Ciclo Circulo bellas Artes. La noche bizarra. Lucio Fulci: Poéticas del terror

Cada sábado noche, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.
El primer ciclo de la noche bizarra se centra en la obra del director italiano Lucio Fulci (1927-1996), cineasta fundamental del cine fantástico de los años 70-80 que, pese a influir en directores como Quentin Tarantino o James Wan y disfrutar de cierto reconocimiento entre los fans del género, aún no ha sido suficientemente reivindicado. Apodado el “padrino del gore” por la explícita y violenta brutalidad de sus películas, su cine está también plagado de visiones poéticas y alucinaciones pesadillescas. El ciclo incluye las tres películas que conforman la llamada “Trilogía de las puertas del infierno” (El más allá, Miedo en la ciudad de los muertos vivientes, Aquella casa al lado del cementerio), en las que zombies y el gore más sangriento y visceral se funden con una atmósfera llena de surrealismo y poesía decadente. El ciclo se clausura con Angustia de silencio, magnífico giallo rural con tintes de folk horror considerado como una de las obras cumbres del género. Todas las proyecciones se realizan desde nuevos masters 2K/4K restaurados digitalmente a partir de los negativos originales. [La noche del 18 presentación a cargo de Alberto Sedano, comisario de “La noche bizarra”]

Películas del ciclo

El más allá

Lucio Fulci, Italia, 1981, 1h 27min, VOSE [Archivo digital]
+ presentación de Alberto Sedano (comisario de La noche bizarra)
Definida como “una de las películas más terroríficas que jamás he visto” por el guionista de La matanza de Texas, El más allá se considera la obra maestra de Lucio Fulci y una de las mejores películas de zombies de todos los tiempos. Una joven que hereda un viejo hotel en Louisiana pronto descubrirá que fue construido sobre una de las siete puertas del infierno, de la que emergerán toda clase de horrores. Un espeluznante viaje alucinatorio al universo Fulci, plagado de sangre y vísceras.
Sesiones:
Miércoles 18.03.23 · 22:00

Miedo en la ciudad de los muertos vivientes

Lucio Fulci, Italia, 1980, 1h 33 min VOSE [Archivo digital]
Una médium participa en una sesión de espiritismo en la que tiene una misteriosa visión de un sacerdote ahorcándose en el cementerio de una iglesia. Un reportero descubrirá que el suicidio del sacerdote ha abierto una puerta al infierno y debe ser sellada antes del Día de todos los santos o, de lo contrario, los muertos se apoderarán de la humanidad. Fulci renuncia a la lógica narrativa convencional en favor de un onirismo delirante que hace hincapié en la atmósfera, el surrealismo y los efectos prácticos gore extremadamente explícitos.
Sesiones:
Sábado 25.03.23 · 22:00

Aquella casa al lado del cementerio

Lucio Fulci, Italia, 1981, 1h 26min, VOSE [Archivo digital]
Una joven familia se muda de su pequeño apartamento de Nueva York a una nueva y espaciosa casa en Nueva Inglaterra. Pero no se trata de una casa de campo cualquiera: el anterior propietario era el trastornado Dr. Freudstein, cuyos monstruosos experimentos con seres humanos han dejado un legado de sangriento caos. Ahora, alguien -o algo- está vivo en el sótano, y el dulce hogar está a punto de convertirse en un horrible infierno en la tierra.
Sesiones:
Sábado 01.04.23 · 22:00

 

Angustia de silencio

Lucio Fulci, Italia, 1972, 1h 41min, VOSE [Archivo digital] 08.04.23
Una de las obras cumbres del Giallo, género popularizado por Dario Argento que acapararía las carteleras de Italia (y buena parte del mundo) en los años 70. En este caso, el habitual y sofisticado escenario urbano se cambia por un pequeño pueblo de Sicilia plagado de supersticiones, en el que un detective deberá encontrar al culpable de una serie de asesinatos de niños. Una mujer a la que el pueblo acusa de bruja será la principal sospechosa en esta perturbadora y violenta película con aroma a folk horror, en la que Fulci ahonda en la influencia de la Iglesia Católica en la sociedad italiana.
Sesiones:
Sábado 08.04.23 · 22:00

Seminario Kieślowski: documentalista del alma

Impartido por Joanna Bardzinska
Fecha y horario
Sábado 27 de mayo, de 2023
de 10.30 a 14.30h
Presentación
En la frágil frontera entre la razón y el misterio, la representación y la metáfora, lo físico y lo metafísico, se revela la obra de Krzysztof Kieślowski, el más universal de los cineastas polacos. Su estilo está marcado por la ambivalencia del significado, la articulación abierta y connotativa que parece querer establecer en cada film un sistema simbólico que trasciende a lo explícito, para poder referirse a lo oculto e inefable, a las propias ideas que se van articulando. El seminario pretende una aproximación a la trayectoria del cineasta, desde sus orígenes en el documental, para apreciar su obra en plena dimensión y responder las siguientes preguntas: ¿Pervive en el cine de ficción su vocación documentalista? ¿Se puede hablar de su huida de la convención realista o, más bien, de un nuevo rumbo en su exploración?
Objetivo 
Desarrollar la sensibilidad estética a través de Joanna Bardzinska.
Dirigido a
Cineastas, artistas, fotógrafos, estudiantes de cine, de Bellas Artes, de Comunicación Audiovisual, y a personas interesadas en el cine.
Metodología
El seminario se imparte por videoconferencia a través de Zoom. Se visualizan y se comentan escenas de la filmografía de Kieślowski seleccionadas por Joanna Bardzinska.
Impartición
Joanna Bardzinska es doctora en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, traductora y autora de publicaciones sobre el cine polaco y español, coordinadora de la monografía La doble vida de Krzysztof Kieslowski (Donostia Kultura, 2016) y autora de textos para las ediciones Blu Ray de Tres colores (Cameo, 2016) y El Decálogo (A Contracorriente Films, 2022). Desde 2015 dirige AVA Arts Foundation (www.ava-arts.org), una organización non profit dedicada a la promoción cultural. Ha programado y coordinado muestras y ciclos de cine español en Polonia y de cine polaco en España y América Latina.
Precio
45€
https://www.educatumirada.com/matriculacion/

Proyecciones Xcèntric: El cine visionario de Pierre Clémenti

Souvenirs souvenirs (Pierre Clémenti, 1967-1978)

Presentamos una muestra de la obra cinematográfica personal de Pierre Clémenti (más conocido como el actor de Belle de jour, de Luis Buñuel, o de filmes de Pasolini, Visconti, Bertolucci o Garrel): filmes diarísticos, contraculturales y lisérgicos.
Su trabajo como actor permitió a Pierre Clémenti comprarse una Beaulieu de 16 mm y emprender «una fabulosa aventura viviente: FILMAR». Mediante montajes plásticos, cromáticos y rítmicos de «balbuceos, fulgores, iluminaciones, intimidad revelada», liberó una forma romántica sobre su imaginario y desde una contrasociedad artística y utópica.
En esta sesión proyectamos tres de sus obras. La révolution n’est qu’un début. Continuons le combat pertenece a la primera etapa del cineasta, caracterizada por una poética psicodélica, carnal, alucinada, en la constelación del 68. Souvenirs souvenirs, recientemente descubierta en los almacenes del centro Pompidou, se compone a partir de rushes de hace diez años; en este segundo periodo, la belleza evocativa del álbum familiar y el hilo de la memoria entremezclan vida y obra, en un «espejo mágico de visiones múltiples». Soleil es representativa de su etapa final; más gélida y angustiada, brota desde su infundado encarcelamiento en Italia por posesión de drogas, en 1971.
La recuperación y restauración de la obra fílmica de Cleménti, que dejó numerosos materiales inconclusos, nos descubre la plenitud de una autobiografía filmada creada a través de  experiencias visionarias y subversión política desde lo sensorial. Tal como señala Nicole Brenez, Cleménti se hace cargo en su cine de la protesta colectiva contra la censura social y la autocensura privada, exponiendo «su vida y su cuerpo hasta en los más mínimos repliegues de su placer y su sufrimiento».
La révolution n’est qu’un début. Continuons le combat, 1968, sin sonido, 20’
Souvenirs souvenirs, 1967-1978, sin sonido, 28’
Soleil, 1988, 16’, VOSC
Proyección en DCP. Copias procedentes de la Cinémathèque Française.
Fecha: 2 marzo 2023
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

 

 

«Sala:B» y el sainete fallero

•    El virgo de Visanteta (Vicente Escrivá, 1979). Int.: Maria Rosaria Omaggio, Antonio Ferrandis, José Sancho, Josele Román. España. 35 mm. VOSE*. Color. 95’
•    Visanteta, esta-te queta (Vicente Escrivá, 1979). Int.: Maria Rosaria Omaggio, José Sancho, Josele Román, Josep Maria Angelat. España. 35 mm. VOSE*. Color. 91’

«Programa doble fallero con las películas que Vicente Escrivá y Antonio Fos dedicaron al sainete valenciano de Baldoví, una de las raíces del humor y el costumbrismo español».

Desde nuestra primera sesión, reflexionar sobre los cimientos del cine popular español ha sido una de las misiones de «Sala:B». Este programa doble presenta El virgo de Visanteta con la intención de situar en ese contexto la obra de Josep Bernat i Baldoví, escritor de mediados del XIX que combinó la sátira, las costumbres religiosas y el erotismo con un controvertido uso del lenguaje valenciano, a favor del pueblo y en contra de dogmas oficialistas. La trama combina dos historias de carácter sexual, la de Visanteta (Maria Rosario Omaggio, La lozana andaluza), cuya virginidad parece protegida por poderes divinos, y la del Tío Collons (Antonio Ferrandis), aficionado a la sodomía para disgusto de su esposa. La película de Escrivá y su guionista Antonio Fos mantuvo el tono y el verso valenciano, pero se vio entonces como una alternativa menos transgresora que la de Carles Mira y La portentosa vida del Padre Vicente, del mismo año 1978. Si bien la película resulta más moralizante que la obra teatral, se trata de un rasgo tan típico del sainete clásico como del cine del destape, y lo que trasciende del film hoy en día es el descaro esperpéntico y las situaciones católico-surrealistas, que prefiguran particularmente nuestra serie B. Mención aparte merece el reparto, con una selección de actrices y actores de carácter como Josele Román, Pepe Sancho, Luis Barbero o Joan Monleón y artistas de varietés autóctonas como Queta Claver o Rosita Amores.

El éxito comercial, sobre todo en el Levante, motivó a Escrivá y Fos a continuar la saga inmediatamente con Visanteta, esta-te queta, con el mismo reparto y basada en los personajes de Baldoví, pero ahora con una trama original. Un concurso de pedos es aquí la escena más memorable, demostrando una vez más que escatología y comedia van unidas a nuestra tradición. Este díptico “erótico-vernáculo”, en palabras del investigador Pablo Adiego, son de los últimos trabajos de Antonio Fos, “un prolífico guionista, plenamente integrado en la industria de productos con tirón popular y con extrañas y apasionantes obras como Volveré a nacer, El transexual, La semana del asesino o Una vela para el diablo.”». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de Pablo Adiego, investigador y autor de Antonio Fos, las películas de amor y muerte de Eloy de la Iglesia, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 210’).

Filmoteca Española celebra su 70 aniversario con la proyección de trabajos de recuperación del patrimonio cinematográfico español

Filmoteca Española fue creada por una Orden Ministerial de 13 de febrero de 1953 con el nombre de Filmoteca Nacional
Para inaugurar el año en el que celebra sus 70 años de existencia, en el que se prevén distintas actividades de encuentro con el público, se han organizado en febrero dos sesiones especiales en el cine Doré. Los largometrajes proyectados, acompañados por presentaciones que harán muy singular su disfrute, serán ‘Esa pareja feliz’ (Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga, 1951) y ‘El cálido verano del señor Rodríguez’ (Pedro Lazaga, 1965)
Asimismo, se presentará un anticipo de la restauración de Segundo López, aventurero urbano, que la cineasta, actriz y productora Ana Mariscal dirigió en 1953, el año en el que nacía Filmoteca Española
El 14 de febrero de 2023, Filmoteca Española arranca las celebraciones de su 70 cumpleaños con dos sesiones especiales en la Sala 1 del cine Doré.
La primera será a las 17:30 horas. En ella David García Mariscal, hijo de Ana Mariscal, presentará un vídeo que ilustra el proceso de restauración, actualmente en curso, de Segundo López, aventurero urbano, primer acto de las celebraciones del centenario del nacimiento de su madre. Seguidamente se proyectará ‘Esa pareja feliz’ (J.A. Bardem y L. García Berlanga, 1951), película emblemática de la historia del cine y de la cultura en España, punto de encuentro de muchas y fascinantes historias.
A las 20:00 horas se proyectará la recuperación de ‘El cálido verano del señor Rodríguez’ (P. Lazaga, 1963), una película de la que solo se conservaba el negativo y que no se ha visto desde los años sesenta. Para esta sesión se contará con la presentación de Santiago Aguilar, historiador del cine autor del libro Zoom a Lazaga (2022), y de Pedro Lazaga Busto, cineasta e hijo del director.
70 aniversario
Hace 70 años, el 13 de febrero de 1953, nació la Filmoteca Nacional, rebautizada Filmoteca Española en 1982, con la misión de crear y custodiar un archivo de películas y de documentación cinematográfica.
Desde entonces, los materiales que se han ido sumando a sus colecciones y las tareas asociadas a su conservación y puesta en valor han crecido de forma continua, hasta llegar hoy a constituir un impresionante patrimonio de alrededor de 40.000 títulos de películas, un fondo de documentación asociado que solo en 2021 ha supuesto la digitalización de unos 5000 documentos, y una biblioteca especializada que atesora más de 55.000 publicaciones. Las personas que se ocupan de la correcta conservación y difusión de todo este material son profesionales especializados en la lucha contra el paso del tiempo, y se ocupan de inventariar, catalogar, restaurar y preservar este legado. Pero también están entregados a la misión de buscar la manera más correcta y atractiva de difundirlo, manteniéndolo vivo en el presente y proyectándolo hacia el futuro, exhibiendo, explicando, y poniendo en juego la dimensión cultural del cine.
En 2021 en el Doré se han organizado más de 700 sesiones de cine y la programación online de ‘Flores en la sombra’ (iniciativa online de Filmoteca Española que permite acceder durante un tiempo limitado a materiales exclusivos de su archivo) ha recibido alrededor de 30.000 visitas. También se organizan exposiciones. La que acompaña el lanzamiento del 70 aniversario es ‘70años7piezas7cineastas’, inaugurada el pasado 6 de octubre y que continuará su recorrido hasta el 30 de abril, en el palacio de Perales, sede central de Filmoteca Española en la Calle Magdalena, 10. Concebida como una propuesta de lectura y apropiación del pasado, en esta exposición se exhiben obras pertenecientes a las colecciones museísticas de Filmoteca Española elegidas por profesionales del cine actual (Eduardo Casanova, Ester Expósito, Teresa Font, Jonás Trueba, Alauda Ruiz de Azúa, Santiago Segura y Albert Serra) que explican las razones de su decisión poniendo en diálogo fragmentos de la historia del cine con su obra creativa. Puede visitarse, de manera gratuita, los jueves y viernes, de 10:00 a 20:00 y los sábados y domingos de 12:30 a 20:00 horas.

