Año: 2023

El regreso de un referente, tráiler para «Fallen Leaves» de Aki Kaurismäki

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Será uno de los platos fuertes de la edición del Festival de Cannes que empieza la próxima semana, siete años después de El otro lado de la esperanza el veterano Aki Kaurismäki vuelve con Fallen Leaves (Kuolleet lehdet), película cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a un póster promocional. La película, que se estrenará comercialmente en Francia el próximo mes de septiembre, ha sido descrita como una tragicomedia, que en cierta manera supone una cuarta parte de la trilogía de la clase trabajadora tras Shadows in Paradise (1986), Ariel (1988) y The Match Factory Girl (1990).
En Fallen Leaves vemos como Ansa, una dependiente de un supermercado que también trabaja ocasionalmente como clasificadora de plástico reciclable, se cruzará accidentalmente en una fría noche en Helsinki con Holappa, un arenero ex-alcohólico. A pesar de la adversidad y los varios malentendidos entre ambos, intentarán construir algún tipo de relación emocional mientras anhelan una vida supuestamente equilibrada, sin ninguna red social que les pueda proteger de sus tropiezos.
La película, con guion a caro del propio Aki Kaurismäki, está protagonizada por Alma Pöysti, Jussi Vatanen, Anna Karjalainen, Kaisa Karjalainen y Janne Hyytiäinen.

Ciclo: Cómic, pensamiento y cultura popular

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Un ciclo de Elisa McCausland y Diego Salgado para el Círculo de Bellas Artes de Madrid
Nos hallamos en un momento histórico para el cómic. El medio ha trascendido la condición de artefacto expresivo para devenir lengua franca del periodismo, las profesiones, el ensayismo, el audiovisual y otras muchas manifestaciones de nuestra contemporaneidad.
Con este ciclo de conferencias se aspira a (re)contextualizar con ánimo divulgativo el cómic con el objetivo de que los aficionados de siempre, los recién llegados y quienes eran ajenos hasta hoy al medio dispongan de herramientas para ponerlo en valor y relacionarlo con los paradigmas definitorios de nuestro tiempo.
A tal efecto, las sesiones debatirán las intersecciones del cómic con la cultura pop, la comunicación y los discursos filosóficos y reivindicativos que moldean nuestro mundo. Como ha escrito la teórica Ana Merino, “los cómics reflejan la realidad de su época y nos ayudan a reflexionar sobre nosotros mismos (…) Los cómics son un espacio necesario de pensamiento compartido”.
Sesión I: El medio expresivo y sus herramientas.
Todos sabemos qué es un cómic, pero, ¿cuáles son las razones que explican el secreto de su éxito? Desciframos su lenguaje, sus procesos creativos, y la razón de ser de sus géneros y formatos en una sesión introductoria donde todo lo que creías conocer del medio va a verse sometido a una profunda revisión.
Sesión II: Cómic, pensamiento y sentido de la maravilla.
¿Por qué desde que nace la historieta han encontrado refugio en su lectura una generación tras otra? La transparencia en los usos y costumbres del cómic esconde una capacidad fascinante para promover nuestro sense of wonder, el escapismo a otros mundos, y para alumbrar al mismo tiempo discursos con un efecto muy profundo en nuestra vivencia de la realidad. “Creo en el poder transformador del cómic” (Kate Beaton).
Sesión III: Autoría e industria.
Debates como el que tuvo lugar durante unos años en torno a la novela gráfica dan cuenta de una tensión evidente entre la comprensión del cómic como medio de masas o como medio para la expresión insobornable del autor. En esta sesión repasaremos ejemplos históricos y presentes que nos ayudarán a comprender que las cosas no son tan sencillas; entre uno y otro extremo nos topamos con un amplio abanico de grises donde anidan de hecho las obras más interesantes.
Sesión IV: Cómic, artes plásticas y medios audiovisuales.
En los últimos años las películas de superhéroes, los museos, los creadores y la universidad han coincidido en validar el cómic como expresión artística, pero, ¿a qué precio? Profundizamos en los vínculos al alza entre cómic y otras manifestaciones artísticas y lo que implican en términos de lenguajes y mercados.
Sesión V: Cómic y feminismo.
Aunque el feminismo ha tenido su lugar en el medio en etapas históricas previas, hoy por hoy resulta imposible entender la historieta sin atender al boom de autoras y tendencias renovadoras que vivimos desde el cambio de siglo y, en especial, desde el auge entre 2008 y 2012 de los movimientos sociales. En esta sesión abordamos el impacto de feminismos pasados en el cómic y la correlación entre los contemporáneos y dimensiones inéditas de la viñeta, que ha traído consigo perspectivas diferentes a las tradicionales.
Sesión VI: Divulgación, política y cultura pop.
“Lleva su tiempo aceptar un nuevo tipo de arte, pero al final se acepta” (Benoît Peeters). ¿Son actualmente las viñetas algo más que memes? El recurso al cómic por sectores diversos de la sociedad y la cultura abre un debate sobre su naturaleza y sus mutaciones. Vivimos un éxtasis de la comunicación en el que las imágenes son, ante todo, instrumentos de comunicación y persuasión. Es un momento idóneo por tanto para reivindicar las cualidades de la historieta que hacen de ella un medio influyente y único.
Elisa McCausland, periodista, crítica e investigadora, y Diego Salgado, crítico de cine y divulgador cultural, reflexionan desde hace más de quince años sobre los sentidos, contextos y potenciales de la cultura popular y sus manifestaciones, con especial incidencia en el cine y el cómic.
Diego se ha interesado en particular por la naturaleza de la imagen contemporánea, Elisa ha profundizado en las intersecciones entre feminismo y pop cómo y en el arquetipo de la superheroína, argumentos que confluyeron en su primer libro: Wonder Woman: El feminismo como superpoder (2019). Elisa es promotora además del Colectivo de Autoras de Cómic y ha comisariado las exposiciones Presentes: Autoras de tebeo de ayer y hoy (2016-17) y Coordenadas gráficas: Cuarenta historietas de autoras de España, Argentina, Chile y Costa Rica (2021).
Juntos o por separado, Diego y Elisa han colaborado en medios como Caimán Cuadernos de Cine, Cine Divergente, Comicmanía, El Confidencial, CuCo Cuadernos de Cómic, elDiario.es, Guía del Ocio, Imágenes de Actualidad, El País, Pikara Magazine, Radio 3, El Salto, Sangre Fucsia y Tebeosfera, así como en numerosos libros colectivos.
Hoy por hoy comparten micrófono en Trincheras de la Cultura Pop, work in progress ensayístico impulsado por la editorial consonni, y escriben a cuatro manos crítica y estudios en torno al audiovisual en las publicaciones especializadas Dirigido Por, Rockdelux, SoFilm y Solaris, además de impartir conferencias y seminarios sobre los temas apuntados en los ámbitos de la academia y la divulgación.
Son promotores y asesores de la Cátedra ECC-UAH de Investigación y Cultura del Comic y autores conjuntos de los ensayos Supernovas: Una historia feminista de la ciencia ficción audiovisual (errata naturae, 2019) y Sueños y Fábulas: Historia de Vertigo (ECC, 2022), a los que sumarán en breve otros títulos.
https://www.reservaentradas.com/sesiones/madrid/circulobellasartestalleres/curso-comic-pensamiento-y-cultura-popular/1808/
Fecha: 17.10.2023 > 21.11.2023
Hora: 17, 24  y 31 de octubre – 7, 14 y 21  de noviembre (martes, 18:00 a 20:00 horas)
Sala: Sala María Zambrano
Precio: El precio serán 50€ (45€ amigos y socios CBA). 50 plazas.
Dirigido por: Elisa McCausland y Diego Salgado

Primer tráiler para «Matar cangrejos» de Omar A. Razzak

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El próximo 26 de mayo llegará a los cines españoles de la mano de Filmax Matar cangrejos de Omar Al Abdul Razzak. La película que consiguió la Biznaga de Plata a Mejor Película y Mejor Actriz Protagonista para Paula Campos en el pasado Festival de Málaga (en la seccion Zonazine), es una cinta de autor con tintes autobiográficos que cuenta la historia de dos hermanos en el Tenerife de los años 90 cuando Michael Jackson visitó la isla.
Los protagonistas de la cinta son Paula Campos y Agustín Díaz, dos niños elegidos tras un largo período de casting. Además, el reparto está formado por Sigrid Ojel, Nino Hernández y otros actores no profesionales de la isla de Tenerife.
En Matar cangrejos vemos como Rayco, un niño de 8 años, y su hermana Paula de 14, matan el tiempo como pueden mientras esperan ansiosos la llegada de Michel Jackson a Tenerife. Pero su madre se ha quedado embarazada de un extranjero y su vida podría cambiar antes de que el cantante llegue a la isla.
 La película es una producción de Tourmalet Films en coproducción con IJswater Films (Países Bajos), cuenta con la financiación del ICAA, Gobierno de Canarias, TEA Cabildo de Tenerife, MEDIA Europa Creativa y con la participación de la Televisión Canaria.
Matar cangrejos es la última película que se ha gestado en la segunda edición de La Incubadora de la ECAM junto a Ane (Festival de San Sebastián), Cinco Lobitos (Festival de Berlin), Espíritu Sagrado (Festival de Locarno ), La Mala Familia (Festival de Sevilla y Rotterdam).

