Categoría: Eventos

Ciclo que mapea la historia del cine de Taiwán y que está compuesto por la proyección de cuatro películas y el curso monográfico Tiempos de amor, juventud y libertad, que se puede seguir presencial u online.

El país, pese a su reducida extensión y contar con apenas 23 millones de habitantes, ha edificado una de las cinematografías más estimulantes del panorama internacional.

El programa del ciclo ha sido diseñado por Javier H. Estrada, crítico, profesor y programador de cine. El curso está apoyado por Nuria Cubas, profesora, programadora y cineasta, y por Gabriel Doménech, profesor y miembro del Grupo de Investigación TECMERIN.

El ciclo ahonda en la cinematografía de Taiwán con la selección de cuatro celebradas películas que, sin embargo, siguen siendo desconocidas para el público español. Componen el programa clásicos como Dangerous Youth (Hsin Chi, 1959); la radiografía del Taiwán contemporáneo God Man Dog (Chen Singing, 2007); Murmur of the Hearts (Sylvia Chang, 2015), que supone una de las cimas de la gran directora Sylvia Chang; y el brillante melodrama estrenado en la Berlinale One Day (Hou Chi-Jan, 2010).

El eje temático común de todas ellas es la dimensión emocional del cine, donde se ven reflejados aspectos como la eclosión del sentimiento amoroso, el deseo irrefrenable o el retorno a las raíces en historias de gran calado sentimental con relatos poblados de personajes envueltos en profundas transformaciones.

El curso monográfico Tiempos de amor, juventud y libertad es un viaje emocional por la historia del cine de Taiwán. Cuatro sesiones dedicadas a la historia de una de las cinematografías más apasionantes del panorama mundial, en la que se estudia la obra de autores clave como Hou Hsiao-hsien y Tsai Ming-liang, pero también se indaga en figuras menos conocidas e igualmente estimulantes. Tiene una duración de cuatro jornadas y se puede seguir en formato presencial u online.

El ciclo y el curso se complementan de forma mutua y pretenden aportar una nueva mirada sobre la obra de autores como Hou Hsiao-hsien, Edward Yang o Chen Kunhou, Ang Lee y Tsai Ming-liang. Estos creadores conquistaron a la crítica y los festivales internacionales relatando historias de gran calado sentimental, pobladas de personajes envueltos en profundas transformaciones tanto íntimas como colectivas. La propuesta también indaga en figuras menos conocidas pero imprescindibles del pasado como Sylvia Chang o Chang Tso-chi, y también de la nueva hornada, como la directora Zero Chou o Lim Lung-yin.

Con el objetivo de amplificar su alcance y abrir la participación a todo el territorio y a otros países, el curso se desarrolla en formato híbrido (presencial y online). Las proyecciones, por su parte, tienen lugar de manera presencial en La Casa Encendida.

Tiempos de amor, juventud y libertad está organizado por Filmadrid, Pasajes de Cine, el Ministerio de Cultura de Taiwán, la Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España y La Casa Encendida con la colaboración de Taiwan Film & Audiovisual Institute.

Programación

Varias fechas

La Casa On, Curso, Cine Tiempos de amor, juventud y libertad

Precio: 50 €

13 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘Dangerous Youth’, de Hsin Chi

Precio: 4.00 €

14 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘God Man Dog’, de Chen Singing

Precio: 4.00 €

15 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘Murmur of the Hearts’, de Sylvia Chang

Precio: 4.00 €

16 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘One Day’, de Hou Chi-Jan

Precio: 4.00 €

• 

• El intrépido Raúl(Feliciano Pérez y Arturo Beringola, 1936). España. 35 mm. B/N. 9’

• La venganza del brujo(Salvador Gijón, 1945). España. DCP. B/N. 10’

• Viaje a la luna(Tino Blom Dahl, 1964). España. DCP. B/N. 17’

• Hombrecillos de papel(Tino Blom Dahl, 1968). España. DCP. Color. 16’

• Juego de niños(Pablo Llorens, 1999). España. DCP. Color. 70’

«Siempre buscando el más difícil todavía, «Sala:B» os invita a una sesión histórica de animación en stop-motion española por y para todas las edades.

El cine infantil menos convencional vuelve a ocupar «Sala:B» durante las fiestas navideñas. Para esta ocasión hemos recurrido al experto Adrián Encinas, que ha preparado un menú de pioneros de la animación española en stop-motion a partir de los archivos de Filmoteca Española, Filmoteca de Valencia y de su propia colección. Para empezar, ni más ni menos que la película de muñecos animados española más antigua que se conserva: El intrépido Raúl, de 1936, reestrenada tras la Guerra Civil bajo el título La princesa y el dragón (1947). Rodado en los estudios CEA de Madrid, este cuento destaca –según Encinas– por un cuidado diseño de personajes y escenarios de Feliciano Pérez, además de los movimientos de cámara de Arturo Beringola, un arrojo tremendo para la época.

Seguimos con Salvador Gijón, el único cineasta que recoge el testigo al final de la Segunda República y continúa desarrollando la animación de muñecos durante la dictadura. En sus obras encontramos personajes recurrentes como el detective Camelón y su fiel perro Tobalito, que luchan contra los malvados Cuca y El Pájaro, siempre en historias de corte naif narradas en verso o en prosa. Destaca la Trilogía del rapto en palacio (1944-1945), primer serial animado, al que pertenece el episodio La venganza del brujo.

El caso de Christen (Tino) Blom-Dahl es muy particular, vicecónsul noruego afincado en Valencia que se dedica a la animación en stop-motion de forma autodidacta y con la vocación de un cuentacuentos familiar. Sus cortos en 16mm mezclan con gran naturalidad la realidad cotidiana con la fantasía, logrando una frescura insólita.

Y para acabar, saltamos a una de las figuras más importante de la plastilina animada en España: Pablo Llorens. Tras recibir varios premios con sus cortos, incluidos dos Goyas, su primer y único largometraje será Juego de niños, que realizó prácticamente en solitario durante dos años de intenso trabajo. Más allá de ser la primera película española en stop-motion, aborda con valentía las formas del anime y el videojuego sin perder en ningún momento la esencia de su personal humor». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de Adrián Encinas, autor de Historia del cine de animación stop-motion español 1912-1975 (publicación a principios de 2023, Desfiladero Ed.) y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 155’)

En 1971, Ed Pincus emprendió el proyecto de filmar con una cámara de 16 mm, y a lo largo de cinco años, la intimidad de su vida familiar. El montaje, a partir de las veintisiete horas de material registrado, no lo empezó hasta 1976, en forma de revisión (auto) crítica de esa experiencia. La muy influyente Diaries (1971-1976) —considerada una de las grandes obras maestras del género diarístico y que se presenta ahora recién restaurada— encara la colisión entre vida y arte, y los conflictos y goces de crear una familia, con el deseo de reconciliar, según el cineasta, lo trivial con lo profundo, y sondear la fragilidad y el heroísmo de la vida cotidiana.

Pincus había escrito Guide to Filmmaking (1969), un célebre manual de técnicas cinematográficas, y fue profesor de cine en el MIT y en Harvard, además de documentalista de direct cinema; pero en 1970 piensa que su obra está en un callejón sin salida y decide hacer un giro radical, exponerse crudamente ante la cámara y cuestionar las convenciones del cine y de su propia vida. La película empieza cuando la esposa de Ed, Jane —feminista y artista de batik—, tiene 34 años y sus hijos Sami y Ben, 6 y 2 años, respectivamente. Son, según Jane, «la familia feliz». Lo que sigue es el derrumbe de esa vida familiar, entre las aventuras amorosas de Ed y los efectos dolorosos que tienen para ella.

 «Ed Pincus ha creado un melodrama cómico de la vida familiar en los años setenta, que es tan fascinante, triste, enloquecedor e inquietante como cualquier ficción. Ha dado un salto mágico, saltando sobre las cabezas del cinéma-vérité y de la narración cinematográfica hacia un nuevo y deslumbrante reino» (Stephen Schiff, Film Comment).

Diaries (1971-1976), Ed Pincus, Estados Unidos, 1982, 16 mm, 200’

Proyección en DCP, VOSC. Copia digitalizada y restaurada procedente del Harvard Film Archive.

Fecha: 22 enero 2023

Horario. 17:30

Espacio. Auditorio

Precio. 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online

El ministro ha inaugurado esta mañana la exposición ‘70 años 7 piezas 7 cineastas’, con la que la Filmoteca Española conmemora su 70 aniversario. Esta tarde se celebra un acto en el Cine Doré y la proyección de la película Canciones para después de una guerra, de Basilio Martín Patino.

La muestra, que se podrá ver gratuitamente hasta el 30 de abril de 2023, ha contado con la aportación de siete cineastas y personalidades del séptimo arte: Ester Expósito, Jonás Trueba, Teresa Font, Santiago Segura, Alauda Ruiz de Azúa, Albert Serra y Eduardo Casanova.

La inauguración se suma a las más de 300 actividades nacionales e internacionales que, con motivo de la celebración del Día del Cine Español, se están desarrollando en colegios, instituciones educativas, culturales, centros penitenciarios, centros de mayores, y en diferentes centros del Instituto Cervantes.

Con motivo del 70 aniversario de la Filmoteca Española y enmarcado en la celebración de la segunda edición del Día del Cine Español, el Ministerio de Cultura y Deporte pone en marcha la exposición ‘70 años 7 piezas 7 cineastas’Enlace externo, se abre en ventana nueva. La muestra ha sido inaugurada por el ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, la directora general del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), Beatriz Navas, y el director de la Filmoteca Española, Josetxo Cerdán.

