Fantasia, web dedicada al cine, críticas y análisis de películas, series de televisión, festivales, noticias, libros, Dvd & Bluray, merchandising y todo lo que rodea al séptimo arte
La plataforma homenajea al próximo Goya de Honor incorporando a su catálogo Ditirambo, Aoom,, Morbo, y Mi nombre es sombra. Los títulos se incluirán en una colección especial que recorre otras películas imprescindibles de su filmografía
FlixOlé celebra la trayectoria de uno de los cineastas más libres y singulares del panorama español, Gonzalo Suárez, de quien estrena cuatro títulos fundamentales tanto en su carrera como en la historia del audiovisual español: Ditirambo (1969), Aoom (1970), Morbo (1972) y Mi nombre es sombra (1996). Cuatro obras que revelan la inagotable imaginación de un director que navega a la aventura por territorios insólitos del séptimo arte.
Desde sus comienzos, este autor próximo a la vanguardista Escuela de Barcelona capeó las inercias narrativas y estéticas para alejar la gran pantalla de la cotidianidad y los convencionalismos, apostando por un cine experimental y arriesgado, profundamente ligado a la literatura. Su filmografía no busca encontrarse con la realidad, sino expandirla. A lo largo de décadas, ha desbordado los márgenes de la narrativa tradicional para revelar un universo inclasificable e ingenioso.
Por ampliar los horizontes del cine español, Gonzalo Suárez recibirá el Goya de Honor el próximo 28 de febrero, reconocimiento a una trayectoria marcada por la coherencia artística y la independencia. Con motivo de esta distinción, FlixOlé estrena los títulos mencionados, restaurados en la mejor calidad de imagen y sonido en sus laboratorios, e inaugura un especial compuesto por un total de 13 películas, además de la serie Los pazos de Ulloa (1985) y el documental Gonzalo Suárez: 90 años remando al viento (2024), un recorrido por la vida y obra del realizador.
Los comienzos experimentales
Entre las películas que llegarán a la plataforma destaca la ópera prima del asturiano, Ditirambo (1969). Con el aroma del film noir confluyendo en su imaginario, Gonzalo Suárez dio el salto a la dirección asumiendo también el protagonismo ante la cámara junto a Charo López, quien comenzaba a hacer sus primeros pinitos en la gran pantalla. La película sigue a un detective envuelto en un intrigante caso que lo conducirá a un imprevisible final. Cuestionando los límites entre ficción y realidad, es considerada como una de las primeras cintas modernas en el panorama nacional. Un salto al vacío que abrió una vía alternativa del audiovisual de finales de los años sesenta y que reivindicaba la experimentación y libertad creativa.
Ditirambo se presentará en la plataforma en próximas fechas. Mientras tanto, desde este viernes, 20 de febrero, se podrá acceder a otro de los títulos esenciales del director, Aoom, ejemplo anticonvencional del afán de Suárez por desdibujar las fronteras entre géneros y su gusto por la improvisación —no había un guion previo—. A medio camino entre el humor absurdo, la ciencia ficción, el romanticismo y la tragedia, la película narra la historia de un actor que, hastiado de su existencia, decide abandonar su cuerpo e instalarse en el de una muñeca. Su amante iniciará entonces su búsqueda, acompañada por un grupo de personajes excéntricos que protagonizan situaciones desconcertantes y deliberadamente descontextualizadas para despertar la reacción del espectador. Filme maldito reconvertido con el tiempo en obra de culto, Aoom es también célebre por la fascinación que despertó en el cineasta Sam Peckinpah, marcando el inicio de una amistad que duraría hasta la muerte del estadounidense.
Morbo y Mi nombre es sombra
El mismo 20 de febrero se incorporarán también Morbo (1972) y Mi nombre es sombra (1996). La primera construye un inquietante relato sobre la pulsión erótica y la violencia latente en unos recién casados que pasan la luna de miel aislados en un bosque que parece observarles. Protagonizada por Ana Belén y Víctor Manuel, la química entre ambos traspasó la pantalla y culminó en boda pocos meses tras el rodaje.
Por su parte, Mi nombre es sombra refleja la estrecha relación de Suárez con la literatura al revisitar el mito de Dr. Jekyll y Mr. Hyde desde una mirada personal. Más que una adaptación al uso, la película reformula el clásico para reflexionar sobre la identidad, la dualidad y los monstruos íntimos que habitan en cada individuo, confirmando la atracción del cineasta por la difusa y contradictoria línea que separa el bien y el mal.
Colección especial FlixOlé
Todas estas películas formarán parte de una colección especial dedicada al universo de Gonzalo Suárez, donde podrán encontrarse otros títulos esenciales de su trayectoria. Entre ellos, Epílogo (1984), una personal reflexión sobre el proceso creativo; Remando al viento(1988), una de las grandes obras maestras del cine español —Concha de Plata en el Festival de San Sebastián y ganadora de seis premios Goya—, que recrea el encuentro entre Mary Shelley (Lizzy McInnerny), Lord Byron (Hugh Grant) y otros poetas románticos en Villa Diodati, evento del que surgiría la criatura Frankenstein; y El detective y la muerte (1994), singular revisión del cine negro en la que la trama se convierte en vehículo para reflexionar sobre el poder, la corrupción, el destino y la inexorabilidad de la muerte.
Con este especial, FlixOlé reivindica la figura de Gonzalo Suárez como uno de los grandes autores del cine español: un creador que ha hecho de la imaginación su territorio natural y de la libertad creativa su principio irrenunciable.
Filmin estrena la nueva película de Lucile Hadzihalilovic, una versión moderna y onírica del cuento popular «La reina de las nieves».
Filmin estrena el próximo 20 de febrero “La torre de hielo”, la nueva película de la directora francesa Lucile Hadzihalilovic (“Earwig”, “Evolution”), tras su paso por salas el pasado diciembre dentro del ciclo “Cine en los cines” de Filmin. La película fue la ganadora del Oso de Plata a la Contribución artística en el pasado Festival de Berlín y se llevó el premio Zabaltegi-Tabakalera a la mejor película en el Festival de San Sebastián. También fue seleccionada en el último Festival de Sitges.
Está protagonizada por la ganadora del Óscar Marion Cotillard, recordada por títulos como “La vida en rosa”, o “Medianoche en París”, y por la actriz revelación Clara Pacini. Es el cuarto largometraje de la directora y el segundo encuentro entre Hadzihalilovic y Cotillard, que en 2004 rodaron juntas “Inocencia”.
Años 70. Atraída por las luces de la ciudad, Jeanne huye de un orfanato situado en lo alto de las montañas. Se refugia en un estudio de cine que explora en secreto por las noches. Durante el día se rueda allí la película La reina de las nieves, protagonizada por la enigmática Cristina. Jeanne cae inmediatamente bajo el hechizo de la bella y atormentada estrella. Entre la actriz y la chica surge una fascinación mutua.
La reina de las nieves
“La torre de hielo” es una versión moderna y onírica del cuento popular «La reina de las nieves». Esta historia de Hans Christian Andersen de 1844 narra cómo un fragmento de espejo maligno congela el corazón de Kai, que es raptado por la gélida Reina de las nieves. Su amiga Gerda lo rescatará en un viaje lleno de pruebas. Hadzihalilovic descubrió a Hans Christian Andersen a los cinco años, cuando su madre le leía incansablemente las versiones íntegras de sus cuentos de hadas. Desde entonces, le siguen fascinando: «Tanto por su complejidad humana y su retrato sensible y no moralista de nuestros miedos y deseos, como por su rica imaginación poética”, comenta la directora.
Entre paisajes nevados teñidos de una tenue luz azul y cálidos interiores, Hadzihalilovic difumina constantemente las fronteras entre realidad, ficcióny fantasía, con imágenes que podrían pertenecer a ambos mundos, con la misma dualidad que tiene la reina de las nieves: “Me fascina particularmente una figura de perfección y de saber, inaccesible y misteriosa, a la vez atractiva y aterradora. Fue el encuentro entre la joven y esta reinalo que dio origen a esta película”.
Marion Cotillard, Gaspar Noé y Clara Pacini
El proyecto marca el reencuentro entre Marion Cotillard y Lucile Hadzihalilovic después de veinte años tras “Inocencia”. Cotillard recuerda que se volvieron a reencontrar en una fiesta, la directora le habló del proyecto y se emocionó mucho: “Me encanta trabajar con gente con la que ya trabajé”, comenta la actriz. En esta ocasión, Cotillard comparte escena con la actriz debutante Clara Pacini y también con Gaspar Noé, quien interpreta a un director de cine en el set de los años setenta, un personaje que evoca a los grandes maestros obsesivos de la historia del cine.
Esta sesión celebra dos figuras esenciales de la vanguardia europea del siglo xx: Stefan y Franciszka Themerson, pioneros del cine experimental en la Polonia de entreguerras
Antes de que el fascismo arrasara Europa, los Themerson ya advertían, con imágenes radicales y poesía visual, la amenaza inminente de los autoritarismos que se cernían sobre el continente. Su obra más emblemática, Europa (1932), basada en el poema futurista homónimo de Anatol Stern, condensa las tensiones políticas, sociales y existenciales de su tiempo. Collage, animación, sobreimpresiones, escritura visual: cada técnica es convocada al servicio de un mensaje claro y urgente, antibélico, antitotalitario, visceral. Cine como grito. Cine como antídoto.
En la Varsovia de los años treinta, realizaron cinco cortometrajes experimentales: Pharmacy, Europa, Moment Musical, Short Circuit y The Adventures of a Good Citizen (1937), el último de los cuales fue el único film anterior a la guerra que sobrevivió a la devastación. Ya en Londres, durante la década de 1940, filmaron dos obras más: Calling Mr. Smith (1943), una pieza antibélica de diez minutos que denuncia la destrucción de la cultura polaca bajo el nazismo, y The Eye and the Ear (1944-45), una interpretación visual de cuatro canciones de Karol Szymanowski.
Su lenguaje cinematográfico se sustentaba en una investigación material rigurosa: el movimiento de luces y sombras sobre objetos, exploraciones nacidas de sus trabajos con fotogramas entre 1928 y 1935. Muchas de las imágenes fueron creadas sobre una mesa de trucos improvisada por Stefan: colocaba objetos diversos sobre papel translúcido, iluminados desde arriba y fotografiados cuadro a cuadro desde abajo, en una coreografía artesanal entre el azar y el cálculo.
La historia de los Themerson se fractura con la invasión nazi de Polonia en 1939. Los negativos originales de Europa se pierden entre bombardeos y saqueos. Él es reclutado por el ejército polaco en el exilio; ella encuentra en el dibujo y la ilustración un refugio íntimo y una forma de resistencia estética. Reunidos en Londres, reinventan su obra y su vida. El trauma del exilio dejó huellas profundas, pero nunca apagó su impulso creativo.
Durante décadas, Europa fue considerada una obra perdida. Hasta que, en 2019, un milagro de archivo la devolvió al mundo: una copia fue hallada en la Bundesarchiv alemana por el Instituto Pilecki. Restaurada por Fixafilm en Varsovia y con una nueva banda sonora compuesta por Lodewijk Muns, Europa regresa no solo como documento histórico, sino como gesto de supervivencia. Hoy, su visión cobra una potencia renovada. En sus formas fragmentadas, en sus cuerpos en negativo, no vemos solo una alerta contra los fascismos del pasado, sino una advertencia urgente para los presentes que habitamos.
Franciszka y Stefan Themerson: Europa, 1931, 35 mm, 12 min; The Adventures of a Good Citizen, 1937, 35 mm, 9 min; Calling Mr. Smith, 1943, 35 mm, 10 min; The Eye and the Ear, 1944, 35 mm, 10 min; Stefan + Franciszka, Tomasz Pobóg-Malinowski, 1974-75, 8 mm, 18 min.
Proyección en digital.
Copias procedentes de Lux, excepto Stefan + Franciszka, procedente de GV Art London.
Fecha: 19 febrero 2026
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Entre los primeros títulos de la programación, algunas de las películas más destacadas del año, obras de directores imprescindibles, pero también de nuevos cineastas emergentes que han destacado en el panorama internacional con nombres esenciales como los de Werner Herzog, Claire Denis, Alexandre Koberidze, Hlynur Pálmason o Milagros Mumenthaler. Doce films de estreno catalán que presentan un panorama del cine más innovador, arriesgado y puntero del momento, ofreciendo una pluralidad de temáticas y miradas, que dan cuenta del estado del cine de autor de ahora mismo y del que mira hacia el futuro. Este es un pequeño avance de lo que está por venir en la 16.ª edición del D’A – Festival de Cinema de Barcelona.
Barrio triste es el impactante debut del colombiano Stillz, el jovencísimo director de videoclips de Rosalía o Bad Bunny, en uno de los films más libres y extremos del año, producido por Harmony Korine y con banda sonora de Arca.
El veterano director Werner Herzog se embarca en Ghost Elephants en otra de sus aventuras, que esta vez le lleva al encuentro de los misteriosos elefantes fantasmas de Angola. Sueños imposibles, reflexiones vitales e imágenes extraordinarias en un documental estrenado en la Biennale de Venecia 2025.
Hlynur Pálmason estará presente por partida doble en el D’A – Festival de Cinema de Barcelona, donde ganó el premio Talents en el año 2020 con Un blanco, blanco día. En Juana de Arco (Joan of Arc) el director filma a sus propios hijos en un film lúdico sobre el paso del tiempo, mientras que en El amor que permanece (The Love That Remains) sigue a una pareja con tres hijos a lo largo de todo un año en el que el matrimonio se deshace.
El director georgiano Alexandre Koberidze, uno de los jóvenes directores más destacados del cine europeo, regresa después de su sobresaliente ¿Qué vemos cuando miramos al cielo?. Presentará en el festival Dry Leaf, un film magistral sobre el tiempo, la memoria y los vínculos humanos. Mención especial del Jurado del Festival de Locarno.
El sonido de la caída (The Sound of Falling) de Mascha Schilinski es una de las películas más esperadas del año, después de ganar el Premio del Jurado en Cannes 2025 (ex aequo con Sirât). Un calidoscopio fascinante y fantasmagórico sobre la memoria y sus mecanismos.
También muy esperado es el film Las corrientes, el retorno de la directora argentina Milagros Mumenthaler (La idea de un lago), con un contundente retrato de una mujer a la deriva, que causó sensación en el Festival de San Sebastián 2025, donde ganó el Premio RTVE Otra Mirada.
La gran Claire Denis, una de las referentes del D’A, que le dedicó una retrospectiva en la primera edición, se adentra en Le Cri des gardes (The Fence) en los rincones más oscuros del neocolonialismo con un thriller gélido, protagonizado por Matt Dillon y Tom Blyth (Benediction). Con la banda sonora de Tindersticks.
Mark Jenkin es uno de los directores más originales del cine inglés, convertido en autor de culto después de Enys Men, un film de terror psicológico que pasó por Sitges. En Rose of Nevada sigue cautivando con una combinación imposible entre ciencia ficción existencial y etnografía marina. Protagonizan George MacKay (Capitán Fantástico) y Callum Turner (Emma).
Por último, dos films que han triunfado en los festivales internacionales. Two Seasons, Two Strangers de Shô Miyake, ganadora del Leopardo de Oro en Locarno 2025. Un díptico poético y melancólico que sitúa a su autor en la senda de Ryûsuke Hamaguchi o del metacine de Hong Sangsoo.
Y finalmente, Un mundo frágil y maravilloso (A Sad and Beautiful World) del director libanés Cyril Aris, una obra mayor que ha ganado más de una quincena de galardones incluyendo el premio del público en Venecia y Valladolid. Una película atravesada por la guerra, en la que una pareja se ve obligada a decidir si quedarse en el país y formar una familia en ese contexto u optar por el exilio.
La nueva película de Dag Johan Haugerud, que cierra su «Trilogía de Oslo», explora el impacto transformador del primer amor a través de tres generaciones de mujeres.
Filmin estrenará «Sueños en Oslo» el próximo 13 de febrero después de haberse alzado con el Oso de Oro a la mejor película en la última edición del Festival de Berlín (que precisamente inaugura este 12 de febrero su 76ª edición) y el Premio FIPRESCI de la competición.
Dirigida por Dag Johan Haugerud («Cuidado con los niños»), la película cierra la trilogía conocida internacionalmente con el nombre «Sex Love Dreams» y que en España recibe el nombre de «Trilogía de Oslo». Se trata de tres historias sutilmente interconectadas, pero autoconclusivas e independientes entre sí, que exploran la sexualidad, el amor y la libertad.
Protagonizada por Ella Øverbye, Selome Emnetu y Ane Dahl Torp, junto a Anne Marit Jacobsen, la cinta ha sido galardonada con el premio a la mejor película en el Queercinemad.
Johanne, una joven de 17 años se enamora por primera vez. Lo hace de su profesora, mucho mayor que ella, y decide conservar sus sentimientos plasmándolos en escritos íntimos que guarda en su ordenador. Cuando su madre y su abuela descubren estas revelaciones, inicialmente se escandalizan, pero pronto aprecian su potencial literario. Mientras debaten si publicarlas, las tres mujeres afrontan sus distintos puntos de vista sobre el amor, la sexualidad y el autodescubrimiento.
La intensidad del primer amor: entre la euforia y el secreto
Dag Johan Haugerud describe el primer amor como “una experiencia transformadora que lo cambia todo; es intenso, absorbente y decisivo”. En «Sueños en Oslo», esa fuerza desbordante se manifiesta cuando Johanne siente por primera vez una atracción irresistible hacia su profesora de francés: “Es una euforia imparable que arrolla la mente”, explica el director, “pero choca con la disponibilidad física de una joven que aún se está descubriendo a sí misma”. Esa tensión genera un conflicto entre el impulso mental y la vivencia corporal, un desfase que puede resultar confuso e incluso traumático.
Según Haugerud, “la belleza y el dolor de ese primer enamoramiento quedan grabados como un acontecimiento inolvidable, una tenue melodía que todas las pasiones posteriores intentan igualar”. En la película, esas notas íntimas de su diario, guardadas en su ordenador, abren una grieta en la cotidianeidad familiar: madre y abuela leen las confesiones y se sorprenden ante el potencial literario que esconden. A través de ese choque generacional, la película explora cómo el relato de un primer crush puede desencadenar una cadena de recuerdos, deseos y cuestionamientos que trascienden el tiempo y la edad.
Tres generaciones ante el deseo
El director subraya que el descubrimiento del primer amor despierta también “un anhelo reconocible” en las mujeres de su familia: “La madre y la abuela, al leer las vivencias de Johanne, reevalúan algunas de las decisiones sobre sexo y amor que ellas mismas tomaron a lo largo de la vida”. Para el director, “cada una de estas mujeres aporta su propio bagaje de experiencias, opiniones y contradicciones en torno al deseo, la libertad, el empoderamiento y la responsabilidad, que se redefinen al compartir sus puntos de vista”.
Haugerud profundiza aún más: “Cuando la abuela lee el manuscrito, revive sus años hippies y recuerda que la pasión no está limitada a los impulsos físicos, sino que busca también una trascendencia espiritual. Su perspectiva, irreverente y sincera, choca y dialoga con la visión más protectora y normativa de la madre, que cuestiona la conveniencia de publicar unas memorias tan íntimas”. Así, «Sueños en Oslo» confronta tres generaciones —adolescente, madre y abuela— y traza un fresco sobre cómo la memoria y la experiencia moldean nuestra comprensión del amor y la responsabilidad a través del tiempo.
La «Trilogía de Oslo» en Filmin
La trilogía de Dag Johan Haugerud (Noruega, 1964), conocida internacionalmente como «Sex Love Dreams» está íntegramente distribuida en España por Filmin:«Sexo en Oslo», estrenada en cines el 25 de octubre de 2024 y ya disponible en la plataforma; «Amor en Oslo», que llegó directamente a Filmin el 14 de noviembre de 2025; y «Sueños en Oslo«, que se estrenó en cines el 21 de noviembre de 2025 y estará disponible en la plataforma a partir del 13 de febrero de 2026. Filmin descubrió a Haugerud al público español con «Cuidado con los niños», su segundo largometraje, presentado en el Atlàntida Mallorca Film Fest 2020 y distribuido por la plataforma. Fue la primera película del director que se estrenó en nuestro país.