Proyecciones Xcèntric: Explosiones de estrellas distantes. Las películas de Timoleon Wilkins

Drifter (Timoleon Wilkins, 2010)

El cineasta estadounidense Timoleon Wilkins hace películas en super 8 mm y 16 mm desde hace más de 25 años. Con los materiales del cine amateur ha creado una obra personal y poética inspirada en los maestros del cine de la vanguardia norteamericana, Stan Brakhage, Bruce Baillie y Nathaniel Dorsky. En esta sesión se podrán ver una selección de cortos creados durante la primera década del 2000, momento en que surgió la fotografía digital y desaparecieron muchos laboratorios fotoquímicos.
Trabajando al borde de la obsolescencia del celuloide, Wilkins es de los pocos cineastas que usan todavía la película de color reversible. Sus suntuosas imágenes Kodachrome y Ektachrome resuenan con un estático amor por el color y el contraste, descubriendo la belleza en medio de la insostenible realidad de la vida moderna. Para él, el cine es el medio en el que expresa lo que no puede decir con palabras. Y lo hace intentando reflejar los estados emocionales a partir de imágenes de su entorno que están, de alguna manera, impregnadas de otros mundos. Aunque suele partir de un concepto, le gusta abrazar la espontaneidad y la intuición en el rodaje y montaje de una película, de modo que se trata de un proceso de descubrimiento constante que coquetea con lo lírico, lo cómico, lo narrativo, lo metafórico y lo místico.
Lake of the Spirits, 1998, 16 mm, 7’
Los Caudales, 2005, 16 mm a digital, sin sonido, 17’
The Crossing, 2007, 16 mm, sin sonido, 7’
Quartet (In-Camera), 2004-08, 16 mm a digital, sin sonido, 12’
Drifter, 2010, 16 mm, sin sonido, 26’
Copias cortesía del autor.
Fecha; 19 febrero 2023
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

«Sala:B»: allanamientos

Coto de caza (Jorge Grau, 1983). Int.: Assumpta Serna, Víctor Valverde, Luis Hostalot. Montserrat Salvador. España. 35 mm. Color. 109’
La primera entrega (Angelino Fons, 1971). Int.: Emma Penella, Glen Lee, Gemma Cuervo, Franco Citti. España, Italia. 35 mm. Color. 102’

«Sesión doble de allanamientos de morada con violencia y con dos mujeres de armas tomar defendiendo lo suyo: Assumpta Serna y Emma Penella.

El allanamiento de morada es uno de los delitos más politizados y rentabilizados por los medios de comunicación y quienes los manejan. Convertido entre unos y otros en miedo contemporáneo, tiene hasta su propio subgénero cinematográfico, conocido popularmente como “home invasion”. A principios de los ochenta, cuando Jorge Grau dirige Coto de caza, era habitual aterrorizar a la sociedad burguesa con la amenaza de los quinquis, como bien ilustraban las películas de José Antonio de la Loma o Eloy de la Iglesia. Digamos que Coto de caza se alinea más con las ideas reaccionarias practicadas por de la Loma, convirtiendo a los quinquis en causa y efecto de una violencia bruta, amiga del ojo por ojo. Assumpta Serna es una abogada con un dilema moral de barra de bar, de esos que encienden los ánimos del personal. Decía la actriz que en el estreno oía gritar al público “¡mátalos, mátalos!” y que una conocida abogada feminista le pidió que no volviera a hacer películas como esta por responsabilidad. Grau mantiene el pulso firme hasta el impactante final, combinando la chabacanería (los geniales diálogos cheli, probablemente escritos por Manuel Summers bajo seudónimo) con una banda sonora de temas clásicos de Tristán e Isolda de Wagner. Sin duda, el principal hallazgo de la película fue poner a una actriz con una imagen tan serena como la Serna en la tesitura de lo que hoy denominaríamos una final girl.

Y hablando de final girls, lo de Emma Penella en La primera entrega es también digno de recordar, aunque esta película de Angelino Fons ha pasado injustamente desapercibida. Conocida también como La primera entrega de una mujer casada, se trata de un thriller producido por el marido de la actriz, Emiliano Piedra, que consigue rodearla de un importante reparto internacional, con nombres como Franco Citti y Bruno Corazzari. Aquí el peligro son una pareja de hippies muy setenteros formada por estos dos actores de culto, pero la ambigüedad es la baza que mejor juega Fons. Ambigüedad sexual entre los delincuentes, ambigüedad entre buenos y malos, y una lenta pero progresiva construcción del suspense desde el magnífico prólogo hasta el final. La fotografía en scope del experto en giallos Guglielmo Mancori es una delicia para ver en pantalla grande». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 230’)

 

Proyecciones Xcèntric: Godard/Farocki: hacia otras pedagogías de la percepción

Jean-Luc Godard y Harun Farocki comparten la mesa de montaje como lugar para otro pensamiento y una pedagogía disidente y alternativa sobre las imágenes, en la que los propios cineastas dudan y aprenden, desde cero y paso a paso, sobre sus herramientas y posibilidades. Entre el carácter autorreflexivo y el retratístico, estas «películas caseras» dialogan sobre las fronteras entre imágenes y sonidos, entre los gestos automáticos y los gestos creativos.
Schnittstelle [Interfaz] es una pieza ensayística fundamental en la obra de Farocki: un autorretrato de su proceso creativo hasta la fecha (1995), que abre los nuevos caminos que tomará su obra en digital, y revisa el montaje como laboratorio para el análisis crítico y la creación de metáforas. También, la sala de montaje es el espacio central de 3b Marcel, que forma parte de la extraordinaria y radical serie de televisión de Godard y Miéville: Six fois deux. A partir de un diálogo de Godard con Marcel, cineasta amateur y relojero de profesión, Godard y Miéville reflexionan sobre cómo ver lo que está entre el trabajo y el amor, entre los gestos del profesional y los del amateur.
Georg K. Glaser – Schriftsteller und Schmied es uno de los más hermosos films-retrato de Farocki: filmación y conversación con el escritor y artesano Glaser, quien durante la mañana se dedicaba a la literatura, y por la tarde trabajaba en su estudio de Le Marais, en París, haciendo cuencos, jarrones o cántaros, con técnicas de metal que casi nadie más ya sabía usar.
Schnittstelle, Harun Farocki, Alemania, 1995, Betacam a digital, 23’
Six fois deux: 3b Marcel, Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville, Francia, 1975, U-Matic a digital, 55’
Georg K. Glasser – Schriftsteller und Schmied, Harun Farocki, Alemania, 1988, 16 mm a digital, 44’
VOSE. Copia de Jean-Luc Godard procedente del INA y copias de Harun Farocki cortesía de Antje Ehmann (Harun Farocki GbR).
Fecha: 29 enero 2023
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

 

La Casa Encendida. Ciclo: Las favoritas de Carlos Vermut

La Casa Encendida celebra su 20º aniversario durante 2023 y, para conmemorarlo, el ciclo de cine contemporáneo llega con una novedad importante: la programación se realiza bajo el título Las favoritas de, donde cineastas programan sus películas favoritas de los últimos dos años. En el mes de febrero le damos carta blanca a Carlos Vermut para reencontrarnos con él en la oscuridad de la sala de cine.
El director de cine Carlos Vermut ha programado cuatro películas que dan muestra de su personalidad y gusto en lo cinematográfico. Películas que han pasado por el festival de Sitges, como la última de Quentin Dupieux, Fumar provoca tos, que se estrena en junio en las salas de nuestro país; la filipina Leonor will never die, de Martika Ramirez Escobar; o Huesera, de la mexicana Michelle Garza. Además de la comedia de enredos lésbica La amiga de mi amiga, que presenta en La Casa Encendida su directora Zaida Carmona y que estará acompañada por el director de Mantícora.
En palabras del propio Vermut: “La selección de las películas de este ciclo ha surgido de la simple idea de elegir las mejores películas que he visto en los festivales en los que he estado estos últimos meses. No había otra pretensión ni afán más allá de aprovechar la oportunidad que me daba La Casa Encendida de compartir con el público películas que quizá, de otro modo, no tendrían un amplio recorrido en España. No obstante, al pensarlas poco a poco me he dado cuenta de que algo que las une a todas es la importancia de la amistad en sus tramas. Quizá, y aunque no se me pidió un título para este ciclo, si lo tuviese, sería: Solo no puedes, con amigas sí”.

Programación

03 y 04 febrero

La amiga de mi amiga‘, de Zaida Carmona

10 y 11 febrero

Leonor Will Never Die‘, de Martika Ramirez Escobar

17 y 18 febrero

Fumar provoca tos‘, de Quentin Dupieux

24 y 25 febrero

Huesera‘, de Michelle Garza

«Sala:B» y las artes marciales

Made in China (John Liu, 1982). Int.: John Liu, Mirta Miller, Raquel Evans, José María Blanco. España, Hong Kong. 35 mm. Color. 95’
Kárate contra mafia (Ramón Saldías, 1981). Int.: Agustín Denis, Carolina Yao, Paco Romero, Francisco del Barco. España. 35 mm. Color. 82’
Los programas dobles de artes marciales reinaron en los cines de barrio de los 70 y 80. Casi a última hora llegaron estas dos delirantes aportaciones españolas.
Las películas de kung-fu se extendieron como la pólvora con la popularidad de Bruce Lee, convirtiéndose en un fenómeno de explotación internacional. Nadie se las tomaba entonces muy en serio y se distribuían de cualquier manera, con montajes, doblajes y títulos improvisados a gusto de cada país. Made in China es el resultado de esa fiebre destajista: una película firmada por un célebre luchador taiwanés, aunque en realidad nadie iba al volante de este producto incalificable. John Liu es un personaje tan oscuro como fascinante que intentó modelarse una carrera de éxito al estilo Bruce Lee, inventando un arte marcial, el Zen Kwan Do, y usando el cine como trampolín. Su plan consistió en producir tres películas interpretándose a sí mismo y mezclando más ficción que realidad, exhibiendo sus premios, sus portadas y supuestos contactos con la CIA, el KGB o la NASA. Made in China fue la segunda entrega, coproducida con dos veteranos, Bermúdez de Castro y Enrique Esteban, tras producir en Francia Liu en París y seguir con Dragón Blood: Liu en México, rodada en Tenerife. Cada una con estrellas locales de la serie B, en nuestro caso con Mirta Miller, José María Blanco Raquel Evans y Víctor Israel. Otro personaje digno de estudio, el baladista austriaco, karateca y conspiranoico Christian Anders, que había hecho sus pinitos en el cine erótico y de kung-fu, participó también en Made in China como actor invitado y compositor. Las tres películas comparten metraje y tramas, que se remezclan con material nuevo, rodado aquí entre Barcelona y Girona. Existen además montajes diferentes, y en clave más o menos erótica para complacer a todos los exhibidores. La versión española, coescrita por Esteban y remontada por Josep María Aragonés (montador de Sebastián D’Arbó), incluye escenas y tramas de control mental que no aparecen en otras. Es sin duda la versión más desnortada, incluyendo imágenes reales de un accidente de aviación que tuvo lugar en Girona en junio de 1981, ¡con una disculpa en voice-over! Made in China solo puede entenderse como un encargo colectivo, un pastiche inconexo que alcanza cotas de surrealismo propias del trío Zucker y Abrahams.
Kárate contra mafia sigue muy de cerca los resultados de la anterior, pero la escasez de medios es aún más patente. Autoproducida por Ramón Saldías en Las Palmas, simulando ser Hong Kong, cuenta con Albino Graziani, actor local habitual de los rodajes canarios de Jess Franco –con quien Saldías había trabajado de operador– y con Agustín Denis, otro karateca convertido en protagonista de un solo título, eso sí, de culto». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo de John Tones, crítico cultural en Xataka, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 200’)

 

