Tráiler y póster para lo nuevo de Brandon Cronenberg «Infinity Pool»

Aprovechando el anuncio de las primeras películas que estarán presentes en la próxima edición del Festival de Sundance acaba de ver la luz un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Brandon Cronenberg titulado Infinity Pool. Película, en donde el responsable de Antiviral (2012) y Possessor (2020) vuelve a adentrarse en el terreno de la ciencia ficción y el terror, que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 27 de enero de 2023.
En Infinity Pool vemos como James y Em Foster son una pareja que disfrutan de unas vacaciones de alto standing en la playa ubicada en la isla ficticia de La Tolqa. A raíz de un repentino accidente mortal saldrá a la luz una subcultura perversa del turismo hedonista, la violencia imprudente y los horrores surrealistas del resort.
La película con guion a cargo del propio Brandon Cronenberg está protagonizada por Alexander Skarsgård, Cleopatra Coleman, Mia Goth, Thomas Kretschmann, Amanda Brugel, Caroline Boulton, John Ralston, Jeff Ricketts, Jalil Lespert, Roderick Hill, Adam Boncz, Alan Katic y Alexandra Tóth.

La Casa Encendida. Cine taiwanés: Tiempos de amor, juventud y libertad

Ciclo que mapea la historia del cine de Taiwán y que está compuesto por la proyección de cuatro películas y el curso monográfico Tiempos de amor, juventud y libertad, que se puede seguir presencial u online.
El país, pese a su reducida extensión y contar con apenas 23 millones de habitantes, ha edificado una de las cinematografías más estimulantes del panorama internacional.
El programa del ciclo ha sido diseñado por Javier H. Estrada, crítico, profesor y programador de cine. El curso está apoyado por Nuria Cubas, profesora, programadora y cineasta, y por Gabriel Doménech, profesor y miembro del Grupo de Investigación TECMERIN.
El ciclo ahonda en la cinematografía de Taiwán con la selección de cuatro celebradas películas que, sin embargo, siguen siendo desconocidas para el público español. Componen el programa clásicos como Dangerous Youth (Hsin Chi, 1959); la radiografía del Taiwán contemporáneo God Man Dog (Chen Singing, 2007); Murmur of the Hearts (Sylvia Chang, 2015), que supone una de las cimas de la gran directora Sylvia Chang; y el brillante melodrama estrenado en la Berlinale One Day (Hou Chi-Jan, 2010).
El eje temático común de todas ellas es la dimensión emocional del cine, donde se ven reflejados aspectos como la eclosión del sentimiento amoroso, el deseo irrefrenable o el retorno a las raíces en historias de gran calado sentimental con relatos poblados de personajes envueltos en profundas transformaciones.
El curso monográfico Tiempos de amor, juventud y libertad es un viaje emocional por la historia del cine de Taiwán. Cuatro sesiones dedicadas a la historia de una de las cinematografías más apasionantes del panorama mundial, en la que se estudia la obra de autores clave como Hou Hsiao-hsien y Tsai Ming-liang, pero también se indaga en figuras menos conocidas e igualmente estimulantes. Tiene una duración de cuatro jornadas y se puede seguir en formato presencial u online.
El ciclo y el curso se complementan de forma mutua y pretenden aportar una nueva mirada sobre la obra de autores como Hou Hsiao-hsien, Edward Yang o Chen Kunhou, Ang Lee y Tsai Ming-liang. Estos creadores conquistaron a la crítica y los festivales internacionales relatando historias de gran calado sentimental, pobladas de personajes envueltos en profundas transformaciones tanto íntimas como colectivas. La propuesta también indaga en figuras menos conocidas pero imprescindibles del pasado como Sylvia Chang o Chang Tso-chi, y también de la nueva hornada, como la directora Zero Chou o Lim Lung-yin.
Con el objetivo de amplificar su alcance y abrir la participación a todo el territorio y a otros países, el curso se desarrolla en formato híbrido (presencial y online). Las proyecciones, por su parte, tienen lugar de manera presencial en La Casa Encendida.
Tiempos de amor, juventud y libertad está organizado por Filmadrid, Pasajes de Cine, el Ministerio de Cultura de Taiwán, la Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España y La Casa Encendida con la colaboración de Taiwan Film & Audiovisual Institute.

Programación

Varias fechas

La Casa On, Curso, Cine Tiempos de amor, juventud y libertad

Precio: 50 €

 

13 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘Dangerous Youth’, de Hsin Chi

Precio: 4.00 €

 

14 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘God Man Dog’, de Chen Singing

Precio: 4.00 €

 

15 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘Murmur of the Hearts’, de Sylvia Chang

Precio: 4.00 €

 

16 diciembre

Cine, Audiovisuales ‘One Day’, de Hou Chi-Jan

Precio: 4.00 €

 

 

 

 

El cuerpo humano y la existencia, primer tráiler para «De humani corporis fabrica»

Con solo tres títulos en su haber, Leviathan (2012), Somniloquies y Caniba (2017), los cineastas Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel nos habían mostrado una faceta autoral dentro del ámbito del documental bastante interesante. Esa temática, que indaga en lo meramente observacional, vuelve a estar presente en su último trabajo tras las cámaras titulado De humani corporis fabrica, film cuyo primer avance un forma de tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
La película nos muestra como hace cinco siglos, el anatomista Andrés Vesalio abrió el cuerpo humano a la ciencia por primera vez en la historia. Hoy, De Humani Corporis Fabrica abre el cuerpo humano al cine. Revela que la carne humana es un paisaje extraordinario que solo existe a través de la mirada y la atención de los demás. Como lugares de cuidado, sufrimiento y esperanza, los hospitales son laboratorios que conectan todos los cuerpos del mundo.
Aún sin fecha de estreno en nuestro país, De humani corporis fabrica, tras su premier mundial en el pasado Festival de Cannes dentro de la Quincena de realizadores, se estrenará comercialmente en Francia el próximo 11 de enero.

El gótico americano, tráiler de «Runner»

Tras estar compitiendo por la Concha de Oro en la pasada edición del Festival de San Sebastián (Premio Especial del Jurado), acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la opera prima de la realizadora norteamericana Marian Mathias Runner. La película, aún sin fecha de estreno, nos trasporta, a modo de drama rural, por la América profunda a través de una pieza de cámara provista de una composición visual muy a tener en cuenta.
En Runner (crítica aquí) vemos como tras la súbita muerte de su padre, Haas conoce a Will. Teniendo que desplazarse a la ciudad natal de su progenitor para poder enterrarlo, asistiendo a la historia de dos jóvenes desconocidos que se encuentran a través del vasto paisaje de Estados Unidos.
La película con guion a cargo de la propia Marian Mathias está protagonizada por Hannah Schiller, Darren Houle, Gene Jones y Jonathan Eisley.

«Sala:B» y el stop-motion

  • El intrépido Raúl(Feliciano Pérez y Arturo Beringola, 1936). España. 35 mm. B/N. 9’
  • La venganza del brujo(Salvador Gijón, 1945). España. DCP. B/N. 10’
  • Viaje a la luna(Tino Blom Dahl, 1964). España. DCP. B/N. 17’
  • Hombrecillos de papel(Tino Blom Dahl, 1968). España. DCP. Color. 16’
  • Juego de niños(Pablo Llorens, 1999). España. DCP. Color. 70’
«Siempre buscando el más difícil todavía, «Sala:B» os invita a una sesión histórica de animación en stop-motion española por y para todas las edades.
El cine infantil menos convencional vuelve a ocupar «Sala:B» durante las fiestas navideñas. Para esta ocasión hemos recurrido al experto Adrián Encinas, que ha preparado un menú de pioneros de la animación española en stop-motion a partir de los archivos de Filmoteca Española, Filmoteca de Valencia y de su propia colección. Para empezar, ni más ni menos que la película de muñecos animados española más antigua que se conserva: El intrépido Raúl, de 1936, reestrenada tras la Guerra Civil bajo el título La princesa y el dragón (1947). Rodado en los estudios CEA de Madrid, este cuento destaca –según Encinas– por un cuidado diseño de personajes y escenarios de Feliciano Pérez, además de los movimientos de cámara de Arturo Beringola, un arrojo tremendo para la época.
Seguimos con Salvador Gijón, el único cineasta que recoge el testigo al final de la Segunda República y continúa desarrollando la animación de muñecos durante la dictadura. En sus obras encontramos personajes recurrentes como el detective Camelón y su fiel perro Tobalito, que luchan contra los malvados Cuca y El Pájaro, siempre en historias de corte naif narradas en verso o en prosa. Destaca la Trilogía del rapto en palacio (1944-1945), primer serial animado, al que pertenece el episodio La venganza del brujo.
El caso de Christen (Tino) Blom-Dahl es muy particular, vicecónsul noruego afincado en Valencia que se dedica a la animación en stop-motion de forma autodidacta y con la vocación de un cuentacuentos familiar. Sus cortos en 16mm mezclan con gran naturalidad la realidad cotidiana con la fantasía, logrando una frescura insólita.
Y para acabar, saltamos a una de las figuras más importante de la plastilina animada en España: Pablo Llorens. Tras recibir varios premios con sus cortos, incluidos dos Goyas, su primer y único largometraje será Juego de niños, que realizó prácticamente en solitario durante dos años de intenso trabajo. Más allá de ser la primera película española en stop-motion, aborda con valentía las formas del anime y el videojuego sin perder en ningún momento la esencia de su personal humor». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo de Adrián Encinas, autor de Historia del cine de animación stop-motion español 1912-1975 (publicación a principios de 2023, Desfiladero Ed.) y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 155’)

Entre la vida y la muerte, primer tráiler para «O Corpo Aberto»

Después de la buena recepción cosechada tras su paso por festivales como la Seminci o Gijón acaba de ver la luz un primer tráiler de la mano de Filmax, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut en la ficción de la realizadora Ángeles Huerta  O Corpo Aberto. La película, basada en un relato de Xosé Luis Méndez Ferrín que nos sitúa a medio camino entre el drama rural y el relato de terror, se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 9 de diciembre.
O Corpo Aberto nos sitúa en el año 1909. Miguel, un joven profesor, es destinado a un pequeño pueblo de montaña en la frontera entre España y Portugal: Lobosandaus, una aldea inhóspita y de tradiciones ancestrales. Es un hombre de razón, pero no puede controlar sus deseos pasionales y, conforme se acerca el invierno, siente cómo la oscuridad se apodera de todo a su alrededor al tiempo que crece su fascinación por la enigmática Dorinda. En un lugar dominado por la superstición, la extraña muerte de un vecino del pueblo libera a un espíritu libre en busca de un cuerpo que le permita seguir con su existencia, que llevará a Miguel a cuestionar los límites entre el mundo de los vivos y los muertos.
La película con guion cargo de la propia Ángeles Huerta junto a Daniel García está protagonizada por Tamar Novas, Victória Guerra, María Vázquez, Federico Pérez, Elena Seijo, Miquel Insúa, José Fidalgo, Nicolás Otero e Izan González.

Proyecciones Xcèntric: Los diarios de Ed Pincus: intimidad privilegiada

En 1971, Ed Pincus emprendió el proyecto de filmar con una cámara de 16 mm, y a lo largo de cinco años, la intimidad de su vida familiar. El montaje, a partir de las veintisiete horas de material registrado, no lo empezó hasta 1976, en forma de revisión (auto) crítica de esa experiencia. La muy influyente Diaries (1971-1976) —considerada una de las grandes obras maestras del género diarístico y que se presenta ahora recién restaurada— encara la colisión entre vida y arte, y los conflictos y goces de crear una familia, con el deseo de reconciliar, según el cineasta, lo trivial con lo profundo, y sondear la fragilidad y el heroísmo de la vida cotidiana.
Pincus había escrito Guide to Filmmaking (1969), un célebre manual de técnicas cinematográficas, y fue profesor de cine en el MIT y en Harvard, además de documentalista de direct cinema; pero en 1970 piensa que su obra está en un callejón sin salida y decide hacer un giro radical, exponerse crudamente ante la cámara y cuestionar las convenciones del cine y de su propia vida. La película empieza cuando la esposa de Ed, Jane —feminista y artista de batik—, tiene 34 años y sus hijos Sami y Ben, 6 y 2 años, respectivamente. Son, según Jane, «la familia feliz». Lo que sigue es el derrumbe de esa vida familiar, entre las aventuras amorosas de Ed y los efectos dolorosos que tienen para ella.
 «Ed Pincus ha creado un melodrama cómico de la vida familiar en los años setenta, que es tan fascinante, triste, enloquecedor e inquietante como cualquier ficción. Ha dado un salto mágico, saltando sobre las cabezas del cinéma-vérité y de la narración cinematográfica hacia un nuevo y deslumbrante reino» (Stephen Schiff, Film Comment).
Diaries (1971-1976), Ed Pincus, Estados Unidos, 1982, 16 mm, 200’
Proyección en DCP, VOSC. Copia digitalizada y restaurada procedente del Harvard Film Archive.
Fecha: 22 enero 2023
Horario. 17:30
Espacio. Auditorio
Precio. 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online

 

La violencia endémica, tráiler para «Copenhagen Cowboy» de Nicolas Winding Refn

Tres años después de la notable Too Old to Die Young, disponible actualmente en Prime Video, Nicolas Winding Refn vuelve a la pequeña pantalla con Copenhagen Cowboy, serie de seis episodios creados y dirigidos por el responsable de The Neon Demon, cuyo primer avance en forma de tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster promocional. La serie, un violento thriller con el concepto de la venganza como eje argumental, tras su premier mundial en el pasado festival de Venecia se estrenará a través de Netflix el próximo 5 de enero de 2023.
En Copenhagen Cowboy vemos como la joven Miu después de una vida de servidumbre, y decidida a ganarse una segunda oportunidad en la vida, se adentrara en el siniestro inframundo criminal de Copenhague en busca de un nuevo comienzo. En su búsqueda de justicia, venganza y libertad se encontrará con su némesis, Rakel, con la que se embarcará en una odisea a través de lo natural y lo sobrenatural. Algo que definirá el futuro de ambas cuando descubran que no están solas y son muchas.
La serie con guion a cargo del propio Nicolas Winding Refn está protagonizada por Zlatko Buric, Angela Bundalovic, Fleur Frilund, Dragana Milutinovic, Mikael Bertelsen, Andreas Lykke Jørgensen, Li Ii Zhang, Jason Hendil-Forssell, Mads Brügger, Lola Winding Refn, Peter Belli y Lizzielou Winding Refn.

