2016 - Página 11 de 12 - Fantasia cine sin cortapisas

Richard Matheson. Guía rápida de sus trabajos para cine y TV

Por Administrador 23/02/2016 10/06/2016 Libros

Libro monográfico centrado en la faceta de guionista de Richard Matheson, que incluye también aquellas películas en las que no participó directamente pero que adaptan alguna de sus novelas o relatos. La primera obra reseñada es un episodio de la serie de misterio Studio 57 emitido en la televisión americana en 1955 y la última, la adaptación de su relato Steel en la superproducción Acero Puro (Real Steel, 2011). El libro está dividido en dos partes. La primera se centra en su filmografía televisiva, y presenta de forma ordenada la intensa actividad que Matheson desplegó en ese medio entre las décadas de los 60 y 70. Desde sus colaboraciones con Rod Serling para The Twilight Zone, y otras series de la época hasta sus numerosas TV movies de los años 70, con clásicos como El diablo sobre ruedas (Duel, 1971) y Trilogy of Terror (1976), pero también con numerosas entradas sobre TV movies prácticamente desconocidas en nuestro país.

La parte dedicada al cine se abre con el gran clásico del cine fantástico El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man, 1957), adaptación de su novela El hombre menguante, cuyo guión también escribió. El repaso de su filmografía para cine, donde destacan sus colaboraciones para Roger Corman y la Hammer es también el relato de sus dificultades para adaptarse a la caprichosa industria del cine y a las modas cambiantes que se sucedían en el género fantástico.

Más cercano al formato de una videoguía que al acercamiento académico, la mayor motivación del autor con este libro era descubrir la cara menos conocida de Richard Matheson -en nuestro país es básicamente el autor de las novelas Soy Leyenda y El hombre menguante- y dar las claves para iniciarse en el conocimiento de una filmografía que esconde muchas sorpresas y tesoros. Es a la vez una forma de conocer al hombre, su visión del género fantástico, descubrir cómo se enfrentaba al hecho de escribir y de paso hablar también de un montón de gente interesante que merece ser reivindicada (Charles Beaumont, Rod Serling, Dan Curtis, etc…).

El libro está editado por Cinefilia Pop, una pequeña editorial de reciente creación. Se trata de una edición limitada de 150 ejemplares. (http://cinefiliapop.bigcartel.com/)

Autor; Dr. Insermini; Editorial; Cinefilia Pop. Páginas; 212

Zabaltegi se convierte en sección competitiva en la próxima edición del festival de San Sebastián

Por Administrador 23/02/2016 12/04/2016 Festivales

El Festival y Tabakalera – Centro Internacional de Cultura Contemporánea firman un acuerdo para crear el Premio Zabaltegi – Tabakalera. Zabaltegi es, desde hace varias ediciones, la sección abierta a las propuestas cinematográficas más variadas, sorprendentes y apetecibles del año en la que no existen normas formales ni limitaciones temáticas. En ella se han proyectado películas de creadores de la importancia de Alexander Sokurov, Laurie Anderson, Anca Damian, João Salaviza, Eric Khoo, Lav Diaz, Jem Cohen, Corneliu Porumboiu, Walter Salles, entre otros, y las series de televisión P’tit Quinquin, de Bruno Dumont y The Untold History of the United States, de Oliver Stone.

Gracias a este convenio firmado entre el Festival y Tabakalera – Centro Internacional de Cultura Contemporánea, Zabaltegi se convierte en una sección en la que las películas participantes competirán por el Premio Zabaltegi – Tabakalera que estará dotado de 20.000 €, de los cuales 6.000 € serán entregados al director de la película ganadora y los 14.000 € restantes al distribuidor en España de dicha película.

El Premio Zabaltegi – Tabakalera será decidido por un jurado constituido al efecto formado por un mínimo de 3 profesionales del cine y de la cultura.

Con este acuerdo, ambas instituciones buscan impulsar la creación de proyectos cinematográficos inusuales y sorprendentes tanto a nivel narrativo como formal e incrementan la colaboración y el trabajo conjunto que llevan ya varios años realizando.

Amor prohibido en una sociedad utópica, primer tráiler de la sci-fi «Equals»

Por Administrador 23/02/2016 12/04/2016 Tráilers

Nos llega un primer avance en forma de tráiler oficial que podéis ver a final de página junto junto a su primer póster y algunas de sus imágenes del drama de ciencia ficción de claro tono romántico «Equals«, film dirigido por Drake Doremus («Like Crazy«, «Breathe In«) y producido entre otros por Ridley Scott con guion a cargo de Nathan Parker (responsable del libreto de la indispensable «Moon«). La película que fue presentada en el pasado Festival de Venecia tiene previsto su estreno en Estados Unidos para el próximo mes de junio.

«Equals» nos sitúa en un futuro distopico, en una sociedad en donde el crimen y la violencia han sido completamente erradicados a través de la eliminación del gen humano de la emoción, un mundo que también carece de avaricia o de cualquier tipo de emoción. Nia y Silas pasan los días sin incidentes, los dos trabajan uno al lado del otro en una gran oficina en la creación de publicaciones informativas e intercambiando saludos de cordialidad, inesperadamente un rumor comienza a circular: una enfermedad ha estallado, una afección que hace que la gente manifieste emociones, si son descubiertos por los que ostentan el poder, los infectados son enviados lejos para no volver nunca. Silas empieza a sospechar que lleva a la enfermedad, atraído emocionalmente por Nia que también está infectada, pero ha logrado ocultar los síntomas hasta ahora. Al descubrir su condición tendrán que decidir si se quedan o huyen en busca de una ansiada libertad.

La película está protagonizada por Kristen Stewart, Nicholas Hoult, Guy Pearce, Kate Lyn Sheil, Claudia Kim, Jacki Weaver, Toby Huss, Bel Powley, Rebecca Hazlewood, Rizwan Manji, Aurora Perrineau, David Selby, Scott Lawrence, Kai Lennox, y Jai West.

Programación completa del Festival Americana 2016

Por Administrador 22/02/2016 12/04/2016 Festivales

El pasado viernes tuvo lugar la presentación de la tercera edición de Americana. Un festival que año tras año va creciendo gracias al trabajo desinteresado de su equipo y a un público que ha apoyado la iniciativa desde un principio. Después de una primera edición en que se presentaron 11 títulos en 12 sesiones y se contabilizó un total de 2400 espectadores con 8 sold-outs, el año pasado se decidió ampliar la programación a 16 películas repartidas en 30 sesiones logrando llegar a la cifra de 5000 espectadores. Una línea que sigue en esta edición ocupando de nuevo durante tres días las tres salas de los Cinemes Girona. Una cita cinematográfica que se ha convertido durante estos tres años en ineludible dentro de la ciudad de Barcelona, un festival compuesto por un tipo de cine independiente norteamericano que difícilmente suele llegar a las carteleras.

Americana TOPS

Americana TOPS está compuesta por una cosecha de las películas más premiadas por los festivales indies del pasado año como Sundance, Tribeca o South by Southwest, así como películas nominadas a los premios Oscar o a los Independent Spirit Awards. La sección está compuesta por ocho películas:

Tangerine es una de las revelaciones indie de la temporada que opta a cuatro Independent Spirit Awards, incluidos mejor película, director y actrices. Una cinta que está rodada con un Iphone 5 por Radium Cheung, que además de director de fotografía es productor de la película y que estará presente durante el festival y explicara su experiencia durante el rodaje al tiempo que hablará de cómo las nuevas tecnologías serán claves en el futuro del cine. Aprovechando la presencia de Radium Cheung se recuperara Starlet, la anterior película del tándem que forma con Sean Baker, gran triunfadora en los Independent Spirit Awards de hace tres de años y que está inédita en nuestro país. Las dos cintas nos descubrirán una de las voces más potentes y desconocidas de la nueva generación indie americana. En la sección TOPS también se podrán ver Wildlike de Frank Hall Green, una mezcla de coming of age, road movie, drama y comedia en el marco incomparable de Alaska. Una historia de amistad que ha ganado más de 45 premios internacionales y que sorprendentemente, no tiene distribución en nuestro país. La acompañará otro coming of age

King Jack, la ópera prima de Felix Thomson, que ganó el Premio del Público en Tribeca y que está nominada a los Independent Spirit Awards de esta edición. También se podrá ver lo nuevo a Joe Swangerg, que en la primera edición de Americana triunfó con Drinking Buddies y su ya mítica primera sesión con cerveza. En esta ocasión podremos ver Digging for Fire, un mumblecore con reparto de lujo con Jake Johnson, Sam Rockwell, Anna Kendrick, Brie Larson y hasta Orlando Bloom. La última ganadora del Festival de Sitges, The Invitation, también estará presente en TOPS de Americana. Una reunión de amigos tensa e imprevisible rodada por la directora Karyn Kusama. Y otra reunión, en este caso familiar, pero también cargada de un ambiente enrarecido es lo que nos ofrecerá otra de las grandes revelaciones del año, Krisha, de Trey Edward Shults, Gran Premio del Jurado en Austin, presente en la Semana de la Crítica de Cannes y nominada a mejor película a los Independent Spirit Awards de este año. Finalmente, la sección TOPS clausurará con una proyección única de Trumbo, drama biográfico de uno de los mejores guionistas de la historia y que ha acaparado premios, en especial para su protagonista Bryan Cranston, incluso nominado al Oscar a mejor actor principal.

Americana NEXT

Por segundo año, Americana presenta la sección NEXT, un conjunto de seis películas en que se apuesta por trabajos de directores noveles o cintas arriesgadas y emergentes que no habría ninguna posibilidad de ver en una sala de cine si no las exhibiese un festival. Una sección que el año pasado presentó algunas joyas como Buzzard o The Better Angels y que en esta ocasión además, inaugurará el festival. La cinta encargada de hacerlo será People, Places, Things, de James C.Strouse. Jemaine Clement, el 50% de Flight of the Conchords, protagoniza esta comedia con toques de drama existencial sobre un dibujante de cómics que debe reemprender su vida y tirar adelante a sus dos hijas después de su repentino divorcio. Este año la sesión inaugural será en la espectacular sala del cine Phenomena, donde se podrá degustar una muestra de productos americanos, gentileza de la cadena de tiendas, Taste of America. De la comedia saltamos al terror psicológico con They Look Like People, ópera prima de Perry Blackshear que nos plantea el siguiente dilema: ¿qué harías si tu mejor amigo pensase que unos monstruos están a punto de acabar con la vida del planeta? La respuesta a esta pregunta es una película de bajísimo presupuesto, un thriller tranquilo pero muy intenso que ha ganado premios en festivales tan reputados dentro del indie como Slamdance, San Francisco o Nashville. También se verá Yosemite, ópera prima de Grabrielle Demestere basada en tres relatos de James Franco y que además es el protagonista de una de las tres historias. Una mirada melancólica y algo sucia sobre la pérdida de la inocencia en el Palo Alto de los 80. Y continuando con la pérdida de la inocencia una vuelta al presente para adentrarnos en la América profunda y familiar con Take Me to the River, de Matt Sobel, una de las joyas ocultas de Sundance NEXT que nos plantea la dicotomía entre las dos Américas, la rural y la cosmopolita, en un drama familiar con mucha tensión.