Curso online de cine de autor y experimental

Impartición en directo desde Zoom
Inicio: jueves, 19 de enero
Plazas limitadas: grupos reducidos
Presentación
El Curso Online Cine de Autor y Cine Experimental de Educa tu Mirada plantea una aproximación al cine que se mueve por los márgenes, que cuestiona la gramática convencional cinematográfica y que genera nuevos significados en la mirada del espectador; un tipo de cine arriesgado y artístico que no busca dar respuestas, sino formular preguntas.
El curso propone tres objetivos relacionados entre sí: el primero, pensar el complejo estado de las imágenes cinematográficas en la actualidad, donde el cine ha perdido su centralidad cultural en favor de otros medios y soportes; el segundo, comprender las cualidades del «cine de autor» y del «cine de vanguardia» a través de escenas y textos representativos; y el tercero, cuestionar ciertos clichés a la hora de entender lo «mainstream» y lo «underground», así como ciertas actitudes del canon cinematográfico.
Dirigido a
Cineastas, fotógrafos, artistas, estudiantes de cine, Bellas Artes, Comunicación Audiovisual, aficionados al cine, al arte y a la cultura, en general. No es necesario tener conocimientos previos sobre cine para disfrutar del temario y del recorrido del curso.
Metodología
El curso se imparte online, en directo desde Zoom. Las clases se graban y permanecen en la nube una semana a disposición del alumnado. Es obligatorio asistir a un 70% de las clases para obtener el certificado final. Cada sesión está formada por escenas y textos seleccionados por el profesorado. Los grupos de trabajo son reducidos con el objetivo de fomentar la participación, la reflexión y el diálogo.
Temario
• Hacia una definición de autoría.
• De la vanguardia al underground.
• Voces femeninas del experimental.
• El hilo invisible: autoría y mainstream.
• Reformulando la teoría de los autores.
• Mutaciones de la imagen contemporánea.
Profesorado
Javier Urrutia: director de Educa tu Mirada
Andrés Duque: cineasta experimental
Mireia Iniesta: crítica de cine
Javier Trigales: guionista
Antonio José Navarro: historiador de cine
Duración y horario
trimestral (enero, febrero y marzo)
jueves, de 18:30 a 21:00h.
La matriculación incluye
• Certificado final
• Suscripción a Filmin
• Suscripción a la revista Caimán
• Descuento en libro de Solaris
Precio
a) Pago mensual de 200€ (3 pagos)
b) Pago único de 360€ (40% de descuento)

Proyecciones Xcèntric: Women Light Music I

La sesión inaugural de la temporada presenta un conjunto de películas para pensar la relación entre las mujeres y la composición musical. Se trata de films cuyos modelos de composición son muy cercanos a los de la música, una especie de partituras donde los sonidos se anotan a través de las imágenes, trabajando así su sincronía, donde lo que se ve y lo que se oye es, muchas veces, materialmente lo mismo. Estas composiciones cinéticas de Eugènia Balcells, Mary Ellen Bute, Lis Rhodes y Blanca Rego nos sirven de pretexto para reivindicar la presencia de mujeres compositoras en la historia de la música.
Flight es una de las muchas videopartituras de Eugènia Balcells que nacen de su interés por el sonido. Este trabajo, como muchos otros de la artista catalana que investigan el espacio sonoro, está pensado para interpretarse en directo, donde el azaroso vuelo de los pájaros, enmarcado por las líneas de un pentagrama, dibuja las alturas de las notas que la intérprete, en esta ocasión la pianista Clara Lai, ha de tocar.
En lugar de pintar o rayar directamente el celuloide, Mary Ellen Bute usó otras técnicas de animación: filmó diversos artilugios domésticos —peines, coladores, batidores de varillas, bolas de pimpón, entre otros— y superpuso imágenes para explorar a través de la refracción y reflexión de la luz, las formas musicales. Sus abstracciones visuales no son estáticas, sino más bien fluidas y nacen de su interés por sincronizar los elementos visuales con los componentes acústicos, tarea para la cual se sirvió de la ciencia y de las matemáticas.
En los años 70, Lis Rhodes realizó un conjunto de obras que exploran la relación entre el sonido y la imagen. Estas películas emplean la técnica del sonido óptico, conectando así, materialmente, lo que se ve y lo que se escucha. Dresden Dynamo es una película hecha sin cámara, en la que las formas de las imágenes que vemos en la pantalla —rayas, puntos y líneas rojas y azules— crean una especie de obra musical compuesta de ruido blanco y pitidos atonales. Notes from Light Music es una versión comprimida de su célebre instalación Light Music, obra que llevó a cabo motivada por la poca atención que recibían las mujeres compositoras en la música clásica.
Tanto en sus películas como en sus escritos, a Blanca Rego le interesa la relación entre la imagen y el sonido. En muchos de sus trabajos, genera las imágenes a partir del sonido o el sonido a partir de las imágenes, donde lo que se ve es exactamente lo que se oye. Este proceso de transformación digital evoca experimentos del sonido óptico como aquellos aplicados por Lis Rhodes en muchas de sus películas.
Flight, Eugènia Balcells, España, 1984, U-matic a digital, 8′ (Videopartitura en directo interpretada por Clara Lai)
Synchromy no. 4, Mary Ellen Bute y Ted Nemeth, Estados Unidos, 1937, 35 mm a digital, 4’
Synchromy no. 2, Mary Ellen Bute y Ted Nemeth, Estados Unidos, 1935, 35 mm a digital, 6’
Rhythm in Light, Mary Ellen Bute, Ted Nemeth y Melville Webber, Estados Unidos, 1934, 35 mm a 16 mm, 5′
Notes from Light Music, Lis Rhodes, Reino Unido, 1975, 16 mm a digital, 12’
Dresden Dynamo, Lis Rhodes, Reino Unido, 1971, 16 mm, 5’
Computer Music Studies, Blanca Rego y Mikel R. Nieto, España, 2015, digital, 39’ (fragmento de 8’)
Polka Graph, Mary Ellen Bute, Estados Unidos, 1947, 35 mm a 16 mm, 5’
Tarantela, Mary Ellen Bute, Norman McLaren y Ted Nemeth, Estados Unidos, 1940, 35 mm a 16 mm, 5’
RGB Colour Model, Blanca Rego, España, 2016, digital, 5′
Copia de Flight procedente de Hamaca. Copias de Synchromy no. 2, Synchromy no. 4 y Dresden Dynamo procedentes de Light Cone. Copias de Rhythm in Light, Polka Graph y Tarantela procedentes de Arsenal. Copia de Notes from Light Music procedente de Lux. Copias de Computer Music Studies y RGB Colour Model cortesía de Blanca Rego.
Fecha: 19 enero 2023
Horario: 19:00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online

 

Cine negro francés, Ruth Beckermann y nuevos ciclos de Zinemaldia + Plus y Cine y Ciencia inauguran el cine de Tabakalera de 2023

Por primera vez, la programación de cine del centro ha sido diseñada en coordinación con el calendario de festivales de cine de la ciudad.
La oferta del 2023 incidirá especialmente en el objetivo de compartir con la ciudadanía y visibilizar los procesos creativos a través de encuentros con cineastas.
El bono de cine y las entradas para las proyecciones de 2023 estarán disponibles a partir del 20 de diciembre en la web y en el Punto de información de Tabakalera.
Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2023, que dará comienzo el 13 de enero, de la mano de la propuesta programática elaborada por las entidades que programan en la pantalla compartida de Tabakalera: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.
Una de las principales novedades de este año es el intento de las instituciones programadoras de diseñar una programación más sostenible que tenga en cuenta el calendario de los festivales de cine que tienen lugar en Donostia durante el año.
En este sentido, la programación de la pantalla de Tabakalera ha sido elaborada en coordinación con la Semana de Cine Fantástico y de Terror, el Festival de Cine Documental Musical Dock of the Bay, el Festival de Cine y Derechos Humanos y Crossover Series Festival, y se ofrecerá en diálogo con las proyecciones de los festivales de la ciudad. El objetivo es que el público cinéfilo local pueda disfrutar de la variedad de propuestas relacionadas con el cine que se ofertan en la ciudad sin tener que renunciar a ninguna de ellas.

Arranca el año con Cine y Ciencia
El 13 de enero arranca la sexta edición del ciclo Cine y Ciencia que se proyectará entre enero y marzo de 2023, organizado por la Filmoteca Vasca, el Donostia International Physics Center y el Festival de San Sebastián. La iniciativa dará continuidad a su decidida búsqueda de transmisión de cultura cinematográfica y científica, mediante proyecciones de diez títulos que se anunciarán en enero.
Entre abril y junio se repetirá la gozosa experiencia iniciada el año pasado de la mano del Instituto Lumière de Lyon, con la segunda edición de las Sesiones Lumière.
Con la llegada del verano el jazz se apodera de los tres territorios vascos. La Filmoteca Vasca se sumará a las tres citas festivaleras del panorama vasco con la organización de la sexta edición del ciclo Jazzinema en julio.
Para acabar el año, el último trimestre de la programación estará protagonizado por las cineastas vascas. Así, el ciclo Cineastas vascas III mostrará el talento de realizadoras vascas que hayan rodado a lo largo de sus carreras al menos un largometraje.

Nosferatu: El polar francés
El ciclo dedicado al Cine negro francés, el denominado polar, organizado por Donostia Kultura y Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – Filmoteca de la Generalitat Valenciana, se desarrollará entre el 18 de enero y diciembre de 2023.
A lo largo de estos doce meses se proyectará una selección de alrededor de una treintena de películas de cine negro francés a lo largo de su historia.
En la primera sesión se podrán ver la primera película de las cinco que Louis Feuillade dedicó al Emperador del Crimen, Fantômas: À l’ombre de la guillotine (Fantômas: A la sombra de la guillotina, 1913), y el mediometraje de culto Ménilmontant (1926), dirigido por Dimitri Kirsanoff.
En el primer trimestre del año se han programado también filmes dirigidos por cineastas como Jean Renoir, Julien Duvivier, Jacques Becker o Henri-Georges Clouzot, interpretados por actores y actrices clásicos del cine galo como Jean Gabin, Michèle Morgan, Michel Simon, Jeanne Moreau, Eddie Constantine, Magali Noël, Robert Hossein o Lino Ventura.
Criminales legendarios como el citado Fantômas, creado por Marcel Allain y Pierre Souvestre; investigadores de la talla del comisario Maigret o el agente del FBI Lemmy Caution, surgidos de las plumas respectivas de Georges Simenon y Peter Cheyney; o la primera adaptación al cine del clásico de James M. Cain El cartero siempre llama dos veces. Todo esto y mucho más en la pantalla de Tabakalera entre enero y marzo en este ciclo que llegará hasta el mes de diciembre.
El ciclo se acompañará con la edición de dos libros, uno en castellano y otro en euskera. El primero, El polar francés 1933-1982, nº 19 de la Colección Nosferatu, ha sido coordinado por Antonio José Navarro y se publicará en febrero-marzo. El segundo, coordinado por Iñigo Marzabal, nº 11 de la Nosferatu Bilduma, se editará a finales de 2023.
Ruth Beckermann
Desde enero hasta junio podremos ver toda la filmografía de la directora austriaca Ruth Beckermann. Empezando por su primer largometraje de 1977, Arena squatted y acabando con su última obra, Mutzenbacher, estrenada y premiada en la Berlinale y parte de la sección Zabaltegi-Tabakalera del Festival de San Sebastián. En total serán 14 sesiones para descubrir la obra de esta cineasta que destaca porque en cada película busca y encuentra una forma diferente y nos descubre una manera inquieta de hacer cine. Además, en mayo la directora nos visitará para hablar sobre su proceso de creación.

Acercamiento entre público y cineastas
La programación de Tabakalera continuará en 2023 con su propósito de estrechar el vínculo entre el cine y el arte, y dedicará parte de sus proyecciones a la temática de la exposición Evil Eye. Historia paralela de la óptica y la balística, que abrirá sus puertas en la sala de exposiciones a finales de enero.
Otro de los objetivos de la unidad de cine de Tabakalera es contribuir a un mayor acercamiento entre cineastas y espectadores/as, y lo hará gracias a proyectos como Cine hablado, que propone un espacio de encuentro para que directoras y directores charlen en la sala de cine sobre el proceso de creación de sus películas. En 2023 visitarán el cine de Tabakalera, entre otros, Maria Elorza, Paul Urkijo y la propia Ruth Beckermann.

Por su parte, tendrán continuidad los ciclos Historias del cine feminista que se programarán también en el Museo Artium, comisariadas por las directoras del programa Noka 2022. Por su parte, se programa una nueva edición de Banda Sonora Original, un proyecto que tiene como objetivo lograr una mayor aproximación a nuevos públicos. La primera sesión será en marzo, con la película No country for old men (No es país para viejos), de Ethan y Joel Coen, con música del grupo Kokoshca. Asimismo, se sucederán nuevas ediciones de cine familiar con Kameleoiak Gara!, Historia permanente del cine y el ciclo de Cine contemporáneo. 

Tercer año del Festival de todo el año: “Zinemaldia + Plus”
Por tercer año consecutivo, el Festival de San Sebastián programará una sesión mensual en la pantalla compartida a través del ciclo Zinemaldia + Plus, que da cabida a obras de cineastas con alguna vinculación con el certamen o con sus programas de apoyo a la creación emergente. Zinemaldia + Plus se enmarca en Z365, un programa que refleja la esencia de San Sebastián como un festival que no se limita a los nueve días de cada edición, sino que se prolonga durante el resto del año a través de diferentes proyecciones y propuestas.
En la primera sesión, en enero, se proyectarán los trabajos ganadores de la competición internacional de cortometrajes de estudiantes de cine Nest: Montaña azul, de los colombianos Sofía Salinas y David Bohórquez, y la mención especial del Jurado, Anabase, dirigida por el francés Benjamin Goubet. Se ha programado también la pieza audiovisual que cada año se encarga a un cineasta y que recoge el evento y el espíritu de encuentro y comunidad de la sección. Este año, la pieza ha sido realizada por Hikaru Uwagawa, alumno de Creación de Elías Querejeta Zine Eskola y futuro residente de Ikusmira Berriak con su proyecto Ulysses.
En febrero, y en relación con el programa Diálogos de cineastas que coorganizan Koldo Mitxelena Kulturunea, Elías Querejeta Zine Eskola y el Festival de San Sebastián, se proyectará la película Las niñas, de Pilar Palomero. El público asistente tendrá así ocasión de ver el trabajo previo de la directora de La maternal, con la que este año Carla Quílez ganó ex aequo la Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista, antes de escuchar la conversación que Palomero mantendrá el 16 de febrero con la montadora Sofía Escudé en Koldo Mitxelena Kulturunea.
En marzo, por su parte, se ofrecerán los trabajos previos de las y los residentes del programa de 2023 de Ikusmira Berriak coorganizado entre el Festival de San Sebastián, Tabakalera y Elías Querejeta Zine Eskola. Esta sesión tiene como objetivo que el público asistente a la sala pueda conocer con mayor profundidad el universo creativo de las cineastas residentes (Sameh Alaa, María Alché, Maddi Barber, Naomi Pacifique, David Pérez Sañudo y el mencionado Hikaru Uwagawa) y que puedan compartir una conversación en torno a su cine.
La programación de Elías Querejeta Zine Eskola
Otra de las novedades del programa del próximo año viene del trabajo de las y los estudiantes de Elías Querejeta Zine Eskola. El grupo de Comisariado del Curso 2022-2023 está trabajando en la definición de un programa público que se concentrará en la semana que comienza el 17 de abril. Se modifica de esta forma la temporalidad de los ciclos organizados por el alumnado del centro (Eskolatik, Kamera armatu / A(r)mar la cámara…) que hasta ahora han sido de carácter anual.