El encierro de Willem Dafoe, primer tráiler de «Inside»

No deja de ser una gran noticia que uno de los mejores actores de las últimas décadas como es Willem Dafoe tenga una presencia tan prolífica en la gran pantalla alternado películas de un claro corte autoral con otras más direccionadas a lo comercial, Inside, cuyo primer tráiler vía Focus Features acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su curioso póster oficial, parece pertenecer al segundo apartado. Un minimalista thriller psicológico de encierro que supone el primer trabajo tras las cámaras del realizador Vasilis Katsoupis.
En Inside, que tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 10 de marzo de 2023, vemos como un ladrón de arte de alto nivel, llamado Nemo, tendrá que usar toda su astucia para poder sobrevivir al quedar atrapado en un lujoso ático de alta tecnología situado en Times Square de Nueva York después de que un atraco no salga como lo tenía planeado en un principio.
La película con guion a cargo de Ben Hopkins basado en una idea del propio Vasilis Katsoupis está protagonizada por Willem Dafoe, Gene Bervoets, Eliza Stuyck y Josia Krug.

Una fantasía atmosférica, tráiler de «Enys Men»

Tras las buenas sensaciones cosechadas con su primer largometraje Bait (2019 Premios BAFTA al Mejor debut) Mark Jenkin tiene ya listo su segundo trabajo tras las cámaras titulado Enys Men, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Al igual que su opera prima Enys Men se fundamente en un tono experimental en esta ocasión expuesto a través de una perspectiva de género fantástico en donde predomina lo atmosférico. Tras su paso por Cannes dentro de la Quincena de Realizadores y el reciente Festival de Sitges la película tiene previsto su estreno comercial en Reino Unido para el próximo 13 de enero de 2023.
Enys Men se desarrolla en el año 1973 en una isla deshabitada situada frente a la costa de Cornualles, donde una mujer voluntaria se dedica a la observación diaria de una flor rara. Obsesionada con visiones del pasado sus observaciones darán un giro oscuro hacia lo extraño y metafísico.
La película con guion a cargo del propio Mark Jenkin está protagonizada por John Woodvine, Edward Rowe, Mary Woodvine, Isaac Woodvine, Callum Mitchell, Morgan Val Baker y Dion Star.

La Casa Encendida: Festival Márgenes 2022

Festival dedicado al cine contemporáneo, con especial atención a propuestas innovadoras y arriesgadas que combinan talento emergente y consagrado. La Casa Encendida acoge la programación que incluye formatos como shows A/V, performances, conciertos, charlas, encuentros y sesiones infantiles.
En esta 12ª edición, que se celebrará del 22 al 27 de noviembre, el Festival se internacionaliza y expande su programación hacia lo performativo con especial interés en la convergencia entre otras artes visuales y el arte sonoro. En su programación cuenta con grandes nombres del cine europeo como Guiraudie, Diop, Bonello, Mazuy, Sokurov o Seidl al tiempo que sigue apoyando el cine español e iberoamericano. En esa expansión hacia interdisciplinariedad y la apertura a nuevos lenguajes artísticos, la programación contará con la performance Umbráfono de Enrique del Castillo y los live AV de Holy Other & Pedro Maia, Myriam Bleau, Alex Augier, Artur M Puga & Shoeg, que se presentan como estreno en Madrid.
Las propuestas performáticas del Festival, se ubican en la convergencia entre el arte sonoro y las artes visuales, un espacio de creación que trasciende la sala convencional de cine, y están vinculados al programa Paisajes Alterados que reflexiona en torno al concepto postnaturaleza con Joan Fontcuberta, el Instituto de Estudios Postnaturales y otras artistas.
El programa para público infantil Márgenes LaFamily, este año presenta una sesión de cine experimental en 16mm y artesanal a través del que imaginar otras formas de mirar la naturaleza.
La Casa Encendida acoge, además, la 8ª edición del laboratorio de desarrollo de proyectos de Márgenes cuyo objetivo principal es apoyar el desarrollo, la producción y distribución del cine independiente. Desde esta edición, cuenta con un programa doble articulado a través de WORK/DESARROLLO y WORK/IN PROGRESS. Ambos ofrecen un espacio de profesionalización y acompañamiento artístico para fomentar el tejido industrial y creativo del cine español e iberoamericano con particular atención a aquellas propuestas que exploran caminos creativos y fórmulas de producción no tradicionales. Además, MRG//WORK vuelve a formar parte del programa de residencias RAW, fruto de la colaboración junto con el Festival Internacional de Cine de Gijón y DocLisboa y que se abre también al territorio de la investigación y la crítica.
Los proyectos seleccionados para el MÁRGENES / WORK 2022 son:
MÁRGENES/WORK DESARROLLO:
  • Alguien camina sobre tu tumba, de Clara Sanz (España)
  • Anna Borges do Sacramento, de Aída Bueno Sarduy (Argentina/Brasil/Portugal/España)
  • Donde estés será mi hogar, de Lionel Braverman (España)
  • M-X, de Iván Blanco (España)
MÁRGENES/WORK IN PROGRESS:
  • Deuses de pedra, de Iván Castiñeiras (España)
  • Die blaue Blume im Land der Technik, de Albert garcía-Alzorriz (España)
  • Hija del volcán, de Jenifer de la Rosa (España, México)
  • La Parra, de Alberto Gracia (España)
  • On the go, de María Royo y Julia De Castro (España)
  • Samsara, de Lois Patiño (España)
Gracias al impulso de la Fundación Montemadrid, MÁRGENES / WORK concede el Premio a la Creación Audiovisual La Casa Encendida, dotado con 9.000€ y que tiene como objetivo apoyar la creación audiovisual independiente y el talento emergente.
La película ganadora de este premio en la edición 2019, Sobre las nubes, de la argentina María Aparicio, podrá verse por primera vez en Madrid en una sesión especial el domingo 27.
Programación
24 noviembre
Conciertos, Audiovisuales Artur M Puga & Shoeg + Myriam Bleau
Precio: 12.00 €
25 noviembre
Conciertos, Audiovisuales Alex Augier ft. hex/A\ + Holy Other & Pedro Maia ft. Lieve
Precio: 12.00 €
26 y 27 noviembre
Para niños y jóvenes, Cine, Audiovisuales Márgenes LaFamily: En un jardín secreto
Precio: 4.00 €
26 noviembre
Encuentros, Audiovisuales Paisajes alterados
Gratuito
26 noviembre
Conciertos, Audiovisuales ‘Umbráfono’, de Enrique del Castillo
Gratuito
27 noviembre
Cine, Audiovisuales ‘Sobre las nubes’, de María Aparicio
Precio: 4.00 €

La soledad de Brendan Fraser, primer tráiler para «The Whale» de Darren Aronofsky

Cinco años después de Mother! Darren Aronofsky tiene ya listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado The Whale, película basada en la obra de teatro de Samuel D. Hunter cuyo primer tráiler de la mano de A24 acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, en donde vemos a un digitalizado Brendan Fraser, tras su premier mundial en el pasado Festival de Venecia se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 9 de diciembre. A España de la mano de YouPlanet Pictures lo hará el 4 de enero de 2023.
The Whale nos cuenta la historia de un solitario profesor de inglés con obesidad severa que intenta reconectar emocionalmente con su hija adolescente en una última oportunidad de redención.
La película con guion adaptado por parte del propio Darren Aronofsky está protagonizada por Brendan Fraser, Sadie Sink, Samantha Morton, Ty Simpkins, Hong Chau, Sathya Sridharan, Huck Milner y Ryan Heinke.

El Ministerio de Cultura y Deporte celebra el Día del Cine Español con una exposición y más de 300 actividades en todo el mundo

El ministro ha inaugurado esta mañana la exposición ‘70 años 7 piezas 7 cineastas’, con la que la Filmoteca Española conmemora su 70 aniversario. Esta tarde se celebra un acto en el Cine Doré y la proyección de la película Canciones para después de una guerra, de Basilio Martín Patino.
La muestra, que se podrá ver gratuitamente hasta el 30 de abril de 2023, ha contado con la aportación de siete cineastas y personalidades del séptimo arte: Ester Expósito, Jonás Trueba, Teresa Font, Santiago Segura, Alauda Ruiz de Azúa, Albert Serra y Eduardo Casanova.
La inauguración se suma a las más de 300 actividades nacionales e internacionales que, con motivo de la celebración del Día del Cine Español, se están desarrollando en colegios, instituciones educativas, culturales, centros penitenciarios, centros de mayores, y en diferentes centros del Instituto Cervantes.
Con motivo del 70 aniversario de la Filmoteca Española y enmarcado en la celebración de la segunda edición del Día del Cine Español, el Ministerio de Cultura y Deporte pone en marcha la exposición ‘70 años 7 piezas 7 cineastas’Enlace externo, se abre en ventana nueva. La muestra ha sido inaugurada por el ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, la directora general del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), Beatriz Navas, y el director de la Filmoteca Española, Josetxo Cerdán.
También han asistido al acto la montadora Teresa Font y el actor Eduardo Casanova, madrina y padrino de dos de las piezas en torno a las que gira la exposición, y las actrices Loles León y Mónica Bardem y el compositor Juan Bardem.
Siete cineastas y personalidades del séptimo arte -Ester Expósito, Jonás Trueba, Teresa Font, Santiago Segura, Alauda Ruiz de Azúa, Albert Serra y Eduardo Casanova- han elegido siete objetos representativos de la historia del cine a partir de una preselección de 70 piezas, realizada por Filmoteca Española, que recorren la historia de las imágenes animadas desde finales del siglo XVIII hasta el siglo XXI.
Estos objetos sirven como pretexto para abordar desde distintas perspectivas la historia de Filmoteca, del propio cine y el cine español, de sus públicos, y repensar de forma pública el sentido de una Filmoteca del siglo XXI, más allá de la preservación de los archivos y la memoria.
Las siete piezas en torno a las que gira la muestra son:
  • La máscara original de José Antonio Sánchez para el diablo de El día de la bestia, película dirigida por Álex de la Iglesia y estrenada en 1995, elegida por Ester Expósito
  • Los descartes del negativo de Las Hurdes, tierra sin pan de Luis Buñuel (1932-1933), pieza seleccionada por Albert Serra
  • Los forillos creados por Félix Murcia para la terraza de Pepa, Carmen Maura, en Mujeres al borde de un ataque de nervios de Pedro Almodóvar (1988), escogidos por Eduardo Casanova
  • Una moviola vertical seleccionada por Teresa Font
  • Un álbum fotográfico de los Laboratorios Madrid Film que incluye imágenes de la puesta en marcha en 1911 y las consecuencias del incendio que los arrasó en 1950, elegido por Santiago Segura
  • El llamamiento a las Primeras Conversaciones Cinematográficas Nacionales, promovidas y organizadas por el Cine Club de la Universidad de Salamanca del que era responsable Basilio Martín Patino, escogido por Jonás Trueba
  • La película dirigida por Alice Guy Chien jouant à la balle de 1905, film más antiguo conservado en la Filmoteca Española dirigido por una mujer, seleccionada por Alauda Ruiz de Azúa
La inauguración se suma a las más de 300 actividades nacionales e internacionales que, con motivo de la celebración del Día del Cine Español, se están desarrollando en colegios, instituciones educativas, culturales, centros penitenciarios, centros de mayores, y en diferentes centros del Instituto Cervantes a lo largo de toda la jornada. Esta tarde, se celebra un acto en el Cine Doré y la proyección de la película Canciones para después de una guerra, de Basilio Martín Patino.
’70 años 7 piezas 7 cineastas’ podrá visitarse de forma gratuita en la sede central de Filmoteca Española (calle Magdalena, 10, Madrid) hasta el 30 de abril de 2023.
Lunes, martes y miércoles: cerrada. Jueves y viernes: de 10:00 a 20:00 y sábados y domingos: de 12:30 a 20:00

