Año: 2026

Mad Max. Páramos de fuego y sangre

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El cine post-apocalíptico tiene nombre propio: es Mad Max, uno de los más grandes iconos de la historia del género de aventuras en general, y del «survival» en particular. Y tiene un lugar arquetípico que funciona como territorio de aventuras y como expresión del fracaso de la sociedad: el páramo en el que se desarrollan la mayoría de las peripecias de este ex policía convertido en un ser errante y sin esperanza. La saga Mad Max está ya, desde su inicio en 1979, más allá de cualquier consideración sociológica o artística. Ha entrado en el territorio de las leyendas, esas figuras totémicas que perdurarán con el paso de las décadas. Con sus cinco películas, todas ellas muy distintas entre sí, pero también con los suficientes nexos en común como para considerarlas un todo, el australiano George Miller ha construido una epopeya digna de sus ancestros griegos. La saga ha ido creciendo título a título hasta construir un universo propio y con sus propias reglas: tras la trilogía inicial que se cerraba en 1985, George Miller y sus colaboradores nos brindaron un cuarto filme en 2015 que revolucionó para siempre el de cine de aventuras, digno del desquiciado mundo del siglo XXI. Para terminar, crearon una memorable contraparte fe menina, la terrible Furiosa, que recogió el testigo de Max para ejercer de espejo de este mundo patriarcal, violento, machista y decadente. En este volumen Adrián Massanet realiza un extenso y razonado análisis de cada una de las cinco películas que componen la saga, nos cuenta con detalle las circunstancias que rodearon a cada producción, las dificultades de cada una de ellas, el impacto y legado que han supuesto a lo largo de los años y un estudio de todos los colaboradores de George Miller, llevando a cabo un extenso recorrido por este páramo de fuego y sangre.

Contenidos

INTRODUCCIÓN. MI NOMBRE ES MAX 

PREÁMBULO. UN VIAJE POR EL PÁRAMO.

PRIMERA PARTE: LA HISTORIA DE MAX 

1. RECUÉRDALO CUANDO MIRES EL CIELO NOCTURNO Mad Max: salvajes de la autopista (1979) 

2. ESTA TIERRA DESOLADA Mad Max 2. El guerrero de la carretera (1981) 

3. EL QUE LLEVA AL SR MUERTO EN SU BOLSILLO Mad Max, más allá de la cúpula del trueno (1985) 

INTERLUDIO  

SEGUNDA PARTE: LA LEYENDA DE FURIOSA 

4. VIAJARÁS ETERNO, BRILLANTE Y CROMADO Mad Max: Furia en la carretera (2015) 

5. UNA TUMBA DESPIADADA, MÁS PROFUNDA QUE EL INFIERNO Furiosa: De la saga Mad Max (2024) 

CODA 

APÉNDICES 

1. CREADORES 

2. DISCOGRAFÍA 

3. FRANQUICIA 

4. EDICIONES FÍSICAS 5. MAD MAX EN LA CULTURA POPULAR 

6. CRÉDITOS 

7. BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA

Autor: Adrián Massanet, Editorial: Amarcord Ediciones, Páginas: 270

Primer tráiler para «Teenage Sex and Death at Camp Miasma» de Jane Schoenbrun

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Acaba de ser presentada en sociedad un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto su póster promocional, del nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora Jane Schoenbrun titulado Sex and Death at Camp Miasma. La responsable de «We’re All Going to the World’s Fair» y «I Saw the TV Glow«, vuelve a deconstruir géneros cinematográficos en una película que se estrenará en nuestro país de la mano de Mubi el próximo 7 de agosto de 2026.       

En Teenage Sex and Death at Camp Miasma vemos como tras años de secuelas cutres y un fandom en declive, la franquicia slasher Camp Miasma es puesta en manos de una joven y entusiasta directora para que la resucite. Pero cuando visita a la estrella de la película original, una actriz que ahora vive recluida y envuelta en misterio, las dos caen en una espiral de sangre, deseo, miedo y delirio.

La película, con guion a cargo de la propia Jane Schoenbrun, esta protagonizada por Hannah Einbinder, Gillian Anderson, Amanda Fix, Arthur Conti, Eva Victor, Zach Cherry, Sarah Sherman, Patrick Fischler, Dylan Baker, Jasmin Savoy Brown, Kevin McDonald, Quintessa Swindell y Jack Haven.

Ciclo del cine de la Director’s Company japonesa en la Cineteca Madrid

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En colaboración con Fundación Japón y mediadistancia, Cineteca presenta un ciclo dedicado a la Directors Company, uno de los experimentos más singulares del cine japonés de los años 80. Fundada en 1982, la compañía reunió a un grupo de cineastas jóvenes que buscaban producir películas personales y arriesgadas al margen de los grandes estudios, en un momento en que la industria atravesaba una crisis profunda. Directores como Kiyoshi Kurosawa, Shinji Somai, Toshiharu Ikeda o Sogo Ishii realizaron sus primeras películas en el marco de esta experiencia radical, que renovó el panorama del cine japonés e impulsó a algunas de sus figuras centrales. Un conjunto de películas que mezclan sátira, violencia, melodrama, humor absurdo y crítica social. Todas las sesiones estarán presentadas por el equipo de mediadistancia.

Programación

 Mermaid Legend

(Ningyo densetsu)/Toshiharu Ikeda/Japón/1984/(110′)

Cuando un pescador es asesinado por unos codiciosos promotores inmobiliarios por interponerse en sus planes de expansión, su esposa Migiwa, buceadora de perlas, emprende una implacable venganza contra los yakuza responsables. Acusada del asesinato de su marido y obligada a refugiarse en un burdel, una furia imparable se desata a medida que tienen lugar las sangrientas batallas.

Bumpkin Soup

(Do-re-mi-fa musume no chi wa sawagu)/Kiyoshi Kurosawa/Japón/1985/ (82′)

 Akiko es una joven del campo que visita una universidad de Tokio en busca de su amor de juventud. En su búsqueda se cruza con diversos y excéntricos habitantes del campus: intelectuales apáticos, estudiantes obsesionadas con el sexo, un profesor de psicología en busca de la teoría de la vergüenza y, por supuesto, su amado Yoshioka, que se ha convertido en un personaje esquivo y prácticamente invisible dentro de la universidad. Una de las primeras obras de Kiyoshi Kurosawa, reconocido director de Cure y Tokyo Sonata. 

Miércoles 25/ 20:00 h/ Sala Azcona

Door

Banmei Takahashi/Japón/1988/(94′)

Yasuko vive en un rascacielos de la ciudad con su marido y su hijo. Nerviosa por las llamadas de broma y las insistentes visitas comerciales, un día le cierra la puerta de golpe a un vendedor cuando este intenta meter a la fuerza un folleto a través de la cadena. A partir de ahí, él comienza a acosarla: primero con cartas obscenas escritas en la puerta de su casa y luego escalando poco a poco hasta convertirse en un acoso constante que desemboca en unos últimos 20 minutos de caos fuera de sí… Primera película slasher japonesa.

Jueves 26/ 20:00 h/ Sala Azcona

Door II: Tokyo Diary

Banmei Takahashi/Japón/1991/ (82′)

Ai es una call girl, un trabajo que conlleva muchos riesgos. Cada vez que cruza una puerta, no sabe qué tipo de hombre va a encontrarse al otro lado: algunos son amables, otros violentos y otros simplemente están completamente desequilibrados. Un día conoce al señor Mamiya, un artista extraño y fascinante que poco a poco la iniciará en los placeres del S&M.

Viernes 27/ 20:00 h/ Sala Plató

The Crazy Family

(Gyakufunsha kazoku)/Gakuryu Ishii/ Japón/1984/ (106′)

La familia Kobayashi por fin consigue mudarse de su diminuto y agobiante apartamento de Tokio a la casa de sus sueños. Pero las cosas no son tan perfectas como parecen: la vivienda está infestada de termitas y la familia empieza a perder la cordura. El hijo, Masaki, estudia de forma tan obsesiva para los exámenes que comienza a desquiciarse; la hija, Erika, vive ajena a todo salvo a su próxima audición para una discográfica; el abuelo, Yasukuni, sufre recuerdos traumáticos de la Segunda Guerra Mundial; y el padre, Katsuhiko, está tan preocupado por la “enfermedad” de su familia que llega a pensar que solo puede curarse mediante un suicidio colectivo. A medida que la casa de los Kobayashi empieza a venirse abajo, también lo hace la cordura de sus habitantes. Katsuhiko decide tomar cartas en el asunto para evitar que acaben en un manicomio… cueste lo que cueste.

Sábado 28/ 20:00 h/Sala Azcona

Proyecciones Xcèntric: La verifica incerta. Tres obras esenciales del cine de apropiación

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Esta sesión presenta tres películas fundamentales de found footage, que parten de metraje encontrado para transformarlo mediante el montaje. Las nuevas combinaciones de imágenes, resultantes de un proceso de investigación estética y crítica ideológica, revelan otras maneras de percibir los materiales originales, reconectando con el espíritu dadaísta para el cual la destrucción, el automatismo o las leyes imprevisibles del azar se convierten tanto en objeto de goce como en la creación de nuevas formas.

Une œuvre de Maurice Lemaître es el equivalente cinematográfico de la poesía dadaísta de Tristan Tzara y, al mismo tiempo, una obra perteneciente al automatismo letrista de Isidore Isou. Lemaître la realizó con fragmentos de películas rescatados de la basura de un laboratorio cinematográfico (ficciones, programas de televisión, anuncios o documentales industriales… y material que remite al propio medio, como colas de películas, títulos de crédito, claquetas, etc.) ensamblados en el orden exacto en que fueron encontrados, pero invirtiendo la dirección del movimiento y las relaciones espaciales dentro de la imagen, reduciendo así las secuencias a series de fotogramas cada vez más breves, y organizando repeticiones y series de imágenes. La banda sonora es discrepante, es decir, asincrónica: la relación continua y armoniosa entre imagen y sonido se rompe espontáneamente. Por otro lado, el material cinematográfico encontrado en la basura se presenta como una superficie de inscripción en la que aparecen las escorias, los arañazos y las manchas que normalmente la proyección cinematográfica trata de evitar.

El uso de película dañada, rayada, envejecida y abandonada por los distribuidores está también en el origen de las imágenes en Cinemascope de Hollywood (imágenes anamórficas destinadas al desguace) reutilizadas en La verifica incerta de Gianfranco Baruchello y Alberto Grifi. El título de la obra, la palabra verifica, debería entenderse en el sentido de la verificación de las copias, que en este caso es incierta teniendo en cuenta al estado de deterioro del material procedente. Surgido en el contexto de los primeros experimentos conceptuales de las vanguardias literarias italianas del Gruppo 63 y del Nouveau Roman francés, e inspirado por el ‘ready made’ de Marcel Duchamp, el film logra subvertir con ironía una multitud de clichés y estereotipos representados en las ficciones hollywoodienses y romper toda forma de continuidad narrativa con un hilarante (des)montaje que progresivamente va desvelando la imagen original como un vehículo de ideología.