Bono de cine 2023 y venta de entradas
A pesar de la subida general de los precios, durante el 2023 la pantalla compartida de Tabakalera mantendrá las tarifas tanto de entradas como de bonos. Así, el precio por entrada será de 4 euros, tarifa a la que podrán aplicarse los descuentos habituales (DK txartela, TBK txartela…).
El bono de cine de Tabakalera también mantiene sus condiciones, y permitirá a las y los usuarios la entrada por 120€ a 40 películas de entre todas las programadas por las instituciones socias de la pantalla compartida a lo largo de 2023: Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera, a excepción de las películas programadas durante el Festival de San Sebastián 2023.
Un año más, la compra del bono incluye una de las dos publicaciones mencionadas anteriormente: El polar francés 1933-1982, nº 19 de la Colección Nosferatu, o Zinema festa bat da, de Katixa Agirre, un libro de ficción sobre un encuentro de los premios Donostia que ha acompañado al ciclo Zinemaldia 70.
El bono se podrá adquirir a partir del 20 de diciembre de 2022 a las 12:00 del mediodía, hasta el 31 de enero de 2023 a las 12:00, tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro. También se abrirá en esa misma fecha y hora la venta de entradas ordinarias correspondientes a las proyecciones del mes de enero.
El consumo del bono podrá realizarse desde el 1 de enero de 2023 hasta el 31 de diciembre de 2023 (ambos incluídos) para adquirir las entradas de la programación del próximo año, y todas las gestiones vinculadas al bono podrán realizarse tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro: comprar el bono, enviarlo como regalo a otra persona, adquirir entradas para películas con el descuento del bono o consultar el saldo disponible.
Toda la información relacionada con el bono de cine 2023 y las proyecciones previstas para el mes de enero se pueden consultar en la web de Tabakalera.

Los 70 años de historia del Festival de San Sebastián, disponibles para su consulta online y presencial

La nueva página web ‘Artxiboa’ permite la consulta libre a toda la ciudadanía de más de 4.000 documentos digitales (fotografías, carteles, diarios…) y acceder a un catálogo de más de 27.000 fichas descriptivas de materiales que podrán ser examinados por especialistas.
Patrocinado por Loterías y Apuestas del Estado, el proyecto de investigación, desarrollado por el Festival y Elías Querejeta Zine Eskola, con la colaboración de Filmoteca Vasca, Medialab Tabakalera y Kutxa Fundazioa, concluye su primera fase.
Más de 4.000 documentos del archivo histórico del Festival de San Sebastián (correspondencia, fotografías, carteles, diarios, revistas…) están disponibles desde hoy, 13 de diciembre de 2022, para su consulta a través de la web artxiboa.sansebastianfestival.com. Además, esta nueva página ofrece un catálogo de más de 27.000 fichas descriptivas de materiales que podrán ser examinados a petición de profesionales y especialistas del ámbito docente e investigador.
La web Artxiboa supone la culminación de la primera fase del proyecto Zinemaldia 70: todas las historias posibles, iniciado en 2018 por el Festival de San Sebastián y Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), con el fin de conservar, estudiar y abrir a consulta pública el archivo histórico del Festival, conservado desde su fundación en 1953. La iniciativa cuenta con la colaboración de la Filmoteca Vasca, Medialab Tabakalera y Kutxa Fundazioa y con el patrocinio de Loterías y Apuestas del Estado.

Presentada hoy por sus impulsores, colaboradores y patrocinador en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, la página ofrece digitalizaciones de más de 3.000 fotografías del fondo propio del Festival y del de Kutxateka; 711 ejemplares de los diarios del Festival (la actual revista Zinemaldia), de los que se conservan números fechados entre 1954 y la actualidad; 350 carteles de prácticamente todas sus ediciones, así como materiales seleccionados del Archivo General y Prensa. Las digitalizaciones accesibles en la web están publicados bajo licencia Creative Commons BY-NC-SA, excepto en los casos en que, por razones de derechos de autor, se deban publicar bajo otro tipo de licencias más restrictivas.

La web se compone de distintas secciones que permiten recorrer los 70 años de vida del Festival. En el apartado denominado 70 ediciones es posible consultar los datos de cada edición, año por año; Investigaciones incluye la sección Historiak -ensayos divulgativos elaborados a partir de los materiales del archivo- y recoge en versión digital las exposiciones fotográficas realizadas hasta la fecha, además de contener información de los programas públicos que ha promovido Zinemaldia 70; en Colecciones digitales se agrupan la sección El documento del mes, los diarios del Festival, los carteles y las fotografías; Catálogo incluye buscadores para el público general y para profesionales, y Visita y consulta el archivo ofrece información sobre cómo acceder al material tanto de modo online como presencial.

En sintonía con el título del proyecto, Zinemaldia 70: todas las historias posibles, cada vez que una persona accede a la web, su página de bienvenida compone una nueva muestra de contenidos a partir de diferentes materiales del archivo. Así, la presentación de la web nunca es la misma y contiene combinaciones infinitas que, además, irán multiplicándose a medida que el archivo se enriquezca con nuevas digitalizaciones. Una vez terminada esta primera fase, el equipo seguirá trabajando en los procesos de conservación, catalogación y digitalización de los fondos, que en el futuro incluirán también material audiovisual, y en promover la investigación y el pensamiento crítico en torno al archivo.
Por otro lado, la web contiene un inventario que permite consultar más de 27.000 registros de catalogación correspondientes a objetos que se conservan en el archivo y que, con independencia de si están o no digitalizados, aparecen convenientemente descritos y localizados. Estos materiales (principalmente documentación administrativa y correspondencia, archivo de prensa, fotografías y carteles) podrán ser examinados presencialmente a partir de enero de 2023 en la sala de lectura de Filmoteca Vasca por profesionales y especialistas del ámbito docente e investigador que así lo soliciten a través de la web.

Además de garantizar la conservación a largo plazo de la colección y permitir su accesibilidad, el principal objetivo de esta primera fase del proyecto ha sido generar un archivo vivo, un espacio de reflexión y discusión en torno al pasado, el presente y el futuro del Festival abierto a diálogos críticos con el pensamiento, la investigación y la creación contemporánea. Para ello, desde el inicio del proyecto se han definido diferentes focos de investigación desarrollados por equipos de estudiantes de postgrado de EQZE dirigidos por el investigador Pablo La Parra Pérez en colaboración con los diferentes departamentos del Festival. Los focos de investigación han puesto el énfasis en aspectos poco conocidos o inéditos de la historia del Festival: la censura cinematográfica durante la dictadura franquista, sus transformaciones y democratización en los años de la Transición, la revisión, desde una perspectiva crítica y feminista, de la historia visual del Festival a través de su legado fotográfico, la participación de estudiantes y escuelas de cine en el certamen desde los primeros encuentros de escuelas de cinematografía celebrados en los 60 hasta el actual Nest o el Festival de Video que organizó el certamen entre 1983 y 1985.

Loterías con la Cultura
Este proyecto ha contado con el patrocinio de Loterías y Apuestas del Estado durante los cuatro años de su desarrollo. El apoyo al archivo se enmarca dentro de la iniciativa “Loterías con la Cultura”, mediante la que la empresa pública colabora en la difusión y preservación de nuestra cultura. Asimismo, también promueve el acceso a la cultura a la ciudadanía, potenciando así los valores de una sociedad democrática, que tenga criterio propio y pueda decidir en libertad.

Presentación pública en San Sebastián
El sábado 17, la sala de cine de Tabakalera acogerá una jornada dedicada a la presentación pública del archivo del Festival de San Sebastián. A las 16:30 horas se desarrollará una conversación moderada por el responsable del proyecto de investigación, Pablo La Parra Pérez, junto a Maialen Beloki (Festival de San Sebastián), Carlos Muguiro (Elías Querejeta Zine Eskola), Arantza Mariskal (Medialab Tabakalera), Joxean Fernández (Filmoteca Vasca) y Ane Abalde (Kutxa Fundazioa). A continuación, a las 17:15 horas, las restauradoras Lorena Soria, Andrea Sánchez y Anna Ferrer Homs detallarán en una mesa redonda las claves técnicas del proceso de conservación y catalogación de los fondos. Irati Crespo, coordinadora del proyecto Zinemaldia 70, explicará de forma práctica la accesibilidad a los fondos del Festival en su ponencia Un archivo abierto: acceso, consulta y uso de materiales. A continuación, La Parra impartirá la conferencia Un archivo vivo: investigación y pensamiento. Para cerrar la jornada se proyectará el cortometraje ¿Cuáles son nuestros años?, de Clara Rus, alumni de la primera promoción de EQZE, que documenta el primer encuentro de los estudiantes de EQZE con el archivo en 2018.

La Casa Encendida. Cine taiwanés: Tiempos de amor, juventud y libertad

Ciclo que mapea la historia del cine de Taiwán y que está compuesto por la proyección de cuatro películas y el curso monográfico Tiempos de amor, juventud y libertad, que se puede seguir presencial u online.
El país, pese a su reducida extensión y contar con apenas 23 millones de habitantes, ha edificado una de las cinematografías más estimulantes del panorama internacional.
El programa del ciclo ha sido diseñado por Javier H. Estrada, crítico, profesor y programador de cine. El curso está apoyado por Nuria Cubas, profesora, programadora y cineasta, y por Gabriel Doménech, profesor y miembro del Grupo de Investigación TECMERIN.
El ciclo ahonda en la cinematografía de Taiwán con la selección de cuatro celebradas películas que, sin embargo, siguen siendo desconocidas para el público español. Componen el programa clásicos como Dangerous Youth (Hsin Chi, 1959); la radiografía del Taiwán contemporáneo God Man Dog (Chen Singing, 2007); Murmur of the Hearts (Sylvia Chang, 2015), que supone una de las cimas de la gran directora Sylvia Chang; y el brillante melodrama estrenado en la Berlinale One Day (Hou Chi-Jan, 2010).
El eje temático común de todas ellas es la dimensión emocional del cine, donde se ven reflejados aspectos como la eclosión del sentimiento amoroso, el deseo irrefrenable o el retorno a las raíces en historias de gran calado sentimental con relatos poblados de personajes envueltos en profundas transformaciones.
El curso monográfico Tiempos de amor, juventud y libertad es un viaje emocional por la historia del cine de Taiwán. Cuatro sesiones dedicadas a la historia de una de las cinematografías más apasionantes del panorama mundial, en la que se estudia la obra de autores clave como Hou Hsiao-hsien y Tsai Ming-liang, pero también se indaga en figuras menos conocidas e igualmente estimulantes. Tiene una duración de cuatro jornadas y se puede seguir en formato presencial u online.
El ciclo y el curso se complementan de forma mutua y pretenden aportar una nueva mirada sobre la obra de autores como Hou Hsiao-hsien, Edward Yang o Chen Kunhou, Ang Lee y Tsai Ming-liang. Estos creadores conquistaron a la crítica y los festivales internacionales relatando historias de gran calado sentimental, pobladas de personajes envueltos en profundas transformaciones tanto íntimas como colectivas. La propuesta también indaga en figuras menos conocidas pero imprescindibles del pasado como Sylvia Chang o Chang Tso-chi, y también de la nueva hornada, como la directora Zero Chou o Lim Lung-yin.
Con el objetivo de amplificar su alcance y abrir la participación a todo el territorio y a otros países, el curso se desarrolla en formato híbrido (presencial y online). Las proyecciones, por su parte, tienen lugar de manera presencial en La Casa Encendida.
Tiempos de amor, juventud y libertad está organizado por Filmadrid, Pasajes de Cine, el Ministerio de Cultura de Taiwán, la Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España y La Casa Encendida con la colaboración de Taiwan Film & Audiovisual Institute.