 

 

 

Una historia de fantasmas, tráiler para lo nuevo de Joanna Hogg «The Eternal Daughter»

Tras su premiere mundial en el pasado Venezia 2022 y presente dentro de pocos días en el Festival de Sevilla acaba de ver la luz de la mano de A24 un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora Joanna Hogg titulado The Eternal Daughter. Película con componente fantástico rodada durante la pandemia en donde la responsable de Exhibition y el díptico The Souvenir vuelve a indagar en esa autoexploración tan característica de su cine.
The Eternal Daughter nos muestra como una cineasta lleva a su anciana madre a un hotel en el campo por su cumpleaños. Un hotel que años atrás fue la residencia de la madre, de niña, y que ahora es un lugar fantasmal sin más huéspedes. Secretos del pasado acechan, en una película que es a la vez revisión de una compleja relación familiar, y el camino de búsqueda de sí misma de una mujer.
La película con guión a cargo de la propia Joanna Hogg está protagonizada por Tilda Swinton, Joseph Mydell, Carly-Sophia Davies, August Joshi, Zinnia Davies-Cooke y Alfie Sankey-Green.

Hacia otra historia del cine europeo

‘La Habanera’, una película rodada por Douglas Sirk antes de exiliarse en Estados Unidos, y ‘Lumière’, el desconocido debut como directora de la legendaria actriz Jeanne Moreau, se presentarán en copias recientemente restauradas
El taller ‘Programming European Heritage at Film Festivals’ reunirá los días 8 y 9 de noviembre en el CICUS a representantes de filmotecas y archivos europeos para reflexionar sobre la preservación y difusión del patrimonio fílmico.
El Festival de Sevilla vuelve a poner de manifiesto en su 19ª edición, que se celebrará del 4 al 12 de noviembre, su vocación de servir de espacio de reflexión cinematográfica y de difusión del patrimonio fílmico. Creada el año pasado con el propósito de repensar el canon y visibilizar películas que en su momento fueron injustamente olvidadas, acalladas por la censura, obviadas por cuestiones geográficas –en el caso de tantos creadores del otro lado del Telón de Acero cuando éste permanecía en pie– o de género –como les ocurrió a tantas mujeres cineastas–, la sección Hacia otra historia del cine europeo ofrecerá en su segunda convocatoria una selección de ocho títulos que se proyectarán por primera vez en España en sus copias recientemente restauradas.
Con el convencimiento de que la historia no es ni puede ser algo estático, el Festival de Sevilla, a través de esta sección, aspira a generar un debate enriquecedor e impulsar una historiografía del cine viva y crítica con los discursos hegemónicos. O lo que es lo mismo: un proceso en el que nunca se deja de investigar para sacar a la luz lo desconocido, reevaluar lo incomprendido o reinterpretar lo que parece inamovible.
Esta iniciativa, única en el panorama de festivales de cine españoles, se lleva a cabo este año con la colaboración de Europe Direct Sevilla y de una serie de filmotecas y archivos de toda Europa que juegan un papel esencial a la hora de preservar y difundir el legado cinematográfico del continente. Entre ellas se encuentran, en esta edición, la Filmoteca Española, el National Institute Film Hungary, el Greek Film Archive, la Friedrich Wilhelm Murnau Foundation o el EyeFilm Museum de Ámsterdam.
Al acercar al público actual películas relevantes y sin embargo muy poco conocidas, Hacia otra historia del cine europeo plantea también una reflexión sobre el papel que pueden desempeñar los festivales no sólo como plataformas para la exhibición de la creación contemporánea, sino también como impulsores de esta reevaluación permanente del canon dominante y como divulgadores fundamentales del ingente patrimonio cinematográfico europeo.

La Habanera

Douglas Sirk y Jeanne Moreau
Ejemplo elocuente del espíritu al que responde esta sección es uno de los grandes títulos programados dentro de ella esta edición, La Habanera (1937), una de las películas más relevantes rodadas en el marco del sistema de los estudios UFA, que gozó de un enorme éxito popular en la Alemania inmediatamente anterior a la Segunda Guerra Mundial. Último trabajo de su director, Detlef Sierck, antes de exiliarse en Estados Unidos ante el imparable avance del horror nazi y pasar a la historia como Douglas Sirk, este título prefigura los rasgos estilísticos que lo convertirían en el gran maestro del melodrama hollywoodiense. Se trata, como sería habitual en adelante en su obra, de una historia narrada desde el punto de vista de una mujer que desafía la norma: esta vez, una que se desenvuelve entre terratenientes y políticos corruptos en un exotizado Puerto Rico que en realidad era la isla de Tenerife, donde se rodó la película.
Otro plato fuerte de Hacia otra historia del cine europeo lleva el nombre de Jeanne Moreau, pero no como intérprete, sino como directora. Lumière (1976) es la primera de las tres películas que realizaría tras la cámara y que quedarían eclipsadas por su condición de actriz legendaria e imprescindible del cine francés. En este rotundo debut como autora, Moreau, que también actuaba en el film, convocó a tres compañeras (Lucía Bosé, Francine Racette y Caroline Cartier) para entregar una obra sobre cuatro actrices en distintos estadios de sus carreras que se reúnen en una lujosa casa de campo para hablar de su oficio y de asuntos personales. Se trata de un título muy desconocido pese a su carácter visionario, pues se adelantó a un género hoy tan en boga como la autoficción.
Joyas ocultas tras el Telón de Acero
The long farewell, terminada en 1971 pero estrenada en 1987, con la perestroika en ya marcha, es una de las cimas de Kira Muratova, cineasta ucraniana fallecida en 2018 y autora clave para entender el cine soviético. En esta película la directora se detiene a observar el fuerte apego de una madre soltera hacia su hijo, una historia que podría haber agradado a las autoridades soviéticas de no ser por la libertad estética y la experimentación formal de las que hacía gala la autora, lo que representaba una inconveniente desafección hacia el realismo socialista y los discursos férreamente programáticos que fomentaba el poder.
La de la directora húngara Judit Ember es una de esas recuperaciones necesarias, ya que encarna paradigmáticamente la suerte de tantas mujeres cineastas a lo largo de la historia, relegadas, pese a sus virtudes artísticas, a un lugar secundario o, en el caso de Ember, casi totalmente invisible, en gran medida por el ensañamiento censor que padeció. Mistletoes (1971) ilustra el profundo interés por los individuos más vulnerables de la sociedad que siempre movió a la cineasta, perteneciente a una generación apasionante del cine húngaro de la que Béla Tarr es su exponente más emblemático. En un híbrido de documental y ficción, Ember retrata aquí la vida de tres generaciones de mujeres de etnia gitana, a las que da la voz y la dignidad que las autoridades les negaban.
Dentro del antiguo bloque soviético surgió también Karel Kachyňa, uno de los más importantes representantes de la Nueva Ola checoslovaca. En The ear (1970) acompañamos en su día a día a un funcionario que empieza a ser objeto de sospecha y ostracismo. Con potentes ecos orwellianos, Kachyňa firmó una rotunda denuncia de la opresión ejercida por los Estados paranoicos e hipervigilantes de la órbita soviética, una osadía que pagó teniendo que esperar hasta 1990, cuando cayó el gobierno comunista de la todavía unida Checoslovaquia, para ver el estreno de la película en el marco de la Sección Oficial del Festival de Cannes.

The long farewell

Entre la censura y la incomprensión
Figura clave de la Ola Negra yugoslava junto a nombres como Dušan Makavejev o Želimir Žilnik, el serbio Aleksandar Petrović logró trascender el restringido circuito de la cinefilia militante para gozar de un gran reconocimiento popular gracias a títulos como Encontré zíngaros felices (1967) y Tri (1965), ambas nominadas al Oscar a la mejor película extranjera en su momento. En el Festival de Sevilla se mostrará la última de ellas, un clásico no suficientemente reconocido del cine bélico que postula una dura crítica contra el patriotismo y que rezuma modernidad formal y clarividencia política en su visión de la guerra a través de un antihéroe.
La selección de Hacia otra historia del cine europeo se completa con otros dos títulos procedentes de Grecia y los Países Bajos. Face to face (1966) es una película de Robert Manthoulis, perteneciente a una generación dorada de cineastas griegos que vivió su auge en los años 60, cuando en paralelo al cine comercial surgieron figuras que agitaron el panorama de su país y abrieron un camino que luego transitarían célebres directores de hornadas posteriores como Theo Angelopoulos. La película trae al frente los espinosos temas de la lucha de clases y la desmedida explotación urbanística en la Atenas de los 60. Tras el golpe de Estado de 1967 que desembocó en una dictadura militar, la producción fue censurada y Manthoulis se vio abocado al exilio en Francia tras las declaraciones en contra de la junta militar que hizo en el estreno de la película en Cannes.
Por su parte, A woman like Eve (1979), de Nouchka van Brakel, narra la historia de dos mujeres que buscan su lugar en el mundo mientras se enfrentan a una encrucijada existencial. Protagonizada por dos grandes actrices, Monique van de Ven (habitual de Paul Verhoeven en su etapa previa a Hollywood) y Maria Schneider, la película fue recibida con recelo en su día debido a la naturalidad con la que la cineasta retrataba los avatares de una relación lésbica, así como el sexo al margen de los estándares de la representación heteronormativa. Desdeñada por lo que muchos consideraron meros “panfletos”, Van Brakel permaneció sin embargo firme en su discurso, inmune a la estigmatización que el movimiento feminista sufría entonces entre algunos sectores de la sociedad. Años después, se convertiría en la primera mujer en entrar en la Academia del Cine holandesa.

Tri

Un taller para la reflexión
La sección Hacia otra historia del cine europeo no se limitará a la proyección de películas. También se celebrará el taller Programming European Heritage at Film Festivals, organizado por la Filmoteca Española y el Festival de Sevilla. Este evento se celebrará los días 8 y 9 de noviembre en el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla, con la participación de representantes de archivos europeos como el EyeFilm Museum de Ámsterdam, la Cineteca de Bolonia o la Filmoteca Nacional de Estonia, que explicarán el papel de estas entidades en la preservación y recuperación de la memoria del cine europeo, así como la importancia de los festivales como agentes esenciales en la divulgación de este patrimonio cultural.
HACIA OTRA HISTORIA DEL CINE EUROPEO

La Habanera (Detlef Sierck, Alemania, 1937)
Lumière (Jeanne Moreau, Francia, 1976)
The long farewell (Kira Muratova, antigua Unión Soviética, 1971)
Mistletoes (Judit Ember, Hungría, 1978)
The ear (Karel Kachyňa, antigua Checoslovaquia, 1970)
Tri (Aleksandar Petrović, Croacia, 1965)
Face to face (Robert Manthoulis, Grecia, 1966)
A woman like Eve (Nouchka van Brakel, Países Bajos, 1979)

 

Una comedia realista, tráiler de «La maternal» de Pilar Palomero

Tras su paso por el Festival de San Sebastián (Premio a la Mejor interpretación protagonista para Carla Quílez) acaba de ver la luz de la mano de BTEAM Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de La maternal, segundo largometraje de la realizador Pilar Palomero tras su premiada Las niñas (2020) que tiene previsto su estreno comercial en nuestro país para el próximo 18 de noviembre.
La maternal nos cuenta como Carla tiene 14 años y es una joven desafiante y rebelde. Vive en un viejo restaurante de carretera en las afueras de un pueblo con su joven madre soltera mientras falta a clase y pasa las horas con su amigo Efraín. Cuando la trabajadora social se da cuenta de que está embarazada de cinco meses, Carla ingresa en ‘La Maternal’, un centro para madres menores de edad donde comparte su día a día con otras jóvenes como ella. Juntas con sus bebés, se enfrentarán a este nuevo mundo de adultos para el que no les ha dado tiempo a prepararse.
La película con guion de la propia Pilar Palomero está protagonizada por Carla Quílez, Àngela Cervantes, Jordan Dumes, Pepe Lorente, Olga Hueso, Rubén Martínez, Gal-la Sabaté y Neus Pàmies.
La Maternal es una producción de Inicia Films y Bteam Prods. que cuenta con la participación de Radio Televisión Española, Televisión de Catalunya, Televisión de Aragón y Movistar Plus+, el apoyo del ICAA y del ICEC y la participación del Programa Media.