Tres cartas blancas a Marta Sanz, José Luis Pardo y Ernesto Castro sirven para pensar el cine desde la filosofía contemporánea
Una retrospectiva integral de José Luis Guerin, uno de los grandes ensayistas del cine europeo, explora la frontera entre documental y ficción
Autores como Kiyoshi Kurosawa o Toshiharu Ikeda protagonizan el ciclo dedicado a la mítica Director’s Company japonesa y al cine radical de los años 80
Ilusionismo y cine dialogan en colaboración con el Festival Internacional de Magia de Madrid
Cinezeta propone un febrero antirromántico y pasional, lejos de los relatos normativos
Sesión especial en homenaje a José Luis Cienfuegos, figura clave de la cinefilia española
Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, propone en febrero una programación que concibe el cine como un espacio de pensamiento, fabulación y diálogo con las grandes preguntas que atraviesan la experiencia humana. Bajo el título ‘La fábula cinematográfica’, la programación de este mes explora la capacidad de las imágenes para generar ideas, cuestionar certezas y abrir grietas en nuestra manera de entender la felicidad, el deseo, la identidad o la verdad. A través de cartas blancas a pensadores contemporáneos, retrospectivas de autores fundamentales, ciclos internacionales y propuestas que cruzan cine, magia y filosofía, la programación articula un mapa donde ficción y reflexión se entrelazan, reivindicando el cine como una herramienta crítica, sensible y profundamente viva.
‘La fábula cinematográfica’. Cine y pensamiento en diálogo
Desde sus orígenes, el cine ha funcionado como una forma privilegiada de pensamiento. ‘La fábula cinematográfica’ propone un diálogo explícito entre cine y filosofía, reuniendo películas que piensan el mundo a la vez que lo narran. A través de una programación que combina ficción y documental, cine clásico y moderno, comedia y ensayo, Cineteca Madrid se convierte, del 3 al 20 de febrero, en un lugar de encuentro entre imágenes y pensamiento crítico.
En esta edición, el programa se articula en torno a tres cartas blancas concedidas a Marta Sanz, José Luis Pardo y Ernesto Castro, tres voces fundamentales del pensamiento contemporáneo español, que proponen recorridos personales y conceptuales por la historia del cine. Sus selecciones activan preguntas sobre la infancia, la felicidad, la verdad, la naturaleza de las imágenes o los límites entre lo natural y lo artificial, confirmando al cine como una auténtica máquina de pensar.
· Carta blanca a Marta Sanz: una niña atrapada en una gota de ámbar
¿Es el amor por el cine una persistencia de la infancia? A partir de esta pregunta, la escritora Marta Sanz propone un recorrido por cuatro películas que exploran la intimidad, la memoria, el cuerpo y la vulnerabilidad desde miradas muy distintas. Desde el clasicismo afilado de Eva al desnudo (Joseph L. Mankiewicz, EEUU, 1950) hasta la fisicidad contemporánea de Creatura (Elena Martín Gimeno, España, 2023) pasando por la infancia herida de Cría cuervos (Carlos Saura, España, 1975), o el exceso creativo de All That Jazz (Bob Fosse, EEUU, 1979), que se proyectará acompañado de una conferencia previa de Marta Sanz.
· Carta blanca a José Luis Pardo: páginas en blanco
Decía Hegel que la felicidad solo ha escrito páginas en blanco en la Historia. A partir de esta afirmación, el filósofo y ensayista José Luis Pardo reflexiona sobre la representación de la felicidad en el cine como promesa, mandato social y problema filosófico. Su selección contiene distintas formas de felicidad impostada, deseada o imposible. Las proyecciones arrancan el martes 10 con el musical clásico de Vampiresas 1933 (Mervyn LeRoy, EEUU, 1933), y continúa hasta el sábado 14 con la ironía moderna de Chaplin en Tiempos modernos (EEUU, 1936), la comedia sofisticada Historias de Filadelfia (George Cukor, EEUU, 1940) y el humor político de Medvedkin en La felicidad (Rusia, 1935).
· Carta blanca a Ernesto Castro: naturalmente artificial. ¿Cómo fermentan las imágenes?
El escritor Ernesto Castro propone un recorrido por películas que reflexionan sobre cómo el cine produce sentido, creencia y comunidad. De la mirada libre y material de Agnès Varda en Los espigadores y la espigadora (Francia, 2000) al juego de máscaras de Orson Welles en Fraude (Francia-Irán-Alemania, 1973) o del misticismo de Stalker (Andréi Tarkovski, Rusia, 1979) a la comedia metafísica de Amanece, que no es poco (José Luis Cuerda, España, 1989), el ciclo plantea una reflexión sobre las imágenes como organismos vivos, capaces de fermentar ideas y afectos. La sesión del viernes 20 irá precedida de una conferencia de Ernesto Castro.
Retrospectiva José Luis Guerin: la imagen justa
Coincidiendo con el estreno de Historias del buen valle, Cineteca Madrid dedica, del 1 al 27 de febrero, una retrospectiva a José Luis Guerin, uno de los cineastas más singulares del cine europeo contemporáneo. Desde los años ochenta, su obra ha explorado la frontera entre documental y ficción, el trabajo de la memoria, la observación paciente y la poesía de lo cotidiano.
La retrospectiva recorre títulos fundamentales como Innisfree (España, 1990), Tren de sombras (España, 1997), En construcción (España, 2000) o En la ciudad de Sylvia (España-Francia, 2007), junto a piezas breves, correspondencias fílmicas y obras recientes que revelan una práctica coherente y profundamente ética.
‘El suelo tiembla bajo nuestros pies’. El cine de la Director’s Company japonesa
En colaboración con Fundación Japón y el colectivo mediadistancia, Cineteca presenta, del 24 al 28 de febrero, un ciclo dedicado a la Director’s Company, uno de los experimentos más radicales y singulares del cine japonés de los años ochenta. Fundada en un contexto de crisis industrial, la compañía permitió a una generación de cineastas jóvenes producir películas personales y arriesgadas al margen de los grandes estudios. De esta experiencia surgieron las primeras obras de Kiyoshi Kurosawa, Shinji Somai, Toshiharu Ikeda o Gakuryu Ishii.
Las películas del ciclo combinan sátira, violencia, melodrama y crítica social del Japón contemporáneo. La selección incorpora los siguientes títulos: Mermaid Legend (Toshiharu Ikeda, Japón, 1984), Bumpkin Soup (Kiyoshi Kurosawa, Japón, 1985), Door (Banmei Takahashi, Japón, 1988), Door II: Tokyo Diary (Banmei Takahashi, Japón, 1991) y The Crazy Family (Gakuryu Ishii, Japón, 1984). Todas las sesiones estarán presentadas por Fidel Ojea, crítico y especialista en cine japonés del colectivo mediadistancia, que contextualizará este momento clave del cine japonés.
La magia del cine
En colaboración con el Festival Internacional de Magia de Madrid, este programa propone, del 6 al 8 de febrero, un diálogo entre cine e ilusionismo como lenguajes afines. A través de tres películas y una charla con los magos Jandro y Jorge Blass, se reflexiona sobre cómo los principios de la magia (el engaño, la sorpresa, la misdirection) se aplican al lenguaje cinematográfico. An Honest Liar (Tyler Measom, Justin Weinstein, EEUU, 2014), El increíble Burt Wonderstone (Don Scardino, EEUU, 2013) y El ilusionista (Sylvain Chomet, Francia-Reino Unido, 2010), componen la selección de títulos mágicos.
Sesión especial en homenaje a José Luis Cienfuegos (1964–2025)
Cineteca rinde homenaje a José Luis Cienfuegos, figura clave de la cinefilia española y director de algunos de los festivales más importantes del país. Más allá de los títulos que programó, su legado reside en una manera de entender el amor al cine como pasión rigurosa, escucha activa y compromiso con el descubrimiento. Happiness (EEUU, 1998) de Todd Solondz, uno de los cineastas que Cienfuegos ayudó a descubrir en España, se proyecta como gesto de gratitud y memoria el jueves, 5 de febrero.
Cinezeta: las rosas son rojas, y febrero también lo es
Frente al relato romántico normativo de San Valentín, Cinezeta propone un febrero alternativo, atravesado por el deseo, la incomodidad y la contradicción. Tres películas que exploran formas de amor torcidas, violentas o censuradas, alejadas del ideal comercial.
Cineteca en familia: tres viajes al país de las maravillas
El mes se completa con una propuesta familiar para las matinales de los domingos 1, 15 y 22 dedicada a Alicia en el país de las maravillas, uno de los relatos más adaptados e inestables del cine. A través de tres versiones —la animación clásica de Disney, la interpretación radical de Jan Švankmajer y la fantasía contemporánea de Tim Burton— el ciclo muestra cómo una misma historia puede transformarse en cuento, pesadilla o aventura, y cómo el cine reconfigura nuestra relación con la imaginación, la infancia y la libertad.
Confesionario: una animación de cine, estrenos, pases especiales y secciones habituales
La sesión del ciclo mensual de Confesionario reúne cinco películas que abarcan setenta años de historia. Además, este mes la sección de estrenos en Cineteca proyectará Dios lo ve, Eloy de la Iglesia. Adicto al cine, Emergency Exit, Father Mother Sister Brother, Queer Me y Vivir al revés. Se suman también a la agenda de febrero las secciones habituales de Cineteca como Relatos del ruido Capítulo XXVIII: Sueños sonoros (músicas oníricas); Ciclo DOCMA, que presenta Al oeste, en Zapata; Así son las cosas, CIMA en corto con Un lugar al que llamar (Correspondencias íntimas), La noche Z e Imprescindibles de TVE con el documental Las gafas, de Isabel Coixet./
El programa temático ‘Máquinas de habitar’ recorre la ciudad, el barrio, la vivienda y la habitación como escalas cinematográficas
La propuesta incluye sinfonías urbanas, noir contemporáneo y cine de terror doméstico para pensar el espacio desde la imagen
En paralelo, Cineteca Madrid dedica una retrospectiva al cineasta Heinz Emigholz y su singular mirada sobre la arquitectura
El colectivo Ciudades Reveladas explora el habitar desde el cine latinoamericano a través de una carta blanca de proyecciones
Además, Cineteca Madrid propone este mes un foco especial en el cineasta Juan Cavestany y su retrato íntimo y expandido de la ciudad de Madrid
Completa la programación el ciclo retrospectivo dedicado a la pionera Germaine Dulac, figura clave de la vanguardia cinematográfica
No faltarán a su cita las sesiones de programación familiar y cine experimental, además de nuevas entregas de CineZeta y ‘La Noche Z’
Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, propone en enero un recorrido cinematográfico por los espacios que conforman nuestra vida cotidiana, desde la escala urbana hasta la intimidad de una habitación. Bajo el título ‘Máquinas de habitar’, la programación invita a pensar cómo el cine ha construido, interpretado y cuestionado los lugares que ocupamos, revelando su dimensión política, emocional y simbólica. A través de sinfonías urbanas, relatos de barrio, arquitecturas del miedo, ensayos fílmicos y miradas experimentales, se articula una geografía crítica del habitar contemporáneo donde ciudad, vivienda y cuerpo se entrelazan como escenarios de conflicto, memoria y deseo.
Ciclo ‘Máquinas de habitar’
¿Qué relación tiene el cine con los espacios que habitamos? ¿Cómo han contribuido las imágenes a moldear nuestra experiencia de la ciudad, del hogar o de la intimidad? ‘Máquinas de habitar’ plantea estas preguntas como eje vertebrador de la programación de enero. Organizado en cuatro capítulos —la ciudad, el barrio, la vivienda y la habitación—, el ciclo traza una cartografía cinematográfica que va de lo colectivo a lo íntimo, explorando cómo los espacios no solo se habitan, sino que también nos habitan ellos a nosotros.
Capítulo 1: ‘La ciudad: sinfonías urbanas’
Este primer capítulo recorre la tradición de las sinfonías urbanas, un género nacido en las vanguardias de los años veinte que buscó capturar el pulso, la energía y la complejidad de la vida metropolitana.
Entre las obras más emblemáticas del programa destaca Manhatta (EE. UU., 1921), de Charles Sheeler y Paul Strand, considerada una de las primeras sinfonías urbanas del cine y un retrato poético de Nueva York como máquina moderna en expansión.
A su lado, Rien que les heures (Francia, 1926), de Alberto Cavalcanti, propone una mirada fragmentaria y melancólica sobre el París de entreguerras. El recorrido culmina con Koyaanisqatsi (EE. UU., 1982), de Godfrey Reggio, una poderosa composición audiovisual que convierte la ciudad contemporánea en un flujo hipnótico de imágenes y sonidos.
Capítulo 2: ‘El barrio: malas calles’
El barrio ha sido uno de los grandes escenarios del cine moderno, un espacio donde lo cotidiano convive con la violencia, el deseo y el conflicto. Este programa reúne miradas muy diversas que convierten el barrio en territorio mítico, político o emocional.
Entre las películas más representativas del ciclo sobresale El odio (Francia, 1995), de Mathieu Kassovitz, un retrato eléctrico y aún vigente de la violencia estructural y la frustración en la periferia urbana. Sonidos de barrio (Brasil, 2012), de Kleber Mendonça Filho, desplaza el conflicto hacia una escala más soterrada, donde el urbanismo, la memoria y el miedo se infiltran en la vida cotidiana de un vecindario brasileño aparentemente tranquilo. Completa este mapa Chungking Express (Hong Kong, 1994), de Wong Kar-wai, que transforma calles, pasillos y locales nocturnos de Hong Kong en un espacio emocional vibrante.
Capítulo 3: ‘La vivienda: habitar el terror’
Comisariado por Alberto Sedano, este programa aborda la vivienda como uno de los espacios más inquietantes del imaginario contemporáneo. Entre los títulos más elocuentes del programa destaca Terror en Amityville (Stuart Rosenberg, EE. UU., 1979), donde la casa deja de ser refugio para convertirse en una trampa financiera y emocional.
Candyman, el dominio de la mente (EEUU, 1992), de Bernard Rose, desplaza el horror hacia el urbanismo y la segregación, haciendo de la vivienda un espacio atravesado por la violencia estructural y la memoria reprimida. Las películas de Ti West —La casa del diablo (EE. UU., 2009) y Los huéspedes (EE. UU., 2011), programada en una sesión especial de ‘La Noche Zeta’—, actualizan el motivo de la casa encantada desde una precariedad reconocible, donde la necesidad económica empuja a habitar lugares que ya anuncian su amenaza. Cierra el ciclo la recuperación de Aquella casa en las afueras (España, 1980), de Eugenio Martín, una rareza del cine español que convierte el espacio doméstico en detonante de un trauma colectivo.
Capítulo 4: ‘La habitación: un mundo entre cuatro paredes’
Este último capítulo del ciclo reúne obras de vanguardia que se sitúan en habitaciones, cuartos de hotel o espacios interiores mínimos, donde lo cotidiano adquiere una densidad sensorial radical. En Room Film 73 (Reino Unido, 1973), Peter Gidal reduce la habitación a un campo de percepción extrema, obligando al espectador a habitar el tiempo y la duración de la imagen como una experiencia física.
Hotel Diaries (Reino Unido, 2001-2007), de John Smith, convierte los cuartos de hotel en observatorios involuntarios de lo cotidiano, espacios impersonales que, filmados a lo largo de años y ciudades, acumulan memoria, humor y extrañeza. Por su parte, Berlin 10/90 (Francia, 1990), de Robert Kramer, encierra al cineasta en una estancia durante una hora para convertirla en escenario de pensamiento, deriva y confesión política.
Retrospectiva de Heinz Emigholz: ensayos de arquitectura
Este ciclo propone una experiencia singular de encuentro entre cine y arquitectura, alejada de cualquier voluntad explicativa o didáctica. A través de películas como Dieste [Uruguay] (Alemania, 2017), Perret en Francia y Algeria (Alemania, 2012) o Parabeton – Pier Luigi Nervi y el hormigón romano (Alemania, 2012), Emigholz filma los edificios como cuerpos vivos, atendiendo a su materialidad, a la relación con el entorno y al paso del tiempo. Lejos de ilustrar teorías, estas películas convierten la arquitectura en una experiencia perceptiva y sensorial, donde el espacio se despliega como una forma de pensamiento en sí misma.
Colectivo Ciudades Reveladas
En colaboración con Intermediae, Cineteca Madrid ofrece una carta blanca al colectivo Ciudades Reveladas, comisariada por Khalil Esteban. El programa reúne películas del cine independiente latinoamericano que reflexionan sobre el habitar desde distintas escalas y contextos, con especial atención al edificio de viviendas como infraestructura social. A través de relatos situados en Brasil, Chile o Argentina, el ciclo plantea preguntas sobre la vida en común, la crisis habitacional, la pandemia y los modos de documentar lo cotidiano desde el cine. Destacan títulos como Diz a Ela que me Viu Chorar (Brasil, 2019) o Era o Hotel Cambridge (Brasil-Francia, 2015).
Foco especial a Juan Cavestany
Con motivo del estreno de Madrid, Ext. (España, 2025), Cineteca Madrid dedica un foco especial a Juan Cavestany, una de las miradas más singulares del cine español contemporáneo. El programa reúne obras que exploran la ciudad desde la intimidad, el humor y la observación radical de lo cotidiano.
Desde sus primeras piezas mínimas hasta sus retratos de Madrid durante y después del confinamiento, el conjunto traza un recorrido por las escalas de la ciudad, del individuo a la red urbana, y propone una forma libre y profundamente personal de filmar el espacio, destacando obras como El señor (España, 2012) o Madrid, Int. (España, 2020), que se proyectará por primera vez en la historia en sala de cine. Todas las sesiones estarán presentadas por el director madrileño.
Retrospectiva de Germaine Dulac: ¿qué es el cine?
Figura clave de la vanguardia francesa y pionera del cine como arte autónomo, Germaine Dulac protagoniza una amplia retrospectiva que recorre las múltiples facetas de su obra. Más allá de su vinculación al surrealismo, el programa reivindica su pensamiento cinematográfico, su compromiso político y su experimentación formal. Las sesiones incluyen piezas de vanguardia, trabajos vinculados a la cultura española, experimentos musicales y algunos de los primeros videoensayos de la historia del cine, ofreciendo un retrato complejo y necesario de una autora fundamental.
Destacan las proyecciones de La sonriente Madame Beudet (Francia, 1923) y La caracola y el clérigo (Francia, 1928). Este ciclo se celebra en paralelo a la exposición del Museu Tàpies de Barcelona titulada Germaine Dulac. Je n’ai plus rien, comisariada por Imma Merino e Imma Prieto, directora del museo, que presentará una de las sesiones de la retrospectiva.
CineZeta: tiempo muerto
Los sábados 17 y 31 de enero, el equipo de jóvenes programadores de CineZeta propone un espacio de descanso, juego y reflexión colectiva sobre el cine. Bajo el título ‘Tiempo muerto’, estas sesiones reúnen películas que cuestionan el uso del tiempo y las formas de hacer cine, explorando el ocio, la pausa y la reapropiación de imágenes. Un cine hecho desde la cercanía, el archivo y la comunidad, que reivindica otras maneras de mirar y compartir.
Cineteca en familia: ciudades imaginadas
La programación familiar de enero invita a recorrer ciudades animadas llenas de enigmas y aventuras. Desde Monstruos, S.A. (EE. UU., 2001) hasta Metrópolis de Osamu Tezuka (Japón, 2001), pasando por Un gato en París (Francia-Bélgica, 2010), el ciclo propone distintas formas de imaginar y habitar la ciudad: desde la urbe industrial de los monstruos hasta los laberintos futuristas o las calles nocturnas vistas desde los tejados.
La programación de enero se completa con estrenos recientes del cine español como: La ley de Sodoma (España, 2025), Os espazos en branco (España, 2023), Del susurro del tiempo (España, 2025) o Antes (España, 2020). No faltarán a su cita nuevas sesiones de los ciclos habituales de Cineteca como ‘Relatos del ruido’, ‘Confesionario’, ‘Ciclo DOCMA’ o ‘Foro CIMA’, además de una nueva entrega de ‘Imprescindibles TVE’, con la película Los Chichos: ni más ni menos (Paco Millán, España, 2025). /
A lo largo de 2026 y 2027 se desarrollará una completa programación alrededor de la figura del cineasta catalán, nacido en Figueres en 1927.
La iniciativa tiene como objetivo poner en valor la figura del director y de su legado e influencia en cineastas, artistas y movimientos sociales.
Más de sesenta instituciones nacionales e internacionales participarán en el programa, que incluirá proyecciones, exposiciones o seminarios, entre otras actividades.
El Ministerio de Cultura y la Generalitat de Catalunya han presentado hoy ‘Acción Portabella’ un programa de actividades, que se desarrollarán a lo largo de 2026 y 2027 para conmemorar el centenario del nacimiento del cineasta Pere Portabella, nacido en Figueres en 1927.
