabra escrita como una forma de imagen fílmica, entrelazando las tareas del escritor y del cineasta.

La película La pluie (Projet pour un texte), de Marcel Broodthaers, es una de las muchas obras del artista belga en las que la escritura se relaciona con otras formas artísticas. Este filme, en el que vemos al propio Broodthaers intentando escribir bajo la lluvia mientras el agua diluye constantemente la tinta, explicita que cualquier intento de recreación del gesto literario conduce el cine y el texto al límite.

Poetic Justice, la segunda película de la serie Hapax Legomena (1971-1972), de Hollis Frampton, investiga la naturaleza del cine a través de la relación entre la imagen y la palabra. En este trabajo nos acercamos al espacio que habitualmente se asocia a la escritura —una pila de papeles, una taza de café y una maceta con un cactus sobre una mesa—, y vemos una a una las hojas manuscritas que configuran una especie de guión de un filme que el espectador tiene que vislumbrar. Pero la verdadera acción del filme, la escritura del texto, fuera de campo, solo la podemos atisbar en el espacio minúsculo que existe entre fotogramas.

No es casual que la primera película de João César Monteiro sea un retrato de la escritora Sophia de Mello Breyner Andresen, vinculando así desde el inicio su cine con la creación literaria. Consciente de que la palabra poética no se puede filmar, el cineasta intenta acercarse a la poeta portuguesa mostrándola en el espacio de producción de su escritura, sentada en una mesa junto a una ventana, un vaso de agua y un cesto de fruta, con un lápiz y un cigarro en mano. La película se rodó en un verano con la ligereza y el humor propios de un filme diario, en el que vemos, asimismo, a la escritora con sus hijos junto al mar, elemento fundamental en su literatura y en la filmografía del cineasta.

Además de presentarse materialmente entre las imágenes, los libros condujeron a Robert Beavers a hacer algunas películas, como sucedió con From the Notebook of…, que parte de los cuadernos de notas de Leonardo da Vinci, del ensayo de Paul Valéry sobre el artista y también de las notas que el cineasta hizo para la preparación de este trabajo. En la película, el cineasta se retrata trabajando, en un espacio semejante al de un escritor: una mesa junto a una ventana, un cuaderno de notas, filtros y una cámara. Lo que le llevó a comparar, además del movimiento de las alas de los pájaros con la apertura de las persianas, el giro de las páginas de sus notas manuscritas con el movimiento del obturador y de las lentes de la cámara.

Por último, la película de Bruno Delgado Ramo intenta acercarse a la figura del pensador Baruch Spinoza y retratar la habitación en que trabajaba, donde aparte de escribir uno de sus principales tratados —la Ética—, que vemos fragmentado en tomos en el filme, pasaba los días dedicado al negocio familiar de importación de frutos secos y también puliendo lentes destinadas a la fabricación de instrumentos ópticos.

La Pluie (Projet pour un texte), Marcel Broodthaers, 1969, 16 mm, sin sonido, 2’; Poetic Justice (Hapax Legomena II), Hollis Frampton, 1972, 16 mm, sin sonido, 31’, VOSC; Sophia de Mello Breyner Andresen, João César Monteiro, 1969, 35 mm a DCP, 17’, VOSC; From the Notebook of…, Robert Beavers, 1971-1998, 16 mm a DCP, 48, VOSC’; Spinoza/Ongodist, Bruno Delgado Ramo, 2021, Súper-8, 11’

Copia de La pluie cortesía del MACBA. Copia de Poetic Justice procedente de Light Cone. Copia de Sophia de Mello Breyner Andresen procedente de la Cinemateca Portuguesa. Copias de From the Notebook of… y Spinoza/Ongodist cortesía de sus respectivos autores.

Fecha: 23 noviembre 2023

Horario: 19.00

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía y presentan una retrospectiva integral de Peter Watkins, creador del falso documental.

La retrospectiva `Peter Watkins: Imágenes en guerra´ se desarrollará del 2 de noviembre al 29 de diciembre.

Su obra plantea una crítica a la manipulación y uniformización de los medios y defiende que la experimentación narrativa y formal del documental nos conducirá a ser ciudadanos libres y autónomos.

Patrick Watkins, escenógrafo, colaborador en sus últimas películas e hijo del cineasta, presentará en Madrid las primeras sesiones del ciclo

El Museo Reina Sofía y Filmoteca Española presentan su ciclo anual conjunto dedicado en esta ocasión a Peter Watkins (Reino Unido, 1935), uno de los últimos cineastas rebeldes de nuestro tiempo. Su obra plantea una crítica a la manipulación y uniformización de los medios de masas según intereses creados y defiende una creencia en que la experimentación narrativa y formal del documental nos conducirá a ser ciudadanos libres y autónomos respecto a los poderes que gobiernan el mundo.

Comisariada por Chema González (Museo Reina Sofía) y Natalia Marín y Carlos Reviriego (Filmoteca Española), Imágenes en guerra es una retrospectiva integral que va a mostrar todas las películas del cineasta y que es la culminación de más de dos años de conversaciones entre Peter Watkins, el Museo Reina Sofía y Filmoteca Española, así como un extenso trabajo de búsqueda y negociación de los derechos de proyección, en muchas ocasiones propiedad de televisiones que muestran escaso interés, cuando no censura, en la obra de este cineasta a contracorriente.