Una maldición ancestral, tráiler para «It Lives Inside»

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Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta de terror sobrenatural It Lives Inside, debut en el largometraje del joven Bishal Dutta que aún con fecha por determinar se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo otoño.
En It Lives Inside vemos como Sam, una adolescente india-estadounidense, vive en un suburbio idílico con sus padres. Las inseguridades culturales de Sam crecen debido al extraño comportamiento de su amiga, Tamira, quien lleva consigo un misterioso frasco todo el tiempo. En un momento de ira, Sam rompe el frasco de Tamira, desatando una antigua fuerza demoníaca india.
La película, con guion a cargo del propio Bishal Dutta, está protagonizado por Mohana Krishnan, Megan Suri, Neeru Singh, Betty Gabriel, Vik Sahay, Gage Marsh, Siddhartha Minhas, Paige Shaw, Carlo Yu y Sangeeta Wylie.

El legado fílmico inédito de Iván Zulueta podrá verse en la XIV edición del (S8)

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La Mostra Internacional de Cinema Periférico proyectará más de 60 piezas del archivo personal del artista que no habían salido a la luz hasta que fueron adquiridas por Filmoteca Española, en su esfuerzo por preservar y difundir el patrimonio cinematográfico de nuestro país.

El ciclo “A/Z: Zulueta inédito”, comisariado por Josetxo Cerdán y Miguel Fernández Labayen, inaugurará esta XIV edición del (S8) y se extenderá más allá de las fechas del festival.

El archivo fílmico inédito de Iván Zulueta inaugurará la décimo cuarta edición del (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico, el viernes 26 de mayo. Será la primera de un total de siete sesiones que el festival dedicará a proyectar el legado del mítico cineasta. Materiales fílmicos rodados entre los años 30 y 80 del siglo pasado, vinculados a su vida personal, a los movimientos culturales de nuestro país durante la Transición y a la vanguardia cinematográfica, que fueron adquiridos en 2021 por Filmoteca Española y estructurados, tras un profundo trabajo de investigación y conservación, en el ciclo “A/Z: Zulueta inédito”. Una propuesta comisariada por Josetxo Cerdán, exdirector de Filmoteca Española y catedrático de Comunicación Audiovisual de la Universidad Carlos III de Madrid, y Miguel Fernández Labayen, vicedecano del doble grado de Periodismo y Comunicación Audiovisual en la Universidad madrileña.

El ciclo que podrá verse en A Coruña de la mano del (S8) incluye, entre otras piezas, películas familiares y primeros registros y cortometrajes de Zulueta, filmaciones de fiestas con amigas y conocidos que reflejan el ambiente cultural de la Movida a finales de los setenta -entre las que figuran imágenes de una de las primeras manifestaciones en España en apoyo a los derechos de las personas LGTBI-, y materiales inéditos rodados durante la creación de su largometraje Arrebato (1979), uno de los filmes cumbre de la cinematografía española. Materiales que se creían perdidos o de los que no se tenía constancia de su existencia, y que permiten ampliar el conocimiento sobre uno de los creadores imprescindibles del cine español.

Cineasta, dibujante, ilustrador, realizador, decorador, actor y fotógrafo, Zulueta desafió las barreras entre las disciplinas artísticas, movido siempre por su pasión por la imagen, casi siempre, en movimiento. Precursor del cine underground y experimental en nuestro país, Iván Zulueta fue protagonista y fuente de inspiración de la primera edición del (S8), en 2010. Ahora, catorce años después, el festival acoge este programa de Filmoteca Española, con el fin de reivindicar la figura de un artista que abrió nuevas oportunidades y lenguajes. Adalid de la modernidad artística de la España de la libertad, Zulueta es aún un tesoro por descubrir.

El ciclo “A/Z: Zulueta inédito” se desarrollará a lo largo de la Mostra y continuará durante todo el mes de junio como parte de la programación extendida del (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico en Filmoteca de Galicia.

La conversión, tráiler para «Rapito», lo nuevo de Marco Bellocchio

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Siguiendo con algunos de los avances de las películas que estarán presentes en la inminente edición del Festival de Cannes es turno para el nuevo trabajo tras las cámaras del veterano Marco Bellocchio titulado Rapito, película cuyo primer tráiler que acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Tras la excelente serie Esterno notte Bellocchio se adentra en el llamado «caso Mortara«, acontecimiento que en su día tuvo una gran repercusión en Europa y Estados Unidos. La película, que se estrenará comercialmente en Italia el 25 de mayo llegará a nuestro país el próximo otoño de la mano de Vértigo Films.
Rapito nos cuenta la historia de un niño judío de seis años de edad llamado Edgardo Mortara, quien en 1858 por orden de los Estados Pontificios fue arrancado de su familia de origen para recibir una educación católica bajo el control y custodia del Papa Pío IX.
La película, con guion a cargo del propio Marco Bellocchio junto a Susanna Nicchiarelli, Edoardo Albinati y Daniela Ceselli está protagonizada por Filippo Timi, Fabrizio Gifuni, Barbara Ronchi, Paolo Pierobon, Fausto Russo Alesi, Enea Sala y Leonardo Maltese.

https://youtu.be/mMuqhIEc7bk

Balada Caníbal: El cine salvaje de Ruggero Deodato

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Director ecléctico, capaz de atravesar todos los géneros cinematográficos marcándolos con la influencia realista de su mentor Roberto Rossellini, Ruggero Deodato (1939-2022) debe su fama a una extraordinaria habilidad técnica y narrativa para retratar la violencia de la sociedad a través de las décadas. En su filmografía encontramos títulos como “Oleada de placer”, “Mundo caníbal, mundo salvaje”, “Holocausto caníbal”, “Trampa para un violador”, “Los invasores del abismo” o “Los bárbaros”.
Este libro, firmado por Gordiano Lupi y Davide Magnisi, analiza todas las películas de Ruggero Deodato y las constantes de su cine. Además, contiene una larga entrevista exclusiva con el director y otras con Saverio Deodato, Al Cliver, Massimo Foschi, Lamberto Bava, Carlo Lupo, Ernesto Gastaldi, Francesca Ciardi, Giovanni Lombardo Radice, Dardano Sacchetti, Franco Pistoni, Ilaria Borrelli, Claudio Simonetti, Ernesto Mahieux, Noemi Smorra y Carlota Morelli. Una aproximación completa a la obra de uno de los directores más importantes e influyentes del cine de género italiano.
Autor: Gordiano Lupi y Davide Magnisi. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas:      

«Venus», ópera prima de Víctor Conde, llega a Filmin el 12 de mayo

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En su debut en el cine, Víctor Conde adapta su obra teatral homónima en una película que rinde homenaje al espíritu y las estructuras temporales de la Nouvelle Vague.
Filmin estrena el próximo viernes 12 de mayo la producción española «Venus», debut en el largometraje del director y dramaturgo Víctor Conde, que adapta su obra homónima, estrenada con éxito en el teatro Pavón-Kamikaze de Madrid en septiembre de 2017.

La película, rodada en blanco y negro, se ambienta en un bar de la capital, en el que el tiempo no transcurre de manera lineal, y en el que se mezclan personajes, encuentros y recuerdos a lo largo de cuatro décadas. Todo empieza cuando en los años 70, Paula y Miguel están a punto de realizar el último espectáculo de su banda: Venus. Casi cuarenta años después Jorge llega al café donde pasa su juventud. Allí se encuentra con Alicia y ambos recuerdan los días en que se conocieron. «La película salta de un momento en el tiempo a otro constantemente. Es una especia de puzzle temporal. Me interesaba mucho contar una historia de manera no correlativa. Creo que permite aproximarse a los personajes de una forma diferente», explica el director.

«En una ocasión el cineasta francés Jean Luc Godard dijo que una película debía tener un planteamiento, un nudo y un desenlace, aunque no necesariamente en ese orden«, recuerda Víctor Conde al aludir a la temporalidad fragmentada de su ópera prima, que es más que una cita a la Nouvelle Vague: «no pretende ser sólo un homenaje estilístico a una manera de hacer cine, sino que usa las ventajas de ese estilo a su favor, huyendo de ellas y explorando otras nuevas cuando la narración lo demanda«. El director reconoce que en el salto del teatro al cine, «Venus» ha salido ganando: «La manera de narrar y el pulso son distintos. También hay personajes nuevos que no estaban en la obra teatral y que ayudan a contar la historia de una manera más profunda.»