La iniciativa, a la que se han sumado una gran variedad de instituciones culturales catalanas, españolas e internacionales tiene el objetivo de difundir y poner en valor el trabajo artístico de Pere Portabella, su diálogo con la creación contemporánea y su propia contemporaneidad.
Durante el acto de presentación, celebrado hoy en Barcelona, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha destacado que “el centenario de Portabella no es solo una efeméride; es una invitación a volver a mirar el presente con sus ojos: con inquietud, con curiosidad, con una radical voluntad de libertad”. Y ha añadido que “’Acción Portabella’ no es un homenaje estático; es un gesto que se mueve, una energía que circula, una manera de estar en el mundo. Porque Portabella no ha sido nunca una figura del pasado; ha sido siempre un creador que trabaja desde el presente hacia el futuro”.
Por su parte, la consejera de Cultura de la Generalitat de Catalunya, Sònia Hernández, ha señalado que “Pere Portabella ha sido un motor de proyectos que atraviesan generaciones y fronteras, y que han contribuido decisivamente a situar el cine catalán en el mapa nacional e internacional”. La consejera ha destacado también que “su producción nos ofrece elementos para la reflexión sobre el poder, la memoria y las instituciones especialmente relevantes en un contexto como el actual en el que se ponen en entredicho los pilares de nuestra democracia”.
En el acto han participado también la directora de la Filmoteca, Valeria Camporesi, el director de la Filmoteca de Catalunya, Pablo La Parra, y el coordinador del programa de actividades, Jordi Balló.
Más de 60 iniciativas en entidades de todo el mundo
El programa provisional de ‘Acción Portabella’, presentado hoy en Barcelona, recoge las iniciativas de 62 entidades, de las cuales 20 son internacionales.
Entre ellas se encuentran centros de arte y cultura, festivales, filmotecas, laboratorios y fundaciones de pensamiento político y social, universidades, medios de comunicación, organismos de carácter transversal y colectivos de artistas. A lo largo de los próximos meses, se irán incorporando aquellas entidades que así lo soliciten, y sus actividades serán incorporadas a la web del proyecto. Cada entidad planteará sus propias actividades y estrategias, que serán recogidas en la web del centenario.
En la conmemoración ‘Acción Portabella’ tienen un peso destacado las Filmotecas Española y de Catalunya. La Filmoteca Española, desarrollará un rol activo en la internacionalización de la celebración, y acogerá un ciclo de obras y cineastas que el propio Portabella tuvo como referencia.
La Filmoteca de Cataluña, por su parte, ha sido una institución clave en la conservación, documentación y accesibilidad de su legado. Entre las actividades organizadas, estará una retrospectiva al cineasta, que se moverá entre las filmotecas y centros adscritos a la Federación Internacional de Archivos Cinematográficos (FIAF).
La Filmoteca de Andalucía organiza asimismo un ciclo de proyecciones en sus dos sedes, en Sevilla y Córdoba, contará con especialistas en la obra del artista.
El programa incluye una variedad de seminarios, ciclos de conferencias y propuesta expositivas en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, la Filmoteca de Catalunya, el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) o el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), entre otros.
Entre las entidades internacionales que colaboran en ‘Acción Portabella’ están la Cinemateca Portuguesa, el centro cinematográfico Eye Filmmuseum de Ámsterdam, el festival de cine canadiense Toronto International Film Festival, el museo MoMA de Nueva York, el Jeonju International Film Festival de Corea del Sur, y la bienal de arte Europalia, entre otras.
La web ‘Acción Portabella’
El espacio web, que se activará próximamente, albergará todas las actividades, iniciativas y participantes de esta conmemoración. Además, será un espacio en el que se podrá reunir el impacto que la obra de Portabella ha tenido y sigue teniendo en otros artistas, pensadores y activistas.
Esta web permitirá no solo informar sobre las actividades que tendrán lugar durante el programa, sino explorar el programa cultural y difundir el alcance relacional, vanguardista y contemporáneo de ‘Acción Portabella’.
Este programa presenta una selección de películas que iluminan la evolución de lo que hoy se reconoce como cine militante palestino. La proyección acompaña a la ponencia de Mohanad Yaquabi «Restaurar la solidaridad: the Tokyo Reels», en el marco de las Jornadas de Cine Militante y Archivos Fílmicos. Presentación a cargo de Amina Ferley (Elías Querejeta Zine Eskola, investigadora de Palestina, otro Vietnam).
Entre 1968 y 1982, cineastas diversos de todo el mundo dirigieron su mirada hacia la lucha palestina. Considerando aquel contexto un terreno fértil para la experimentación cinematográfica, llevaron al límite tanto las formas estéticas como las políticas mientras exploraban nuevas visiones de solidaridad global. Se examinan en este programa tres ejemplos de estas producciones (procedentes de tres continentes diferentes y basadas en estrategias y planteamientos cinematográficos diversos) que comparten un mismo objetivo: ofrecer al pueblo palestino una voz, una imagen y un archivo.
El alcance geográfico del programa se expande a medida que se incorporan mensajes procedentes de todo el mundo, conectando Palestina, otro Vietnam, de J. Giannoni, J. Denti, M. Generali y B. Scavuzzo, con Palestine to Japan, de T. Maki, a través de un enfoque militante compartido. Estas dos piezas se complementan con Cowboy, de Sami Al-Salamoni, que explora con precisión la compleja relación entre imagen y poder, y utiliza la mesa de montaje para subvertir esta dinámica. El resultado es un manifiesto anticapitalista y antiimperialista que subraya el vínculo indisociable con la lucha del pueblo palestino por su liberación.
Profundizando en las nociones de «ahora y entonces» y «aquí y allá», estas películas exponen las injusticias históricas que el pueblo palestino ha sufrido y contra las que sigue luchando. Una técnica clave en las tres obras es el uso de imágenes de archivo, que a menudo circulan entre diferentes cronologías, y así transforman la solidaridad de un simple eslogan en una práctica activa. Este enfoque revela una libertad cinematográfica en la expresión artística y un dominio extraordinario del tiempo y el espacio; una práctica que, por sí misma, encarna soberanía y libertad.
Palestina, otro Vietnam, Colectivo C3M – Cinema del Terzo Mondo, 1971, 16 mm, 22 min; Palestine to Japan, T. Maki, 1979, 16 mm, 20 min; Cowboy, Sami Al-Salamoni, 1973, 16 mm, 16 min.
Proyección en digital, VOSE.
Fecha: 30 enero 2026
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Desde el 24 de enero, nuevos estrenos cada mes para acercar al público de hoy propuestas del equipo editorial de Filmin que suelen estar fuera del radar habitual cuando hablamos de las películas clave de la historia del cine.
Filmin pone en marcha Filmin PICKS, un nuevo proyecto en el que la plataforma estrenará versiones remasterizadas de películas de todos los tiempos que, por distintos motivos, han quedado fuera del relato oficial de la historia del cine. A partir del 24 de enero y con nuevas entregas cada mes, Filmin PICKS reunirá una selección de títulos elegidos por el equipo editorial de Filmin, con el objetivo de proponer descubrimientos accesibles para todo tipo de espectadores: películas con grandes ideas narrativas, atmósferas potentes o argumentos que se ven hoy con total pertinencia. La primera entrega de Filmin PICKS se estrena este mes con cuatro títulos programados en dos fechas: 24 y 31 de enero.
Los primeros Filmin PICKS
El 24 de enero llegan dos sorprendentes clásicos del cine checoslovaco. “La bella y la bestia” (1978), dirigida por Juraj Herz, propone una reinterpretación de tono sombrío del célebre cuento: la hija de un mercader se adentra en el bosque en busca de ayuda y acaba retenida en el castillo de una criatura alada víctima de una maldición. Ese mismo día se incorpora “Happy End” (1967), de Oldřich Lipský, una comedia negra construida de fin a principio, como «Tenet» de Christopher Nolan, en la que un hombre “recupera” la vida tras la guillotina y relata su historia retrocediendo hacia los hechos previos a su ejecución.
El 31 de enero será el turno de dos thrillers futuristas. Por un lado, “Dark City” (1997), dirigida por Alex Proyas («El cuervo»),donde un hombre despierta sin memoria en un hotel, perseguido por una serie de asesinatos, mientras descubre una ciudad y unos habitantes que parecen poder alterarse durante la noche. Por otro, “El hombre terminal” (1974), dirigida por Mike Hodges y basada en la novela de Michael Crichton, con George Segal como un informático sometido a una intervención cerebral experimental para tratar sus convulsiones. Cuando el tratamiento falla, el conflicto se desplaza a un terreno tremendamente inquietante.
Vídeos editoriales y prescripción
Filmin PICKS se apoya en una idea central: recomendar es cuidar y ampliar la experiencia del espectador. La selección de cada mes nace del trabajo del equipo editorial de Filmin, capitaneado por Jaume Ripoll. Personas que visionan, revisitan y contextualizan películas para convertir el catálogo en un lugar que se recorre con criterio y se traduce en una propuesta clara: “aquí tienes clásicos como nunca los has visto, y aquí tienes los motivos por los que pueden encajar contigo hoy”.
Por eso, cada estreno de Filmin PICKS llegará acompañado por un vídeo de presentación a cargo de un miembro del equipo editorial (y, en algunas ocasiones, de invitados especiales). Piezas pensadas para abrir puertas: aportar contexto, señalar elementos concretos para entrar en la película y conectar esos hallazgos con una forma de ver cine más amplia, curiosa y compartida.
Filmin PICKS se suma así a la vocación de Filmin como plataforma de prescripción cultural, donde la curaduría humana y la comunidad (las recomendaciones, las colecciones y el acompañamiento editorial) ayudan a descubrir joyas alejadas del canon más repetido y a mirar el cine con más pasión.
La plataforma incorpora el 9 de enero a su catálogo los dos títulos con los que la gran pantalla capitalizó la fascinación en torno a la tonadillera: su debut cinematográfico, Yo soy esa, y la película inmediatamente posterior, El día que nací yo
FlixOlé incorpora a su catálogo las dos únicas películas protagonizadas por Isabel Pantoja, una de las figuras más influyentes y reconocibles de la cultura popular española. La plataforma revisita el paso de la tonadillera por la gran pantalla con el estreno en exclusiva, el próximo 9 de enero, de una versión restaurada de su debut, Yo soy esa (Luis Sanz, 1990), y del siguiente y último largometraje que rodó, El día que nací yo (Pedro Olea, 1991).
Además del valor cinematográfico que supone ver y escuchar al icono de la copla interpretando algunos de sus himnos más emblemáticos ante la cámara, ambos títulos se han convertido con el tiempo en documentos imprescindibles para comprender la fascinación social y mediática que despertó Isabel Pantoja, así como su profundo impacto e influencia en el panorama cultural. FlixOlé recupera así un acontecimiento audiovisual que trascendía lo puramente artístico y que generó una expectación sin precedentes, especialmente por la manera en que los personajes dialogaban, de forma directa o simbólica, con la propia biografía de la tonadillera.
Yo soy esa y El día que nací yo se incorporan a la colección ‘Nuestras Folclóricas’, una programación que recuerda a las grandes estrellas que popularizaron el cine musical español, desde los años 30 hasta finales del siglo XX. El especial propone un desfile de batas de cola y costumbres entonadas con acento cañí por figuras de la talla de Imperio Argentina, Estrellita Castro, Juanita Reina, Concha Piquer, Rocío Dúrcal, Lola Flores, Rocío Jurado, la propia Isabel Pantoja y Carmen Sevilla. Esta última protagonizará otro de los estrenos presentes en la nueva colección propuesta por FlixOlé: La bella de Cádiz (Raymond Bernard & Eusebio F. Ardavín, 1953).
Amor y pérdida en el debut cinematográfico de Isabel Pantoja
En un momento en el que la copla atravesaba sus horas bajas, Isabel Pantoja irrumpió con la fuerza de su voz y su personalidad arrolladora en la escena nacional de los 70 para revitalizar un género enraizado en el sentir de todo un país. La artista supo adaptar el cancionero tradicional a los tiempos modernos y se convirtió en un símbolo de la pasión por la copla, una figura que fue agrandando su leyenda con el paso de los años y que fue escuchada en longitudes y latitudes de todo el globo.
Su llegada al cine fue un proceso meditado. A finales de los 70 rechazó debutar en la gran pantalla de la mano de Pedro Masó en La Coquito (1977), al no aceptar las secuencias de desnudos que incluía el guion. Años después, aceptó protagonizar Yo soy esa, proyecto concebido expresamente para su lucimiento y producido por el cantautor Víctor Manuel, que quiso construir un vehículo cinematográfico a la altura de su fama.
En Yo soy esa, Isabel Pantoja interpreta un doble papel: por un lado, a Ana Montes, una consagrada artista cuyo marido (interpretado por José Coronado) se encuentra atrapado en una espiral ludópata y drogodependiente. La pareja acude al estreno del filme que ambos protagonizan, una historia que bien podría plasmar sus vidas tiempo atrás. La misma combina melodrama, numerosos episodios musicales –con interpretaciones de temas como «Se me enamora el alma», «Ojos verdes», «Como dos barquitos» y «Yo soy esa»– y una sugerente estructura de cine dentro del cine que, a su vez, se proyecta como homenaje al cine clásico de folclóricas.
Este juego entre Isabel Pantoja con Ana Montes y su otro alter ego en la gran pantalla, Carmen Torres, estuvo marcado por un contexto de enorme carga emocional y mediática: la reciente muerte de su esposo, el torero Francisco Rivera, ‘Paquirri’. La propia tonadillera admitió que el filme le ayudó a romper el “encierro” en el que se encontraba. La expectación por verla en la gran pantalla encarnando a un personaje atravesado por el dolor, el duelo y la superación, sumado a los espectáculos musicales y a la presencia magnética de Isabel Pantoja, hicieron de Yo soy esa un éxito de taquilla y un acontecimiento social que trascendió lo estrictamente cinematográfico.
El día que nací yo y otras joyas folclóricas
En la actualidad, la película conserva el testimonio en torno al fenómeno Isabel Pantoja, la capacidad de la copla para adaptarse a nuevos lenguajes y el modo en que cine, música y vida personal se fundieron en uno de los momentos más significativos de la cultura popular española reciente. El largometraje costó 300 millones de pesetas y recaudó más de 650 millones, cifras que animaron a Víctor Manuel a producir el segundo y último largometraje de la artista: El día que nací yo.
Este drama con pinceladas cómicas, dirigido por Pedro Olea y guionizado por Jaime de Armiñán, lleva a la tonadillera a interpretar a Juana Medina, una gitana que vende pescado en el mercado y los fines de semana canta en un tablao. Un profesor desterrado por razones políticas (Arturo Fernández) le propone que lo ayude a hacer un diccionario caló. Juana se siente atraída por el docente, pero también por un cura anarquista amigo de éste. La artista ayuda al religioso a huir del país cuando las autoridades franquistas intentan dar con él.
Destino y memoria bailan en este melodrama donde el papel de Isabel Pantoja adquiere un tono más trágico, complejo e intenso que su primer largometraje. La copla, más aflamencada, vuelve a ser vehículo de confesión, dolor y redención en esta propuesta con la que FlixOlé completa la colección ‘Nuestras Folclóricas’. Por medio de esta cuidada selección compuesta por una veintena de títulos se podrá disfrutar de musicales con las icónicas Imperio Argentina (Carmen la de Triana), Estrellita Castro (Mariquilla Terremoto y Torbellino), Concha Piquer (La Dolores), Sara Montiel (La violetera y El último cuplé), Marujita Díaz (La corista) y Lola Flores (La Faraona y El balcón de la luna), entre muchas otras.
Filmin estrena el 9 de enero la adaptación de la aclamada novela de Claire Keegan, tras pasar por el Festival de Berlín y los premios del cine irlandés.
Filmin estrena el próximo 9 de enero “Cosas pequeñas como estas” el drama irlandés protagonizado por Cillian Murphy (“Oppenheimer”, “Peaky Blinders”), quien también ejerce como productor junto a Matt Damon (“El indomable Will Hunting”, “Infiltrados”) y Ben Affleck (“Argo”, “Pearl Harbor”). La dirección corre a cargo de Tim Mielants, que ya había trabajado con Murphy en la tercera temporada de “Peaky Blinders”. La película fue presentada en la Sección Oficial del Festival de Berlín, donde Emily Watson (“Chernobyl”, “War Horse”) obtuvo el Oso de Plata a la mejor interpretación de reparto. Además, el filme fue ampliamente reconocido en los Irish Film & Television Awards, donde se alzó con los galardones a mejor película, mejor actor protagonista y mejor guion.
Ambientada en 1985, en los días previos a la Navidad, la historia se sitúa en un pequeño pueblo del condado de Wexford, Irlanda. Bill Furlong es un comerciante de carbón que lucha por sacar adelante a su familia: su esposa y sus cinco hijas. Durante una entrega matinal en el convento local, realiza un descubrimiento perturbador que le obliga a enfrentarse tanto a su propio pasado como al silencio colectivo de una comunidad profundamente marcada por el control moral de la Iglesia católica.
La adaptación de la novela
La película adapta la aclamada novela corta homónima de Claire Keegan, finalista del Booker Prize y ganadora del Orwell Prize de ficción política: “Lo que capté de la escritura de Claire es su minimalismo, y sentí que no había otra opción que convertirme en un observador silencioso”, explica Mielants. Esa contención se traduce en una puesta en escena que privilegia los primeros planos y la observación atenta: el protagonista aparece constantemente absorto en sus pensamientos, atravesado por oleadas de vulnerabilidad y contención, mirando y siendo mirado, pero nunca ausente.
El peso del filme descansa, en gran medida, sobre la interpretación de Murphy, a quien el propio Mielants define como “uno de los mejores actores del planeta”. El actor señala que el arco del protagonista funciona como el título de la película sugiere: una acumulación de pequeños gestos y decisiones aparentemente insignificantes que, poco a poco, revelan su verdadera dimensión moral.
Las lavanderías de la Magdalena
“Para prosperar en esta vida, hay cosas que hay que ignorar”. Así se lo dice Eileen, la firme y pragmática esposa de Bill, cuando percibe en él señales inquietantes de desasosiego. Esa frase condensa la tragedia moral de la Irlanda de los años ochenta y apunta directamente al sistema de silencio cómplice que permitió la existencia de las lavanderías de la Magdalena: instituciones católicas donde miles de mujeres consideradas “caídas” (madres solteras, víctimas de abuso, jóvenes abandonadas) fueron internadas y obligadas a trabajar en condiciones de explotación.
Mielants subraya que el verdadero drama reside en los puntos ciegos de la comunidad, sostenidos por la evasión, el miedo y una falsa inocencia colectiva. En ese contexto, Bill Furlong encarna una encrucijada moral: la posibilidad de romper el silencio o perpetuarlo.
Christian Petzold será el protagonista del Focus y Mia Hansen-Løve recibirá el Premio D’A 2026
El D’A – Festival de Cinema de Barcelona, que se celebrará del 19 al 29 de marzo de 2026, anucia el nombre de los primeros protagonistas de la 16.º edición del festival: Christian Petzold y Mia Hansen-Løve.
Focus D’A 2026: Christian Petzold
El Focus D’A 2026 estará dedicado al cineasta alemán Christian Petzold, que asistirá al festival para presentar una amplia retrospectiva de su obra – con numerosos títulos inéditos o inaccesibles actualmente y que podremos disfrutar en la gran pantalla de la Filmoteca de Catalunya -, así como el estreno en Cataluña de su último film, Miroirs No. 3. La película, presentada en el Festival de Cannes, está protagonizada por una magnífica b, colaboradora habitual del director en sus producciones más recientes.
La mirada sobre la Europa contemporánea de Christian Petzold, entre esperanzada y siempre a punto de derrumbarse, entre la promesa de futuro y la mirada a las catástrofes pasadas, ha adoptado formas de melodrama, fábula fantástica o relatos sociopolíticos fuera de toda norma. Su cine, heredero directo de la Escuela de Berlín, se caracteriza por una puesta en escena precisa y austera, y con personajes atrapados a menudo en espacios de tránsito. Un cineasta prolífico, seleccionado y premiado en festivales como Berlín (El cielo rojo, Ondina, En tránsito, Barbara, Yella), Venecia (Jerichow, The State I Am In) o San Sebastián (Phoenix), que se ha consolidado como una de las voces imprescindibles del cine europeo contemporáneo.
