Año: 2015

Perseguido por su turbulento pasado, Mad Max cree que la mejor forma de sobrevivir es ir solo por el mundo. Sin embargo, se ve arrastrado a formar parte de un grupo que huye a través del desierto en un War Rig conducido por Furiosa, una mujer también de acción que cree que logrará sobrevivir si cruza el desierto y llega a la tierra en la que se crió.. Escapan de una Ciudadela tiranizada por Immortan Joe, a quien han arrebatado algo irreemplazable. Enfurecido, el Señor de la Guerra moviliza a todas sus bandas y persigue implacablemente a los rebeldes en una «guerra de la carretera» de altas revoluciones..

Hay muchas razones que se podrían enumerar a la hora de intentar de desgranar con profundidad el por qué «Mad Max: Fury Road» es un rotundo triunfo en sí mismo y en el sentido más amplio de la palabra, ahora mismo no recuerdo un blockbuster que haya tenido de una manera merecida una unanimidad en positivo tan claramente aplastante ya sea de crítica o público, entre otras cosas podríamos empezar por la propia gestación del producto, una gestación tan milagrosa como atípica en el actual panorama cinematográfico a cargo de gran estudio, que Warner Bross proveyera con 150 millones de dólares de presupuesto  a un señor de 71 años para retomar una franquicia postapocalíptica que llevaba enterraba más de treinta años no es algo que se vea con relativa frecuencia, todo ello elaborado en base a un rodaje nada fácil de siete meses en el desierto de Namibia y un posterior rodaje complementario en Australia, rodada fuera de los plazos habituales en este tipo de producciones después de sufrir varios aplazamientos en lo concerniente a fechas, unas dificultades que suele ser sinónimo de producto no bien ejecutado, que tiende a ser defectuoso, nada más lejos de la realidad, «Mad Max: Fury Road» logra sobrevivir a la propia locura de su naturaleza.  

De la misma manera también es evidente que  George Miller es un director algo peculiar y atípico, un autor de innegable talento no reconocido posiblemente dada por su dispersa trayectoria artística, de naturaleza y tono que tiende a una cierta irregularidad formal, «Mad Max”, «The Witches of Eastwick«, «Lorenzo’s Oil«, «Babe: Pig in the City» o «Happy Feet» son trabajos que forman parte de un fabulario tan rico, extenso y lleno de matices como variopinto y algo distante en su conjunto a la hora de globalizarlo y valorarlo en su justa medida, es ahora con esta «Mad Max: Fury Road» cuando George Miller ha sabido esperar su momento justo y poner el punto y aparte en su carrera, realizando la película por la que será recordado, logrando en definitiva una absoluta obra cumbre en el cine de acción.

«Mad Max: Fury Road» viene a ser un compendio de intenciones que ha gozado de una inusual y plena libertad creativa y eso se nota en el resultado final, una película más de director que de estudio por increíble que parezca, una brillante suma de ideas con respecto al universo de la trilogía original, en donde George Miller no se deja nada en el camino, lo da todo, coge lo mejor, todas las virtudes de la saga (y en este aspecto se lleva la palma muy especialmente «Mad Max 2: The Road Warrior») para moldearlas a su antojo, las homenajes, potencia y amplia de manera tan exagerada como acertada para ofrecer un espectáculo visual sin parangón en donde la imagen en su concepto más puro se adueña de la función de una manera rotunda con respecto al dialogo, a veces el éxito o reconocimiento de un producto no está superar o magnificar lo que supuestamente ya funciona, conviene dar un paso hacia atrás y reformulas antiguos conceptos, en este aspecto «Mad Max: Fury Road» brilla pues logra revisitar el método de la vieja escuela a la hora de hacer cine espectáculo para curiosamente manifestarse como un soplo de aire refrescante con respecto a lo que vemos hoy en día en pantalla.