El ciclo tiene lugar entre el cine Doré de Filmoteca Española y el Auditorio Sabatini del Museo Reina Sofía, e incluye hitos como una de las escasas proyecciones de La Commune, la primera proyección íntegra en nuestro país de The Journey, serie de más de 14 horas sobre el pacifismo global, la recuperación de las obras de juventud y la presentación comentada de Patrick Watkins, colaborador e hijo del cineasta, durante la primera semana. La mayor parte de las sinopsis de este programa, el orden de proyección de las películas, así como el formato de debate tras su proyección han sido decididos y elaborados por el propio autor.

Del docudrama al falso documental

Vivimos en un tiempo de posverdad, de fake news, de mentiras virales, en el que la representación de los conflictos y guerras a nuestro alrededor imita las convenciones del cine bélico, el lenguaje de los videojuegos o simplemente copia formatos de entretenimiento informativo. A comienzos de 1960, un joven realizador del departamento de documental de la BBC se planteó de qué manera podemos evitar esta “monoforma”, en su propia acepción, y cómo entender el documental como un proceso democrático, emancipatorio y profundamente escéptico con el statu quo. Ese joven, Peter Watkins, inventa así el docudrama o el falso documental; esto es, el uso de la ficción dentro de este género, en el que la re-escenificación teatral de los acontecimientos históricos, la dramatización de los recursos periodísticos —entrevistas, declaraciones—, el uso de actores amateurs y la implicación de un equipo no profesional conduce a un paradójico proceso en el que el artificio nos acerca a las distintas aristas de la verdad. Watkins ha persistido en una firme idea a lo largo de su trabajo: el totalitarismo, la sociedad con nulas libertades civiles y el camino a la aniquilación de la humanidad en una guerra nuclear es una probabilidad muy cercana. Así, su obra está plagada de distopías sobre la noción de un futuro policial y aterrador, Punishment Park, The Gladiator o The Trap que, en última instancia, aluden al potencial del cine político para despertar conciencias.

Hércules contra los hijos del sol (Osvaldo Civirani, 1964). Int.: Mark Forest, Giuliano Gemma, Angela Rhu, Anna Maria Pace. España, Italia. 35 mm. VE. Color. 80’

La rebelión de los gladiadores (Vittorio Cottafavi, 1958). Int.: Gianna Maria Canale, Ettore Mani, Rafael Luis Calvo, Mara Cruz. España, Italia. 35 mm. Color. 98’

«Presentamos uno de los subgéneros más clásicos de los cines de barrio, el péplum o “cine de romanos”, en un programa doble coproducido con Italia lleno de exóticas aventuras y fornidos gladiadores en minifalda.

Hércules contra los hijos del sol es uno de los últimos trajes a medida del culturista (y luego tenor) Mark Forest, sucesor de Steve Reeves en el trono de héroes musculosos de la antigüedad. Forest había sido gogo-boy de Mae West en Las Vegas, para luego protagonizar varios Hércules y Macistes de segunda fila. En 1964, cuando la prolífica fórmula se empezaba a agotar, se intentaron mestizajes improbables como este, donde el héroe naufraga en el continente americano para toparse con los incas y el mismísimo Atahualpa. Este improbable periplo da como resultado una de las aventuras más exóticas, delirantes y coloridas de la saga, aliñada con paisajes, matte-paintings y vestuarios de puro cómic, en los que se podría reconocer la influencia de un Mario Bava. Ojo a las secuencias musicales que son todo un espectáculo. Para más inri, la habitual compañera femenina queda eclipsada por Giuliano Gemma como príncipe inca, constantemente obnubilado por los brazos y la espada de Hércules. A pesar de la peluca inca que luce, Gemma se convertirá a continuación en una de las raras bellezas masculinas del spaghetti western.

En contraste con la visión pop y sin prejuicios de la anterior, La rebelión de los gladiadores es un pequeño clásico del cine de romanos, dirigido por uno de sus máximos exponentes: Vittorio Cottafavi, que inició con ella una serie de péplums más comprometidos con la historia y menos con la fantasía mitológica. Sin perder el ritmo de aventuras y las peleas de circo romano, La rebelión de los gladiadores incluye sólidas tramas de conspiraciones e intrigas femeninas con villanas de altura, algo poco frecuente en este subgénero tan varonil». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de Víctor Matellano, escritor y cineasta, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 200’).

Pensado en conexión con la sesión del curso “Escribir el cine II” (Aula Xcèntric 2023) dedicada al cineasta José Val del Omar, este programa pretende ofrecer un marco histórico y biográfico que ayude a comprender su producción teórica, nutrida de un imaginario que se mantendrá constante a lo largo de su trayectoria. Presentación a cargo de Lluis Alexandre Casanovas, programador de la sesión.

Esbozando la constelación de intereses de cineastas próximos a Val del Omar, este programa explora la persistencia de un recurso que alimentará buena parte del cine de vanguardia del siglo XX español: el uso de la tradición popular como punto de partida para la experimentación visual. La tecnología del cine, argumentan diferentes autores, ayuda a reconstruir una supuesta continuidad entre cultura y entorno, entre antropología y tecno-ciencia, con métodos etnográficos sustentados en las posibilidades ópticas de los nuevos mecanismos de registro visual. Se trata, como Val del Omar explicará, de ofrecer al espectador “documentos objectivos de primera calidad” que muestren la conexión entre naturaleza y tradición; por ejemplo, entre las formas del agua sometida a la fuerza de la gravedad y el movimiento del cuerpo al bailar una siguiriya, o entre las formas sinuosas de las células vegetales y las imágenes barrocas esculpidas en madera de pino. Los esfuerzos de estos cineastas se enmarcan dentro de la confianza en las posibilidades comunicativas que, más allá del lenguaje, permite la reproductibilidad técnica de imágenes, y se desarrollarán a partir de diferentes ámbitos cientificotécnicos y artísticos.