El Focus D’A 2026 se realiza con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya y el Goethe-Institut Barcelona
Premio D’A 2026: Mia Hansen-Løve
La directora francesa Mia Hansen-Løve, una de las más queridas del festival y que visitó en su primera edición para presentar Le père de mes enfants, será galardonada con el Premio D’A 2026. El premio reconoce la trayectoria de una cineasta independiente y personal, que recoge la tradición del cine francés de autor con su mirada siempre renovada y luminosa e historias arraigadas en sus vivencias o su entorno: su hermano en Edén, su primer productor en Le père de más enfants, ella misma en Un amour de jeunesse, el declive de su padre en Una bonita mañana.
Ganadora del Oso de Plata a la mejor dirección en la Berlinale 2016 por El porvenir y del premio especial del jurado de la sección Un Certain Regard de Cannes 2009 por su segundo filme, Le père de mes enfants, Mia Hansen-Løve visitará el D’A 2026 y en el marco del festival mantendrá un diálogo sobre su obra. Su visita a Barcelona será posible gracias a la colaboración entre el D’A – Festival de Cine de Barcelona, la Residència de Guions de la Acadèmia del Cinema Català (dirigida por Carla Simón), ECIB (Escuela de Cine de Barcelona), A Bao A Qu – Cinema en curs. Ciclo Compartir el cinema y la Filmoteca de Catalunya.
Mujeres de Surinam (Oema foe Sranan), At van Praag, 1978
Estas jornadas estarán dedicadas a profundizar sobre aquellas películas, experiencias y procesos cinematográficos que se han cuestionado cómo responder a las injusticias de su tiempo. Ante todo, este cine políticamente comprometido, históricamente contrainformativo y acompañante de las luchas colectivas, es un cine de invención y de transformación. Proponemos trazar un mapa de estas prácticas a lo largo del tiempo: desde México hasta Palestina, o de Uruguay a Cataluña, entre otros territorios. A su vez, al tratarse de archivos clandestinos, efímeros o inacabados, este cine también exige imaginar estrategias no tradicionales para su conservación, restauración y preservación. En un presente cada vez más violento y destructivo, nos preguntamos por el papel de las imágenes. ¿Cómo podemos seguir creando nuevas herramientas que sostengan no solo la memoria, sino también la energía y el fuego?
Jueves 29 de enero
10.30 h: Bienvenida y presentación del programa, Gloria Vilches (Xcèntric)
11.00 h:Documentar contra el borrado. Los caminos clandestinos de un cine comprometido. Diego Cepeda (programador y comisario de las jornadas)
Para aventurarnos en la difícil tarea que supone investigar, recuperar y proyectar el cine militante, quizás habría que comenzar hablando de lo que se ha perdido. A través de la proyección de fragmentos accesibles y otros aún clandestinos, descripciones en la prensa, fotografías, testimonios y búsquedas en archivos, intentaremos dar cuenta de una constelación de películas del Caribe que fueron censuradas y desaparecidas. Al mismo tiempo, propondremos formas de reconfigurar estas historias y estrategias ante la pérdida. Como dijo Apollinaire, habrá que perder, pero perder de verdad, para dejar sitio al hallazgo.
12.00 h: El proyecto inacabado del Tercer Cine como praxis experimental generalizada: pasado y presente del cine militante. Victor Guimarães (crítico de cine y programador)
Mucho antes de su secuestro culturalista por los académicos anglosajones, el Tercer Cine representó a la vez un proyecto utópico, una praxis revolucionaria y un laboratorio de invención de formas. Alrededor del año 1968, a lo largo de toda Latinoamérica y casi inmediatamente también en África, Asia y entre los sectores no alineados del Norte Global, el Tercer Cine trató de deshacer todos los cimientos de la práctica cinematográfica convencional para instalar un estado generalizado de experimentación, que va desde un desmantelamiento de las cámaras hasta la ruptura con los procesos normales de proyección. Se trataba de rechazar la división histórica entre las dos vanguardias (la blanca y la roja) para componer una doble afirmación: no hay cine militante sin experimentación formal; no hay cine experimental sin compromiso con el devenir colectivo. Sin embargo, más de medio siglo después, nuestra época parece enteramente reacia a ese espíritu. El horror invade nuestras pantallas diariamente y ninguna resistencia visual parece capaz de detener la marcha del genocidio: el vínculo entre imagen y acción se desvanece. Sin embargo, artistas y colectivos insisten en hacer películas. ¿Cómo podemos enfrentarnos a esa paradoja? La conferencia recupera el legado experimental del Tercer Cine para interrogar al cine militante contemporáneo. A partir de una fricción entre fragmentos del pasado y del presente, nos preguntamos: ¿qué formas tendrán los cines militantes por venir?
17.00 h: Imágenes insurgentes I: prácticas del cine militante y feminista en México. Karina Solórzano (programadora e investigadora especializada en cine mexicano)
Cámaras ligeras, rollos de súper-8 y materiales de archivo fueron las herramientas del cine militante en México, que, en palabras de Rosa Martha Fernández, una de las fundadoras del Colectivo Cine Mujer, entendía la imagen como «un instrumento de transformación de la realidad y concientización». El cine se convirtió en una forma de agitar la realidad, de intervenir en ella desde los márgenes. Además del Colectivo Cine Mujer, grupos como la Cooperativa de Cine Marginal y el Taller de Cine Octubre documentaron huelgas, movilizaciones campesinas y conflictos laborales. El trabajo que este cine realizó con el registro y el montaje fue singular en la época: un destello que reveló aquello que el cine industrial mantenía fuera de campo, una experiencia colectiva e irrepetible en la historia del país.
10.00 h: La Cinemateca del Tercer Mundo de Uruguay y la creación del escáner alternativo de LAPA. Isabel Wschebor (historiadora y especialista en archivos audiovisuales). Con introducción a cargo de Carolina Cappa (responsable del Departamento de Investigación de Elías Querejeta Zine Eskola)
Desde 2018, el Laboratorio de Preservación Audiovisual del Archivo General de la Universidad de la República Oriental de Uruguay (LAPA-AGU) trabaja en la recuperación de las películas militantes realizadas en los años previos al golpe de Estado de 1973. Durante décadas, gran parte de estos films (en especial aquellos producidos por colectivos como la Cinemateca del Tercer Mundo) permanecieron prácticamente inaccesibles debido a la censura y la dispersión de sus materiales. Para revertir este vacío, la investigación emprendió una búsqueda arqueológica en archivos privados, instituciones y colecciones dentro y fuera del país. Paralelamente, se puso en marcha su primer escáner de hardware y software libre, una herramienta decisiva para digitalizar materiales frágiles y reponerlos en el espacio digital. Una tercera línea de trabajo tomó forma a través del proyecto universitario «El cine uruguayo y la lucha contra la impunidad», que permitió activar una conversación en torno a cómo las actuales dificultades de acceso dialogan directamente con la historia de censura y persecución que las atravesó. Esta presentación recoge esa experiencia y abre nuevas preguntas: qué obras siguen ocultas, qué historias quedan pendientes y cómo se puede continuar restituyendo una memoria cinematográfica que fue silenciada.
12.00 h:Ensayo y error: una brevísima historia de la cultura cinematográfica militante en Cataluña. Pablo La Parra (director de la Filmoteca de Catalunya)
En los últimos años de la dictadura franquista y a lo largo de la Transición, Cataluña fue el epicentro de una nueva cultura cinematográfica militante en el Estado español. En un contexto marcado por la agitación social y la movilización política, la apropiación de pequeños formatos cinematográficos y la consolidación de redes clandestinas permitieron a una nueva generación de jóvenes crear estructuras que operaban al margen de cualquier marco industrial o legal. Lejos de premisas de excepcionalidad o mirada localista, esta presentación se aproxima a la cultura cinematográfica militante como una red de conexiones afectivas, estéticas y políticas que, en la ola revolucionaria global del «largo 68», conectaron la disidencia catalana con movimientos y circuitos transnacionales. A partir de la exploración de la colección de la Filmoteca de Catalunya y otros archivos internacionales, memorias orales e investigaciones recientes, nos detendremos en diferentes experiencias de distribución, exhibición y producción clandestinas o alegales, con el fin de iluminar algunas escenas clave de una cultura cinematográfica autogestionada y radicalmente independiente.
Conferencia ilustrada con la proyección de Viaje a la explotación (Colectivo Penta: Bartolomé Vilà, Mercè Conesa, Paco Luque, Francisco Moratalla, Paco Maria, 1974 ), VE, 19 min. Copia cortesía de la Filmoteca de Catalunya.
17.00 h: Restaurar la solidaridad: The Tokyo Reels. Mohanad Yaqubi (cineasta, productor, cofundador de Idioms Film y miembro de Subversive Film)
Escondida durante tres décadas en las afueras de Tokio, una colección de películas de 16 mm, realizadas entre 1964 y 1983 por cineastas árabes, japoneses y otros creadores internacionales, recaba la historia de la lucha palestina. El proceso de investigación y preservación de la colección, más allá de trazar el mapa de una red de solidaridad transnacional, ha querido dar forma a un «archivo imperfecto». Esta presentación explorará los retos de restaurar una serie de películas procedentes de personas o pueblos que están aún inmersos en su lucha, y pondrá de relieve las dificultades inherentes a la archivística en contextos revolucionarios. También examinará la importancia de preservar la memoria en el marco de atrocidades aún presentes, así como la relación directa entre el acto de restaurar filmes y el de restaurar la solidaridad.
19.00 h: proyecció «Miradas sobre Palestina.»Presentación a cargo de Amina Ferley (EQZE, restauradora de Palestina, otro Vietnam)
Esta serie sobre fútbol americano, que triunfó a principios de los 2000, catapultó las carreras de Kyle Chandler, Connie Britton, Jesse Plemons, Michael B. Jordan o Caleb Landry Jones.
El 16 de diciembre llega a Filmin la mítica serie deportiva de principios de los 2000 “Friday Night Lights”. La historia parte del libro homónimo de no ficción que Buzz Bissinger publicó en 1990, centrado en los Panthers, el equipo de fútbol americano de un instituto de Texas.
El creador y director Peter Berg, que antes de dar el salto a la serie había firmado el largometraje, desarrolló las cinco temporadas que se convirtieron en un éxito rotundo de público y crítica. Nominada a 13 premios Emmy, contó en su reparto con Kyle Chandler, Connie Britton, Jesse Plemons, Michael B. Jordan y Caleb Landry Jones.
La serie gira en torno a los habitantes de una pequeña ciudad tejana que viven el deporte como si fuera una religión. Para ellos no hay nada más importante que los Dillon Panthers, el equipo de fútbol americano del instituto de la ciudad. La historia se centra en el entrenador Eric Taylor (Kyle Chandler), su familia y todos los jugadores del equipo, tratando a través de ellos temas como el racismo, las desigualdades sociales, presiones y también romances.
El sueño americano
Dos décadas después de su estreno, “Friday Night Lights” sigue siendo una de las series más influyentes y relevantes de los últimos años. Fue pionera en muchos aspectos, tocando temas como las desigualdades económicas, el racismo o la presión en los atletas jóvenes. A raíz de esto, varias series se han inspirado en estas dinámicas, como pueden ser “This Is Us”, “Parenthood” o “All American”.
Según el público, ha sido una de las series que mejor ha representado la realidad de los deportistas americanos. Bessinger escribió el libro sobre el equipo real de Permian High School, en Texas, que no era de los más destacados, pero tras el libro se convirtió en un emblema del espíritu del fútbol americano en Estados Unidos.
La popularidad de la serie fue tal que tras el rumor de una posible cancelación de la serie, los fans se organizaron: Enviaron 2.500 mini balones de fútbol, bombillas (por el eslogan de la serie “keep the lights on” –mantén las luces encendidas– y gotas de colirio (por el tagline «clear eyes, full hearts, can’t lose” –ojos despejados, corazones llenos, no podemos perder–) a los estudios de la NBC. Consiguieron que la serie renovara por tres temporadas más y estas acciones entraron en el Top 7 campañas más exitosas de “Save the show”.
El debut de futuras estrellas
Aunque su elenco estaba formado por rostros prácticamente desconocidos, la serie terminó convirtiéndose en el testigo de los primeros pasos de algunos de de los actores más reconocidos del Hollywood actual.
Michael B. Jordan, por ejemplo, pasó de ser el nuevo quarterback de las últimas temporadas a un actor y director de primera línea al ser la cara principal de películas como «Creed», «Black Panther» o «Cuatro fantásticos». Jesse Plemons transformó al personaje de Landry en el punto de partida de una carrera de prestigio en cine y televisión, con títulos a sus espaldas como «Breaking Bad,» «Fargo», «Bugonia» o «Kinds of Kindness». El protagonista Kyle Chandler ha aparecido en más películas de renombre como «Manchester frente al mar» o «El lobo de Wall Street». Connie Britton ha continuado participando en series tan populares como «Nashville» o «The White Lotus». Y otro gran actor que ha salido de este reparto es Caleb Landry Jones, conocido ahora por títulos como «The Florida Project», «Get Out», «Breaking Bad» o «Twin Peaks». Podrás reconocer a estas y a muchas otras caras conocidas a lo largo de las cinco temporadas.
Desde el 3 de diciembre, se podrá consultar en PLATFO los 200 títulos del NO-DO correspondientes a 1943 y 1944, ya digitalizados en 4K
Lo ha anunciado el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, durante la inauguración de la exposición ‘NO-DO. El mundo de ayer. Imagen y propaganda del franquismo’La exposición recorre 32 años de NO-DO y reflexiona sobre su papel, desde su dimensión propagandística, hasta su valor como fuente histórica esencial
El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha anunciado hoy que los archivos del NO-DO están siendo digitalizados y serán de consulta pública en PLATFO, la plataforma de contenidos audiovisuales, pública y gratuita, del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Cultura.
En esta primera fase se han digitalizado en 4K más de 49.000 minutos de contenido, aproximadamente el 40% del fondo. Desde hoy ya pueden consultarse en PLATFO los noticiarios de los años 1943 y 1944, cerca de 200 títulos, con buscador avanzado, acompañados de un texto con contenido detallado y ficha histórica. PLATFO irá incorporando los noticiarios de años posteriores según avance el proceso de digitalización de los mismos.
Se trata del primer gran proyecto de digitalización del NO-DO, el noticiero creado en 1942, cuya primera emisión se realizó en 1943 y cuya proyección fue obligatoria en todos los cines de España hasta 1975.
El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha señalado que “hay un valor documental, de archivo, indiscutible en todo ese legado de imágenes, que es ya una pieza indispensable en la conformación del patrimonio audiovisual español”. Además, ha añadido que “tenemos que acudir al NO-DO para comprender la España que fue y la España que nunca se debe volver a repetir. Es, desde luego, un ejercicio de memoria colectiva, más necesario que nunca.”.
Exposición del NO-DO
Este anuncio se ha realizado en el marco de la inauguración de la exposición ‘NO-DO. El mundo de ayer. Imagen y propaganda del franquismo’, organizada por la Filmoteca Española, organismo dependiente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales del Ministerio de Cultura. Se trata de la primera muestra dedicada íntegramente al archivo de los Noticiarios y Documentales Cinematográficos.
A punto de cumplirse 45 años desde su desaparición, la exposición revisita uno de los archivos audiovisuales más importantes del siglo XX en España: un fondo esencial tanto por su valor documental como por su papel en la construcción de la memoria colectiva.
La muestra, que podrá visitarse gratuitamente hasta el próximo 26 de julio de 2026 en la sala de exposiciones de la Filmoteca Española en Madrid, ha sido comisariada por Rafael R. Tranche y Vicente Sánchez-Biosca. Contará con un servicio de visitas comentadas a partir del mes de enero.
Historia y memoria colectiva en un archivo único
Entre 1943 y 1975, el NO-DO fue de visión obligatoria y exclusiva en todos los cines del país. Nacido como herramienta de propaganda del régimen franquista, también fue durante décadas la principal fuente audiovisual de información para la ciudadanía. Con el paso del tiempo, sus imágenes se han convertido en un testimonio histórico de primer orden, donde se cruzan la mirada del régimen y los recuerdos de varias generaciones de espectadores.
Sus noticiarios, que recogían desde guerras y catástrofes hasta actos del régimen, deportes o curiosidades, se han convertido hoy en un valioso testimonio para reconstruir la vida de la época y en un archivo esencial de memoria colectiva.
El archivo fílmico y documental NO-DO es, junto al de la Escuela de Cine, el acervo de titularidad pública más completo que custodia Filmoteca Española. Esta institución desarrolla desde hace décadas trabajos de investigación, catalogación, conservación, restauración, digitalización y difusión de estos fondos con el objetivo de preservar y dar a conocer tanto las producciones audiovisuales conservadas, como la ingente y valiosísima documentación que generó.
La exposición invita a recorrer el universo NO-DO en varias direcciones: comprender el contexto de sus proyecciones como un espectador de época, aproximarse a su papel como cronista de la historia, conocer su funcionamiento como fábrica de noticias, y, por último, desvelar su capacidad como soporte de memoria.
Asimismo, el espacio ofrece una aproximación cronológica al Archivo Histórico NO-DO, desde su creación a la actualidad, al trabajo de conservación y difusión que en él se realiza, y el uso de sus fondos como fuente primaria de investigaciones científicas de distintas áreas.
Actividades complementarias
En paralelo, el Cine Doré acogerá un ciclo entre diciembre y julio recuperando la experiencia original de exhibición, proyectando los noticiarios como complemento previo a algunas películas, así como programando sesiones temáticas que permitirán reflexionar sobre “el mundo (en b/n, o gris) de ayer” y la actualidad.
La sesión inaugural será el 10 de diciembre con una triple proyección: la edición original de 1943, que presentó el primer NO-DO a los espectadores de la época; la edición conmemorativa del 25 aniversario en 1968; y la edición 1966B, un monográfico de los años 60 dirigido por Jaime Moreno, quien presentará la sesión junto a los comisarios de la exposición y del ciclo.
Este programa celebra la obra sensual, vibrante y lúdica de Marie Menken, una de las grandes creadoras del cine poético, cuya influencia fue decisiva para Kenneth Anger, Stan Brakhage o Jonas Mekas. Menken concibe el cine como un cuaderno de notas de asombros, ritmos extáticos, juegos e invenciones de formas a través del movimiento y la luz.
Sus películas, filmadas casi siempre con una cámara Bolex manejada a mano y con una ligereza coreográfica («el cuerpo eléctrico toma vida en una serie de pulsos e impulsos», según Brakhage), pintan, esculpen y tocan nuevos mundos perceptivos —en las flores de un jardín, las luces nocturnas, los azulejos de la Alhambra o el palpitar frenético de Nueva York—, e incorporan una gran variedad de recursos, diálogos con las artes y técnicas de animación como el collage o el stop-motion.
La sesión recorre la obra fundamental de Menken, desde su primera película hasta un conjunto de catorce piezas, tomando como punto de partida Notebook, para reflejar su carácter diarístico e íntimo, de exploración y reflejo de su sistema nervioso. Jonas Mekas: «Las canciones que solíamos cantar juntos hablaban de un jardín lleno de flores, de una niña que lo cuidaba. Las películas de Marie eran las flores de su jardín. Cuando estaba allí, abría su alma, con todos los deseos secretos y los sueños que contenía. Todas ellas son dulces, coloridas, perfectas y no demasiado voluminosas; todas ellas estaban hechas y atendidas con amor».
Marie Menken: Notebook, 1962, 10 min; Visual Variations on Noguchi, 1945, 4 min; Hurry! Hurry!, 1957, 4 min; Dwightiana, 1959, 4 min; Arabesque for Kenneth Anger, 1961, 4 min; Bagatelle for Willard Maas, 1961, 6 min; Glimpse of the Garden, 1957, 5 min; Lights, 1966, 6 min; Eye Music in Red Major, 1961, 5 min; Moonplay, 1964, 4 min; Mood Mondrian, 1965, 5 min; Sidewalks, 1966, 6 min; Excursion, 1968, 6 min; Go! Go! Go!, 1964, 11 min.
Proyección en 16 mm.
Copias procedentes de Filmmakers’ Coop.
Fecha: 8 febrero 2026
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
La programación anual incluye el ciclo ‘Cine y escuelas de cine’ organizado por el Festival de San Sebastián y Elías Querejeta Zine Eskola
El bono de cine y las entradas para las proyecciones de 2026 estarán a la venta a partir del 19 de diciembre.
Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2026, que dará comienzo el 8 de enero. Esta propuesta ha sido diseñada de manera conjunta por las entidades que programan en la pantalla compartida del centro: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.