Normalmente cuando estamos ante un film que posee una lectura narrativa criptica solemos necesitar de varios visionados para poder asimilar y entender todo lo que se nos cuenta, en «Mad Max: Fury Road» ocurre igual pero desde una perspectiva completamente visual,  estamos ante un film en el que el 90% son escenas de pura acción, en cada una de ellas hay una multitud de detalles que necesitan más de un visionado para poder apreciarlos y disfrutarlos de manera satisfactoria, es una película física, hecha con vehículos reales, personas reales, en un desierto real que solo utiliza lo digital cuando realmente lo requiere, dejando en clara evidencia en este aspecto a la mayoría de blockbusters que se producen a día de hoy en Hollywood. Estamos pues ante una orquestada suma imágenes perturbadoras, dentro de un mundo distorsionado, poblado de una interminable lista de variopintos personajes, enemigos mutilados, enfermos, deformados o drogados que se sacrifican por un prometido Valhalla, imposibles camiones orquesta con el cometido de atemorizar sonoramente al perseguido, malvados inmortales enfrentados a unos personajes en busca de la redención, todo ello remitiéndonos al género de western dentro de un escenario de desiertos, desfiladeros y jinetes moteros, etc.

En la película de George Miller funciona prácticamente todo a la perfección, desde la adrenalítica música compuesta por Junkie XL en base un trabajo atronador de tambores y guitarras conjuntada de manera acertada con la majestuosa banda sonora de Tom Holkenborg, hasta la fotografía del veterano John Seale, pasando el alucinante montaje a cargo de Margaret Sixel (2.700 cambios de plano que equivale a una media de plano cada tres segundos) o el carisma que derrochan ante la pantalla tanto Charlize Theron como Tom Hardy.

Al final «Mad Max: Fury Road» nos viene a recordar, seguramente no de manera intencionada, que desde el nacimiento del séptimo arte y antes de aparecer en escena el propiamente denominado cine de autor, existían las películas creadas como un simple y mero deleite visual en donde la imagen funcionaba únicamente al servicio del espectáculo, posiblemente «Mad Max: Fury Road» no sea la película perfecta si hablamos en el sentido literal del término, básicamente porque su apuesta es demasiado radical para conseguir una unanimidad, lo que si sentara cátedra serán sus innegables intenciones a la hora de ofrecer un espectáculo puro sin ningún altibajo, y esto si es intencionado, toda una declaración de principios partiendo desde lo clásico para terminar como un producto de tono hipermoderno y que al mismo tiempo nos muestra una forma de hacer y entender el cine desde una perspectiva diferente, desde una mirada que hoy en día ya no solemos ver en la gran pantalla.

Valoración 0/5:5

Una chica de 16 años de un pueblo de América es infectada por un zombi. La joven tardará 6 meses en convertirse en zombi, y la transformación afectará la situación en su familia, en concreto a su padre, que continúa manteniendo su amor incondicional por su hija.

Desde luego no puede negarse que en la carrera de Arnold Schwarzenegger ha existido en muchas ocasiones un leve intento de ofrecer algo que se saliera un poco de la norma, al mismo tiempo en la que podríamos llamar su época dorada como actor también ha sabido inteligentemente rodearse de autores válidos y competentes tales como John Milius, James Cameron, John McTiernan, Walter Hill o Paul Verhoeven entre otros, que han otorgado a los productos en que participaba una innegable calidad tanto artística como comercial, en definitiva una especie de inquietud artística del que carecían otros parteners suyos en la época antes mencionada, por esto y algún que otro matiz mas no es tan extraño e inusual que una película como «Maggie» figure en la carrera como actor de Arnold Schwarzenegger, aunque claro al espectador poco precavido en estas aseveraciones si le hubieran comentado años atrás que Arnold Schwarzenegger protagonizaría un film de temática zombie seguramente esperaría un resultado bastante diferente del que nos ofrece «Maggie«.

En unos tiempos en donde la temática zombie se ha globalizado y extendido de una manera inimaginable, en donde tenemos desde producciones mainstream de gran estudio, comedias, falsos documentales, infinidad de series de televisión, etc,  «Maggie» del debutante Henry Hobson otorga al subgénero la temática del duro melodrama familiar, de hecho su director obvia casi por completo el elemento fantástico, apenas hay explicación del brote, no hay gore ni excesos, tampoco se indaga en la vía postapocalíptica, de hecho la situación se utiliza como una simple excusa para explicarnos el drama de un padre que ha de hacerle frente a la “enfermedad” terminal que sufre su hija, todo ello mostrado a través de un tono que enfatiza lo gris y triste, de narración demasiado pausada, al film le cuesta llega al final, su hora y media de duración termina haciéndose evidentemente larga, priorizando en exceso la estampita melodramática.