Por último, Metropolen des Leichtsinns hecha a partir de una colección de unas 500 películas diferentes (en su mayoría cortometrajes educativos, series de televisión, algunos largometrajes y publicidad), podría entenderse como una especie de deconstrucción diabólica del consumismo. Editada minuciosamente a mano, esta obra sigue un ritmo calibrado hasta el más mínimo detalle que desencadena efectos visuales, rimas gráficas, contrapuntos irónicos e ingeniosas asociaciones que con frecuencia juegan con la paradoja. Asimismo, la película de Draschan y Wiesner es también una forma de apología de la fisicidad del material cinematográfico.

Los incontables fragmentos fílmicos que componen estas tres películas esenciales del cine de apropiación dieron origen a una especie de enciclopedias irónicas de descartes – empalmados con cinta adhesiva, sin seguir ningún guion ni argumento – y a experimentos lingüísticos de montaje, herederos de la deconstrucción y la recontextualización dadaístas (détournement). El lenguaje con el que se expresan estas obras, compuestas de desecho de producción fílmica, rezuma una enorme complejidad semántica y ofrece al análisis cinematográfico un lenguaje variado y contenido estimulante que, aún hoy, parecen imposibles de imitar.

Une œuvre, Maurice Lemaître, 1968, 16mm, 14 min; Verifica incerta, Gianfranco Baruchello y Alberto Grifi, 1964-65, 16mm, 32 min; Metropolen des Leichtsinns, Thomas Draschan y Ulrich Wiesner, 2000, 16mm, 13 min.

Proyección en 16 mm. Une œuvre y Metropolen des Leichtsinns, procedentes de Light Cone. Verifica incerta, procedente de LUX.

Fecha: 1 marzo 2026

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Una oscura fantasía romántica, tráiler para «Obsession» de Curry Barker  

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Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del film Obsession, segundo trabajo tras las cámaras de Curry Barker, (Milk & Serial, 2024), que toma como punto de partida el relato de W. W. Jacob, The Monkey’s Paw, a la hora de extrapolar el concepto de las relaciones románticas codependientes desde coordenadas próximas a la comedia adolescente de terror de los años ochenta. La película, aún sin fecha de estreno en nuestro país, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 5 de mayo de 2026.     

Obsession nos cuenta el anhelo romántico desesperado de un chico por su amor platónico de toda la vida desencadena un siniestro hechizo: Niki se vuelve irracionalmente obsesiva hasta convertirse en la sombra de Bear. Una fantasía aparentemente inofensiva que se convertirá en una perturbadora pesadilla. Potente metáfora sobre la cosificación de las relaciones románticas y de los límites a los que estamos dispuestos a llegar movidos por el deseo de ser correspondidos.

La película, con guion a cargo del propio Curry Barker, esta protagonizada por Michael Johnston, Inde Navarrette, Cooper Tomlinson, Megan Lawless, Haley Fitzgerald, Andy Richter, Darin Toonder, Chloe Breen, Anthony Pavone y Anthony Casabianca.

FlixOlé rinde homenaje a Gonzalo Suárez con el estreno de títulos clave de su obra

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La plataforma homenajea al próximo Goya de Honor incorporando a su catálogo Ditirambo, Aoom,, Morbo, y Mi nombre es sombra. Los títulos se incluirán en una colección especial que recorre otras películas imprescindibles de su filmografía

FlixOlé celebra la trayectoria de uno de los cineastas más libres y singulares del panorama español, Gonzalo Suárez, de quien estrena cuatro títulos fundamentales tanto en su carrera como en la historia del audiovisual español: Ditirambo (1969), Aoom (1970), Morbo (1972) y Mi nombre es sombra (1996). Cuatro obras que revelan la inagotable imaginación de un director que navega a la aventura por territorios insólitos del séptimo arte.

Desde sus comienzos, este autor próximo a la vanguardista Escuela de Barcelona capeó las inercias narrativas y estéticas para alejar la gran pantalla de la cotidianidad y los convencionalismos, apostando por un cine experimental y arriesgado, profundamente ligado a la literatura. Su filmografía no busca encontrarse con la realidad, sino expandirla. A lo largo de décadas, ha desbordado los márgenes de la narrativa tradicional para revelar un universo inclasificable e ingenioso.

Por ampliar los horizontes del cine español, Gonzalo Suárez recibirá el Goya de Honor el próximo 28 de febrero, reconocimiento a una trayectoria marcada por la coherencia artística y la independencia. Con motivo de esta distinción, FlixOlé estrena los títulos mencionados, restaurados en la mejor calidad de imagen y sonido en sus laboratorios, e inaugura un especial compuesto por un total de 13 películas, además de la serie Los pazos de Ulloa (1985) y el documental Gonzalo Suárez: 90 años remando al viento (2024), un recorrido por la vida y obra del realizador.  

Los comienzos experimentales

Entre las películas que llegarán a la plataforma destaca la ópera prima del asturiano, Ditirambo (1969). Con el aroma del film noir confluyendo en su imaginario, Gonzalo Suárez dio el salto a la dirección asumiendo también el protagonismo ante la cámara junto a Charo López, quien comenzaba a hacer sus primeros pinitos en la gran pantalla. La película sigue a un detective envuelto en un intrigante caso que lo conducirá a un imprevisible final. Cuestionando los límites entre ficción y realidad, es considerada como una de las primeras cintas modernas en el panorama nacional. Un salto al vacío que abrió una vía alternativa del audiovisual de finales de los años sesenta y que reivindicaba la experimentación y libertad creativa.

Ditirambo se presentará en la plataforma en próximas fechas. Mientras tanto, desde este viernes, 20 de febrero, se podrá acceder a otro de los títulos esenciales del director, Aoom, ejemplo anticonvencional del afán de Suárez por desdibujar las fronteras entre géneros y su gusto por la improvisación —no había un guion previo—. A medio camino entre el humor absurdo, la ciencia ficción, el romanticismo y la tragedia, la película narra la historia de un actor que, hastiado de su existencia, decide abandonar su cuerpo e instalarse en el de una muñeca. Su amante iniciará entonces su búsqueda, acompañada por un grupo de personajes excéntricos que protagonizan situaciones desconcertantes y deliberadamente descontextualizadas para despertar la reacción del espectador. Filme maldito reconvertido con el tiempo en obra de culto, Aoom es también célebre por la fascinación que despertó en el cineasta Sam Peckinpah, marcando el inicio de una amistad que duraría hasta la muerte del estadounidense.

 

Morbo y Mi nombre es sombra

El mismo 20 de febrero se incorporarán también Morbo (1972) y Mi nombre es sombra (1996).  La primera construye un inquietante relato sobre la pulsión erótica y la violencia latente en unos recién casados que pasan la luna de miel aislados en un bosque que parece observarles. Protagonizada por Ana Belén y Víctor Manuel, la química entre ambos traspasó la pantalla y culminó en boda pocos meses tras el rodaje.

Por su parte, Mi nombre es sombra refleja la estrecha relación de Suárez con la literatura al revisitar el mito de Dr. Jekyll y Mr. Hyde desde una mirada personal. Más que una adaptación al uso, la película reformula el clásico para reflexionar sobre la identidad, la dualidad y los monstruos íntimos que habitan en cada individuo, confirmando la atracción del cineasta por la difusa y contradictoria línea que separa el bien y el mal.

Colección especial FlixOlé

Todas estas películas formarán parte de una colección especial dedicada al universo de Gonzalo Suárez, donde podrán encontrarse otros títulos esenciales de su trayectoria. Entre ellos, Epílogo (1984), una personal reflexión sobre el proceso creativo; Remando al viento(1988), una de las grandes obras maestras del cine español —Concha de Plata en el Festival de San Sebastián y ganadora de seis premios Goya—, que recrea el encuentro entre Mary Shelley (Lizzy McInnerny), Lord Byron (Hugh Grant) y otros poetas románticos en Villa Diodati, evento del que surgiría la criatura Frankenstein; y  El detective y la muerte (1994), singular revisión del cine negro en la que la trama se convierte en vehículo para reflexionar sobre el poder, la corrupción, el destino y la inexorabilidad de la muerte.

Con este especial, FlixOlé reivindica la figura de Gonzalo Suárez como uno de los grandes autores del cine español: un creador que ha hecho de la imaginación su territorio natural y de la libertad creativa su principio irrenunciable. 

Una historia de género, tráiler para «Rose» de Markus Schleinzer

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Estrenada estos días en el Festival de Berlín, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador austriaco Markus Schleinzer titulado Rose. El responsable de Michael (2011) y Angelo (2018) se sumerge en un drama de época sobre el poder y el patriarcado ubicado en la guerra de los Treinta Años.    

Rose nos sitúa a principios del siglo XVII, un misterioso soldado llega a un aislado pueblo protestante de Alemania afirmando ser el heredero de una granja abandonada. Aunque demuestra ser un buen hombre y se integra en la comunidad, las sospechas de los aldeanos sobre su identidad aumentan y obligan a un ajuste de cuentas.

La película con guion a cargo del propio Markus Schleinzer junto a Alexander Brom, esta protagonizada por Sandra Hüller, Caro Braun, Marisa Growaldt, Godehard Giese, Augustino Renken, Robert Gwisdek, Maria-Victoria Drăguș, Sven-Eric Bechtolf, Rainer Egger, Maurice Leonhard, Annalisa Hohl, Anne Klein y Bastian Trost.

Billy Wilder. Anatomía de un genio

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Billy Wilder ocupa un lugar de honor en el imaginario y la educación sentimental de los aficionados al cine de todo el mundo. Su talento y fantástica versatilidad le permitieron espantar cualquier etiqueta y aportar obras clave en géneros muy diversos: el cine negro (Perdición), la comedia (Con faldas y a lo loco), el drama (El crepúsculo de los dioses), el cine bélico (Berlín Occidente), el romántico (Sabrina), el de intriga (La vida privada de Sherlock Holmes), el de juicios (Testigo de cargo), el de periodistas (Primera plana) o esa clase de películas que carecen de género porque son como la vida (El apartamento).

Autor: Coordinado por Luis Alegre con textos de Jesús Angulo, Felipe Cabrerizo, Carlos Calvo, Quim Casas, Antón Castro, José Luis Castro de Paz, Nat Chediak, Elsa Fernández-Santos, Daniel Gascón, Mariano Gistaín, Carlos F. Heredero, Julieta Martialay, Marta Medina, Ana Merino, Oti Rodríguez Marchante y Manuel Vilas, Editorial: Donostia Kultura, Páginas: 233

Marion Cotillard protagoniza «La torre de hielo» de Lucile Hadzihalilovic, estreno en Filmin el 20 de febrero

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Filmin estrena la nueva película de Lucile Hadzihalilovic, una versión moderna y onírica del cuento popular «La reina de las nieves».

Filmin estrena el próximo 20 de febrero “La torre de hielo”, la nueva película de la directora francesa Lucile Hadzihalilovic (“Earwig”, “Evolution”), tras su paso por salas el pasado diciembre dentro del ciclo “Cine en los cines” de Filmin. La película fue la ganadora del Oso de Plata a la Contribución artística en el pasado Festival de Berlín y se llevó el premio Zabaltegi-Tabakalera a la mejor película en el Festival de San Sebastián. También fue seleccionada en el último Festival de Sitges.

Está protagonizada por la ganadora del Óscar Marion Cotillard, recordada por títulos como “La vida en rosa”, o “Medianoche en París”, y por la actriz revelación Clara Pacini. Es el cuarto largometraje de la directora y el segundo encuentro entre Hadzihalilovic y Cotillard, que en 2004 rodaron juntas “Inocencia”.