También podremos ver Croonies, la nueva película de afroamericanos producida por Spike Lee. Una joya en blanco y negro que juega a mezclar ficción y documental y que nos acerca a las aventuras de tres amigos durante una noche. Una película que nos recuerda a ese cine de los 90 del propio Spike Lee. Y terminamos NEXT con The Overnight, de Patrick Brice. Una comedia sexual imprevisible, incorrecta, desinhibida y con un reparto en estado de gracia liderado por Jason Schwartzman. Loca, sexual, festiva y juguetona, The Overnight es una película indispensable que el sábado por la noche se podrá ver con una cerveza en la mano, gentileza de los amigos de Moritz.

Americana DOCS

Este año se inaugura una tercera sección dedicada a demostrar que una parte del mejor cine que se hace a día de hoy pertenece al género documental. La formarán cuatro documentales indispensables, aclamados por diversos certámenes y que tendrán una única proyección durante el festival. Tal y como anunciamos en diciembre contaremos con la “première” española de la última joya del reputado Frederick Wiseman, autor de la prestigiosa y muy galardonada National Gallery, entre muchas otras. En esta ocasión Wiseman nos lleva directamente a In Jackson Heights, el barrio más plural de Nueva York y probablemente de todo el planeta. Una maravilla para fans del documental que estuvo presente en Venecia y Toronto.

Más popular es Blood Brother, de Steve Hoover, un documental que fue galardonado en Sundance y que hemos querido rescatar este año. En Blood Brother conoceremos a Rocky Braat, un chico de Nueva York que después de viajar a la India y colaborar con niños huérfanos enfermos de SIDA decide que su vida solo tiene sentido ayudando a los niños. Esta película será nuestra sesión benéfica de este año. Así, Americana LOVE será en beneficio de “Sonrisas de Bombay”, que como el protagonista de Blood Brother, volvió de la India con la intención de mejorar la vida de los niños de Bombay. Y también nos iremos de ruta en bicicleta por los Estados Unidos siguiendo a los hermanos Hussin en su viaje de dos años por pequeñas comunidades a lo largo del país. America Recycled nos lleva de viaje por una América profunda, que a diferencia de la mayoría de documentales sobre pequeñas comunidades, apuesta por la sostenibilidad, el buen rollo y una forma libre, abierta y auténtica de afrontar la vida y el sueño americano. Y siguiendo con las pequeñas comunidades terminamos llegando a una secta polígama de la mano de Amy Berg. La directora de Janis, que clausuró el pasado Inèdit, vuelve con Prophet’s Prey, un documental en clave de thriller que investiga a Warren Jeffs, líder de una secta y uno de los hombres más buscados por el FBI. Paranoia, secretos, intereses, idolatrías y mucho miedo para un cóctel explosivo que además cuenta con la música y la narración de Nick Cave.

Americana +, Americana SHORTS

Y a parte de estos cuatro, habrá un quinto documental en una de las secciones paralelas del festival, Americana +, con contenidos de Movistar+. Se trata de Cartel Land, el documental producido por Kathryn Bigelow y nominado a los Oscar que nos acerca a la lucha de un grupo de vecinos contra los cárteles de la droga en México. Corrupción, drogas y tiroteos en primer plano para una de las películas más impactantes del año. Y dentro de Americana + también podrán verse dos sesiones gratuitas con los primeros capítulos de dos series 100% indies, la 5ª temporada de Girls de Lena Dunham y la 2ª de Togertherness de los siempre imprescindibles hermanos Duplass, todas ellas en pantalla grande gracias a Movistar +.

Completa la programación una sesión gratuita con los 12 cortometrajes de Americana SHORTS entre los que encontraremos piezas tan interesantes como Footprints, de Bill Plympton, Everything & Everything & Everything protagonizada por Shane Carruth o Interesting Ball, de los autores de Swiss Army Man, el film escándalo y ganador a mejor dirección en el pasado Sundance, en que se comprobara de primera mano las locuras que ya hacían estos dos directores antes de convertir a Harry Potter en un zombi erecto y flatulento.

Tráiler y póster de «Janis» (la verdadera historia de la reina del blues)

Por Administrador 22/02/2016 12/04/2016 Tráilers

La vida artística y personal de Janis Joplin pedía a gritos un biopic de altura que explicara su historia, una travesía llena de superación, ascensión y combustión prematura al más puro estilo Hollywood. Amy Berg (‘West of Memphis’) dirige «Janis: Little Girl Blue«, una completa pieza sobre la icónica cantante en forma de documental, la artista Cat Power narra en este documental cómo Janis Joplin llegó a convertirse en una estrella, a través de las cartas que escribió durante varios años a sus amigos, familiares y numerosos colaboradores. El documental visto en numeroso festivales como Venecia, Toronto e In-Edit recoge un buen número de entrevistas (algunos de ellas vistas por primera vez), los hermanos pequeños de la artista, sus numerosos amoríos y desde luego, los miembros de Big Brother & The Holding Company, la banda que acogió su blues. «Janis» es un documental que incluye numerosa música, pero resalta en especial a la mujer que la cantó, con afecto, rigor y sin el menor atisbo morbidez, un tributo documentado que parece sonar a definitivo.

«Janis: Little Girl Blue» se estrenará comercialmente en España este próximo 4 de marzo, un estreno simultaneo en cines y VOD, a final de página podéis ver su tráiler subtitulado al castellano junto algunos de sus pósters.

The Forest (El Bosque de los Suicidios) review

Por Administrador 19/02/2016 12/04/2016 Peliculas

Sara es una chica estadounidense que busca a su hermana gemela desaparecida en el bosque Aokigahara, a los pies del Monte Fuji en Japón. A pesar de las advertencias de todo el mundo para que no entre en el bosque, la joven acaba yendo para descubrir la verdad sobre lo sucedido y averiguar el destino de su hermana. Sin embargo, se tendrá que enfrentar a almas atormentadas y muertos que se aprovechan de cualquier persona que vaga por ese bosque.

«The Forest» parte de una premisa cuanto menos curiosa y en un principio algo atrayente para el aficionado al género de terror, trasladar el conocido mito del bosque de Aokigahara (lugar de contornos sombríos que tiene una cierta asociación histórica con los demonios de la mitología japonesa, situado en las faldas del Monte Fuji y siendo el lugar más popular para suicidarse en Japón, hoy convertido en una suerte de atracción turística) como escenario en clave de relato de terror al uso a cargo del debutante Jason Zada que aquí nos ofrece un film totalmente desprovisto de cualquier tipo de conexión solida sobre la cultura japonesa (escenario) y lo occidental (protagonistas principales) presentado todo ello como un esbozo demasiado simple en su exposición, podríamos aseverar con total certeza que en «The Forest» prácticamente todo está desaprovechado sobremanera ofreciéndonos una película que roza lo vulgar y manido en casi todo su metraje.

Lo más grave de «The Forest» posiblemente habría que achacársele a su guion, resulta realmente inexplicable que hasta tres personas Nick Antosca, Sarah Cornwell y Ben Ketai hayan perpetrado una historia tan vacua y postiza, había por ahí algún que otro resquicio argumental que invitaban a varias ramificaciones narrativas cuanto menos interesantes, por un lado a la exploración del alma torturada como elemento fantasmagórico-perturbador que apenas se llega e esbozar de una forma conveniente, o ese juego de ambigüedad mental que sufre la protagonista reflejado en ese espejo de realidades y alucinaciones que ofrecía más de una vía valida a desarrollar en lo referente a lo que es su historia primigenia, sin embargo se opta por un puñado de tópicos y clichés del género del terror actual basados en especial en esos sonrojantes golpes de efecto sonoro que inundan por completo el film, lo sugerido como activo primordial y que indudablemente pedía a gritos una historia de estas características desaparece por completo, en su lugar asistimos un bucle de lo más manido, repetitivo y muy confuso, repleto de un catálogo de torpezas genéricas habidas y por haber, en definitiva todo un paradigma de la obviedad argumental la que se presenta en la película.

Y llegados a este punto surge la pregunta de ¿hay algo que realmente merezca la pena en «The Forest«?.. muy poco la verdad, si acaso rescatar como único aliciente la presencia esforzada de Natalie Dormer como protagonista principal, conocida especialmente por su papel en «Game of Thrones» y poseedora de una belleza de catalogación algo atípica y que a un servidor le recuerda a aquel icono de los noventa como era la extraordinaria Ellen Barkin, o una por momentos acertada utilización de su fotografía en a su escenario agreste. «The Forest» termina convirtiéndose en lo que en los ochenta seria casi un film destinado a los videoclubes, de tono intrascendente y de muy fácil consumo pero totalmente desprovisto eso si del encanto de aquellas cintas, curiosamente la película es un perfecto ejemplo de un producto de industria ha día de hoy, una abusiva publicidad por parte de la major que la distribuye hará de ella un éxito económico en su explotación en las salas comerciales, algo verdaderamente preocupante, la verdad.

Valoración 0/5:1’5

La alienación emocional desde dentro, tráiler de «Aloys»

Por Administrador 18/02/2016 12/04/2016 Tráilers

Seguimos repasando algunas películas que estos días se han podido ver en el festival de Berlín, «Aloys» estreno mundial visto dentro de la sección panorama es una producción suiza dirigida por el joven director Tobias Nölle en la que es su ópera prima y cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes. «Aloys» transita en el retrato intimista con un acentuado tono sensitivo que se adentra en el universo de una persona y sus problemas a la hora de relacionarse con todo el contacto real que le rodea, habrá que estar atento a esta interesante producción, las primeras reacciones provenientes del festival alemán han sido bastantes positivas.

«Aloys» nos cuenta la estrecha relación que mantenía un hijo con su padre apenas fallecido. Acostumbrado a trabajar en equipo con su padre en la empresa detectivesca familiar, Aloys se ve de pronto a solas, abandonado a una rutina hecha de largas horas de “espionaje”. Poco a poco, sin embargo, algo parece insinuarse en su vida cotidiana, dando un vuelco a una vida meticulosamente programada. El sentido de la seguridad que siempre lo ha caracterizado parece hacerse añicos poco a poco.

La película está protagonizada por Georg Friedrich, Kamil Krejci, Tilde von Overbeck y Yufei Li.

Eugenio Martín, un autor para todos los géneros

Por Administrador 18/02/2016 12/04/2016 Libros

Es el único volumen, a nivel mundial, dedicado a este director de grandes clásicos de nuestro cine de género, como “Hipnosis” (1962), “El precio de un hombre” (1966), “Pánico en el Transiberiano” (1972), “Una vela para el diablo” (1973)… Se trata de una nueva edición revisada y ampliada, con más páginas y más fotografías inéditas (muchas cedidas por el propio director); incluye un estudio crítico de la obra de Martín, una extensa y exhaustiva entrevista, una selección de textos del cineasta, filmografía completa, bibliografía, un útil índice onomástico y un espectacular material gráfico (240 fotografías, en blanco & negro y en color).

En la imagen adjunta al pie de este artículo podéis ver la portada y más detalles de la edición (PVP, etc.). Todos aquellos interesados podéis escribir a esta dirección de mail (quatermass@hotmail.com).