Curiosamente ese supuesto realismo que otorga  Henry Hobson al film choca en ocasiones con ciertas incongruencias en algunos de sus personajes, haciéndolos inverosímiles, situaciones en el escenario mostrado que quedan lejos de ser creíbles (la reunión y comportamiento de los jóvenes por ejemplo), algo que juega muy en contra de la película pues las intenciones del tono que se le quiere imprimir al film y los resultados en momentos llegan a carecen de la coherencia que el relato pide.

De hecho ni siquiera «Maggie» podría catalogarse como algo fresco o innovador dentro del subgénero, la vía que explora ya la habíamos intuidos en otros productos que indagaban en una temática parecida, «The Returned» de Manuel Carballo era una más que correcta serie B de argumento bastante similar, o la liviana y disfrutable serie británica «In the Flesh«, en donde se nos explicaba la difícil reinserción del infectado. Posiblemente «Maggie» si hubiera visto la luz unos años atrás tendría un beneplácito algo mayor ya solo con respecto a su originalidad en lo concerniente a un subgénero hoy bastante saturado. Al final la opera prima de Henry Hobson se queda como una película de intenciones algo loable pero de resultado pobre, en donde su poco o nulo riesgo formal la definen como producto fácilmente olvidable, bastante alejado de la trascendentalidad que supuestamente se nos quieren mostrar.

Valoración 0/5:2

Una pareja de excursionistas se pierde en uno de los rincones más remotos de Canadá. Sin comida ni agua con la que subsistir, no tardan en descubrir horrorizados que se encuentran en una área poblada por osos salvajes.

El survival de tono realista ambientado en plena naturaleza y con la consabida coletilla basado en hechos reales ha devenido en estos últimos años como un subgénero propio, un tipo de películas bastante digerible y en parte disfrutable aunque poco originales, pues lejos de renovar sus conceptos sigue una línea inmovilismos en unos postulados que prácticamente se suelen repetir de forma sistemática.

«Backcountry» debut en la dirección del actor Adam MacDonald sigue a raja tabla lo antes mencionado con algunos pequeños matices, básicamente porque la película se toma su tiempo en presentarnos a la pareja protagonista, de echo más de la mitad de su metraje, relación, dificultad, mentiras, celos y demás situaciones de tono común que rodea la relación de pareja nos es mostrada bajo un ritmo algo tedioso, nos movemos dentro de un ámbito que nos remite más al drama sentimental con una bella región geográfica como escenario que al survival propiamente dicho , supongo que la intención de su director era la de mostrarnos una cotidianeidad previa al suceso que es enunciado como principal reclamo del film, algo que bien mirado tiene su lógica como luego vemos en su desarrollo, el problema es que al espectador poco o nada le importa esa larga cotidianeidad que se nos muestra.

El punto positivo del film viene dado a la hora de mostrarnos al suceso antes mencionado (el ataque del oso), básicamente porque lo hace de una perspectiva hasta cierto punto coherente con respecto a lo antes expuesto, lo hace de una manera directa, realista y sin muchas concesiones de cara a la galería, se aparta de forma consiente de una gratuidad que es de agradecer, pues esta suele ser un recurso bastante utilizado en negativo en esta clase de películas, para entendernos no veremos al animal resucitar varias veces y atacar cual inteligente asesino en serie, así vemos su aparición y el consiguiente ataque del oso de una manera real, igual de real y en cierta manera natural como a la hora de desaparecer de escena, es aquí donde la ficción se vuelve realidad y el film fluye de forma algo convincente.