Años 70. Atraída por las luces de la ciudad, Jeanne huye de un orfanato situado en lo alto de las montañas. Se refugia en un estudio de cine que explora en secreto por las noches. Durante el día se rueda allí la película La reina de las nieves, protagonizada por la enigmática Cristina. Jeanne cae inmediatamente bajo el hechizo de la bella y atormentada estrella. Entre la actriz y la chica surge una fascinación mutua.

La reina de las nieves

“La torre de hielo” es una versión moderna y onírica del cuento popular «La reina de las nieves». Esta historia de Hans Christian Andersen de 1844 narra cómo un fragmento de espejo maligno congela el corazón de Kai, que es raptado por la gélida Reina de las nieves. Su amiga Gerda lo rescatará en un viaje lleno de pruebas. Hadzihalilovic descubrió a Hans Christian Andersen a los cinco años, cuando su madre le leía incansablemente las versiones íntegras de sus cuentos de hadas. Desde entonces, le siguen fascinando: «Tanto por su complejidad humana y su retrato sensible y no moralista de nuestros miedos y deseos, como por su rica imaginación poética”, comenta la directora. 

Entre paisajes nevados teñidos de una tenue luz azul y cálidos interiores, Hadzihalilovic difumina constantemente las fronteras entre realidad, ficción y fantasía, con imágenes que podrían pertenecer a ambos mundos, con la misma dualidad que tiene la reina de las nieves: “Me fascina particularmente una figura de perfección y de saber, inaccesible y misteriosa, a la vez atractiva y aterradora. Fue el encuentro entre la joven y esta reina lo que dio origen a esta película”.

Marion Cotillard, Gaspar Noé y Clara Pacini

El proyecto marca el reencuentro entre Marion Cotillard y Lucile Hadzihalilovic después de veinte años tras “Inocencia”. Cotillard recuerda que se volvieron a reencontrar en una fiesta, la directora le habló del proyecto y se emocionó mucho: “Me encanta trabajar con gente con la que ya trabajé”, comenta la actriz. En esta ocasión, Cotillard comparte escena con la actriz debutante Clara Pacini y también con Gaspar Noé, quien interpreta a un director de cine en el set de los años setenta, un personaje que evoca a los grandes maestros obsesivos de la historia del cine.

Primer tráiler para «Rose of Nevada» de Mark Jenkin

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El mar y las leyendas mitológicas suelen ser unas constantes en la filmografía del cineasta independiente británico Mark Jenkin, tras sus notables Bait (2019) y Enys Men (2022) es turno para Rose of Nevada, película cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. El film, una historia de pescadores y fantasmagoría, tras su estreno mundial en el pasado Festival de Venecia dentro de la sección Orizzonti estará presente en el D’A del próximo mes de marzo.  

En Rose of Nevada vemos como en un olvidado pueblo pesquero, un barco aparece misteriosamente en el viejo puerto. La Rosa de Nevada, perdida en el mar con todos sus tripulantes hace 30 años, ha regresado. Para los pocos que lo recuerdan, es una señal: La Rosa de Nevada debe volver a hacerse a la mar: quizá entonces cambie la suerte del devastado pueblo. Nick acepta un trabajo a bordo del barco en un intento de mantener a su joven familia. Junto a él, el recién llegado Liam se une a la tripulación, desesperado por escapar de su pasado. Se hacen a la mar y, tras un exitoso viaje, regresan a puerto. Pero algo va mal. Han retrocedido en el tiempo y los aldeanos les reciben como si fueran la tripulación original.

La película, con guion a cargo del propio Mark Jenkin, está protagonizada por George MacKay, Callum Turner, Francis Magee, Edward Rowe, Rosalind Eleazar, Mary Woodvine y Adrian Rawlins.

Proyecciones Xcèntric: Arte contra el totalitarismo: el cine de Stefan y Franciszka Themerson

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Europa (Franciszka y Stefan Themerson, 1931)

Esta sesión celebra dos figuras esenciales de la vanguardia europea del siglo xx: Stefan y Franciszka Themerson, pioneros del cine experimental en la Polonia de entreguerras

Antes de que el fascismo arrasara Europa, los Themerson ya advertían, con imágenes radicales y poesía visual, la amenaza inminente de los autoritarismos que se cernían sobre el continente. Su obra más emblemática, Europa (1932), basada en el poema futurista homónimo de Anatol Stern, condensa las tensiones políticas, sociales y existenciales de su tiempo. Collage, animación, sobreimpresiones, escritura visual: cada técnica es convocada al servicio de un mensaje claro y urgente, antibélico, antitotalitario, visceral. Cine como grito. Cine como antídoto.

En la Varsovia de los años treinta, realizaron cinco cortometrajes experimentales: Pharmacy, Europa, Moment Musical, Short Circuit y The Adventures of a Good Citizen (1937), el último de los cuales fue el único film anterior a la guerra que sobrevivió a la devastación. Ya en Londres, durante la década de 1940, filmaron dos obras más: Calling Mr. Smith (1943), una pieza antibélica de diez minutos que denuncia la destrucción de la cultura polaca bajo el nazismo, y The Eye and the Ear (1944-45), una interpretación visual de cuatro canciones de Karol Szymanowski.

Su lenguaje cinematográfico se sustentaba en una investigación material rigurosa: el movimiento de luces y sombras sobre objetos, exploraciones nacidas de sus trabajos con fotogramas entre 1928 y 1935. Muchas de las imágenes fueron creadas sobre una mesa de trucos improvisada por Stefan: colocaba objetos diversos sobre papel translúcido, iluminados desde arriba y fotografiados cuadro a cuadro desde abajo, en una coreografía artesanal entre el azar y el cálculo.

La historia de los Themerson se fractura con la invasión nazi de Polonia en 1939. Los negativos originales de Europa se pierden entre bombardeos y saqueos. Él es reclutado por el ejército polaco en el exilio; ella encuentra en el dibujo y la ilustración un refugio íntimo y una forma de resistencia estética. Reunidos en Londres, reinventan su obra y su vida. El trauma del exilio dejó huellas profundas, pero nunca apagó su impulso creativo.

Durante décadas, Europa fue considerada una obra perdida. Hasta que, en 2019, un milagro de archivo la devolvió al mundo: una copia fue hallada en la Bundesarchiv alemana por el Instituto Pilecki. Restaurada por Fixafilm en Varsovia y con una nueva banda sonora compuesta por Lodewijk Muns, Europa regresa no solo como documento histórico, sino como gesto de supervivencia. Hoy, su visión cobra una potencia renovada. En sus formas fragmentadas, en sus cuerpos en negativo, no vemos solo una alerta contra los fascismos del pasado, sino una advertencia urgente para los presentes que habitamos.

Franciszka y Stefan Themerson: Europa, 1931, 35 mm, 12 min; The Adventures of a Good Citizen, 1937, 35 mm, 9 min; Calling Mr. Smith, 1943, 35 mm, 10 min; The Eye and the Ear, 1944, 35 mm, 10 min; Stefan + Franciszka, Tomasz Pobóg-Malinowski, 1974-75, 8 mm, 18 min.

Proyección en digital.

Copias procedentes de Lux, excepto Stefan + Franciszka, procedente de GV Art London.

Fecha: 19 febrero 2026

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

El sonido del terror, tráiler para «The Undertone» de Ian Tuason

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Acaba de ser presentado en sociedad de la mano de A24 el tráiler final, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de la cinta de terror titulada The Undertone. Debut en el largometraje de Ian Tuason, que tras su estreno mundial el pasado año en el Fantasia Film Festival se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 13 de marzo de 2026.    

En The Undertone vemos como la presentadora de un podcast sobre cosas espeluznantes se muda a casa de su madre moribunda para cuidar de ella. Cuando recibe grabaciones de audio de una joven pareja embarazada que experimenta ruidos paranormales, se da cuenta de que la historia de la mujer refleja la suya propia. Cada nueva grabación va minando su cordura, arrastrándola a un destino del que no puede escapar.

La película, con guion a cargo del propio Ian Tuason, está protagonizada por Nina Kiri, Kris Holden-Ried, Michèle Duquet, Keana Lyn Bastidas, Sarah Beaudin, Brian Quintero, Ryan Turner y Jeff Yung.

Primer avance del D’A 2026

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Entre los primeros títulos de la programación, algunas de las películas más destacadas del año, obras de directores imprescindibles, pero también de nuevos cineastas emergentes que han destacado en el panorama internacional con nombres esenciales como los de Werner Herzog, Claire Denis, Alexandre Koberidze, Hlynur Pálmason o Milagros Mumenthaler. Doce films de estreno catalán que presentan un panorama del cine más innovador, arriesgado y puntero del momento, ofreciendo una pluralidad de temáticas y miradas, que dan cuenta del estado del cine de autor de ahora mismo y del que mira hacia el futuro. Este es un pequeño avance de lo que está por venir en la 16.ª edición del D’A – Festival de Cinema de Barcelona.

Barrio triste es el impactante debut del colombiano Stillz, el jovencísimo director de videoclips de Rosalía o Bad Bunny, en uno de los films más libres y extremos del año, producido por Harmony Korine y con banda sonora de Arca.

El veterano director Werner Herzog se embarca en Ghost Elephants en otra de sus aventuras, que esta vez le lleva al encuentro de los misteriosos elefantes fantasmas de Angola. Sueños imposibles, reflexiones vitales e imágenes extraordinarias en un documental estrenado en la Biennale de Venecia 2025.

Hlynur Pálmason estará presente por partida doble en el D’A – Festival de Cinema de Barcelona, donde ganó el premio Talents en el año 2020 con Un blanco, blanco día. En Juana de Arco (Joan of Arc) el director filma a sus propios hijos en un film lúdico sobre el paso del tiempo, mientras que en El amor que permanece (The Love That Remains) sigue a una pareja con tres hijos a lo largo de todo un año en el que el matrimonio se deshace.

El director georgiano Alexandre Koberidze, uno de los jóvenes directores más destacados del cine europeo, regresa después de su sobresaliente ¿Qué vemos cuando miramos al cielo?. Presentará en el festival Dry Leaf, un film magistral sobre el tiempo, la memoria y los vínculos humanos. Mención especial del Jurado del Festival de Locarno.

El sonido de la caída (The Sound of Falling) de Mascha Schilinski es una de las películas más esperadas del año, después de ganar el Premio del Jurado en Cannes 2025 (ex aequo con Sirât). Un calidoscopio fascinante y fantasmagórico sobre la memoria y sus mecanismos.

También muy esperado es el film Las corrientes, el retorno de la directora argentina Milagros Mumenthaler (La idea de un lago), con un contundente retrato de una mujer a la deriva, que causó sensación en el Festival de San Sebastián 2025, donde ganó el Premio RTVE Otra Mirada.

La gran Claire Denis, una de las referentes del D’A, que le dedicó una retrospectiva en la primera edición, se adentra en Le Cri des gardes (The Fence) en los rincones más oscuros del neocolonialismo con un thriller gélido, protagonizado por Matt Dillon y Tom Blyth (Benediction). Con la banda sonora de Tindersticks.