También han asistido al acto la montadora Teresa Font y el actor Eduardo Casanova, madrina y padrino de dos de las piezas en torno a las que gira la exposición, y las actrices Loles León y Mónica Bardem y el compositor Juan Bardem.

Siete cineastas y personalidades del séptimo arte -Ester Expósito, Jonás Trueba, Teresa Font, Santiago Segura, Alauda Ruiz de Azúa, Albert Serra y Eduardo Casanova- han elegido siete objetos representativos de la historia del cine a partir de una preselección de 70 piezas, realizada por Filmoteca Española, que recorren la historia de las imágenes animadas desde finales del siglo XVIII hasta el siglo XXI.

Estos objetos sirven como pretexto para abordar desde distintas perspectivas la historia de Filmoteca, del propio cine y el cine español, de sus públicos, y repensar de forma pública el sentido de una Filmoteca del siglo XXI, más allá de la preservación de los archivos y la memoria.

Las siete piezas en torno a las que gira la muestra son:

• La máscara original de José Antonio Sánchez para el diablo de El día de la bestia, película dirigida por Álex de la Iglesia y estrenada en 1995, elegida por Ester Expósito

• Los descartes del negativo de Las Hurdes, tierra sin pan de Luis Buñuel (1932-1933), pieza seleccionada por Albert Serra

• Los forillos creados por Félix Murcia para la terraza de Pepa, Carmen Maura, en Mujeres al borde de un ataque de nervios de Pedro Almodóvar (1988), escogidos por Eduardo Casanova

• Una moviola vertical seleccionada por Teresa Font

• Un álbum fotográfico de los Laboratorios Madrid Film que incluye imágenes de la puesta en marcha en 1911 y las consecuencias del incendio que los arrasó en 1950, elegido por Santiago Segura

• El llamamiento a las Primeras Conversaciones Cinematográficas Nacionales, promovidas y organizadas por el Cine Club de la Universidad de Salamanca del que era responsable Basilio Martín Patino, escogido por Jonás Trueba

• La película dirigida por Alice Guy Chien jouant à la balle de 1905, film más antiguo conservado en la Filmoteca Española dirigido por una mujer, seleccionada por Alauda Ruiz de Azúa

La inauguración se suma a las más de 300 actividades nacionales e internacionales que, con motivo de la celebración del Día del Cine Español, se están desarrollando en colegios, instituciones educativas, culturales, centros penitenciarios, centros de mayores, y en diferentes centros del Instituto Cervantes a lo largo de toda la jornada. Esta tarde, se celebra un acto en el Cine Doré y la proyección de la película Canciones para después de una guerra, de Basilio Martín Patino.

’70 años 7 piezas 7 cineastas’ podrá visitarse de forma gratuita en la sede central de Filmoteca Española (calle Magdalena, 10, Madrid) hasta el 30 de abril de 2023.

Lunes, martes y miércoles: cerrada. Jueves y viernes: de 10:00 a 20:00 y sábados y domingos: de 12:30 a 20:00

La vida láctea (Juan Estelrich, 1993). Int.: Mickey Rooney,  Marianne Sägebrecht, William Hootkins, Emma Suárez. España, Francia, Alemania. 35 mm. Color. 79’

El extranger-oh! de la calle Cruz del Sur (Jorge Grau, 1987). Int.: José Sacristán, Serena Vergano, Emma Cohen, Teresa Gimpera. España. 35 mm. Color. 100’

«Dos comedias excéntricas y malditas que ponen el foco en las crisis de la edad y la masculinidad con dos actores inimitables: Mickey Rooney y José Sacristán

Cuando acabó el guion de La vida láctea, Juan Estelrich pensó que Mickey Rooney era el actor ideal para Barry Reilly, un millonario que a los 80 años decide volver a comportarse y vestirse como un bebé para recuperar el cariño de su familia, repleta de buitres malcriados. Rooney, el eterno niño prodigio de Hollywood, aceptó sin dudar este personaje que viste pañales y contrata los servicios de una nodriza profesional, la actriz alemana Marianne Sägebrecht. El amamantamiento hace el cariño y entre ellos surge un curioso romance que amenaza la buena vida de sus herederos. Y esto es solo el principio de La vida láctea, una muy peculiar comedia rodada entre Madrid y Portugal, con reparto internacional (Emma Suárez, Féodor Atkine, Jack Taylor…) y no pocos medios a primera vista. Se trata del debut de Juan Estelrich Revesz, hijo de Juan Estelrich March, director de El anacoreta (1976) y productor de Buñuel, Berlanga o Jess Franco. No sorprende por tanto que en este trabajo encontremos influencias de esa comedia española esperpéntica y surrealista, adornada además con una estética casi daliniana. El rodaje fue interrumpido de pronto por los productores y Estelrich no pudo dar por bueno el montaje final. A pesar de que se estrenó en el Festival de Berlín, La vida láctea acabó mal distribuida y enterrada. Hoy permanece como una de las comedias más bizarras y menos vistas del cine español.

A Jordi Grau le conocemos por títulos fundamentales del fantaterror como Ceremonia sangrienta o No profanar el sueño de los muertos, pero también dirigió dos comedias, y las dos con José Sacristán. El extranger-oh! de la calle Cruz del Sur es la segunda, que comparte con la anterior, El secreto inconfesable de un chico bien (1976), una visión crepuscular y desmitificadora de aquello del macho ibérico. Ambos filmes coloreados con brochazos de surrealismo felliniano que encajan muy bien en esta sesión. Grau aprovecha además para incluir guiños autobiográficos y referencias a su obra como el número de revista con vampiras, o el desnudo integral que rima con el de la Cantudo en La trastienda, esta vez con Sacristán. El reparto femenino es una reunión de musas de la Escuela de Barcelona, donde Grau participó, como Teresa Gimpera, Serena Vergano o Emma Cohen». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo del director Juan Estelrich y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración total aproximada de la sesión: 210’

Filmoteca Española empieza a mostrar el archivo de Iván Zulueta con un proyecto de selección y musicalización de sus películas desarrollado por J, vocalista de Los Planetas. La iniciativa se presenta al público en dos conciertos en el cine Doré los días 16 y 17 de diciembre de 2022.

Con motivo del Día del Cine Español, que se celebra el 6 de octubre, Filmoteca Española presenta un plan de recuperación y difusión del legado cinematográfico de Iván Zulueta, recogido en su archivo personal y custodiado por la institución desde que lo adquiriera en 2021Enlace externo, se abre en ventana nueva. El proyecto ha consistido en la selección y posterior musicalización por parte de J, compositor y vocalista del grupo Los Planetas, de varias piezas rodadas por el cineasta donostiarra principalmente en las décadas de 1970 y 1980, la mayor parte de ellas inéditas.

El cine Doré de Madrid, sede de proyecciones de Filmoteca Española, ha sido escenario este martes de la presentación de la iniciativa, a la que ha acudido Josetxo Cerdán Los Arcos, director de Filmoteca Española, y el artista J. Durante el acto se han podido ver y escuchar dos piezas a modo de adelanto del proyecto, que se presentará definitivamente al público los días 16 y 17 de diciembre en dos conciertos exclusivos en el cine Doré. Aún sin fecha de publicación definitiva, está prevista la plasmación discográfica del proyecto, primera entrega en solitario de J, y su correspondiente gira en 2023, que contará, una vez más, con el soporte del artista gráfico donostiarra Javier Aramburu.

Sobre el sentido del proyecto Josetxo Cerdán ha señalado la necesidad de que las filmotecas no solo conserven el patrimonio, sino que también hagan accesibles sus colecciones a la ciudadanía, pues “el tiempo de los museos y las filmotecas como mausoleos ha pasado”. En el caso del proyecto que se presenta, la finalidad, ha destacado Cerdán, era que alguien tan cercano al universo creativo de Iván Zulueta como J diese vida a una parte de su archivo personal.

En este sentido y en relación con el proceso creativo a la hora de componer los temas que acompañan las imágenes, J ha explicado que algunas canciones son más literales y otras más interpretativas y simbólicas, compuestas a partir de “imágenes muy sugerentes que te permiten dejar volar la imaginación”.

Las piezas presentadas como avance han sido el tema “Natalia dice”, que encaja con el film Te veo (1973), y “Arrebato (un buen día para Iván)”, que lee de manera peculiar las imágenes de Cine Álbum Kodak 3. Te veo es una película realizada en 1973 que muestra unas de las técnicas creativas favoritas de Iván Zulueta: rodar con el Time Lapse haciendo un uso puntual del zoom frente al televisor doméstico. El tema compuesto por J para la pieza, con el que celebra la transgresión y combate la hostilidad del mundo con libre albedrío, ha contado con la colaboración de 107 Faunos y Srta. Trueno Negro, figuras destacadas de la escena underground argentina. Cine Álbum Kodak 3 es un material de naturaleza muy diferente, que muestra a un grupo de amigos escuchando música y maquillándose de forma despreocupada y lúdica. En ella J ha encontrado la inspiración para, a través de un trabajo mucho más literal, aproximar su universo creativo y referencial al de Iván Zulueta en una declaración de intenciones en toda regla.

El archivo personal de Zulueta y el comisariado de J

El acceso al archivo de Iván Zulueta permite acercarse a un perfil poco conocido del autor hasta el momento. Más allá de Arrebato (1979) y su posterior dependencia de las drogas, los materiales recuperados por Filmoteca Española muestran a un cineasta anterior muy vital y alejado de la oscuridad que más tarde adquiriría su figura. Entre dichos materiales destacan sus películas de corta duración, las cuales demuestran un dominio magistral del formato Super 8 y exponen a un artista único en un momento de gran efervescencia creativa.