El programa se estructura en dos bloques, a partir de dos producciones de Val del Omar sobre su Granada natal. El primer bloque investiga las posibilidades que inaugura el cine en la comprensión de fenómenos biológicos y culturales. Gira alrededor del corto Vibración de Granada (1935), que acompaña con piezas de Guillermo López Fernández-Zúñiga, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, asociados, como Val del Omar, al Servicio de Cinematografía de las Misiones Pedagógicas. Esta iniciativa no solo proyectaba cine en las regiones rurales más aisladas, sino que también documentaba, a través del cine y la fotografía, las condiciones de vida de estas áreas y la persistencia de tradiciones ya desaparecidas en entornos metropolitanos. Esta doble operación servia, además, para recalcar la importancia que estas comunidades y su cultura tenían en el proyecto político de la República. En paralelo a la documentación de las Misiones, estos cineastas realizarán cortometrajes científicos y etnográficos de vocación educativa en los que ensayarán nuevas estéticas políticas como es el caso de Galicia/Finis Terrae (1936), de Velo y Mantilla.

El segundo bloque muestra la continuidad del proyecto de revaloración de las tradiciones populares emprendido en el período republicano después de la Guerra Civil. Aguaespejo granadino (La gran siguiriya) (1953-55) de Val del Omar se acompaña aquí del documental “lírico-antropológico” Boda en Castilla (1941) de Manuel Augusto García Viñolas. Esta película experimental emplea los recursos estéticos que ofrece el cine para registrar las tradiciones nacionales como un sistema esencialista cerrado, sin continuidad con la materia ni el entorno. En contraposición, el programa concluye con Aguaespejo granadino, un “ensayo de plástica lírica” sobre las arquitecturas y el paisaje de la Alhambra y la comunidad romaní que vive a su alrededor. Val del Omar estructura la relación entre entorno e individuo a través de una imajen que funciona como el motor capaz de despertar manifestaciones culturales ocultas en el inconsciente, que se activa a través de recursos ópticos como la obturación rápida que congela el agua de las fuentes de la Alhambra en un baile de siguiriyas o la iluminación estroboscópica que convierte figuras vegetales en patrones ornamentales abstractos.

Vibración de Granada, José Val del Omar, 1934-35, 16mm, Sin Sonido, 21’; Polinización, Guillermo Fernández López-Zúñiga, 1935, 16mm, Sin Sonido, 3’; Finis Terrae-Galicia, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, 1936, 35mm, 8′; La ciudad y el campo, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, 1934, 35mm, Sin Sonido, 9’; Boda en Castilla, Manuel Augusto García Viñolas, 1941, 35mm, 16’; Aguaespejo granadino (La gran siguiriya), José Val del Omar, 1955, 35mm, 23’

Proyección en digital.

Agradecimientos: Archivo Val del Omar, Piluca Baquero, Fundación Carlos Velo, Margarita Ledo y Grupo de Estudos Audiovisuais de la Universidade de Santiago de Compostela.

Fecha: 2 noviembre 2023

Horario: 19.00

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

El ciclo comienza en octubre y se alargará hasta diciembre en el cine Doré

El 21 de septiembre se celebra un acto previo en el que Valia Santella, coguionista de `El sol del Futuro´ (2023), presentará la última película de Moretti en un coloquio abierto al público

Con motivo del estreno en España de la última película de Nanni Moretti, `El sol del futuro´ (2023) Filmoteca Española pone en marcha una retrospectiva del director italiano que se desarrollará entre octubre y diciembre de 2023. Con su última película, cuyo preestreno se celebró en el cine Doré el pasado 11 de septiembre, Moretti cierra un tríptico desarrollado durante tres décadas que completan `Caro diario´ (1993) y `Abril´ (1998).

El ciclo, que arranca en octubre y se desarrollará hasta diciembre, contará con un acto previo el 21 de septiembre en el que Valia Santella, coguionista de `El sol del Futuro´, presentará el filme en un coloquio abierto al público.

Instrucciones para pensar el mundo

El cine de Nanni Moretti se construye desde la autoficción, que no es una atalaya narcisista desde la que mirar el mundo, sino un ejercicio de presentarse a sí mismo como parte del discurso cinematográfico, de relatarlo con su propio cuerpo. Desde sus inicios en el cine, el director italiano hace ya una declaración de intenciones con el título elegido para su primer largometraje `Io sonno un autarchico´ (1976). Moretti, se debate entre la autarquía -que deriva en un estado de autosuficiencia personal y estilística- y un cuestionamiento político permanente acerca de la sociedad italiana. Esta dicotomía entre lo exterior y lo interior inspira el título de la retrospectiva que Filmoteca Española presenta este otoño en el cine Doré: `Instrucciones para pensar el mundo´.

Seminario paralelo

La sesión del 21 de septiembre se desarrolla en paralelo a la celebración en la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) del Seminario Internacional con Valia Santella “Del set a la escritura (y viceversa). Un viaje personal y emocional en la escritura cinematográfica”, organizado conjuntamente con Filmoteca Española y DAMA, y dirigido a guionistas, directores, productores, actores, actrices y otros profesionales del sector. Tendrá lugar en la sala de cine de la ECAM los días 19 y 20 de septiembre . Santella, que comenzó su carrera como guionista en 2010, es colaboradora de Moretti y ha trabajado con otros directores italianos de la talla de Marco Bellucci y Valeria Golino.