Autor; Carlos Aguilar y Anita Haas; Editorial; Quatermass. Páginas; 150

Javier G. Romero

Director/Editor de las publicaciones cinematográficas Quatermass (desde 1993) y Cine-Bis (desde 2013), y fundador de la Semana de Cine Fantástico de Bilbao (desde 1994, hoy conocida como Fant). Ha escrito en Dirigido por, Nosferatu, Scifiworld, Miradas de Cine, 2000 Maníacos, Monster World, Opus Cero, Les ami(e)s de Stephen King (Francia), Nocturno Cinema (Italia)… Miembro del comité de selección del Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao – Zinebi, así como jurado en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Trieste (Italia) y en el XVI Festival de Cine de Zaragoza. Escritor en los libros colectivos El cine fantástico y de terror de la Universal (2000), El giallo italiano: la oscuridad y la sangre (2001), Cine fantástico y de terror alemán: 1913-1927 (2002), Cine fantástico y de terror español: 1984-2004 (2005), El demonio en el cine: máscara y espectáculo (2007), American Gothic: el cine de terror USA, 1968-1980 (2007), Juan Piquer Simón, mago de la serie B (2012), Los mundos perdidos de Willis O’Brien (2013), John Carpenter: ultimátum a la Tierra (2013), Cine fantástico y de terror español: de los orígenes a la edad de oro, 1912-83 (2015)… Asimismo ha editado John Phillip Law: Diabolik Angel (2008), coordinado Hecho en Europa: cine de géneros europeo, 1960-1979 (2009) y Bolsilibro & Cinema Bis (2012), y firmado los prólogos de la novela de Carlos Aguilar Un hombre, cinco balas (2013), y del libro de Daniel Rodríguez Sánchez Rob Zombie, las siniestras armonías de la sordidez (2014), ejerciendo también en muchos de ellos como diseñador/maquetador. Igualmente ha colaborado, aportando material gráfico, en numerosos libros: La espada mágica: el cine fantástico de aventuras (2006), Terror Cinema (2008), Clint Eastwood (2009), Sergio Leone (2009), Jesús Franco (2011), José Ramón Larraz: del tebeo al cine, con mujeres de película (2012), Mario Bava (2013), Cine y Jazz (2013), Ciudades de cine (2014), Sex, Sadism, Spain, and Cinema: The Spanish Horror Film (2015), Julián Mateos: el bello tenebroso (2015), Viajes de película: 20 ciudades para amantes del cine (2015), Jean-Pierre Melville (2016)…

El posible regreso de la mítica Cannon

Por Administrador 18/02/2016 12/04/2016 Noticias

No es cuestión de rebajar el hype creado estos días pero sí que convendría aclarar algunos conceptos relativos al sorprendente anuncio del posible regreso de la mítica productora Cannon, fundada en 1967 bajo la tutela de Dennis Friedland y Christopher C. Dewey pero especialmente conocida a posteriori, en el periplo de Menahem Golam y Yoram Globus al mando, y que en estos últimos años ha vivido una reivindicación emocional por parte de muchos seguidores, al parecer Richard Albiston de tan solo 26 años de edad se ha hecho con las riendas de la compañía después del fallecimiento el pasado año de Menahem Golam, el problema viene en lo referente a la cuestión presupuestaria necesaria para resucitar la productora.

En una entrevista concedida a Lancaster Guardian Albiston ha comentado: solo cuento hasta el momento con el nombre y poco más, quiero examinar opciones como la preventa, como lo hacía la Cannon, pero supongo que la cuestión más importante consiste en saber cómo extraemos dinero para hacer películas de donde no hay, además Albiston pretende transformar la pequeña localidad de Lancaster, de unos 45.000 habitantes, en el epicentro de la futura compañía, Lancaster es un lugar perfecto para una compañía de cine y tiene todos los ambientes a muy poca distancia, no es Londres ni Manchester por lo que las oportunidades pueden llegar a ser algo limitadas, pero sé que hay gente en esta población que quiere llevar las cosas algo más lejos de lo que se encuentran ahora mismo.

De momento en su (web oficial) podemos ver unos hipotéticos primeros títulos a desarrollar en un futuro: American Ninja: Apprentice, Return of the Delta Force, Allan Quatermain and the Jewel of the East, Curse o Zombi: They Live!, Writer’s Block, U.S. Sniper y Jewel of the East, habrá que estar atentos en un futuro y ver si la premisa del renacimiento de la compañía se hace finalmente realidad.

Primer tráiler para la nueva película de Hirokazu Koreeda, «After the Storm»

Por Administrador 16/02/2016 12/04/2016 Tráilers

A la espera del inminente estreno comercial en el próximo mes de marzo de su notable «Our Little Sister» (Umimachi diary) el realizador nipón Hirokazu Koreeda tiene listo ya un nuevo trabajo titulado «After the Storm» (Umi yori mo Mada Fukaku), film cuyo primer tráiler podéis ver a final de página. «After the Storm«, drama que vuelve a indagar en las relaciones familiares tiene previsto su estreno en cines japoneses para el 21 de mayo, fecha que indica que con casi toda seguridad estará presente en el próximo festival de Cannes.

«After the Storm» nos cuenta como Ryota, un escritor de mediana edad que hace años ganó un premio literario trabaja como detective privado. Se ha divorciado de su ex-mujer Kiyoko y tiene un hijo de 11 años llamado Shingo, Ryota desperdiciar el dinero que gana como detective en las casas de juego y apenas tiene para pagar la pensión alimentaria. Después de la muerte de su padre, su anciana madre y su ex esposa se las arreglan como pueden para seguir adelante. Un día Ryota, su ex-mujer y su hijo se reúnen en el apartamento, allí sufrirán la amenaza de un tifón, haciendo que la familia tenga que permanecer junta toda la noche.

La película está interpretada por Hiroshi Abe, Lily Frankie, Isao Hashizume, Sôsuke Ikematsu, Kirin Kiki, Satomi Kobayashi, Yôko Maki y Taiyô Yoshizawa.

Japón será el protagonista de la 13ª edición del Festival Nits de Cine Oriental

Por Administrador 16/02/2016 12/04/2016 Festivales

El contador para la próxima edición del Festival Nits de cine oriental sigue acortando las distancias con el 12 de julio, cuando la cultura asiática volverá a Vic para ofrecernos seis intensas jornadas de cine, gastronomía y muchas y variadas actividades. Japón será el protagonista de esta 13ª edición. Un país, una cultura y un estilo de vida que ha seducido a medio mundo y que ha originado uno de los fenómenos culturales contemporáneos más masivos: el manga. De esta manifestación artística beben el cine, ya sea en su versión anime o en filmes de imagen real; la música e incluso la gastronomía japonesas.

El festival dedicará buena parte de su programación a Japón, con una nutrida presencia de títulos inéditos en la sección oficial a concurso, una inauguración con cena japonesa y varias actividades, un ciclo de películas del género Kaiju Eiga – las gigantescas criaturas surgidas después de la bomba de Hiroshima-, la edición de dos libros, la representación de un cuento infantil, tres exposiciones, una conferencia y varios talleres.

Cartel definitivo

Con Japón de país protagonista, casi era obligatorio escoger un yokai como imagen del certamen. Los monstruos y fantasmas del folclore japonés son una parte muy destacada de su vasta cultura y han inspirado libros, películas e infinidad de manga y anime, aparte de la lógica tradición popular. El yokai escogido para iluminar este Festival Nits 2016 es Hikari (luz en japonés) un travieso Chōchin-obake (farolillo fantasma) al que le gusta inventar historias y sorprender a los visitantes del espacio que ilumina. Inventar historias y sorprender, dos de las facetas que identifican el Festival Nits.

Hikari pertenece al grupo de los yokai “objetos de la casa”, que llevan mucho tiempo olvidados y acaban transformándose en un ser animado, juguetón y empeñado en pasarlo bien. El dibujo del personaje es un año más obra de Xevi Domínguez, ilustrador calldetenenc que trabaja en el festival desde sus inicios.

Mucho cine y nuevo premio

La industria del cine japonés es una de las más prolíficas de toda Asia y sus estudios de producción y directores abarcan todas las temáticas y géneros. La presencia nipona también destacará en las sesiones infantiles, las noches especiales como la Golfa o la Nit de Terror y en las clásicas matinales de anime.

Los filmes japoneses irán acompañados de una selección de las mejores y más recientes producciones de otros territorios como Hong Kong, China, India, Tailandia, Corea del Sur o Nepal.

Como novedad, este año se otorgará otro premio entre los filmes de la sección competitiva. Lo entregará un jurado internacional formado por figuras estrechamente vinculadas con el cine oriental. Así pues, aparte del clásico Gato de la Suerte de los Nitòmans, a partir de ahora también se dará el Gato de la Suerte del Jurado del Festival Nits.

El Festival Nits de cine oriental de Vic cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Vic y la Generalitat de Catalunya, a través del Departamento de Cultura y del ICEC. En esta edición también colaboran el Consulado Japonés en Barcelona y Japan Foundation, institución dedicada a la promoción de la cultura y lenguas japonesas en el mundo.

Nits de lectura

Después de la buena experiencia de la primera publicación del Festival Nits, el libro sobre westerns asiáticos Wild Wild East, este año se quiere repetir y duplicar la experiencia. El certamen publicará una original galería de Kaiju Eiga, los clásicos monstruos japoneses capitaneados por el mítico Godzilla, en un libro que imitará los cuadernos de naturaleza, con las características fisiológicas de cada especie. Kaiju Field Notebook es un libro coordinado por Domingo López, escrito por Eduard Terrades con aportaciones de diferentes colaboradores e ilustrado por Carlos Ganyarul.

Como en la anterior edición, el festival abrirá un Verkami para poder hacer frente a los gastos de la publicación. Además, la retrospectiva del festival también estará dedicada a los kaiju, con una selección de los filmes más representativos del género.

La otra publicación será un libro infantil ilustrado que contará la historia del Gato de la Suerte, icono del festival, bajo el título de Las aventuras de Maneki Neko.

El autor es Robert Jové y los dibujos son de Jaume Salés

Más informacion en: http://www.cinemaoriental.com

Greg McLean debuta en USA de la mano de Bloomhouse, primer tráiler de «The Darkness»

Por Administrador 15/02/2016 12/04/2016 Tráilers

El siempre interesante director australiano Greg McLean («Wolf Creek 1 y 2″, «Rogue») hace su debut en Estados Unidos de la mano del omnipresente Jason Blum y su compañía Blumhouse Pictures con la cinta de terror sobrenatural «The Darkness«, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y que podéis ver a final de página. Greg McLean bastante activo últimamente y que en estos momentos está terminando de rodar su siguiente film «The Belco Experiment» con guión a cargo de James Gunn y trabajando en la adaptación como serie de televisión de su «Wolf Creek» estrenará la película en Estados Unidos para el próximo 13 de mayo de 2016.

En «The Darkness» vemos como Kevin Bacon da vida al padre de una familia que ha ido de vacaciones a visitar el Gran Cañón de Colorado, pero lo que nadie se esperaba era que iban a llevarse con ellos un souvenir que contiene una fuerza sobrenatural que se alimenta de sus propios temores y vulnerabilidades.

La película está interpretada por Kevin Bacon, Radha Mitchell, David Mazouz, Lucy Fry, Matt Walsh, Jennifer Morrison, Parker Mack, Ming-Na Wen, Paul Reiser, Tara Lynne Barr, Jamie Bernadette y Ilza Rosario.

«Eva no duerme» review

Por Administrador 13/02/2016 12/04/2016 Peliculas

Eva Perón ha muerto. Es la figura más amada y más odiada de Argentina. Un gran especialista se encarga de embalsamarla. Tras meses de trabajo logra un resultado perfecto. Pero se suceden una serie de golpes de Estado en Argentina y algunos dictadores quieren borrar el legado de Evita de la memoria popular. Su cuerpo se convierte entonces en el centro de una confrontación que durará 25 años. 25 años durante los cuales Evita ha sido una figura más poderosa que cualquier político vivo.