«Sala:B» y la comedia «raruna»

La vida láctea (Juan Estelrich, 1993). Int.: Mickey Rooney,  Marianne Sägebrecht, William Hootkins, Emma Suárez. España, Francia, Alemania. 35 mm. Color. 79’
El extranger-oh! de la calle Cruz del Sur (Jorge Grau, 1987). Int.: José Sacristán, Serena Vergano, Emma Cohen, Teresa Gimpera. España. 35 mm. Color. 100’
«Dos comedias excéntricas y malditas que ponen el foco en las crisis de la edad y la masculinidad con dos actores inimitables: Mickey Rooney y José Sacristán
Cuando acabó el guion de La vida láctea, Juan Estelrich pensó que Mickey Rooney era el actor ideal para Barry Reilly, un millonario que a los 80 años decide volver a comportarse y vestirse como un bebé para recuperar el cariño de su familia, repleta de buitres malcriados. Rooney, el eterno niño prodigio de Hollywood, aceptó sin dudar este personaje que viste pañales y contrata los servicios de una nodriza profesional, la actriz alemana Marianne Sägebrecht. El amamantamiento hace el cariño y entre ellos surge un curioso romance que amenaza la buena vida de sus herederos. Y esto es solo el principio de La vida láctea, una muy peculiar comedia rodada entre Madrid y Portugal, con reparto internacional (Emma Suárez, Féodor Atkine, Jack Taylor…) y no pocos medios a primera vista. Se trata del debut de Juan Estelrich Revesz, hijo de Juan Estelrich March, director de El anacoreta (1976) y productor de Buñuel, Berlanga o Jess Franco. No sorprende por tanto que en este trabajo encontremos influencias de esa comedia española esperpéntica y surrealista, adornada además con una estética casi daliniana. El rodaje fue interrumpido de pronto por los productores y Estelrich no pudo dar por bueno el montaje final. A pesar de que se estrenó en el Festival de Berlín, La vida láctea acabó mal distribuida y enterrada. Hoy permanece como una de las comedias más bizarras y menos vistas del cine español.
A Jordi Grau le conocemos por títulos fundamentales del fantaterror como Ceremonia sangrienta o No profanar el sueño de los muertos, pero también dirigió dos comedias, y las dos con José Sacristán. El extranger-oh! de la calle Cruz del Sur es la segunda, que comparte con la anterior, El secreto inconfesable de un chico bien (1976), una visión crepuscular y desmitificadora de aquello del macho ibérico. Ambos filmes coloreados con brochazos de surrealismo felliniano que encajan muy bien en esta sesión. Grau aprovecha además para incluir guiños autobiográficos y referencias a su obra como el número de revista con vampiras, o el desnudo integral que rima con el de la Cantudo en La trastienda, esta vez con Sacristán. El reparto femenino es una reunión de musas de la Escuela de Barcelona, donde Grau participó, como Teresa Gimpera, Serena Vergano o Emma Cohen». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo del director Juan Estelrich y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración total aproximada de la sesión: 210’

 

La Seminci estrena la copia restaurada con metraje inédito de «La aldea maldita»

El espectáculo, que tendrá lugar el 28 de octubre en el Centro Cultural Miguel Delibes, muestra doce minutos de metraje adicional con el acompañamiento musical del prestigioso artista
La Semana Internacional de Cine de Valladolid presentará la copia restaurada de la película La aldea maldita (Florián Rey, 1930) con 12 minutos de metraje inédito y con música en directo compuesta e interpretada por el músico Raül Refree, espectáculo que tendrá lugar el día 28 de octubre en el Centro Cultural Miguel Delibes.
La aldea maldita es una película mítica de la historia del cine español y está considerada como la primera obra maestra del mismo. Nacida en el momento de la llegada del cine sonoro, contó con una doble versión, la sonora y la muda. Solo la segunda ha llegado hasta nuestros días. La película se consideró perdida durante muchos años, hasta que, a mediados de los años ochenta, Filmoteca Española pudo encargar su restauración a Juan Mariné. Con motivo del centenario del nacimiento de este director de fotografía y restaurador del cine español –Espiga de Honor en la 60 Seminci–, en 2020 se encargó la creación de un nuevo acompañamiento musical para la película al músico y productor Raül Refree, que se presentó en el cine Doré de Madrid en diciembre de 2020.
La diferencia de la versión que estrenará Seminci el día 28 de octubre respecto a aquella del año 2020 son doce minutos de metraje adicional nunca vistos hasta la fecha, tras una nueva y laboriosa restauración realizada por Filmoteca Española, para los que Raül Refree ha compuesto y adaptado también el acompañamiento musical. Será la segunda vez que Seminci proyecte la película de Florián Rey con musical en directo. En 1986, el compositor José Nieto recibió el encargo de Seminci de componer la música para La aldea maldita. La música fue interpretada por la Orquesta Sinfónica Ciudad de Valladolid bajo la dirección del autor durante la proyección de la película en el Teatro Calderón en la inauguración de la 31 edición del festival. Posteriormente, el 1996, la partitura se reedita conjuntamente con el libro homenaje publicado por Seminci con motivo de la entrega de la Espiga de Honor al compositor.
Acompañamiento de Raül Refree
El labrador Juan Castilla y su familia viven en el pueblo castellano de Luján, castigado por el pedrisco y otras inclemencias que obligan a sus habitantes a emigrar. Juan se enfrenta al viejo avaro tío Lucas y será encarcelado, mientras Acacia, su mujer, tendrá que marchar a la ciudad en busca de la prosperidad que le promete su amiga Magdalena. Años después, Juan encontrará a su mujer en un tugurio. La reconciliación no será fácil. La aldea maldita se muestra, con este nuevo acompañamiento musical, como una película de una radical modernidad. Con una fotografía deslumbrante, un estilo directo y un montaje seco, recoge algunos temas tan actuales como el del patriarcado o el vaciamiento de las zonas rurales.
Raül Refree es uno de los productores españoles más aclamados de la última década. Publica junto a experimentadores como Lee Ranaldo de Sonic Youth mientras revisa los fados de Amália Rodrigues junto a Lina. Ha trabajado con artistas innovadores como Rosalía o el Niño de Elche, y junto a ellos ha construido la vanguardia del “nuevo flamenco”. También es un destacado compositor y músico que ha lanzado nueve álbumes bajo su proyecto más personal, Refree, además de bandas sonoras de películas como Ojos Negros (Marta Lallana e Ivet Castelo, 2019), Entre dos aguas (Isaki Lacuesta, 2018) o Un año, una noche (Isaki Lacuesta, 2022).

 

La identidad femenina en modo fabula, primer tráiler de «El agua»

Una de las óperas primas de nuestro cine más estimulantes de este año es indiscutiblemente El agua de Elena López Riera, film cuyo primer tráiler de la mano de Elastica y Filmin acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que indaga en la percepción sobre los mitos populares, tras su paso por festivales como Cannes, Toronto o San Sebastián se estrenará en las salas comerciales de nuestro país el próximo 4 de noviembre.
En El agua vemos como es verano en un pequeño pueblo del sureste de España. Una tormenta amenaza con volver a desbordar el río que lo atraviesa. Una vieja creencia popular afirma que algunas mujeres están predestinadas a desaparecer con cada nueva inundación porque tienen «el agua adentro«. Ana vive con su madre y con su abuela en una casa a la que el resto del pueblo mira con suspicacia. En medio de la atmósfera eléctrica que precede a la lluvia, Ana conoce a José a la vez que lucha por aventar a los fantasmas.
La película con guion a cargo de la propia Elena López Riera junto a Philippe Azoury está protagonizada por Luna Pamiés, Bárbara Lennie, Nieve de Medina y Alberto Olmo.
El agua es una producción de Alina Film, SUICAfilms y Les Films du Worso que cuenta con el apoyo del Instituto Valenciano de Cultura y el ICAA y la participación de RTVE y À Punt Mèdia.

El laberinto de lo metafísico, tráiler de «Something in the Dirt»

Justin Benson y Aaron Moorhead se han convertido por derecho propio en uno de los actuales referentes del fantástico independiente USA, tras trabajos tan estimulantes como Spring (2014), The Endless (2017) o Synchronic (2019) nos llega la cinta de ciencia ficción Something in the Dirt, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que como viene siendo habitual cuenta con un guion del propio Justin Benson, tras su premier mundial en el pasado Sundance acaba de ser presentada en el recién finalizado Festival de Sitges cosechando el Premio de la Crítica a la Mejor película.
Something in the Dirt nos cuenta como los vecinos John y Levi son testigos de eventos sobrenaturales en su edificio de apartamentos de Los Ángeles, se dan cuenta de que documentar lo paranormal podría inyectar algo de fama y fortuna en sus vidas desperdiciadas, pero su amistad se deshilacha a medida que descubren los peligros del fenómeno.
La película está protagonizada por Justin Benson, Aaron Moorhead, Sarah Adina Smith, Issa López, Vinny Curran, Jeremy Harlin, Gille Klabin, C. Robert Cargill, Liam Gavin y Megan Rosati.

 

Filmoteca Española muestra el archivo de Iván Zulueta con una selección de sus películas

Filmoteca Española empieza a mostrar el archivo de Iván Zulueta con un proyecto de selección y musicalización de sus películas desarrollado por J, vocalista de Los Planetas. La iniciativa se presenta al público en dos conciertos en el cine Doré los días 16 y 17 de diciembre de 2022.
Con motivo del Día del Cine Español, que se celebra el 6 de octubre, Filmoteca Española presenta un plan de recuperación y difusión del legado cinematográfico de Iván Zulueta, recogido en su archivo personal y custodiado por la institución desde que lo adquiriera en 2021Enlace externo, se abre en ventana nueva. El proyecto ha consistido en la selección y posterior musicalización por parte de J, compositor y vocalista del grupo Los Planetas, de varias piezas rodadas por el cineasta donostiarra principalmente en las décadas de 1970 y 1980, la mayor parte de ellas inéditas.
El cine Doré de Madrid, sede de proyecciones de Filmoteca Española, ha sido escenario este martes de la presentación de la iniciativa, a la que ha acudido Josetxo Cerdán Los Arcos, director de Filmoteca Española, y el artista J. Durante el acto se han podido ver y escuchar dos piezas a modo de adelanto del proyecto, que se presentará definitivamente al público los días 16 y 17 de diciembre en dos conciertos exclusivos en el cine Doré. Aún sin fecha de publicación definitiva, está prevista la plasmación discográfica del proyecto, primera entrega en solitario de J, y su correspondiente gira en 2023, que contará, una vez más, con el soporte del artista gráfico donostiarra Javier Aramburu.
Sobre el sentido del proyecto Josetxo Cerdán ha señalado la necesidad de que las filmotecas no solo conserven el patrimonio, sino que también hagan accesibles sus colecciones a la ciudadanía, pues “el tiempo de los museos y las filmotecas como mausoleos ha pasado”. En el caso del proyecto que se presenta, la finalidad, ha destacado Cerdán, era que alguien tan cercano al universo creativo de Iván Zulueta como J diese vida a una parte de su archivo personal.
En este sentido y en relación con el proceso creativo a la hora de componer los temas que acompañan las imágenes, J ha explicado que algunas canciones son más literales y otras más interpretativas y simbólicas, compuestas a partir de “imágenes muy sugerentes que te permiten dejar volar la imaginación”.
Las piezas presentadas como avance han sido el tema “Natalia dice”, que encaja con el film Te veo (1973), y “Arrebato (un buen día para Iván)”, que lee de manera peculiar las imágenes de Cine Álbum Kodak 3. Te veo es una película realizada en 1973 que muestra unas de las técnicas creativas favoritas de Iván Zulueta: rodar con el Time Lapse haciendo un uso puntual del zoom frente al televisor doméstico. El tema compuesto por J para la pieza, con el que celebra la transgresión y combate la hostilidad del mundo con libre albedrío, ha contado con la colaboración de 107 Faunos y Srta. Trueno Negro, figuras destacadas de la escena underground argentina. Cine Álbum Kodak 3 es un material de naturaleza muy diferente, que muestra a un grupo de amigos escuchando música y maquillándose de forma despreocupada y lúdica. En ella J ha encontrado la inspiración para, a través de un trabajo mucho más literal, aproximar su universo creativo y referencial al de Iván Zulueta en una declaración de intenciones en toda regla.
El archivo personal de Zulueta y el comisariado de J
El acceso al archivo de Iván Zulueta permite acercarse a un perfil poco conocido del autor hasta el momento. Más allá de Arrebato (1979) y su posterior dependencia de las drogas, los materiales recuperados por Filmoteca Española muestran a un cineasta anterior muy vital y alejado de la oscuridad que más tarde adquiriría su figura. Entre dichos materiales destacan sus películas de corta duración, las cuales demuestran un dominio magistral del formato Super 8 y exponen a un artista único en un momento de gran efervescencia creativa.
Cabe destacar que el archivo también contiene una colección de películas rodadas por los padres del cineasta, Antonio de Zulueta y Consuelo Vergarajáuregui, ambos con una gran influencia en Iván: su padre fue uno de los impulsores del Festival de San Sebastián, mientras que su madre era pintora amateur.
J se ha introducido plenamente en los fondos fílmicos, en Super 8 y 16mm, rodados por Zulueta fundamentalmente durante las décadas de 1960, 1970 y 1980, en su mayoría inéditos. El archivo también está compuesto por documentos personales y familiares, pinturas, dibujos y numerosas polaroids con las que Zulueta experimentaba. También algún guion, bocetos, carteles, cartas y recortes de prensa. J ha podido investigar las partes de este que se han inventariado, y también ha indagado en entornos familiares del cineasta para inspirar su cancionero.