Calendario sesiones octubre

1 de octubre – 20:30

`Palombella rossa´ (1989)

4 de octubre – 17:30

`Santiago, Italia´ (2018)

5 de octubre – 17:30

`Habemus Papam´ (2011)

7 de octubre – 21:30

`La misa ha terminado´ (1985)

8 de octubre – 17:30

`La habitación del hijo´ (2001)

10 de octubre – 18:00

`Palombella rossa´ (1989)

13 de octubre – 21:30

`Caro diario ´ ( 1993).

14 de octubre – 17:30

`La habitación del hijo´ (2001)

26 de octubre – 21:30

`Caro diario´ (1993)

28 de octubre – 17:30

`Habemus Papam´ (2011)

29 de octubre – 21:30

`La misa ha terminado´ (1985)

En noviembre completarán este ciclo otros títulos como `Come parli, frate?´, `Io sono un autarchico´, `Ecce Bombo´, `Sogni d’oro´, versión restaurada por la Cineteca Nazionale; `Bianca´ o `El caimán´.

Más allá de la muerte (Sebastián D’Arbó, 1986). Int.: Narciso Ibáñez Menta, Tony Isbert, Berta Cabré, Sergio Tula. España. DCP. Color. 92’

La herencia del mal (Joaquín Gómez, 1987). Int.: David Rocha, María Vico, Frank Braña, Remedios Hernández. España. DCP. Color. 93’

«Después de las clasificadas S, presentamos el “terror SS” con dos películas malditas del fantaterror español sembradas de subtramas nazis, gotas de erotismo y otras góticas truculencias perfectas para celebrar Halloween en «Sala:B».

Más allá de la muerte, dirigida por Sebastián D’Arbó, es una de sus películas menos conocidas, pero también una de las más interesantes e insólitas. Partiendo de su característico formato de documento paranormal con presentación incluida, D’Arbó prueba aquí una trama mucho más ambiciosa y compleja, combinando experiencias más allá de la muerte con los rituales ocultistas de la Sociedad Thule, que desembocó en el partido nacionalsocialista de Hitler. Narciso Ibáñez Menta y Tony Isbert desempeñan a los dos fascinantes antagonistas de esta misteriosa y trepidante rareza que parece cambiar de género cada 15 minutos, entre flashbacks, sueños, efectos especiales y secuencias psicodélicas cósmicas con aromas kubrickianos, nada menos.

La herencia del mal va a tener su estreno mundial en «Sala:B», después de que su director Joaquín Gómez Sáinz (Dan Barry) donase a Filmoteca Española los materiales que conservaba de este malogrado proyecto. Desavenencias con los productores y la precariedad del rodaje dieron al traste con este giallo tardío que se atrevía también a dar saltos mortales entre subgéneros, desde el terror gótico (con ese magnífico castillo de San José de Valderas) al  melodrama nazi, y del slasher al thriller quinqui. Por si faltara poco delirio general, el inconfundible David Rocha pone una vez más sus excesos interpretativos al límite, haciendo de esta película un viaje tan desconcertante como memorable». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de los directores, Sebastián D’Arbó y Joaquín Gómez Sáinz, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 205’).

La edición, dedicada a Lola Flores con motivo del centenario de su nacimiento, contará con la proyección de la restauración de ‘Embrujo’, dirigida por Carlos Serrano de Osma y protagonizada por Lola Flores y Manolo Caracol

Además de ‘Embrujo’, ‘Las Niñas’ (Pilar Palomero, 2020) y ‘Valentina’ (Chelo Loureiro, 2021) podrán verse dentro y fuera de España como parte del programa de actividades

Filmoteca Española inaugura también el mismo día 6 la exposición ‘Errantes y perseverantes. El siglo de Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal’

El director general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Ignasi Camós, ha presentado esta tarde, junto a la directora de Filmoteca Española, Valeria Camporesi, el programa de actividades de la tercera edición del Día del Cine Español, que se celebra el próximo 6 de octubre y que este año estará dedicado a Lola Flores por el centenario de su nacimiento.

Con los lemas #QuédateALosCréditos y #ElMomentoDeNuestroCine, la cita pretende poner en valor, por un lado, el trabajo de todos los profesionales de la industria que hacen posibles las producciones cinematográficas y, por otro, la importancia del cine español como patrimonio cultural, generador de una identidad e imaginario común.

Con este propósito, para esta tercera edición se llevarán a cabo distintas actividades y acciones que acercarán a los públicos la riqueza y diversidad de la cinematografía española: proyecciones, coloquios, encuentros, actividades formativas, publicaciones, exposiciones y acciones de comunicación completan la agenda del Día del Cine Español 2023

Proyección de ‘Embrujo’

El acto central del Día del Cine Español, que se celebrará el 6 de octubre en el cine Doré, será un homenaje a Lola Flores con motivo del centenario de su nacimiento. Para celebrar la efeméride se proyectará la restauración, realizada por Filmoteca Española, de ‘Embrujo’ (Carlos Serrano de Osma, 1947), protagonizada por Lola Flores junto a Manolo Caracol.