«Eva no duerme» coproducción entre Argentina, Francia y España parte de una premisa a priori de lo más interesante, la de combinar imágenes históricas documentadas con otras friccionadas para contarnos un periplo y sobre todo la enorme influencia en lo social y emocional que tuvo el cuerpo embalsamado de Eva Perón en la historia de Argentina a lo largo de 25 largos y convulsos años, presentados en un prólogo y un epílogo separados por tres episodios narrativos centrales friccionados y titulados respectivamente “el embalsamador”, “el transportador” y “el verdugo”. En el primer corte vemos como el doctor Ara interpretado por Imanol Arias nos llega a introducir en un pasaje que circunvala entre la poética y la necrofilia con un tono levemente dantesco, en “el transportador” asistimos a una suerte de metáfora sobre la supuesta obediencia ciega impuesta por una sociedad de régimen autoritario reflejado en un tenso enfrentamiento entre un soldado raso y su superior (con una interpretación imposible en lo concerniente a su supuesta credibilidad a cargo de Denis Lavant), el tercero y el posiblemente más conseguido es “el verdugo”, se centra en el secuestro del general Aramburu que interpreta Daniel Fanego, en una encarnación del régimen que deriva por momentos hacia lo más puramente paternalista y reflexivo, todo ello sirviéndose de un tono claramente claustrofóbico (todas las acciones acontecen en lugares oscuros y cerrados) el resultado final del film termina siendo algo irregular, su director Pablo Agüero expone más que discierne, da la impresión de permanecer quizás demasiado distante con respecto al espectador dando lugar a una cierta frialdad temática y del mismo modo esa irregularidad antes mencionada se vislumbra de manera bastante notoria en lo referente a sus segmentos, algunos más acertados que otros en su exposición.

A falta de un posicionamiento más incisivo en lo concerniente a su discurso político «Eva no duerme» sin embargo sí que sabe utilizar (posiblemente de forma algo irregular) la figura de un símbolo para estudiar en parte ese pensamiento encontrado y tan característico en el pueblo argentino de continuas crispaciones y polarizaciones extremas, ya no solo en el ámbito político-social sino en lo referente a un comportamiento bastante más generalizado dentro de la psique de sus propios habitantes, lástima que el atrevido planteamiento formal que nos propone Pablo Agüero no termine de encontrar una coherencia más sólida, la narrativa algo desquebraja no termina de posicionarse de una manera adecuada ni por la ficción ni por lo documentado, aunque posiblemente y de forma algo intermitente sí que funcione como relato de tono casi fantasmal, a modo de una utópica suposición o recreación de lo que pudo haber acontecido y que finalmente no fue.

Pese a que su conceptualidad cinematográfica está cargada de un evidente interés (especialmente subrayado en ese hipnótico prologo) «Eva no duerme» termina por dar la sensación de estar algo desaprovechada en lo referente a lo que es su síntesis, la historia del periplo del cadáver de Eva Perón durante 25 largos años, desde su muerte hasta su multitudinario entierro en Argentina era el caldo perfecto para una obra cinematográfica (que suponemos está por llegar) de mucho mayor empaque, aun así los riesgos que Pablo Agüero asume en el film y la exposición que hace de las distintas implicaciones existentes en el imaginario colectivo del pueblo argentino hacen del producto algo tan ligeramente imperfecto como atrayente en su modo de contar la historia de un rostro que a todas luces trascendió a su propia muerte.

Valoración 0/5:2’5

Tráiler de «L`avenir», lo nuevo de Mia Hansen-Løve

Por Administrador 12/02/2016 12/04/2016 Tráilers

Empezamos a repasar algunas de las películas que estos días se podrán ver en el festival de Berlín, «L’avenir» cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes supone el quinto largometraje de la autora gala Mia Hansen-Løve, una de las cineastas con más auge del momento en Francia y de la que aún tenemos el buen sabor de boca que nos dejó su ultimo film, ese notable y apabullante electrofilm generacional que es «Eden«. «L’avenir» con Isabelle Huppert al frente del reparto competirá por el Oso de Oro en la Berlinale, su estreno en Francia está previsto para el próximo 2 de marzo y al parecer marca un alejamiento en el tema de la juventud (muy recurrente en la filmografía de Mia Hansen-Løve ) para adentrarse en las vicisitudes emocionales que acontecen en una edad algo más adulta.

En «L’avenir» vemos como Nathalie enseña filosofía en una escuela secundaria de París, ella es una apasionada de su trabajo que pasa los días disfrutando con el placer de pensar. Casada y con dos hijos, divide su tiempo entre su familia, sus ex alumnos y una madre muy posesiva, un día, el marido de Nathalie anuncia que la abandona por otra mujer. Con esta inesperada y en principio no deseada libertad, Nathalie se verá obligada a reinventar su propia vida.

La película está interpretada por Isabelle Huppert, Edith Scob, Roman Kolinka, André Marcon, Sarah Le Picard, Solal Forte y Marion Ploquin.

Acción desmedida en modo subjetivo, tráiler y póster de «Hardcore Henry»

Por Administrador 11/02/2016 12/04/2016 Tráilers

Tras su paso por la pasada edición del festival de Toronto dentro de la sección Midnight Madness mucho se ha hablado de «Hardcore Henry» de Ilya Naishuller (creador del increíble videoclip Biting Elbows: Bad Motherfucker), un film de acción futurista con la particularidad de estar rodada íntegramente en primera persona, casi a semejanza de un videojuego POV, su tráiler oficial que acaba de aparecer y que podéis ver junto a su póster y algunas de sus imágenes a final de página nos indica que estamos ante toda una curiosidad de tono adrenalítico. «Hardcore Henry» que cuenta con Timur Bekmambetov como productor tiene previsto su estreno en Estados Unidos para el próximo 8 de abril.

La sinopsis oficial también en modo subjetivo de «Hardcore Henry» es la siguiente: No recuerdas nada, principalmente porque acabas de ser devuelto a la vida por tu mujer, elle te dice que tu nombre es Henry, felicidades, ahora eres un cyborg. Cinco minutos después, tú mujer ha sido secuestrada y probablemente deberías ir a rescatarla. ¿Quién la retiene? Su nombre es Akan, un megalomaníaco psicópata con poderes telekinéticos con un ejército interminable de mercenarios. Además, estás en la Moscú, una ciudad extraña para ti en donde todo el mundo te quiere muerto, todos excepto un misterioso colega británico llamado Jimmy, él puede que esté de tu parte, buena suerte, Henry, parece que realmente la vas a necesitar…

La película está interpretada por Sharlto Copley, Haley Bennett, Danila Kozlovsky, Cyrus Arnold, Ilya Naishuller, Will Stewart y Darya Charusha.

Werner Herzog. Espejismos de sueños olvidados

Por Administrador 10/02/2016 12/04/2016 Libros

La escritura cinematográfica de Werner Herzog ha devenido la representación de los avatares del dispositivo cinematográfico a caballo entre finales del siglo pasado y comienzos del presente. La hibridación entre ficción y realidad ha acompañado la constante búsqueda de una verdad cinematográfica de naturaleza poética y extática por parte de este cineasta apátrida a lo largo de una filmografía transitada por una galería de personajes conformada por individuos desarraigados, marginales y marcados por la diferencia en rebelión contra una sociedad (cuya tendencia represora Herzog desenmascara con insistencia) que los rechaza. El dispositivo herzoguiano ubica en el centro de su universo fílmico aquello que los modelos de representación hegemónicos flanquean y soslayan, pues el del autor de Fitzcarraldo es, en forma y en contenido, un cine de la alteridad, de la diferencia.

La presente monografía se vertebra a partir de ensayos escritos por diversos autores (que constituyen un muestrario de heterogéneas metodologías) en torno a aspectos temáticos, narrativos y/o formales de su obra y del análisis de gran parte de su filmografía, en los que afloran los grandes temas que el realizador aborda en sus películas: el fantasma de la locura, el éxtasis, el fanatismo, el choque intercultural, las barreras para la genuina expresión humana y la rebelión del individuo contra la sociedad, las circunstancias vitales y/o las fuerzas naturales, entre otros.

1. ITINERARIOS

Introducción. El enigma de Werner Herzog

Rubén Higueras Flores

Herzog o el outsider que caminó al margen del Nuevo Cine Alemán

Carlos Tejeda

Nadie puede venir a jugar conmigo

Mariel Manrique

Lógicas del delirio: Marginación y locura en el cine de Werner Herzog

Fran Benavente y Glòria Salvadó

Fuego lento

Gonzalo de Lucas

Un mundo sin leones: Interacción cultural en el cine de Werner Herzog

Ignacio Pablo Rico

Volando con los pies. Lo físico y lo sublime en el cine de Werner Herzog

José Francisco Montero

Deseo de ser piel roja

Hilario J. Rodríguez

Werner Herzog y la arqueología del paisaje

Iván Pintor Iranzo

El mundo como metáfora. La antropología alucinada de Werner Herzog

Josep M. Català Domènech

La verdad “extática”

Beatriz Navas Valdés

Herzog y el documental intervenido, una visión extática del colapso terrícola

Josetxo Cerdán y María del Mar López Ligero

El tránsito del murciélago: Irrupciones de lo fantástico en el cine de Werner Herzog

Albert Elduque

El despertar de la conciencia. La banda sonora en la filmografía de Werner Herzog

Jonay Armas

Un narrador a contracorriente: La voice over en el cine de Herzog

Carlos Tejeda

De la naturaleza. Apuntes sobre género y forma en la escritura del diario Conquista de lo inútil

Santiago Fillol

2. FILMES

Explosiones: Signos de vida (Lebenszeichen, 1968)

José Francisco Montero

Testimonio de las vanguardias: También los enanos empezaron pequeños (Zwerge haben klein angefangen, 1970)

Enrique Pérez Romero

El limbo de los inocentes. El país del Silencio y la oscuridad (Land des Schweigens und der Dunkelheit, 1971)

José Miguel Burgos Mazas

El hambre y los sueños de los conquistadores: Aguirre, la cólera de Dios (Aguirre, der Zorn Gottes, 1972)

Albert Elduque

El jinete del caballito de madera: El enigma de Gaspar Hauser (Jeder für sich und Gott gegen alle, 1974)

Alexander Zárate

Crónos e ironía: Corazón de cristal (Herz aus Glas, 1976)

Luis Miranda

Mesmerismos herzoguianos: Stroszek (1977)

Carlos Reviriego

Woyzeck (1979), o una investigación sobre un ciudadano bajo toda sospecha

Santiago Rubín de Celis

El fantástico naturalismio de un relato vampírico: Nosferatu, vampiro de la noche (Nosferatu: Phantom der Nacht, 1979)

Núria Bou y Xavier Pérez

Autor, autor: Fitzcarraldo (1982)

Diego Salgado

El dios Herzog. Donde sueñan las verdes hormigas (Wo die grünen Ameisen träumen, 1984)

José Miguel Burgos Mazas

“La situación puede que se nos vaya de las manos”: Cobra Verde (1987)

Santiago Rubín de Celis

Signos de muerte, señales de vida: Ecos de un reino oscuro (Echos aus einem düsteren Reich, 1990)

Nacho Cagiga

La conquista de una imagen: Grito de piedra (Cerro Torre: Schrei aus Stein, 1991)

Hilario J. Rodríguez

La oscura fuerza de la identidad: Invencible (Invincible, 2001)