Cabe destacar que el archivo también contiene una colección de películas rodadas por los padres del cineasta, Antonio de Zulueta y Consuelo Vergarajáuregui, ambos con una gran influencia en Iván: su padre fue uno de los impulsores del Festival de San Sebastián, mientras que su madre era pintora amateur.

J se ha introducido plenamente en los fondos fílmicos, en Super 8 y 16mm, rodados por Zulueta fundamentalmente durante las décadas de 1960, 1970 y 1980, en su mayoría inéditos. El archivo también está compuesto por documentos personales y familiares, pinturas, dibujos y numerosas polaroids con las que Zulueta experimentaba. También algún guion, bocetos, carteles, cartas y recortes de prensa. J ha podido investigar las partes de este que se han inventariado, y también ha indagado en entornos familiares del cineasta para inspirar su cancionero.

El buque maldito (Amando de Ossorio, 1974). Int.: Maria Perschy, Jack Taylor, Carlos Lemos, Bárbara Rey. España. 35 mm. Color. 106´

El juego del diablo (Jorge Darnell, 1975). Int.: Inma de Santis, María del Puy, Luis Prendes, Jack Taylor. España. 35 mm. Color. 90’

«Llega Halloween y «Sala:B» abre sus puertas a todos los demonios, con la protección de un veterano en la lucha del bien contra el mal: el gran Jack Taylor.

Uno de las presencias más carismáticas del cine de género español y europeo, Jack Taylor (George Brown Randall, 1936) viene a presentarnos dos títulos terroríficos de su larga y aún activa carrera. Este programa doble homenajea a este actor estadounidense afincado en España y además salda una cuenta pendiente con Amando de Ossorio, director coruñés de culto que «Sala:B» debía incluir en su lista de favoritos. Taylor y Ossorio trabajaron juntos en cuatro películas, la primera en 1964 y la última en 1984, siendo El buque maldito de las más celebradas. Se trata de la tercera entrega de la tetralogía de los Templarios, la saga de fantaterror español más icónica y reconocida en todo el mundo. Que nadie se preocupe si no ha visto las anteriores, La noche del terror ciego (1971) o El ataque de los muertos sin ojos (1973), Ossorio las planteó como películas independientes sin otra continuidad que las siniestras apariciones de estos monstruos de su creación: un grupo de caballeros templarios condenados, muertos vivientes –e invidentes– que reclaman venganza desde los tiempos de la Inquisición. En El buque maldito, Taylor, Bárbara Rey y María Perschy se enfrentan a estos cruzados en un galeón errante que sintetiza perfectamente la idea de aquella España tardofranquista que se descomponía frente a la modernidad. Las lecturas políticas de la saga templaria solo resultaron opacas para la ceguera mental de los censores.

En El juego del diablo, Jack Taylor está del lado de la ciencia que intenta explicar el mito de la posesión diabólica, en una de las primeras exploitations mediterráneas de El exorcista. Producida por Antonio Cuevas, uno de los participantes del llamado cine de la Tercera Vía, y dirigida por el argentino Jorge Darnell, esta desconocida incursión en el subgénero satánico no debe ser confundida con otras grotescas revisiones del clásico de Friedkin. Inma de Santis añade inocencia y fragilidad al personaje que interpretó Linda Blair, y Darnell prefiere las imágenes inquietantes –y polanskianas– a la truculencia y los vómitos. Una de esas imágenes, con un José Lifante pesadillesco en el Museo de Cera de Madrid, remite a varios críticos al Hombre Alto de Angus Scrimm» (Álex Mendíbil)

 Duración total aproximada de la sesión: 220’

Presentación a cargo del actor Jack Taylor y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Coincidiendo con el cambio de siglo, Jonas Mekas, ya en el ocaso de su vida, realizó un emotivo repaso de su mundo íntimo que recuperamos desde Xcèntric con motivo del centenario de su nacimiento. Desde el diario audiovisual en el que se enmarca toda su obra, el cineasta lituano plasma en As I Was Moving Ahead Occassionally I Saw Brief Glimpses of Beauty treinta años de su vida en forma de destellos de existencia, de pequeños instantes de bella cotidianidad.

«En realidad no soy un cineasta», afirma Mekas al principio del capítulo seis de la película, «no hago películas. Solo filmo. Estoy obsesionado con filmar. Voy por esta vida con mi Bolex y tengo que filmar lo que veo, lo que está pasando ahí mismo». Filmar como algo indisociable de vivir, es decir, como una manera de mantenerse vivo: así es como Mekas afronta su tarea artística. Cuando monta una película, no aspira tanto a traer al presente el recuerdo de aquel momento, sino a provocar la ilusión de que todo vuelve a estar ahí, de que todo vuelve a suceder ante sus ojos.

As I Was Moving Ahead… quizá es, en este sentido, su obra más paradigmática, en tanto que, aun siendo un diario audiovisual, no se trata de un retrato coral ni de un autorretrato, sino de una colección de pequeños fragmentos de vida montados al azar y filtrados por el entusiasmo efervescente de quien trata a la cámara como un apéndice de sí mismo. A través de la captura de imágenes nerviosas, inestables y a menudo sobreexpuestas, la presencia de Mekas es palpable en cada fotograma que muestra de sus seres queridos. La película invita a zambullirse en ese océano de fragmentos atemporales que Mekas presenta desde un lugar tranquilo y libre de nostalgia. «No sé nada de la vida, pero he visto algo de belleza», dice el propio cineasta al final del filme, contagiándonos su manera de celebrar la felicidad que la vida puede ofrecer.

As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty, Jonas Mekas, 2000, 16 mm, 320 min.

VOSE. Copia procedente de Canyon Cinema.

Fecha: 27 noviembre 2022

Horario: 17.00

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es

«Un miércoles 27 septiembre de 2017 empezaron en la sala 2 del Doré las sesiones de «Sala:B». Con esta llegamos a la sesión número 50 y toca celebrarlo con un programa muy especial.

En aquella sesión inaugural Teresa Gimpera nos acompañó como madrina y se proyectó un triplete compuesto por Esencia de verbena de Ernesto Giménez Caballero, Lejos de los árboles de Jacinto Esteva y Que nos quiten lo bailao de Carles Mira. Entonces anunciábamos que en el subterráneo de este cine iban a convivir “vanguardias, documentales bizarros, cine de serie B y experimentos al margen de la cinematografía reglamentaria”. Las últimas 49 sesiones de «Sala:B» son una digna prueba de ello y gracias al apoyo de Filmoteca Española, al equipo del Centro de Conservación y Restauración, al equipo del Doré y sobre todo a nuestros fieles seguidores, aquí seguimos.

Además de la Gimpera, por aquí han pasado actrices, actores, directores y críticos especializados que han compartido con nosotros memorias, anécdotas y toda clase de chascarrillos sobre el cine que nos gusta: Álex de la Iglesia, María José Cantudo, Sebastián D’Arbó, Victoria Vera, Micky, Esperanza Roy, Antonio Mayans, Silvia Tortosa, Emilio Linder, Sandra Alberti, Luis Revenga, Tony Isbert, Manuel Zarzo, Guillermo Montesinos, Juan Carlos Olaria… La nueva temporada 2022-2023 traerá unas cuantas sorpresas, títulos insólitos, mucho cine de culto y más invitados especiales.

Y para festejar estas 50 sesiones, los amigos de El Sótano de Radio 3, con Diego RJ a los mandos, se unirán a «Sala:B» emitiendo en directo el programa desde el Doré, con invitados especiales y mucha música psicotrónica. A continuación, la fiesta sigue con una selección de trailers de cine de serie B en 35mm, procedentes de los archivos de Filmoteca Española.

La proyección de trailers entre película y película, al estilo de los cines de barrio, ha sido una de las señas de identidad de «Sala:B». Estos materiales, desatendidos en todas las historias del cine, han encontrado aquí una ventana para a asomarse de nuevo al público. Hay todo un arte anónimo en la creación de trailers del cine anterior a los ochenta, cuando se empezaron a normalizar los montajes. Este auténtico festival de géneros, subgéneros y anomalías de todo tipo incluirá además algunas pistas de por dónde irán los tiros este curso, ¡muy atentos!» (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de Diego RJ, director de El Sótano, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración total aproximada de la sesión: 150’

Hasta diciembre se proyectarán once películas que pasaron por la programación del Festival de San Sebastián entre 1988 y 2010.

El próximo día 5 de octubre se reanuda en Tabakalera el ciclo Nosferatu dedicado al 70º aniversario del Festival de San Sebastián (1953-2022), que se inició el pasado mes de enero, con la proyección de Une histoire de vent (1988), última película dirigida por el veterano documentalista neerlandés Joris Ivens.

En el tercer trimestre de Nosferatu Zinemaldia 70, organizado por Donostia Kultura, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura-Filmoteca de la Generalitat Valenciana, se proyectarán once películas que pasaron por la programación del Festival de San Sebastián entre 1988 y 2010, que se suman a las 26 ya proyectadas antes del verano en esta muestra.

Como es habitual, las entradas se pondrán a la venta en la web de Tabakalera mensualmente, a partir del día 15 del mes previo, empezando por el 15 de septiembre, cuando se comenzarán a vender las entradas para las proyecciones de octubre.

El ciclo se acompaña con la edición de dos libros, uno en castellano y otro en euskera, inspirados por la historia del Festival. El primero, Zinemaldia 1953-2022. Singularidades del Festival de Donostia / San Sebastián, nº 18 de la Colección Nosferatu, coordinado por Quim Casas, se publicó en enero. El segundo, escrito por Katixa Agirre, nº 10 de Nosferatu Bilduma, se editará en el mes de noviembre.