Mark Jenkin es uno de los directores más originales del cine inglés, convertido en autor de culto después de Enys Men, un film de terror psicológico que pasó por Sitges. En Rose of Nevada sigue cautivando con una combinación imposible entre ciencia ficción existencial y etnografía marina. Protagonizan George MacKay (Capitán Fantástico) y Callum Turner (Emma).

Por último, dos films que han triunfado en los festivales internacionales. Two Seasons, Two Strangers de Shô Miyake, ganadora del Leopardo de Oro en Locarno 2025. Un díptico poético y melancólico que sitúa a su autor en la senda de Ryûsuke Hamaguchi o del metacine de Hong Sangsoo.

Y finalmente, Un mundo frágil y maravilloso (A Sad and Beautiful World) del director libanés Cyril Aris, una obra mayor que ha ganado más de una quincena de galardones incluyendo el premio del público en Venecia y Valladolid. Una película atravesada por la guerra, en la que una pareja se ve obligada a decidir si quedarse en el país y formar una familia en ese contexto u optar por el exilio.

«Sueños en Oslo», el último Oso de Oro en Berlín, se estrena en Filmin el 13 de febrero

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La nueva película de Dag Johan Haugerud, que cierra su «Trilogía de Oslo», explora el impacto transformador del primer amor a través de tres generaciones de mujeres.

Filmin estrenará «Sueños en Oslo» el próximo 13 de febrero después de haberse alzado con el Oso de Oro a la mejor película en la última edición del Festival de Berlín (que precisamente inaugura este 12 de febrero su 76ª edición) y el Premio FIPRESCI de la competición.

Dirigida por Dag Johan Haugerud («Cuidado con los niños»), la película cierra la trilogía conocida internacionalmente con el nombre «Sex Love Dreams» y que en España recibe el nombre de «Trilogía de Oslo». Se trata de tres historias sutilmente interconectadas, pero autoconclusivas e independientes entre sí, que exploran la sexualidad, el amor y la libertad.

Protagonizada por Ella Øverbye, Selome Emnetu y Ane Dahl Torp, junto a Anne Marit Jacobsen, la cinta ha sido galardonada con el premio a la mejor película en el Queercinemad.

Johanne, una joven de 17 años se enamora por primera vez. Lo hace de su profesora, mucho mayor que ella, y decide conservar sus sentimientos plasmándolos en escritos íntimos que guarda en su ordenador. Cuando su madre y su abuela descubren estas revelaciones, inicialmente se escandalizan, pero pronto aprecian su potencial literario. Mientras debaten si publicarlas, las tres mujeres afrontan sus distintos puntos de vista sobre el amor, la sexualidad y el autodescubrimiento.

La intensidad del primer amor: entre la euforia y el secreto

Dag Johan Haugerud describe el primer amor como “una experiencia transformadora que lo cambia todo; es intenso, absorbente y decisivo”. En «Sueños en Oslo», esa fuerza desbordante se manifiesta cuando Johanne siente por primera vez una atracción irresistible hacia su profesora de francés: “Es una euforia imparable que arrolla la mente”, explica el director, “pero choca con la disponibilidad física de una joven que aún se está descubriendo a sí misma”. Esa tensión genera un conflicto entre el impulso mental y la vivencia corporal, un desfase que puede resultar confuso e incluso traumático.​​

Según Haugerud, “la belleza y el dolor de ese primer enamoramiento quedan grabados como un acontecimiento inolvidable, una tenue melodía que todas las pasiones posteriores intentan igualar”. En la película, esas notas íntimas de su diario, guardadas en su ordenador, abren una grieta en la cotidianeidad familiar: madre y abuela leen las confesiones y se sorprenden ante el potencial literario que esconden. A través de ese choque generacional, la película explora cómo el relato de un primer crush puede desencadenar una cadena de recuerdos, deseos y cuestionamientos que trascienden el tiempo y la edad.

Tres generaciones ante el deseo

El director subraya que el descubrimiento del primer amor despierta también “un anhelo reconocible” en las mujeres de su familia: “La madre y la abuela, al leer las vivencias de Johanne, reevalúan algunas de las decisiones sobre sexo y amor que ellas mismas tomaron a lo largo de la vida”. Para el director, “cada una de estas mujeres aporta su propio bagaje de experiencias, opiniones y contradicciones en torno al deseo, la libertad, el empoderamiento y la responsabilidad, que se redefinen al compartir sus puntos de vista”.​

Haugerud profundiza aún más: “Cuando la abuela lee el manuscrito, revive sus años hippies y recuerda que la pasión no está limitada a los impulsos físicos, sino que busca también una trascendencia espiritual. Su perspectiva, irreverente y sincera, choca y dialoga con la visión más protectora y normativa de la madre, que cuestiona la conveniencia de publicar unas memorias tan íntimas”. Así, «Sueños en Oslo» confronta tres generaciones —adolescente, madre y abuela— y traza un fresco sobre cómo la memoria y la experiencia moldean nuestra comprensión del amor y la responsabilidad a través del tiempo.

La «Trilogía de Oslo» en Filmin

La trilogía de Dag Johan Haugerud (Noruega, 1964), conocida internacionalmente como «Sex Love Dreams» está íntegramente distribuida en España por Filmin: «Sexo en Oslo», estrenada en cines el 25 de octubre de 2024 y ya disponible en la plataforma; «Amor en Oslo», que llegó directamente a Filmin el 14 de noviembre de 2025; y «Sueños en Oslo«, que se estrenó en cines el 21 de noviembre de 2025 y estará disponible en la plataforma a partir del 13 de febrero de 2026. Filmin descubrió a Haugerud al público español con «Cuidado con los niños», su segundo largometraje, presentado en el Atlàntida Mallorca Film Fest 2020 y distribuido por la plataforma. Fue la primera película del director que se estrenó en nuestro país.

Diálogos con lo fantástico en el policial latinoamericano

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El género fantástico y el policial se consolidan paralelamente en la segunda mitad del siglo XIX, primero en Europa y muy pronto en Latinoamérica, estimulados por el auge de la prensa y de disciplinas como la biología, la psicología, la sociología o la ciencia forense. Este es el primer volumen dedicado específicamente a analizar la incorporación de lo fantástico en el policial latinoamericano, en sus distintos medios y formatos. A partir del estudio de casos concretos, especialistas de distintos países –entre los cuales, junto a profesores de universidades europeas, estadounidenses y latinoamericanas, se encuentra Pablo de Santis, uno de los más importantes escritores y guionistas de historietas del género policiaco en Argentina– sacan a la luz el enorme potencial semántico y subversivo de este fértil entrecruzamiento de géneros. Construido a partir tanto de la tradición occidental globalizada como de distintos imaginarios (pos)populares, basados habitualmente en tradiciones locales o regionales de raíces indígenas, su finalidad última es a menudo ofrecer una mirada crítica a la realidad social, política o económica circundante.

Autores

Sabine Schmitz es catedrática de Literatura y Cultura Románicas en la Universität Paderborn (Alemania). Entre sus especialidades se encuentran la literatura y el cómic de género negro o policial y las culturas (pos)populares en América Latina. Daniel A. Verdú Schumann es profesor titular de Historia del Arte en la Universidad Carlos III de Madrid (España). Ha publicado numerosos trabajos sobre cine latinoamericano y español, especialmente en relación con los géneros fílmicos y las cuestiones identitarias. Dante Barrientos Tecún es professeur des universités en la Aix-Marseille Université (Francia) y director adjunto del Centre Aixois d’Études Romanes (CAER). Trabaja sobre el género negro y la no ficción, así como sobre poesía, narrativa y teatro centro y latinoamericanos.

Autor: Sabine Schmitz, Daniel A. Verdú Schumann, Dante Barrientos Tecún. Editorial: Ediciones de Iberoamericana, Páginas: 331

Crónica Festival de Sitges 2025 (III)

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Panorama

La tercera y última crónica se centra en las secciones paralelas del festival, comenzando por Panorama, una muestra alternativa que reúne una ingente cantidad de títulos cuya problemática radica en intentar clasificarlos de manera coherente, debido a su carácter ecléctico y a la imposibilidad de encuadrar todos esos títulos en la misma categoría, pero, al mismo tiempo, posiblemente sea la sección que mejor refleje la naturaleza poliédrica del certamen.

Shelby Oaks

La sección Panorama fue concebida con la intención de reunir una serie de títulos que, por logística, no tenían espacio en la Sección Oficial. Con el propósito de ofrecer un tipo de cine independiente más orientado al fantástico, la sección cumple con relativa solvencia el cometido de detectar virtudes y deficiencias en las propuestas, carencias detectadas en Shelby Oaks, debut en el largometraje del youtuber Chris Stuckmann que pone de manifiesto la supuesta validez de fórmulas y determinadas campañas mediáticas destinadas a embaucar al fandom. A tal respecto, ni la producción ejecutiva de Mike Flanagan ni la distribución de la cada vez más poderosa NEON legitiman como sello de garantía la indigesta mezcla de formatos, mockumentary, found footage y ficción de una película de nulo pulso visual y atropellada narrativa. En tal sentido, no deja de ser sintomático que su estreno mundial ocurriera hace más de un año en el Fantasia-fest, sufriendo posteriores remontajes y añadidos. La sensación final es la de estar ante una autoría perteneciente a ese grupo de noveles realizadores cuyos conocimientos del cine de terror contemporáneo (las referencias a films como The Blair Witch Project (1999), Session 9 (2001) o Lake Mungo (2008) son evidentes) se limitan a la parte teórica, muy distanciados de una parte práctica consistente.   

Bagworm

Más comprensible es el apadrinamiento del debutante Peter Cilella por parte de Aaron Moorhead y Justin Benson. Descendent muestra la deriva mental de un personaje cuyo mundo se desmorona tras sufrir una aparente abducción extraterrestre. Aplicado ejercicio de tensión psicológica cuyas visiones e hipnosis regresivas quedan, sin embargo, suspendidas en una irresolución genérica donde la noción de ambigüedad se enfoca principalmente en la ciencia ficción costumbrista, adoptando un tono terapéutico sobre la exploración de traumas e inseguridades, intensificadas gradualmente mediante elementos alucinatorios, así como una curiosa reflexión sobre qué significa ser hombre en la América contemporánea, idea muy presente en Take Shelter (2011), Esto difiere de la indagación del fenómeno paranoico provocado por un elemento fantástico donde las referencias más evidentes serían Communion (1989) o Fire in the Sky (1993). Más arriesgada a nivel conceptual resulta la interesante Bagworm del también debutante Oliver Bernsen, que versa sobre un trastorno y un malestar de naturaleza bien distinta. Se trata de una historia sobre un misántropo que, conforme avanza la trama, va cayendo en una espiral de decadencia moral y física. La excusa alegórica, derivativa de lo weird con relación al doble significado del concepto parasitario, surge a causa del avance de una infección ocasionada al pisar accidentalmente un clavo oxidado. Se agradece que, en esta ocasión, el relato sobre la figura del perdedor se aleje de preceptos redentores y vaya más encaminado hacia una serie de coordenadas de humor cínico próximas a lo underground y que afronte con osadía una desquiciada parte final que nos remite de forma perversa a Fear and Loathing in Las Vegas (1998).  