Proyecciones dentro y fuera de España

La película de Flores, junto con ‘Las Niñas’ (Pilar Palomero, 2020) y ‘Valentina’ (Chelo Loureiro, 2021), se programarán también en instituciones públicas y privadas, asociaciones, colegios, institutos, cines, escuelas, museos, casas de cultura, bibliotecas o centros culturales, lugares que abrirán una ventana al cine español tanto dentro como fuera de España. En particular, en esta edición se ha incrementado en más de 700 el número de proyecciones que se llevarán a cabo en los diferentes organismos colaboradores, con la incorporación de nuevos centros culturales y embajadas.

Una exposición dedicada a Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal en Filmoteca Española

Otro de los actos centrales del 6 de octubre será la inauguración de la exposición ‘Errantes y perseverantes. El siglo de Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal’, que se celebrará entre el 6 de octubre de 2023 y el 31 de marzo de 2024 en la sala de exposiciones (calle Magdalena, 10) y el cine Doré (calle Santa Isabel, 3) de Filmoteca Española.

Comisariada por las historiadoras Marina Díaz López y Sonia García López, la muestra propone un recorrido, a través fundamentalmente de las colecciones de Filmoteca Española, de tres grandes nombres del cine español que fueron productoras, guionistas, directoras y empresarias en España y América Latina. Carteles, fotografías, contratos, cartas, guiones, planes de rodaje, órdenes de censura, revistas, audiovisuales o entrevistas componen una exposición que ofrece una mirada no sólo a la vida artística de estas tres mujeres, sino también a la historia del cine español.

Premio Nacional de Patrimonio Cinematográfico y Audiovisual

Por segundo año consecutivo, la celebración del Día del Cine Español estará precedida por el fallo, el 3 de octubre, del Premio Nacional de Patrimonio Cinematográfico y Audiovisual, que en la pasada edición recayó en el preservador y restaurador cinematográfico Ferrán Alberich.

Este premio tiene como objeto destacar la labor de personas, instituciones y organizaciones que han desarrollado iniciativas y proyectos destacables de recuperación, conservación y difusión del patrimonio cinematográfico y audiovisual.

Sobre el Día del Cine Español

El 9 de marzo de 2021, el Consejo de Ministros acordó instaurar el 6 de octubre como el Día del Cine Español con el objetivo de reconocer el papel de los profesionales del sector del cine, su influencia e importancia en la vida cultural y social de nuestro país y el papel que el cine español ha desempeñado a lo largo de su historia y que ha de seguir desempeñando.

La fecha coincide con el final de la producción de ‘Esa pareja feliz’, película dirigida y guionizada por Juan Antonio Bardem y Luis García-Berlanga y protagonizada por Fernando Fernán Gómez y Elvira Quintillá. Con el paso de los años, esta película se ha convertido en símbolo de una de las más brillantes generaciones de cineastas de nuestro país.

La muestra está comisariada por el Archivo de la Cineteca Nacional de Chile

Su presentación, que se celebrará el 12 de septiembre en el cine Doré, contará con la presencia del embajador de Chile en España, Javier Velasco

En el mes en el que se cumplen cincuenta años del golpe de Estado en Chile, Filmoteca Española, organismo dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico español, acoge una muestra cinematográfica comisariada por el Archivo de la Cineteca Nacional de Chile.

Tal día como hoy, el 11 de septiembre de 1973, varios sectores del ejército chileno se aliaron para acometer un golpe de Estado contra una democracia ejemplar en Latinoamérica, asaltando el Palacio de la Moneda, y tumbando el gobierno democrático de Salvador Allende.

Tras el golpe, se instaló un régimen dictatorial, represivo y criminal encabezado por Augusto Pinochet que, a lo largo de 17 años dejó un país partido en dos con miles de detenidos desaparecidos, asesinados y exiliados.

El cine ha sido en Chile un instrumento fundamental para mantener vivas las reflexiones en torno a estas cinco últimas décadas. En este periodo, se han producido cientos de películas desde Chile así como fuera de sus fronteras, por sus exiliados en el extranjero.

Filmoteca Española acoge esta muestra cinematográfica comisariada por el Archivo de la Cineteca Nacional, centro que tuvo como una de sus primeras misiones —desde su creación en 2006— localizar y rescatar esta producción, generando una memoria audiovisual del país, que se retroalimenta de manera constante a través de nuevos hallazgos documentales que enriquecen su fondo.

La selección de películas que configuran la muestra da cuenta de este trabajo realizado a lo largo de sus 17 años de existencia, así como de su búsqueda y continua reflexión sobre los hechos que, tras medio siglo de procesos, siguen repercutiendo en el presente del país.

El cine Doré, sala de proyecciones de Filmoteca Española, acogerá las cuatro sesiones de la muestra así como su presentación el 12 de septiembre, que contará con la presencia del embajador de Chile en España, Sr. Javier Velasco Villegas. En esa sesión de presentación, se proyectará `Compañero presidente´ (1971), mítico documental de Miguel Littin que retrata las conversaciones de Salvador Allende con el filósofo francés Régis Debray.