Pablo Ferrando García

La gramática de la supervivencia: Little Dieter Needs to Fly (1997)

y Rescate al amanecer (Rescue Dawn, 2006)

Nacho Cagiga

Herzog/Kinski: La máscara detrás de la máscara. Mi enemigo íntimo (Mein liebster Feind – Klaus Kinski, 1999)

Aarón Rodríguez Serrano

Cuerpo y espíritu. La rueda del tiempo (Wheel of Time, 2003)

Luis Miranda

El vuelo de una lágrima: The White Diamond (2004)

Alexander Zárate

La Naturaleza no indiferente: Grizzly Man (2005)

Imanol Zumalde

De plumas y antifaces: Encuentros en el Fin del Mundo (Encounters at the End of the World, 2007)

Diego Salgado

La mirada de la iguana: Narrativas audiovisuales dislocadas en Teniente Corrupto (The Bad Lieutenant: Port of Call – New Orleans, 2009)

Aarón Rodríguez Serrano

Shuga: avatares de un paisaje en movimiento. Happy People: A Year in the Taiga (2010)

Pablo Ferrando García

Flamencos rosas: My Son, My Son, What Have Ye Done (2010)

Carlos Reviriego

Epifanía mural: La cueva de los sueños olvidados (Cave of Forgotten Dreams, 2010)

Imanol Zumalde

Viaje al corazón de nuestras tinieblas: Into the Abyss (2011)

Sonia García López

3. OBRA

María Teresa Cabello Ruiz

Autor; Rubén Higueras Flores (Coordinador).; Editorial; Shangrila. Páginas; 448

El lado más irracional y salvaje como vía liberadora, tráiler de «Wild»

Por Administrador 10/02/2016 12/04/2016 Tráilers

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«Wild» recientemente vista en los festivales de Sundance y Roterdam y próximamente en el de Göteborg supone el tercer trabajo tras las cámaras (después de «Jeans» y «The Heart is a Dark Forest») de la actriz y directora alemana Nicolette Krebitz, el film muy bien recibido en ambos certámenes se adentra en el drama de intriga con una clara metáfora fantástica. «Wild» tiene previsto su fecha de estreno en Alemania para el próximo 14 de abril, a final de página podéis ver su primer tráiler junto algunas de sus imágenes.

«Wild» nos cuenta el extraño encuentro entre un lobo salvaje y Ania, desatará una profunda pasión en su interior, rompiendo la monotonía de sus aburridos días. Determinada a cazar a la criatura salvaje, se encontrará sumergida en un mundo natural a medida que una intrépida lujuria por el animal crece, provocando un deseo por su propia sexualidad y cierto desprecio por la armonía social, rechazo que sin embargo atraerá a más gente a su alrededor. A medida que el equilibrio entre ese mundo natural y la civilización moderna se inclina, también lo harán las inhibiciones de Ania, obligándole a cuestionarse la flagrante hipocresía que la rodea.

La película está interpretada por Lilith Stangenberg, Georg Friedrich, Silke Bodenbender, Saskia Rosendahl, Pit Bukowski, Tamer Yigit, Joy Maria Bay y Kotti Yun.

«Fires on the Plain» review

Por Administrador 09/02/2016 12/04/2016 Peliculas

Con la Segunda Guerra Mundial a punto de tocar su fin, el ejército de ocupación japonés en Filipinas está perdiendo peso. Los filipinos muestran una resistencia feroz y los americanos han comenzado su ofensiva. Tamura es de los pocos soldados japoneses que quedan, pero ha cruzado un umbral que lo conducirá a un reino sin amigos, enemigos ni esperanza.

«Fires on the Plain» supone un nuevo y hasta cierto punto coherente paso hacia adelante en la carrera del realizador nipón Shinya Tsukamoto, en esta ocasión se atreve y sale victorioso con la adaptación que reescribe a su manera (como no podía ser de otra manera) de la novela del mismo título de Ooka Shohei publicada en 1951 y que ya fue llevada a la gran pantalla en 1959 (Nobi) por Kon Ichikawa. En «Fires on the Plain» el padre del cyberpunk asiático y realizador de culto lleva a su terreno este clásico del cine bélico japonés y nos da su visión del horror de la guerra en primera persona, una visión expresada casi de forma inmersiva, con un mensaje en las antípodas del socorrido y algo vacuo trasfondo humanista que de vez en cuando suele asomar dentro del propio género, utilizando un concepto de estilo completamente visceral a la hora de filmar, aparentemente tosco, poseedor de continuos y abruptos movimientos de cámara y montaje colérico, mostrándonos un perpetuo estado de alteración sensorial en que hasta el más insignificante ruido se puede llegar a convertir en una seria amenaza de muerte para el protagonista (el propio Shinya Tsukamoto), un compendio inacabable de bombardeo de imágenes y sonidos emparentado en lo formal al inconfundible estilo de su director, una película que nos remite y bebe en parte de la tragedia y el nihilismo que exhibió en su día el cine bélico orquestado por Samuel Fuller, una suerte de survival realista concebido de forma abrumadora y poseedora de una radicalidad en su propuesta que no da lugar en ningún momento a la concesión dentro de un relato que recurre a lo extremo en lo concerniente a su dictado, canibalismo o autoantropofagia a la hora de mostrarnos los horrores nacidos en el frente, aquel en donde las actitudes más abyectas de ser humano pasan casi a ser obligatorias, un tratado, la idea del infierno de la guerra, llevado al máximo paroxismo y alejado de forma consiente del consabido relato antibelicista.

Podríamos aseverar sin riesgo a equivocarnos que casi todo el cine perpetrado por Shinya Tsukamoto transita en la imperiosa necesidad del ser humano en poder modificar, mutar o adecuarse a un determinado contexto, ya tenga lugar en un Tokio totalmente industrializado o una selva filipina escenario de una cruenta guerra, un ensamblaje metafísico que remite a su concepción y su modo de interpretar la evolución humana, un renacer en busca de una vida supuestamente plena, en esta aspecto en «Fires on the Plain» asistimos a un postulado muy concreto, determinado y bastante clarificador, una transfiguración en la animalidad como único medio posible de la supervivencia en medio de la barbarie más absoluta, y que nos conduce irremediablemente a un concepto curiosamente moral y ético en lo referente a lo que es su propio trasfondo. Nadie mejor que Tsukamoto para adentrar al espectador en esa desnuda sensación de la carne cruda, situándose en las antípodas de la frialdad del relato histórico.

«Fires on the Plain» es una nueva demostración, y ya van unas cuantas, de que Shinya Tsukamoto es mucho más que el responsable de la saga «Tetsuo» o el padre del cyberpunk asiático, estamos ante un autor personal, de postulados inquebrantables, plenamente visceral y de difícil digestión para un público de tendencias convencionales, poseedor de una coherencia fílmica llevado al extremo, si en su anterior y extraordinaria «Kotoko» (2011) Tsukamoto analizaba desde una vertiente psicológica y atmosféricamente abrupta los temores maternos en «Fires on the Plain» nos sumerge en una mirada hacia la locura y la irracionalidad, vehiculado en la inmersión pesadillesca de un soldado, en definitiva una nueva demostración del talento uno de los autores más consecuentes, innovadores y rompedores del cine contemporáneo japonés.

Valoración 0/5: 4

Reestreno en cines de la trilogía de Krzysztof Kieslowski, Azul, Blanco, Rojo el próximo 11 de marzo

Por Administrador 08/02/2016 12/04/2016 Noticias

Coincidiendo con el 20 aniversario de la muerte del cineasta polaco Krzysztof Kieslowski «Azul«, «Blanco» y «Rojo» vuelven a las salas de cine. Treinta y tres años después de que «Azul» ganara el León de Oro en el Festival de Venecia y se estrenara en las salas de cine españolas donde la vieron 600.000 espectadores se vuelve a estrenar la obra maestra de Krzysztof Kieslowski. Un sinfín de pequeñas historias sustenta y ornamenta la arquitectura de estos Tres colores (1993-1994). Todo a la sombra de una bandera tricolor tan repleta de significados que sólo un perfil de la talla de Kieslowski podía armar una trilogía tan compleja y convertirse en una obra maestra. Mientras dirigía «Blanco» el cineasta se encargaba del montaje de «Azul» y de escribir el guión de «Rojo«. De este modo el entramado de puentes que conectan los tres trabajos como si fuesen un mismo sistema nervioso va más allá de lo que vemos en pantalla. Kieslowski impregnó cada una de las películas del proceso de confección de las otras dos.

Liberté: El azul. Julie (Juliette Binoche) pierde a su familia en un accidente de coche. De un brusco desgarro, la mujer de uno de los compositores más importantes de la actualidad se encuentra sola, sin ataduras y, por lo tanto, libre. Kieslowski reflexiona sobre el precio que tenemos que pagar para lograr una meta tan ansiada por el ser humano como es la libertad.

Égalité: El blanco. “Esta es una historia sobre la negación de la igualdad. El concepto de igualdad sugiere que todos somos iguales. Sin embargo, yo creo que esto no es cierto. Nadie quiere ser el igual de su próximo. Cada uno quiere ser más igual”. Kieslowski, con sus propias palabras, resume el espíritu de la historia de un inmigrante polaco que no logra retener el sueño de la Europa occidental (esto es, de su mujer francesa) y debe volver a su país de origen. Allí, en una Varsovia que se asoma al capitalismo salvaje, deberá buscar nuevas vías de conseguir su objetivo de abrazar el capitalismo occidental, donde la igualdad es un concepto tan popular como cuestionable.

Fraternité: El rojo. Valentine, el juez Kern y Auguste son tres extraños que van a cruzar sus caminos aunque aún no lo sepan. La ciudad de Ginebra se abre como un entramado de relaciones donde la fraternidad puede mover montañas (Valentine y el juez) o agarrotarse en la garganta como un trago amargo (el novio celoso de la protagonista). Kieslowski sitúa la acción en un país como Suiza, donde diferentes comunidades culturales y religiosas conviven con relativa placidez, y dota al color rojo del calor del amor y de la vida.

Tras su paso por los cines Cameo sacará a la venta en primavera una edición especial aniversario

El terror sobrenatural se aposenta en Irán, primer clip de la prometedora «Under the Shadow»

Por Administrador 08/02/2016 12/04/2016 Tráilers

Ha sido sin lugar a dudas una de las sensaciones vistas en el reciente festival de Sundance, proyectada dentro de la sección Midnight, la coproducción entre Reino Unido y Jordania «Under the Shadow» ha sido recibida muy positivamente por parte de la prensa, haciendo especial hincapié en sus similitudes argumentales con la notable «The Babadook«, dirigido por el debutante Babak Anvari que también se ocupa del guion la película ha sido adquirida por Netflix para su explotación, a final de página y a la espera de un primer tráiler podéis ver un clip de poco más de un minuto que nos indican de una forma breve que posiblemente estemos ante unos de los films de terror más estimulantes del presente año.

«Under the Shadow» nos sitúa en el Tehrán de 1988, cuando la guerra entre Irán e Iraq llega a su octavo año, una madre y su hija son lentamente separadas por las campañas de bombardeos a la ciudad. Mientras intentan sobrevivir juntas al terror un misterioso espíritu maligno las empieza a acechar en su apartamento.