Programación

Varias fechas

La Casa On, Curso, Cine Tiempos de amor, juventud y libertad

Precio: 50 €

 

13 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘Dangerous Youth’, de Hsin Chi

Precio: 4.00 €

 

14 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘God Man Dog’, de Chen Singing

Precio: 4.00 €

 

15 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘Murmur of the Hearts’, de Sylvia Chang

Precio: 4.00 €

 

16 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘One Day’, de Hou Chi-Jan

Precio: 4.00 €

 

 

 

 

«Sala:B» y el stop-motion

  • El intrépido Raúl(Feliciano Pérez y Arturo Beringola, 1936). España. 35 mm. B/N. 9’
  • La venganza del brujo(Salvador Gijón, 1945). España. DCP. B/N. 10’
  • Viaje a la luna(Tino Blom Dahl, 1964). España. DCP. B/N. 17’
  • Hombrecillos de papel(Tino Blom Dahl, 1968). España. DCP. Color. 16’
  • Juego de niños(Pablo Llorens, 1999). España. DCP. Color. 70’
«Siempre buscando el más difícil todavía, «Sala:B» os invita a una sesión histórica de animación en stop-motion española por y para todas las edades.
El cine infantil menos convencional vuelve a ocupar «Sala:B» durante las fiestas navideñas. Para esta ocasión hemos recurrido al experto Adrián Encinas, que ha preparado un menú de pioneros de la animación española en stop-motion a partir de los archivos de Filmoteca Española, Filmoteca de Valencia y de su propia colección. Para empezar, ni más ni menos que la película de muñecos animados española más antigua que se conserva: El intrépido Raúl, de 1936, reestrenada tras la Guerra Civil bajo el título La princesa y el dragón (1947). Rodado en los estudios CEA de Madrid, este cuento destaca –según Encinas– por un cuidado diseño de personajes y escenarios de Feliciano Pérez, además de los movimientos de cámara de Arturo Beringola, un arrojo tremendo para la época.
Seguimos con Salvador Gijón, el único cineasta que recoge el testigo al final de la Segunda República y continúa desarrollando la animación de muñecos durante la dictadura. En sus obras encontramos personajes recurrentes como el detective Camelón y su fiel perro Tobalito, que luchan contra los malvados Cuca y El Pájaro, siempre en historias de corte naif narradas en verso o en prosa. Destaca la Trilogía del rapto en palacio (1944-1945), primer serial animado, al que pertenece el episodio La venganza del brujo.
El caso de Christen (Tino) Blom-Dahl es muy particular, vicecónsul noruego afincado en Valencia que se dedica a la animación en stop-motion de forma autodidacta y con la vocación de un cuentacuentos familiar. Sus cortos en 16mm mezclan con gran naturalidad la realidad cotidiana con la fantasía, logrando una frescura insólita.
Y para acabar, saltamos a una de las figuras más importante de la plastilina animada en España: Pablo Llorens. Tras recibir varios premios con sus cortos, incluidos dos Goyas, su primer y único largometraje será Juego de niños, que realizó prácticamente en solitario durante dos años de intenso trabajo. Más allá de ser la primera película española en stop-motion, aborda con valentía las formas del anime y el videojuego sin perder en ningún momento la esencia de su personal humor». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo de Adrián Encinas, autor de Historia del cine de animación stop-motion español 1912-1975 (publicación a principios de 2023, Desfiladero Ed.) y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 155’)

Proyecciones Xcèntric: Los diarios de Ed Pincus: intimidad privilegiada

En 1971, Ed Pincus emprendió el proyecto de filmar con una cámara de 16 mm, y a lo largo de cinco años, la intimidad de su vida familiar. El montaje, a partir de las veintisiete horas de material registrado, no lo empezó hasta 1976, en forma de revisión (auto) crítica de esa experiencia. La muy influyente Diaries (1971-1976) —considerada una de las grandes obras maestras del género diarístico y que se presenta ahora recién restaurada— encara la colisión entre vida y arte, y los conflictos y goces de crear una familia, con el deseo de reconciliar, según el cineasta, lo trivial con lo profundo, y sondear la fragilidad y el heroísmo de la vida cotidiana.
Pincus había escrito Guide to Filmmaking (1969), un célebre manual de técnicas cinematográficas, y fue profesor de cine en el MIT y en Harvard, además de documentalista de direct cinema; pero en 1970 piensa que su obra está en un callejón sin salida y decide hacer un giro radical, exponerse crudamente ante la cámara y cuestionar las convenciones del cine y de su propia vida. La película empieza cuando la esposa de Ed, Jane —feminista y artista de batik—, tiene 34 años y sus hijos Sami y Ben, 6 y 2 años, respectivamente. Son, según Jane, «la familia feliz». Lo que sigue es el derrumbe de esa vida familiar, entre las aventuras amorosas de Ed y los efectos dolorosos que tienen para ella.
 «Ed Pincus ha creado un melodrama cómico de la vida familiar en los años setenta, que es tan fascinante, triste, enloquecedor e inquietante como cualquier ficción. Ha dado un salto mágico, saltando sobre las cabezas del cinéma-vérité y de la narración cinematográfica hacia un nuevo y deslumbrante reino» (Stephen Schiff, Film Comment).
Diaries (1971-1976), Ed Pincus, Estados Unidos, 1982, 16 mm, 200’
Proyección en DCP, VOSC. Copia digitalizada y restaurada procedente del Harvard Film Archive.
Fecha: 22 enero 2023
Horario. 17:30
Espacio. Auditorio
Precio. 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online

 

La Filmoteca Vasca, Donostia Kultura y el Festival de San Sebastián publican el libro «Zinema festa bat da»

El trabajo, publicado en euskera, se presenta mañana en Tabakalera dentro del Festival Literaktum y de los actos de conmemoración del 70º aniversario del Festival. El libro parte de una original y divertida premisa: una fiesta a la que asisten estrellas fallecidas que recibieron el Premio Donostia.
La escritora Katixa Agirre presentará mañana en Tabakalera, dentro del festival Literaktum, el libro Zinema festa bat da. Enkontru ezinezko bat Zinemaldiaren 70. urteurrenean. Editado en euskera por la Filmoteca Vasca y Donostia Kultura con la colaboración del Festival de San Sebastián, el número X de la Colección Nosferatu sirve para acompañar al ciclo Zinemaldia 70, que desde el pasado enero y hasta mediados de diciembre repasa los 70 años del Festival de San Sebastián con la proyección de algunos títulos importantes que pasaron por su programación.
El libro de Agirre cuenta con portada y contraportada de Irantzu Piquero y parte de una original y divertida premisa: una fiesta muy especial organizada en el Palacio Miramar para celebrar los 70 años del Festival y en la que se reúnen invitadas e invitados un tanto especiales y con dos características en común: recibieron el Premio Donostia y han fallecido.
Según promete la propia autora, en la citada fiesta “Lauren Bacall aparecerá más elegante que nunca, a Gregory Peck le costará entender la situación, Max von Sydow ha venido a bailar, Agnès Varda intentará realizar un documental y, cómo no, Bette Davis asumirá las funciones de anfitriona”. “La noche se llenará de sorpresas, disputas, borracheras y recuerdos. Al final se pondrán todos de acuerdo: el cine es una fiesta que hay que celebrar”, subraya Katixa Agirre.
Ruth Pérez de Anucita, responsable de Comunicación del Festival de San Sebastián, conversará con la autora en la presentación de mañana en el cine de Tabakalera a las 18.00 horas. La entrada es libre y las invitaciones se pueden reservar en la página web de Tabakalera. Después tendrá lugar la proyección de Passion (2008), película dirigida por Ryusuke Hamaguchi e incluida en el ciclo Nosferatu, para la que sí es necesario comprar entrada.
El pasado enero, coincidiendo con el inicio del nuevo ciclo Nosferatu, se publicó el libro Zinemaldia 1953-2022. Singularidades del Festival de Donostia / San Sebastián , editado por Donostia Kultura, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián y coordinado por Quim Casas. En los próximos días, el ciclo que repasa algunas de las películas más relevantes de la historia del Festival finalizará con tres últimas proyecciones: El caballo de dos piernas (Asbe du-pa / Two-Legged Horse, 2008), de Samira Makhmalbaf (30 de noviembre); Genpin (2010), de Naomi Kawase (7 de diciembre), y Post mortem (2010), de Pablo Larraín (14 de diciembre).

La Casa Encendida: Festival Márgenes 2022

Festival dedicado al cine contemporáneo, con especial atención a propuestas innovadoras y arriesgadas que combinan talento emergente y consagrado. La Casa Encendida acoge la programación que incluye formatos como shows A/V, performances, conciertos, charlas, encuentros y sesiones infantiles.
En esta 12ª edición, que se celebrará del 22 al 27 de noviembre, el Festival se internacionaliza y expande su programación hacia lo performativo con especial interés en la convergencia entre otras artes visuales y el arte sonoro. En su programación cuenta con grandes nombres del cine europeo como Guiraudie, Diop, Bonello, Mazuy, Sokurov o Seidl al tiempo que sigue apoyando el cine español e iberoamericano. En esa expansión hacia interdisciplinariedad y la apertura a nuevos lenguajes artísticos, la programación contará con la performance Umbráfono de Enrique del Castillo y los live AV de Holy Other & Pedro Maia, Myriam Bleau, Alex Augier, Artur M Puga & Shoeg, que se presentan como estreno en Madrid.
Las propuestas performáticas del Festival, se ubican en la convergencia entre el arte sonoro y las artes visuales, un espacio de creación que trasciende la sala convencional de cine, y están vinculados al programa Paisajes Alterados que reflexiona en torno al concepto postnaturaleza con Joan Fontcuberta, el Instituto de Estudios Postnaturales y otras artistas.
El programa para público infantil Márgenes LaFamily, este año presenta una sesión de cine experimental en 16mm y artesanal a través del que imaginar otras formas de mirar la naturaleza.
La Casa Encendida acoge, además, la 8ª edición del laboratorio de desarrollo de proyectos de Márgenes cuyo objetivo principal es apoyar el desarrollo, la producción y distribución del cine independiente. Desde esta edición, cuenta con un programa doble articulado a través de WORK/DESARROLLO y WORK/IN PROGRESS. Ambos ofrecen un espacio de profesionalización y acompañamiento artístico para fomentar el tejido industrial y creativo del cine español e iberoamericano con particular atención a aquellas propuestas que exploran caminos creativos y fórmulas de producción no tradicionales. Además, MRG//WORK vuelve a formar parte del programa de residencias RAW, fruto de la colaboración junto con el Festival Internacional de Cine de Gijón y DocLisboa y que se abre también al territorio de la investigación y la crítica.
Los proyectos seleccionados para el MÁRGENES / WORK 2022 son:
MÁRGENES/WORK DESARROLLO:
  • Alguien camina sobre tu tumba, de Clara Sanz (España)
  • Anna Borges do Sacramento, de Aída Bueno Sarduy (Argentina/Brasil/Portugal/España)
  • Donde estés será mi hogar, de Lionel Braverman (España)
  • M-X, de Iván Blanco (España)
MÁRGENES/WORK IN PROGRESS:
  • Deuses de pedra, de Iván Castiñeiras (España)
  • Die blaue Blume im Land der Technik, de Albert garcía-Alzorriz (España)
  • Hija del volcán, de Jenifer de la Rosa (España, México)
  • La Parra, de Alberto Gracia (España)
  • On the go, de María Royo y Julia De Castro (España)
  • Samsara, de Lois Patiño (España)
Gracias al impulso de la Fundación Montemadrid, MÁRGENES / WORK concede el Premio a la Creación Audiovisual La Casa Encendida, dotado con 9.000€ y que tiene como objetivo apoyar la creación audiovisual independiente y el talento emergente.
La película ganadora de este premio en la edición 2019, Sobre las nubes, de la argentina María Aparicio, podrá verse por primera vez en Madrid en una sesión especial el domingo 27.
Programación
24 noviembre
Conciertos, Audiovisuales Artur M Puga & Shoeg + Myriam Bleau
Precio: 12.00 €
25 noviembre
Conciertos, Audiovisuales Alex Augier ft. hex/A\ + Holy Other & Pedro Maia ft. Lieve
Precio: 12.00 €
26 y 27 noviembre
Para niños y jóvenes, Cine, Audiovisuales Márgenes LaFamily: En un jardín secreto
Precio: 4.00 €
26 noviembre
Encuentros, Audiovisuales Paisajes alterados
Gratuito
26 noviembre
Conciertos, Audiovisuales ‘Umbráfono’, de Enrique del Castillo
Gratuito
27 noviembre
Cine, Audiovisuales ‘Sobre las nubes’, de María Aparicio
Precio: 4.00 €

El Ministerio de Cultura y Deporte celebra el Día del Cine Español con una exposición y más de 300 actividades en todo el mundo

El ministro ha inaugurado esta mañana la exposición ‘70 años 7 piezas 7 cineastas’, con la que la Filmoteca Española conmemora su 70 aniversario. Esta tarde se celebra un acto en el Cine Doré y la proyección de la película Canciones para después de una guerra, de Basilio Martín Patino.
La muestra, que se podrá ver gratuitamente hasta el 30 de abril de 2023, ha contado con la aportación de siete cineastas y personalidades del séptimo arte: Ester Expósito, Jonás Trueba, Teresa Font, Santiago Segura, Alauda Ruiz de Azúa, Albert Serra y Eduardo Casanova.
La inauguración se suma a las más de 300 actividades nacionales e internacionales que, con motivo de la celebración del Día del Cine Español, se están desarrollando en colegios, instituciones educativas, culturales, centros penitenciarios, centros de mayores, y en diferentes centros del Instituto Cervantes.
Con motivo del 70 aniversario de la Filmoteca Española y enmarcado en la celebración de la segunda edición del Día del Cine Español, el Ministerio de Cultura y Deporte pone en marcha la exposición ‘70 años 7 piezas 7 cineastas’Enlace externo, se abre en ventana nueva. La muestra ha sido inaugurada por el ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, la directora general del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), Beatriz Navas, y el director de la Filmoteca Española, Josetxo Cerdán.
También han asistido al acto la montadora Teresa Font y el actor Eduardo Casanova, madrina y padrino de dos de las piezas en torno a las que gira la exposición, y las actrices Loles León y Mónica Bardem y el compositor Juan Bardem.
Siete cineastas y personalidades del séptimo arte -Ester Expósito, Jonás Trueba, Teresa Font, Santiago Segura, Alauda Ruiz de Azúa, Albert Serra y Eduardo Casanova- han elegido siete objetos representativos de la historia del cine a partir de una preselección de 70 piezas, realizada por Filmoteca Española, que recorren la historia de las imágenes animadas desde finales del siglo XVIII hasta el siglo XXI.
Estos objetos sirven como pretexto para abordar desde distintas perspectivas la historia de Filmoteca, del propio cine y el cine español, de sus públicos, y repensar de forma pública el sentido de una Filmoteca del siglo XXI, más allá de la preservación de los archivos y la memoria.
Las siete piezas en torno a las que gira la muestra son:
  • La máscara original de José Antonio Sánchez para el diablo de El día de la bestia, película dirigida por Álex de la Iglesia y estrenada en 1995, elegida por Ester Expósito
  • Los descartes del negativo de Las Hurdes, tierra sin pan de Luis Buñuel (1932-1933), pieza seleccionada por Albert Serra
  • Los forillos creados por Félix Murcia para la terraza de Pepa, Carmen Maura, en Mujeres al borde de un ataque de nervios de Pedro Almodóvar (1988), escogidos por Eduardo Casanova
  • Una moviola vertical seleccionada por Teresa Font
  • Un álbum fotográfico de los Laboratorios Madrid Film que incluye imágenes de la puesta en marcha en 1911 y las consecuencias del incendio que los arrasó en 1950, elegido por Santiago Segura
  • El llamamiento a las Primeras Conversaciones Cinematográficas Nacionales, promovidas y organizadas por el Cine Club de la Universidad de Salamanca del que era responsable Basilio Martín Patino, escogido por Jonás Trueba
  • La película dirigida por Alice Guy Chien jouant à la balle de 1905, film más antiguo conservado en la Filmoteca Española dirigido por una mujer, seleccionada por Alauda Ruiz de Azúa
La inauguración se suma a las más de 300 actividades nacionales e internacionales que, con motivo de la celebración del Día del Cine Español, se están desarrollando en colegios, instituciones educativas, culturales, centros penitenciarios, centros de mayores, y en diferentes centros del Instituto Cervantes a lo largo de toda la jornada. Esta tarde, se celebra un acto en el Cine Doré y la proyección de la película Canciones para después de una guerra, de Basilio Martín Patino.
’70 años 7 piezas 7 cineastas’ podrá visitarse de forma gratuita en la sede central de Filmoteca Española (calle Magdalena, 10, Madrid) hasta el 30 de abril de 2023.
Lunes, martes y miércoles: cerrada. Jueves y viernes: de 10:00 a 20:00 y sábados y domingos: de 12:30 a 20:00