 

Sitges 2022: Seven Chances ofrece una ecléctica selección de rarezas y perlas restauradas

Entre los films programados en colaboración con la ACCEC detacan The Velvet Vampire, de la pionera Stephanie Rothman, y películas de cineastas como Jesús Franco, René Laloux o Johnnie To.

De nuevo, con el objetivo de seguir descubriendo y reivindicando títulos que han pasado de puntillas por el canon del género fantástico, la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC) y el Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña han seleccionado siete películas que serán presentadas por miembros de la asociación.

Abriremos Seven Chances con un film de Jesús Franco, Faceless (Los depredadores por la noche), protagonizada por la nuestra Premio Nosferatu de este año: Brigitte Lahaie, todo un mito del cine erótico y fantástico europeo de los 70 y 80. Antes de entregarse definitivamente a derivas cada vez más radicales, Franco dirigía a finales de los ochenta su última gran aportación a cierto tipo de cine fantástico europeo que empezaba a agonizar. Con la vista puesta en los Yeux sans visage de Georges Franju, el cineasta madrileño urdía una macabra intriga sobre un cirujano obsesionado con recomponer el rostro desfigurado de su hermana.

Recientemente restaurada por el American Film Archive, y proyectada en el llamativo ciclo de cine fantástico que el MoMA de Nueva York ha ofrecido este verano, The Velvet Vampire se puede consideras la primera película de terror dirigida por una mujer. Stephanie Rothman tuvo que rechazar un par de encargos de Roger Corman para lanzarse a una puesta personal que narra el embrujo de un joven matrimonio a manos de una vampira centenaria. Menospreciado en su día, el film resignificaba en clave femenina y subversiva los códigos del género vampírico.

El hongkonés Johnnie To no tendría que necesitar presentación en Sitges. Avanzándonos al treinta aniversario de The Heroic Trio, el primero de sus films emblemáticos, estrenado en 1993, lo recuperamos para poder disfrutar en pantalla grande de este vibrante e imaginativo delirio de acción capitaneado por tres mujeres temibles — Michelle Yeoh, Anita Mui y Maggie Cheung —, tres heroínas que descubrirán lo que las une a raíz de una trama de secuestro de bebés.

El año pasado nos dejaba Joaquín Romero Marchent, de quien hace un par de años descubrimos Manos torpes. El mayor exponente ibérico del eurowestern vuelve a Seven Chances: lo despedimos de la mano de Condenados a vivir, quizá el más crudo y sangriento de sus films, durante el cual acompañaremos a un grupo de condenados a muerte en su calvario atravesando el Pirineo aragonés, donde se rodaron los exteriores de la película. Quentin Tarantino es fan declarado de esta película, que es casi un slasher bajo la nieve.

A menudo eclipsado por otros cineastas con más prestigio internacional, Masahiro Shinoda fue uno de los grandes nombres de la nueva ola japonesa, la de Oshima, Imamura o Seijun Suzuki. A Demon Pond, que se exhibió cuidadosamente restaurada en el Festival de Cannes de 2021, nos transporta a un pueblecito entre montañas que vive atemorizado por la leyenda del dragón que vive en el fondo de un estanque. Partiendo de una obra de teatro kabuki de Kyöka Izumi, un escritor muy ligado al fantástico y a las atmósferas surrealistas, Shinoda da forma a una arrebatadora fábula de amor tráfico.

El artesano Maurizio Lucidi también comenzó su carrera haciendo spaghetti westerns, peplums y películas bélicas, pero sería el insólito giallo La vittima designata, su única incursión en el subgénero, el que se convertiría con el tiempo en una pieza de culto. Esta tensa revisión de Extraños en un tren de Hitchcock nos ubica en una Venecia decadente donde un extravagante conde, interpretado por Pierre Clémenti, lía a un ambicioso hombre de negocios con el rostro de Romas Milian para llevar a cabo un intercambio de asesinatos.

Y para acabar, toda una joya, muy poco vista, de la animación europea: Gandahar, el último largometraje de René Laloux, autor de la fundamental El planeta salvaje. Después de trabajar con artistas como Roland Topor o Moebius, Laloux se asoció con el dibujante francés Caza para llevar al cine una novela del escritor de ciencia ficción Jean-Pierre Andrevon. Este relato de aventuras fantásticas nos muestra una civilización idílica, que no ha conocido el horror de la guerra y se ve abocada a enfrentarse a una amenaza proveniente de un futuro remoto.

Estas son las Seven Chances de Sitges 2022. Siete oportunidades únicas de recuperar obras singulares, a menudo arrinconadas por las circunstancias o paso del tiempo, que demuestran que en la inabarcable constelación del fantástico aún hay mucho por explorar.

Selecció Seven Chances 2022

Faceless (Los depredadores de la noche) (Jesús Franco, 1988), presentada por Carlos Losilla

The Heroic Trio (Dung fong sam hap) (Johnnie To, 1993), presentada por Violeta Kovacsics

La vittima designata (La víctima designada) (Maurizio Lucidi, 1971), presentada por Javier Parra

The Velvet Vampire (Stephanie Rothman, 1971), presentada por Marga Almirall

Demon Pond (Yashagaike) (Masahiro Shinoda, 1979), presentada por Mariona Borrull

Condenados a vivir (Joaquín Romero Marchent, 1971), presentada por Alejandro G. Calvo

Gandahar (René Laloux, 1988), presentada por Iván Pintor

Tráiler y póster para lo nuevo de Jaume Balagueró «Venus»

A pocos días de inaugurar la nueva edición del festival de Sitges Sony Pictures acaba de publicar un primer teaser tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Jaume Balagueró titulado Venus, segunda película tras Veneciafrenia del proyecto Fear Collection, sello cinematográfico español especializado en el género cinematográfico de terror y suspense creado por Sony Pictures International Productions y Pokeepsie Films. Venus se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 2 de diciembre para poco después estar disponible en exclusiva a través de Prime Video.
En Venus vemos como una bailarina que roba una bolsa del club nocturno donde trabaja. Perseguida por una horda de matones, se esconde en el apartamento de su hermana. El problema es que el lugar donde ha decidido refugiarse parece albergar una amenaza más poderosa que los hombres que le quieren dar caza.
La película que adapta libremente de la mano del propio Jaume Balagueró junto a Fernando Navarro el texto de H.P. Lovecraft Los Sueños de la Casa de la Bruja está protagonizada por Ester Expósito, Ángela Cremonte, Magüi Mira, Fernando Valdivieso y Federico Aguado.

«Sala:B» y Jack Taylor

El buque maldito (Amando de Ossorio, 1974). Int.: Maria Perschy, Jack Taylor, Carlos Lemos, Bárbara Rey. España. 35 mm. Color. 106´
El juego del diablo (Jorge Darnell, 1975). Int.: Inma de Santis, María del Puy, Luis Prendes, Jack Taylor. España. 35 mm. Color. 90’
«Llega Halloween y «Sala:B» abre sus puertas a todos los demonios, con la protección de un veterano en la lucha del bien contra el mal: el gran Jack Taylor.
Uno de las presencias más carismáticas del cine de género español y europeo, Jack Taylor (George Brown Randall, 1936) viene a presentarnos dos títulos terroríficos de su larga y aún activa carrera. Este programa doble homenajea a este actor estadounidense afincado en España y además salda una cuenta pendiente con Amando de Ossorio, director coruñés de culto que «Sala:B» debía incluir en su lista de favoritos. Taylor y Ossorio trabajaron juntos en cuatro películas, la primera en 1964 y la última en 1984, siendo El buque maldito de las más celebradas. Se trata de la tercera entrega de la tetralogía de los Templarios, la saga de fantaterror español más icónica y reconocida en todo el mundo. Que nadie se preocupe si no ha visto las anteriores, La noche del terror ciego (1971) o El ataque de los muertos sin ojos (1973), Ossorio las planteó como películas independientes sin otra continuidad que las siniestras apariciones de estos monstruos de su creación: un grupo de caballeros templarios condenados, muertos vivientes –e invidentes– que reclaman venganza desde los tiempos de la Inquisición. En El buque maldito, Taylor, Bárbara Rey y María Perschy se enfrentan a estos cruzados en un galeón errante que sintetiza perfectamente la idea de aquella España tardofranquista que se descomponía frente a la modernidad. Las lecturas políticas de la saga templaria solo resultaron opacas para la ceguera mental de los censores.
En El juego del diablo, Jack Taylor está del lado de la ciencia que intenta explicar el mito de la posesión diabólica, en una de las primeras exploitations mediterráneas de El exorcista. Producida por Antonio Cuevas, uno de los participantes del llamado cine de la Tercera Vía, y dirigida por el argentino Jorge Darnell, esta desconocida incursión en el subgénero satánico no debe ser confundida con otras grotescas revisiones del clásico de Friedkin. Inma de Santis añade inocencia y fragilidad al personaje que interpretó Linda Blair, y Darnell prefiere las imágenes inquietantes –y polanskianas– a la truculencia y los vómitos. Una de esas imágenes, con un José Lifante pesadillesco en el Museo de Cera de Madrid, remite a varios críticos al Hombre Alto de Angus Scrimm» (Álex Mendíbil)
 Duración total aproximada de la sesión: 220’
Presentación a cargo del actor Jack Taylor y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

 

«Bones and All» clausurará el Sitges 2022

Cuatro años después de inaugurar el 51º Festival de Cine de Sitges con su versión de Suspiria, Luca Guadagnino será el encargado de cerrar esta 55ª edición el sábado 15 de octubre. El realizador italiano vuelve a rodearse de un reparto recurrente de actores, entre los que figuran Timothée Chalamet, Chloë Sevigny y Michael Stuhlbarg, junto a la estrella emergente Taylor Russell y el veterano Mark Rylance, para contar este drama basado en la novela homónima de Camille de Angelis.

Ambientada en los Estados Unidos de los años 80, ‘Hasta los huesos: Bones and All’ cuenta la historia del primer amor entre Maren (Russell), una joven que está aprendiendo a sobrevivir al margen de la sociedad, y Lee (Chalamet), un vagabundo apasionado y privado de sus derechos, que se encuentran y se unen para emprender juntos una odisea de miles de kilómetros que los lleva por carreteras secundarias y pasadizos ocultos de la América de Ronald Reagan. A pesar de sus esfuerzos, todos los caminos los devuelven a sus aterradores pasados y a una batalla final que determinará si su amor puede sobrevivir a su otredad. David Kajganich, que colaboró con Guadagnino en Suspiria y Cegados por el sol, ha escrito el guion de esta historia de fantasía sobre el amor en tiempos difíciles, mientras que dos compositores consagrados, Trent Reznor y Aticuss Ross han compuesto la banda sonora.

Chalamet, nominado al Oscar, vuelve a colaborar con el director italiano cinco años después de la memorable película Call Me by Your Name. En esta ocasión, a Chalamet le acompaña Taylor Russell, que ganó el premio a la Mejor Actriz Emergente en el Festival de Cine de Venecia. Completan el reparto Stuhlbarg (La llegada, La forma del agua, Lincoln), Rylance (Dunkerque, Ready Player One), André Holland (Moonlight, Viudas) y Sevigny (We Are Who We Are, Zodiac). Además del premio para Russell, Guadagnino ganó el premio al Mejor Director en la competición italiana, lo que confirma el enorme éxito que tuvo la película en su estreno.

MGM presenta “Hasta los huesos: Bones and All”, que será distribuida internacionalmente por Warner Bros. Pictures y se estrenará en España el 25 de noviembre de 2022.