Rabbit Trap

Desde una vertiente más autoral, Rabbit Trap recurre a la fábula fantástica para reflexionar sobre un trauma soterrado. El film relata la historia de un matrimonio que se instala en una casa de campo para encontrar la inspiración en sus proyectos creativos; la aparición de un misterioso niño, sutil alegoría del deseo de la pareja por tener un hijo, servirá como punto de inflexión para que la historia transite a través de un horror acústico y por simbologías adyacentes al folk horror. La ópera prima de Bryn Chainey vendría a ser ese tipo de aplicado ejercicio de estilo instalado en la abstracción de un subtexto provisto de conexiones simbólicas entre el sonido y la tierra, demonios, hadas o conejos, artilugios genéricos solo comprensibles desde la lógica de una fábula que intenta explorar la podredumbre interna de sus personajes.

Dollhouse

Después de un tiempo sin apenas aportaciones, dos películas marcaron un divertido regreso a coordenadas del terror nipón contemporáneo: por una parte, Dollhouse de Shinobu Yaguchi recurre a la mitología de la muñeca maldita para jugar, desde un posicionamiento autoparódico, con una serie de convenciones y expectativas ya conocidas por el fan. Una película afiliada en espíritu a ese gran contenedor perteneciente a los estertores del J-Horror que, tras años de sequía, convierte su visionado en una experiencia relativamente disfrutable. Más austera en recursos, The Curse de Kenichi Ugana también fija su mirada en conceptos pretéritos mediante numerosos clichés asociados a las redes sociales; en este caso, Instagram como escenario donde las mentiras alimentan la inseguridad y la baja autoestima, sustituyendo las cintas de video de Ringu (1998) o la telefonía móvil de One Missed Call (2003), como nueva vía de canalización de una maldición. Aderezada con curiosos apuntes sobre el folklore taiwanés, la película termina siendo deudora de un autoconsciente tono caricaturesco demasiado cercano a andamiajes propios de un producto de índole amateur. Una revisión más amable fue la coproducción entre Indonesia y Singapur Monster Island, film que nos sitúa en el Pacífico en 1942, donde un soldado japonés y un prisionero de guerra británico, náufragos en una isla desierta, serán perseguidos por una criatura. Película con texturas de relato Pulp de aventuras con monstruo, temática trasladada a la gran pantalla de forma prolífica en la serie B norteamericana de los años 40 y 50 que fue evolucionando hacia propuestas tan diversas como L’isola degli uomini pesce (1979), Enemy Mine (1985) o Predator (1987). El posicionamiento de Mike Wiluan resulta evidente en este sentido: ofrecer una película que parte de la premisa de aceptar todo lo bueno y malo que hay en ella, intención legitimada por una marcada ausencia de trascendencia en la historia y también por negarse a recurrir a usar efectos digitales en el diseño de la criatura.   

Marama

Algo más difusa a la hora de desarrollar determinadas coordenadas genéricas, la cinta neozelandesa Marama se atisba como una incursión en el gótico muy poco afortunada, concepto ligado a espacios recónditos, opulentos y decadentes donde los oscuros secretos familiares generan la presencia de elementos sobrenaturales; trasladados a la cultura maorí y los horrores que sufrió dicho pueblo a manos de sus colonizadores. En tal sentido, en la película de Toa Stappard se observa una afiliación más próxima al discurso político que al género fantástico, donde simbolismos góticos utilizados de manera reiterativa se transforman en el acto final en la antítesis de lo sugerido previamente: el subgénero del rape & revenge. De carácter más anecdótico, Delivery Run del finlandés Joey Palmroos forma parte de ese inmenso grupo de películas cuyo principal referente es Duel (1971) y la temática del serial killer al volante. En esta ocasión, la acción se ubica en la gélida y deshabitada Minnesota, donde surgirá el enfrentamiento entre un joven repartidor de comida rápida y un conductor homicida de una máquina quitanieves. Película irrelevante de escasa inventiva, resulta fallida por más que el autor recurra, ante la falta de rigor y lógica en la historia, a estereotipos humorísticos de naturaleza chabacana.

Sitges Collection, el género como cajón de sastre

Primate

Casi a modo de una liberación catártica, uno de los divertimentos más estimulantes vistos en Sitges vino de la mano de Primate, film que pone de manifiesto la necesidad de volver a articular planteamientos que incidan en un terror simplificado, centrado en la esencia del fantástico como concepto equidistante de agendas y discursivas de diversa índole. Partiendo de la premisa del simio homicida, la cinta de Johannes Roberts apuesta por un componente más lúdico (amparado en el terror visceral y el humor negro) que el de sus referentes, Link (1986), Monkey Shines (1988) y, en especial, Cujo (1983), para situarse en un espacio y narrativa minimalistas donde los protagonistas sufren el acoso de su mascota. El terror prevalece sobre una trama que se desmorona cuanto más se piensa en ella; como virtud añadida e inusual hoy en día, cabe mencionar su querencia a la serie B gracias a una deliberada exageración de clichés a través de estándares alejados de la precariedad, dirección artística impecable y producción a cargo de Paramount Pictures. En Vieja loca también existe la intención de articular conceptos cinematográficos del pasado; por un lado, sus referencias al terror clásico: caserón siniestro, tormenta nocturna y entornos claustrofóbicos y, por otro, su afiliación al hagsploitation, subgénero consistente en reciclar a veteranas actrices hollywoodienses en el ámbito del cine de terror, práctica habitual en el medio catódico norteamericano de los 70 y 80, cuyo mejor ejemplo llevado al cine posiblemente sea What Ever Happened to Baby Jane? (1962). Con Carmen Maura como homicida anciana con demencia senil, la película de Martín Mauregui, que también evoca desde la distancia a Misery (1990) transita por  un disfrutable terror geriátrico con inclinación al grand guignol, premisa que, alejada de dichas tonalidades grotescas, parece quedarse sin espacio al intentar expandir narrativas soterradas, como las referentes a oscuros abismos generacionales, la difusa percepción de la realidad o el acto de exorcizar un pasado violento.                                    

L’homme qui rétrécit

La francesa L’homme qui rétrécit tampoco parece complicarse en exceso en el cometido de adaptar a la actualidad tanto la novela de Richard Matheson como la magnífica adaptación al cine rodada por Jack Arnold, The Incredible Shrinking Man (1957). En ese sentido, y dentro de ese pantanoso terreno de la comparativa, la película de Jan Kounen sale airosa de su tentativa de tener una voz propia sin apenas alterar el material original, reverenciando la mitología cinematográfica de su predecesora y conservando conceptos primigenios del texto de Richard Matheson, destacando la reflexión y periplo del hombre corriente abocado a replantearse su relación con un nuevo espacio en el que tendrá que subsistir. El subgénero de vampiros enmarcado en un contexto contemporáneo ha sido durante mucho tiempo un marco recurrente a la hora de exponer dialécticas alegóricas. De una lista interminable sobresalen fascinantes acercamientos de índole filosófica como The Addiction (1995) u Only Lovers Left Alive (2013), o propuestas en cuyo andamiaje lúdico subyace un trasfondo de crítica social, por ejemplo, Vampire’s Kiss (1989). A tal respecto, Night Patrol de Ryan Prows rehúsa examinar problemáticas del presente, y no porque el escenario político no se preste a ello. Película que toma como principales referentes a From Dusk Till Dawn (1996) y Sinners (2025), por aquello de intentar sorprender al espectador con una hibridación genérica: un relato policial, seco e hiperrealista que en su segundo acto deviene una historia de vampiros plagado de sangre falsa. El film adolece de una caótica narrativa incapaz de desarrollar cualquier tipo de paradoja vinculada a su naturaleza Pulp, una propuesta que, por muy distendida que sea, requiere de un ejercicio mínimo de sentido y coherencia. Por otra parte, The Long Walk, película encargada de clausurar Sitges 2025, se sitúa en ese subgénero propio de adaptaciones de la obra de Stephen King llevadas al cine. Relato distópico sobre sociedades y regímenes totalitarios donde prevalecen las purgas a modo de recordatorio de su sometimiento. Partiendo de una inusual austeridad visual, el film de Francis Lawrence tiene la virtud de reinterpretar el explícito y contestatario material original evitando los estereotipos y remitiendo la representación física de la prueba, el juego de supervivencia, a un segundo plano, con respecto a una exploración de la palabra, más sutil e interesante, sobre la derrota moral y el miedo desde un prisma humanista. Posicionamiento que, pese a la reiteración de ciertos mecanismos narrativos, sitúa a The Long Walk como una atípica propuesta dentro del actual mainstream estadounidense.  

Seven Chances/Clásicos, la mirada pretérita

Lo spettro

Fiel a la naturaleza actual del certamen, eludiendo el concepto de retrospectiva entendida como tal, los clásicos en Sitges tuvieron una presencia tan cuantiosa como dispersa, incluso a propósito de títulos proyectados con motivo del leitmotiv de esta edición. Así, una sección como Seven Chances, obligada a evolucionar con el paso de los años a un espacio destinado a la recuperación de películas restauradas, presentó de la mano de Severin Films Lo spettro de Riccardo Freda, joya del gótico italiano y secuela conceptual de la anterior L’orribile segreto del Dr. Hichcock (1962). Un relato de naturaleza misántropa, más cercano al misterio y a tramas de terror cruel propias de las ficciones de los EC Comics que a una historia de componente fantasmagórico que pone de manifiesto la virtud estilista de Riccardo Freda como autor esencial dentro del fantástico italiano. Por otro lado, The Outcasts, presente en el festival en la edición de 1984, supone una espléndida ocasión para recuperar un folk horror de tono inmersivo que evoca desde la distancia los primeros trabajos de Peter Weir a través de una historia que se desarrolla en la Irlanda del siglo XIX anterior a la hambruna a modo de inhóspito escenario de confrontación entre el realismo rural de extremada dureza y la fábula sobrenatural. Elemento este último que en la película de Robert Wynne-Simmons presenta curiosas concomitancias con la idea del paganismo y su arquetípica representación dentro del subgénero.

Angel’s Egg

La copia restaurada en 4K de Jigoku del maestro Nobuo Nakagawa supuso una nueva oportunidad para poder disfrutar en pantalla grande de una obra que nos muestra cómo el terror clásico en Japón también fue creado gracias a la experimentación. Su descripción del infierno budista muestra el tormento en el averno a modo de reflexión sobre el pecado, al inicio, remitiéndonos a un melodrama onírico con reminiscencias al noir para finalizar como espectáculo visceral y grotesco inédito en aquella época. Como colofón a esta crónica, otra lujosa restauración correspondió a la obra resultante de la unión creativa de Mamoru Oshii y Yoshitaka Amano: Angel’s Egg, una indiscutible película de culto, estatus en gran parte mitificado por la inaccesibilidad de una historia que funciona mejor como una ensoñación que como narrativa realista convencional. Obra maldita, devenida en referente de la animación con el paso del tiempo, que extrapola su fascinación por los temas e imágenes bíblicas, en especial, el Génesis y el Apocalipsis, al mismo tiempo, supone una lúcida reflexión mediante imágenes de una inconfundible belleza etérea sobre la realidad y los peligros de la fe ciega en un mundo moribundo, también sobre ciertas dinámicas que son el origen de gran parte de la existencia, aunque posiblemente la verdadera mística de la película resida en comprobar que cualquier otra interpretación la película seguiría conservando su potencia e impacto. Cuatro décadas después de su gestación, su proyección el último día del certamen en la gran pantalla del Auditori fue algo parecido a volver a rescatar en óptimas condiciones una pieza perdida de la historia del cine. Es inconcebible imaginar un final mejor para esta edición del festival.