Programación del tercer trimestre

5 octubre

Une histoire de vent

(Joris Ivens, Marceline Lorida, 1988)

12 octubre

American Dream

(Barbara Kopple, 1990)

19 octubre

Rebels of the Neon God / Qing shao nian nuo zha

(Tsai Ming-liang, 1992)

26 octubre

Beautiful Girls

(Ted Demme, 1996)

2 noviembre

Pusher: Un paseo por el abismo (Pusher)

(Nicolas Winding Refn, 1996)

9 noviembre

En construcción

(José Luis Guerín, 2001)

16 noviembre

Brick Lane

(Sarah Gavron, 2007)

23 noviembre

Passion

(Ryusuke Hamaguchi, 2008)

30 noviembre

El caballo de dos piernas (Asbe du-pa / Two-legged Horse)

(Samira Makhmalbaf, 2008)

7 diciembre

Genpin

(Naomi Kawase, 2010)

14 diciembre

Post Mortem

(Pablo Larraín, 2010)

El ciclo dedicado a Juan Antonio Bardem por el centenario de su nacimiento inspira este programa doble de rabioso cine de culto.

Podría parecer anecdótico y casual, pero estas dos películas en las que interviene Juan Antonio Bardem de manera muy lateral son consideradas hoy en día dos de las cult-movies españolas con mayor prestigio autoral, junto a títulos de la altura de La novia ensangrentada, de Vicente Aranda, o ¿Quién puede matar a un niño?, de Chicho Ibáñez Serrador. La primera, La campana del infierno, es una ambigua exploración sobre la locura y la represión en los pueblos que difícilmente encaja en ninguno de los géneros con que coquetea: fantaterror, slasher, giallo, comedia negra, spanish gothic, arte y ensayo…
En realidad la película de Guerín Hill parece divertirse amagando y cambiando de dirección constantemente como su incipiente carrera, que oscilaba entre el debut con Querejeta y Erice, adaptaciones para televisión de Beckett, Goethe y Strindberg o melodramas turbios con actrices de moda. Desde luego no ayuda que Guerín no pudiera acabar ni montar esta película, falleciendo trágicamente al caer del campanario al final del rodaje.
Bardem rodó la escena que faltaba y la montadora Magdalena Pulido hizo lo que pudo con el guion de Santiago Moncada y lo que mandaran los productores. Lo que nos ha llegado no es poco, una película fiel reflejo de su tiempo y de sus malditas circunstancias, tan
fascinante como inaprensible.

El perro parece una película de aventuras de supervivencia hasta que se convierte en un thriller político con claras alusiones a la recién desaparecida dictadura franquista. Antonio Isasi y su guionista Juan Antonio Porto adaptaban un best seller de Alberto Vázquez-Figueroa, llevando sus mimbres de novela de acción, la persecución entre un perro y un hombre, a los terrenos de la crítica sociopolítica. A pesar de ser un éxito de taquilla en su época, con una gran campaña alrededor de su protagonista Jason Miller (El exorcista), hoy permanece como una película de culto áspera y poco amistosa. En este caso, Bardem hace un papel secundario como líder clandestino, en un reparto lleno de iconos: Marisa Paredes, Aldo Sambrell, Miguel Rellán…
Una sesión doble que demuestra que el cine de género y el cine de autor pudieron convivir en su día sin traicionarse ni rebajarse el uno al otro». (Álex Mendíbil).

La campana del infierno (Claudio Guerín, 1973). Int.:
Renaud Verley, Viveca Lindfors, Alfredo Mayo, Maribel
Martín. España. DCP. VOSE*. Color. 91’

El perro (Antonio Isasi-Isasmendi, 1977). Int.: Jason
Miller, Lea Massari, Aldo Sambrell, Juan Antonio Bardem.
España. 35 mm. Color. 114’

Presentación a cargo de Javier Memba, periodista y autor de El cine negro español. Del Spanish noir al policiaco actual (Ediciones JC, 2020), y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración total aproximada de la sesión:230

Fotografías para el estudio del estanque de El perro del hortelano (Pilar Miró, 1996)

Los archivos incluyen una gran variedad de materiales que van desde maquetas y dibujos hasta guiones asociados a proyectos tanto realizados como irrealizados

Filmoteca Española incorpora a sus fondos cinematográficos los archivos de dos nombres fundamentales del cine español e internacional: el artista de efectos especiales y visuales Emilio Ruiz del Río (Madrid, 1923-2007), y el director artístico Félix Murcia (Aranda del Duero, 1945- ). En ambos casos se trata de una donación realizada por la familia, en el primer caso, y por el propio director, en el segundo. Con esta adquisición Filmoteca Española amplía sus fondos personales, entre los que ya se encontraban los de personalidades como Teresa Font, Juan Antonio Bardem, Ana Mariscal o Luis Buñuel.

Emilio Ruiz del Río

Emilio Ruiz del Río desarrolló su carrera profesional junto a cineastas de la talla de Florián Rey, Rafael Gil, José Luis Borau, David Lean, Nicholas Ray, John Milius, David Lynch, Álex de la Iglesia o Guillermo del Toro, entre otros muchos. Su trabajo le valió tres premios Goya a mejores efectos especiales por Acción mutante (Álex de la Iglesia, 1993), Nadie conoce a nadie (Mateo Gil, 1999) y El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006).

Su archivo incluye dibujos, fotos, maquetas y documentación asociada a múltiples películas como, además de las ya mencionadas, Conan el bárbaro (John Milius, 1982), El embrujo de Shanghái (Fernando Trueba, 2002) o El puente de San Luis Rey (Mary McGuckian, 2004); además de series de televisión como Fortunata y Jacinta (Mario Camus, 1980).

Félix Murcia

Por su parte, Félix Murcia ha sido responsable de la ambientación y decoración de numerosas películas. Ha obtenido, entre otros reconocimientos, el Premio Nacional de Cinematografía de 1999 o el Goya al Mejor Dirección Artística hasta en cinco ocasiones por películas como Dragon Rapide (1987), El rey pasmado (1992) y El perro del hortelano (1997).

Su archivo cuenta con dibujos, fotografías, guiones, planos, storyboards y documentación de trabajos como Los señores del acero (Paul Verhoeven, 1985), Días contados (Imanol Uribe, 1994), Fortunata y Jacinta (Mario Camus, 1980), El perro del hortelano (Pilar Miró, 1996), El bosque animado (José Luis Cuerda, 1987) o Mujeres al borde de un ataque de nervios (Pedro Almodóvar, 1988).

Dibujo de maqueta para Conan, el bárbaro (John Milius, 1982)

Ciclo de cine y coloquio que, los martes y jueves del mes de julio, analiza a través de seis películas los conceptos de fragilidad y vulnerabilidad. Estos largometrajes son también un homenaje a la fuerza y capacidad de lucha de los más frágiles.

Cuando consultamos en el diccionario de la Real Academia Española el significado del adjetivo «frágil» nos encontramos con palabras o conceptos como: quebradizo, algo que con facilidad se hace pedazos, débil, deterioro, escasez de fuerza…, pero también nos ayuda a ahondar en diferentes acepciones un sinónimo revelador: «vulnerable». Entonces los significados se amplían, el diccionario nos dice ante tal término que algo o alguien «puede ser herido o recibir lesión, física o moralmente». Vulnerable puede ser una persona, un colectivo, un país o la propia Naturaleza. Si estudiamos el sustantivo vulnerabilidad desde un punto de vista social, el asunto se complica más: refleja la inseguridad y la indefensión de ciertas comunidades, grupos, familias o individuos en su forma de vida por el impacto negativo de algún factor natural, político, económico o social. La fragilidad está siempre presente.

Un paso más allá nos permite corroborar un hecho que suele obviarse: la fuerza y la capacidad de lucha del vulnerable, de aquel o aquella que es más frágil. No hay mejor manera de ejemplificarlo que con el mito bíblico de David y Goliat. Gracias a la existencia de muchas personas como David, el mundo se va rebelando contra los derechos vulnerados.

Ese es otro punto peliagudo: un grupo no es solo frágil, sino que se define por muchas cosas más. Por ejemplo, los niños son un colectivo vulnerable, pero aportan vitalidad, esperanza, enseñan a vivir el presente, son el futuro… Tendría que darse por sentado que sus derechos y necesidades han de estar cubiertos, pero muchas veces lo que ocurre es una vulneración de esos derechos y un no cumplimiento o un difícil acceso a la solución de sus necesidades.

Y ahí ya entran las relaciones de poder y las responsabilidades ante ciertas situaciones que viven estos colectivos. El ciclo nos guiará por temas como el cambio climático, la situación de los migrantes en el Mediterráneo, los mayores y el acceso a la sanidad, etcétera.

Tras las proyecciones habrá un coloquio con especialistas en distintos ámbitos.

Participan:

• Luis Enrique Alonso, catedrático de Sociología de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad Autónoma de Madrid.

• José Carlos López Seisdedos, director de la Fundación Porque Viven.

• Esteban Sánchez Moreno, director del Instituto Universitario de Desarrollo y Cooperación de la Universidad Complutense de Madrid.

• Marifé Santiago Bolaños, poeta, filósofa y profesora titular de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid.

• Paula Palacios, cineasta.

• Ignacio Santos Molina, consultor en medio ambiente, desarrollo y cooperación internacional.

Comisariado por: Isabel Sánchez Fernández, periodista y comisaria de exposiciones.