Sin embargo es una pena que Adam MacDonald en esta «Backcountry» se muestre poco valiente en dar un paso más hacia adelante, parece conformarse con lo expuesto y poco más, deviniendo ser un producto tan entretenido como olvidable, hay una vía que vislumbramos de una manera muy de pasada y que prácticamente no se desarrolla, aquella cuando entra en escena un tercer personaje (el oso no) y entramos en un atisbo de violencia e incomodidad no escrita, una situación en donde los personajes se ve desprovistos de la seguridad que poseen dentro de las reglas de la sociedad en la que viven y de la que son desprovistos al entrar en un ámbito de naturaleza salvaje y carente de las normas o códigos de comportamiento en el que suelen subsistir en el día a día, y en donde se podría decir perfectamente que impera la ley del más fuerte, algo que años atrás ya mostro de una manera perfecta y aun no superada John Boorman en la inolvidable «Deliverance«.

Valoración 0/5:2’5  

Cynthia es una coleccionista de mariposas que mantiene una relación sadomasoquista con su criada, Evelyn. Una pasión sujeta a toda clase de particularidades, en la que los roles de ama y esclava no están tan claros como parece.

El británico Peter Strickland  ya dio buenas muestras  con sus  anteriores «Katalin Varga» y «Berberian Sound Studio» que su cine se apoya de una manera clara y rotunda respecto a múltiples referencias cinéfilas que asimila y diversifica para ofrecernos un universo tan arriesgado como inusual en el actual panorama cinematográfico de hoy en día, poblado de múltiples capas, matices y lecturas, ahora con «The Duke of Burgundy» no solo supera las expectativas creadas en sus anteriores trabajos sino que consigue acrecentar ese discurso como un mero ejercicio de estilo ejecutado de manera brillante, logrando afianzarse  como uno de los más interesantes y sofisticados autores del cine europeo contemporáneo.

En «The Duke of Burgundy» Peter Strickland  nos introduce en un universo completamente femenino ( sin ninguna aparición masculina en la película) para contarnos un exquisito melodrama en forma de un cuento de hadas, de estructura circular en su narración y compuesto en base a una hermosa puesta en escena de delicioso toque vintage que la emparentan por momentos en estética y contenido a films como «Belle de Jour«de Luis Buñuel o «The Servant» de Joseph Losey, y de igual manera a cierto cine realizado por Jess Franco, y en donde se nos explica una historia de amor erótico- lésbico mostrado como suntuoso cuento sexual que llega a bordear de una manera tímida el tono soft porn europeo tan habitual en los años setenta, una relación entre dos mujeres adineradas (soberbias actuaciones de Sidse Babett Knudsen y Chiara D’Anna, con un notable lenguaje gestual, especialmente la primera) amparándose parcialmente en la metáfora (larva y las mariposa) para contarnos un sugerente devenir acerca de dominios y sumisiones o inversión de roles y poderes, una relación de dominación/sumisión, no sadomasoquista como muchos señalan de manera errónea, que lejos de parecer clara como podemos creer en un principio sirve de entramado narrativo a la hora de contarnos el desarrollo de las relaciones de una pareja, utilizado como herramienta en una historia de amor entre dos mujeres que han llegado a un momento dentro de su relación en donde la cotidianeidad amenaza con aparecer, en el que las cosas ya no pueden sostenerse con la misma pasión o frescura que al principio y que recurren a esa fantasía sexual de raíz prohibida y oculta como sustento emocional de este complejo romance.

Peter Strickland  deja claramente definido ese sutil universo mostrado de una manera básicamente sensorial, todo ello contado de forma simbólica acerca la psicología y voluntad de sus dos protagonistas, transportándonos a un tiempo y espacio casi indefinidos,  en una puesta en escena en donde lo onírico y lo cotidiano se entrelazan (este es uno de los grandes méritos de director británico, una habilidad innata que ya se apreciaba de forma clara en su anteriores películas) todo esto acompañado de manera armoniosa con la extraordinaria banda sonora compuesta por Cat’s Eyes.