Palmarés

Sección oficial fantàstic a competición

Mejor Película de la SOFC
‘La hermanastra fea’ de Emilie Blichfeldt

Premio Especial del Jurado de la Sección Oficial Fantàstic (ex aequo)
‘The Furious’ de Kenji Tanigaki
‘Obsession’ de Curry Barker

Mejor Dirección de la SOFC
Park Chan-wook por ‘No Other Choice’

Mejor Interpretación Femenina de la SOFC
Rose Byrne por ‘Si pudiera, te daría una patada’

Mejor Interpretación Masculina de la SOFC
El reparto masculino de ‘The Plague’

Mejor Guion de la SOFC
‘Un fantasma útil’ de Ratchapoom Boonbunchachoke

Mejor Fotografía de la SOFC
Diego Tenorio por ‘La virgen de la tosquera’

Mejor Música de la SOFC
Yasutaka Nakata & Shouhei Amimori por ‘Exit 8’

Mejores Efectos Especiales, Visuales o de Maquillaje de la SOFC
Tenille Shockey & François Dagenais por ‘Honey Bunch’

Noves Visions

Mejor Película de la sección Noves Visions (ex aequo)
‘Lesbian Space Princess’ de Emma Hough Hobbs & Leela Varghese
‘The True Beauty of Being Bitten by a Tick’ de Pete Ohs

Mejor Dirección de la sección Noves Visions (ex aequo)
Adam C. Briggs & Sam Dixon por ‘A Grand Mockery’
Toshiaki Toyoda por ‘Transcending Dimensions’

Mejor Corto Noves Visions Petit Format
‘Monstruo Obscura’ de Hong Seung-gi

Blood Window

Premio Blood Window a la Mejor Película
‘No dejes a los niños solos’ de Emilio Portes

Òrbita

Mejor Película de la Sección Òrbita
‘The Forbidden City’ de Gabriele Mainetti

Méliès de Oro

Mejor Película de Género Fantástico
‘Mr. K’ de Tallulah Hazekamp Schwab

Mejor Cortometraje de Género Fantástico
‘Don’t Be Afraid’ de Mats Udd

Méliès de Plata

Mejor Película de Género Fantástico
‘Feels Like Home’ de Gábor Holtai

Mejor Corto Europeo de Género Fantástico
‘El fantasma de la Quinta’ de James A. Castillo

Anima’t

Mejor Largometraje de Animación
‘Lesbian Space Princess’ de Emma Hough Hobbs & Leela Varghese

Mejor Cortometraje de Animación
‘Luz diabla’ de Gerva Canda, Paula Boffo & Patricio Plaza

Premios Brigadoon

Mejor Corto Brigadoon Paul Naschy
‘Floor’ de Jo Bareun

Jurado de la crítica

Premio de la Crítica José Luis Guarner a la Mejor Película SOFC (ex aequo)
‘La vida de Chuck’ de Mike Flanagan
‘Reflection in a Dead Diamond’ de Hélène Cattet & Bruno Forzani

Premio Citizen Kane para el Mejor Director Revelación
Ratchapoom Boonbunchachoke por ‘Un fantasma útil’

Mejor Cortometraje de la SOFC
‘The Man That I Wave At’ de Ben S. Hyland

‘La fábula cinematográfica’: Cineteca Madrid convierte el cine en una máquina de pensar

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Tres cartas blancas a Marta Sanz, José Luis Pardo y Ernesto Castro sirven para pensar el cine desde la filosofía contemporánea

Una retrospectiva integral de José Luis Guerin, uno de los grandes ensayistas del cine europeo, explora la frontera entre documental y ficción

Autores como Kiyoshi Kurosawa o Toshiharu Ikeda protagonizan el ciclo dedicado a la mítica Director’s Company japonesa y al cine radical de los años 80

Ilusionismo y cine dialogan en colaboración con el Festival Internacional de Magia de Madrid

Cinezeta propone un febrero antirromántico y pasional, lejos de los relatos normativos

Sesión especial en homenaje a José Luis Cienfuegos, figura clave de la cinefilia española

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, propone en febrero una programación que concibe el cine como un espacio de pensamiento, fabulación y diálogo con las grandes preguntas que atraviesan la experiencia humana. Bajo el título ‘La fábula cinematográfica’, la programación de este mes explora la capacidad de las imágenes para generar ideas, cuestionar certezas y abrir grietas en nuestra manera de entender la felicidad, el deseo, la identidad o la verdad. A través de cartas blancas a pensadores contemporáneos, retrospectivas de autores fundamentales, ciclos internacionales y propuestas que cruzan cine, magia y filosofía, la programación articula un mapa donde ficción y reflexión se entrelazan, reivindicando el cine como una herramienta crítica, sensible y profundamente viva.

‘La fábula cinematográfica’. Cine y pensamiento en diálogo

Desde sus orígenes, el cine ha funcionado como una forma privilegiada de pensamiento. ‘La fábula cinematográfica’ propone un diálogo explícito entre cine y filosofía, reuniendo películas que piensan el mundo a la vez que lo narran. A través de una programación que combina ficción y documental, cine clásico y moderno, comedia y ensayo, Cineteca Madrid se convierte, del 3 al 20 de febrero, en un lugar de encuentro entre imágenes y pensamiento crítico.

En esta edición, el programa se articula en torno a tres cartas blancas concedidas a Marta Sanz, José Luis Pardo y Ernesto Castro, tres voces fundamentales del pensamiento contemporáneo español, que proponen recorridos personales y conceptuales por la historia del cine. Sus selecciones activan preguntas sobre la infancia, la felicidad, la verdad, la naturaleza de las imágenes o los límites entre lo natural y lo artificial, confirmando al cine como una auténtica máquina de pensar.

·       Carta blanca a Marta Sanz: una niña atrapada en una gota de ámbar

¿Es el amor por el cine una persistencia de la infancia? A partir de esta pregunta, la escritora Marta Sanz propone un recorrido por cuatro películas que exploran la intimidad, la memoria, el cuerpo y la vulnerabilidad desde miradas muy distintas. Desde el clasicismo afilado de Eva al desnudo (Joseph L. Mankiewicz, EEUU, 1950) hasta la fisicidad contemporánea de Creatura (Elena Martín Gimeno, España, 2023) pasando por la infancia herida de Cría cuervos (Carlos Saura, España, 1975), o el exceso creativo de All That Jazz (Bob Fosse, EEUU, 1979), que se proyectará acompañado de una conferencia previa de Marta Sanz.

·       Carta blanca a José Luis Pardo: páginas en blanco

Decía Hegel que la felicidad solo ha escrito páginas en blanco en la Historia. A partir de esta afirmación, el filósofo y ensayista José Luis Pardo reflexiona sobre la representación de la felicidad en el cine como promesa, mandato social y problema filosófico. Su selección contiene distintas formas de felicidad impostada, deseada o imposible. Las proyecciones arrancan el martes 10 con el musical clásico de Vampiresas 1933 (Mervyn LeRoy, EEUU, 1933), y continúa hasta el sábado 14 con la ironía moderna de Chaplin en Tiempos modernos (EEUU, 1936), la comedia sofisticada Historias de Filadelfia (George Cukor, EEUU, 1940) y el humor político de Medvedkin en La felicidad (Rusia, 1935).

·       Carta blanca a Ernesto Castro: naturalmente artificial. ¿Cómo fermentan las imágenes?

El escritor Ernesto Castro propone un recorrido por películas que reflexionan sobre cómo el cine produce sentido, creencia y comunidad. De la mirada libre y material de Agnès Varda en Los espigadores y la espigadora (Francia, 2000) al juego de máscaras de Orson Welles en Fraude (Francia-Irán-Alemania, 1973) o del misticismo de Stalker (Andréi Tarkovski, Rusia, 1979) a la comedia metafísica de Amanece, que no es poco (José Luis Cuerda, España, 1989), el ciclo plantea una reflexión sobre las imágenes como organismos vivos, capaces de fermentar ideas y afectos. La sesión del viernes 20 irá precedida de una conferencia de Ernesto Castro.

Retrospectiva José Luis Guerin: la imagen justa

Coincidiendo con el estreno de Historias del buen valle, Cineteca Madrid dedica, del 1 al 27 de febrero, una retrospectiva a José Luis Guerin, uno de los cineastas más singulares del cine europeo contemporáneo. Desde los años ochenta, su obra ha explorado la frontera entre documental y ficción, el trabajo de la memoria, la observación paciente y la poesía de lo cotidiano.

La retrospectiva recorre títulos fundamentales como Innisfree (España, 1990), Tren de sombras (España, 1997), En construcción (España, 2000) o En la ciudad de Sylvia (España-Francia, 2007), junto a piezas breves, correspondencias fílmicas y obras recientes que revelan una práctica coherente y profundamente ética.

‘El suelo tiembla bajo nuestros pies’. El cine de la Director’s Company japonesa

En colaboración con Fundación Japón y el colectivo mediadistancia, Cineteca presenta, del 24 al 28 de febrero, un ciclo dedicado a la Director’s Company, uno de los experimentos más radicales y singulares del cine japonés de los años ochenta. Fundada en un contexto de crisis industrial, la compañía permitió a una generación de cineastas jóvenes producir películas personales y arriesgadas al margen de los grandes estudios. De esta experiencia surgieron las primeras obras de Kiyoshi Kurosawa, Shinji Somai, Toshiharu Ikeda o Gakuryu Ishii.

Las películas del ciclo combinan sátira, violencia, melodrama y crítica social del Japón contemporáneo. La selección incorpora los siguientes títulos: Mermaid Legend (Toshiharu Ikeda, Japón, 1984), Bumpkin Soup (Kiyoshi Kurosawa, Japón, 1985), Door (Banmei Takahashi, Japón, 1988), Door II: Tokyo Diary (Banmei Takahashi, Japón, 1991) y The Crazy Family (Gakuryu Ishii, Japón, 1984). Todas las sesiones estarán presentadas por Fidel Ojea, crítico y especialista en cine japonés del colectivo mediadistancia, que contextualizará este momento clave del cine japonés.

La magia del cine

En colaboración con el Festival Internacional de Magia de Madrid, este programa propone, del 6 al 8 de febrero, un diálogo entre cine e ilusionismo como lenguajes afines. A través de tres películas y una charla con los magos Jandro y Jorge Blass, se reflexiona sobre cómo los principios de la magia (el engaño, la sorpresa, la misdirection) se aplican al lenguaje cinematográfico. An Honest Liar (Tyler Measom, Justin Weinstein, EEUU, 2014), El increíble Burt Wonderstone (Don Scardino, EEUU, 2013) y El ilusionista (Sylvain Chomet, Francia-Reino Unido, 2010), componen la selección de títulos mágicos.

Sesión especial en homenaje a José Luis Cienfuegos (1964–2025)

Cineteca rinde homenaje a José Luis Cienfuegos, figura clave de la cinefilia española y director de algunos de los festivales más importantes del país. Más allá de los títulos que programó, su legado reside en una manera de entender el amor al cine como pasión rigurosa, escucha activa y compromiso con el descubrimiento. Happiness (EEUU, 1998) de Todd Solondz, uno de los cineastas que Cienfuegos ayudó a descubrir en España, se proyecta como gesto de gratitud y memoria el jueves, 5 de febrero.