Antonio Hortelano (Quimi en la mítica serie «Compañeros») encabeza un reparto coral en el que encontramos, en pequeños pero relevantes papeles, rostros populares como los de Lolita, Elena Furiase, Miquel Fernández, Ana Rujas, Carla Tous o el añorado Juan Diego, en su última aparición en el cine.

https://youtu.be/FbxpnNahhz8

Proyecciones Xcèntric: Haroun Tazieff, poeta del fuego

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Proyección y performance de clausura de la temporada
Xcèntric clausura la temporada de proyecciones regulares con dos sesiones especiales (una proyección y una performance) dedicadas al vulcanólogo y cineasta Haroun Tazieff (1914-1998), llamado por Jean Cocteau «el poeta del fuego».
Haroun Tazieff. En el Erta Ale. Sábado 6 de mayo, 19.00h
La primera sesión está dedicada al volcán Erta Ale, conocido popularmente como la «montaña que humea», uno de los inmensos volcanes que pueblan la región desértica de la Depresión de Afar, en Etiopía. Tazieff fue el primero en escalar el Erta Ale en 1968 junto con el vulcanólogo Giorgio Marinelli. En sus sucesivas expediciones científicas Tazieff filmó dos películas fascinantes y hasta ahora prácticamente desconocidas. Afar, la dérive des continents es una película didáctica que expone la teoría de la «tectónica de placas», la teoría sobre la forma de la superficie exterior del planeta. En Erta Ale, realizada dos años antes, vemos a los equipos de geólogos trabajando en torno al volcán del mismo nombre, así como planos generales de la lava, acompañados únicamente de una música psicodélica, sin ningún tipo de comentario.
Afar, la dérive des continents, Haroun Tazieff, 1975, 16mm, VOSE, 54’; Erta Ale, Haroun Tazieff, 1973, 16 mm, 22’
Proyección en 16 mm.
* Después de la proyección, comentario a cargo de Domingo Gimeno, catedrático de Petrología y Geoquímica de la UB.

 

Haroun Tazieff. En el Etna. Domingo 7 de mayo, 19.00h
Hace siete años, Frédéric Lavachery, uno de los hijos de Haroun Tazieff, recuperó literalmente de la basura del CNRS (Centre National de la Recherche Scientifique) cientos de cajas que contenían películas en 16 mm rodadas por su padre y su equipo en diferentes volcanes del mundo durante la segunda mitad del siglo XX. A raíz de este descubrimiento, el Atelier d’Archives Haroun Tazieff fue creado con el objetivo de estudiar, restaurar, archivar y hacer visibles estos documentos fílmicos rescatados, principalmente copias de trabajo, pruebas de montaje y descartes. Para ello, el Atelier colabora regularmente con laboratorios de cine artesanales en los cuales se realizan sesiones de trabajo para estudiar en profundidad y recuperar estos materiales. En cada residencia se centran en el metraje relacionado con un volcán en particular, y el resultado se muestra en una proyección especial abierta al público.
En esta ocasión, los miembros del Atelier Elsa Rossler y Loïc Verdillon presentan una proyección multipantalla performativa a partir del material correspondiente al volcán Etna, con imágenes filmadas allí por Tazieff y su equipo entre los años 50 y 70, que se presentó en la Cinematek de Bruselas en el marco de la última edición del festival L’Âge d’or. Después de la sesión, el público tendrá ocasión de conocer de primera mano el proceso de trabajo del Atelier.
Sur L’Etna, una performance del Atelier d’Archives Haroun Tazieff (Elsa Rossler y Loïc Verdillon), 2023, 16mm, 60’
Fecha: 6 y 7 mayo 2023
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

 

 

Primer teaser tráiler para «Kubi», lo nuevo de Takeshi Kitano

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A pocos días de su premiere mundial en la inminente edición del Festival de Cannes acaba de ver la luz un primer adelanto en forma de teaser tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Kubi, el esperado regreso a la dirección de Takeshi Kitano seis años después de Outrage 3. Basada en una novela escrita por el propio Kitano la película nos sitúa en el Japón feudal.
Kubi se adentra en el conocido Incidente de Honnō-ji, cuando un vasallo de Oda Nobunaga llamado Akechi Mitsuhide se rebeló e hizo que su amo cometiera un harakiri en Kioto. Los motivos de la revuelta, y si Mitsuhide era realmente el cabecilla de dicho levantamiento, ha sido motivo de debate a lo largo de los años.
La película, con guion a cargo del propio Takeshi Kitano, está protagonizada por Hidetoshi Nishijima, Ken Watanabe, Takeshi Kitano, Tadanobu Asano y Ryo Kase.

«Sisu» review

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Durante los últimos y desesperados días de la Segunda Guerra Mundial, un solitario buscador de oro (Jorma Tommila) se cruza con los nazis en una retirada al norte de Finlandia. Cuando los nazis le roban el oro, descubren rápidamente que no se han metido con un minero cualquiera. Aunque no existe una traducción directa de la palabra finlandesa «sisu», este legendario ex-comando encarnará lo que significa sisu: una forma de coraje y determinación inimaginables frente a probabilidades abrumadoras. Y no importa lo que los nazis le echen encima, el escuadrón de la muerte de un solo hombre hará todo lo posible por recuperar su oro, aunque eso signifique matar a todos los nazis que se crucen en su camino.
Dentro del ecosistema de festivales suele ser bastante habitual el sacralizar a una serie de realizadores que han estado muy presentes, en la plasmación de trayectorias paralelas, tanto por parte del certamen, como por la del propio realizador. En esa especie de caminos equidistantes entre autor y evento, el finlandés Jalmari Helande se le podría otorgar perfectamente la etiqueta de sospechoso habitual de Sitges, no en vano, dentro de su aún exigua carrera, solo tres trabajos en su haber, dos de sus largometrajes se han alzado con el Premio a la Mejor Película. Sisu, ganadora de Sitges 2022, nos relata de forma minimalista, casi a semejanza de uno de esos texto de Richard Matheson que parten de lo anecdótico o cotidiano, el fatídico encuentro entre un buscador de oro, que deviene en el característico héroe arquetípico, y un grupo de nazis en la Finlandia de 1944, a partir de ese momento se desatará una brutal cacería por parte del primero hacia los segundos.
Si en anteriores trabajos de Jalmari Helande, como Rare Exports: A Christmas Tale (2010) o Big Game (2014), se percibían unas enormes deficiencias en el manejo de según qué conceptos genéricos, destinados en su gran mayoría a un tipo de cine de gran consumo, en Sisu, dicha problemática queda parcialmente subsanada por su condición de entretenimiento irresistible, pues en cierta manera no existe una narrativa entendida como tal, lo más importante es ni falta que hace, tampoco ningún atisbo a la hora de buscar capas de lectura en una historia que prescinde de ellas en su totalidad, en realidad todo el relato se estructura a través de una serie de set pieces bien ejecutadas. A tal respecto estamos ante una película que aboga claramente por una serie de iconografías genéricas, de clara tendencia evasiva, que tiene la virtud, pese a lo desmedido que resulta como ejercicio de acción ultraviolenta, de ser concisa y rigurosa, también derivativa tanto del cine exploitation de los años 70 como de conceptos tales como el Weird Western, el slapstick, viendo la película nos puede venir a la mente imaginarios propios de Chuck Jones y Tex Avery, o el relato bélico pulp. Para más inri, su enervado lenguaje, de naturaleza estrictamente visual, que recurre sin disimulo a la hipérbole, deja en un segundo plano la propia intrascendencia de la propuesta.