El programa de 2026 mantendrá su objetivo de fomentar la diversidad de públicos en la sala de cine del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Para lograrlo, la programación reforzará el diálogo entre el cine y otras disciplinas, a través de ciclos temáticos que exploran las intersecciones entre cine y música, cine y arte, cine y literatura o cine y ciencia. Además, se incluyen programas desarrollados con la participación de la UPV/EHU y EQZE.
La programación de 2026 se inaugurará oficialmente con el proyecto Cine hablado, que busca promover el acercamiento directo entre cineastas, espectadoras y espectadores. La primera sesión tendrá lugar el 8 de enero y contará con la presencia de Alberto Gastesi, quien recientemente presentó su película Singular en la sección oficial del Festival de Sitges. La proyección de su filme comenzará a las 17:00, e irá seguida de una conferencia en la que Gastesi compartirá con el público el proceso de creación.
Laura Citarella, Zineb Sedira y Lucile Hadžihalilović
El primer gran ciclo de la temporada estará dedicado a la cineasta argentina Laura Citarella. Integrante de la destacada productora El Pampero Cine (junto a Mariano Llinás, Alejo Moguillansky y Agustín Mendilaharzu), Citarella ha dirigido cuatro largometrajes proyectados en festivales como Venecia o San Sebastián, y ha destacado en la producción de aclamados títulos como Historias extraordinarias y La flor.
La realizadora visitará Tabakalera el 15 de enero para presentar Trenque Lauquen (Zabaltegi-Tabakalera 2022) considerada la mejor película de 2023 por la revista especializada Cahiers du Cinéma. Durante su estancia, la directora impartirá clases en EQZE y ofrecerá un taller abierto al público en el Laboratorio de Cine y Audiovisual. Además, el 17 de enero se proyectará El affaire de Miu-miu, tras lo cual Citarella conversará con Lur Olaizola, coordinadora de cine de Tabakalera.
En febrero, la fotógrafa y videoartista feminista franco-argelina Zineb Sedira visitará el centro con motivo de la inauguración de la exposición que se le dedicará en la Sala de exposiciones. Coincidiendo con la muestra, se organizará un ciclo de centrado en cineastas de Argelia y Marruecos. La primera de estas sesiones, el 21 de febrero, contará con la presencia de la propia Zineb Sedira, quien presentará la película Festival panafricain d’Alger 1969, dirigida por el fotógrafo y cineasta William Klein.
Entre abril y junio, Lucile Hadžihalilović, reciente ganadora del Premio Zabaltegi-Tabakalera en el Festival de San Sebastián, protagonizará una retrospectiva organizada en colaboración con EQZE. El ciclo permitirá disfrutar de la totalidad de la filmografía de la directora francesa, quien también impartirá clases como profesora invitada en la escuela de cine.
Por tercer año consecutivo, los estudiantes de la UPV/EHU serán los encargados de programar la sala de cine una vez al mes. La tercera edición del ciclo Jóvenes en el cine comenzará el 22 de enero con el objetivo de abrir la pantalla a las preferencias del alumnado y generar nuevos públicos.
El ciclo que explora la relación entre cine y literatura dará comienzo el 29 de enero. La escritora Eider Rodríguez será la primera invitada, en una sesión dedicada al film Beau travail, de Claire Denis. Este ciclo mensual ofrecerá una proyección, subtitulada en euskera, acompañada de una presentación también en euskera a cargo de un escritor o escritora.
Por su parte, el ciclo Cine y Música regresará el 31 de enero con una sesión especial con el dúo Niña Coyote y Chico Tornado que, además, ofrecerá una charla sobre el proceso de creación de una banda sonora.
Nosferatu. Billy Wilder
El nuevo ciclo Nosferatu comenzará en Tabakalera el 14 de enero y estará dedicado a la figura del realizador centroeuropeo Billy Wilder, uno de los grandes nombres del cine mundial del siglo XX, con la proyección de Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses, 1950).
Organizado por Donostia Kultura y la Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – La Filmoteca, el ciclo se desarrollará entre enero y diciembre de 2026, e incluirá la proyección de 32 películas.
La programación ofrecerá un completo recorrido por la extraordinaria filmografía de Wilder. Explorará sus inicios como guionista en la Alemania de los años treinta, su ópera prima como director en Francia — Mauvaise graine (Curvas peligrosas,1933)— , y su etapa como guionista, ya en EEUU, para cineastas de la talla de Ernst Lubitsch, Mitchell Leisen o Howard Hawks culminando con su primera película en Hollywood, The Major and the Minor (El mayor y la menor, 1942).
El escritor y crítico de cine Luis Alegre será el coordinador del libro Billy Wilder. Anatomía de un genio, número 22 de la Colección Nosferatu, que se publicará en enero acompañando el inicio del ciclo. La publicación incluye entrevistas realizadas para la ocasión con Fernando Trueba y Joseph McBride. En otoño de 2026 se editará el nº 14 de la Nosferatu Bilduma, en euskera, escrito por el profesor y estudioso del cine Zigor Etxebeste sobre la figura de Wilder.
Cine y escuelas de cine
Zinemaldia + Plus, el programa con el que el Festival de San Sebastián participa en la pantalla compartida de Tabakalera, dedicará su programación de 2026 al tema ‘cine y escuelas de cine’.
En el año 2018, la Elías Querejeta Zine Eskola abrió sus puertas a la primera promoción de estudiantes de creación, comisariado y archivo. El Festival de San Sebastián que de forma histórica había atendido a la etapa formativa de la profesionalización (ese salto al vacío que sucede entre la escuela de cine al mundo profesional) con secciones como Nest, participó en su propia gestación y, desde su apertura, ha coorganizado, junto con la escuela de cine, multitud de proyectos que han sido transformadores para el certamen internacional donostiarra.
Con el objetivo de ver cómo el cine ha tratado la formación de sus propios cuadros técnicos y artísticos, este ciclo, que se propone, como no podía ser de otra manera, en coorganización con Elías Querejeta Zine Eskola, recoge una serie de películas que suceden en la escuela de cine, que registran ese periodo vital, pero también películas que nacen literalmente del trabajo en el aula, películas colectivas y películas que difuminan la barrera entre el estudiante y cineasta.
El ciclo programará: We Can’t Go Home Again de Nicholas Ray (1973), Todos vós sodes capitán, Oliver Laxe (2010), Don’t Expect Too Much, Susan Ray (2011), Le concours de Claire Simon (2016), Los mutantes de Gabriel Azorín (2016), The souvenir: Part II de Joanna Hogg (2021), A Night of Knowing Nothing de Payal Kapadia (2021) y Tú me abrasas de Matías Piñeiro (2024).
Novena edición de Cine y ciencia
Como ya es habitual, la Filmoteca Vasca inicia su año cinematográfico con una nueva edición (la novena) del ciclo Cine y Ciencia. Este programa está organizado conjuntamente con el Donostia International Physics Center (DIPC) y el Festival de San Sebastián.
El ciclo arrancará el día 9 de enero y, siguiendo la tradición, será presentado por el presidente del DIPC, Pedro Miguel Etxenike. Etxenike será el encargado de presentar la película inaugural: un clásico de la ciencia ficción, El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner, 1968). A través del lenguaje cinematográfico, este ciclo abordará diferentes disciplinas y problemáticas relacionadas con el mundo de la ciencia. El programa completo se dará a conocer próximamente.
La primavera de Filmoteca Vasca estará dedicada al cine vasco. Entre abril y junio se ofrecerán entre 10 y 12 sesiones que recogerán una pequeña parte de la producción vasca, tanto clásica como más reciente.
La celebración de tres importantes festivales de jazz en nuestro territorio (Vitoria-Gasteiz, San Sebastián, Getxo) convierte el mes de julio en el mes jazzístico vasco por excelencia, y la Filmoteca Vasca se une a esta fiesta musical y cinematográfica a través del ciclo Jazzinema, que cumple su primera década.
El otoño será el tiempo de los clásicos, con la tercera edición del ciclo Klasikoak, coorganizado con el Festival de San Sebastián. Se presentarán películas que han alcanzado la categoría de «clásicas» y que han sido recientemente restauradas. El Festival presentará las dos primeras entregas en septiembre, y la parte más extensa de Klasikoak se desarrollará entre octubre y diciembre.
Bono de cine 2026 y venta de entradas
El bono de cine de Tabakalera se renueva para 2026, y ofrecerá la entrada a 30 películas por 90€. Este bono es válido para las proyecciones de las instituciones socias de la pantalla compartida (Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera), a excepción de las programadas durante el Festival de San Sebastián 2026.
La compra del bono incluye, un año más, una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: el libro colectivo Dena egiteke dago, zinema tirokatu (coordinado por Iratxe Fresneda) o el libro en castellano Billy Wilder. Anatomía de un genio (coordinado por Luis Alegre).
El bono se podrá adquirir a partir del 19 de diciembre de 2025 a las 12:00 del mediodía, y la venta estará abierta hasta el 31 de enero de 2026 a las 12:00. Las compras y gestiones se podrán realizar tanto en la web de Tabakalera como en su Punto de Información. El consumo de las entradas del bono podrá realizarse desde el 1 de enero hasta el 31 de diciembre de 2026.
Simultáneamente, la venta de entradas ordinarias para las proyecciones de enero se abrirá en la misma fecha y hora (19 de diciembre de 2025 a las 12:00). La entrada ordinaria tendrá un coste de 4.5€. Este incremento de precio se verá compensado por la eliminación de los gastos de emisión por compra online. Los descuentos habituales seguirán aplicándose como hasta ahora.
Toda la información relacionada con el bono y la programación de enero se podrán consultar en la web de Tabakalera.
Caleb Landry Jones («Get Out») y Harry Melling («Pillion») protagonizan esta película con tintes de folk horror de la directora y productora griega conocida por «Attenberg» (2010). Estreno en Filmin el 28 de noviembre.
El próximo 28 de noviembre, Filmin estrena en exclusiva “Harvest”, el western con tintes de folk horror de la directora griega Athina Rachel Tsangari, productora habitual de Yorgos Lanthimos («Canino», «Alps») y de Richard Linklater («Antes del anochecer»). La película se estrenó en el Festival de Venecia, compitiendo por el León de Oro a la Mejor Película,y ganó el Premio Tops de la Crítica ACCEC en el Americana Film Fest. La historia está basada en la novela homónima de Jim Crace, nominada al Premio Booker en 2013 y editada en España por Hoja de Lata bajo el título «Cosecha». El reparto lo encabezan Caleb Landry Jones (“Tres anuncios en las afueras”, «Get Out»), Harry Melling (“Pillion”, «Harry Potter») y Frank Dillane (“Urchin”). Además, el film está producido por la ganadora del BAFTA Rebecca O’Brien, conocida por su trabajo junto a Ken Loach en la productora Sixteen Films.
«Harvest» narra la historia de una aldea rural aislada, de nombre y lugar indeterminados. Es época de cosecha y, a través de Walter (Caleb Landry Jones), vemos cómo cambia la comunidad con la llegada inesperada de tres personajes extraños: un cartógrafo, un inmigrante y un banquero. El caos se cierne definitivamente con el traspaso de las tierras del cercano señor Kent (Harry Melling), al desconocido señor Jordan (Frank Dillane). Una alegoría enigmática y brutal del capitalismo.
Crear comunidad
La directora, Athina Rachel Tsangari, es una de las mayores exponentes de la nueva ola del cine griego junto a Yorgos Lanthimos. Además de su faceta de productora, mencionada anteriormente, Rachel es conocida por sus anteriores filmes: «The Slow Business of Going» (2000), «Attenberg» (2010) y «Chevalier» (2015). En esta ocasión, su primera vez rodando en inglés, la cineasta ha conseguido juntar a un elenco de ensueño, con nombres tan reconocidos como Caleb Landry Jones (“The florida project”, “Drácula”), Harry Melling (“Harry Potter”, “Pillion”), Frank Dillane (“Harry Potter”, “Urchin”) y Rosy McEwen (“Blue Jean”, “Scarpetta”) a los que se unieron los aldeanos reales del pueblo escocés en el que rodaron, ya que abrieron un proceso de casting en la escuela local.
La simbiosis fue especial y orgánica, según cuenta la directora: “Fue una colaboración muy natural con todos, elenco y equipo como una sola unidad. Vivíamos juntos, trabajábamos juntos, nadábamos, recolectábamos, comíamos, bebíamos juntos. Estábamos forjando una comunidad entre nosotros mientras hacíamos una película sobre la muerte de una comunidad”.
Atemporal, ambigua, pero a la orden del día
Es difícil encasillar “Harvest” en un único género. Rodada en 16 mm y con luz natural, la película es una especie de espejismo: un lugar ambiguo, una época confusa, personajes existencialistas, nadie es ni bueno ni malo. La temática de la pérdida de la tierra y la comunidad es tan actual que Tsangari no quería especificar cuál era el tiempo o el lugar para no caer en ser simplemente una película de época. “Joslyn (guionista) y yo abordamos el guion como una historia moderna: está ocurriendo hoy y en todas partes. Estamos atrapados en este ciclo eterno de pérdida y exilio”, aclara la directora.
Ella lo describe como un western nihilista: “Es un western, pero en este sentido primordial. Normalmente tienes una comunidad invadida por algo, ya sea el mal, o el progreso, o el dinero, y el héroe suele salvar el día. A mí me interesaba un western nihilista donde el personaje forma parte de la comunidad pero, al mismo tiempo, es un forastero. Realmente no pertenece. Hay un desplazamiento en la historia. Luego, al final, toda la comunidad está siendo desplazada, igual que él. No hay redención para él”. Es, en definitiva, un viaje irreal y místico por el que simplemente hay que dejarse llevar.
Esta sesión celebra dos figuras esenciales de la vanguardia europea del siglo xx: Stefan y Franciszka Themerson, pioneros del cine experimental en la Polonia de entreguerras
Antes de que el fascismo arrasara Europa, los Themerson ya advertían, con imágenes radicales y poesía visual, la amenaza inminente de los autoritarismos que se cernían sobre el continente. Su obra más emblemática, Europa (1932), basada en el poema futurista homónimo de Anatol Stern, condensa las tensiones políticas, sociales y existenciales de su tiempo. Collage, animación, sobreimpresiones, escritura visual: cada técnica es convocada al servicio de un mensaje claro y urgente, antibélico, antitotalitario, visceral. Cine como grito. Cine como antídoto.
En la Varsovia de los años treinta, realizaron cinco cortometrajes experimentales: Pharmacy, Europa, Moment Musical, Short Circuit y The Adventures of a Good Citizen (1937), el último de los cuales fue el único film anterior a la guerra que sobrevivió a la devastación. Ya en Londres, durante la década de 1940, filmaron dos obras más: Calling Mr. Smith (1943), una pieza antibélica de diez minutos que denuncia la destrucción de la cultura polaca bajo el nazismo, y The Eye and the Ear (1944-45), una interpretación visual de cuatro canciones de Karol Szymanowski.
Su lenguaje cinematográfico se sustentaba en una investigación material rigurosa: el movimiento de luces y sombras sobre objetos, exploraciones nacidas de sus trabajos con fotogramas entre 1928 y 1935. Muchas de las imágenes fueron creadas sobre una mesa de trucos improvisada por Stefan: colocaba objetos diversos sobre papel translúcido, iluminados desde arriba y fotografiados cuadro a cuadro desde abajo, en una coreografía artesanal entre el azar y el cálculo.
La historia de los Themerson se fractura con la invasión nazi de Polonia en 1939. Los negativos originales de Europa se pierden entre bombardeos y saqueos. Él es reclutado por el ejército polaco en el exilio; ella encuentra en el dibujo y la ilustración un refugio íntimo y una forma de resistencia estética. Reunidos en Londres, reinventan su obra y su vida. El trauma del exilio dejó huellas profundas, pero nunca apagó su impulso creativo.
Durante décadas, Europa fue considerada una obra perdida. Hasta que, en 2019, un milagro de archivo la devolvió al mundo: una copia fue hallada en la Bundesarchiv alemana por el Instituto Pilecki. Restaurada por Fixafilm en Varsovia y con una nueva banda sonora compuesta por Lodewijk Muns, Europa regresa no solo como documento histórico, sino como gesto de supervivencia. Hoy, su visión cobra una potencia renovada. En sus formas fragmentadas, en sus cuerpos en negativo, no vemos solo una alerta contra los fascismos del pasado, sino una advertencia urgente para los presentes que habitamos.
Franciszka y Stefan Themerson: Europa, 1931, 35 mm, 12 min; The Adventures of a Good Citizen, 1937, 35 mm, 9 min; Calling Mr. Smith, 1943, 35 mm, 10 min; The Eye and the Ear, 1944, 35 mm, 10 min; Stefan + Franciszka, Tomasz Pobóg-Malinowski, 1974-75, 8 mm, 18 min.
Proyección en digital.
Copias procedentes de Lux, excepto Stefan + Franciszka, procedente de GV Art London.
Fecha: 19 febrero 2026
Horario: 19.00. No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Filmin refuerza su apuesta por las proyecciones en pantalla grande y llevará seis de sus próximos estrenos a Madrid, Málaga, Valencia, Gijón, Oviedo y Vigo, del 17 de noviembre al 22 de diciembre.
Filmin, en colaboración con Cine Yelmo, impulsa un ciclo de seis estrenos inéditos en pantalla grande («Harvest», «El silencio de Julie», «Un día con Peter Hujar», «La torre de hielo», «Incógnito» y «DJ Ahmet») del 17 de noviembre al 22 de diciembre, con pases simultáneos los lunes a las 20:00 en Madrid, Málaga, Valencia, Gijón, Oviedo y Vigo. La programación se complementará con actividades especiales itinerantes —presentaciones y coloquios— con la presencia de periodistas, críticos de cine y otras figuras del sector cultural como David Velduque, Paco Tomás, Violeta Kovacsics, Víctor Cinemaexcelsior, Jara Pérez Aitany,Jaime Pena o la directora de “La torre de hielo”, Lucile Hadzihalilovic.
Esta acción conjunta con Cine Yelmo consagra la apuesta de Filmin por las salas como espacio privilegiado de exhibición: una ventana complementaria a la plataforma que garantiza la experiencia de visionado en las mejores condiciones y estrecha la colaboración de Filmin con el sector de la exhibición.
Los títulos del ciclo
«Un día con Peter Hujar», de Ira Sachs
El ciclo reúne seis de los próximos estrenos de Filmin más destacados. «Harvest», de Athina Rachel Tsangari («Chevalier»), es un drama áspero, ambientado en una comunidad rural aislada y protagonizado por uno de los actores más prometedores del cine indie: Caleb Landry Jones. «El silencio de Julie», de Leonardo Van Dijl y producida por la tenista Naomi Osaka, llega tras un sólido recorrido en festivales internacionales y se enfoca en el deporte de élite y el silencio alrededor de los abusos sexuales. «Un día con Peter Hujar», de Ira Sachs («Passages»), propone una pieza de cámara en torno a la figura del fotógrafo neoyorquino, al que da vida el actor Ben Whishaw.
Completan la programación «La torre de hielo», de Lucile Hadzihalilovic, protagonizada por Marion Cotillard y ganadora del premio a la Mejor Película de la sección Zabaltegi-Tabakalera del Festival de San Sebastián; «Incógnito», de Carmen Emmi, un thriller de infiltración ambientado en el Nueva York de los 90 y premiado en Sundance; y «DJ Ahmet», de Georgi M. Unkovski, ganadora del Premio del Público y del Premio Especial del Jurado en Sundance 2025, una ópera prima que fusiona música electrónica y tradición en una aldea de Macedonia.
Proyecciones especiales
Las películas se proyectan simultáneamente en las seis ciudades todos los lunes a las 20:00. El siguiente calendario indica la sede que acoge la actividad especial (presentación, coloquio u otras acciones) cada semana:
17 de noviembre en Vigo: “Harvest” · Yelmo Vigo Travesía
24 de noviembre en Málaga: “El silencio de Julie” · Yelmo Vialia Málaga
1 de diciembre en Valencia: “Un día con Peter Hujar” · Yelmo Mercado de Campanar
8 de diciembre en Oviedo: “La torre de hielo” · Yelmo Los Prados
15 de diciembre en Madrid: “Incógnito” · Yelmo Ideal
22 de diciembre en Gijón: “DJ Ahmet” · Yelmo Ocimax Gijón
Entre los meses de noviembre tendrá lugar junto a Azkuna Zentroa, Círculo de Bellas Artes de Madrid, Filmoteca de Galicia, Filmoteca de Catalunya, y La Filmoteca de València un ciclo retrospectivo dedicado a uno de los periodos clave en la filmografía de Kiyoshi Kurosawa, uno de los grandes cineastas japoneses en activo.