Pacto criminal, primer tráiler para «The Stranger» de Thomas M. Wright

A pocos días de que empiece una nueva edición del festival de Sitges no detenemos brevemente en algunas de las películas que podrán ver en el certamen catalán. The Stranger, que estará presente en la sección Orbita y cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el segundo trabajo tras las cámaras de Thomas M. Wright (Acute Misfortune 2018), un film que tuvo su premiere mundial en la sección Un Certain Regard del pasado festival de Cannes y que estará disponible en Netflix a mediados del próximo mes de octubre.
En The Stranger vemos como dos desconocidos se encuentran. Uno de ellos arrastrará al otro a una extensa y poderosa organización criminal, y le ofrecerá la oportunidad de redimirse por su pasado violento y empezar de cero.
La película con guion del propio Thomas M. Wright está protagonizada por Joel Edgerton, Sean Harris, Ewen Leslie, Kameron Hood, Jada Alberts, Steve Mouzakis, Alan Dukes, Mike Foenander, Fletcher Humphrys, Simon Elrahi, Adam Ovadia, Anni Finsterer, Matthew Sunderland, Stinga-T, Terence Crawford, Peta Shannon, Stephen Leeder, Melanie Lyons, Nick Buckland, Checc Musolino, Paul Harvey, Gary Waddell, Patty Glavieux, Jeff Lang, Adam Morgan, Nathan O’Keefe y Brendan Cooney.

«No mires a los ojos», de Félix Viscarret, inaugurará la 67 edición de Seminci

No mires a los ojos, nuevo largometraje del guionista y director navarro Félix Viscarret (Pamplona, 1975), inaugurará la 67 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, que tendrá lugar del 22 al 29 de octubre. El film, que se presenta a concurso en la Sección Oficial de Seminci, adapta la novela Desde la sombra, de Juan José Millás, y está protagonizada por Paco León, Leonor Watling, Álex Brendemühl y Juan Diego Botto.
No mires a los ojos es una producción de Tornasol y Desde la sombra del árbol A.I.E., en coproducción con Entre Chien et Loup (Bélgica), con la participación de RTVE y Movistar +. La película, distribuida en España por Universal Pictures International Spain, llegará a las salas de cine el 4 de noviembre.
Sinopsis
La trama de la película gira en torno al personaje de Damián, despedido tras 20 años trabajando en la misma empresa. Su reacción, furiosa y un tanto violenta, le lleva a salir corriendo para escapar de su jefe y a esconderse de él en el primer sitio que encuentra al salir de la oficina: un armario cargado en una furgoneta. El armario con Damián dentro se entrega en casa de Lucía y Fede, una pareja de la edad de Damián que vive con su hija adolescente, María. Esa misma noche un impulso inesperado lleva a Damián a quedarse con la familia para convertirse en una misteriosa presencia que observará y se moverá desde la sombra.
No mires a los ojos es el quinto largometraje de Félix Viscarret quien, con su primer trabajo, Bajo las estrellas (programado en Spanish Cinema en la 52 Semana), logró un unánime aplauso de crítica y público y dos premios Goya, incluyendo Mejor Guion Adaptado para el propio Viscarret, de un total de siete nominaciones. Sus trabajos recientes como director y guionista incluyen el largometraje Vientos de La Habana (2016), primera adaptación al cine del premio Princesa de Asturias Leonardo Padura. Como continuación de dicho largometraje, Viscarret también dirige la serie Cuatro estaciones en La Habana, coproducción internacional emitida por Netflix.
En 2017, Viscarret presenta su largometraje Saura(s), un retrato fílmico no convencional del legendario director de cine Carlos Saura y su familia, nominado a los premios Goya. Además de su experiencia en el cine, Félix Viscarret ha dirigido diversas series de TV, como Hispania, la leyenda (2011) y Marco (2011/2012) para Antena 3 TV, y la primera mitad de la serie Patria (2018), primera producción de HBO para España que adapta el best seller de Fernando Aramburu.

 

Jaime Chávarri competirá por la Espiga de Oro con «La Manzana de Oro», su primer largo en 17 años

La Sección Oficial programará a concurso los cortos de León Siminiani, Pablo García Canga y la actriz Marta Nieto, que debuta en la dirección, además del film inaugural No mires a los ojos
Punto de Encuentro programará las óperas primas de las directoras Estefanía Cortés y Avelina Prat, además de siete títulos que competirán en La Noche del Corto Español
Tiempo de Historia estrena los nuevos trabajos de Iñaki Arteta y la argentina española Amparo Aguilar y los cortometrajes de Miguel López Beraza y Esteve Riambau
El director Jaime Chávarri optará a la Espiga de Oro de la Semana Internacional de Cine de Valladolid con La Manzana de Oro, su regreso a la dirección de largometrajes tras un periodo de 17 años desde el estreno de Camarón (2005), su última película hasta la fecha. La Manzana de Oro, adaptación de la novela “Ávidas pretensiones” de Fernando Aramburu, cuenta con un amplio elenco encabezado por Sergi López, Marta Nieto, Adrián Lastra, Joaquín Climent, Paca Gabaldón, Vicky Peña, Elena Seijo, Roberto Enríquez y Ginés García Millán. La Manzana de Oro es una producción de La Piruleta Films, con la coproducción gallega de Viva Zapata & Villar, la financiación del ICAA y RTVE, y el apoyo de la Diputación de Ourense.
La película de Chávarri, que recibió la Espiga de Honor de Seminci en 1999, trata sobre la llegada de un invitado inesperado que desestabiliza las Jornadas Poéticas que cada año reúne en un aislado convento del noroeste peninsular a distintas tendencias de la poesía española. Durante un fin de semana acelerado, mientras los poetas escriben, recitan y se vigilan, persiguiendo un premio dorado, una sospecha de plagio, la batalla por la presencia en una futura antología, la irreverencia de un rapero, el cumpleaños de un poeta centenario, unas setas venenosas, los imprevistos cruces sexuales y el despertar de amores tardíos, culminarán en una noche tormentosa después del triunfo insospechado de una nueva estrella femenina de la poesía contemporánea.
Jaime Chávarri (Madrid, 1943), licenciado en Derecho y tras cursar dos años en la Escuela Oficial de Cinematografía, debuta tras las cámaras con Run, Blancanieves, Run (1967), aunque se considera Los viajes escolares (1973) su primera obra comercial. Trabaja con Elías Querejeta en el documental sobre la familia del poeta Leopoldo Panero El desencanto (1976) y los filmes de ficción A un dios desconocido (1977) y Dedicatoria (1980), y con Alfredo Matas en las adaptaciones de obras literarias de Llorenç Villalonga (Bearn o La sala de las muñecas), Fernando Fernán Gómez (Las bicicletas son para el verano) y Pablo Sorozábal (Tierno verano de lujurias  y azoteas).
Autor de una veintena de títulos, Chávarri rodó dos musicales protagonizados por Ángela Molina y Manuel Bandera, Las cosas del querer (1989) y su secuela Las cosas del querer 2ª parte (1995). Besos para todos (2000), El año del diluvio (2004) y Camarón (2005) son sus últimos títulos hasta la fecha.
El reparto de La Manzana de Oro se completa con Celso Bugallo, Isa Garrido, Loreto Fajardo, Abelo Valis, Rodrigo Soares, Álvaro Subiés, Carla Campra, Mela Casal, Kenia Mestre, Russo Nnandong, Lucía Veiga y David Perdomo.
La Manzana de Oro será, junto a la ya anunciada película inaugural No mires a los ojos, los dos largometrajes españoles en competición en la Sección Oficial de la 67 Seminci. No mires a los ojos, nuevo largometraje del guionista y director navarro Félix Viscarret, adapta la novela Desde la sombra, de Juan José Millás, y está protagonizada por Paco León, Leonor Watling, Álex Brendemühl y Juan Diego Botto.
La Sección Oficial de la 67 Seminci también estrenará en competición tres cortometrajes de autores españoles: Arquitectura emocional 1959, de León Siminiani; Por la pista vacía, de Pablo García Canga; y Son, debut tras las cámaras de la actriz Marta Nieto.
León Siminiani, guionista y director, ha explorado diferentes formatos y géneros en ocho cortos y dos largometrajes documentales a medio camino entre el cine-diario y el ensayo fílmico, entre ellos Mapa (2012) y Apuntes para una película de atracos (2018), ambos candidatos al Goya al mejor documental.
Por su parte, el madrileño Pablo García Canga ha dirigido varios cortometrajes y mediometrajes, tanto de ficción como documentales, que han obtenido premios en festivales como Alcine o Aguilar de Campoo y han participado en otros como SEMINCI, Documenta Madrid, Palm Spring Shorts Festival o HollyShorts.
Finalmente, Son, corto protagonizado por Patricia López Arnaiz -Premio Goya a mejor interpretación femenina protagonista-, supone el debut como directora de Marta Nieto, actriz en películas como El camino de los ingleses (Antonio Banderas, 2006), Madre (Rodrigo Sorogoyen, 2019), Cosmética del enemigo (Kike Maíllo, 2021) o Tres (Juanjo Giménez, 2021).
Punto de Encuentro
La sección Punto de Encuentro, la muestra paralela de carácter competitivo que la Semana Internacional de Cine de Valladolid dedica a primeras y segundas películas de nuevos autores y cinematografías poco habituales en nuestras pantallas, programará en competición las óperas primas de las directoras Estefanía Cortés (Eden) y Avelina Prat (Vasil).
El título de la película Edén hace referencia a la empresa clandestina a la que cuatro desconocidos, interpretados por Charlotte Vega, Israel Elejalde, Marta Nieto y Ramón Barea, acuden para quitarse la vida. Diplomada en dirección de cine por la Escuela Septima Ars de Madrid, Estefanía Cortés lleva más de una década tras la cámara trabajando en los departamentos de dirección y guion para diferentes productoras. Además, ha escrito y dirigido los cortometrajes Moiré, Yerbabuena y Miss Wamba, seleccionados y premiados en festivales de todo el mundo.
Vasil, la ópera prima de la valenciana Avelina Prat, está protagonizada por el búlgaro Ivan Barnev, Karra Elejalde, Alexandra Jiménez, Susi Sánchez y la británica Sue Flack. Vasil es un inmigrante búlgaro, un hombre singular, que transmite bondad, pasión y una peculiar sabiduría, que ve la vida de otra manera y cuenta pequeñas historias fascinantes. El film está producido por Distinto Films y Activist 38.
Además de los dos largometrajes, la sección Punto de Encuentro celebrará una nueva edición de La Noche del Corto Español, que este año estrenará siete cortometrajes: Cosas de niños, de Bernabé Rico; El perro de un torero, de Sandra Romero; Has estado, hace tiempo, de Gerard Oms; L’avenir, de Santiago Ráfales; Semillas, de Toni Bestard; Solo un ensayo, de Hugo Sanz, y Tormenta de verano, de Laura García Alonso.

Tiempo de Historia
La sección Tiempo de Historia, dedicada al género documental, estrenará otros cuatro títulos españoles: los largometrajes La tara, coproducción que dirige la argentino española Amparo Aguilar, y Sin libertad, 20 años después, de Iñaki Arteta, además de los cortometrajes Ponto final, de Miguel López Beraza, y Vidres de colors, de Esteve Riambau, que se programará fuera de concurso.
Amparo Aguilar indaga en La tara  en su propia historia familiar. Los hermanos Aguilar, descendientes del famoso y olvidado Cuarteto Aguilar, encuentran la banda de sonido de la única película surrealista Argentina, Tararira: la bohemia de hoy, filmada en 1936. El interés por la película, que es un gran mito del cine nacional, los reencuentra con partes del pasado de la familia que desconocen: peleas entre hermanos, arte y vínculos con la política, con una tara notable para estar siempre del lado de los derrotados.
Iñaki Arteta retoma el contacto con los protagonistas de su mediometraje Sin libertad (2001), en el que una veintena de vascos dan su testimonio como familiares de víctimas asesinadas por ETA o perseguidos por la banda. En Sin libertad, 20 años después, se pregunta cómo habrán asimilado esas mismas personas este período de tantos cambios, desde el terrorismo al cese de la violencia y la incorporación a la política del entramado ultranacionalista. Para ello, elige a cinco jóvenes estudiantes de periodismo para realizar las entrevistas a estos testigos.
La participación española en la 67 edición de Seminci se completará con los títulos programados en las secciones competitivas DOC. España, dedicado al género documental español, y Castilla y León en Corto, enfocado en los nuevos autores de la comunidad autónoma, además de Spanish Cinema, la selección de las películas más relevantes estrenadas en el último año, y Castilla y León en Largo, que ofrece una panorámica de los títulos realizados o rodados en la región castellano leonesa.