Valoración 0/5:3

 

José Luis Cienfuegos, nuevo director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid

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Tras la deliberación del Consejo Rector de la Fundación Municipal de Cultura, la concejala de Cultura, Ana Redondo, ha firmado el decreto de nombramiento del hasta ahora director del Festival de Sevilla
Tras la deliberación del Consejo Rector de la Fundación Municipal de Cultura de Valladolid (FMC) se ha resuelto nombramiento de José Luis Cienfuegos como nuevo director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, a propuesta de la comisión técnica de valoración de las candidaturas presentadas al proceso selectivo convocado para cubrir la plaza que deja vacante el hasta ahora director del festival, Javier Angulo.
El decreto de nombramiento ha sido firmado por la Presidenta de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid, Ana Redondo.
José Luis Cienfuegos asume la dirección de Seminci tras haber permanecido al frente del Festival de Sevilla desde 2012. Como director del certamen de cine europeo, Cienfuegos ha congregado a las grandes figuras del cine europeo, desde leyendas como Agnès Varda o Paolo Taviani, hasta ganadores de la Palma de Oro del Festival de Cannes, como Jacques Audiard, Abdellatif Kechiche o Ruben Östlund, pasando por creadores que han marcado el paso del cine de autor en tiempos recientes, como Joanna Hogg, Alice Rohrwacher, Elia Suleiman, Abel Ferrara, Pietro Marcello, Christian Petzold, Sergei Loznitsa, Jessica Hausner, Mark Cousins, Andrea Arnold, Ulrich Seidl, Pedro Costa, Miguel Gomes, Aleksandr Sokúrov, Roy Andersson o João Pedro Rodrigues.
Como director del Festival de Sevilla, Cienfuegos formó parte del Comité Organizador de la gala de entrega de los 31 European Film Awards, celebrados en la ciudad hispalense en diciembre de 2018. Miembro de la European Film Academy, también forma parte de su comité de expertos, ha sido miembro del comité de selección de los premios LUX Film Awards hasta 2019 y ha sido asesor de programación en Laboral Cinemateca y de German Films para el Festival de Cine Alemán de Madrid, además de jurado del Premio Príncipe de Asturias de las Artes de la Fundación Príncipe de Asturias de 2013 a 2017.
Entre 2000 y 2012, organizó el festival multicultural “Intersecciones”, dedicado a músicos de gran prestigio y noveles de la escena independiente nacional e internacional, tarea que compatibilizaba con la dirección del Festival Internacional de Cine de Gijón, que dirigió entre 1995 y 2011, y al que otorgó un sello de calidad e independencia.
En Sevilla y Gijón ha organizado homenajes a cineastas como Olivier Assayas, Tsai Ming-liang, Aki Kaurismäki, Abbas Kiarostami, Paul Schrader, Víctor Erice, Todd Haynes, Hal Hartley, Todd Solondz, Larry Clark, Harmony Korine, João César Monteiro, Claude Lanzmann, Ulrich Seidl, Lukas Moodysson, Leos Carax, Bruno Dumont, Lisandro Alonso, Claire Denis, Carlos Reygadas o Bertrand Bonello.
Miembro habitual de jurados de festivales internacionales de cine, como San Sebastián, BAFICI, Karlovy Vary y el IFF Rotterdam Tigers, José Luis Cienfuegos asume ahora la dirección de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, donde liderará todas las actividades desarrolladas a lo largo del año en torno a la marca del certamen y del nuevo Espacio Seminci.
Asimismo, asumirá la representación ordinaria del festival, dirigirá a los equipos de trabajo que prestan sus servicios al certamen y propondrá al Consejo Rector de la FMC los planes de actuación de la cita, tanto para los días del festival como, si así lo considera, para actividades de extensión en el tiempo.
José Luis Cienfuegos sucede en el cargo a Javier Angulo, quien comunicó el pasado diciembre su decisión de dejar la dirección de Seminci después de 15 ediciones. Cienfuegos se convierte en el octavo director de la historia del festival, tras Antolín de Santiago y Juárez (1956-1973), Carmelo Romero (1974-1975), Rafael González Yáñez (1976-1977), Fernando Herrero (1978-1983), Fernando Lara (1984-2004), Juan Carlos Frugone (2005-2007) y Javier Angulo (2008-2023).

Un desconocido al anochecer, tráiler de la coreana «Sleep»

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Cerca de que dé comienzo una nueva edición del Festival de Cannes empiezan a aparecer algunos adelantos de las películas que estarán presentes en las distintas secciones del certamen francés. Sleep (Jam), cuyo primer teaser tráiler subtitulado al inglés acaba deber la luz y podéis ver vía Cine Maldito a final de página junto a su póster oficial, supone el debut en el largometraje del joven realizador coreano Yoo Jae-sun. Un drama familiar, con ciertas texturas al género de terror y al thriller que explora las trágicas consecuencias del sonambulismo en la vida familiar y relación de pareja, que formará parte de la Semana de la Crítica.
Sleep sigue a una joven pareja cuyas vidas dan un vuelco inesperado cuando el marido de forma repentina se vuelve sonámbulo transformándose en otra persona al anochecer. La esposa de la pareja, abrumada por el miedo a que su marido durante la vigilia haga daño a su hijo recién nacido, ya no puede dormir. Será entonces cuando acudirán a una clínica del sueño sin éxito, algo que le hará buscar desesperadamente la ayuda de un chamán.
La película está protagonizada por Lee Sun-Kyun y Jung Yu-mi.

Los orígenes de la animación japonesa: El estudio Tōei Dōga (1956-1972)

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La productora Tōei Dōga, fundada en 1956 y actualmente conocida como Tōei Animation, es uno de los más importantes estudios de animación japoneses, lugar de formación privilegiado de los profesionales del dibujo animado y del surgimiento del anime. Su director, Hiroshi Ōkawa, que deseaba convertirla en el “Disney de Oriente”, enfocó su producción hacia los largometrajes para el cine, todo un desafío para una industria de la animación incipiente. Panda y la serpiente mágica (1958), primera película animada en color realizada en Japón, se convirtió en el portaestandarte de este proyecto. El modelo estadounidense se dejó muy pronto de lado, lo que permitió que emergiesen numerosas reapropiaciones e innovaciones técnicas, como El pequeño príncipe y el dragón de ocho cabezas (1963), Las aventuras de Hols, príncipe del sol (1968) y La isla del tesoro (1971). La presente obra explora la historia de esta empresa desde los meses que precedieron a su creación hasta la desaparición de su director histórico, situándola en el contexto de la producción cinematográfica nacional, pero también en el de las evoluciones sociales del Japón de entonces. Muestra cómo Tōei Dōga, a través de los altibajos sucesivos de su sistema de producción y su empleo de las técnicas de animación, puede ser vista como un laboratorio donde se elaboraron prácticas de animación conflictivas, pero aún hoy influyentes.
Autor
Marie Pruvost-Delaspre es profesora adjunta en el Departamento de Cine de la Universidad París 8 Vincennes-Saint Denis. Sus investigaciones abarcan la historia de las técnicas y oficios del cine de animación en Japón y Francia. Ha coordinado varias obras colectivas, entre otras Archives et acteurs des cinémas d’animation en France (2014), L’Animation japonaise en France: réception, diffusion, réappropiations (2016) y Goldorak, l’aventure continue (2018).
Autor: Marie Pruvost-Delaspre. Editorial: ‎ DOLMEN EDICIONES. Páginas: 352

 

El peor equipo del mundo, primer tráiler para «Next Goal Wins» de Taika Waititi

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Un año después  de su Thor: Love and Thunder Taika Waititi ya tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Next Goal Wins, comedia deportiva cuyo prime tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, basada en la historia real del entrenador holandés Thomas Rongen y su experiencia como seleccionador de American Samoa, cuyas vivencias fueron retratadas en un magnífico documental con el mismo título dirigido por Mike Brett y Steve Jamison en 2014, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 17 de noviembre, un mes después, el  27 de diciembre, lo hará en España.
Next Goal Wins nos cuenta la historia del entrenador holandés Thomas Rongen, artífice de realizar una tarea prácticamente imposible en el deporte: tomó las riendas del equipo de fútbol de la Samoa Americana y trató de hacer de un grupo de perdedores unos ganadores natos.
La película, con guion del propio Taika Waititi junto a Iain Morris, está protagonizada por Michael Fassbender, Elisabeth Moss, Rhys Darby, Rachel House, Will Arnett, Angus Sampson, Beulah Koale, Uli Latukefu, Oscar Kightley, Lehi Makisi Falepapalangi, Sisa Grey, David Fane, Don Nahaku, Chris Alosio, Kaimana, Semu Filipo, Frankie Adams, Andrea Elizabeth Sikkink, Hio Pelesasa y Ativalu Scanlan.