 

 

 

«Sala:B» y la comedia «raruna»

La vida láctea (Juan Estelrich, 1993). Int.: Mickey Rooney,  Marianne Sägebrecht, William Hootkins, Emma Suárez. España, Francia, Alemania. 35 mm. Color. 79’
El extranger-oh! de la calle Cruz del Sur (Jorge Grau, 1987). Int.: José Sacristán, Serena Vergano, Emma Cohen, Teresa Gimpera. España. 35 mm. Color. 100’
«Dos comedias excéntricas y malditas que ponen el foco en las crisis de la edad y la masculinidad con dos actores inimitables: Mickey Rooney y José Sacristán
Cuando acabó el guion de La vida láctea, Juan Estelrich pensó que Mickey Rooney era el actor ideal para Barry Reilly, un millonario que a los 80 años decide volver a comportarse y vestirse como un bebé para recuperar el cariño de su familia, repleta de buitres malcriados. Rooney, el eterno niño prodigio de Hollywood, aceptó sin dudar este personaje que viste pañales y contrata los servicios de una nodriza profesional, la actriz alemana Marianne Sägebrecht. El amamantamiento hace el cariño y entre ellos surge un curioso romance que amenaza la buena vida de sus herederos. Y esto es solo el principio de La vida láctea, una muy peculiar comedia rodada entre Madrid y Portugal, con reparto internacional (Emma Suárez, Féodor Atkine, Jack Taylor…) y no pocos medios a primera vista. Se trata del debut de Juan Estelrich Revesz, hijo de Juan Estelrich March, director de El anacoreta (1976) y productor de Buñuel, Berlanga o Jess Franco. No sorprende por tanto que en este trabajo encontremos influencias de esa comedia española esperpéntica y surrealista, adornada además con una estética casi daliniana. El rodaje fue interrumpido de pronto por los productores y Estelrich no pudo dar por bueno el montaje final. A pesar de que se estrenó en el Festival de Berlín, La vida láctea acabó mal distribuida y enterrada. Hoy permanece como una de las comedias más bizarras y menos vistas del cine español.
A Jordi Grau le conocemos por títulos fundamentales del fantaterror como Ceremonia sangrienta o No profanar el sueño de los muertos, pero también dirigió dos comedias, y las dos con José Sacristán. El extranger-oh! de la calle Cruz del Sur es la segunda, que comparte con la anterior, El secreto inconfesable de un chico bien (1976), una visión crepuscular y desmitificadora de aquello del macho ibérico. Ambos filmes coloreados con brochazos de surrealismo felliniano que encajan muy bien en esta sesión. Grau aprovecha además para incluir guiños autobiográficos y referencias a su obra como el número de revista con vampiras, o el desnudo integral que rima con el de la Cantudo en La trastienda, esta vez con Sacristán. El reparto femenino es una reunión de musas de la Escuela de Barcelona, donde Grau participó, como Teresa Gimpera, Serena Vergano o Emma Cohen». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo del director Juan Estelrich y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración total aproximada de la sesión: 210’

 

Filmoteca Española muestra el archivo de Iván Zulueta con una selección de sus películas

Filmoteca Española empieza a mostrar el archivo de Iván Zulueta con un proyecto de selección y musicalización de sus películas desarrollado por J, vocalista de Los Planetas. La iniciativa se presenta al público en dos conciertos en el cine Doré los días 16 y 17 de diciembre de 2022.
Con motivo del Día del Cine Español, que se celebra el 6 de octubre, Filmoteca Española presenta un plan de recuperación y difusión del legado cinematográfico de Iván Zulueta, recogido en su archivo personal y custodiado por la institución desde que lo adquiriera en 2021Enlace externo, se abre en ventana nueva. El proyecto ha consistido en la selección y posterior musicalización por parte de J, compositor y vocalista del grupo Los Planetas, de varias piezas rodadas por el cineasta donostiarra principalmente en las décadas de 1970 y 1980, la mayor parte de ellas inéditas.
El cine Doré de Madrid, sede de proyecciones de Filmoteca Española, ha sido escenario este martes de la presentación de la iniciativa, a la que ha acudido Josetxo Cerdán Los Arcos, director de Filmoteca Española, y el artista J. Durante el acto se han podido ver y escuchar dos piezas a modo de adelanto del proyecto, que se presentará definitivamente al público los días 16 y 17 de diciembre en dos conciertos exclusivos en el cine Doré. Aún sin fecha de publicación definitiva, está prevista la plasmación discográfica del proyecto, primera entrega en solitario de J, y su correspondiente gira en 2023, que contará, una vez más, con el soporte del artista gráfico donostiarra Javier Aramburu.
Sobre el sentido del proyecto Josetxo Cerdán ha señalado la necesidad de que las filmotecas no solo conserven el patrimonio, sino que también hagan accesibles sus colecciones a la ciudadanía, pues “el tiempo de los museos y las filmotecas como mausoleos ha pasado”. En el caso del proyecto que se presenta, la finalidad, ha destacado Cerdán, era que alguien tan cercano al universo creativo de Iván Zulueta como J diese vida a una parte de su archivo personal.
En este sentido y en relación con el proceso creativo a la hora de componer los temas que acompañan las imágenes, J ha explicado que algunas canciones son más literales y otras más interpretativas y simbólicas, compuestas a partir de “imágenes muy sugerentes que te permiten dejar volar la imaginación”.
Las piezas presentadas como avance han sido el tema “Natalia dice”, que encaja con el film Te veo (1973), y “Arrebato (un buen día para Iván)”, que lee de manera peculiar las imágenes de Cine Álbum Kodak 3. Te veo es una película realizada en 1973 que muestra unas de las técnicas creativas favoritas de Iván Zulueta: rodar con el Time Lapse haciendo un uso puntual del zoom frente al televisor doméstico. El tema compuesto por J para la pieza, con el que celebra la transgresión y combate la hostilidad del mundo con libre albedrío, ha contado con la colaboración de 107 Faunos y Srta. Trueno Negro, figuras destacadas de la escena underground argentina. Cine Álbum Kodak 3 es un material de naturaleza muy diferente, que muestra a un grupo de amigos escuchando música y maquillándose de forma despreocupada y lúdica. En ella J ha encontrado la inspiración para, a través de un trabajo mucho más literal, aproximar su universo creativo y referencial al de Iván Zulueta en una declaración de intenciones en toda regla.
El archivo personal de Zulueta y el comisariado de J
El acceso al archivo de Iván Zulueta permite acercarse a un perfil poco conocido del autor hasta el momento. Más allá de Arrebato (1979) y su posterior dependencia de las drogas, los materiales recuperados por Filmoteca Española muestran a un cineasta anterior muy vital y alejado de la oscuridad que más tarde adquiriría su figura. Entre dichos materiales destacan sus películas de corta duración, las cuales demuestran un dominio magistral del formato Super 8 y exponen a un artista único en un momento de gran efervescencia creativa.
Cabe destacar que el archivo también contiene una colección de películas rodadas por los padres del cineasta, Antonio de Zulueta y Consuelo Vergarajáuregui, ambos con una gran influencia en Iván: su padre fue uno de los impulsores del Festival de San Sebastián, mientras que su madre era pintora amateur.
J se ha introducido plenamente en los fondos fílmicos, en Super 8 y 16mm, rodados por Zulueta fundamentalmente durante las décadas de 1960, 1970 y 1980, en su mayoría inéditos. El archivo también está compuesto por documentos personales y familiares, pinturas, dibujos y numerosas polaroids con las que Zulueta experimentaba. También algún guion, bocetos, carteles, cartas y recortes de prensa. J ha podido investigar las partes de este que se han inventariado, y también ha indagado en entornos familiares del cineasta para inspirar su cancionero.

 

«Sala:B» y Jack Taylor

El buque maldito (Amando de Ossorio, 1974). Int.: Maria Perschy, Jack Taylor, Carlos Lemos, Bárbara Rey. España. 35 mm. Color. 106´
El juego del diablo (Jorge Darnell, 1975). Int.: Inma de Santis, María del Puy, Luis Prendes, Jack Taylor. España. 35 mm. Color. 90’
«Llega Halloween y «Sala:B» abre sus puertas a todos los demonios, con la protección de un veterano en la lucha del bien contra el mal: el gran Jack Taylor.
Uno de las presencias más carismáticas del cine de género español y europeo, Jack Taylor (George Brown Randall, 1936) viene a presentarnos dos títulos terroríficos de su larga y aún activa carrera. Este programa doble homenajea a este actor estadounidense afincado en España y además salda una cuenta pendiente con Amando de Ossorio, director coruñés de culto que «Sala:B» debía incluir en su lista de favoritos. Taylor y Ossorio trabajaron juntos en cuatro películas, la primera en 1964 y la última en 1984, siendo El buque maldito de las más celebradas. Se trata de la tercera entrega de la tetralogía de los Templarios, la saga de fantaterror español más icónica y reconocida en todo el mundo. Que nadie se preocupe si no ha visto las anteriores, La noche del terror ciego (1971) o El ataque de los muertos sin ojos (1973), Ossorio las planteó como películas independientes sin otra continuidad que las siniestras apariciones de estos monstruos de su creación: un grupo de caballeros templarios condenados, muertos vivientes –e invidentes– que reclaman venganza desde los tiempos de la Inquisición. En El buque maldito, Taylor, Bárbara Rey y María Perschy se enfrentan a estos cruzados en un galeón errante que sintetiza perfectamente la idea de aquella España tardofranquista que se descomponía frente a la modernidad. Las lecturas políticas de la saga templaria solo resultaron opacas para la ceguera mental de los censores.
En El juego del diablo, Jack Taylor está del lado de la ciencia que intenta explicar el mito de la posesión diabólica, en una de las primeras exploitations mediterráneas de El exorcista. Producida por Antonio Cuevas, uno de los participantes del llamado cine de la Tercera Vía, y dirigida por el argentino Jorge Darnell, esta desconocida incursión en el subgénero satánico no debe ser confundida con otras grotescas revisiones del clásico de Friedkin. Inma de Santis añade inocencia y fragilidad al personaje que interpretó Linda Blair, y Darnell prefiere las imágenes inquietantes –y polanskianas– a la truculencia y los vómitos. Una de esas imágenes, con un José Lifante pesadillesco en el Museo de Cera de Madrid, remite a varios críticos al Hombre Alto de Angus Scrimm» (Álex Mendíbil)
 Duración total aproximada de la sesión: 220’
Presentación a cargo del actor Jack Taylor y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

 

Proyecciones Xcèntric: Homenaje a Jonas Mekas por el centenario de su nacimiento

Coincidiendo con el cambio de siglo, Jonas Mekas, ya en el ocaso de su vida, realizó un emotivo repaso de su mundo íntimo que recuperamos desde Xcèntric con motivo del centenario de su nacimiento. Desde el diario audiovisual en el que se enmarca toda su obra, el cineasta lituano plasma en As I Was Moving Ahead Occassionally I Saw Brief Glimpses of Beauty treinta años de su vida en forma de destellos de existencia, de pequeños instantes de bella cotidianidad.
«En realidad no soy un cineasta», afirma Mekas al principio del capítulo seis de la película, «no hago películas. Solo filmo. Estoy obsesionado con filmar. Voy por esta vida con mi Bolex y tengo que filmar lo que veo, lo que está pasando ahí mismo». Filmar como algo indisociable de vivir, es decir, como una manera de mantenerse vivo: así es como Mekas afronta su tarea artística. Cuando monta una película, no aspira tanto a traer al presente el recuerdo de aquel momento, sino a provocar la ilusión de que todo vuelve a estar ahí, de que todo vuelve a suceder ante sus ojos.
As I Was Moving Ahead… quizá es, en este sentido, su obra más paradigmática, en tanto que, aun siendo un diario audiovisual, no se trata de un retrato coral ni de un autorretrato, sino de una colección de pequeños fragmentos de vida montados al azar y filtrados por el entusiasmo efervescente de quien trata a la cámara como un apéndice de sí mismo. A través de la captura de imágenes nerviosas, inestables y a menudo sobreexpuestas, la presencia de Mekas es palpable en cada fotograma que muestra de sus seres queridos. La película invita a zambullirse en ese océano de fragmentos atemporales que Mekas presenta desde un lugar tranquilo y libre de nostalgia. «No sé nada de la vida, pero he visto algo de belleza», dice el propio cineasta al final del filme, contagiándonos su manera de celebrar la felicidad que la vida puede ofrecer.
As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty, Jonas Mekas, 2000, 16 mm, 320 min.
VOSE. Copia procedente de Canyon Cinema.
Fecha: 27 noviembre 2022
Horario: 17.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es