La película está interpretada por Narges Rashidi, Avin Manshadi, Bobby Naderi, Ray Haratian, Arash Marandi, Bijan Daneshmand, Sajjad Delafrooz, Nabil Koni, Hamid Djavadan, Behi Djanati Atai, Amir Hossein Ranjbar, Soussan Farrokhnia, Aram Ghasemy y Houshang Ranjbar.

Programación completa y horarios del OffsideFest 2016

Por Administrador 05/02/2016 12/04/2016 Festivales

En su tercera edición, el festival de cine documental de fútbol de Barcelona ofrecerá 14 documentales largometrajes y 12 documentales cortometrajes que explican apasionantes historias alrededor del fútbol desde un punto de vista social, cultural, histórico y deportivo. Del 9 al 13 del próximo mes de marzo en el Cine Maldà y l’Antiga Fàbrica Damm, el OffsideFest volverá a significar-se cómo una cita imperdible para los amantes de la ecuación cine y fútbol. El OffsideFest 2016 se iniciará el miércoles 9 de marzo con una sesión inaugural en la Antiga Fàbrica Damm, espacio que también acogerá la ceremonia de clausura el domingo 13 de marzo. El resto de proyecciones, siendo una de las principales novedades se celebrarán en el Cinema Maldà.

MIÉRCOLES, 9 DE MARZO – SESIÓN INAUGURAL. ANTIGA FÀBRICA ESTRELLA DAMM

20.15h. El profeta del Gol. Director: Sandro Ciotti.1976. Italia. 110 min. SECCIÓN FORA DE JOC

Johan Cruyff nos presenta su vida en primera persona, desde su infancia en Amsterdam hasta la consecución de sus mayores éxitos como futbolista. Esta película documental nos muestra el día a día y las reflexiones un jugador que está considerado entre los mejores de la historia del fútbol. Un clásico incunable de los documentales de fútbol.

JUEVES, 10 DE MARZO – CINE MALDÀ

16.30h. Llegando a casa. Director: Fernando Kalife. 2016. México. 127 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

Todo club de fútbol nació con un sueño. El Club de Fútbol Monterrey empezó a jugar con camisetas de ropa interior por no tener uniformes, un campo ni mucho menos, una afición. 70 años más tarde el club mexicano ha hecho realidad su sueño construyendo y estrenado el estadio más moderno de todo Latinoamérica. 70 años llegando a casa es la historia del Club de Fútbol Monterrey narrada de viva voz por sus protagonistas: el presidente que se declara en quiebra, lo que quiso matar a un árbitro, el que triunfó con modernas visiones mercadotécnicas pero acabaría en prisión, el único jugador en la historia (él y Pelé) que ha marcado ocho goles en un partido…

19h. Gol de Cuba. Director: Remo Beutels. 2013. Bélgica. 70 min. SECCIÓN FORA DE JOC

El pequeño pueblo de Zulueta es la cuna del fútbol en Cuba. Desde que los inmigrantes españoles llevaron el fútbol a la isla un siglo atrás, los zulueteños han mantenido viva la tradición y el juego se ha convertido en su modo de vida. En verano del año 2010 el pueblo entero está bajo el hechizo del Mundial de fútbol. Es el evento que esperan cada cuatro años y lo disfrutan como nadie en Cuba … quizás como nadie en ningún otro lugar del mundo.

21h. Return to Homs. Director: Talal Derki. 2014. Siria, Alemania. 94 min. SECCIÓN FORA DE JOC

En medio de la guerra civil siria,Return to Homs sigue al portero de la selección nacional de fútbol de 19 años, Abdul Baset Al Saros, y su amigo activista y periodista de 24, Osama al Homs, en su vida cotidiana en Homs, convertida en una ciudad fantasma por los bombardeos realizados por el ejército sirio afín a Bashar al Assad. Con sus sueños desmenuzados Baset y Osama experimentan una transformación vital, pasando de manifestantes clamando por la paz a rebeldes insurgentes.

VIERNES, 11 DE MARZO – CINE MALDÀ

16.30h. Tanger Gool. Director: Juan Gautier. 2015. España. 80 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

Fátima trabaja en Arej, una asociación de uno de los barrios más conflictivos de Tánger, Birchifa coordinando los talleres de jóvenes. Una tarde conoce a las Gacelas del Estrecho, el equipo de futbol femenino local que con muy poca afición detrás, sobreviven gracias a la pasión y esfuerzo de todas ellas. Con la ayuda de varios amigos (Mohcine, el coordinador general de Arej, Sisqo, un profesor de break dance y Tarik el profesor de cine) Fátima decide ayudarlas montando un partido de futbol femenino con un equipo español para crear un evento en la ciudad, darlas mayor visibilidad y crear un puente entre culturas.

18.30h. Geraldinos. Director: Pedro Asbeg, Renato Martins. 2015. Brasil. 72 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

Hace más de 65 años se construyó el Estadio Maracaná en Río de Janeiro, iconográfico testigo de la primera Copa del Mundo en Brasil. Uno de los sectores más emblemáticos del monumental estadio era el Geral, zona destinada a las clases populares por lo económico de las entradas, en la que todo el mundo podía ir ya fuera a ver los partidos, expresar sus puntos de vista o, sencillamente, a hacerse ver. La Geral desapareció con las remodelaciones que se realizaron en Maracaná para el Mundial de 2014. Dirigido por Renato Martins y Pedro Asbeg (ganador del OffsideFest 2015 con el imprescindible Democracia me preto e branco) evoca la figura de estos entrañables amantes del fútbol que se han visto desterrados de Maracaná.

20.30h. I Believe in Miracles. Director: Jonny Owen. 2015. Reino Unido. 104 min. SECCIÓN FORA DE JOC

Inglaterra, 1975: Brian Clough es despedido como entrenador del Leeds United después de sólo 44 días en el cargo. Al parecer, es imposible trabajar con él y la única oferta de trabajo que recibe Clough es de un club de segunda división. Una entidad histórica pero que entonces nadie tenía en cuenta: el Nottingham Forest. I Believe in Miracles es la historia hasta ahora no explicada de cómo el equipo en el que nadie creía y el entrenador que nadie quería consiguieron ganar a los mejores clubes del mundo convirtiéndose en uno de los once más ilustres en la historia del fútbol británico.

23h. Profis. Directores: Christian Weisenborn, Michael Wulfes. 1979. Alemania. 94 min. SECCIÓN FORA DE JOC

Documental de culto de los años setenta que, pegado a los talones de Paul Breitner y Uli Hoeneß, retrata a estas dos estrellas alemanas durante una temporada del FC Bayern de Munich.

SÁBADO, 12 DE MARZO – CINE MALDÀ

16.30h. Calabash. Director: Gerardo Chapa. 2015. Reino Unido. 82 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

Calabash es la historia del primer Mundial de fútbol celebrado en África explicada a través de sus héroes cotidianos. Una familia en el corazón de Soweto que transforma su casa en un establecimiento bed & breakfast, un joven futbolista que sueña poder sacar a su familia de la pobreza y un trabajador de la construcción en el Soccer City Stadium que anhela volver con su familia. Mientras tanto, un seguidor mexicano asiste a su decimotercera Copa del Mundo consecutiva, atravesando Sudáfrica satisfaciendo su insaciable amor por el fútbol. En las semanas previas al torneo, cada personaje ofrece su propia perspectiva sobre una sociedad dividida, donde el máximo escaparate de orgullo nacional es una mera ilusión que revela sus injusticias.

18.30h. Una meravigliosa stagione fallimentare. Director: Mario Bucci. 2015. Italia. 90 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

Una ciudad contaminada por el escándalo de las apuestas de fútbol. Un club en bancarrota. Colectas para pagar los desplazamientos. La campaña viral #compratelabari. Una increíble remontada del puesto decimoséptimo al séptimo. El acceso a los playoffs. Dos subastas por la propiedad del club sin pujadores. Los nuevos propietarios. El contagioso entusiasmo de una ciudad que cree de nuevo en su equipo de fútbol. Hace tres años nadie hubiera querido estar en el lugar de un seguidor del Bari. Hoy todo el mundo quiere vivir una historia como esta.

20.30h. Gascoigne. Jane Preston. 2015. Reino Unido. 90 min. SECCIÓ OFICIAL ESTRELLA

La Copa del Mundo de Italia 90 supuso el renacimiento del fútbol inglés. Su principal figura fue el joven Paul Gascoigne, un jugador que había llegado a la fama con el club de su ciudad, el Newcastle United, y que, con las lágrimas lloradas en la eliminación de Inglaterra en las semifinales, enamoró a toda una nación que lo recibió como un héroe. Gascoigne, sin embargo, también era un espíritu indomable. Este documental es la historia definitiva de una vida con capítulos extraordinarios dentro del campo y muchas páginas hirientemente cautivadoras fuera de él.

23h. The Art of Football. Director: Hermann Vaske. 2006. Alemania. 90 min. SECCIÓN FORA DE JOC

La guía futbolística más completa presentada por John Cleese, toda una leyenda de la comedia, miembro de los fundamentales Monty Python. De la A a la Z, los mejores goles en las jugadas más espectaculares, con entrevistas a iconos de la cultura, sociedad y política como Dave Stewart, Dennis Hopper y Henry Kissinger, así como la aportación de futbolistas emblemáticos como, entre otras, Pelé, Mia Hamm y Thierry Henry; The Art of Football teoriza (con mucho humor) sobre el más bello de los juegos y analiza su influencia en la cultura.

DOMINGO, 13 DE MARZO – CEREMONIA DE CLAUSURA. ANTIGA FÀBRICA ESTRELLA DAMM

16.30h. White, Blue & White. Director: Camilo Antonoli. 2014. Estados Unidos. 60 min. SECCIÓN FORA DE JOC

Son muchos los futbolistas argentinos que han triunfado lejos de su casa, pero muy pocos los que han logrado hacerse un nombre en Inglaterra. Ossie Ardiles es una excepción. Miembro de la selección argentina que conquistó la Copa del Mundo de 1978, esa misma temporada Ardiles y su compatriota Ricky Villa ficharían por el Tottenham Hotspur, convirtiéndose en una pieza fundamental del once que ganó la FA Cup el año 1981. Todo caviar radicalmente, sin embargo, el 2 de abril de 1982, fecha en que las tropas argentinas entraron en las Malvinas reclamando la soberanía de unas islas gobernadas por los británicos. Ardiles volvió a Buenos Aires dos días más tarde. De pronto se truncaba su brillante futuro con los Spurs. Una producción del prestigioso canal ESPN dirigida por Camilo Antonoli, cineasta argentino que ha trabajado en largometrajes tan destacados como El Mismo amor, La misma lluvia, El hijo de la novia o Luna de Avellaneda.

18.30h. Looking For Barcelona. Director: Stefano Cafiero. 2012. Francia. 52 min. SECCIÓN FORA DE JOC

En Barcelona dos clubes han competido durante más de un siglo. Desde su fundación, cada uno refleja una concepción diferente de la identidad catalana: la independencia desde el FC Barcelona; la apolítica, el Espanyol. Aquí, como en Manchester y Milán, las personas nacen en un lado o el otro, destinadas desde la cuna a convertirse en culés o pericos. Durante 100 años, los dos clubes y sus seguidores, han desarrollado sus propios códigos, sus propias leyendas, y han creado sus mitos y héroes. En este documental, Eric Cantona nos sumerge en la historia de dos identidades rivales, un deporte, una ciudad y un país.