SESIONES

12 de septiembre – 18:00

`Compañero presidente´ (Miguel Littin, 1971)

13 de septiembre – 19:30

`El cine de la dictadura´ (Jorge Morgado, 1975)

14 de septiembre – 19:30

`No olvidar/Cien niños esperando a un tren´ (Ignacio Agüero)

15 de septiembre – 19:00

`Fragmentos de un diario inacabado´ (Angelina Vázquez, 1983)

El Cine de Autor es aquel en que el director o la directora impone su visión personal en la película, en términos temáticos y de puesta en escena, por oposición al cine industrial masivo, cuyo imperativos son el entretenimiento y las fórmulas de éxito. El curso pretende ahondar en la evolución del cine de autor desde su nacimiento en diferentes artículos de los años 50, principalmente cahieristas, hasta nuestros días, en que puede considerarse un género en sí mismo con su público, sus festivales y convenciones.
Los temas planteados en el curso giran en torno a cuestiones contemporáneas como la pérdida de la centralidad cultural del cine, la banalización de las imágenes, la eclosión del cine feminista, la posibilidad de realizar un cine subversivo o la pervivencia del canon. El curso se despliega a través del comentario de escenas de William Wyler, Ida Lupino, Robert Bresson, Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini, Terence Fisher, Alain Resnais, Jean-Luc Godard, Chantal Akerman, Andrei Tarkovsky, Pedro Costa, Wong Kar-Wai, Kelly Reichardt, Elena López Riera, etc. Las clases se complementan con textos teóricos de Alexandre Astruc, François Truffaut, Jean-Claude Carrière, Laura Mulvey, Annette Khun, Virgine Despentes, Barbara Zecchi, Nathaniel Dorsky, Alain Bergala, Werner Herzog, Carlos Losilla, Àngel Quintana, etc.

Dirigido a
Todo cinéfilo que quiera profundizar en el cine de autor.

Metodología
Los contenidos del curso se despliegan a través de fragmentos de películas y textos diversos. Cada tema planteado se presenta con una película de obligatorio visionado para el alumno, disponible en nuestra página de Filmin. Puedes consultarla aquí. El grupo de alumnos es reducido con el objetivo de fomentar la reflexión y el diálogo en las clases. La impartición es online, en directo desde Zoom. Las sesiones se graban y permanecen en la nube a disposición del alumnado.

Temario
• Hacia una definición de autoría.
• El hilo invisible: autoría y mainstream.
• Voces femeninas de cine de autor(a).
• Reformulando la teoría de los autores.
• Películas y textos profanos.
• Patologías de la imagen contemporánea.

Profesorado
Javier Urrutia: filósofo
Mireia Iniesta: crítica de cine
Andrés Duque: cineasta experimental
Javier Trigales: guionista
Antonio José Navarro: historiador de cine

Duración y horario
trimestral (octubre, noviembre y diciembre)
jueves, de 18:00 a 21:00h.

La matriculación incluye
• Certificado final
• Suscripción a Filmin
• Suscripción a la revista Caimán

Precio a escoger entre:
a) 225€ al mes x 3 = 675€
b) 580€ (una sola vez)

https://www.educatumirada.com/matriculacion/

Filmoteca Española inaugura el curso con dos meses de proyecciones y presentaciones en el cine Doré que ponen el foco en la forma en que la cinematografía española fue rompiendo con el tabú de lo queer durante los últimos años del franquismo y la llegada de la democracia

El miércoles, 6 de septiembre será la presentación del ciclo con la proyección del documental `Ocaña, retrato intermitente´ (Ventura Pons, 1978), que se acerca a la realidad del artista sevillano José Pérez Ocaña, de quien se celebran los 75 años de su nacimiento

Filmoteca Española, organismo dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico español, presenta `A la contra y desde abajo´, ciclo comisariado por Santiago Lomas y Alberto Berzosa. 28 sesiones, que se celebrarán en septiembre y octubre, pondrán el foco en los tímidos pasos y en las atronadoras transgresiones que en el cine español hicieron falta para transformar la percepción popular: una cartografía de territorios fílmicos por los que fluyeron cuerpos, gestos, guiños, deseos y pasiones a la contra de las normas sexuales y de género vigentes bajo el franquismo, en una suerte de larga década de los setenta que los comisarios encuadran entre 1969 y 1983.

A la contra y desde abajo

El título del ciclo responde, tal y como indican sus comisarios, a que estamos “ante representaciones cinematográficas a la contra de la norma heterosexista y de las convenciones de género patriarcales (…) que son el resultado de deseos y formas de socialización disidentes y que apelan a la construcción de imaginarios que contribuían a la profundización de la democracia que se estaba construyendo entonces desde el respeto, la igualdad y el valor de la diversidad “. También apuntan a una perspectiva diferente y desde abajo, empleada por quienes realizaban sus películas en “condiciones de producción precarias y no profesionales, dando forma a circuitos paralelos de distribución de cine amateur, experimental, militante o alternativo, por usar algunos de los apelativos en boga en la época”.

El ciclo se sitúa, por tanto, “a la contra de ciertas viejas formas de entender y analizar el cine: desde las que desprecian el cine más popular hasta las que ignoran el cine no comercial, pasando por las de quienes consideran que no puede haber nada queer en una película más allá de la representación explícita de un personaje gay, lesbiana o trans”, destacan sus comisarios, remarcando que se obvian aspectos como la propia estética cinematográfica, las identidades de las personas que las crean, o la subcultura que puede canalizarse en una película en forma de códigos, tradiciones y referencias.

El programa se bifurca en dos líneas: la de las expresiones que se dieron en el cine de exhibición comercial – aunque no siempre, ni mucho menos, masiva— y que se podrán ver en septiembre en el cine Doré; mientras que octubre será para la muestra de los trabajos de corte más underground. Así, el ciclo arrancará el domingo 3 de septiembre con la proyección de `La muerte de Mikel´ (Imanol Uribe, 1983), y el miércoles 6 de septiembre los comisarios del ciclo presentarán la sesión de `Ocaña, retrato intermitente´ (Ventura Pons, 1978), un documental que se acerca a través de entrevistas e imágenes de su obra a la realidad del artista sevillano José Pérez Ocaña, de quien —precisamente— este 2023 se celebran 75 años de su nacimiento.