 

«Sala:B» Especial número 50

«Un miércoles 27 septiembre de 2017 empezaron en la sala 2 del Doré las sesiones de «Sala:B». Con esta llegamos a la sesión número 50 y toca celebrarlo con un programa muy especial.
En aquella sesión inaugural Teresa Gimpera nos acompañó como madrina y se proyectó un triplete compuesto por Esencia de verbena de Ernesto Giménez Caballero, Lejos de los árboles de Jacinto Esteva y Que nos quiten lo bailao de Carles Mira. Entonces anunciábamos que en el subterráneo de este cine iban a convivir “vanguardias, documentales bizarros, cine de serie B y experimentos al margen de la cinematografía reglamentaria”. Las últimas 49 sesiones de «Sala:B» son una digna prueba de ello y gracias al apoyo de Filmoteca Española, al equipo del Centro de Conservación y Restauración, al equipo del Doré y sobre todo a nuestros fieles seguidores, aquí seguimos.
Además de la Gimpera, por aquí han pasado actrices, actores, directores y críticos especializados que han compartido con nosotros memorias, anécdotas y toda clase de chascarrillos sobre el cine que nos gusta: Álex de la Iglesia, María José Cantudo, Sebastián D’Arbó, Victoria Vera, Micky, Esperanza Roy, Antonio Mayans, Silvia Tortosa, Emilio Linder, Sandra Alberti, Luis Revenga, Tony Isbert, Manuel Zarzo, Guillermo Montesinos, Juan Carlos Olaria… La nueva temporada 2022-2023 traerá unas cuantas sorpresas, títulos insólitos, mucho cine de culto y más invitados especiales.
Y para festejar estas 50 sesiones, los amigos de El Sótano de Radio 3, con Diego RJ a los mandos, se unirán a «Sala:B» emitiendo en directo el programa desde el Doré, con invitados especiales y mucha música psicotrónica. A continuación, la fiesta sigue con una selección de trailers de cine de serie B en 35mm, procedentes de los archivos de Filmoteca Española.
La proyección de trailers entre película y película, al estilo de los cines de barrio, ha sido una de las señas de identidad de «Sala:B». Estos materiales, desatendidos en todas las historias del cine, han encontrado aquí una ventana para a asomarse de nuevo al público. Hay todo un arte anónimo en la creación de trailers del cine anterior a los ochenta, cuando se empezaron a normalizar los montajes. Este auténtico festival de géneros, subgéneros y anomalías de todo tipo incluirá además algunas pistas de por dónde irán los tiros este curso, ¡muy atentos!» (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo de Diego RJ, director de El Sótano, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración total aproximada de la sesión: 150’

Se reanuda en octubre el ciclo Nosferatu «Zinemaldia 70»

Hasta diciembre se proyectarán once películas que pasaron por la programación del Festival de San Sebastián entre 1988 y 2010.
El próximo día 5 de octubre se reanuda en Tabakalera el ciclo Nosferatu dedicado al 70º aniversario del Festival de San Sebastián (1953-2022), que se inició el pasado mes de enero, con la proyección de Une histoire de vent (1988), última película dirigida por el veterano documentalista neerlandés Joris Ivens.
En el tercer trimestre de Nosferatu Zinemaldia 70, organizado por Donostia Kultura, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura-Filmoteca de la Generalitat Valenciana, se proyectarán once películas que pasaron por la programación del Festival de San Sebastián entre 1988 y 2010, que se suman a las 26 ya proyectadas antes del verano en esta muestra.
Como es habitual, las entradas se pondrán a la venta en la web de Tabakalera mensualmente, a partir del día 15 del mes previo, empezando por el 15 de septiembre, cuando se comenzarán a vender las entradas para las proyecciones de octubre.
El ciclo se acompaña con la edición de dos libros, uno en castellano y otro en euskera, inspirados por la historia del Festival. El primero, Zinemaldia 1953-2022. Singularidades del Festival de Donostia / San Sebastián, nº 18 de la Colección Nosferatu, coordinado por Quim Casas, se publicó en enero. El segundo, escrito por Katixa Agirre, nº 10 de Nosferatu Bilduma, se editará en el mes de noviembre.

Programación del tercer trimestre

5 octubre
Une histoire de vent
(Joris Ivens, Marceline Lorida, 1988)
12 octubre
American Dream
(Barbara Kopple, 1990)
19 octubre
Rebels of the Neon God / Qing shao nian nuo zha
(Tsai Ming-liang, 1992)
26 octubre
Beautiful Girls
(Ted Demme, 1996)
2 noviembre
Pusher: Un paseo por el abismo (Pusher)
(Nicolas Winding Refn, 1996)
9 noviembre
En construcción
(José Luis Guerín, 2001)
16 noviembre
Brick Lane
(Sarah Gavron, 2007)
23 noviembre
Passion
(Ryusuke Hamaguchi, 2008)
30 noviembre
El caballo de dos piernas (Asbe du-pa / Two-legged Horse)
(Samira Makhmalbaf, 2008)
7 diciembre
Genpin
(Naomi Kawase, 2010)
14 diciembre
Post Mortem
(Pablo Larraín, 2010)

Charlas: Anime, Un recorrido por la animación japonesa

Del 24 de octubre al 22 de noviembre de 2022
Seguramente muchos de vosotros crecisteis con Mazinger Z, conociste a Heidi y acompañaste a Marco a buscar a su madre. Y todo sin saber que era anime. Luego llegarían Dragon Ball, Oliver y Benji… y el boom del anime, hasta llegar a nuestros días, en los que parece que vuelve a resurgir el fenómeno. En este ciclo analizaremos todo esto y también, uniéndonos a la celebración del 25N, Día Internacional para la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres, analizaremos el anime que nos llega en clave de género.
A cargo del equipo CineAsia
El boom del anime en Occidente
Lunes 24 de octubre, a las 18.30 h, en la Biblioteca Ignasi Iglésias – Can Fabra.
Dejando atrás fenómenos como Heidi o Mazinger Z, la primera mitad de la década de 1990 asistimos a la aparición del boom de un nuevo tipo de animación dispuesto a tambalear las expectativas sobre todo lo visto hasta ese momento en dibujos animados. Se trataba del anime japonés y los dos culpables de esta irrupción fueron Dragon Ball y Akira, dos bombas que nos hicieron tomar conciencia de este nuevo estilo de animación.
De Ghibli a Shinkai: los grandes nombres del anime contemporáneo
Martes 15 de noviembre, a las 18.30 h, en la Biblioteca Vilapicina y la Torre Llobeta.
Pese a los estragos causados ​​en las salas de cine de todo el mundo por la cóvida, la industria del anime en Japón se ha mantenido fuerte e inalterable siendo la salvaguarda de la taquilla japonesa. Además de estudios conocidos como Ghibli o Madhouse, nuevos nombres se han introducido en el universo del aficionado: Hososa, Shinkai, Yuasa… ¿Asistimos a un nuevo boom del anime?

El anime en clave de género

Martes 22 de noviembre, a las 18.30 h, en la Biblioteca Montserrat Abelló.
Suele pensarse que la animación japonesa es machista, con la mujer sexualizada y desplazada tanto de la creación como del producto final. Pero, ¿cuánta realidad existe en esta percepción? Ni todas las series ni todas las películas de anime optan por una visión machista de la imagen de la mujer. Basta con acercarse a los personajes femeninos protagonistas de las historias de Studio Ghibli o a las heroínas de los filmes de Mamoru Hosoda, entre otros. Uniéndonos a la celebración del 25N, hablaremos de anime en clave de género.
Acceso libre hasta agotar plazas (aforo limitado).
Todas las actividades están adaptadas a las medidas de seguridad y protección frente a la  COVID-19.

Seminci 2022: Homenaje a Bigas Luna: 30 años de «Jamón, Jamón»

La exposición se inaugurará en Valladolid el día 22 de octubre en la Sala de Exposiciones Las Francesas y luego itinerará a Zaragoza.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid recordará la figura del cineasta Bigas Luna a través de una exposición que celebra el 30 aniversario de su casi mítica película Jamón, jamón (1992-2022), que supuso la consagración del director y el descubrimiento del trío de actores formado por Javier Bardem, Penélope Cruz y Jordi Mollà, convertidos hoy en grandes estrellas internacionales.
Organizada por la Fundación de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid (FMC) y SEMINCI, la exposición ha contado con la colaboración de Celia Orós, viuda del cineasta, como promotora y apoyo institucional; de Betty Bigas, su hija, y Vicky Calavia, como comisarias de la misma.
La exposición quiere reflejar la energía artística y personal de Bigas Luna, y en ella se plasmará su experimentación con la imagen a través de fotografías, pinturas, montajes audiovisuales y símbolos que aparecen en la película y que le situaron como un creador polifacético y adelantado a su tiempo.
Numerosos objetos de la película
Entre los objetos que podrán verse en la muestra destacan: los jamones de la pelea final entre los dos protagonistas, los huevos del famoso anuncio de carretera del toro de Osborne, la moto Yamaha de Javier Bardem y la máquina tragaperras en la que se desahogaba, maniquíes con los calzoncillos de Bardem (diseñados por Bigas) y el vestido rojo de Cruz, quizás lo más icónico del film. Y junto a ellos otros mas personales del director y el León de Plata que recibió en el Festival de Venecia como Mejor director en 1992 por la película.
Asimismo, se contemplarán una serie de fotos, en gran formato, que sobre el rodaje hizo el propio Bigas Luna, carteles de la película en diversos idiomas, guiones, pruebas, story boards, bocetos y esquemas argumentales de la película.
En cuanto al concepto visual de la exposición, incluye la recreación de espacios de la película, una gama de colores relativos a la vida, la muerte, la tierra y la sensualidad, como ejes de la historia, así como referencias inspiradoras de la película, que van desde Goya, a la tragedia griega, tópicos ibéricos, y sin olvidar los paisajes desérticos de Monegros en los que discurre la película.
La muestra también contará con su propia banda sonora: los nueve temas creados por Nicola Piovani para la película, y ambientes sonoros en algunos espacios recreados con fragmentos de diálogos, frases y sonidos icónicos de la película. Sobre los contenidos de la exposición, se editará un catálogo.
La exposición se inaugurará en Valladolid el día 22 de octubre, el día de la apertura del festival, en la Sala de exposiciones Las Francesas (calle Santiago, 19), y permanecerá abierta al público hasta el 22 de noviembre. A continuación se trasladará a la ciudad de Zaragoza, en el marco del festival internacional de cortos La Mirada Tabú, del 1 al 31 de diciembre. Es deseo de los organizadores de la exposición y de la familia de Bigas Luna que la itinerancia de la muestra concluya en Málaga (ciudad querida del director, donde realizó otra importante exposición en 2002) coincidiendo con el festival de cine, que tendrá lugar entre el 10 al 19 de marzo. Y en ese sentido ya hay en marcha conversaciones para hacer realidad ese deseo.
Proyección de una copia restaurada
Como uno de los eventos centrales de la 67 edición de la SEMINCI, el homenaje a Bigas y a la película incluirá también la proyección de una copia restaurada de Jamón, jamón en un teatro de la ciudad y en presencia de una parte del equipo que participó en su rodaje.
Asimismo, está prevista la reedición del libro ‘El poderoso influjo de Jamón, jamón’, escrito por Javier Angulo en el año 2007. En el texto se narra lo que sucedió antes, en y después del rodaje, repleto de detalles sobre escenas concretas (apoyadas en detalles del story board), relato de las mismas y anécdotas que explicarían el fenómeno en el que se convirtió esta película. Todo ello a partir de los testimonios de sus protagonistas desde el director, Bigas Luna a los actores Jordi Mollá, Javier Bardem, Penélope Cruz o Juan Diego, recientemente fallecido, entre otros, así como los aportados por el productor Andres Vicente Gómez, el director de fotografía, José Luis Alcaine y otros técnicos que participaron en el rodaje.
Además, el libro está ilustrado con fotografías realizadas durante el rodaje por el propio Bigas Luna, que cedió a Angulo para la realización del libro.