Cinezeta: las rosas son rojas, y febrero también lo es

Frente al relato romántico normativo de San Valentín, Cinezeta propone un febrero alternativo, atravesado por el deseo, la incomodidad y la contradicción. Tres películas que exploran formas de amor torcidas, violentas o censuradas, alejadas del ideal comercial.

Cineteca en familia: tres viajes al país de las maravillas

El mes se completa con una propuesta familiar para las matinales de los domingos 1, 15 y 22 dedicada a Alicia en el país de las maravillas, uno de los relatos más adaptados e inestables del cine. A través de tres versiones —la animación clásica de Disney, la interpretación radical de Jan Švankmajer y la fantasía contemporánea de Tim Burton— el ciclo muestra cómo una misma historia puede transformarse en cuento, pesadilla o aventura, y cómo el cine reconfigura nuestra relación con la imaginación, la infancia y la libertad.

Confesionario: una animación de cine, estrenos, pases especiales y secciones habituales

La sesión del ciclo mensual de Confesionario reúne cinco películas que abarcan setenta años de historia. Además, este mes la sección de estrenos en Cineteca proyectará Dios lo ve, Eloy de la Iglesia. Adicto al cine, Emergency Exit, Father Mother Sister Brother, Queer Me y Vivir al revés. Se suman también a la agenda de febrero las secciones habituales de Cineteca como Relatos del ruido Capítulo XXVIII: Sueños sonoros (músicas oníricas); Ciclo DOCMA, que presenta Al oeste, en Zapata; Así son las cosas, CIMA en corto con Un lugar al que llamar (Correspondencias íntimas), La noche Z e Imprescindibles de TVE con el documental Las gafas, de Isabel Coixet./

Vida y ficción, tráiler para «Amarga Navidad» de Pedro Almodóvar

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Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Pedro Almodóvar Amarga Navidad. La película, con producción a cargo de El Deseo y colaboración de Movistar Plus+, llegará a los cines españoles el próximo 20 de marzo de la mano de Warner Bros. Pictures Spain.   

Amarga Navidad nos cuenta como Elsa es una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre. Encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante. Trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna. Hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse e imponerse un descanso. Su pareja, Bonifacio, es su tabla de salvación en esos momentos de crisis.

Elsa decide viajar a la isla de Lanzarote acompañada por su amiga Patricia, que también necesita alejarse de Madrid, mientras que Bonifacio se queda en la ciudad. La historia de estos tres personajes, y algunos más, se narran paralelamente a la del guionista y director de cine Raúl Durán, entremezclando ficción y realidad.

La película, con guion a cargo del propio Pedro Almodóvar, esta protagonizada por Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit, Quim Gutiérrez, Rossy de Palma, Carmen Machi, Gloria Muñoz, Antonio Araque, Antonio Romero y Samuel López.

Calles, casas y habitaciones: Cineteca Madrid explora los espacios de la vida contemporánea a través del cine

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El programa temático ‘Máquinas de habitar’ recorre la ciudad, el barrio, la vivienda y la habitación como escalas cinematográficas

La propuesta incluye sinfonías urbanas, noir contemporáneo y cine de terror doméstico para pensar el espacio desde la imagen

En paralelo, Cineteca Madrid dedica una retrospectiva al cineasta Heinz Emigholz y su singular mirada sobre la arquitectura

El colectivo Ciudades Reveladas explora el habitar desde el cine latinoamericano a través de una carta blanca de proyecciones

Además, Cineteca Madrid propone este mes un foco especial en el cineasta Juan Cavestany y su retrato íntimo y expandido de la ciudad de Madrid

Completa la programación el ciclo retrospectivo dedicado a la pionera Germaine Dulac, figura clave de la vanguardia cinematográfica

No faltarán a su cita las sesiones de programación familiar y cine experimental, además de nuevas entregas de CineZeta y ‘La Noche Z’

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, propone en enero un recorrido cinematográfico por los espacios que conforman nuestra vida cotidiana, desde la escala urbana hasta la intimidad de una habitación. Bajo el título ‘Máquinas de habitar’, la programación invita a pensar cómo el cine ha construido, interpretado y cuestionado los lugares que ocupamos, revelando su dimensión política, emocional y simbólica. A través de sinfonías urbanas, relatos de barrio, arquitecturas del miedo, ensayos fílmicos y miradas experimentales, se articula una geografía crítica del habitar contemporáneo donde ciudad, vivienda y cuerpo se entrelazan como escenarios de conflicto, memoria y deseo.

Ciclo ‘Máquinas de habitar’

¿Qué relación tiene el cine con los espacios que habitamos? ¿Cómo han contribuido las imágenes a moldear nuestra experiencia de la ciudad, del hogar o de la intimidad? ‘Máquinas de habitar’ plantea estas preguntas como eje vertebrador de la programación de enero. Organizado en cuatro capítulos —la ciudad, el barrio, la vivienda y la habitación—, el ciclo traza una cartografía cinematográfica que va de lo colectivo a lo íntimo, explorando cómo los espacios no solo se habitan, sino que también nos habitan ellos a nosotros.

Capítulo 1: ‘La ciudad: sinfonías urbanas’

Este primer capítulo recorre la tradición de las sinfonías urbanas, un género nacido en las vanguardias de los años veinte que buscó capturar el pulso, la energía y la complejidad de la vida metropolitana.

Entre las obras más emblemáticas del programa destaca Manhatta (EE. UU., 1921), de Charles Sheeler y Paul Strand, considerada una de las primeras sinfonías urbanas del cine y un retrato poético de Nueva York como máquina moderna en expansión.

A su lado, Rien que les heures (Francia, 1926), de Alberto Cavalcanti, propone una mirada fragmentaria y melancólica sobre el París de entreguerras. El recorrido culmina con Koyaanisqatsi (EE. UU., 1982), de Godfrey Reggio, una poderosa composición audiovisual que convierte la ciudad contemporánea en un flujo hipnótico de imágenes y sonidos.

Capítulo 2: ‘El barrio: malas calles’

El barrio ha sido uno de los grandes escenarios del cine moderno, un espacio donde lo cotidiano convive con la violencia, el deseo y el conflicto. Este programa reúne miradas muy diversas que convierten el barrio en territorio mítico, político o emocional.

Entre las películas más representativas del ciclo sobresale El odio (Francia, 1995), de Mathieu Kassovitz, un retrato eléctrico y aún vigente de la violencia estructural y la frustración en la periferia urbana. Sonidos de barrio (Brasil, 2012), de Kleber Mendonça Filho, desplaza el conflicto hacia una escala más soterrada, donde el urbanismo, la memoria y el miedo se infiltran en la vida cotidiana de un vecindario brasileño aparentemente tranquilo. Completa este mapa Chungking Express (Hong Kong, 1994), de Wong Kar-wai, que transforma calles, pasillos y locales nocturnos de Hong Kong en un espacio emocional vibrante.

Capítulo 3: ‘La vivienda: habitar el terror’

Comisariado por Alberto Sedano, este programa aborda la vivienda como uno de los espacios más inquietantes del imaginario contemporáneo. Entre los títulos más elocuentes del programa destaca Terror en Amityville (Stuart Rosenberg, EE. UU., 1979), donde la casa deja de ser refugio para convertirse en una trampa financiera y emocional.

Candyman, el dominio de la mente (EEUU, 1992), de Bernard Rose, desplaza el horror hacia el urbanismo y la segregación, haciendo de la vivienda un espacio atravesado por la violencia estructural y la memoria reprimida. Las películas de Ti West —La casa del diablo (EE. UU., 2009) y Los huéspedes (EE. UU., 2011), programada en una sesión especial de ‘La Noche Zeta’—, actualizan el motivo de la casa encantada desde una precariedad reconocible, donde la necesidad económica empuja a habitar lugares que ya anuncian su amenaza. Cierra el ciclo la recuperación de Aquella casa en las afueras (España, 1980), de Eugenio Martín, una rareza del cine español que convierte el espacio doméstico en detonante de un trauma colectivo.

Capítulo 4: ‘La habitación: un mundo entre cuatro paredes’

Este último capítulo del ciclo reúne obras de vanguardia que se sitúan en habitaciones, cuartos de hotel o espacios interiores mínimos, donde lo cotidiano adquiere una densidad sensorial radical. En Room Film 73 (Reino Unido, 1973), Peter Gidal reduce la habitación a un campo de percepción extrema, obligando al espectador a habitar el tiempo y la duración de la imagen como una experiencia física.

Hotel Diaries (Reino Unido, 2001-2007), de John Smith, convierte los cuartos de hotel en observatorios involuntarios de lo cotidiano, espacios impersonales que, filmados a lo largo de años y ciudades, acumulan memoria, humor y extrañeza. Por su parte, Berlin 10/90 (Francia, 1990), de Robert Kramer, encierra al cineasta en una estancia durante una hora para convertirla en escenario de pensamiento, deriva y confesión política.

Retrospectiva de Heinz Emigholz: ensayos de arquitectura

Este ciclo propone una experiencia singular de encuentro entre cine y arquitectura, alejada de cualquier voluntad explicativa o didáctica. A través de películas como Dieste [Uruguay] (Alemania, 2017), Perret en Francia y Algeria (Alemania, 2012) o Parabeton – Pier Luigi Nervi y el hormigón romano (Alemania, 2012), Emigholz filma los edificios como cuerpos vivos, atendiendo a su materialidad, a la relación con el entorno y al paso del tiempo. Lejos de ilustrar teorías, estas películas convierten la arquitectura en una experiencia perceptiva y sensorial, donde el espacio se despliega como una forma de pensamiento en sí misma.

Colectivo Ciudades Reveladas

En colaboración con Intermediae, Cineteca Madrid ofrece una carta blanca al colectivo Ciudades Reveladas, comisariada por Khalil Esteban. El programa reúne películas del cine independiente latinoamericano que reflexionan sobre el habitar desde distintas escalas y contextos, con especial atención al edificio de viviendas como infraestructura social. A través de relatos situados en Brasil, Chile o Argentina, el ciclo plantea preguntas sobre la vida en común, la crisis habitacional, la pandemia y los modos de documentar lo cotidiano desde el cine. Destacan títulos como Diz a Ela que me Viu Chorar (Brasil, 2019) o Era o Hotel Cambridge (Brasil-Francia, 2015).

Foco especial a Juan Cavestany

Con motivo del estreno de Madrid, Ext. (España, 2025), Cineteca Madrid dedica un foco especial a Juan Cavestany, una de las miradas más singulares del cine español contemporáneo. El programa reúne obras que exploran la ciudad desde la intimidad, el humor y la observación radical de lo cotidiano.

Desde sus primeras piezas mínimas hasta sus retratos de Madrid durante y después del confinamiento, el conjunto traza un recorrido por las escalas de la ciudad, del individuo a la red urbana, y propone una forma libre y profundamente personal de filmar el espacio, destacando obras como El señor (España, 2012) o Madrid, Int. (España, 2020), que se proyectará por primera vez en la historia en sala de cine. Todas las sesiones estarán presentadas por el director madrileño.

Retrospectiva de Germaine Dulac: ¿qué es el cine?