«SALA:B»: Y Nadiuska

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  • Perversión(Francisco Lara Polop, 1974). Int.: Nadiuska,
    Carlos Estrada, Teresa Gimpera, Ricardo Tundidor.
    España. BDG. Color. 90’
    • La muerte ronda a Mónica (Ramón Fernández, 1977). Int.:
    Nadiuska, Arturo Fernández, Jean Sorel, Karin Schubert.
    España. 35 mm. Color. 81
“Nadiuska. Ahora como gusta a todos. Turbadora… Pro-vocativa… Insinuante… Explosiva… ¡Está como nunca!” Así se anunciaba en prensa Perversión, la película que convertía en protagonista a esta actriz alemana de sangre polaco-rusa que pronto ascendería a estrella del destape español. Había llegado a nuestro país hacía pocos años y enseguida conquistó a la prensa y al cine con su figura y su felina mirada. Como señala la escritora y guionista Valeria Vegas: “en aquella época de actrices emergentes todas eran guapas, pero Nadiuska era exótica. Fue algo más que una actriz, fue un fenómeno social. La gente acudía al cine sin importar la película, simplemente porque salía Nadiuska”. Paco Lara Polop dirige este melodrama con elementos de thriller y con un erotismo sofisticado y aún tímido, que saca todo el partido a la misteriosa presencia de la actriz, en el papel de secretaria de un importante editor especializado en novelas policíacas. Un reparto con nombres como Carlos Estrada o Teresa Gimpera suponían una garantía de calidad que se quería diferenciar del destape más populachero que ya empezaba a asomar en las comedias del landismo. También el guion del prolífico Juan José Alonso Millán se alineaba con ese erotismo qualité que se practicaba allende los Pirineos, llenando la trama de Perversión de referencias literarias morbosas y eruditas; además de una curiosa y poco habitual reflexión sobre la literatura pulp (y por extensión sobre el propio cine) que hoy llamaríamos metaficción.
Una de crímenes e intrigas empresariales es nuestra segunda propuesta con Nadiuska, a la que según Vegas no se le resistió nada: “Comedia, erotismo, suspense… Y con La muerte ronda a Mónica se lanzó al giallo versión española, provocando incluso infartos, según la prensa de la época”. A estas alturas, dos años después de la anterior película, Nadiuska ya compartía a la par crédito con Arturo Fernández, el alivio cómico del film, y su nombre iba por delante de artistas europeos como Jean Sorel. También el destape cogía carrerilla, por lo que los desnudos femeninos se prodigan cuando lo exige el guion y también cuando no. Sea como fuere, las secuencias donde coinciden musas como Nadiuska, Bárbara Rey o Karin Schubert son de las más memorables. Alonso Millán repite en el guion y dirige Ramón Fernández, que también trabajaría en múltiples ocasiones con esta actriz de tormentosa biografía, como recoge la serie El enigma de Nadiuska (ATRESplayer) dirigida por Valeria Vegas y de próximo estreno». (Álex Mendíbil)
Presentan la sesión Valeria Vegas, directora de El enigma de Nadiuska y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).

 

El fin del colonialismo, tráiler para «L’île rouge» de Robin Campillo

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Seis años después de su laureada 120 battements par minute el realizador francés Robin Campillo vuelve a ponerse tras las cámaras con el drama de época L’île rouge, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, que sorprendentemente no estará presente en la inminente edición del festival de Cannes, se estrenará comercialmente en Francia el próximo el 31 de mayo.
En L’île rouge vemos como el joven Thomas vive bajo el colonialismo francés en Madagascar durante los últimos años 60 y los primeros 70.
La película, con guion a cargo del propio Robin Campillo junto a Gilles Marchand, Jean-Luc Raharimanana, está protagonizada por Nadia Tereszkiewicz, Quim Gutiérrez, Sophie Guillemin, François-Dominique Blin, Luna Carpiaux, David Serero, Hugues Delamarliere, Pham Cathy, Piberne Mathis, Rakotoarimalala Amely, Vauselle Charlie, Cosar-Accaoui Sacha y Ralaivita Mitia.

CineAsia y Filmin se unen para presentar el curso online Filmoteca CineAsia

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¿Por qué Burning de Lee Chang-dong es una película repleta de detalles en la que el thriller es su eje principal? ¿Por qué la Nikkatsu, uno de los grandes estudios de cine de Japón despidió al director Seijun Suzuki tras producirle Branded to Kill, una de las películas que se convertirá en un film de culto? Hay películas que tienen el curioso poder de atraparte desde la primera escena. ¿Es una de ellas Un toque de violencia del realizador chino Jia Zhangke? ¿Cuál es el motivo por el que The Lunchbox es una película que conquistará el corazón de aquel que la vea? ¿Sabéis que el director iraní Jafar Panahi tiene un hijo que también es director de cine…? Analizaremos su primera película Hit the Road.

Estas y muchas otras preguntas forman parte del nuevo curso online que os propone CineAsia. Hablar de cine asiático es apasionante. Y de eso va este curso. La fórmula es muy sencilla. Hemos seleccionado 5 películas para poder reflexionar en profundidad sobre su fondo y su forma a lo largo de cinco sesiones. Es un formato participativo, en el que el alumno podrá compartir opiniones, realizar preguntas, ver junto al grupo alguna escena en concreto de la película y analizarla.

Ficha técnica:

Duración: del miércoles 17 de mayo al 14 de junio

Horas: 10 horas

Sesiones: (1 sesión a la semana) 2 horas de duración los martes de las 19h a las 21h

Modalidad: online (a través de la plataforma Zoom)

Precio: Todas las sesiones 60 € / Una sola sesión: 18 €

Sorteo entre los inscritos: Entre todas las alumnas/os inscritas/os se sortearán 5 códigos para disfrutar de la plataforma Filmin.

Entradas gratuitas para la Filmoteca: Los alumnos/as inscritos/as dispondrán de entradas gratuitas para el ciclo de cuatro películas del realizador iraní Jafar Panahi que tendrán lugar durante el mes de mayo de 2023, entre las que se encuentra su último film, No Bears.

Certificado del curso: Todos los alumnos que superen el 60% de las clases y que lo soliciten recibirán un certificado final del curso expedido por CineAsia.

Inscripción al curso

Presentación de las diferentes sesiones:

  1. Miércoles 17 de mayo 2023 de 19.00 h a 21.00

Presentación del curso. Corea del sur. Burning (Lee Chang-dong, 2018). En Corea, los jóvenes están teniendo dificultades. Incapaces de identificar un objeto al que dirigir su ira, se sienten impotentes. Estas son las motivaciones que llevaron a Lee Chang-dong a dirigir Burning. A contarnos la historia de Jongsu, uno de los protagonistas de la película -su padre está siendo juzgado, su madre le ha abandonado, no tiene ningún trabajo a la vista- vive esta situación de impotencia en un mundo que se está volviendo cada vez más sofisticado, un lugar perfectamente funcional en la superficie, pero que no tiene cabida para un joven como él.

  • Miércoles 24 de mayo de 2023 de 19.00 h a 21.00  

Japón. Branded to Kill (Seijun Suzuki, 1994). La película de yakuzas que llevó a uno de los grandes estudios a despedir a su director al decir que ‘no entendían nada de lo que sucedía en el film’. Un asesino del crimen organizado es contratado para llevar a cabo una misión. Es conocido como el Número 3, y pronto se verá envuelto en una especie de conspiración en la que están metidos una extraña y fascinante mujer, y más asesinos. La caza comienza, y enseguida sabremos quién es el Número 1 de la Organización, todo un ejemplo a seguir, y sobre el que algunos incluso aseguran que no existe, que es un invento para meter miedo.

  • Miércoles 31 de mayo de 2023 de 19.00 h a 21.00

China. Un toque de violencia (Jia Zhangke, 2013). El director chino de la Sexta Generación se sirvió de casos reales de violencia aparecidos en la red social Weibo para denunciar la que considera que es la auténtica causa de estos estallidos de violencia que están aconteciendo en su país: la relación esquizofrénica entre un gobierno comunista autoritario y una economía capitalista neoliberal. Esta relación hace que la sociedad cambie a una mayor velocidad que sus individuos, que se ven arrojados a situaciones en las que la violencia aparece como su única solución.

  • Miércoles 7 de junio de 2023 de 19.00 h a 21.00

India. The Lunchbox (Ritesh Batra, 2013). Ila, una ama de casa de clase media absorta en un matrimonio aburrido intenta recuperar el interés de su marido con una receta especial cuando su fiambrera acaba entregada por error al pobre oficinista Sajan, un hombre solitario al borde de la jubilación. Intrigada por la falta de reacción de su marido, Ila pone una pequeña nota en el envío del día siguiente… y de nuevo es Sajan quien lo recibe y, a su vez, contesta a esa nota. Una delicada película opera prima del realizador indio Ritesh Batra que se proyectó en la Semana Internacional de la Crítica de Cannes.

  • Martes 14 de junio de 19.00 h a 21.00

Irán. Hit the Road (Panah Panahi, 2021). La asombrosa ópera prima Panah Panahi, hijo de la leyenda del cine iraní Jafar Panahi. Siguiendo los pasos de su padre, Panahi firma una road movie que bien podría ser una «Pequeña Miss Sunshine» por las carreteras de Irán. Un viaje mágico que nos sorprenderá a nosotros tanto como a sus protagonistas. En definitiva, toda una joya que ya ha sido premiada en festivales como Cineuropa, Seminci o Mar de Plata.