Programación

05 julio

Encuentros, Audiovisuales «El agente topo», de Maite Alberdi

Precio: 4.00 €

Entradas

07 julio

Encuentros, Audiovisuales «Ganar al viento», de Anne-Dauphine Julliand

Precio: 4.00 €

Entradas

12 julio

Encuentros, Audiovisuales «La mujer del chatarrero», de Danis Tanovic

Precio: 4.00 €

Entradas

14 julio

Encuentros, Audiovisuales «Nación», de Margarita Ledo

Precio: 4.00 €

Entradas

19 julio

Encuentros, Audiovisuales «Cartas mojadas», de Paula Palacios

Precio: 4.00 €

Entradas

21 julio

Encuentros, Audiovisuales «La mujer de la montaña», de Benedikt Erlingsson

Precio: 4.00 €

Entradas

José Luis López Magerus, hijo del intérprete, dona a Filmoteca Española los materiales de su archivo personal que había prestado para la muestra

Más de 3.500 personas han visitado la exposición “Del escenario a la pantalla. Los diseños de José Luis López Vázquez”, una muestra organizada por Filmoteca Española para conmemorar el centenario del nacimiento del intérprete.

A lo largo de tres meses los públicos asistentes han podido conocer la faceta menos conocida de López Vázquez, la de dibujante, a través de un itinerario diseñado por el historiador del arte Joaquín Cánovas Belchí que ha abarcado desde sus inicios y periodo de formación, hasta sus trabajos como figurinista y escenógrafo, así como su labor en el campo del diseño gráfico.

Tras la clausura de la exposición José Luis López Magerus, hijo del intérprete, ha donado a Filmoteca Española los materiales de su colección privada que había prestado para la muestra. La escenografía para el montaje teatral de Don Juan Tenorio (1952), el cartel para la Feria del Mar de San Sebastián (1957) o el figurín de Los sacristanes burlados (1942) son solo algunos de los tesoros cinematográficos que ahora custodiará Filmoteca Española en sus dependencias.

Esta donación se suma a la colección de Fondos Cinematográficos de Filmoteca Española, que cuenta con más de un centenar de archivos personales y de entidades cinematográficas, entre ellos los de figuras como Juan Antonio Bardem, Ana Mariscal o Luis Buñuel.

Presentación
La obra fílmica de Pier Paolo Pasolini permanece viva, por cuanto continúa originando nuevas enseñanzas filosóficas y provocando nuevas emociones estéticas. El cine de Pier Paolo Pasolini aún mantiene en alto sus espadas, ya que es fuente inagotable de debate, de discusión, acicate para articular nuevas maneras de cuestionar la sociedad occidental moderna y las tensiones anímicas e intelectuales que sacuden al hombre dentro de dicha sociedad. Las películas de Pier Paolo Pasolini, vanguardistas, primitivas y vagamente clásicas, sin posibilidad alguna de crear escuela por únicas, suponen actualmente una experiencia límite al plantear sin remilgos la conflictiva coexistencia entre lo viejo y lo nuevo, entre la civilización y la barbarie, entre la opulencia y el subdesarrollo, entre el cuerpo y el espíritu. Pero, sobre todo, el trabajo de Pier Paolo Pasolini tras las cámaras se nos revela como una de las cumbres del cine como arte.

Objetivo
Desarrollar la sensibilidad estética y cinematográfica a través de la mirada de Antonio José Navarro.

Metodología
El seminario se imparte por videoconferencia a través de Zoom. Se visualizan y se analizan escenas cuidadosamente seleccionadas por Antonio José Navarro de Accatone (1961), Mamma Roma (1962), El Evangelio según San Mateo (1964), Edipo Rey (1967), Teorema (1968), El Decamerón (1970), Las Mil y una Noches (1974) y Saló o los 120 días de Sodoma (1975).

Impartición
Antonio José Navarro es crítico e historiador de cine, miembro de la Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC) y la Asociación Española de Historiadores del Cine (AEHC). Ha escrito en diversos medios vinculados a la crítica de cine como Dirigido por, Imágenes de Actualidad, Time Out Barcelona o El Periódico de Catalunya. Ha publicado diversos libros de cine como El imperio del miedo. El cine de horror norteamericano post 11-S (2016), Choque de titanes. 50 películas fundamentales sobre la Guerra Fría (2017) o Hollywood y la Guerra contra el Terror (2021).

Precio
45€

https://www.educatumirada.com/matriculacion/

“Musicalidades” profundiza durante junio en los trasvases entre dos artes.

Cineteca Madrid, espacio perteneciente al Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, centra su programación de junio en los vínculos e híbridos entre el cine y la música, dos artes cuya historia ha sido inseparable durante el último siglo. Bajo el título “Musicalidades”, la propuesta cinematográfica de este mes huye de la visión canónica del musical clásico y reflexiona sobre las cualidades musicales del montaje y el estrecho vínculo del cine, género popular por excelencia, con el archivo y la representación de la historia popular.

La cartelera de junio ofrece así un recorrido por los trasvases entre música y cine, una relación compleja y enriquecedora, con una atractiva propuesta que abarca el documental musical, la musicalidad de la obra del director francés Jaques Demy y el cine austríaco de vanguardia, grandes musicales queer, paseos sonoros por la España de la revolución sexual de los 70 y estrenos imprescindibles donde la música juega un papel protagonista.

El arte de hacer música captado por la cámara
Con motivo del Día Europeo de la Música el próximo 21 de junio, Cineteca Madrid ofrece una selección de documentales sobre bandas musicales emblemáticas como The Doors y The Stooges, cantautores como Chicho Sánchez Ferlosio o Paco Loco, o DJs como Clara Rockmore, Daphne Oram y Laurie Spiegel. Las sesiones serán presentadas por artistas y periodistas musicales relevantes del panorama español, entre los que destacan Miren Iza (Tulsa), Fernando Navarro (El País) o Patri Di Filippo (Blackie Books, Radio Primavera Sound).  Además, se proyectará el documental “Off the Record” (Barry Avrich, 2019), una sesión especial sobre el importante DJ y productor francés Laurent Garnier que contará con la presencia de DJs y figuras de primera línea de la música techno como el británico Dave Clarke.

Musicalidad en la gran pantalla con (Re)visiones y cine austríaco de vanguardia
En sintonía con la temática del mes, Cineteca invita al espectador a volver al encanto, el colorido y la musicalidad del cine del director francés Jacques Demy a través de la sección (Re)visiones, que recupera cuatro de sus películas fundamentales: “Los paraguas de Cherburgo” (1964), “Las señoritas de Rochefort” (1967), “El flautista de Hamelín” (1972) y “Una habitación en la ciudad” (1982).

La música visual también está presente en el cine austríaco de vanguardia, cuya contribución a la historia del cine es mundialmente conocida. Cineteca acoge algunas de las obras maestras de sus pioneros, como Kurt Kren, Maria Lassnig, Valie Export o Mark Adrian, que abrieron importantes caminos para la investigación en el arte contemporáneo. Además, se estrenará en exclusiva “Train Again” (2021), la última película de Peter Tscherkassky, heredero de la importante tradición de la escuela austriaca, en una sesión excepcional que incluirá las otras dos partes de su trilogía “Rushes Series: Coming Attractions” (2010) y “The Exquisite Corpus” (2015).

Musical queer, masculinidades y ecos de la revolución sexual
De cara a la semana del Orgullo LGTBI, que tendrá lugar del 1 al 10 de julio en Madrid, Cineteca propone calentar motores con una programación que incluye algunos de los musicales queer más reseñables de la historia del cine, películas rompedoras y emocionantes que esconden importantes reflexiones sobre la identidad y la libertad: “Cabaret” (Bob Fosse, 1972), “The Rocky Horror Picture Show” (Jim Sharman, 1975), “Las aventuras de Priscilla, reina del desierto” (Stephan Elliott, 1994) “Velvet Goldmine” (Todd Haynes, 1998), “Mysterious Skin” (Gregg Araki, 2004), entre otras. En esta recopilación, no podía faltar “Diferente” (1961, del director español Luis María Delgado, uno de los musicales más notables de la historia de nuestro cine.

Además, la sección Arqueologías viaja de la mano del doctor en Historia y Teoría del Arte Alberto Berzosa hasta la España de los años 70, época en la que, bajo la bandera de la liberación sexual y la derogación de la Ley de Peligrosidad y Rehabilitación Social, se articuló una escena cinematográfica alternativa, formada por una red de cineastas, actores y artistas. A pesar de que se desarrolló en el plano de la marginalidad ideológica, cultural, social y política, dejó una producción de alrededor de 60 películas que conformaron en plena transición el primer imaginario de la revuelta sexual. Bajo el título “Ecos de la revolución sexual”, Berzosa tratará asuntos como la vanguardia de lo trans, la ocupación festiva de los espacios públicos, la sexopolitización de la cultura popular, la subversión de los principios morales franquistas, o el desborde de los tabúes.

Y en la sección de acceso gratuito Espacio hablado, que plantea un acercamiento teórico al tema del mes, la Doctora en Bellas Artes Gloria G. Durán, y el sociólogo Antonio A. García proponen un paseo sonoro por algunas de las películas más vistas en el último siglo del cine español, pero desde una mirada que cuestione los estereotipos masculinos construidos por nuestro cine. ¿Cómo suenan las masculinidades en los taquillazos del cine español”? ¿Qué hombres las habitan? ¿Qué relaciones de género se establecen?, son algunas de las cuestiones que se debatirán junto con el público.