20h. Entrega de premios

SECCIÓN PASSADA EN CURT

– Comercial Futebol Clube

– El otro Superclásico

– FCB Vs BVB Worldwide

– Futebol é pai

– Jasser

– Los otros sueños

– Muerte o gloria

– Os Boias-Frias do Futebol

– Padres Hooligans

– The Berlin Final

– The Global Language

– Watching the Ball

Red band tráiler de la genial «Green Room»

Por Administrador 05/02/2016 12/04/2016 Tráilers

El estudio A24 acaba de lanzar un primer Red band tráiler que podéis ver a final de página junto a tres de sus pósters de «Green Room«, el nuevo film de Jeremy Saulnier (Blue Ruin) que tan buenas sensaciones nos dejó en el pasado Festival de Sitges, la película de la que próximamente publicaremos una extensa review es un admirable ejercicio de estilo, un trabajo de tensión fílmica bien llevado que no decae en prácticamente ningún momento de su metraje, y que bebe muy especialmente de un cierto cine de acción orquestado en los setenta (las referencias a «Assault on Precinct 13» de John Carpenter o «The Warriors» Walter Hill son muy evidentes). La película aun sin distribución en España se estrenará en Estados Unidos el próximo 15 de abril.

«Green Room» nos cuenta como los miembros de una banda punk, tras perderse en una zona aislada, se topan con un horrendo acto de violencia. Debido a que son los únicos testigos, se convierten en el blanco de una pandilla aterradora de skinheads.

La película está interpretada por Patrick Stewart, Anton Yelchin, Imogen Poots, Alia Shawkat, Mark Webber, Taylor Tunes, Joe Cole, Brent Werzner, October Moore, Cody Burns, Mason Knight, Eric Edelstein, Audrey Walker, Samuel Summer, Kasey Brown, Kai Lennox y Macon Blair.

Kubrick en el laberinto. Teoría y Crítica de la obra de Stanley Kubrick

Por Administrador 04/02/2016 12/04/2016 Libros

El cine de Stanley Kubrick es un fascinante enigma tanto por los extraordinarios recursos estilísticos que despliega el director desde su primera película como por los temas que aparecen de forma recurrente en su filmografía.

En Teoría del cine. La redención de la realidad física, Siegfried Kracauer aplica los principios de la dialéctica de Hegel a la evolución del cine: los hermanos Lumière y la representación de la realidad establecieron la tesis y Georges Méliès estableció su antítesis, el ilusionismo total. El cine de Kubrick bien puede representar la síntesis de ese proceso: entre las tomas de Greenwich Village de su cortometraje Day of the Fight y el viaje hacia Júpiter y más allá del infinito de 2001: una odisea del espacio; entre sus reportajes fotográficos y los motivos góticos de El resplandor; o entre la luz natural y la luz vacilante de las velas de Barry Lyndon y la luz azulada que ilumina las calles de la Nueva York fantasmagórica y onírica de Eyes Wide Shut, el espectador encuentra un laberinto, tal vez de una sola línea, en el que resulta fascinante perderse.

Autor; Luís Laborda Oribes.; Editorial; QUARENTENA. Páginas; 168

«Jeruzalem» review

Por Administrador 04/02/2016 12/04/2016 Peliculas

Durante el Yom Kipur, dos jóvenes americanas visitan Jerusalén de la mano de un atractivo estudiante de antropología. El momento no podía ser más desacertado: las vacaciones y las fiestas desembocarán en un apocalipsis bíblico y el trío deberá encontrar la manera de salir de una ciudad santa convertida en un auténtico infierno.

El found footage o en su defecto el mockumentary ha sido de una forma clara un estilo narrativo (especialmente muy direccionada hacia el género fantástico) que para bien o para mal en estos últimos años ha sido tan abundante en número como poco esclarecedor a la hora de presentar una propia evolución en lo referente a poder discernir nuevos parámetros genéricos en la que los nuevos realizadores puedan encontrar nuevas vías creativas a desarrollar, un subgénero en cierta manera algo contradictorio en sí mismo, por una parte en un perfecto medio con el que esos directores, en su mayoría primerizos, pueden presentar sus primeras propuestas, el escaso presupuesto por el que se suele caracterizas este tipo de trabajos ayuda bastante a ello, pero por otra parte estamos ante un estilo narrativo claramente encorsetado en sus propias limitaciones dada su naturaleza, muy poco proclive a innovar estilos u ofrecer nuevas vías creativas dando lugar a una repetición que deriva en saturación tanto de ideas como de esquemas.

«Jeruzalem» de los hermanos israelíes Doron y Yoav Paz podría definirse como una perfecta síntesis de lo arriba comentado, un film que en parte sabe hacer uso de las prestaciones del medio narrativo pero que no llega a ofrecer nada nuevo o novedoso dentro del mismo, de no ir mas allá, una película que si aceptas según que reglas puede llegar a ser hasta disfrutable en según que conceptos aunque la trascendencia del producto sea completamente limitada por no decir nula. «Jeruzalem» pese a contar con un presupuesto modesto este no es ínfimo (algo importante), en este respecto sabe sacar cierto jugo, especialmente de sus escenarios, no ya solo de los lugares emblemáticos de la ciudad, el Santo Sepulcro etc, sino también del uso que otorga a las laberínticas calles de Ciudad Vieja o a ese manicomio abandonado a la suerte del averno, sin embargo en lo referente a sus personajes el film se resiente de una inconsistencia muy notoria, ni en la presentación ni en su posterior desarrollo de estos se percibe un atisbo que pueda llegar a interesar en lo más mínimo, podríamos estar hablando de un estereotipo plano de personaje muy habitual dentro del found footage.

Una película como «Jeruzalem» termina por posicionarse justo entre medio de dos facciones claramente diferenciadas, los habituales no partidarios del found footage y que dada la falta de originalidad del producto no transigirán en lo más mínimo a la hora de enjuiciarla de una forma benévola, y aquellos que la salvaran de la quema, los que piensan que este estilo narrativo aún puede dar más de sí, aunque solo sea a un nivel de ligero disfrute fan, con respecto a este apartado convendría resaltar un par de apuntes, en el film de los hermanos Doron y Yoav Paz hay ligeras ideas y conceptos (algo escasos eso sí) que hacen de la propuesta al menos algo entretenida, por un lado tenemos la excusa de la utilización de la Google Glass a la hora de registrar todo lo que sucede, mucho más verosímil que la típica cámara de video que no deja de estar rodando pese a estar rodeado de hordas de zombies, monstruos y demás peligros, y otra la didáctica y por momentos claustrofóbica utilización de la ciudad milenaria como principal escenario, todo lo demás no deja de ser más de lo mismo aun así «Jeruzalem» posee una utilización del ritmo más que aceptable, en definitiva un film que pese a sus limitaciones y ser poco exigente en sus postulados termina convirtiéndose un producto valido y entretenido por momentos, soy de los que piensan que el found footage pese a la mucha morralla que habita en ella es mucho más que un simple boom, y que ha dado películas muy a tener en cuenta, «C’est arrivé près de chez vous», «The Blair Witch Project», «[REC]», «The Sacrament», «The Borderlands» o incluso ese blockbuster de alto presupuesto que es «Cloverfield» por poner solo algunos ejemplos que me vienen a la cabeza a bote pronto, films estos que han dado pistas del camino a seguir, solo es cuestión de no seguir la corriente de la gran mayoría y aplicar un poco de originalidad al producto en cuestión.

Valoración 0/5.2’5

La fría exploración de una víctima de la sociedad, tráiler de «Já, Olga Hepnarová»

Por Administrador 03/02/2016 12/04/2016 Tráilers

Empezamos a hablar de algunas de las películas que se podrán ver en el inminente festival de Berlín, «Já, Olga Hepnarová« film rodado en blanco y negro y debut en la dirección a cargo de Petr Kazda y Tomás Weinreb y que se podrá ver dentro de la sección Panorama nos cuenta la historia real de Olga Hepnarová, la última mujer ajusticiada públicamente en la antigua Checoslovaquia, desvelándonos a través de los testimonio de la joven los motivos que la llevaron a cometer los crímenes por lo que fue ejecutada. El tráiler de la película (basada parcialmente en el documental del 2009 «Everything Is Crap«) podéis verlo a final de página.

«Já, Olga Hepnarová» es la historia Olga, una joven lesbiana algo solitaria y desesperada por liberarse de una familia carente de sentimientos y atada a las convenciones sociales. Aunque ella haya tenido algún amante femenino ocasional no consigue formar un vínculo emocional con ninguna de ellas, en lugar de eso choca una y otra vez con un comportamiento incapaz de conectar con otras personas, esta película nos cuenta la historia de la corta vida de una joven mujer extremadamente solitaria que se convirtió en una asesina en serie cuando el 10 de julio de 1973 –el día en el que acaba de cumplir 22 años – conduce un camión alquilado contra un grupo de personas, matando a ocho de ellas. En una carta reconociendo su delito ella escribe que buscó vengarse de un mundo en la que ella se sintió odiada. A pesar de los claras indicios de que tenía serios trastornos mentales fue ejecutada, convirtiéndose en la última mujer ajusticiada públicamente en Checoslovaquia.

La película está interpretada por Michalina Olszańska, Marika Šoposká, Klára Melíšková, Petra Nesvačilová, Jan Novotný, Lukáš Bech, Juraj Nvota, Pavel Neškudla, Gabriela Míčová, Marta Mazurek, Roman Zach, Ondřej Malý, Martin Pechlát, Malwina Turek, Magdaléna Borová, Zuzana Stavná, Martin Finger, Martina Eliášová y Viktor Vrabec.

Mini-Ciclo William Friedkin en el mes de febrero de Phenomena

Por Administrador 02/02/2016 12/04/2016 Eventos

Dentro de la cada vez más abundante e interesante programación que nos viene ofreciendo en Barcelona Phenomena vamos a destacar en este mes de febrero un mini-ciclo compuesto por tres decisivas películas dirigidas por el gran William Friedkin, un director capital y una propuesta de lo más loable la llevada a cabo por Phenomena sobre todo cuando se trata de tener la oportunidad de descubrir películas tan difíciles de ver hoy en día en una pantalla grande como son A la caza, un sórdido y polémico en su estreno thriller basada en la novela Cruising del periodista del New York Times Gerald Walker. Por otra parte también se podrá ver la versión restaurada del montaje del director de Sorcerer, adaptación de la novela de Georges Arnaud El salario del miedo (llevada anteriormente al cine por Henri Georges-Clouzot) y por ultimo Killer Joe, el último film dirigido por el director e inédito en las salas de cine de nuestro país.

Killer Joe. Lunes 15 Febrero. 17:35 h

Dir. William Friedkin, 2011 • USA • 103′ • DCP • VOSE

Int. Matthew McConaughey, Emile Hirsch, Thomas Haden Church, Gina Gershon

Un padre y su hijo planean acabar con la vida de su madre para quedarse con el dinero de su seguro de vida. Para ello, contratan los servicios de ‘Killer Joe’ Cooper (McConaughey), policía y asesino a sueldo.

Sorcerer. Jueves 18 Febrero. 19:20 h

Dir. William Friedkin, 1977 · USA · 121′ · DCP · VOSE

Int. Roy Scheider, Bruno Cremer, Amidou, Francisco Rabal

Una compañía busca a cuatro trabajadores que sean capaces de trasladar una peligrosa carga de explosivos hasta las instalaciones de una empresa petrolífera, y evitar así que un incendio acabe con el pueblo cercano. Cuatro fugitivos aceptan el encargo para llevar el camión cargado de dinamita.