«The Duke of Burgundy» termina siendo una obra de un poderío hipnótico y visual apabullante en donde las texturas se mezclan de manera brillante dando lugar a una experiencia sensorial que logra traspasar la gran pantalla, consiguiendo que este melodrama tan amoroso y pasional como perturbador y por momentos algo surreal logre llevarnos al igual que las dos protagonistas del film a una especie de limbo emocional, en definitiva una autentica gozada fílmica para aquellos que sepan apreciar ese otro tipo de cine que comparte por ejemplo autores como Hélène Cattet, Bruno Forzani, un tipo de cine que choca violentamente con el espectador y en donde la sutileza no suele estar reñida con la estética.

Valoración 0/5:4

Es pleno verano, y dos hermanos gemelos esperan pacientemente a que su madre regrese a casa tras una operación de cirugía plástica. Esta llega con la cara completamente vendada y mostrándose fría, distante y obsesiva. El cambio en su personalidad hará que los niños se pregunten si la mujer es realmente su madre o se trata de una impostora.

Se podría hablar de una escuela de cine tan perturbador como enfermizo intrínsicamente austríaco, posiblemente no dada la corta lista de autores que llegarían a etiquetarse dentro de esta tendencia, irremediablemente el nombre de Michael Haneke sale de inmediato a la palestra, Ulrich Seidl (productor del film que nos ocupa y marido de una de sus directoras) es otro poco amante del mundo Disney, claramente pocos mimbres numéricos como para catalogarlo como una tendencia o corriente de cine, poca pero contundente y brillante pues hablamos de un estilo que nos remite hacia la expresión máxima del horror cotidiano partiendo desde la normalidad más absoluta, un tipo de cine desprovisto por completo empatía o misericordia hacia sus personajes o incluso hacia los propios espectadores, un cine de autor tan contundente como inteligente, «Goodnight Mommy» entra por méritos propios y de una manera clara en esta etiquetación.   

«Goodnight Mommy» como mencionábamos más arriba está producido por el cada vez más referencial Ulrich Seidl y dirigido por su mujer Veronika Franz junto a Severin Fiala, estamos ante un film de horror disfrazado de thriller psicológico de claro empaque minimalista (en la puesta en escena y sus personajes, la acción entera descansa en los hombros de solo tres actores) donde se nos cuenta la historia de un drama familiar desde la perspectiva de la violencia emocional de múltiples lecturas, mostrado de una forma sutil en su parte inicial, partiendo el relato desde una turbia sugerencia a través de un hecho anecdótico, pero de devenir completamente demoledor como resulta ser su aterrador tramo final, llegando a rozar incluso el torture-porn aunque sin llegar nunca a lo gratuito.

Múltiples lecturas de las que está plagado este notable film como indicaba más arriba, que van desde esos lazos de dependencia familiar ejecutados de forma errónea, lo que nos conduce de manera ineludible a una pérdida de control materno que nos remite a cuestionar dicha figura que aquí resulta clave en la destructuración familiar a la que asistimos, una figura materna (unas vendas que cubren su rostros y que homenajean de forma explícita  a «Los ojos sin rostro» de Georges Franju) como detonante hacia el trauma en la familia, en una historia la de «Goodnight Mommy» en la que la pérdida y su aceptación derivan en una desconfianza de consecuencias funestas, aquí es donde entra ese juego de espejos claramente contrapuestas de sus protagonistas desde dos ópticas completamente diferentes, llegando a estar expuestos de una manera brillante, aunque desde un principio nos decantemos hacia la racionalidad (la madre intentando demostrar su cuestionada identidad) esa ambivalencia planteada en la película hace que se nos llegue a confundir y nos introduzcamos en el traumático imaginario de los niños, todo ello mostrado en base a una factura técnica tan admirable como elegante, consiguiendo una puesta en escena seca y austera (extraordinaria fotografía a cargo de Martin Gschlacht compuesta de tonos oscuros y pálidos que saben dotar al film de una frialdad opresiva acorde con su ambientación asfixiante) y que da paso a una violencia en donde los impulsos más primarios del ser humanos salen a la luz independientemente de la edad del que las lleva a cabo.