Los estrenos del mes narran problemáticas contemporáneas
La musicalidad juega un papel principal en algunos de los estrenos de junio, como “Memoria” (Apichatpong Weerasethakul, 2021), que cuenta la historia de Jessica (Tilda Swinton), una botánica establecida en Colombia que una noche se despierta al escuchar un sonido inexplicable. Fascinada por este episodio, emprenderá un viaje hasta el corazón de la selva para descubrir el origen del misterioso sonido. También en la última película de Moguillansky y Luciana Acuña, “La edad media” (2022), la música aparece en clave de comedia musical para reflexionar sobre los problemas derivados del confinamiento.

En esta línea, que reflexiona sobre problemáticas existenciales actuales, se encuentra otros estrenos como “Diarios de Otsoga” (Miguel Gomes, Maureen Fazendeiro, 2021), que ofrece un profundo retrato veraniego de la pandemia del Covid desde una visión profunda, emocionante y luminosa. “Regreso a Reims” (2018), de Jean-Gabriel Périot, propone un intenso recorrido por la historia íntima y política de la clase obrera francesa, mientras que “Rendir los machos” (2022), de David Pantaleón, retrata un drama sobre una familia ganadera de Fuerteventura. “A este lado del mundo” (2020), la última película de David Trueba, aborda la complejidad de uno de los grandes asuntos que sacuden el mundo: la inmigración.

CineZeta, ciclo de cine rumano y mucho más
El equipo de jóvenes programadores de CineZeta propone este mes un acercamiento a la exploración de la identidad desde el proceso de ensayo y error, poniendo el foco en cuatro películas que se construyen desde la performance, el bucle y la repetición. “Je ne suis pas morte” (2008), cuyo estreno en Madrid contará con la presencia del director Jean-Charles Fitoussi; “Night Passage» (Trinh T. Minh-ha y Jean-Paul Bourdier, 2004), donde se explorará la construcción de las relaciones a través de la paranoia; “Chain Letters” (Mark Rappaport, 1985) se adentra en la construcción de las relaciones a través de la paranoia; y, por último, “¿Cómo sabes si…?” (James L. Brooks, 2010), una película que desde el género de la comedia romántica explora la naturaleza de la equivocación, del error y la apreciación de intentar, una y otra vez, acertar.

Por otro lado, en colaboración con el Instituto Cultural Rumano, se proyectará un ciclo del mejor cine rumano reciente, con cinco películas premiadas en grandes festivales de todo el mundo. Completa esta programación una masterclass con el director Radu Muntean, quien presentará su película “Intregalde” (2021), premiada en el pasado Festival Internacional de Gijón.

Los Matinés infantiles, el ciclo Emergencia, la sección Alrededores con “Aquel querido mes de agosto” (Miguel Gomes, 2008), La noche Z con “Killer Barbys Vs. Drácula” (Jesús Franco, 2022), FILMADRID Festival Internacional de Cine, RIZOMA Festival Internacional de Cine & Cultura Entrelazada, Docs Barcelona del Mes, Ciclo Docma, TVE Somos Documental, y CIMA en corto completan la amplia programación de Cineteca en junio.

Los nuevos extraterrestres (Juan Piquer Simón, 1983). Int.: Ian Sera, Nina Ferrer, Emil Linder, Susana Bequer. España, Francia. 35 mm. Color. 80’

 Hermano del espacio (Fratello dello spazio, Mario Gariazzo, 1988). Int.: Martin Balsam, Agostina Belli, Silvia Tortosa, William Berger. España, Italia. 35 mm. Color. 89’

 «Los extraterrestres visitaron Madrid en los ochenta y «Sala:B» lo demuestra con esta sesión doble de cine de barrio tardío y alienígena.

Juan Piquer Simón, un habitual de esta sala, empezó a dirigir Los nuevos extraterrestres en los bosques de Rascafría, donde iba a estrellarse un meteorito lleno de huevos alienígenas. Las primeras secuencias, con efectos visuales artesanales y una excelente fotografía neblinosa de Juan Mariné, anuncian una peli de miedo, un slasher rural con monstruos del espacio exterior que podría definirse como el cruce entre Alien y Mil gritos tiene la noche (Juan Piquer Simón, 1982). Pero en mitad de rodaje se cuela otro meteorito, el taquillazo del E.T. de Spielberg, y el distribuidor americano se emperra en añadir una trama de amistad infantil con marciano para explotarla mejor. Muy a su pesar, Piquer Simón se ve obligado a introducir dos nuevos personajes: Tommy, el niño, y Trompy, el extraterrestre, que provocan en la película un extraño caso de bipolaridad. Escenas terroríficas conviven así con muñecos de ojos tiernos y gesto pasmado, muertes violentas con stop-motion de juguete. El resultado no fue el ideal, pero sin duda es una de las películas fantásticas más imprevisibles del director valenciano, que reproducía –involuntariamente– el mismo dilema que dio origen al célebre E.T.: una película para niños rodada como una de terror.

A continuación, en Hermano del espacio veremos aterrizar unas cápsulas espaciales en suelo estadounidense, aunque gran parte del rodaje de esta coproducción transcurrió entre la iglesia de Torrelaguna y Robledo de Chavela. El director Mario Gariazzo (Roy Garret) y el productor José Frade reunieron aquí un reparto internacional, con nombres como Martin Balsam, William Berger, Silvia Tortosa, Agostina Belli, Eduardo Fajardo, Rafaela Aparicio y hasta León Klimovsky, que hace un cameo. El proyecto no se contentaba con explotar E.T., subían la apuesta con las escenas más espectaculares de Encuentros en la tercera fase –a mitad de precio– y con la incorporación de una telépata y un sacerdote que aportan atrevidas lecturas parapsi-católicas. Aseguran además haberse basado en el mítico caso de Roswell, adelantándose a Expediente X y el boom del fenómeno OVNI de los 90.

La exposición “Madrid, escenario de cine fantástico”, comisariada por Víctor Matellano e itinerante por toda la Comunidad de Madrid hasta final de año, nos ha dado la pista para programar estos dos títulos insondables de ciencia-ficción con aires madrileños». (Álex Mendíbil)

Duración total aproximada de la sesión: 200’

Presentación a cargo de Victor Matellano, cineasta y comisario de la exposición “Madrid, escenario de cine fantástico”, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B»

Pantalla Interior es un programa de proyecciones en el hall del CCCB dedicado a cineastas que emplean el cine como un instrumento para expresar el mundo de los sueños o la imaginación. Este mes de agosto presentamos la obra de Robert Breer.

Pintor transfigurado en cineasta, Breer es quizás uno de los más audaces, radicales y originales trabajadores del cine fotograma a fotograma. Jugó como nadie con la colisión de imágenes fijas en nuestros ojos y cerebros para crear nuevas experiencias visuales y, aún con este rigor experimental, sus películas desbordan un fino sentido del humor y una extraña ligereza. Justamente de esa cotidianidad que se niega a darse importancia salen sus mejores y más personales películas: las que beben de las experiencias domésticas, de los paseos dominicales, del fregadero, de la vida en pareja y la crianza de sus hijas. Proyecciones mentales que son la historia de una vida en parpadeante y jubiloso movimiento, películas domésticas abstractas y coloridas que manan de la experiencia, la memoria y la imaginación.

«Vivan las películas sin forma, no literarias, no musicales, películas de imágenes que no cuentan una historia, ni se convierten en un baile abstracto o transmiten un mensaje. Películas que no puedan escaparse de las imágenes. Películas donde las palabras son imágenes o sonidos, que saltan al ritmo del pensamiento. Experiencias en sí mismas, al igual que comer, mirar, correr, que un objeto, un árbol, un edificio, goteos y colisiones. Películas que en vez de tener sentido sean el sentido. Al ser películas de imágenes pueden combinar la razón con una cometa volando, torpedos y golf. La gente puede hablar mientras las ve. Pueden encenderse, hacerse azules y apagarse… Películas al nivel de la imaginación del artista y que se quedan en ella… Películas que se parezcan al hombre que las hizo.»

Robert Breer en Film Culture nº26/27, 1962

Fist Fight, Robert Breer, 1964, 16mm, 11 minutos

 Una de las primeras películas autobiográficas de Breer, cuyo punto de partida y sonido es la composición «Originale» de Stockhausen. Un compendio de fotos se desliza en la loca sucesión de imágenes abstractas y pop que nos dispara, los recuerdos de infancia y juventud se unen al baile abstracto de los experimentos de Breer con la combinatoria de imágenes fijas.

Gulls and Buoys, Robert Breer, 1972, 16mm, 6 minutos

Esta rodaja impresionista de un día familiar en la playa marcaría un antes y un después en el trabajo de Breer: es aquí donde empieza a usar la rotoscopia con intensidad, y en donde cada una de sus películas empieza a ser un excitante recorrido por todos sus hallazgos.

Trial Balloons, Robert Breer, 1982, 16mm, 6 minutos

Globos de colores, globos con formas, globos de fiesta en una combinatoria asociativa infinita que mezcla los juegos infantiles con los dolores de cabeza adultos y los momentos de asueto. Idas y vueltas entre figuración y abstracción, bidimensionalidad y tridimensionalidad.

Horse Over Tea Kettle, Robert Breer, 1962, 16mm, 8 minutos

Un engañosamente sencillo juego a partir de objetos domésticos y animales en clave de dibujos animados, que en su elasticidad y variaciones continúa los hallazgos de Breer en sus Form Phases.

Atoz, Robert Breer, 2000, 16mm, 5 minutos

Un abecedario creado para Zoe, la hija de Breer, que incluso se permite encapsular un remembranza de su célebre film Recreation.