Kiyoshi Kurosawa (Kobe, 1955) alcanzó la madurez como director a finales de la década de los 90, cuando protagonizó una explosión productiva. En esa época dirigiría los dos clásicos del cine de terror que le darían fama internacional, Curey Pulse/Kairo. Son películas fruto del cambio de milenio que se vieron beneficiadas por el boom global del J-Horror, pero que, en realidad, el director reconoce no haber creado desde la perspectiva de las reglas del género
En este ciclo recuperara siete títulos fundamentales de ese periodo de su filmografía que anticipa el cine que Kurosawa crearía en las siguientes décadas, películas en las que sorprende reconocer veinticinco años después temas y problemas que nos son muy cercanos: la incomunicación, el aislamiento y la falta de empatía que paradójicamente han potenciado las nuevas tecnologías, las crisis ecológicas, la viralidad, no solo pandémica, y, sobre todo, la soledad cada vez más presente en las sociedades contemporáneas.
Fechas y lugares:
Bilbao:
Fechas de proyección: Del 4 al 20 de noviembre de 2025.
Entradas: 5€ – 4€ con Tarjeta AZ. Martes, + 65 años: 3,5€ (venta solo en taquilla). Para la compra de entradas: taquillas de Cines Golem Alhóndiga y en golem.es.
Fechas de proyección: Del 18 de diciembre 2025 al 13 de enero de 2026.
Lugar: Filmoteca de Catalunya (Plaça Salvador Seguí, 1. 08001 Barcelona).
Entradas: 4 euros. Entrada reducida: 3 euros.
Más información en la web de Filmoteca de Catalunya (próximamente).
Valencia
Fechas de proyección: Enero 2026.
Lugar: La Filmoteca de Valencia (Plaza del Ayuntamiento, 17. 46002 Valencia).
Entradas: 2.5 euros. Entrada reducida: 1.5 euros.
Más información en la web de La Filmoteca de Valencia (próximamente).
Todas las películas se proyectarán en versión original en japonés con subtítulos en castellano, excepto en Coruña, donde se proyectará con subtítulos en gallego.
Películas y horarios de proyección:
Cure (Kyua / キュア, 1997). Color. 111 min. 35mm.
Intérpretes: : Kōji Yakusho, Tsuyoshi Ujiki, Ana Nakagawa, Masato Hagiwara.
El policía Takabe, interpretado por un magistral Kōji Yakusho, investiga unos extraños asesinatos. Las víctimas aparecen con una herida de arma blanca en forma de “x” y los culpables son personas totalmente normales sin ningún motivo para haber cometido el asesinato. Takabe empieza a sospechar que algo está influenciando a la gente para matar.
La primera obra maestra de Kiyoshi Kurosawa es, según Martin Scorsese, «su película más aterradora». Su control de la luz, el encuadre y el ritmo, hace que «el más mínimo gesto en una esquina del encuadre te provoque un escalofrío».
Azkuna Zentroa: martes 4 de noviembre a las 17:00h y jueves 6 de noviembre a las 19:30h.
Cine Estudio CBA Madrid: miércoles 26 de noviembre a las 19:30h.
Filmoteca de Galicia: martes 2 de diciembre a las 20:30h y miércoles 3 de diciembre a las 18:00h.
Filmoteca de Catalunya: Próximamente.
La Filmoteca de Valencia: Próximamente.
Serpent’s Path (Hebi no michi / 蛇の道, 1998). Color. 86 minutos. 35 mm.
Después de que su hija de 8 años sea raptada y asesinada, el yakuza Miyashita (Teruyaki Kagawa) busca venganza. A él se le une un misterioso personaje, Nijima (Sho Aikawa), con el fin de ayudarle.
Eyes of the Spider y Serpent’s Path conforman un díptico de thrillers noir que ponen de manifiesto los instintos más bajos del ser humano. Las dos parten de asesinatos infantiles para mostrar la atrocidad que se esconde en las almas heridas de sus padres.
Azkuna Zentroa: martes 18 de noviembre a las 19:30h y jueves 20 de noviembre a las 17:00h
Cine Estudio CBA Madrid: viernes 28 de noviembre a las 22:00h.
Filmoteca de Galicia: jueves 11 de diciembre a las 20:30h y viernes 12 de diciembre a las 18:00h.
Filmoteca de Catalunya: Próximamente.
La Filmoteca de Valencia: Próximamente.
Eyes of the Spider (Kumo no hitomi / 蜘蛛の瞳, 1998). Color. 84 minutos. 35mm.
Nijima es un oficinista que un día encuentra al responsable de la brutal violación y asesinato de su hija pequeña. Lo tortura y lo mata. Regresa a su vida normal sintiéndose apático y vacío, hasta que conoce a una banda de sicarios.
A Kiyoshi Kurosawa le ofrecieron hacer dos películas en dos semanas con muy poco presupuesto y aceptó el reto del que nacieron Eyes of the Spider y Serpent’s Path. En ambas películas de este “díptico de la venganza” Sho Aikawa interpreta a un personaje llamado Naomi Niijima, compartiendo ciertas similitudes además del nombre.
Azkuna Zentroa: martes 18 de noviembre a las 17:00h y jueves 20 de noviembre a las 19:30h
Cine Estudio CBA Madrid: sábado 29 de noviembre a las 19:30h.
Filmoteca de Galicia: jueves 11 de diciembre a las 18:00h y viernes 12 de diciembre a las 20:30h.
Filmoteca de Catalunya: Próximamente.
La Filmoteca de Valencia: Próximamente.
License to Live (Ningen gōkaku / ニンゲン合格, 1998). Color, 109 min. 35mm.
Tras diez años en coma por un accidente, Yuta, interpretado por un muy joven Hidetoshi Nishijima, despierta de pronto en un mundo totalmente distinto al que conocía. Desde su inocencia, trata de reconstruir los vínculos familiares y su propia vida, pero no es fácil entender que su existencia ha cambiado para siempre.
Kurosawa decidió hacer una película sobre la idea de familia, descubriendo durante el proceso que “una familia es una relación que nunca se rompe ni se recrea, sin embargo, dura de manera oscura como una ilusión con un destino determinado”.
Azkuna Zentroa: martes 4 de noviembre a las 19:30h y jueves 6 de noviembre a las 17:00h.
Cine Estudio CBA Madrid: jueves 27 de noviembre a las 19:30h.
Filmoteca de Galicia: viernes 5 de diciembre a las 20:30h y martes 9 de diciembre a las 18:00h.
Filmoteca de Catalunya: Próximamente.
La Filmoteca de Valencia: Próximamente.
Barren Illusion (Ôinaru gen’ei /大いなる幻影, 1999). Color. 94 min. 35mm
Los jóvenes Haru (productor musical) y Michi (trabajadora en una empresa de mensajería) intentan sobrellevar una relación amorosa en la sociedad distópica en la que viven. En ella, en medio de una crisis ecológica, los seres humanos son presa del hastío e incapaces de mostrar sus verdaderos sentimientos si no es por medio de la violencia, la locura y el odio.
Interesante punto de inflexión en su filmografía, además de ser una de sus películas más crípticas y surreales, Barren Illusion se ha considerado un ensayo de Bright Future (2003), al retratar ambas a una generación de jóvenes inadaptados..
Azkuna Zentroa: martes 11 de noviembre a las 17:00h.
Cine Estudio CBA Madrid: jueves 4 de diciembre a las 19:30h.
Filmoteca de Galicia: sábado 20 de diciembre a las 18:00h.
Filmoteca de Catalunya: Próximamente.
La Filmoteca de Valencia: Próximamente.
Charisma (Karisuma / カリスマ, 1999). Color, 104 min. 35mm Intérpretes: Kōji Yakusho, Hiroyuki Ikeuchi, Ren Osugi, Yoriko Douguchi. Tras una complicada intervención en el rescate de un político que tenía como rehén un demente, Yabuike, un detective fracasado interpretado por Kōji Yakusho, se adentra en el bosque, donde conocerá a unos personajes muy peculiares con los que debatirá el futuro de un extraño árbol de la zona. Kurosawa nos presenta a Yabuike como un perdedor que solo quiere tomar el papel de observador en una crisis ecológica surreal, posibilitando que sean las leyes de la naturaleza, incomprensibles, las que decidan el destino de esta extraña comunidad y, sin saberlo, de la humanidad. Azkuna Zentroa: jueves 13 de noviembre a las 19:00h. Cine Estudio CBA Madrid: viernes 5 de diciembre a las 22:00h. Filmoteca de Galicia: martes 16 de diciembre a las 20:30h. Filmoteca de Catalunya: Próximamente. La Filmoteca de Valencia: Próximamente.
Intérpretes: Joe Odagiri, Tadanobu Asano, Tatsuya Fuji, Marumi Shiraishi.
El enigmático Mamoru (Tadanobu Asano) vive solo con sus venenosas medusas de colores, que pican a todo aquel que se acerca demasiado. Yûji (Joe Odagiri), un joven emocionalmente inestable que trabaja en la misma fábrica se siente fascinado por Mamoru. Así que cuando este es arrestado, acusado de asesinar a su jefe, Yûji se encargará de las medusas y del padre de Mamoru, lo que le «abre sus ojos» al mundo real.
Una historia en la que Kurosawa presenta una reflexión acerca de la juventud y el futuro, protagonizada por Joe Odagiri y Tadanobu Asano, en un mundo donde las personas intentan compartir sus vidas aceptando que no pueden comprenderse completamente unas a otras..
Azkuna Zentroa: jueves 13 de noviembre a las 19:00h.
Cine Estudio CBA Madrid: miércoles 3 de diciembre a las 19:30h.
Filmoteca de Galicia: miércoles 17 de diciembre a las 18:00h.
Filmoteca de Catalunya: Próximamente.
La Filmoteca de Valencia: Próximamente.
Cloud (Kuroado / クラウド, 2024). Color. 122 min. Copia digital.
Kiyoshi Kurosawa regresó con esta historia al thriller criminal, en el que vuelve a partir de la intersección entre el mundo digital y el nuestro para abordar la violencia soterrada que impregna el día a día de las personas. En ella, un chico que se gana la vida revendiendo objetos a través de Internet, descubre que a veces los actos pueden tener consecuencias imprevistas… y letales.
Con Cloud, Kurosawa revista algunos de los temas que le han acompañado a lo largo de su carrera. En esta ocasión, señala al consumismo y al materialismo como una nueva manifestación del egoísmo que causa el horror.
Cine Estudio CBA Madrid: sábado 6 de diciembre a las 19:30h.
Filmoteca de Galicia: jueves 27 de noviembre a las 20:30h y viernes 28 de noviembre a las 18:00h.
Filmoteca de Catalunya: Próximamente.
La Filmoteca de Valencia: Próximamente.
Kiyoshi Kurosawa – La venganza de la soledad
Kiyoshi Kurosawa (Kobe, 1955) se inició en el rodaje de películas en 8 mm en los 80 durante sus estudios de sociología en la Universidad de Rikkyo bajo la tutela de una figura capital de la crítica y el cine japonés en las últimas cinco décadas, Shigehiko Hasumi. Durante esa década también dirigiría pequeñas producciones destinadas al mercado del vídeo y trabajaría como ayudante de directores como Shinji Sômai, quien seguramente influiría en uno los recursos más reconocibles del cine de Kurosawa, los largos planos secuencia desde un punto de vista distanciado. Una época de formación que probablemente también le aportaría la economía de medios y el tono realista de su cine.
Kurosawa alcanzaría la madurez como director a finales de la década de los 90, cuando protagonizó una explosión productiva dirigiendo quince largometrajes entre 1997 y 2002. En esa época dirigiría los dos clásicos del cine de terror que le darían fama internacional, Curey Pulse/Kairo. Son películas fruto del cambio de milenio que se vieron beneficiadas por el boom global del J-Horror, pero que, en realidad, el director reconoce no haber creado desde la perspectiva de las reglas del género a las que se asocian, que no le limitaron y que no tuvo en cuenta a la hora de hacer un cine que rebosa todas las etiquetas.
Al terror parece llegar por accidente intentando hacer un retrato psicológico del ser humano contemporáneo. Este retrato es también contemporáneo del final del milenio, que impregna, con su aviso de cambio de época y de amenaza del final de los tiempos, las películas de este periodo. Estas películas que nos permitieron descubrir la obra de un director diferente son las que recuperamos en nuestro ciclo.
Un periodo de su filmografía que anticipa además el cine que Kurosawa crearía en las siguientes décadas, películas en las que sorprende reconocer veinticinco años después temas y problemas que nos son muy cercanos: la incomunicación, el aislamiento y la falta de empatía que paradójicamente han potenciado las nuevas tecnologías, las crisis ecológicas, la viralidad, no solo pandémica, y, sobre todo, la soledad cada vez más presente en las sociedades contemporáneas. En su cine hay otro elemento común y reconocible, ante estas circunstancias, la violencia que explota después de estar agazapada tras una fachada de normalidad. Quizá una reacción entendida como venganza de la soledad con la que sus personajes abandonan cualquier responsabilidad que les oprima.
Con una mirada visionaria, Kurosawa parece haber reconocido estas tendencias en el cambio de milenio, y su curiosidad le lleva a investigar más sobre ellas y sobre unos personajes enfrentados a condiciones extremas, a escenarios que, en muchas ocasiones, son apocalípticos. Unos protagonistas que, sometidos al aislamiento y la incomunicación, son vulnerables al horror, al mismo tiempo que, por su ambigüedad moral, artífices de este.
Para este ciclo, hemos recuperado siete títulos fundamentales de esa parte de su filmografía, tan poco accesible hoy, en los que con su estilo sobrio y austero crea una atmósfera de incomodidad, situaciones surreales y una poesía apocalíptica con los que apela a los miedos colectivos más contemporáneos.
La selección arranca, como no podía ser de otro modo, con Cure (Kyua, 1997), una de las películas más inquietantes de las últimas décadas, protagonizada por Kōji Yakusho, amigo y alter ego del director ante la cámara. Yakusho también aparece en License to Live (Ningen gôkaku, 1998), una tragicomedia sobre la búsqueda de nuestro lugar en el mundo en la que comparte elenco con un jovencísimo Hidetoshi Nishijima (Drive My Car), y protagoniza Charisma (Karisuma, 1999), una surreal fábula ecológica. Entre medias, Kurosawa dirigiría Eyes of the Spider (Kumo no hitomi, 1998) y Serpent’s Path (Hebi no michi, 1998). Rodadas en dos semanas y con un limitadísimo presupuesto, estás dos películas se complementan y dialogan para completar su díptico sobre la venganza.
El ciclo continúa con películas alejadas completamente del thirller y el terror, pero en las que Kurosawa continúa experimentando con unos personajes al límite. Barren Illusion (Ôinaru gen’ei, 1999), quizá la película más criptica de la selección, nos traslada a un poético y melancólico fin del mundo. Y continuamos con Bright Future (Akarui mirai, 2002), una historia de liberación protagonizada por dos jóvenes personajes unidos por la rabia interpretados por Joe Odagiri y Tadanobu Asano.
Y para finalizar, recuperamos la última cinta dirigida por Kurosawa, CLOUD (2024) en la que el director muestra la vigencia, y su interés, en los temas que comenzó a tratar en ese periodo en el que se centra nuestro ciclo. Una película que reconecta y actualiza esa visión apocalíptica del aislamiento y el individualismo como consecuencia del mal uso de la tecnología.
La plataforma recorre en noviembre el paso de la dictadura a la democracia a través del cine con tres colecciones y una decena de estrenos que abordan el final del franquismo, el despertar democrático y la recuperación de la memoria histórica.
FlixOlé dedica su programación de noviembre a una de las etapas más determinantes de la historia reciente de España: la Transición. Por medio de tres colecciones y más de 50 películas, la plataforma ofrece una panorámica completa de un país que se desperezaba del franquismo en busca de libertad, explora las obras que dieron voz a quienes no la tuvieron durante la censura y reivindica la corriente que sentó las bases de la modernidad en el cine español en el tardofranquismo.
Coincidiendo con la conmemoración de la muerte de Franco y los 50 años del inicio democrático, FlixOlé presenta escalonadamente tres especiales: ‘La Tercera Vía’, que incorpora al catálogo seis películas de este movimiento que buscó revitalizar la estancada industria cinematográfica del país; ‘Cine de la Transición’, con obras emblemáticas como Tigres de papel (Fernando Colomo, 1977) y El proceso de Burgos (Imanol Uribe, 1979); y ‘Memoria Histórica’, colección con más de 20 títulos que abordaron sin ambages la Guerra Civil, los duros años de la posguerra y la represión franquista, entre los que se encuentra el documental sobre ‘La Pasionaria’: Dolores (José Luis Gª Sánchez y Andrés Linares, 1981).
Tigres de papel: retrato de toda una generación y el inicio de la comedia madrileña
El 20 de noviembre de 1975 marcó el final de la dictadura y el comienzo de un nuevo periodo que condujo a España a la democracia. La conquista de la libertad trajo consigo una profunda transformación social, política y cultural que el cine reflejó. En este contexto, un bisoño Fernando Colomo captó en su ópera prima, Tigres de papel (1977), las tensiones de una ciudadanía que trataba de encontrarse a sí misma.
Protagonizada por Carmen Maura, Miguel Arribas y Joaquín Hinojosa, la película sitúa al espectador en las primeras elecciones generales de España en 1977. En ésta, una pareja con un hijo en común pregona el amor libre, los debates se resuelven bajo el humo de los porros y las convicciones políticas se demuestran empapelando las paredes. Tirando de naturalidad y humor irónico, Tigres de papelplasmó el entusiasmo y contradicciones que caracterizaron los primeros años de la democracia. Aunque Colomo planteó su testimonio como un drama, el filme despertó la carcajada del público y apadrinó una nueva tendencia cinematográfica: la comedia madrileña.
El largometraje fue un ejemplo de la explosión creativa que surgió con el fin de la dictadura y la censura. De este impulso nacieron obras que abordaron los tabúes que la sociedad aún arrastraba. Así, títulos como Ocaña, retrato intermitente (Ventura Pons, 1978), Vestida de azul (Antonio Giménez Rico, 1983) o La muerte de Mikel (Imanol Uribe, 1984) exploraron sin tapujos la diversidad sexual y la identidad; mientras que películas como Función de noche (Josefina Molina, 1981) o El desencanto (Jaime Chávarri, 1976) pusieron frente al espejo las heridas familiares, la represión y las moralinas heredadas del franquismo.
El cine también se atrevió a mirar de frente el terrorismo, como muestran Operación Ogro (Gillo Pontecorvo, 1979) y, especialmente, El proceso de Burgos (1979). El cineasta Imanol Uribe construyó en este último un exhaustivo informe de los 16 militantes de ETA que fueron enjuiciados en Burgos por la muerte del comisario Melitón Manzanas. Se podrá ver en exclusiva en FlixOlé dentro de la colección ‘Cine de la Transición’, disponible a partir del 14 de noviembre. Esta recopilación reúne todas las citadas películas, las cuales actuaron como termómetro de los cambios sociales y reflejaron las ilusiones y conflictos de un país en plena metamorfosis.
Cuando el cine comercial y autoral se unieron en ‘La Tercera Vía’
Una semana antes del especial ‘Cine de la Transición’, FlixOlé dedicará una colección al movimiento que José Luis Dibildos, desde su productora Ágata Films, promovió como una “salida digna” para un cine español que, a comienzos de los años 70, se encontraba en crisis. Sin productoras que impulsaran proyectos, con la censura aún activa y el público alejándose de las salas, el sector buscaba reinventarse. En medio de aquel panorama, Dibildos propuso un modelo intermedio: ‘La Tercera Vía’.
A esta corriente, atractiva en lo industrial y ambiciosa en cuanto a calidad técnica y narrativa, FlixOlé le rinde homenaje con una colección disponible a partir del 7 de noviembre, que incluirá estrenos como Libertad provisional (Roberto Bodegas, 1976) y Mi mujer es muy decente, dentro de lo que cabe (Antonio Drove, 1975). Ambos títulos se suman a las películas fundacionales del movimiento, como Españolas en París (Roberto Bodegas, 1971), Los nuevos españoles (Roberto Bodegas, 1974) y Tocata y fuga de Lolita (Antonio Drove, 1974), además de Hasta que el matrimonio nos separe (Pedro Lazaga, 1977), que abordaron con inteligencia y humor temas como la emigración, el machismo, el contraste generacional o el divorcio.
Entre la reflexión social y el entretenimiento, ‘La Tercera Vía’ se anticipó al espíritu de la Transición y dejó un legado que aún pervive en títulos ya disponibles en la plataforma: Asignatura pendiente (José Luis Garci, 1977), Viva la clase media (José Mª González Sinde, 1980), Mi querida señorita (Jaime de Armiñán, 1972) o Adiós, cigüeña, adiós (Manuel Summers, 1971).