 

 

El western según Pedro Almodóvar, tráiler de «Extraña forma de vida»

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Primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del esperado nuevo trabajo tras las cámaras de Pedro Almodóvar titulado Extraña forma de vida, cortometraje de treinta minutos de duración que se estrenará comercialmente en nuestra país de la manos de BTEAM Pictures el próximo 26 de mayo previo paso por el Festival de Cannes en donde tendrá lugar su premier mundial.
En Extraña forma de vida vemos como un hombre cruza a caballo el desierto que le separa de Bitter Creek. Viene a visitar al Sheriff Jake. Veinticinco años antes, ambos -el sheriff y Silva, el ranchero que cabalga a su encuentro- trabajaron juntos como pistoleros a sueldo. Silva viene con el pretexto de reencontrarse con su amigo de juventud, y en efecto celebran su encuentro, pero a la mañana siguiente el sheriff Jake le dice que la razón de su viaje no es el recuerdo de su vieja amistad.
El cortometraje rodado en el desierto de Tabernas, en Almería, con guion a cargo del propio Pedro Almodóvar y música a compuesta por Alberto Iglesias, está protagonizada por Ethan Hawke, Pedro Pascal, Jason Fernández, José Condessa, George Steane, Manu Ríos, Pedro Casablanc, Sara Sálamo y Erenice Lohan.

Basado en hechos reales, tráiler de «Reality»

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Acaba de ver la luz un primer teaser tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de Reality, película, que supone el debut tras las cámaras de la realizadora Tina Satter, basada en una historia real y que a su vez  es una adaptación de la obra de teatro de la propia Satter titulada Is This A Room, pieza que se centra en la acusación e interrogatorio a que fue sometida Reality Winner por filtrar información clasificada. La película, tras su premier mundial en la pasada edición de la Berlinale, llegará a las pantallas de HBO Max el próximo 29 de mayo.
En Reality vemos como una antigua especialista de inteligencia estadounidense recibe la sentencia más larga por la divulgación no autorizada de información del gobierno a los medios sobre la interferencia rusa en las elecciones estadounidenses de 2016 a través de una operación de correo electrónico.
La película, con guion a cargo de la propia Tina Satter junto a James Paul Dallas, está protagonizada por Sydney Sweeney, Josh Hamilton, Marchánt Davis, Benny Elledge y John Way.

Grábalo todo. Historia del found footage

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En 1998 se estrenó El proyecto de la Bruja de Blair y el cine de terror ya no volvió a ser lo mismo. A partir de entonces, toda una serie de nuevos talentos utilizaron el found footage para abrirse camino en la industria: Matt Reeves a través de Monstruoso u Oren Peli con la saga Paranormal Activity dieron sus primeros pasos en el género para convertirse en directores de éxito.
Grábalo todo: Historia del found footage , de Andrés R. Paredes, repasa cuáles fueron los orígenes de este estilo (el mondo, el cine de caníbales, las falsas snuff movies) y analiza tanto películas y franquicias que ya han pasado a la historia como otras más desconocidas por el gran público, además de identificar los nuevos talentos que han surgido en los últimos años y que mantienen vivo el subgénero.
Incluye entrevistas a Nacho Vigalondo, Sarah Appleton, Rodrigo Cortés y Koldo Serra.
Autor: Andrés R. Paredes. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas: 280

Tráiler para lo nuevo de André Téchiné «Les âmes soeurs»

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Aprovechando su reciente estreno comercial en Francia nos detenemos brevemente en el último trabajo tras las cámaras del veterano André Téchiné Les âmes soeurs, película cuyo tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El responsable de Les roseaux sauvages, que este mismo año también presentará Dans le viseur interpretada por Isabelle Huppert, explora en Les âmes soeurs una relación bastante especial entre dos hermanos afectados por una amnesia emocional.
Les âmes soeurs nos cuenta como David, teniente de las fuerzas francesas en Malí, resulta gravemente herido en una explosión. Repatriado, sufre amnesia y comienza una larga convalecencia bajo el atento cuidado de su hermana Jeanne. En la casa familiar de los Pirineos, entre montañas y lagos, Jeanne intenta rememorar el pasado, pero David no parece estar por la labor de reconciliarse con quien una vez fue.
La película, con guion a cargo del propio André Téchiné junto a Cedric Anger, está protagonizada por Noémie Merlant, Benjamin Voisin, Audrey Dana, André Marcon, Sya Rachedi, Alexis Loret, Mama Prassinos, Jean Fornerod, Mirindra Ramaroson y Stéphane Bak.

Filmoteca Española celebra el Día del Libro con presentaciones, coloquios y una programación especial de películas

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Los encuentros con autores y presentaciones de libros tendrán lugar los días 21 y 23 de abril por la tarde en el Palacio de Perales, sede central de Filmoteca Española, y en el cine Doré.
Filmoteca Española se suma a las celebraciones del Día Internacional del Libro durante los días 21 y 23 de abril, y propone la presentación de diferentes libros sobre cine publicados recientemente, algunas proyecciones asociadas a dichas publicaciones, encuentros con autores y conferencias.
21 de abril. Palacio de Perales. Sala de proyecciones del Palacio de Perales en la calle Magdalena, 10.
El día 21 de abril a las 18:00 h. en la sala de proyecciones del Palacio de Perales, en la sede central de Filmoteca Española, en la calle Magdalena, 10 (Palacio de Perales) tendrá lugar la conferencia “Doble traición. Las adaptaciones cinematográficas de Macbeth” por Asier Aranzubia, Profesor titular en el Departamento de Comunicación de la Universidad Carlos III de Madrid. En esta charla se analizan tres adaptaciones de Macbeth que llevan la firma de Orson Welles, Akira Kurosawa y Roman Polansky. El encuentro, cuya entrada es libre hasta completar aforo, forma parte del evento “La noche de los libros”Enlace externo, se abre en ventana nueva de la Comunidad de Madrid.
23 de abril. Presentaciones de libros en el vestíbulo del cine Doré. Entrada libre.
El domingo 23 de abril, con motivo de la celebración del Día del Libro, el Doré acogerá una serie de presentaciones y proyecciones especiales que sirven para destacar el importante y continuo flujo de ideas entre el cine y la literatura, ya sea en forma de adaptaciones o en el terreno del ensayo.
17:00 H – VESTÍBULO DEL DORÉ
Presentación de la nueva edición del libro Directores españoles malditos (Huerga y Fierro, 2022) a cargo del autor, Augusto M. Torres.
18:15 H – VESTÍBULO DEL DORÉ
Presentación del libro Basilio Martín Patino (Cátedra, 2023) a cargo del autor, Javier Tolentino.
19:30 H – VESTÍBULO DEL DORÉ
Presentación del libro Muy de la casa. Los actores de mi vida (João Bénard da Costa, Athenaica, 2023) a cargo de la autora del prólogo, Rita Azevedo Gomes y el editor, Alfonso Crespo.
23 de abril. Proyecciones en el cine Doré
Para acompañar las presentaciones de libros, Filmoteca Española ha diseñado un programa con las siguientes proyecciones:
18:00 H – SALA 1
Amor de Dios (Augusto M. Torres, 2023) + El gato montés (Rosario Pi, 1936) – Presentación a cargo de Augusto M. Torres.
19:30 H – SALA 2
El grito del sur. Casas Viejas (Basilio Martín Patino, 1997) – Presentación a cargo de Javier Tolentino.
21:00 H – SALA 1
Adaptation (El ladrón de orquídeas) (Spike Jonze, 2002).

Tráiler oficial para «La desconocida» de Pablo Maqueda

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Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del segundo largometraje de Pablo Maqueda (Dear Werner. Walking on cinema, 2020) titulado La desconocida. La película estrenada en la Sección Oficial del Festival de Málaga se podrá ver próximamente en el BCN Film Fest. Basada en la exitosa obra de teatro Grooming, del Premio Nacional Paco Bezerra, la película cuenta con guion del propio Maqueda, Haizea G. Viana y Paco Bezerra y llegará a los cines de nuestro país el próximo 9 de junio de la mano de Filmax.
En La desconocida vemos como Carolina es una joven ingenua que conoce a Leo en un chat. Él es un hombre adulto que haciéndose pasar por un chico de 16 años ha quedado con ella en un apartado parque de la ciudad. Pero a medida que Leo conoce a Carolina, empieza a sospechar que quizá ella no es tan inocente como aparenta.
Protagonizada por Laia Manzanares (El reino), Manolo Solo (ganador del Goya al mejor actor de reparto por Tarde para la ira) y Eva Llorach (ganadora del Goya a la mejor actriz revelación por Quién te cantará), y cuenta con la colaboración especial de Blanca Parés (Julieta). Rodada entre Madrid y Albacete, el proyecto fue premiado en el Mercado Audiovisual de Cine Independiente Abycine Lanza del festival de cine Abycine 2019.
La desconocida es una producción de Fórmula Cine A.I.E. y Sideral en coproducción con La fragua audiovisual con la participación de Ministerio de Cultura/ICAA, Comunidad de Madrid,  Ayuntamiento de Madrid, Junta de Castilla la Mancha, con la financiación de Telemadrid, Castilla la Mancha Media y con el patrocinio de Castilla la mancha impulsa, ganadora de Abycine Lanza. Filmax se encarga de la distribución nacional y las ventas internacionales.