Time flies, Robert Breer, 1997, 16mm, 5 minutos

El tiempo vuela, pasa la vida, y Robert Breer se permite darnos paso a su tempus fugit con sus propios ronquidos

[Proyección en digital y en loop]

Fecha: 4 agosto – 4 septiembre 2022

Horario: De martes a domingo y festivos: 11.00 – 20.00.

Lunes no festivos cerrado

Espacio: Hall

Precio: Entrada libre

Desde el 24 al 29 de mayo el público podrá disfrutar en el cine Doré de Filmoteca Española de 6 sesiones temáticasEnlace externo, se abre en ventana nueva dedicadas al cine de este esencial poeta de lo cotidiano.

6 películas de Mekas como Birth of a Nation, Lost Lost Lost o Reminiscencias de un viaje a Lituania interactúan con la obra de creadores contemporáneos influidos por su trabajo como Orquestina de Pigmeos, Meritxell Colell o Nuberu Bagu.

Con motivo del centenario del nacimiento de Jonas Mekas, en diciembre de 1922, Documenta Madrid y Filmoteca Española se unen a la iniciativa mundial de conmemoración de este referente absoluto del cine de no ficción con un programa muy especial. La retrospectiva Jonas Mekas. Destellos de vida busca redescubrir y dar a conocer el cine de este esencial poeta de lo cotidiano y trazar un diálogo con el presente, ofreciendo una mirada contemporánea de la influencia de Mekas en la comunidad audiovisual.

Del 24 al 29 de mayo, en esta retrospectiva dividida en seis sesiones, la proyección de algunos de sus trabajos más destacados, como Birth of a Nation, Lost Lost Lost, Reminiscencias de un viaje a Lituania, Sleepless Nights Stories, Diaries, Notes & Sketches (Walden) y En el camino, de cuando en cuando, vislumbré breves momentos de belleza; se ofrecen al público presentadas por creadores, colectivos y cineastas que dialogan y debaten con la obra de Mekas.

Sesiones vivas que dialogan con el cine de Mekas

La sesión dedicada a la película Lost, Lost, Lost (Jonas Mekas, 1976) será presentada por Efrén Cuevas, autor del libro Filming History from Below: Microhistorical Documentaries, y profesor de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Navarra.

En otra sesión se invita a Meritxell Colell a formar parte de esta celebración, proponiendo su última pieza, La ciutat a la vora, un mapa sonoro y visual que arma una sinfonía de su ciudad, de su gente, sus espacios y orígenes, en un recorrido que sigue los pasos del registro de Mekas. Se ha hablado mucho sobre la figura de Mekas como el primer vlogger de la historia, y en otra de las sesiones se da un paso más allá de la mirada individual de un vlog llevándolo a un artefacto poliédrico del lenguaje audiovisual de las redes sociales de la mano del colectivo de creadores Nuberu Bagu.

Y, por último, Orquestina de Pigmeos, colectivo formado por el músico Nilo Gallego y el creador audiovisual Chus Domínguez, propone en otra sesión una intervención musical dialogando directamente con el propio Mekas en la pantalla para celebrar con él todos los destellos de vida que nos ha dejado, evocando y homenajeando ese espíritu festivo, performativo, provocador de lo inesperado, lo irrepetible, tan vinculado a los happenings.

Sobre Jonas Mekas

Jonas Mekas (1922-2019) fue un cineasta, escritor y curador lituano, considerado el padrino del cine estadounidense de vanguardia y un absoluto tótem del cine diarístico. Además de su trabajo en la preservación y difusión del cine con la creación y desarrollo del Anthology Film Archives, películas de su autoría como Walden (1969) o Lost Lost Lost (1976) han alumbrado el camino de cada vez más cineastas en el mundo.

«SALA:B» SE VISTE DE GALA PARA HOMENAJEAR A LA ACTRIZ MARÍA JOSÉ CANTUDO, MUSA DE LA ÉPOCA DORADA DEL CINE DE BARRIO Y AUTÉNTICO ICONO DEL FIN DE LA CENSURA EN ESPAÑA.

Cuando en octubre de 1976 se empieza a rodar Secuestro, María José Cantudo estaba en un momento clave de su carrera cinematográfica. A principios de año se había estrenado La trastienda y su desnudo integral había pasado a formar parte de la cultura pop de este país, echándole valor al esperado final de la censura franquista. La película de Grau se incluía en el jugoso contrato entre La Cantudo (ya con artículo determinando autenticidad) y el productor José Frade para rodar seis películas, tras haber despegado participando en fotonovelas y clásicos del fantaterror como El espanto surge de la tumba o El asesino no está solo. Muy a menudo Paul Naschy la pretendió como partenaire y en Secuestro consiguió que La Cantudo cayera rendida a sus encantos, ella como millonaria con síndrome de Estocolmo y él como líder de una banda criminal. No por casualidad firmaba el guion como Jacinto Molina, junto a Antonio Fos, guionista de confianza de Eloy de la Iglesia. Podríamos percibir la mano de Fos en algunas alusiones a la actualidad política, Patty Hearst incluida, pero sobre todo en la insólita caracterización del ex torero y galán Máximo Valverde como delincuente castizo y homosexual. Teresa Gimpera, Tony Isbert, María Luisa Ponte o Gemma Cuervo completan el rutilante reparto, pero es el dúo Cantudo-Naschy de la secuencia final el que alcanza la categoría de hallazgo ideal para un hipotético Tarantino a la española.

Continuamos la sesión con una rareza: La vida, el amor y la muerte (Historias burlescas) donde María José Cantudo realiza un sorprendente trabajo de metaficción, interpretando a una actriz harta de ser objeto sexual para vender películas, discos o productos de consumo. Una extraña mutación pondrá patas arriba su carrera y la de su pareja Paco Valladares, dando pie a uno de los finales más queer del cine español. Este es el argumento de la segunda trama de esta desconocida película de episodios escrita y dirigida por Carlos Puerto (Escalofrío, 1978), que intenta aquí una comedia decameroniana alrededor de tres abanderadas de nuestra serie B: La Cantudo, Azucena Hernández y Silvia Aguilar. Los tres relatos sirven además como crítica mordaz al patriarcado de este país, señalando directamente a pilares como la iglesia, la familia, el fútbol o los medios de comunicación. El humor que practica Puerto, en apariencia costumbrista y sainetero, esconde una revisión nada complaciente de los tópicos de lo que entonces se conocía como «una españolada», dando como resultado una comedia muy atípica.

Presentan la sesión la actriz María José Cantudo y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Estará en el cine Doré el día 21 de abril a las 20:00h. para presentar Bird Talk (2019), película que dirigió a partir de un guion que su padre le dejó antes de morir.

De abril a junio Filmoteca Española acoge una completa retrospectiva del director polaco Andrzej Żuławski (1940, Lvov – 2016, Varsovia), autor de emblemáticos títulos como El diablo (1972), La posesión (1981) u On the Silver Globe (1988). En el marco de esta iniciativa su hijo, el también cineasta Xawery Żuławski, acudirá al Doré para presentar una de las películas incluidas en el ciclo, Bird Talk (2019), rodada por Xawery a partir del guion que su padre le entregó pocos días antes de morir.

El propio Żuławski relata cómo, cuando recibió el guion, no le prestó demasiada atención, preocupado por el estado de salud de su padre. No fue hasta algunos meses después cuando el productor Marcin Wierzchosławski, amigo de Andrzej Żuławski, le llamó para decirle que había recibido el mismo guion. “Así empezó mi aventura interior con la faceta como director de cine de mi padre y con su obra. Aunque nuestra relación no era nada fácil siempre le había querido. Mi padre es para mí una fuente de inspiración inagotable: por él y por su carácter único desde muy joven quería seguir su camino y ser director de cine. Fue para mí un enigma fascinante al que quería acercarme”, apunta Xawery. Y añade: “durante la realización de la película Bird Talk me resonaba en la cabeza una frase suya: ‘Recuerda, hijo, la clave de la libertad es la palabra NO’”.

Además de todos los largometrajes de la filmografía de Żuławski, el ciclo incluye sus cortometrajes, el documental sobre el director Escape to the Silver Globe (Kuba Mikurda, 2021), y la ya mencionada Bird Talk (2019), el tercer largometraje de Xawery Żuławski tras Chaos (2006) y Snow White and The Russian Red (2009).

Cabe destacar que algunas de las películas que se pueden ver en la retrospectiva son versiones restauradas, entre ellas La posesión, el título más icónico de Andrzej Żuławski que, tal y como apunta Joanna Bardzińska, comisaria de la retrospectiva, “expone en clave de thriller lo esencial y más paradigmático de su peculiar universo artístico”.

El programa Pasajes FILMADRID llega a La Casa Encendida y rescata el espíritu de los primeros Pasajes de Cine, el proyecto de exhibición itinerante que comenzó en 2013 mostrando películas españolas e internacionales que abrían nuevos caminos en las formas narrativas contemporáneas, con un carácter fresco e innovador.

A lo largo de 2021, La Casa Encendida acoge cinco pases de Pasajes FILMADRID; los programas que mantienen encendida, durante todo el año, la llama de FILMADRID Festival Internacional de Cine. Este programa anual está compuesto por películas inéditas en Madrid, de directoras y directores con lenguajes e intereses muy diferentes, a través de los cuales se mostrará parte de la diversidad y riqueza que subyace en una visión del cine amplia y heterogénea.

Con estos programas ideados específicamente para La Casa Encendida, se ahonda en el trabajo de jóvenes cineastas que están investigando el mundo audiovisual desde múltiples perspectivas. Las proyecciones se acompañan de coloquios con los directores y directoras, moderados por miembros del equipo de FILMADRID, en los que se profundiza en las obras mostradas y en las líneas de trabajo propias de la creación audiovisual contemporánea.