A partir de estas líneas, el ciclo articula sus títulos en 5 bloques que responden a cinco grandes áreas temáticas:

Bloque 1: El espacio público, manifestaciones y purpurina

`Manifestación gay´ (Iván Zulueta, 1978)

`Manifestació a Valencia´ (Miquel Alamar, Pedro Ortuño)

`Fosca´ (Carles Comas, 1977)

`Actuació d’Ocaña i Camilo´ (Video- Nou, 1977)

`La muerte de Mikel´ (Imanol Uribe, 1983)

`Ocaña, retrato intermitente´ (Ventura Pons, 1977)

`El diputado´ (Eloy de la Iglesia, 1978)

`Abajo la ley de peligrosidad social´ (José Romero Ahumada, 1977)

Bloque 2: Divas, camp, subcultura homosexual

`Esa mujer´ (Mario Camus, 1969)

`Casa Flora´ (Ramón Fernández, 1972)

`Mi hijo no es lo que parece´ (Acelgas con champán y mucha música) (Angelino Fons, 1973)

`Manderley´ (Jesús Garay, 1981)

Bloque 3: Desacoples lesbianos

`Me siento extraña´ (Enrique Martí Maqueda, 1977) · Lina y Tina (Susana Torres Molina, 1980)

`Filmación de Massiel recibiendo premio de un colectivo de lesbianas´ (José Romero Ahumada, 197…)

`Fiestas lésbicas de los años setenta´ (Archivo Ca la Dona, Barcelona)

`Entre actos´ (Cecilia Barriga, 1982)

`Entre tinieblas´ (Pedro Almodóvar, 1983)

Bloque 4: Universos trans

`Cambio de sexo´ (Vicente Aranda, 1977)

`Miss Drácula y el Imperio de la Leche´ (Pierrot, 1974-1975)

`Un hombre llamado Flor de Otoño´ (Pedro Olea, 1978)

`Silencis´ (Xavier Daniel, 1982)

`También encontré mariquitas felices´ (Els 5 QK’s, 1980)

`Vestida de azul´ (Antonio Giménez Rico, 1983)

Bloque 5: Deseos fuera de territorio

`Les intrigues de Sylvia Couski´ (Adolpho Arrietta, 1975)

`Roma, Brescia, Cannes´ (Iván Zulueta, 1974)

`The Lyndsay Kemp Circus´ (Celestino Coronado, 1973)

`Michel lá bás´ (Teo Hernández, 1970)

`Ocaña, der Engel der in der Qual singt´ (Gérard Courant, 1978)

`Conducta impropia´ (Néstor Almendros y Orlando Jiménez Leal, 1983)

Juan y Junior… en un mundo diferente (Pedro Olea, 1970). Int.: Juan Pardo, Junior, Maribel Martín, Francisco Merino. España. BDG. Color. 8

Llegaron los marcianos (I marzianni hanno 12 mani, Franco Castellano y Giuseppe Moccia, 1964). Int.: Paolo Panelli, Carlo Croccolo, Enzo Garinei, Alfredo Landa. Italia, España. 35 mm. Color. 95’

«Un musical juvenil con unos Juan y Junior alienígenas actuando en Santiago de Compostela, y una comedia hispano-italiana con Alfredo Landa como visitante del planeta Marte. La ciencia ficción en este país es tan marciana como pop.

Cuando los extraterrestres aterrizan en EEUU vienen siempre a invadir el mundo, pero cuando pasan por aquí acaban montando grupos de canción ligera o ligando con las terrícolas. Nuestra ciencia ficción, al igual que pasa con el cine de terror, abrazó el cachondeo y la chirigota antes que la anticipación y el espanto. Cuando dirigió Juan y Junior… en un mundo diferente, Pedro Olea no era nuevo en el cine juvenil con cameos pop, en Días de viejo color (1968) ya aparecían Juan Pardo, Massiel y Luis Eduardo Aute; y es que en aquella época el subgénero florecía a raíz de la Beatlemanía y sus películas, que todos intentaban replicar, al menos en su frescura y desvergüenza. La mezcla de la trama alienígena con el costumbrismo compostelano es solo uno de los bizarros atrevimientos de esta insólita película. Como dicen nuestros invitados de “Campamento Krypton”: “la única producción para la gran pantalla del dúo musical es una versión ye-ye de La invasión de los ladrones de cuerpos.”

El pop de Llegaron los marcianos (conocida en Italia como “Los marcianos tienen doce manos”) no es musical, aunque la banda sonora de Ennio Morricone y los irresistibles italo-hits parecen desmentirlo, pero es en la sucesión de gags tronados y en los estilismos de esa Roma sixties donde hay material pop de pura cepa. Alfredo Landa es X4, un marciano enamorado de las terrícolas que viene a estudiar la Tierra con sus compañeros X1, X2 y X3, todos ellos actores y comediantes italianos, dirigidos por el dúo Castellano y Pipolo, que iniciaron con esta película una prolífica carrera. Como aseguran nuestros invitados: “Cara dura no les falta a ninguno”». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de los miembros del podcast “Campamento Krypton”, Miguel Ángel Tejero (MAT) y Armando Gasalla (Armabot), y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 200’)

Camila(1984)

Comenzará el domingo 20 de agosto con la proyección de `Camila´ (1984) y se alargará hasta septiembre

El ciclo se ha realizado en colaboración con el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken de Buenos Aires, Argentina

Decía la propia María Luisa Bemberg (Buenos Aires, 1922) que su manera de hacer feminismo era hacer buen cine. Uno crítico y visibilizador de las desigualdades de género y su relación con el autoritarismo social, político y familiar. Cineasta argentina pionera del cine latinoamericano, “La Bemberg”, tal y como se la conocía, protagoniza un ciclo durante los meses de agosto y septiembre de 2023 en el cine Doré de Filmoteca Española, organismo dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico español. El ciclo se ha realizado en colaboración con el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken de Buenos Aires, Argentina.