Sitges 2022: Hiperconectados al fantástico

Dario Argento recibirá el nuevo Golden Honorary Award, mientras que Quentin Dupieux, Ti West y Masaaki Yuasa serán reconocidos con el Premio Máquina del Tiempo. A la programación ya confirmada se suman ‘Pearl’, de Ti West; ‘Inu-oh’, de Masaaki Yuasa; ‘La piedad’, de Eduardo Casanova y ‘El club de la medianoche’, de Mike Flanagan y Leah Fong, entre muchas otras. El Festival tendrá el honor de recibir la visita de Eva Green, que acudirá para presentar ‘Nocebo’, de Lorcan Finnega.
Los mundos virtuales de Sitges 2022 ya están a punto. Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presenta este año una programación diversa y audaz, sintomática del gran estado en el que se encuentra el cine fantástico en los últimos tiempos. Entre los casi 200 largometrajes que conforman esta 55ª edición se pueden encontrar tanto grandes maestros del fantástico como prometedores realizadores incipientes. Del 6 al 16 de octubre, las butacas del Auditori, Prado, Retiro, Tramuntana y Escorxador volverán a albergar el fervor y el entusiasmo de los fans.

Dario Argento recibirá en su visita a Sitges el Golden Honorary Award por su monolítica contribución al cine de terror. El veterano productor y director, que ya recibió el premio Máquina del Tiempo en la edición de 1999 y el Gran Premio Honorífico en el año 2012, se convirtió en toda una institución el cine de género en los años 70 y 80, época en la que popularizó el subgénero del giallo. En su haber tiene clásicos de culto como Suspiria, Rojo oscuro, Phenomena o Tenebrae. Este año acudirá a su cita presentando Occhiali Neri, su primera película en diez años.

Además, un habitual de Sitges como Quentin Dupieux también será homenajeado con el premio Máquina del Tiempo. El cineasta francés, que ha alentado las carcajadas del Auditori en numerosas ocasiones (Mandíbulas, Rubber, Réalité, etc) presentará este año Incroyable mais vrai y Fumer fait tousser, dos acercamientos distintos a la comedia absurda que tanto le caracteriza.

El estadounidense Ti West brindará la Pearl, la esperada precuela de X. Ambientada décadas antes de los acontecimientos de X, Mia Goth torna interpretando a la futura psicópata Pearl, aquí una granjera adolescente de ojos estrellados con la mecha corta y una ambición mortal. Además, el Festival tendrá el honor de recibir la visita de Ti West, a quien se le entregará el Premio Máquina del Tiempo a toda una carrera dedicada al cine de terror.
Una figura esencial de la animación japonesa de las últimas dos décadas, Masaaki Yuasa, no podía faltar en esta edición de Sitges. Después de presentar Night is Short, Walk On Girl y Lu Over the Wall en 2017, y Riding Your Wave en 2019, el reconocido realizador nipón acudirá al Festival para recibir el Premio Máquina del Tiempo, además de para presentar su nuevo largometraje, Inu-oh. Esta nueva y psicodélica propuesta pretende reimaginar la historia antigua de Japón combinando su tradición teatral con un irresistible espectáculo rockero, adornado con los toques de surrealismo que caracterizan a la animación de Yuasa.
El Festival de Sitges también acogerá la premier nacional de una esperada producción española. Eduardo Casanova vuelve al Festival de Sitges tras haber presentado un fragmento de su ópera prima, Pieles, en la edición de 2016. Esta vez, después de un amplio recorrido en festivales por todo el mundo, vuelve en sección oficial con La piedad, su película de confirmación. Una mezcla entre terror y melodrama bañada de un omnipresente color rosa que hace gala del habitual estilo excesivo y barroco del director.
En cuanto a la oferta seriéfila, se presentarán los dos primeros capítulos de El club de la medianoche, la nueva serie producto de la alianza entre Mike Flanagan y Leah Fong producida por Netflix. Con títulos tan aclamados como Misa de medianoche y La maldición de Hill House, Flanagan se ha sembrado una gran reputación como creador, escritor, director y productor de series de terror, llegando a ser considerado uno de los maestros contemporáneos del género. La propuesta es una adaptación de la obra de Christopher Pike, en la que un grupo de pacientes terminales de un hospital se reúnen a medianoche para contar historias terroríficas.

Por último, el Festival tendrá el honor de recibir la visita de Eva Green, que acudirá para presentar Nocebo, tercera película de Lorcan Finnegan. La reconocida actriz de Sin City: A Dame to Kill For o Sombras tenebrosas interpreta en este thriller misterioso a una diseñadora de moda portadora de una enfermedad extraña. En conjunto, se trata de un comentario sobre la industria de la moda rápida y la cultura consumista.

Sección Oficial 

La Sección Oficial Fantástico a Competición ofrecerá de nuevo una variopinta selección de títulos, de temáticas y estilos completamente dispares. Tras la victoria de Lamb en la edición pasada, Sitges volverá a hospedar lo mejor del folk horror internacional con títulos como Nightsiren, de Tereza Nvotová, y The Knocking, de Max Seeck y Joonas Pajunen, dos películas que, desde la exploración de los vínculos familiares, recuperan el bosque como caldo de cultivo de lo misterioso.

La infancia y lo fraternal también aflora en Nos Cérémonies, de Simon Rieth, una fantasiosa aventura que reúne a dos hermanos que esconden un secreto, y en Tropique, de Édouard Salier una metáfora sobre la aceptación de la identidad vehiculada por Tristán, un aspirante a astronauta que se convierte en monstruo al haber entrado en contacto con residuos tóxicos. Asimismo, se contará con la presencia de algunas semillas del diablo, como NightMare, de Kjersti Helen Rasmussen, y Huesera, de Michelle Garza, que abordan la temática del embarazo tortuoso y sobrenatural, un tropo clásico del cine de terror.

La competición en Sección Oficial también presentará una muestra de expresiones artísticas muy singulares. Everything Will Be OK, del veterano Rithy Panh, es un ejemplo de ello. Este documental político, ganador de un Oso de Plata en la Berlinale por su sobresaliente contribución artística, utiliza títeres para explorar temas políticos de hondo calado, como la democracia o el totalitarismo. Por otra parte, The Origin, del debutante Andrew Cumming, transportará al público al paleolítico mediante sus asombrosas localizaciones escocesas, mientras que Medusa Deluxe, opera prima de Thomas Hardiman, abordará la intriga propia del whodunit desde una propuesta formal extrema, la toma única, y un contexto tan inusual como atractivo, un concurso de peluquería.

Para finalizar, dos películas de época. Representando el género bélico llega Sisu, el tercer largometraje del realizador finlandés Jalmari Helander, que ya se alzó con la victoria en la edición del año 2010 con su traviesa ópera prima Rare Exports: Un cuento gamberro de Navidad. En esta ocasión, Helander concibe un film de acción que sigue a un soldado finlandés que tendrá que proteger el oro que ha encontrado en el desierto de Laponia de manos de los soldados nazis. Por otro lado, representando el drama decimonónico, se encontrará Emily, el debut de la actriz Frances O’Connor en la dirección, cuyo argumento cuenta la corta vida de Emily Brönte, autora del best-seller Cumbres Borrascosas.

Por su parte, las proyecciones especiales fuera de competición vienen marcadas por la presencia de monstruos del terror, como los duendes asesinos de Unwelcome, del inglés Jon Wright; el demonio que trata de poseer a la protagonista de La exorcista, de Adrián García Bogliano, o, desde la comedia, los tiburones feroces de L’année du requin, cuyos directores, los hermanos Boukherma, fueron premiados en la edición de 2020 del festival por la recordada Teddy. Además, el cineasta catalán Víctor García regresará a Sitges una década después de Gallows Hill, esta vez con La niña de la comunión, cuyo tráiler se pudo ver en la edición del año pasado. Ambientada en los años 80, la historia sigue a Sara y a Rebe, dos adolescentes de un pueblo de la España profunda que, tras salir de fiesta y encontrarse con una muñeca vestida de comunión, empezarán a vivir una auténtica pesadilla.
Òrbita / Noves Visions
Tras dos años de ausencia, el Festival de Sitges recupera para la 55ª edición la sección Órbita, histórica cuna del cine de acción y el thriller. Y viene, como no podía ser de otra manera, cargada de sorpresas. Arrancará motores H4Z4RD, de Jonas Govaerts, una película de acción sobre ruedas que hará retumbar las salas con los aplausos de los fans. Wai Ka-Fai, frecuente compañero de dirección de Johnnie To, mostrará Detective vs Sleuths, un nuevo thriller que entronca con la larga tradición del noir asiático en la que también se enmarca Bad City, segundo largo de Kensuke Sonomura.  Por último, Diabolik, de los hermanos Manetti, aportará la cara más ecléctica del cine criminal, mientras que The Stranger, de Thomas M. Wright, ofrecerá la vertiente más dramática tras pasar por el Festival de Cannes. Estas se suman a las ya anunciadas As bestas, Hunt y The Roundup, entre otras.

Más novedades en Noves visions, termómetro infalible del fantástico contemporáneo. Tras pasar por Locarno este verano, inaugurará la sección Piaffe, de Ann Oren. También nos acompañarán conflictos clásicos de la ciencia ficción como los juegos con el espacio-tiempo de LOLA, de Andrew Legge, y La paradoja de Antares, debut en solitario del español Luis Tinoco; paisajes naturales sobrecogedores que hacen florecer lo sobrenatural, como los Alpes en Jacky Caillou, opera prima de Lucas Delangle, y en La montagne, del francés Thomas Salvador; y abordajes desde el género de temas políticos de actualidad en Darkling, de Dušan Milić; Saloum, de Jean Luc Herbulot, y We Might As Well Be Dead, de Natalia Sinelnikova. Además, se podrá ver Domingo y la niebla, segundo largo de Ariel Escalante, que pasó recientemente por el Festival de Cannes y representará a Costa Rica en los Oscar de 2023.

Panorama Fantàstic / Midnight X-Treme
Más de treinta títulos conforman las dos secciones más orientadas al fandom de todo el festival. Los aplausos del Auditorio, Prado y Retiro retumbarán por todo Sitges con apuestas excesivas desde una perspectiva clásica (The Lake, de Lee Thongkham;  Slash/Back, de Nyla Innuksuk; MexZombies, de Chava Cartas; FleshEater, de Bill Hinzman y  Carnifex, de Sean Lahiff) y con giros de tuerca a argumentos tradicionales (What To Do with the Dead Kaiju, de Satoshi Miki; Wolfkin de Jacques Molitor y A Wounded Fawn, de Travis Stevens), sin olvidar la reflexión sobre problemas sociales de nuestro tiempo (Polaris, de Kirsten Carthew; Sissy, de Kane Senes y Hannah Barlow, y Family Dinner, de Peter Hengl). El thriller policial (Tales from the Occult, de Fruit Chan, Fung Chi-Keung y Wesley Hoi Ip Sang, The Price We Pay, de Ryûhei Kitamura, y The Breach, de Rodrigo Gudiño) también tendrá cabida en estas secciones. Además, cabe destacar la presencia de la quinta entrega de la aclamada saga V/H/S, titulada V/H/S 99, un ya clásico del found footage. Este volumen incluye episodios firmados por Johannes Roberts, Vanessa Winter, Joseph Winter, Maggie Levin, Tyler MacIntyre y Flying Lotus.

Anima’t
Además de las ya anunciadas Oink, que inaugurará la sección, La otra forma y Unicorn Wars, entre otras, Anima’t contará con la presencia de algunos títulos adicionales. La siempre estimulante animación japonesa ocupará prácticamente la mitad de la sección. En este sentido, se suman Battlecry (dirigida por Yanakaya) que, con una estética cercana a la del videojuego se adentra en el mundo criminal de los narcóticos, y Break of dawn, de Tomoyuki Kurokawa, que imagina la inminente colisión contra el planeta de un meteorito mortal. Fuera de competición se encuentra Yaya e Lennie: The Walking Liberty, tercer largometraje del animador italiano Alessandro Rak, un cuento de hadas ecologista que pasó por el último Festival de Locarno. También se recuperará el clásico de la animación india Ramayana: The Legend of Prince Rama que firmaron Ram Mohan, Koichi Saski, Yugo Sako hace nada más y nada menos que treinta años.

Sitges clàssics / Sitges Documenta
La 55ª edición del Festival de Sitges también recuperará grandes clásicos del cine fantástico, tanto proyectándolos directamente como a través de documentales que exploran su valía y su herencia. En el primer caso, la sección Sitges Clàssics dedicará la retrospectiva “Macros ocultas” a los mundos digitales y visiones retrofuturistas que pueblan la ciencia ficción desde que el cine es cine. Cineastas ya santificados como Chris Marker (Level Five), Masaki Kobayashi (El más allá), Rainer Werner Fassbinder (World on a Wire), Peter Weir (Picnic en Hanging Rock) y Olivier Assayas (Demonlover) deleitarán la memoria cinéfila de los espectadores con sus respectivos clásicos. Asimismo, se volverán a proyectar las más recientes pero no menos llamativas Neptune Frost, de Saul Williams y Anisia Uzeyman, y Verbo, de Eduardo Chapero-Jackson.