La cámara de los silenciados, ‘Memoria Histórica’
FlixOlé concluirá el 21 de noviembre su homenaje a la Transición apelando a las películas que contribuyeron a recuperar la memoria colectiva y a dar voz a quienes fueron silenciados. En dicha fecha, la plataforma estrenará Dolores (José Luis García Sánchez y Andrés Linares, 1981), documental sobre la figura de ‘La Pasionaria’ que funde los testimonios de la propia Dolores Ibárruri con material de archivo.
Junto a este estreno, FlixOlé ofrecerá una selección de títulos que, desde distintas miradas, reconstruyen episodios negros de la historia española, reflexionan sobre los traumas de la Guerra Civil y contribuyen a recordar a las víctimas del silencio: Las 13 rosas (Emilio Martínez-Lázaro, 2007), ¡Ay, Carmela! (Carlos Saura, 1990), El corazón del bosque (Manuel Gutiérrez Aragón, 1979), La noche más larga (José Luis García Sánchez, 1991), Soldados de Salamina (David Trueba, 2003), Para que no me olvides (Patricia Ferreira, 2005), Los girasoles ciegos (José Luis Cuerda, 2008) y Dragon Rapide (Jaime Camino, 1986).
Cincuenta años después de su muerte, un programa especial recuerda al poeta, cineasta y pensador con Teorema y El Evangelio según San Mateo
El ciclo ‘Futuros raros’ examina, desde la ficción, el ensayo y el documental, los imaginarios tecnológicos y sociales de nuestro presente
‘Cineteca en familia’ redescubre los mundos animados de Ub Iwerks, pionero del dibujo moderno y creador de Mickey Mouse
‘Linterna’, el ciclo mensual comisariado por Brays Efe y Miguel Agnes, rescata La oreja, obra maestra del miedo y el control firmada por Karel Kachyňa
Cineteca Madrid acoge las nuevas ediciones de Cine por Mujeres Madrid, QueerCineMad, RIZOMA y Márgenes, cuatro de los festivales más representativos del otoño madrileño
Continúan las proyecciones de la retrospectiva dedicada al cineasta chileno Raúl Ruiz
Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, dedica el mes de noviembre a las poéticas del futuro y de la memoria. En el cincuenta aniversario de la muerte del cineasta italiano Pier Paolo Pasolini, su cine vuelve a la pantalla como territorio de revelación y combate; junto a él, el ciclo ‘Futuros raros’ explora las ficciones tecnológicas que modelan nuestro presente desde la ironía y la inquietud.
La programación se completa con un homenaje al pionero de la animación Ub Iwerks; el regreso del programa mensual comisariado por Brays Efe y Miguel Agnes, ‘Linterna’, con la inquietante La oreja de Karel Kachyňa, y la celebración de algunos de los festivales más destacados del otoño madrileño. Un mes para pensar el cine como memoria activa y como laboratorio de futuros posibles.
Eterno Pasolini
El 2 de noviembre de 1975, el cuerpo de Pier Paolo Pasolini fue hallado en la playa de Ostia. Poeta, narrador, ensayista y cineasta, Pasolini convirtió el cine en un acto de insurrección moral, un espacio donde lo sagrado y lo político, lo popular y lo erudito convivían con una honestidad sin concesiones.
Cineteca Madrid conmemora el 50º aniversario de su muerte con dos sesiones especiales dedicadas a su obra y su memoria: Teorema (Italia, 1968), parábola sobre la irrupción del deseo y la fe en la vida burguesa, y El Evangelio según San Mateo (Italia, 1964), lectura humanista y radical de los textos bíblicos, acompañada del cortometraje Funeral de Pier Paolo Pasolini (Italia, 1975). Dos miradas complementarias de un creador que hizo de la contradicción una forma de verdad.
Futuros raros en el cine
El ciclo ‘Futuros raros’, comisariado por Bani Brusadin y la artista e investigadora Solveig Qu Suess y organizado en colaboración con Medialab Matadero, reúne una selección internacional de películas, ensayos y piezas de no ficción que interrogan las representaciones tecnológicas del presente y los escenarios de futuro. Entre la especulación y la sátira, estas obras retratan un mundo donde la vigilancia, el control algorítmico y la precariedad se han vuelto la norma.
Organizado en el marco del programa LAB 4 de Medialab Matadero, el ciclo propone una constelación de relatos sobre la incertidumbre contemporánea. Obras como Fresh Kill (Shu Lea Cheang, EE. UU., 1994), The Seasteaders (Jacob Hurwitz-Goodman y Daniel Keller, EE. UU., 2018) o Everything But The World (Lauren Boyle, EE. UU., 2021) se combinan con cortos recientes de artistas como Silvia Dal Dosso, Rouzbeh Akhbari o Ayoung Kim, componiendo un mosaico entre la distopía, el absurdo y la crítica política.
Completan el ciclo las proyecciones: Rola Rolls (eobchae, Corea del Sur, 2024), Welcome to Jankspace, Babes (Daniel Felstead, Jenn Leung, Reino Unido, 2025), CODEX ENTROPIA (Richard Pell, EEUU, 2020), Random Access (Zike He, China, 2023), y Never Rest/Unrest (Tiffany Sia, Hong Kong, 2020).
‘Cineteca en familia’: los mundos animados de Ub Iwerks
El ciclo familiar de noviembre rinde homenaje a Ub Iwerks (1901–1970), pionero de la animación moderna, cofundador de los estudios Disney y creador del diseño definitivo de Mickey Mouse. Inquieto e inventivo, Iwerks fundó su propio estudio en los años 30 y desarrolló la serie ComiColor Cartoons, coloridos cortometrajes inspirados en cuentos y fábulas tradicionales.
Los domingos 16 y 30 de noviembre, a las 12:00 horas, Cineteca presenta dos programas integrales que recuperan estas joyas restauradas en Cinecolor, con música original de Carl Stalling, compositor de Looney Tunes. Fantasía, humor y técnica se combinan en unas piezas que revelan el talento de un visionario del cine de animación.
Ciclo ‘Linterna’, episodio 3: La oreja
En el tercer episodio de ‘Linterna’, el programa comisariado por Brays Efe y Miguel Agnes, se proyecta La oreja (Checoslovaquia, 1969), del cineasta checoslovaco Karel Kachyňa. Prohibida por el régimen tras su estreno, esta obra maestra del cine político europeo convierte una noche de paranoia conyugal en una alegoría sobre la vigilancia y el miedo. Entre el thriller psicológico y el drama íntimo, la película despliega una atmósfera asfixiante donde la desconfianza se convierte en metáfora del poder.
Mes de festivales en Cineteca
Noviembre es, una vez más, el mes de los grandes festivales en Cineteca Madrid. El centro acoge la VIII edición de Cine por Mujeres Madrid (del 4 al 9 de noviembre), el 30º Festival QueerCineMad (del 11 al 16), la 13ª edición de RIZOMA Festival Internacional de Cine & Cultura Entrelazada (del 18 al 23) y el 15º Festival Márgenes (del 25 al 30). Cuatro citas imprescindibles que consolidan el papel de Cineteca Madrid como punto de encuentro del cine independiente y contemporáneo.
Ciclos habituales y nuevas entregas de la retrospectiva sobre Raúl Ruiz
Este mes, ‘Relatos del ruido’ rinde homenaje al músico y programador Javier Piñango (1962–2025) y el ciclo ‘Así son las cosas’ presenta De memoria (de Amaya Hernández, Julia Martos y Florencia Rojas). Además, continúa la retrospectiva dedicada al cineasta chileno Raúl Ruiz, con títulos como Tres tristes tigres (Chile, 1968), La hipótesis del cuadro robado (Francia, 1979) o Misterios de Lisboa (Portugal-Francia, 2010). /
Filmin estrena el 7 de noviembre un documental que expone el grooming, el racismo y la violencia sexual en Roblox, la plataforma de juegos online donde 70 millones de menores crean y comparten mundos virtuales a diario sin regulación suficiente.
Filmin estrena el próximo viernes 7 de noviembre en exclusiva el documental «Juegos peligrosos: Roblox y el Metaverso», dirigido por la cineasta canadiense Ann Shin («My Enemy, My Brother»). La película sigue a tres jóvenes activistas—Alex, Janae y Katie—en una investigación sobre los peligros ocultos de Roblox, la plataforma de juegos online donde juegan diariamente millones de menores de edad.
Estas tres jóvenes gamers encarnan una historia paradójica pero profundamente humana: en el universo gamer, tradicionalmente, las chicas son vejadas, insultadas y menospreciadas. Pero Alex, Janae y Katie, en lugar de abandonar los espacios que las rechazan, se adentran en ellos para investigar y exponer el grooming, el racismo, la misoginia y la explotación sexual infantil que ocurren sin regulación en Roblox. Su trabajo documental revela una verdad incómoda: aunque la plataforma fue diseñada como un espacio seguro para niños, son sus usuarios más activos y comprometidos quienes, de facto, tienen que convertirse en guardianes de la seguridad que la plataforma no garantiza.
Cinco cosas que debes saber de Roblox
Comúnmente comparada con Minecraft, Roblox es una plataforma de creación de mundos virtuales donde millones de desarrolladores crean experiencias simultáneas y sociales. Roblox se describe a sí misma como «el mayor sistema de creación de imaginación en 3D»—es decir, no es un simple juego sino una plataforma donde creadores de todas las edades desarrollan juegos, experiencias sociales, y comunidades.
Roblox tiene 380 millones de usuarios activos mensuales frente a los 193-225 millones de Minecraft, consolidándose como la plataforma más popular actualmente. El 39% de usuarios de Roblox tiene 13 años o menos.
Los depredadores sexuales contactan a menores en Roblox pero trasladan las conversaciones a Discord, una aplicación de chat con escasa moderación. Sin regulación efectiva, comparten contenido sexual explícito y organizan encuentros con ellos. Roblox ha detectado y reportado 23.000 incidentes potencialmente dañinos al National Center for Missing and Exploited Children solo en 2025, aunque algunos investigadores advierten que esta cifra subestima el verdadero alcance del problema.
Janae, una de las protagonistas del documental, experimentó que en Minecraft, su avatar de raza negra era «matado» inmediatamente por otros jugadores, pero cuando lo cambió a blanco, los ataques cesaron. Esta vivencia la inspiró a fundar Black Minecraft. El 27% de gamers reporta racismo regularmente en entornos online. En Roblox, aunque se prohíbe la discriminación, el racismo prospera gracias a las comunicaciones sin filtro.
En Estados Unidos parece que han empezado a tomarse estas cosas en serio. En mayo de 2025, el Congreso reintrodujo el Kids Online Safety Act (KOSA), una ley de protección infantil que busca regular cómo las grandes plataformas digitales protegen a los menores de edad: limitar la comunicación entre adultos y menores, permitir a menores y padres eliminar cuentas y datos personales fácilmente, y publicar reportes anuales de transparencia sobre casos de explotación y daño a menores.
El caso Dr. Rofatnik
El documental se articula alrededor del caso de Arnold Castillo, conocido en Roblox como «Doctor Rofatnik», un depredador sexual que operaba bajo múltiples identidades falsas.Katie, una de las protagonistas de la película, fue una de sus víctimas. Castillo creó un avatar majestuoso (sombrero blanco, corbata roja, pin de bandera estadounidense) para parecer influyente, cuando en realidad era un hombre que vivía con su madre en Nueva Jersey. Se hizo popular creando un juego falso de Sonic (sin la autorización de Sega) en Roblox y afirmaba tener adolescentes trabajando para él, lo que usaba como cobertura para acosarles bajo el pretexto de ser su mentor.
En 2021, Castillo contactó a una adolescente de 15 años de Indiana a través de Roblox, la cortejó con regalos, le envió dinero para que escapara de casa, y durante ocho días la violó múltiples veces. Lo que permitió su captura fue que grupos de adolescentes activistas compilaron evidencias de su comportamiento depredador meses antes y advirtieron a la comunidad. El FBI lo arrestó en agosto de 2020. Castillo se confesó culpable y fue condenado a 15 años de prisión federal.
La plataforma estrena el 31 de octubre una colección dedicada al mítico actor y director del género con títulos esenciales de su filmografía
Este Halloween, FlixOlé invoca a los monstruos más célebres del cine español bajo un mismo nombre: Paul Naschy –alter ego de Jacinto Molina en la gran pantalla–. El viernes 31 de octubre, la plataforma estrena una colección dedicada a este maestro del fantaterror, figura esencial en la historia del género fantástico europeo y símbolo de una época en la que España exportó pesadillas, leyendas y criaturas con sello propio.
El especial incluye nuevos títulos de Paul Naschy en el catálogo de FlixOlé, que se adentra en la peluda piel de Waldemar Daninsky en La furia del hombre lobo (José Mª Zabalza, 1972) y en La maldición de la bestia (Miguel Iglesias, 1975); revive su interpretación de Igor en La orgía de los muertos (José Luis Merino, 1973) y reivindica la trayectoria de Molina como director con su obra más personal, El caminante (1979).
Con motivo de la velada que precederá al Día de Todos los Santos, la plataforma también incorpora dos documentales ligados al género de terror, ambos dirigidos por Víctor Matellano: ¡Zarpazos! (2013) y Mi adorado Monster (2021).
Paul Naschy, mito del fantaterror
Fascinado desde pequeño por los clásicos de la Universal, Jacinto Molina decidió dejar su marca dentro del terror audiovisual y demostró que el cine español también podía tener sus monstruos. Ya fuese en su faceta de actor, guionista o director, contribuyó a crear un completo bestiario, siendo el hombre lobo la criatura que le otorgó un lugar de honor entre los grandes iconos del género con la saga protagonizada por Waldemar Daninsky.
Dicho mito nació con La marca del hombre lobo (Enrique L. Eguiluz, 1968), primer gran éxito en la carrera del actor. Esta combinación de horror gótico, erotismo y fantasía engendró una longeva serie que se convirtió en un fenómeno internacional del que surgieron una decena de filmes. Entre ellos, los estrenos de FlixOlé: La furia del hombre lobo, entrega que contribuyó a configurar el sentido trágico del personaje por medio de traiciones y romances truncados; y La maldición de la bestia, largometraje con toques de aventura que enfrentó al legendario licántropo con el yeti.
Pero Naschy fue mucho más que un intérprete de criaturas sobrenaturales y, desde uno y otro lado de la cámara reinventó el género desde una identidad profundamente española. En su rol de director mostró predilección por el terror medieval. Dos años después de su ópera prima, Inquisición(1977), estrenó su película más ambiciosa: El caminante. Con claros guiños al Lazarillo de Tormes y a La Celestina escenificó las artes del demonio para corromper, engañar y seducir a los hombres. Para ello, el mismo actor dio vida al diablo, encarnado en un peregrino que vaga por la tierra robando, asesinando y entregándose a las más bajas pasiones.
Además de los citados títulos, FlixOlé resucita en su colección ‘Paul Naschy, mito del fantaterror’, otras obras con los que el poliédrico artista manifestó su inagotable versatilidad y su obsesión por los mitos universales del mal: Los monstruos del terror (Tulio Demicheli, 1970), La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971), La venganza de la momia (Carlos Aured, 1975), Último deseo (León Klimovsky, 1976) y La orgía de los muertos; esta última, disponible en la plataforma el 31 de octubre.
El Spanish Horror y la trastienda del cine español
El indiscutible legado de Paul Naschy en el denominado fantaterror ocupa un capítulo en ¡Zarpazos!, documental dirigido por Víctor Matellano que estrena FlixOlé en la misma fecha. Primera incursión de su realizador, supone un recorrido apasionado por el Spanish Horror, con valiosas imágenes de archivo y entrevistas a cineastas, actores y críticos. La obra ofrece una mirada única a la edad dorada del cine fantástico y de terror español entre las décadas de 1960 y 1970, una etapa que marcó a generaciones de espectadores y cineastas, y posicionó al género como un fenómeno de culto.
Y de dicho viaje por el cine erótico y sanguinolento que impulsó la industria nacional hacia los mercados exteriores y creó su propio star-system, a uno de los títulos más enigmáticos del fantástico español: Los resucitados, dirigida por Arturo de Bobadilla. Rodada en los años 90 y estrenada de forma tardía en 2017, esta producción de serie B reunió en un mismo plató a figuras como Paul Naschy y un joven Santiago Segura. Los entresijos y misterios que rodean a su accidentado rodaje son el punto de partida de Mi adorado Monster, también de Matellano, documental híbrido que se adentra en el surrealista proceso de creación de la película, al tiempo que rinde homenaje al amor por el cine de género.
“Debido a lo loco que es todo lo que rodea a Los Resucitados y a las circunstancias del gran Arturo de Bobadilla, no todo lo que parece real en la película lo es; y lo que parece ficcionado, no lo es tampoco. Ni yo sé qué hay de cierto en toda esa loca historia”, explica el propio director. Después de pasar por distintos festivales, el documentalse estrenará en exclusiva en FlixOlé el 31 de octubre.
A partir de la apropiación de archivo doméstico y la inscripción de narrativas queer, esta sesión propone colectivizar el “leer en contra” de Griselda Pollock con la intención de dejar de sentirnos extrañas, leyendo a partir de nuestra biografía en tanto que perdida.
Las vidas privadas de las identidades queer se encuentran excluidas del archivo familiar. Extirpadas sus experiencias, álbumes y películas caseras fracasan en su promesa de recordar. Ante la opacidad de estas materialidades, la reedición aparece como metodología para la construcción de la contrahistoria, y la mesa de montaje como medio aliado. ¿De qué manera podemos leer nuestras imágenes para cuestionar las ficciones que habitan en el archivo doméstico?
Siguiendo los ecos del documental autobiográfico experimental feminista, las obras y las autoras por las que pasearemos inscriben sus cuerpos y afectos disidentes mediante el uso de la ironía, la fabulación crítica, la sospecha en el archivo o la urgencia de genealogía. El cine doméstico —la práctica audiovisual realizada desde la esfera familiar, en la que se documentan momentos cotidianos significativos—está vinculado a un principio de verosimilitud y autenticidad que ha garantizado la supervivencia de un modelo familiar inmutable. Llegaron entonces las hijas lesbianas a ocupar un espacio de resistencia, reinterpretando la imagen heredada. Al localizar los signos que revelan las especificidades de las disidencias queer, rompen la ficción oficial.
Es en este espacio de ruptura donde germinan las miradas que ocupan el foco de esta sesión. En Home Movie (1973) Jan Oxenberg acude a sus películas familiares para observar cómo se inscribe la diferencia dentro de una normatividad performada desde la infancia. La cinta casera Lessons in Baby Dyke Theory fue realizada en 1995 cuando el artista indígena queer TJ Cuthand contaba con tan solo 16 años y se sentía “la única lesbiana” en su escuela secundaria. En Monsters in the Closet (1993), Jennifer Reeves transciende el archivo doméstico para reivindicar mediante autofilmaciones húmedas la necesidad de construir nuestra propia idea del deseo. El aclamado cortometraje de Agustina Comedi Playback: Ensayo de una despedida (2019) explora el potencial de la fantasía como herramienta de resistencia, mientras homenajea las vidas breves de las travestis y transformistas de la Córdoba Argentina de los 80.
En estos y otros casos que exploraremos durante la charla, la fórmula para aspirar a un archivo más inclusivo a menudo requiere de las mismas acciones: confrontación, autorrepresentación y colectivización.
Home Movie, Jan Oxenberg, 1973, 12 min (VOSE); Lessons in Baby Dyke Theory, TJ Cuthand, 1995, 3 min (VOSC); Monsters in the Closet, Jennifer Reeves, 1993, 14 min (VOSC); Playback:Ensayo de una despedida, Agustina Comedi, 2019, 14 min (VE).
Proyección en digital.
Esta actividad se complementa con el taller «Volver a casa para tener una conversación», organizado por Hamaca y a cargo de Julia Martos, que tendrá lugar los días 21 y 22 de octubre en Hangar. + info
Filmoteca Española abre su programa de restauraciones anual con la recuperación de una versión no censurada de El inquilino (José Antonio Nieves Conde, 1957)
La restauración se ha efectuado sobre una versión no censurada que el cineasta realizó en 1993 y que incluye extras como el tráiler, textos relativos al proceso de censura y dos finales: el impuesto y otro no censurado.
El título, presente en festivales internacionales consagrados al redescubrimiento y reevaluación del patrimonio cinematográfico, se estrena en el Cine Doré el 5 de octubre, como antesala al Día del Cine Español.