Tráiler y póster para «Insidious: The Red Door»

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Acaba de ver la luz de la mano de Sony Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Insidious: The Red Door, quinta entrega de la exitosa franquicia de terror creada por James Wan en 2010. La película, que se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 21 de julio, supone el debut como realizador de Patrick Wilson.
En Insidious: The Red Door vemos como para enterrar sus demonios de una vez por todas, Josh y un ya universitario Dalton, deberán profundizar en El Mas Allá más que nunca, enfrentándose al oscuro pasado familiar y a un huésped de nuevos horrores terroríficos que acechan tras la puerta roja.
La película, con guion a cargo de Scott Teems, está protagonizada por Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins, Lin Shaye, Sinclair Daniel, Peter Dager, Hiam Abbass, AJ Dyer, Victorya Danylko-Petrovskaya y Andrew Astor.

Proyecciones Xcèntric: Inteligencia sensorial. Cuando las cineastas tomaron la optical printer

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Place Mattes (Barbara Hammer, 1987)

La optical printer (impresora o copiadora óptica), un dispositivo consistente en uno o varios proyectores mecánicamente enlazados a una cámara para copiar película o crear efectos especiales, estuvo históricamente vinculada con el cine industrial. En el cine experimental, una serie de mujeres cineastas se apropiaron de esta herramienta tradicionalmente masculina para explorar su relación con el cuerpo, la imaginación y la memoria. Esta sesión incluye una charla introductoria sobre el uso y la historia de la optical printer en el cine experimental a cargo de la investigadora Julia Cortegana.
Inventada en Hollywood en los años 20 y desarrollada en los 30, la optical printer fue utilizada por las unidades fotográficas estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial, así como en proyectos educativos o en la restauración fotoquímica. La película a copiar se controlaba con el proyector y la película copiada con la cámara. Mientras que en la industria quedarían sustituidas más adelante por las herramientas de composición digital, el cine experimental exploró distintas posibilidades creativas manipulándolas y reflexionando sobre la materialidad fílmica. En las películas de esta sesión la optical printer se emplea para realizar fundidos, encadenados, superposiciones, repeticiones, aceleraciones, ralentíes, detenciones, reencuadres, recortes o reescalados. Por su parte, algunas cineastas de diferentes generaciones orientaron estos recursos hacia las relaciones personales y políticas, pictóricas y táctiles, sensuales y oníricas con el dispositivo, como se aprecia claramente en el programa que presentamos.
En Loose Corner, Anita Thacher trabaja con las proporciones irreales de personas y objetos mediante encajonamientos y trampantojos. La percepción temporal se asocia con el juego y la infancia, cuestión también presente en Sea Travels, una meditación sobre la visión, los sueños y la memoria deformada. En Wind/Water/Wings, Barbara Klutinis establece una analogía entre la fragilidad del entorno interior y exterior: su incerteza frente a la menopausia y su inquietud ante la naturaleza amenazada. Si la sensibilidad táctil conduce al éxtasis en el trabajo de Barbara Hammer, en Place Mattes, fabricada con máscaras itinerantes del torso, las piernas o las manos de la cineasta, la naturaleza se ha vuelto intocable debido al aplanamiento de la figura y el fondo. Sharon Couzin dedicó Roseblood a la bailarina Carolyn Chave Kaplan. Realizada en un principio en 8 mm, aísla elementos y aplica una infinidad de técnicas propias del collage y la animación. También plantea una equivalencia entre una serie de motivos disonantes (flores, sangre, conchas, el sol, cristales, árboles) y la mitología cultural sobre la sexualidad femenina, así como las formas y los movimientos circulares, evocando todo ello los ciclos vitales y las estaciones. En Introspection, la primera película de danza abstracta de la historia, Sara Kathryn Arledge también utiliza el baile como expresión de un mundo interior tridimensional, etéreo y onírico. Empleando geles de colores o realizando exposiciones múltiples, es la cineasta –y no la bailarina– la que crea los ritmos musicales al unir los gestos y las formas con ayuda de la optical printer. Finalmente, en Grain Graphics las ondas visuales replican el sonido de un gamelán. Dana Plays usa las ampliaciones y las multiplicaciones de la imagen para magnificar los gestos. Al mismo tiempo, decenas de pequeños fotogramas refilmados se agolpan en la pantalla, como en un figurado zoom out.
Loose Corner, Anita Thacher, 1986, 16 mm, 12’; Sea Travels, Anita Thacher, 1978, 16 mm, 11’; Wind/Water/Wings, Barbara Klutinis, 1995, 16 mm, 22’; Place Mattes, Barbara Hammer, 1987, 16 mm, 9’; Roseblood, Sharon Couzin, 1974, 16 mm, 8’; Introspection, Sara Kathryn Arledge, 1941, 16 mm, 7’; Grain Graphics, Dana Plays, 1978, 16 mm, 6’
Proyección en 16 mm. Copias de Loose Corner, Sea Travels, Wind/Water/Wings y Place Mattes procedentes de Light Cone. Copias de Roseblood, Introspection y Grain Graphics procedentes de Canyon Cinema.
Fecha: 27 abril 2023
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

«Megalomaniac» review

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Martha y Félix son hijos del Carnicero de Mons, un famoso asesino en serie belga de los años 90. Mientras Martha vive una vida complicada, su hermano, influenciado por el legado familiar, sigue con los asesinatos de su padre. Acosada y agredida en el trabajo, Martha cae en la locura y se adentra en el aterrador mundo de Félix.
Curiosa cuanto menos la mirada hacia conceptos pretéritos del fantástico contemporáneo del que hace acopio la cinta belga Megalomaniac de Karim Ouelhaj, relato malsano que parte de la premisa argumental de fantasear con la identidad de un asesino en serie real de los años 90, el conocido como descuartizador de Mons, criminal que nunca pudo llegar a ser localizado. Film de escenografía barroca que tiene la virtud de alejarse de nuevas vías líquidas del fantástico actual al intentar recuperar una serie de nociones hoy algo lejanas, una de ellas podría ser perfectamente esa estética oscura de tono sádico que vio la luz a inicios del 2000, que hoy puede ser considerada como retro, derivativas de aquella corriente proveniente del extremismo francés, el torture porn y películas europeas como, por ejemplo, Angst (Gerald Kargl 1983) o Antikörper (Christian Alvart 2005).
A través de una narrativa percibida como elíptica, Megalomaniac, situada a medio camino entre el realismo y la más pura fantasmagoría, puede ser interpretada a modo de relato visceral, en donde se puede llegar a intuir como el cuerpo de la mujer es el objetivo final de un depredador percibido en el relato de forma dual, mostrado tanto a nivel social, en su vertiente misógina, como sociópata. Sin embargo, a diferencia de gran parte de sus predecesoras, el film del belga Karim Ouelhaj, cuya filmografía parece dar la impresión de oscilar en lo concerniente a la violencia contra las mujeres, como se puede comprobar en sus anteriores Parábola (2005), Le repas du singe (2013) o Une Réalité Par Seconde (2015), no logra llegar a ser transgresora, tampoco logra ser provocativa, pues parece estar más preocupada en mostrar e indagar a través de una determinada estética que en intentar articular algún tipo de narrativa que al menos sea percibida como sólida. Sin embargo y como mal menor con relación a sus propósitos y posicionamiento respecto a las carencias del fantástico de hoy, a Megalomaniac le viene como anillo al dedo aquel dicho que dice que más vale malo conocido que bueno por conocer.