El ciclo comenzará el domingo 20 de agosto con la proyección de `Camila´(1984) y, entre otras actividades, el día 30 Cecilia Barrionuevo, programadora cinematográfica, asistirá al cine Doré para presentar `Juguetes (1978) ´ y `Señora de nadie (1982)´. Nacida en el seno de una de las familias más ricas y poderosas de Argentina, desafió el statu quo y marcó a toda una generación. La primera vez que se puso detrás de una cámara tenía 58 años, estaba divorciada, se había vuelto a enamorar, tenía cuatro hijos y era abuela de seis nietos.

UFA: Unión Feminista Argentina

Como apunta Cecilia Barrionuevo, autora del texto que acompaña el ciclo, en una entrevista María Luisa Bemberg se declaró feminista y eso hizo que cambiara todo en su vida. Comenzaron a comunicarse con ella otras mujeres que, hermanadas en la interjección elocuente por el hartazgo y la bronca que producía la situación de la mujer sobre problemáticas comunes, decidieron luchar por sus derechos y crearon UFA: Unión Feminista Argentina.

En este contexto, Bemberg es impulsada por UFA para asistir con una cámara a la feria “Femimundo”, exposición en la que se mostraban diferentes artefactos electrodomésticos, junto con ropa y peinados destinados a la mujer moderna. El resultado fue la obra `El mundo de la mujer´ (1972). Luego, en la misma línea, durante la dictadura argentina tras el golpe de estado de 1976, dirigió `Juguetes´ (1978), donde realiza la misma pregunta: “¿Qué vas a ser cuando seas grande?” a setenta niñas y niños de nueve y diez años que visitan la Exposición del Juguete. Bemberg observa y muestra sin inocencia los juguetes que se les ofrecen en la exposición y el condicionamiento cultural, las restricciones en la educación y la creatividad, la discriminación y las imposibilidades de autonomía que emergen de los mismos. Como testimonio sensible de una época, se explicitan los roles que tradicionalmente se asignan a cada sexo.

Señora de nadie

En 1981 dirigió su ópera prima, ´Momentos´ (1981), tras conocer a Lila Stanic, una de las pocas mujeres productoras que había en el cine: trabajarían juntas diez años, realizando seis películas en menos de una década, siendo las cuatro primeras una bandera de los derechos de la mujer. En una entrevista de esa época señalaba: “Sabía que si mi película salía mal no iban a decir ‘qué bestia, La Bemberg’, si no ‘¿no ven que las mujeres no sirven para hacer cine?’. Y ahí caerían en la volteada millones de mujeres inocentes”. En 1982 filmó `Señora de nadie´, y durante cinco años luchó para que el ente de calificación cinematográfica de Argentina le aprobara el argumento, denegado porque retrataba a una mujer que al enterarse de que es engañada por el marido decide irse de la casa para vivir su vida. Luego vendría `Camila´ (1984), un éxito de taquilla con 2.160.000 espectadores y la tercera película argentina —hasta entonces— nominada para el Oscar como mejor película extranjera.

Comenzó a dirigir en el momento en que en Argentina surgía la militancia feminista, la mayoría de sus películas se realizaron durante los años 80 en la transición del periodo militar a la democracia hasta los años 90 en pleno neoliberalismo. A través de su mirada se hizo cargo de su propio privilegio sobre lo diferente. Durante el rodaje de su última película, `De eso no se habla´ (1993), basada en un cuento de Julio Llinás, padre de Mariano y Veronica Llinás, enfermó. Esta pudo terminarla, pero dejó inconclusa la adaptación al cine de ‘El impostor’, donó sus cuadros al Museo Nacional de Bellas Artes y el domingo 7 de mayo de 1995 falleció.

Agosto

20 de agosto – 18:00

`Camila´ (María Luisa Bemberg, 1984)

23 de agosto – 18:00

`Momentos´ (María Luisa Bemberg, 1981)

27 de agosto – 18:00

`De eso no se habla´ (María Luisa Bemberg, 1993)

30 de agosto – 18:00

`Juguetes´ + `Señora de nadie´(María Luisa Bemberg,1978 – 1982)

Septiembre

3 de septiembre – 20:00

`Miss Mary´ (María Luisa Bemberg, 1986)

17 de septiembre – 19:00

`Yo, la peor de todas´ (María Luisa Bemberg, 1990)

21 de septiembre – 19:30

`Miss Mary´ (María Luisa Bemberg, 1986)

22 de septiembre – 19:30

`Camila´ (María Luisa Bemberg, 1984)

24 de septiembre – 19:00

`Juguetes´ + `Señora de nadie´(María Luisa Bemberg,1978 -1982)

29 de septiembre – 17:30

`Yo, la peor de todas´ (María Luisa Bemberg, 1990)

30 de septiembre – 19:30

`De eso no se habla´ (María Luisa Bemberg, 1993)