 

«Sala:B» y Juan Antonio Bardem

El ciclo dedicado a Juan Antonio Bardem por el centenario de su nacimiento inspira este programa doble de rabioso cine de culto.
Podría parecer anecdótico y casual, pero estas dos películas en las que interviene Juan Antonio Bardem de manera muy lateral son consideradas hoy en día dos de las cult-movies españolas con mayor prestigio autoral, junto a títulos de la altura de La novia ensangrentada, de Vicente Aranda, o ¿Quién puede matar a un niño?, de Chicho Ibáñez Serrador. La primera, La campana del infierno, es una ambigua exploración sobre la locura y la represión en los pueblos que difícilmente encaja en ninguno de los géneros con que coquetea: fantaterror, slasher, giallo, comedia negra, spanish gothic, arte y ensayo…
En realidad la película de Guerín Hill parece divertirse amagando y cambiando de dirección constantemente como su incipiente carrera, que oscilaba entre el debut con Querejeta y Erice, adaptaciones para televisión de Beckett, Goethe y Strindberg o melodramas turbios con actrices de moda. Desde luego no ayuda que Guerín no pudiera acabar ni montar esta película, falleciendo trágicamente al caer del campanario al final del rodaje.
Bardem rodó la escena que faltaba y la montadora Magdalena Pulido hizo lo que pudo con el guion de Santiago Moncada y lo que mandaran los productores. Lo que nos ha llegado no es poco, una película fiel reflejo de su tiempo y de sus malditas circunstancias, tan
fascinante como inaprensible.
El perro parece una película de aventuras de supervivencia hasta que se convierte en un thriller político con claras alusiones a la recién desaparecida dictadura franquista. Antonio Isasi y su guionista Juan Antonio Porto adaptaban un best seller de Alberto Vázquez-Figueroa, llevando sus mimbres de novela de acción, la persecución entre un perro y un hombre, a los terrenos de la crítica sociopolítica. A pesar de ser un éxito de taquilla en su época, con una gran campaña alrededor de su protagonista Jason Miller (El exorcista), hoy permanece como una película de culto áspera y poco amistosa. En este caso, Bardem hace un papel secundario como líder clandestino, en un reparto lleno de iconos: Marisa Paredes, Aldo Sambrell, Miguel Rellán…
Una sesión doble que demuestra que el cine de género y el cine de autor pudieron convivir en su día sin traicionarse ni rebajarse el uno al otro». (Álex Mendíbil).
La campana del infierno (Claudio Guerín, 1973). Int.:
Renaud Verley, Viveca Lindfors, Alfredo Mayo, Maribel
Martín. España. DCP. VOSE*. Color. 91’
El perro (Antonio Isasi-Isasmendi, 1977). Int.: Jason
Miller, Lea Massari, Aldo Sambrell, Juan Antonio Bardem.
España. 35 mm. Color. 114’
Presentación a cargo de Javier Memba, periodista y autor de El cine negro español. Del Spanish noir al policiaco actual (Ediciones JC, 2020), y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración total aproximada de la sesión:230

Filmoteca Española incorpora a sus fondos el legado documental de Emilio Ruiz del Río y Félix Murcia

Fotografías para el estudio del estanque de El perro del hortelano (Pilar Miró, 1996)

 

Los archivos incluyen una gran variedad de materiales que van desde maquetas y dibujos hasta guiones asociados a proyectos tanto realizados como irrealizados

Filmoteca Española incorpora a sus fondos cinematográficos los archivos de dos nombres fundamentales del cine español e internacional: el artista de efectos especiales y visuales Emilio Ruiz del Río (Madrid, 1923-2007), y el director artístico Félix Murcia (Aranda del Duero, 1945- ). En ambos casos se trata de una donación realizada por la familia, en el primer caso, y por el propio director, en el segundo. Con esta adquisición Filmoteca Española amplía sus fondos personales, entre los que ya se encontraban los de personalidades como Teresa Font, Juan Antonio Bardem, Ana Mariscal o Luis Buñuel.
Emilio Ruiz del Río
Emilio Ruiz del Río desarrolló su carrera profesional junto a cineastas de la talla de Florián Rey, Rafael Gil, José Luis Borau, David Lean, Nicholas Ray, John Milius, David Lynch, Álex de la Iglesia o Guillermo del Toro, entre otros muchos. Su trabajo le valió tres premios Goya a mejores efectos especiales por Acción mutante (Álex de la Iglesia, 1993), Nadie conoce a nadie (Mateo Gil, 1999) y El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006).
Su archivo incluye dibujos, fotos, maquetas y documentación asociada a múltiples películas como, además de las ya mencionadas, Conan el bárbaro (John Milius, 1982), El embrujo de Shanghái (Fernando Trueba, 2002) o El puente de San Luis Rey (Mary McGuckian, 2004); además de series de televisión como Fortunata y Jacinta (Mario Camus, 1980).
Félix Murcia
Por su parte, Félix Murcia ha sido responsable de la ambientación y decoración de numerosas películas. Ha obtenido, entre otros reconocimientos, el Premio Nacional de Cinematografía de 1999 o el Goya al Mejor Dirección Artística hasta en cinco ocasiones por películas como Dragon Rapide (1987), El rey pasmado (1992) y El perro del hortelano (1997).
Su archivo cuenta con dibujos, fotografías, guiones, planos, storyboards y documentación de trabajos como Los señores del acero (Paul Verhoeven, 1985), Días contados (Imanol Uribe, 1994), Fortunata y Jacinta (Mario Camus, 1980), El perro del hortelano (Pilar Miró, 1996), El bosque animado (José Luis Cuerda, 1987) o Mujeres al borde de un ataque de nervios (Pedro Almodóvar, 1988).

Dibujo de maqueta para Conan, el bárbaro (John Milius, 1982)

El Festival de San Sebastián inaugura en Tabakalera su gran exposición del 70 aniversario

Hasta el 24 de septiembre se puede visitar ‘Imagina un Festival’, que a través de una veintena de pantallas muestra cientos de vídeos que suman más de 150 minutos de contenido.
El Festival de San Sebastián, que celebrará su 70ª edición del 16 al 24 de septiembre, ha inaugurado hoy en el Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera, sede del certamen, una gran exposición para celebrar su aniversario. Coorganizada por Tabakalera en colaboración con el Ayuntamiento de San Sebastián y la Diputación Foral de Gipuzkoa, la muestra Imagina un Festival está planteada como un homenaje a la industria del cine, a los medios de comunicación, a las salas de proyección, a la propia ciudad y, por supuesto, al público que abarrota las salas edición tras edición.
Desde hoy y hasta el 24 de septiembre, la exposición mostrará a través de varias instalaciones audiovisuales repartidas en distintos espacios públicos de Tabakalera los principales hitos de la historia del Festival, presentado “como una obra colectiva en la que todas las personas somos protagonistas”, según el concepto de Carlos Rodríguez y Asun Lasarte, de Morgancrea, la productora que ha comisariado una exposición que mediante una veintena de pantallas muestra cientos de vídeos que suman más de 150 minutos de contenido.
Junto a quienes han diseñado la exposición han participado en la presentación de hoy el director del Festival, José Luis Rebordinos, y la directora de Tabakalera, Edurne Ormazabal, así como el alcalde de San Sebastián, Eneko Goia, y el diputado general de Gipuzkoa, Markel Olano, en representación de las instituciones colaboradoras.

¡Sigue la alfombra roja!
Presente en el Festival desde sus inicios, la alfombra roja ejerce de guía en una exposición a la que se puede acceder desde la entrada principal de la plaza de las Cigarreras o desde el acceso inferior de la plaza Nestor Basterretxea. En total, se han utilizado más de 200 metros de alfombra que, a ratos suspendida sobre las cabezas de quienes visiten la exposición, marcará un camino que se puede transitar de diversas formas en distintos puntos del espacio público de Tabakalera.
Si se accede a la Plaza de la planta 0 por la plaza Nestor Basterretxea la primera instalación que se puede visitar se compone de ocho pantallas dedicadas al Público. Por un lado, propone un recorrido por el ambiente de la alfombra roja y los cines en distintas etapas del Festival y, por otro, muestra la selección de fotografías que la ciudadanía ha enviado expresamente a la exposición atendiendo a la llamada del certamen: son instantáneas y selfis con nombre y apellidos que las personas asiduas al Festival se sacaron en su día junto a distintas estrellas y personalidades.
Las escaleras que conducen a la primera planta desembocan en la instalación Media, centrada en el papel de los medios de comunicación que han contribuido a la difusión internacional del Festival y a preservar su memoria a través de escritos, entrevistas, fotografías y audiovisuales. Como si de un gran libro o periódico se tratara, dos grandes pantallas verticales reproducen una selección de imágenes, titulares y declaraciones de algunos de los personajes más relevantes que han pasado por San Sebastián en estos 70 años.

Sin abandonar la primera planta, un largo pasillo adquiere la forma de Photocall, presidido por una pantalla gigante de 24 x 4 metros sobre la que se reproducen las imágenes lanzadas simultáneamente desde cinco proyectores. Se trata de un espacio mágico por cuya alfombra roja se puede pasear y contemplar a más de 800 personalidades que han visitado el Festival durante siete décadas. Los contenidos de este túnel del tiempo se presentan de modo cronológico, de forma que, situados a cierta distancia, el público podrá ver simultáneamente y en movimiento a Gloria Swanson, Kirk Douglas, Audrey Hepburn, Harrison Ford, Bette Davis, Robin Williams y Brad Pitt, entre muchos otros.
Por último, al fondo del pasillo una cortina da acceso a la última estancia, denominada Zinea y concebida como una gran sala de cine en la que distintas pantallas sincronizadas permiten recordar los instantes más icónicos de la historia del Festival.
Por un lado, a la izquierda se sitúan tres grandes pantallas que proyectan de modo aleatorio momentos inolvidables: desde las multitudinarias acogidas a Sophia Loren, Liz Taylor, Bette Davis, Denzel Washington o Bradley Cooper, al paseo de John Travolta por la Concha, los estrenos de Star Wars y La máscara del zorro, o la sorpresa que se llevó Penélope Cruz antes de recibir su Premio Donostia de manos de Bono (U2).

Por otra parte, dos cubos suspendidos en el centro de la sala hacen un guiño al Kursaal de Rafael Moneo y proyectan en sus distintas caras imágenes relacionadas con ocho temas entre los que figuran las salas de cine de la ciudad, los jurados del Festival, sus premios, la organización o los nuevos talentos.
Finalmente, hay dos proyecciones que muestran cómo ha evolucionado la concha, principal distintivo gráfico del certamen, y una animación de los carteles oficiales de las 70 ediciones, así como una mediateca que a través de dos pantallas táctiles permite navegar por la historia del Festival descubriendo o rememorando reportajes, entrevistas, entregas de premios, personajes y películas.

Talleres infantiles, visitas guiadas y un concurso
En torno a la exposición se han organizado talleres infantiles (para niñas y niños de 3 a 6 años y de 7 a 11) los miércoles y jueves por la mañana y los sábados por la tarde, y visitas guiadas dirigidas al público adulto, los martes por la tarde y los domingos por la mañana. Las personas que estén interesadas en las actividades, que son de carácter gratuito, podrán inscribirse a través de las páginas web del Festival y de Tabakalera. Además, quienes visiten la exposición podrán participar en un concurso de preguntas vinculadas a los contenidos de la muestra. Entre las respuestas acertadas se sortearán entradas para la 70ª edición del Festival y objetos de merchandising.
La exposición permanecerá abierta todos los días, de lunes a domingo, de 10:00 a 20:00 horas.
La exposición ‘Vive le cinéma!’, a partir del viernes
Además de colaborar en la organización de Imagina un Festival, Tabakalera se volcará con el 70º aniversario a través de otra exposición, Vive le cinéma!, que abrirá sus puertas este viernes 8 de julio. En ella se mostrarán instalaciones artísticas firmadas por cuatro cineastas internacionales: Jia Zhang-ke, Lemohang Jeremiah Mosese, Isaki Lacuesta y Dea Kulumbegashvili, los dos últimos ganadores de tres Conchas de Oro.

 

La Casa Encendida: Ciclo Alrededor de la fragilidad

Ciclo de cine y coloquio que, los martes y jueves del mes de julio, analiza a través de seis películas los conceptos de fragilidad y vulnerabilidad. Estos largometrajes son también un homenaje a la fuerza y capacidad de lucha de los más frágiles.
Cuando consultamos en el diccionario de la Real Academia Española el significado del adjetivo «frágil» nos encontramos con palabras o conceptos como: quebradizo, algo que con facilidad se hace pedazos, débil, deterioro, escasez de fuerza…, pero también nos ayuda a ahondar en diferentes acepciones un sinónimo revelador: «vulnerable». Entonces los significados se amplían, el diccionario nos dice ante tal término que algo o alguien «puede ser herido o recibir lesión, física o moralmente». Vulnerable puede ser una persona, un colectivo, un país o la propia Naturaleza. Si estudiamos el sustantivo vulnerabilidad desde un punto de vista social, el asunto se complica más: refleja la inseguridad y la indefensión de ciertas comunidades, grupos, familias o individuos en su forma de vida por el impacto negativo de algún factor natural, político, económico o social. La fragilidad está siempre presente.
Un paso más allá nos permite corroborar un hecho que suele obviarse: la fuerza y la capacidad de lucha del vulnerable, de aquel o aquella que es más frágil. No hay mejor manera de ejemplificarlo que con el mito bíblico de David y Goliat. Gracias a la existencia de muchas personas como David, el mundo se va rebelando contra los derechos vulnerados.
Ese es otro punto peliagudo: un grupo no es solo frágil, sino que se define por muchas cosas más. Por ejemplo, los niños son un colectivo vulnerable, pero aportan vitalidad, esperanza, enseñan a vivir el presente, son el futuro… Tendría que darse por sentado que sus derechos y necesidades han de estar cubiertos, pero muchas veces lo que ocurre es una vulneración de esos derechos y un no cumplimiento o un difícil acceso a la solución de sus necesidades.
Y ahí ya entran las relaciones de poder y las responsabilidades ante ciertas situaciones que viven estos colectivos. El ciclo nos guiará por temas como el cambio climático, la situación de los migrantes en el Mediterráneo, los mayores y el acceso a la sanidad, etcétera.
Tras las proyecciones habrá un coloquio con especialistas en distintos ámbitos.
Participan:
  • Luis Enrique Alonso, catedrático de Sociología de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad Autónoma de Madrid.
  • José Carlos López Seisdedos, director de la Fundación Porque Viven.
  • Esteban Sánchez Moreno, director del Instituto Universitario de Desarrollo y Cooperación de la Universidad Complutense de Madrid.
  • Marifé Santiago Bolaños, poeta, filósofa y profesora titular de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid.
  • Paula Palacios, cineasta.
  • Ignacio Santos Molina, consultor en medio ambiente, desarrollo y cooperación internacional.
Comisariado por: Isabel Sánchez Fernández, periodista y comisaria de exposiciones.

Programación

05 julio

Encuentros, Audiovisuales «El agente topo», de Maite Alberdi

Precio: 4.00 €

Entradas

 

07 julio

Encuentros, Audiovisuales «Ganar al viento», de Anne-Dauphine Julliand

Precio: 4.00 €

Entradas

 

12 julio

Encuentros, Audiovisuales «La mujer del chatarrero», de Danis Tanovic

Precio: 4.00 €

Entradas

 

14 julio

Encuentros, Audiovisuales «Nación», de Margarita Ledo

Precio: 4.00 €

Entradas

 

19 julio

 

Encuentros, Audiovisuales «Cartas mojadas», de Paula Palacios

Precio: 4.00 €

Entradas

 

21 julio

Encuentros, Audiovisuales «La mujer de la montaña», de Benedikt Erlingsson

Precio: 4.00 €

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