Valoración 0/5:2

 

Visiones del abismo. Pensar el cine desde Eugenio Trías

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El libro Visiones del abismo. Pensar el cine desde Eugenio Trías nos propone el ejercicio audiovisual e intelectual de reflejar, advertir, ensayar y recorrer las ideas más cruciales de la filosofía de Eugenio Trías en las imágenes de cineastas como Ingmar Bergman, Andrei Tarkovski, Ridley Scott, David Lynch, Federico Fellini, Chris Marker, Wong Kar-Wai, Fritz Lang, Pawel Pawlikowski o, por supuesto, en films tan queridos por el propio Eugenio Trías, como Vértigo o Psicosis.
El filósofo Eugenio Trías nunca ocultó su pasión por el cine, que se tradujo en varios libros, bien con reflexiones generales sobre el cine de todos los tiempos, o bien con análisis monográficos de películas por las que sentía pasión, como Vértigo, de uno de sus cineastas favoritos, Alfred Hitchcock. Sea por esta o por otra razón, lo cierto es que hay en sus ideas y en su filosofía una tendencia natural a conectar con las imágenes del cine, con las mil y una formas del abismo, en los que acertaba a encontrar «los límites del mundo».
Armados con los pertrechos filosóficos del universo de Eugenio Trías, tales como la dialéctica de Lo bello y lo siniestro, los tres cercos del mundo, la condición fronteriza del ser, la música y la arquitectura como las artes fronterizas, la fenomenología del límite, el misterio del símbolo y su sentido en fuga hacia el cerco hermético, su concepción sobre la música, ¡y mucho más!, un elenco de autores, pensadores y analistas recorren imágenes de cine con las que pensar y ensanchar el pensamiento de Trías, y ponerlo en funcionamiento en uno de sus artes favoritos: el cine.
Contenidos
David Trías
El vértigo del cine
Vanessa Brasil
El Abismo en el corazón de la pesadilla. Encuentros entre Trías y Vértigo, de Hitchcock
Alberto Ruiz de Samaniego
Alien. La ordalía y su sombra
Aarón Rodríguez Serrano
En presencia del límite: música y muerte en Ingmar Bergman
Zacarías Marco
Lo inaccesible acontece… en tres fotogramas
Luis Martín Arias
Lo bello y lo sagrado en Psycho
Lorenzo J. Torres Hortelano
Elogio de la máscara en el cine. Un acercamiento desde la filosofía de Eugenio Trías
Alberto Sucasas
Trías y Tarkovski: afinidades entre un filósofo y un cineasta
Basilio Casanova Varela
El canto del cisne. Sacrificio de Andrei Tarkovsky
Félix Recio
El límite y la sombra
Eugenio Trías
Cerrar los ojos
Autor: Vanessa Brasil Campos RodríguezBasilio Casanova VarelaZacarías MarcoLuis Martín AriasFélix RecioAarón Rodríguez SerranoAlberto Ruiz de SamaniegoAlberto SucasasLorenzo J. Torres HortelanoDavid TríasEugenio Trías, Editorial: SOLARIS, Textos de cine, Colección ESPEJOS. Páginas: 220

Un juego siniestro, tráiler para «Sanctuary» de Zachary Wigon

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Nueve años después de su debut en el largometraje con la notable The Heart Machine (2014) el norteamericano Zachary Wigon tiene listo su segundo trabajo tras las cámaras titulado Sanctuary, película cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Thriller con pinceladas de humor negro protagonizado por solo dos personajes en un solo escenario que puede recordar en algo el Piercing de Nicolas Pesce, ambas protagonizadas por Christopher Abbott. La película, aún sin fecha de estreno en España, verá la luz comercialmente en Estados Unidos próximo el 19 de mayo.
En Sanctuary vemos como una mujer llamada Rebecca y su cliente Hal, se enzarzan en un peligroso juego de rol por el poder y el control. Tras heredar la cadena hotelera de su padre, Hal intenta poner fin a su larga y secreta relación con Rebecca, una especie de dominatrix que lo ha preparado para el éxito. Pero en el transcurso de una intensa noche, se produce una batalla de voluntades en la que ambos lucharán por mantener su ventaja mientras la dinámica de poder oscila salvajemente por ambos lados.
La película, con guion a cargo de Micah Bloomberg, está protagonizada por Margaret Qualley y Christopher Abbott.

El origen vampírico, tráiler para «The Last Voyage of the Demeter de André Øvredal»

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Uno de los mejores artesanos que ha dado el fantástico en estos últimos años es sin duda el noruego André Øvredal, tras trabajos tan competentes como Troll Hunter (2010), The Autopsy of Jane Doe (2016) o Scary Stories to Tell in the Dark (2019), nos llega la ambiciosa The Last Voyage of the Demeter, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
The Last Voyage of the Demeter, que se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 11 de agosto, está basado en un solo capítulo, el Captain’s Log, de la clásica novela Drácula de 1897 de Bram Stoker, la historia se desarrolla a bordo de la goleta rusa Demeter, que fue fletada para transportar carga privada (veinticuatro cajas de madera sin marcar) desde Carpatia a Londres. La historia detallará los extraños eventos que acontecieron a la tripulación condenada mientras intentan sobrevivir al viaje por el océano, acechados cada noche por una aterradora presencia a bordo del barco. Cuando finalmente llegó cerca del puerto de Whitby, estaba totalmente en ruinas. No había rastro de la tripulación.
La película, con guion adaptado a cargo de Bragi F. Schut y Zak Olkewicz, está protagonizada por Corey Hawkins, David Dastmalchian, Liam Cunningham, Aisling Franciosi, Jon Jon Briones, Javier Botet, Stefan Kapicic, Woody Norman, Nikolai Nikolaeff, Chris Walley, Nicolo Pasetti, Martin Furulund, Sally Reeve, Christopher York, Adam Shaw y Graham Turner.

Alberto Rodríguez y el modelo de trabajo cooperativo de Moriarti cierran ‘Diálogos de Cineastas’

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El autor de ‘La isla mínima’ conversará este jueves con el guionista Rafael Cobos, mientras que la cita con Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga será el 26 de mayo.

La sesión de Belén Funes y Marçal Cebrián se aplaza al próximo año.

La segunda temporada de Diálogos de cineastas, organizada por Koldo Mitxelena Kulturunea, Z365, el festival de todo el año del Festival de San Sebastián, y Elías Querejeta Zine Eskola, se cerrará en abril y mayo con las sesiones protagonizadas por Alberto Rodríguez y Rafael Cobos, y los tres cineastas de Moriarti Produkzioak: Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga.
Una de las alianzas más largas y fructíferas del cine español reciente protagonizará la jornada del jueves, día 13: la del director Alberto Rodríguez y el guionista Rafael Cobos, que han colaborado en películas como 7 vírgenes / 7 Virgins (2005), Grupo 7 / Unit 7 (2012), La isla mínima / Marshland (2014), El hombre de las mil caras / Smoke and Mirrors (2016) o Modelo 77 / Prison 77 (2022), que inauguró el pasado Festival de San Sebastián.

Para cerrar la segunda edición, los cineastas vascos Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, explicarán el 26 de mayo su modelo de trabajo cooperativo en Balenciaga, su primera serie para una plataforma, tras su experiencia en títulos como Loreak / Flowers (2014), Handia (2017) y La trinchera infinita / The Endless Trench (2019), todos estrenados en la Sección Oficial del Festival.

La conversación prevista para el 4 de mayo con la directora Belén Funes, que estrenó su ópera prima La hija de un ladrón / A Thief’s Daughter (Goya a la mejor dirección novel) en la Sección Oficial de San Sebastián, y el guionista Marçal Cebrián, ha quedado aplazada a la próxima temporada porque se encuentran inmersos en la preparación de su segundo largometraje.
Las dos sesiones se desarrollarán en Areto Nagusia de Koldo Mitxelena Kulturunea (19:00 horas, entrada libre hasta completar aforo) y se emitirán en abierto por la página web kmk.gipuzkoakultura.eus.
El curso, además de descentralizar la mirada única de una o un cineasta, tiene como objetivo dar a conocer los oficios más tradicionales que conforman el desarrollo de un proyecto y, en consecuencia, aprender a ver y leer cine de forma crítica, en un contexto cuyas circunstancias lo están haciendo mutar en todas las direcciones posibles. En esta segunda temporada, han participado cineastas como Estibaliz Urresola, Irati Gorostidi, Maider Fernández Iriarte, Albert Serra, Mikel Gurrea, Fernando Franco, Pilar Palomero, Alauda Ruiz de Azua y Carlota Pereda.

Una puerta al más allá, primer tráiler para «Talk to Me»

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Después de las buenas críticas recibidas tras su paso por Sundance y SXSW acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del debut en el largometraje de los australianos Danny Philippou y Michael Philippou, conocidos en su faceta de YouTube con el sobrenombre de RackaRacka, de la cinta de terror sobrenatural Talk to Me. La película, que vendrá a nuestro país de la mano de Diamond Films, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 28 de julio.
En Talk to Me vemos como una solitaria adolescente llamada Mia se engancha a la emoción de conjurar espíritus a través de una mano de cerámica, pero cuando se enfrenta a un alma que dice ser su madre muerta, desata una plaga de fuerzas sobrenaturales teniendo que decidir en quién puede confiar, en los vivos o en los muertos.
La película, con guion a cuatro manos entre Michael H. Beck, Danny Philippou, Bill Hinzman y Daley Pearson, está protagonizada por Sophie Wilde, Alexandra Jensen, Joe Bird, Otis Dhanji, Miranda Otto, Zoe Terakes, Chris Alosio, Marcus Johnson, Alexandria Steffensen, Ari McCarthy, Cass Cumerford, Jett Gazley, Hamish Phillips, Sarah Brokensha, Jodie Dry, Robin Northover y Kit Erhart-Bruce.