El inquilino, que supone un ejemplo único en la historia del cine español por tratar de forma paródica el problema de la vivienda y por su intrincada relación con la censura, inaugura una muestra de cine recuperado en torno a la vivienda organizada junto al Círculo de Bellas Artes.
Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico, presenta –dentro de su programa anual de restauraciones y recuperaciones- la restauración de El inquilino (1957), de José Antonio Nieves Conde.
La restauración, realizada en el Centro de Conservación y Restauración de Fondos Fílmicos ‘Carlos Saura’ de Filmoteca Española, se ha efectuado sobre una versión no censurada del título que el autor realizó en 1993. Este trabajo, que ha sido posible gracias a la colaboración de los hijos del cineasta, ha partido de los negativos de imagen y sonido de la versión censurada completándose con todo aquello que el director añadió en la copia de 1993, desde el final original y el tráiler de animación ideado por Estudios Moro, hasta secuencias afectadas por la censura explicadas mediante cartelas. Rara vez se dispone de la versión recuperada por el director y menos aún de explicaciones del proceso de censura con palabras del propio autor e imágenes de ambas versiones, hecho que ha posibilitado una visión amplia y unificada de la obra en su conjunto.
La programación propone varias retrospectivas: una, dedicada al chileno Raúl Ruiz y, otra, al dúo brasileño-portugués formado por Adirley Queirós y Joana Pimienta
El Día del Cine Español se proyectan dos clásicos restaurados, Deprisa, deprisa y Furtivos, y se recupera Tirarse al monte, película prohibida y desaparecida durante medio siglo
También se estrena Exorcismo: El transgresor legado de la clasificación S, documental de Alberto Sedano que rescata las películas de clasificación S
La noche de Halloween tendrá un programa doble especial de ‘La Noche Z’, con la proyección de Re-Animator y Psycho Goreman
Cineteca Madrid propone en octubre un recorrido por distintas formas de entender el cine como espacio poético, político y experimental: desde la retrospectiva monumental de Raúl Ruiz hasta la radicalidad contemporánea de Travis y Erin Wilkerson, pasando por la recuperación de películas invisibilizadas del cine español o las distopías brasileñas de Adirley Queirós y Joana Pimenta.
Retrospectiva Raúl Ruiz, el territorio del misterio
Poeta de los desvíos, de las falsas pistas y de los relatos imposibles de cerrar, Raúl Ruiz dejó una filmografía de más de un centenar de títulos que hoy se reconoce como una de las más radicales y fascinantes del cine moderno. La retrospectiva, que se extenderá hasta diciembre, permite recorrer desde sus inicios experimentales en Chile con títulos como El realismo socialista (Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento, Chile, 2023), hasta las grandes producciones europeas de madurez, entre las que destaca El tiempo recobrado (Francia-Italia-Portugal, 1999), pasando por obras clandestinas, fantasmales y lúdicas como La isla del tesoro (Francia-Reino Unido-EE. UU., 1985).
Completan las proyecciones de octubre de este programa, organizado en colaboración con la Embajada de Chile, La telenovela errante (Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento, Chile, 2017); El tango del viudo y su espejo deformante (Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento, Chile, 2020); Genealogías de un crimen (Généalogies d’un crime) (Francia-Portugal, 1997); Diálogos de exiliados (Chile, 1975); Bérénice (Francia, 1983) y Tres vidas y una sola muerte (Francia-Portugal, 1996).
Día del Cine Español, memoria recuperada
Como cada año, Cineteca se suma al Día del Cine Español con un programa que devuelve a la pantalla obras esenciales y rescata películas que parecían condenadas al olvido. Este octubre presentamos las restauraciones de Deprisa, deprisa (Carlos Saura, 1981) y Furtivos (José Luis Borau, 1975), dos hitos de la Transición que redefinieron los límites de la representación social y política.
El acontecimiento especial de esta edición es la recuperación de Tirarse al monte (Alfonso Ungría, 1971), prohibida por la censura franquista y desaparecida durante más de medio siglo. Restaurada por la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, ECAM, regresa ahora para desvelar un cine vibrante, incómodo y experimental que fue silenciado en su día.
‘Nuevos Imaginarios’, cine y museo en diálogo
En colaboración con Contemporánea Conde Duque, Cineteca presenta ‘Nuevos Imaginarios’, un programa de proyecciones que dialoga con la exposición homónima comisariada por el fotógrafo y artista Nicolás Combarro y el escritor, periodista y divulgador Miguel Ángel Delgado. El proyecto reúne a Oliver Laxe, Isaki Lacuesta, Laida Lertxundi, Lois Patiño y el tándem Helena Girón-Samuel M. Delgado, proponiendo un viaje por los límites del cine más allá de la sala oscura.
Tras su paso por el CGAC (Centro Galego de Arte Contemporánea), el programa llega a Madrid como experiencia doble: videoinstalaciones en el espacio expositivo de Conde Duque y un ciclo en Cineteca que amplía la mirada sobre universos entre la sala de cine y el museo, a través de 17 piezas como: Noite sem distância (Lois Patiño, España, 2015); Las variaciones Marker (Isaki Lacuesta, España, 2007); The Room Called Heaven (Laida Lertxundi, EEUU, 2012); Sin Dios ni Santa María (Helena Girón, Samuel Delgado, España, 2015) o París #1 (Oliver Laxe, España, 2007).
Clasificación S: carta blanca a Alberto Sedano
Coincidiendo también con el Día del Cine Español, llega el estreno de Exorcismo: El transgresor legado de la clasificación S (EE. UU., 2024), documental de Alberto Sedano, narrado por Iggy Pop, que rescata uno de los episodios más insólitos de nuestra cinematografía: el fenómeno de las películas con la etiqueta ‘Clasificada S’.
Para acompañar el estreno, Sedano propone dos rarezas del género: Poppers (José María Castellví, España, 1984), retrato queer y desinhibido de la noche madrileña, y Más allá del terror (Tomás Aznar, España, 1980), delirio entre el cine quinqui y lo sobrenatural.
Travis y Erin Wilkerson en Cineteca con una selección de su filmografía
Militantes y agitadores, Travis y Erin Wilkerson conforman uno de los dúos más necesarios del cine político contemporáneo en Estados Unidos. Su obra, híbrida entre el ensayo, el archivo y la narración personal, se mueve de la violencia racial al imperialismo nuclear o de la memoria obrera al duelo familiar. El ciclo, que contará con la presencia ambos cineastas y está organizado junto a Intersección, Festival Internacional de Cine de A Coruña, recupera títulos clave como An Injury to One (EE. UU, 2003); Machine Gun or Typewriter? (EEUU, 2025); Did You Wonder Who Fired the Gun? (EEUU, 2017) o Nuclear Family (EEUU-Singapur, 2022).
Primera retrospectiva en España de Adirley Queirós y Joana Pimenta
En colaboración con el Festival INSTAR, Cineteca presenta el trabajo del dúo brasileño-portugués, filmado desde los márgenes geográficos y sociales y que crea un cine colectivo que reescribe mitos del presente mediante archivos apócrifos, memorias inventadas y distopías populares.
Películas como Branco Sai, Preto Fica (Adirley Queirós, Brasil, 2015), Era uma vez Brasília (Adirley Queirós, Brasil-Portugal, 2017), Um Campo de Aviação (Joana Pimenta, Portugal-Brasil-EE. UU., 2016) o Mato seco em chamas (Adirley Queirós, Joana Pimenta, Brasil-Portugal, 2022), dan cuenta de un cine profundamente político.
‘Linterna’. Episodio 2: Lilies
En este nuevo episodio del programa comisariado por Brays Efe y Miguel Agnes, ‘Linterna’, se recupera Lilies-Les feluettes (Canadá, 1996), de John Greyson. Se trata de una obra radical y poética, mezcla de melodrama carcelario, ópera política y relectura queer de Shakespeare, proyectada por primera vez en 4K en nuestro país.
‘Confesionario’ y ‘La Noche Z’ no faltan a su cita mensual
El programa ‘Confesionario’ reúne este mes tres cortos de Julie Murray, Lisl Ponger y Linda Christanell, que en los años 90 exploraron, desde geografías distintas, un mismo mundo fracturado. Por su parte, ‘La Noche Z’ celebra Halloween con un doblete sangriento y desbordante: Re-Animator (1985), clásico de Stuart Gordon inspirado en Lovecraft, y Psycho Goreman (2020), comedia gore intergaláctica que rinde tributo al cine de videoclub y a los monstruos de látex.
Y además…
Cineteca acoge este mes la 11ª edición de ‘Another Way Film Festival’ y colabora en las actividades previstas en conmemoración del Día de la Hispanidad con el ciclo ‘Programaciones cruzadas: Madrid en Buenos Aires, Buenos Aires en Madrid’. No faltarán estrenos como Campos o Buda salta el muro, así como sesiones de secciones habituales como ‘Nosotras contamos’ (Germinal); MICE; ‘Relatos del ruido’; ‘Ciclo DOCMA’; ‘Así son las cosas’: Cabello/Carceller; ‘CIMA Conversa’ o ‘Imprescindibles TVE’.
Dirigida por Fernando Colomo, y protagonizada por Verónica Forqué, Antonio Banderas, Aitana Sánchez-Gijón y Juan Echanove, la película mantiene su vigencia tres décadas después por el atrevimiento y cercanía con la que captó el espíritu de la ‘Movida madrileña’
FlixOlé estrena el viernes, 19 de septiembre, la comedia generacional con la que Fernando Colomo fotografió al movido Madrid de los años 80: Bajarse al moro (1989). Desde su estreno hasta la actualidad, la película ha conectado con los distintos públicos debido a la frescura, atrevimiento y cercanía con la que retrató, en clave de humor, a una juventud que intentaba encontrar su lugar en la España post Transición.
El título se incluirá en una colección que la plataforma dedica al director y que se compone por una veintena de largometrajes que recorren las distintas etapas de su carrera. Este especial contará también con otra incorporación al catálogo de FlixOlé: ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste? (1978), segundo filme de Colomo que enfrentaba, de nuevo por medio de la risa, el choque entre la casposa mentalidad de quienes se aferraban a tiempos pasados y los que encontraron en el ‘sexo, drogas y rock&roll’ el lema para liberarse.
Ambas películas se consolidaron como referentes de la denominada ‘comedia madrileña’. Esta corriente, que tuvo a Fernando Colomo como uno de sus principales impulsores, se caracterizó por reflejar con desenfado, enredos amorosos y algún que otro porro la cotidianidad de una parte de la sociedad cuyas inquietudes discurrían al margen de los cánones tradicionales. Influido por el cine americano, y utilizando una narración en apariencia sencilla y ágil, el realizador consiguió que el espectador se sintiese identificado con los protagonistas de sus historias.
Bajarse al moro, una comedia sobre perdedores
Chusa (Verónica Forqué) comparte piso con su primo, Jaimito (Juan Echanove), y su novio policía, Albertico (Antonio Banderas), en el barrio de Lavapiés. Juntos intentan salir adelante trapicheando con el hachís que ella trae escondido en su cuerpo desde Marruecos; sin embargo, los continuos controles en la aduana complican el pequeño negocio ilegal. Un día, Chusa conoce a Elena (Aitana Sánchez-Gijón), una joven de buena familia que se ha escapado de casa y que termina conviviendo con el pintoresco grupo. A cambio, tendrá que ‘bajarse al moro’. Entonces surge otro problema: Elena es virgen y no puede transportar la droga. La propia Chusa propondrá que pierda la virginidad con su pareja, Albertico.
Adaptación de la exitosa obra teatral homónima de José Luis Alonso de Santos, quien participó en el guion de la película junto a Joaquín Oristrell, Bajarse al moro reflexionaba en tono humorístico sobre los cambios sociales y culturales que trajo consigo la Transición española, abordó temas sensibles como las drogas y puso el foco en el contraste entre clases sociales y modos de vida. Manteniendo la esencia del libreto original, Colomo construyó una comedia de mueca triste con entrañables personajes cuya humanidad y ternura los convertía en perdedores, víctimas de una traición consumada por sus propios amigos para seguir éstos formando parte del sistema.
En dicho mural sobre la ‘Movida madrileña’ no faltaron el rastro y azoteas de la capital, ‘buenrollistas’ encanutados, puritanas madres que los increpaban al grito de “yanquis” (en lugar de yonquis), momentos irrisoriamente sexuales y música del grupo Pata Negra. Su capacidad para capturar el espíritu de toda una época, sumado al inolvidable reparto en el que también participaron Chus Lampreave y Miguel Rellán, han hecho de Bajarse al morouna película clave de la cinematografía española, vigente tres décadas después.
El inconfundible humor de Colomo
Además del citado título, FlixOlé estrenará también el próximo viernes, 19 de septiembre, el segundo largometraje de Fernando Colomo: ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste? El director afianzó la conocida como ‘comedia madrileña’ con este filme, coescrito por Jaime Chávarri, que se adelantó a la ‘Movida madrileña’ (entre sus figurantes aparece un hasta entonces desconocido Pedro Almodóvar), cuestionaba la moralidad de los convencionalismos y apostaba por los personajes marginales como ejemplo de integridad.
A ritmo de Burning (cuyo icónico tema da nombre a la película), el filme introducía al espectador en el mundo del rock. También a su protagonista, Rosa (Carmen Maura), una mujer separada que aguanta las continuas extorsiones de su expareja. Conocerá a Tony, un joven y rebelde cantante con quien mantendrá un romance. Rosa se irá poco a poco desmelenando, hasta el punto de trazar un plan con el que acabar con su exmarido y recuperar así a sus hijos.
Bajarse al moro y ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste? se incluirán en un especial que FlixOlé ha programado para recorrer la inconfundible filmografía de Fernando Colomo, desde sus primeras películas que supusieron un soplo de aire fresco para el género, como La línea del cielo (1983) y La vida alegre (1987), hasta algunas de sus últimas incursiones en la gran pantalla, como Isla bonita (2015), sin olvidar recordadas filmes malditos como El caballero del dragón (1985) así como recordadas comedias como Alegre ma non troppo (1994) y Los años bárbaros (1998).
La película de Andrea Segre, uno de los mayores éxitos de taquilla del año en Italia, recuerda la figura del político que estuvo a punto de llevar al Partido Comunista al gobierno de Italia a finales de los 70.
El próximo viernes26 de septiembre llega a Filmin «La gran ambición» (título original: «Berlinguer. La grande ambizione»), drama histórico del director Andrea Segre sobre la figura del líder comunista italiano Enrico Berlinguer(Elio Germano). La película se estrenó en los cines españoles el pasado mes de agosto de la mano de Filmin tras haber conquistado al público italiano. En el país transalpino la película se convirtió en uno de los mayores taquillazos del año, con más de 3,5 millones de euros de recaudación y más de medio millón de espectadores. La película representa una importante contribución al cine político contemporáneo y confirma el renacimiento del interés en Italia y en la izquierda europea por la figura del histórico líder comunista italiano. Además, el film obtuvo 15 nominaciones en los Premios David di Donatello, donde ganó dos galardones: Mejor Actor para Elio Germano y Mejor Montaje.
«La gran ambición» narra la vida de Enrico Berlinguer, secretario general del Partido Comunista Italiano, durante los años más cruciales de su carrera política, entre 1973 y 1978. La película se centra en el momento en que Berlinguer estuvo a punto de llevar al Partido Comunista de Italia al poder en 1978 mediante una alianza con la Democracia Cristiana. El secuestro y asesinato de Aldo Moro, líder de los democristianos, frustró un momento que hubiese cambiado la historia del país y del equilibrio geopolítico en todo el mundo.
Enrico Berlinguer y la gran ambición en la Italia de los años 70
Enrico Berlinguer (Sassari, 1922 – Padua, 1984) fue una de las figuras políticas más respetadas y carismáticas de la Italia republicana. Alcanzó la secretaría general del PCI en 1972 y lideró el partido durante uno de los periodos más convulsos de la historia reciente del país. Entre 1973 y 1978, Italia vivió los llamados «años de plomo», marcados por el terrorismo, la crisis económica y la inestabilidad institucional. El golpe de Estado en Chile contra Salvador Allende en 1973 y el asesinato de Aldo Moro en 1978 fueron acontecimientos clave que influyeron en su estrategia política.
Durante estos años, Berlinguer impulsó el «compromiso histórico», una inédita alianza entre comunistas y democristianos para garantizar la gobernabilidad y evitar los riesgos de un golpe de estado, como el ocurrido en Chile, si su partido llegaba al poder. Su apuesta por un socialismo democrático e independiente de Moscú, conocido como eurocomunismo, marcó un hito en la historia de la izquierda europea y llevó al PCI a obtener el 34% de los votos en 1976, su techo histórico.
Como explica el director Andrea Segre: «Berlinguer es un símbolo global de un desafío y una elección: poner en práctica el socialismo en una sociedad democrática e independiente, superando las desigualdades pero garantizando todas las libertades económicas y culturales que las dictaduras soviéticas aplastaron». La película aborda la ambición política de Berlinguer como un proyecto colectivo que trasciende el interés personal, y plantea una reflexión sobre el valor de la política guiada por ideales en el contexto actual. De este modo, no solo revisita el pasado, sino que conecta con debates contemporáneos sobre el papel de la acción política y el contraste entre el bien común y la búsqueda de poder por intereses privados
La interpretación premiada de Elio Germano
Elio Germano («Suburra») ganó el David di Donatello 2025, el sexto de su carrera, como Mejor Actor Protagonista por su interpretación de Enrico Berlinguer. La transformación del actor romano en el líder comunista sardo ha sido ampliamente elogiada por la crítica especializada, que destaca cómo ha logrado capturar tanto la timidez y austeridad personal de Berlinguer como su carisma político.
En su discurso de aceptación del premio, Germano aprovechó el momento para lanzar un mensaje universal sobre la igualdad humana: «Una persona pobre debe tener la misma dignidad que una persona rica, debe poder acceder a la educación, a la sanidad. Y una mujer debe tener la misma dignidad que un hombre, una persona negra la misma dignidad que una persona blanca, un italiano la misma dignidad que un extranjero, y permitidme decir: un palestino la misma dignidad que un israelí«.
Aprovechando su visita al CCCB para participar en el Aula Xcèntric, dedicamos una sesión monográfica a la cineasta francesa Marie Losier, que presentará en persona los cortometrajes Eat My Makeup (2010) y Electrocute Your Stars (2004), y el largometraje Peaches Goes Bananas (2024), que se estrena en Cataluña con esta proyección.
«I would never just knock on someone’s door and say I want to make a film about them. It always starts with a friendship, which then becomes a film.»
M. L.
Profundamente marcado por sus relaciones personales con amigos y artistas admirados del underground cinematográfico, musical y artístico norteamericano, el cine de Losier se articula a partir del retrato de la vida cotidiana de las personas menos cotidianas posibles. Protagonizan sus películas figuras cómo Tony Conrad, Genesis P-Orridge, George Kuchar o Peaches, con quien Losier convive, en ocasiones durante décadas, para acercarse y acercarnos con su cámara Bolex a una intimidad profunda y descarnada que a menudo contrasta con su naturaleza performativa y excéntrica.
Eat My Makeup (2010) es una pieza surrealista en la que la autora se reúne con George Kuchar, Jason Livingston y Paul Shepard para comer pasteles de nata y matar moscas en el tejado de un edificio en el barrio de Long Island. Electrocute Your Stars (2004) es un retrato onírico de George Kuchar, amigo y referente de Losier, que atraviesa confeti de nieve, flashes estroboscópicos y viento artificial mientras recita sus registros meteorológicos. Es una pieza hecha a medida y en homenaje al cineasta, figura paradigmática del underground neoyorquino de los sesenta.
Peaches Goes Bananas (2024) es el resultado de diecisiete años de amistad entre la autora y la protagonista de la película, Peaches, que se conocieron por casualidad mientras la primera empezaba a desarrollar su película The Ballad of Genesis and Lady Jane (2011). Losier ha filmado a Peaches en conciertos en Berlín, París, Ginebra, Bruselas… y también la ha acompañado en momentos íntimos y familiares que, sin demasiada premeditación, han acabado complementando a la perfección la glamurosidad y excentricidad de sus espectáculos en la película.
La sesión se complementará con una conferencia de la cineasta en el Aula Xcèntric el día 11 de noviembre.
Eat My Makeup, Marie Losier, 2010, 6 min; Electrocute Your Stars, Marie Losier, 2004, 8 min; Peaches Goes Bananas, Marie Losier, 2024, DCP, 73 min, VOSC
Fecha: 9 noviembre 2025
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