«Goodnight Mommy» deviene como un notable ejercicio en forma de cuento de terror doméstico que se aleja de forma consiente de un tipo de terror al uso al que solemos estar acostumbrados, para adentrarnos en la parcela de un terror psicológico que se nutre de lo metafórico y lo explícito a partes iguales y que bien podría ser una perfecta versión malsana y angustiosa del «The Other» de Robert Mulligan, «Goodnight Mommy» se convierte por méritos propios en una joya del cine de género europeo muy a tener en cuenta
Valoración 0/5:4

En los decadentes suburbios de Detroit, Billy lucha por sacar adelante a sus dos hijos y no perder su casa. Cuando su tiempo se agota, Billy, acompañada de Cat, decide aceptar un nuevo trabajo que le ofrece Dave en un misterioso y extraño lugar en el que nada es lo que parece. Al mismo tiempo, su hijo Bones intenta sobrevivir, con la ayuda de Rat, al acoso del violento y peligroso Bully. En sus intentos de huir de los “monstruos” que les acechan, Billy y Bones se adentran en un mundo mágico e irreal que les llevará a lugares que nunca hubiesen imaginado.

Recuerdo hace un par de años una tensa rueda de prensa en el festival de Sitges a propósito del debut en la dirección de Brandon Cronenberg con su estimulante primer trabajo «Antiviral«, en dicho acto se le cuestionaba y en parte se le achacaba al director (al igual que unos meses antes ya ocurrió en el festival de Cannes) que su opera prima bebía en demasía de las influencias del cine y estética de su padre David, algo claramente evidente viendo la película, la anécdota en si viene dada hacia la cuanto menos curiosa legitimidad y aceptación que pueda tener con respecto a cierto sector de prensa el que un director novel pueda mostrar sin ningún tipo de tapujos de una manera acertada o no sus influencias o referentes a la hora de plasmar en imágenes su obra, independientemente de su verdadera valía, «Lost River«, debut en la dirección y el guión del actor Ryan Gosling tuvo una tesitura parecida a la que comento en el festival de Cannes durante su premier el pasado año, un certamen que en cierta manera marco al film en negativo, quizás de manera algo injusta.

«Lost River» está lejos de ser una obra sobresaliente, el desequilibrio narrativo del que hace gala es meridiano, pero tampoco es tan pésima como se ha ido comentando, Ryan Gosling nos obsequia con un simple cuento de hadas, una fábula de príncipes y princesas de un claro tono surrealista teñido sobre una continua ensoñación, con la metáfora de la caída del sueño americano como eje argumental, un producto que como muchas operas primas peca de primar más el envoltorio que el contenido, una brillantez visual donde sobresale el trabajo de Benoît Debie en base a una fotografía tan hipnótica como sugerente que sabe resaltar de manera adecuada el ambiente lúgubre y fantasmagórico de esa ciudad perdida en la que intentan sobrevivir nuestros protagonistas, una subsistencia en continua lucha dentro un entorno hostil, también destacar su omnipresente y ochentera banda sonora.

El film es un claro ejercicio de estilo que bebe de fuentes bastantes reconocibles, desde el universo cinematográfico de David Lynch, con multitud de referencias especialmente de «Blue Velvet«( el personaje de Dennis Hooper) y «Mulholland Drive» (Club Silencio), hasta el cine de Nicolas Winding Refn en donde Ryan Gosling da buena cuenta en la dirección, referentes estos que lejos de entorpecer o diluir el producto como muchos se empeñan en subrayar consigue resaltarlo y en parte salvarlo, otra cuestión es su endeble guion, que aunque se agradece que no recurra a lo críptico su narrativa claramente alegórica no consigue adecuarse a sus imágenes de una manera satisfactoria.

Una narrativa que hace que el debut de Ryan Gosling  pueda llegar a ser tan presuntuoso en algunos tramos como fascinante en diversas ocasiones de su metraje, plagado de imperfecciones en su discurso pero de sugerentes aciertos en lo visual, un autor con muchas ganas de contar algo, aunque esta claro que todavía necesita perfeccionar y desarrollar de manera adecuada su lenguaje, habrá que ver lo que el futuro depara a Ryan Gosling en su faceta de director.

Valoración 0/5:3