En cuanto a lo segundo, la sección Sitges Documenta dará voz a los fans de la saga Mad Max con Beyond the Wasteland, dirigida por Eddie Beyrouthy y homenajeará a dos pilares del cine de terror de los últimos cincuenta años como son Stephen King y Robert Englund (Hollywood Dreams & Nightmares: The Robert Englund Story, de Gary Smart y Chris Griffiths, y King on Screen, de Daphné Baiwir). Estas se unen a las ya anunciadas [REC] Terror sin pausa, Lynch/Oz, Mad in Belgium o Jurassic Punk.

Por otro lado, se reivindicará un año más la producción catalana de cine fantástico con la sección Catalunya Imaginària, en cuyo marco se proyectarán Denver, el intrigante clásico de Carles Balagué, y La barca sin pescador, drama fantástico de Josep Maria Forn, que servirá de homenaje al cineasta recientemente fallecido.

Brigadoon
La clásica sección que llena las butacas d’Escorxador añade a su programación ya anunciada diversos estrenos, como el de What the Waters Left Behind: Scars (Los olvidados: cicatrices), secuela de What the Waters Left Behind, dirigidas ambas por el argentino Nicolás Onetti, o el de 13 Notes en rouge, un giallo francés firmado por François Gaillard.

La oferta española viene marcada por la premier de Vampiras: The Brides, segunda colaboración de Iván Mulero con la productora Goldheart después del cortometraje Las parcas, y Emerge, ópera prima del cineasta catalán Rafa Dengrá.

Por último, tendrá lugar una sesión especial de El monte de las brujas, clásico de Raúl Artigot de cuyo estreno se cumple medio siglo. En el homenaje a la película, el Festival tendrá el honor de contar con la presencia de la mítica actriz Mónica Randall.

Woman In Fan : Segunda edición
El programa para la promoción de la mujer creadora dentro del género fantástico se despliega en esta edición con numerosas actividades, dedicadas tanto a la reivindicación histórica del trabajo de cineastas referentes como al estímulo profesional para las mujeres que actualmente se aproximan al fantástico. Numerosas invitadas participarán también en la próxima edición del Festival de Sitges en un programa abierto al debate y reflexión sobre las oportunidades que esperan a las mujeres dentro de la industria del fantástico.

La ganadora del concurso WomanInFan es Estíbaliz Burgaleta, que obtendrá financiación para realizar el corto-teaser de El chino, su proyecto de largometraje. Burgaleta es una guionista y directora con amplia trayectoria, especialmente en televisión, trabajando en series como Velvet, Las chicas del cable, Tiempos de guerra o Ciega a citas. Además, ha coescrito y dirigido los cortometrajes Bichos raro, Mañana y La leonera. El chino mezcla el costumbrismo de Zombie’s party, el humor negro de REC 3: Génesis o Train to Busan y los guiños a la realidad española de El día de la bestia para contar la historia de una invasión zombie en un supermercado.

Por otra parte, durante el Festival tendrá lugar la mesa redonda Mujeres Creadoras del Fantástico, en la que cuatro mujeres de distintas vertientes artísticas pondrán en común sus procesos de creación en el campo del fantástico. Participarán la escritora argentina Mariana Enríquez; la cofundadora del Etheria Film Festival (muestra de cortometrajes dirigidos por mujeres), Heidi Honeycutt; la realizadora y actriz alemana Astrid Frank, uno de los primeros referentes en la dirección de cortometrajes de terror, y la directora de Cerdita, Carlota Pereda.

Además, en las sesiones principales se proyectará una campaña de reivindicación histórica del trabajo de mujeres cineastas en campos tan diversos como la animación, los efectos especiales y la dirección.  Con ello, Sitges recupera la memoria de toda una serie de mujeres fundamentales del cine de terror, fantástico y ciencia ficción que han quedado opacadas por la historia. Es el caso de Millicent Patrick, pionera del diseño de efectos especiales, o de Alice Guy Blanché, directora de la primera película de ficción de la historia.

En este contexto de la reivindicación femenina del fantástico, la directora, programadora, productora y crítica de cine Kier-La Janisse presentará la versión revisada y ampliada de su obra House of psychotic women, que este año celebra su décimo aniversario. También ofrecerá una Masterclass en la que comentará su trayectoria en el cine de género.

Por último, para la edición 2023 se presentarán los contenidos de un nuevo libro bajo el sello WomanInFan, titulado Mistress of Fan. Monstruos, pesadillas y criaturas engendrados por ellas, y su exposición paralela, sobre monstruos diseñados o creados bajo la dirección de cineastas mujeres. El objetivo es reforzar el valor histórico del storytelling femenino y la creación de referentes para las profesionales actuales.

 

 

 

«Irati» de Paul Urkijo inaugurará la 33ª Semana de Cine Fantastico y de Terror de San Sebastián

El segundo largometraje dirigido por Paul Urkijo, «IRATI», será el film encargado de inaugurar el próximo 28 de octubre la 33ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 28 de octubre y el 4 de noviembre en los teatros Principal y Victoria Eugenia y en otros escenarios de la ciudad.
Escrita por el propio Urkijo, cuyo primer largo, Errementari, también inauguró la Semana de aquel año. 
«IRATI», llegará a las salas de cine el 18 de noviembre de la mano de Filmax, tras su paso en la Sección Oficial a competición del Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya y la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.»IRATI» ha sido rodada en diferentes localizaciones de Araba, Gipuzkoa, Bizkaia, Navarra y Huesca, y está ambientada en la oscura etapa histórica del siglo VIII, con elementos mágicos de mitología vasca.
Con el euskera como lengua principal, el reparto está encabezado por el ganador de un premio Goya Eneko Sagardoy (Handia), Edurne Azkarate (Gutuberrak), Iñigo Aranbarri (Patria, Nora), Nagore Aramburu (Loreak, Patria), Elena Uriz (Akelarre, Lo nunca visto), Iñaki Beraetxe (Ostertz, Ocho apellidos vascos), Ramón Agirre (Errementari, Handia), Kepa Errasti (Loreak, Lasa y Zabala) o Itziar Ituño (La casa de papel, Goenkale), entre otros.
«IRATI» cuenta con un equipo técnico de renombre formado por Nerea Torrijos al frente de vestuario, Mikel Serrano director de arte, Maite Arroitajauregui y Aranzazu Calleja al frente de la banda sonora, todos ellos ganadores de un Goya por AkelarreDavid Heras y Jon Serrano, encargados de los efectos especiales, y ganadores del Goya por HandiaGorka Gómez director de fotografía y ganador en 2017 del Spotlight Award que concede la Asociación Americana de Directores de Fotografía.
Sinopsis:
Siglo VIII. 
El cristianismo se extiende por Europa mientras las creencias paganas desaparecen.
Ante el avance del ejército de Carlomagno al atravesar los Pirineos, el líder del valle pide ayuda a una diosa ancestral​. Mediante un pacto de sangre, derrota al enemigo dando su vida a cambio, pero antes, hace prometer a su hijo Eneko que protegerá y liderará a su pueblo en la nueva era. 
Años más tarde, Eneko afronta esa promesa con una misión: recuperar el cuerpo de su padre enterrado de forma pagana junto al tesoro de Carlomagno. Pese a su fe cristiana, necesitará la ayuda de Irati, una enigmática pagana de la zona. Los dos jóvenes se adentrarán en un extraño e inhóspito bosque donde “todo lo que tiene nombre existe”.
«IRATI» está producida por Irati Zinema AIE (Bainet, Ikusgarri Films, Kilima Media) y en coproducción con La Fidèle Production. Así mismo, cuenta con el apoyo de ICAA, EITB, RTVE, Gobierno Vasco, Ayuntamiento de Vitoria – Gasteiz Diputación Foral de Álava.

Proyecciones Xcèntric: Homenaje a Jonas Mekas por el centenario de su nacimiento

Coincidiendo con el cambio de siglo, Jonas Mekas, ya en el ocaso de su vida, realizó un emotivo repaso de su mundo íntimo que recuperamos desde Xcèntric con motivo del centenario de su nacimiento. Desde el diario audiovisual en el que se enmarca toda su obra, el cineasta lituano plasma en As I Was Moving Ahead Occassionally I Saw Brief Glimpses of Beauty treinta años de su vida en forma de destellos de existencia, de pequeños instantes de bella cotidianidad.
«En realidad no soy un cineasta», afirma Mekas al principio del capítulo seis de la película, «no hago películas. Solo filmo. Estoy obsesionado con filmar. Voy por esta vida con mi Bolex y tengo que filmar lo que veo, lo que está pasando ahí mismo». Filmar como algo indisociable de vivir, es decir, como una manera de mantenerse vivo: así es como Mekas afronta su tarea artística. Cuando monta una película, no aspira tanto a traer al presente el recuerdo de aquel momento, sino a provocar la ilusión de que todo vuelve a estar ahí, de que todo vuelve a suceder ante sus ojos.
As I Was Moving Ahead… quizá es, en este sentido, su obra más paradigmática, en tanto que, aun siendo un diario audiovisual, no se trata de un retrato coral ni de un autorretrato, sino de una colección de pequeños fragmentos de vida montados al azar y filtrados por el entusiasmo efervescente de quien trata a la cámara como un apéndice de sí mismo. A través de la captura de imágenes nerviosas, inestables y a menudo sobreexpuestas, la presencia de Mekas es palpable en cada fotograma que muestra de sus seres queridos. La película invita a zambullirse en ese océano de fragmentos atemporales que Mekas presenta desde un lugar tranquilo y libre de nostalgia. «No sé nada de la vida, pero he visto algo de belleza», dice el propio cineasta al final del filme, contagiándonos su manera de celebrar la felicidad que la vida puede ofrecer.
As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty, Jonas Mekas, 2000, 16 mm, 320 min.
VOSE. Copia procedente de Canyon Cinema.
Fecha: 27 noviembre 2022
Horario: 17.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y www.eventbrite.es

 

Primer tráiler de «Old Man», lo nuevo de Lucky McKee

Algo errática está siendo la trayectoria del realizador estadounidense Lucky McKee, tras aquel potente debut en el largometraje que era May (2002) sus últimas aportaciones, de un claro talante alimenticio, como Blood Money (2017) o Kindred Spirits (2019), no está siendo muy bien recibidas por parte del fandom. Con Old Man, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, el responsable de All Cheerleaders Die regresa al thriller psicológico de terror con una cinta interpretada por Stephen Lang que tiene previsto su estreno simultaneó en salas comerciales y VOD  de Estados Unidos para el próximo 14 de octubre.
En Old Man vemos como un joven excursionista que pierde el rumbo en mitad del bosque consigue llegar a duras penas a la cabaña de un viejo anciano solitario. Lo que empieza como una conversación supuestamente cordial entre ambos no tarda en enrarecerse cuando queda claro que uno, o los dos, podrían estar ocultando de forma deliberada un terrible secreto.
La película con guion a cargo de Joel Veach está protagonizada por Stephen Lang, Patch Darragh, Marc Senter y Liana Wright-Mark.

La enseñanza en la periferia, tráiler de «El suplente» de Diego Lerman

Tras estar presente en 2017 con Una especie de familia el realizador argentino Diego Lerman regresa, tras su paso por el TIFF, a la Sección oficial del Festival de San Sebastián con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado El suplente, film cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. La película producida por Campo Cine (Argentina), Vivo Films (Italia), Pimienta (México) y Arcadia Motion Pictures (España) llegará comercialmente a nuestro país de la mano de A Contracorriente Films.
El suplente nos cuenta como Lucio es profesor en la carrera de Letras de la prestigiosa Universidad de Buenos Aires. La vida académica, sin embargo, ya no lo motiva: quiere llevar su conocimiento donde pueda hacer una diferencia, como enseñar literatura en un barrio de la periferia de una zona marginal del conurbano bonaerense. Lucio deberá apelar a todo su ingenio para sacar adelante sus clases y al mismo tiempo, cruzará todo tipo de límites morales y prejuicios sociales para intentar salvar a Dylan, su alumno favorito, quien es perseguido por un grupo narco en busca de venganza.
La película con guion adaptada a cargo del propio Diego Lerman junto a María Meira y Luciana De Mello está protagonizada por Juan Minujín, Alfredo Castro, Bárbara Lennie, Rita Cortese y María Merlino.

https://youtu.be/qvCCh8Ubtfg