28 abril

Audiovisuales Fuego en la habitación. El cine de Judith Adataberna

Precio: 4.00 €

Entradas

29 septiembre

Audiovisuales Un cuerpo suena aquí. El cine de Laura Moreno Bueno

Precio: 4.00 €

Entradas

01 diciembre

Audiovisuales Cinco años de The video essay

Precio: 4.00 €

Entradas

07 abril 2021

Cine, Audiovisuales ‘Big, Big, Big’, de Carmen Haro y Miguel Rodríguez

20 mayo 2021

Cine, Audiovisuales ‘Este fotograma intencionalmente en negro’, de Bruno Delgado Ramo

23 septiembre 2021

Cine, Encuentros, Audiovisuales ‘El archivo nos habla del presente’, de Jorge Moneo Quintana

16 diciembre 2021

Cine, Audiovisuales ‘Um fio de baba escarlate’, de Carlos Conceição

24 febrero

Cine, Encuentros, Audiovisuales Mundos que desaparecen. El cine de Adrián Canoura

Mijaíl Kaufman retrata en esta sinfonía urbana de 1929 el complicado deshielo primaveral que empantana Kyiv y cómo la vida se abre paso una vez seco el barro, recorriendo la ciudad y el campo y siguiendo a personas, animales y plantas a través de una dinámica sorprendente, tierna y próxima. Esta proyección especial supone una colaboración con el Centro Dovzhenko para darle apoyo en la actual situación de guerra.

Metáfora de la dureza de los principios revolucionarios, según Erik Barnouw, excepcionalmente hermosa en su modo de filmar, según Sfir Shub, En Primavera maravilla por las tomas, el peculiar trabajo sobre el movimiento y la atmósfera luminosa en un acercamiento singular a la forma de sinfonía, la más natural y rural de las sinfonías urbanas y la más tocada por la ternura infantil, ampliando visual y conceptualmente el programa exploratorio del subgénero.

Kaufman ya había dirigido otra sinfonía, Moscú (1926), filmada junto a Kopalin y sin su hermano Dziga Vértov, del que era camarógrafo habitual y con quien acababa de estrenar ¡Adelante, soviet! (1926), considerada película melliza de la sinfonía moscovita. En Primavera es también un filme mellizo de otro en el que trabajó con Vértov, El hombre de la cámara (1929), pero ésta sería ya la última vez que colaborarían. Despedidos de la productora Sovkino, que alega exceso de gasto de celuloide sin entregar plan de rodaje ni acabar a tiempo las películas, la troika de los tres (Dziga Vértov, Yelizaveta Svilova y Mijaíl Kaufman) se muda de Moscú a Kyiv, capital de la Ucrania soviética, donde la productora ucraniana VUFKU les permite terminar El hombre de la cámara (filmado pues en Moscú, Kyiv y Odessa) y a Kaufman ir realizando En Primavera (1929), un filme que es una respuesta al desacuerdo con el modo de trabajar de Vértov y que supone la ruptura definitiva entre ambos.

En Primavera contiene los temas programáticos y la concepción fílmica común de muchas películas que hicieron juntos (la cámara como ojo perfeccionado, la explicación metacinematográfica de los procesos de filmación y reconstitución del movimiento, la fractura de la temporalidad, la filmación de todos los aspectos de la «vida al imprevisto», el deporte como conquista obrera, la nefasta relación alcohol-religión, el trabajo, el ocio, la nueva sociedad soviética…) pero retiene y profundiza en las tomas frescas, hermosas, tiernas, próximas, fabulosamente móviles y divertidas de Kaufman, sin reutilizar tanto material y dejando respirar a la naturaleza, como una parte más de esa nueva sociedad que se consolida en esta parábola revolucionaria de la primavera.

Por María Soliña Barreiro González

Navesni (En Primavera), Mijaíl Kaufman, URSS, 1929, 35 mm, sin sonido, 45 min.

Proyección en digital. Copia procedente del Centro Dovzhenko (cinemateca ucraniana).

Agradecimientos: Arsenii Kniazkov.

Fecha: 27 abril 2022

Horario: 19.00

Espacio: Auditorio

Precio: Entrada libre

El cineasta y productor catalán estará el día 6 de abril en el Doré para mantener un coloquio con el público tras la proyección de El silencio antes de Bach (2007), y el día 7 para presentar Puente de Varsovia (1989).

Jueves, 31 de marzo de 2022. Referente de la vanguardia cinematográfica, la modernidad y el compromiso político durante toda su carrera, primero como productor de títulos como Viridiana o El cochecito y después como director de algunas de las películas más atrevidas y a contracorriente del cine español, Pere Portabella (Figueres, 1927) protagoniza una retrospectiva organizada por Filmoteca Española durante los meses de abril y mayo de 2022. El cineasta y productor catalán inaugura el ciclo “Compromisos éticos, rupturas estéticas” el 6 de abril con un coloquio con el público tras la proyección de El silencio antes de Bach (2007), y vuelve el día 7 para presentar Puente de Varsovia (1989).

La retrospectiva incluye todos los cortometrajes y largometrajes dirigidos por Portabella, entre ellos Nocturno 29 (1968), Vampir-Cuadecuc (1970), Umbracle (1972), El sopar (1974-2018), Informe general sobre algunas cuestiones de interés para una proyección pública (1976), Puente de Varsovia (1989), El silencio antes de Bach (2007), Mudanza (2008) o Informe general II. El nuevo rapto de Europa (2015).

Tal y como apunta Ángel Quintana, catedrático de Historia y Teoría del Cine y autor del texto que introduce el ciclo, el cine de Portabella se caracteriza por su capacidad para “cuestionar las instituciones que rodean el mundo del cine y al mismo tiempo todas aquellas que alimentan la cultura”. Asimismo, sitúa el trabajo de Portabella en el espacio de la “extraterritorialidad” y destaca que su cine solo puede comprenderse en la medida en que se tiene presente el diálogo que este establece con otras artes.

En esta línea, Portabella ha contado entre sus principales colaboradores para realizar sus películas con los pintores Joan Miró y Antoni Tàpies, el poeta Joan Brossa, los músicos Carles Santos y Josep Maria Mestres Quadreny, o los escritores Pere Gimferrer y Octavi Pellisa. La trayectoria de Portabella desborda, de este modo, el hecho cinematográfico.

Su biografía arranca en los años 50, momento en que renacen las vanguardias plásticas tras la Guerra Civil, y sus primeras actividades cinematográficas tienen lugar en el periodo de aparición del cine moderno en España. Prosigue su trayectoria con la manifestación de los lenguajes artísticos de los años 60. Portabella también se implicó en el clima de compromiso político democrático de la cultura en los años 70, y en 1977 fue elegido senador, participando en la Comisión de la Constitución de 1978.

En los últimos años, Portabella ha sido objeto de recuperación museográfica e historiográfica, sin abandonar la práctica activa como realizador y productor. En Films 59, productora que él mismo fundó, ha sido artífice de obras tan relevantes como Viridiana (Luis Buñuel, 1961), Los golfos (Carlos Saura, 1959) o El cochecito (Marco Ferreri, 1960). En 2009 fue investido doctor honoris causa por la Universitat Autònoma de Barcelona y este mismo año lo ha sido por la Universitat de Girona.

Durante abril y mayo, el cine contemporáneo de La Casa Encendida presenta cinco películas que exploran las expectativas vitales de una juventud a la que se le prometió todo y, a punto de cumplir los 30, ya se ha acostumbrado a vivir en una crisis perpetua.

En un momento en el que las crisis económicas, sociales e incluso vitales han dejado de ser transitorias para convertirse en algo estructural, en el que las políticas capitalistas no han ofrecido las recompensas prometidas a sus desmedidas exigencias meritocráticas, y en el que la ansiedad y la angustia están a la orden del día, nos encontramos ante una generación cansada ya de discursos vacíos y de asumir injusticias, que responde oponiéndose a lo que la sociedad espera de ellas.

Así el ciclo recoge a la indolencia y la apatía de los protagonistas de Friends and Strangers, de James Vaughan, y de Outside Noise, de Ted Fendt, quienes se aferran al “preferiría no hacerlo” ante las demandas del capitalismo. En La Roya, de Juan Sebastián Mesa, un joven se enfrenta al casi obligado exilio a la ciudad, defendiendo la vida en su pueblo y sus cafetales pese a los obstáculos a los que se enfrenta a diario. Una mudanza es la metáfora del cambio vital que está por llegar en La chica y la araña, de Ramon Zürcher y Silvan Zürcher. Y en la sátira distópica El perro que no calla, de Ana Katz, el público presencia cómo la vida de Esteban empieza a desmoronarse tras perder el trabajo por los ladridos de su perra.

Ciclo programado en colaboración con Enrique Piñuel.

Programación

09 y 10 abril

Audiovisuales ‘Friends and Strangers’, de James Vaughan

Precio: 4.00 €

Entradas

30 abril y 14 mayo

Audiovisuales ‘La Roya’, de Juan Sebastián Mesa

Precio: 4.00 €

Entradas

07 y 08 mayo

Audiovisuales ‘Outside Noise’, de Ted Fendt

Precio: 4.00 €

Entradas

21 y 22 mayo

Audiovisuales ‘La chica y la araña’, de Ramon Zürcher y Silvan Zürcher

Precio: 4.00 €

Entradas

28 y 29 mayo

Audiovisuales ‘El perro que no calla’, de Ana Katz

Precio: 4.00 €

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