A la caza. Cruising. Viernes 19 febrero. 20:00 h

Dir. William Friedkin, 1980 · USA · 102′ · DCP · VOSE

Int. Al Pacino, Paul Sorvino, Karen Allen, Richard Cox

Steve es un joven agente de policía que debe crearse una nueva identidad para infiltrarse en los ambientes gays más sórdidos de Nueva York y conseguir dar con el rastro de un asesino en serie que ha descuartizado a varios homosexuales.

«Tenemos la carne», un universo alegórico para el nuevo cine mexicano

Por Administrador 01/02/2016 12/04/2016 Tráilers

El debut en la dirección del mexicano Emiliano Rocha está dando que hablar tras su premier en Festival de Rotterdam dentro de la sección Bright Future, «Tenemos la carne» We Are the Flesh en inglés, cuyo primer tráiler y póster podéis ver a final de página es un thriller post-apocalíptico que se presenta como una apuesta arriesgada y de lo más inquietante y que representa a la perfección el surgimiento de esa nueva ola de jovenes cineastas mexicanos. La película esta escrita por el propio Emiliano Rocha y co-producida por Yann González, Sebastián Hofmann, Carlos Reygadas y Natalia Lopez.

«Tenemos la carne» se centra en la turbulenta historia de dos jóvenes hermanos, Lucio y Fauna, que después de vagar durante un tiempo por una ciudad post-apocalíptica totalmente devastada y en ruinas, se encuentran en su camino con uno de los últimos edificios que se mantienen en pie, en su interior malvive un hombre que les hace una extraña y peligrosa oferta de convivencia. Le ayudaran a transformar el edificio en una especie de cueva-matriz mientras que una inquietante y malsana relación sexual ve la luz, ira apareciendo una dinámica en la que los instintos más oscuros harán su labor destructiva.

La película está interpretada por Noé Hernández, María Evoli, Diego Gamaliel.

Un futuro post-apocalíptico muy poco esperanzador, primer tráiler de «The Survivalist»

Por Administrador 01/02/2016 12/04/2016 Tráilers

Una de agradables sorpresas vistas durante el pasado festival de Sitges (Premio al Mejor Director Novel) fue sin duda «The Survivalist«, el prometedor debut tras las cámaras de Stephen Fingleton que también se ocupa del guion, «The Survivalist» cuyo primer tráiler junto a su póster y algunas de sus imágenes podéis ver a final de página se inscribe de lleno en el relato post-apocalíptico de marcado tono real, casi dramático, y nada complaciente en lo referente a lo que es su historia, una visión dura y áspera en todo lo que se nos muestra, una película que tiene ecos y bebe mucho del tono y estilo visto del «The Road» de Cormac McCarth. El film tiene previsto su estreno en Gran Bretaña para este mismo mes de febrero.

«The Survivalist» nos sitúa en un futuro distópico en dónde la tecnología se ha desmoronado por completo y la poca civilización que queda se muere de hambre a consecuencia de como la mayoría de los recursos naturales del planeta se han ido prácticamente agotando dando lugar al caos y a la ley del más fuerte, un hombre vive aislado, protegiendo su granja de una banda de enmascarados que acechan la zona. La llegada de Kathryn y su hija Milja altera la precaria estabilidad del hombre, forzando una difícil y áspera convivencia.

La película está interpretada por Martin McCann, Mia Goth, Olwen Fouere, Caitlin Deeds, Ciaran Flynn, Dexter Louca Godfrey, Ryan McParland, Hussina Raja, Douglas Russell y Andrew Simpson.

«Carol» review

Por Administrador 30/01/2016 12/04/2016 Peliculas

Nueva York, años 50. Therese Belivet (Rooney Mara) es una joven dependienta de una tienda de Manhattan que sueña con una vida mejor cuando un día conoce a Carol Aird (Cate Blanchett), una mujer elegante y sofisticada que se encuentra atrapada en un matrimonio infeliz. Entre ellas surge una conexión inmediata que irá haciéndose más intensa y profunda, cambiando la vida de ambas para siempre.

Con «Carol«, adaptación de la novela autobiográfica de Patricia Highsmith, ‘El precio de la sal’ Tod Hayness se postula de una forma definitoria como uno de los más lúcidos cronistas de personajes y las vicisitudes de estos a la hora encajar de algún modo dentro de un concreto contexto en el que no termina de llegar a encajar, ya sea ubicados en una determinada demarcación geográfica, temporal y sobre todo social. Si repasamos por encima la breve pero muy estimulante filmografía de Tod Hayness vemos como está marcada por dos pautas muy concretas y concisas, por un lado tenemos esa reivindicación de ser aceptado por lo que cada uno es, un canto a la libertad especialmente direccionada a la sexualidad del individuo («Poison», «Far from Heaven») y otra correlacionada, la encaminada hacia el discurso o la mirada de la mujer dentro de la sociedad en la que vive (prácticamente todo sus títulos circunvalan a través de ese posicionamiento aunque no veo mejor ejemplo que su extraordinaria «Safe» como síntesis de dicho concepto), «Carol» podríamos aseverar que termina convirtiéndose en un perfecto e inmejorable compendio de estas dos vías antes citadas.

Si una palabra define a un film de las características de «Carol» este sería el de la sutileza, o puestos a incluir una segunda la de la exquisitez en todo lo concerniente a su concepción cinematográfica, estamos ante una película notable en la forma, pero sobre todo excelente en el fondo, no veo mejor ejemplo a la hora de exponer en imágenes y narrativa como lo que en un principio puede parecer algo menor, aparentemente sencillo o vacuo termina convirtiéndose en un relato lleno de elegancia en sus imágenes y repleto de matices en lo referente a su historia y muy especialmente en unos diálogos repletos de doble significado, muy visible en la mutua seducción llevada a cabo por las dos mujeres y el posterior conflicto que supondrá dicha decisión para sus algo infelices vidas. Hayness sabe ofrecer planos de una delicadeza sublime, vemos como esos movimientos de cámara son extremadamente dulces, cualquier movimiento es suave en perfecta consonancia al mimo con que son tratados sus personajes. En referencia a este posicionamiento o declaración de formulismos cinematográficos no deja de ser algo curioso el completo distanciamiento o más bien reverso en que el film de Tod Hayness se sitúa con respecto a otro film exitoso que transitaba por una historia parecida, «La vie d’Adèle» de Abdellatif Kechiche nos ofrecía un relato explícito en lo referente a todo su basto contenido acerca de un relación de amor lésbica, «Carol» se sitúa en las antípodas de este concepto al ofrecernos un muy lúcido retrato de lo que va sintiendo de manera progresiva las dos mujeres protagonistas, lo que expresan y sobre todo lo que no, sus largos silencios y su necesidad imperiosa de querer huir o verse obligadas a quedarse, un catálogo repleto sentimientos en donde la profundidad psicológica se erige como principal activo del tratado que Hayness nos quiere proponer, todo ello termina por estar descrito con belleza muy inusual de ver hoy en día en la gran pantalla.

«Carol» es ese tipo de cine que con el tiempo perdurará de forma obligada, que logra elevar la categoría del hoy algo denostado cine romántico, no solo ya por los referentes de índole podríamos decir independiente que posee, la interpretación de Cate Blanchett y Rooney Mara, Cartel Burwell y su ceñida banda sonora o la portentosa fotografía llevada a cabo por Ed Lachmann, Tod Hayness sabe cómo orquestar y sincronizar cada instrumento de los que dispone con sobrada solvencia, para terminar por establecer un relato a través de un bien llevado clasismo que traspasa toda posible superficialidad habitual en un cierto tipo de estas producciones y que dadas las características que poseía el film se podía llegar a incurrir de forma clara en ello, más bien todo lo contrario, «Carol» es un bello y sincero estimulo visual, ese tipo de cine en definitiva que consigue elevar espíritus en lo concerniente a lo más estrictamente emocional, algo que parece tan sencillo pero tan difícil de llevar a cabo.

Valoración 0/5:4

«Pre Vis Action», el cortometraje samurái de Gareth Evans

Por Administrador 28/01/2016 12/04/2016 Noticias

Gareth Evans responsable de títulos como «Merantau«, «The Raid 1 y 2» y su segmento «Safe Haven» del film colectivo «V/H/S 2» acaba de publicar en su canal de YouTube un cortometraje titulado «Pre Vis Action» que podéis ver a final de página, un trabajo sin diálogos rodado en tres días en blanco y negro y con una duración de poco más de cinco minutos, una pieza en definitiva que casi se podría catalogar de experimento cinematográfico. Según ha comentado en su cuenta de Twitter el realizador británico, dicho cortometraje sirve como una especie de prueba y preparación para ver si era capaz de poder filmar una escena de acción que no fuera violenta (en el corto no hay rastro de sangre) y que pudiera ser apta para todos los públicos.

La acción de «Pre Vis Action» está ambientada en la época de una cruenta guerra civil, a una joven guerrera se le encomienda la tarea de entregar un tratado de tregua entre dos señores rivales. Sin embargo durante su recorrido por el bosque se encuentra perseguida por dos asesinos decididos a interceptar dicho mensaje de paz, en un desesperado intento de mantener el miedo, la inestabilidad y la regla violenta de su líder. El corto está interpretado por Hannah Al Rashid, Yayan Ruhian y Cecep Arif Rahman.

El Cine Carcelario

Por Administrador 28/01/2016 12/04/2016 Libros

Ese «mundo particular», en expresión de Dostoievski, que constituyen las prisiones, donde, como Cervantes señalaba, IItoda incomodidad tiene su asiento y todo triste ruido hace su habitaciónll , ha sido abordado en el cine en multitud de ocasiones, magistralmente en muchas de ellas. En este trabajo un grupo de especialistas y amantes del (buen) cine, se encierran entre los muros de los «talegos» para mostrarnos sus realidades desde muy diferentes prismas. Un mundo poliédrico donde la libertad es sueño y a la vez quimera; donde se agudiza la vista para ver más allá del horizonte y, si hay suerte, se encuentra esperanza y se ahuyentan los fantasmas. Juristas, filósofos, sociólogos y educadores nos trasladan, a través del cine, a estos complejos entornos donde las personas se alzan una y otra vez reivindicando su humanidad. Apagad las luces. Silencio, se rueda.

Autor; Eduardo Torres Dulce, Miguel Abel Souto, Javier Nistal Burón.; Editorial; Tirant lo Blanch. Páginas; 485

Un futuro sin memoria, tráiler de la sci-fi independiente «Embers»

Por Administrador 28/01/2016 12/04/2016 Tráilers

«Embers» primer largometraje de la directora Claire Carre, autora también del guion junto a Charles Spano es un nuevo ejemplo de esa ciencia ficción independiente proveniente de Estados Unidos que últimamente tantos títulos están viendo la luz, un tipo de cine claramente low cost en donde parece imperar especialmente su tono marcadamente minimalista. La película que ha sido comparada como una especie de versión sci-fi poética de «Memento» y que se pudo ver en el pasado festival de Chicago entre otros certámenes y que lo hará próximamente en el Slamdance film festival nos presenta un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster.

«Embers» nos cuenta como tras una pandemia global, los supervivientes intentan buscar sentido a su existencia y las relaciones con los demás en un mundo donde la memoria y los recuerdos han desaparecido por completo.

La película está protagonizada por Jason Ritter, Iva Gocheva, Greta Fernández, Tucker Smallwood, Karl Glusman, Roberto Cots y Dominique Swain.

Año: 2016