Figura clave de la vanguardia francesa y pionera del cine como arte autónomo, Germaine Dulac protagoniza una amplia retrospectiva que recorre las múltiples facetas de su obra. Más allá de su vinculación al surrealismo, el programa reivindica su pensamiento cinematográfico, su compromiso político y su experimentación formal. Las sesiones incluyen piezas de vanguardia, trabajos vinculados a la cultura española, experimentos musicales y algunos de los primeros videoensayos de la historia del cine, ofreciendo un retrato complejo y necesario de una autora fundamental.

Destacan las proyecciones de La sonriente Madame Beudet (Francia, 1923) y La caracola y el clérigo (Francia, 1928). Este ciclo se celebra en paralelo a la exposición del Museu Tàpies de Barcelona titulada Germaine Dulac. Je n’ai plus rien, comisariada por Imma Merino e Imma Prieto, directora del museo, que presentará una de las sesiones de la retrospectiva.

CineZeta: tiempo muerto

Los sábados 17 y 31 de enero, el equipo de jóvenes programadores de CineZeta propone un espacio de descanso, juego y reflexión colectiva sobre el cine. Bajo el título ‘Tiempo muerto’, estas sesiones reúnen películas que cuestionan el uso del tiempo y las formas de hacer cine, explorando el ocio, la pausa y la reapropiación de imágenes. Un cine hecho desde la cercanía, el archivo y la comunidad, que reivindica otras maneras de mirar y compartir.

Cineteca en familia: ciudades imaginadas

La programación familiar de enero invita a recorrer ciudades animadas llenas de enigmas y aventuras. Desde Monstruos, S.A. (EE. UU., 2001) hasta Metrópolis de Osamu Tezuka (Japón, 2001), pasando por Un gato en París (Francia-Bélgica, 2010), el ciclo propone distintas formas de imaginar y habitar la ciudad: desde la urbe industrial de los monstruos hasta los laberintos futuristas o las calles nocturnas vistas desde los tejados.

La programación de enero se completa con estrenos recientes del cine español como: La ley de Sodoma (España, 2025), Os espazos en branco (España, 2023), Del susurro del tiempo (España, 2025) o Antes (España, 2020). No faltarán a su cita nuevas sesiones de los ciclos habituales de Cineteca como ‘Relatos del ruido’, ‘Confesionario’, ‘Ciclo DOCMA’ o ‘Foro CIMA’, además de una nueva entrega de ‘Imprescindibles TVE’, con la película Los Chichos: ni más ni menos (Paco Millán, España, 2025). /

El Ministerio de Cultura y la Generalitat de Cataluña presentan ‘Acción Portabella’, la conmemoración del centenario de Pere Portabella

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A lo largo de 2026 y 2027 se desarrollará una completa programación alrededor de la figura del cineasta catalán, nacido en Figueres en 1927.

La iniciativa tiene como objetivo poner en valor la figura del director y de su legado e influencia en cineastas, artistas y movimientos sociales.

Más de sesenta instituciones nacionales e internacionales participarán en el programa, que incluirá proyecciones, exposiciones o seminarios, entre otras actividades.

El Ministerio de Cultura y la Generalitat de Catalunya han presentado hoy ‘Acción Portabella’ un programa de actividades, que se desarrollarán a lo largo de 2026 y 2027 para conmemorar el centenario del nacimiento del cineasta Pere Portabella, nacido en Figueres en 1927.

La iniciativa, a la que se han sumado una gran variedad de instituciones culturales catalanas, españolas e internacionales tiene el objetivo de difundir y poner en valor el trabajo artístico de Pere Portabella, su diálogo con la creación contemporánea y su propia contemporaneidad.

Durante el acto de presentación, celebrado hoy en Barcelona, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha destacado que “el centenario de Portabella no es solo una efeméride; es una invitación a volver a mirar el presente con sus ojos: con inquietud, con curiosidad, con una radical voluntad de libertad”. Y ha añadido que “’Acción Portabella’ no es un homenaje estático; es un gesto que se mueve, una energía que circula, una manera de estar en el mundo. Porque Portabella no ha sido nunca una figura del pasado; ha sido siempre un creador que trabaja desde el presente hacia el futuro”.

Por su parte, la consejera de Cultura de la Generalitat de Catalunya, Sònia Hernández, ha señalado que “Pere Portabella ha sido un motor de proyectos que atraviesan generaciones y fronteras, y que han contribuido decisivamente a situar el cine catalán en el mapa nacional e internacional”. La consejera ha destacado también que “su producción nos ofrece elementos para la reflexión sobre el poder, la memoria y las instituciones especialmente relevantes en un contexto como el actual en el que se ponen en entredicho los pilares de nuestra democracia”.

En el acto han participado también la directora de la Filmoteca, Valeria Camporesi, el director de la Filmoteca de Catalunya, Pablo La Parra, y el coordinador del programa de actividades, Jordi Balló.

Más de 60 iniciativas en entidades de todo el mundo

El programa provisional de ‘Acción Portabella’, presentado hoy en Barcelona, recoge las iniciativas de 62 entidades, de las cuales 20 son internacionales.

Entre ellas se encuentran centros de arte y cultura, festivales, filmotecas, laboratorios y fundaciones de pensamiento político y social, universidades, medios de comunicación, organismos de carácter transversal y colectivos de artistas. A lo largo de los próximos meses, se irán incorporando aquellas entidades que así lo soliciten, y sus actividades serán incorporadas a la web del proyecto. Cada entidad planteará sus propias actividades y estrategias, que serán recogidas en la web del centenario.

En la conmemoración ‘Acción Portabella’ tienen un peso destacado las Filmotecas Española y de Catalunya. La Filmoteca Española, desarrollará un rol activo en la internacionalización de la celebración, y acogerá un ciclo de obras y cineastas que el propio Portabella tuvo como referencia.

La Filmoteca de Cataluña, por su parte, ha sido una institución clave en la conservación, documentación y accesibilidad de su legado. Entre las actividades organizadas, estará una retrospectiva al cineasta, que se moverá entre las filmotecas y centros adscritos a la Federación Internacional de Archivos Cinematográficos (FIAF).

La Filmoteca de Andalucía organiza asimismo un ciclo de proyecciones en sus dos sedes, en Sevilla y Córdoba, contará con especialistas en la obra del artista.

El programa incluye una variedad de seminarios, ciclos de conferencias y propuesta expositivas en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, la Filmoteca de Catalunya, el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) o el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), entre otros.

Entre las entidades internacionales que colaboran en ‘Acción Portabella’ están la Cinemateca Portuguesa, el centro cinematográfico Eye Filmmuseum de Ámsterdam, el festival de cine canadiense Toronto International Film Festival, el museo MoMA de Nueva York, el Jeonju International Film Festival de Corea del Sur, y la bienal de arte Europalia, entre otras.

La web ‘Acción Portabella’

El espacio web, que se activará próximamente, albergará todas las actividades, iniciativas y participantes de esta conmemoración. Además, será un espacio en el que se podrá reunir el impacto que la obra de Portabella ha tenido y sigue teniendo en otros artistas, pensadores y activistas.

Esta web permitirá no solo informar sobre las actividades que tendrán lugar durante el programa, sino explorar el programa cultural y difundir el alcance relacional, vanguardista y contemporáneo de ‘Acción Portabella’.

Teaser tráiler de «Kokurojo», lo nuevo de Kiyoshi Kurosawa

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Después de un prolífico 2024, Serpent’s Path, Cloud y el mediometraje Chime, Kiyoshi Kurosawa vuelve a ponerse detrás de las cámaras con el drama de época titulado Kokurojo, film que de la mano de Shochiku acaba de presentar un primer avance en forma de un breve teaser tráiler que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, adaptación de la novela de Honobu Yonezawa, llegará a las salas comerciales de Japón durante este 2026.     

En Kokurojo vemos como Murashige Araki se rebela contra el tiránico Nobunaga Oda, decidiendo refugiarse en su castillo. Este se encuentra rodeado por las tropas de Oda y aislado del exterior. Mientras Murashige Araki lucha por proteger el castillo y a sus habitantes con el apoyo emocional de su esposa Chiyoho, un niño es asesinado en el interior. A partir de ese momento, una serie de misteriosos incidentes se suceden uno tras otro dentro del castillo. El culpable debe ser alguien dentro, ya que este está sellado al exterior. Murashige Araki intenta resolver este misterio con la ayuda del peligroso pero ingenioso estratega militar Kanbee Kuroda, quien se encuentra prisionero en la mazmorra del castillo.

La película, con guion adaptado a cargo de los propio Kiyoshi Kurosawa y Honobu Yonezawa, está protagonizada por Masahiro Motoki, Masaki Suda, Yuriko Yoshitaka, Munetaka Aoki, Ryota Miyadate, Tasuku Emoto y Joe Odagiri.

Noir 80. Cine negro 1980-1989

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Los años 80 fueron de especial relevancia para el cine negro. Tuvo lugar una toma de conciencia de su propia importancia con la creación de festivales especializados, revistas monográficas y la consolidación de una corriente retro que rendía homenaje al glorioso pasado. Al mismo tiempo, el género vivía un esplendor productivo, buscaba una nueva estética para la década, bebía de las tendencias del momento, el cinéma du look, un realismo áspero a tenor de la caída de la censura, la estilización del heroic bloodshed, etc, y no renunciaba a la crónica criminal a pie de calle. Las dos grandes industrias, la estadounidense y la francesa, seguían a pleno gas, mientras se incorporaban nuevos enfoques llegados de Hong Kong, Argentina o España. Este libro realiza por primera vez un recorrido exhaustivo por el cine negro de los años 80 a escala mundial. Incluye un apéndice dedicado a la novela negra, índice onomástico y de películas, citas de los artífices y cientos de imágenes, en una edición extraordinaria que pone en valor una etapa del cine negro a descubrir y reivindicar.

Autor: Adrián Esbilla, Prólogo de Andreu Martín, Editorial: Desfiladero Ediciones, Páginas: 315

Proyecciones Xcèntric: Miradas sobre Palestina

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Palestine to Japan (T. Maki, 1979)

Este programa presenta una selección de películas que iluminan la evolución de lo que hoy se reconoce como cine militante palestino. La proyección acompaña a la ponencia de Mohanad Yaquabi «Restaurar la solidaridad: the Tokyo Reels», en el marco de las Jornadas de Cine Militante y Archivos Fílmicos. Presentación a cargo de Amina Ferley (Elías Querejeta Zine Eskola, investigadora de Palestina, otro Vietnam).

Entre 1968 y 1982, cineastas diversos de todo el mundo dirigieron su mirada hacia la lucha palestina. Considerando aquel contexto un terreno fértil para la experimentación cinematográfica, llevaron al límite tanto las formas estéticas como las políticas mientras exploraban nuevas visiones de solidaridad global. Se examinan en este programa tres ejemplos de estas producciones (procedentes de tres continentes diferentes y basadas en estrategias y planteamientos cinematográficos diversos) que comparten un mismo objetivo: ofrecer al pueblo palestino una voz, una imagen y un archivo.

El alcance geográfico del programa se expande a medida que se incorporan mensajes procedentes de todo el mundo, conectando Palestina, otro Vietnam, de J. Giannoni, J. Denti, M. Generali y B. Scavuzzo, con Palestine to Japan, de T. Maki, a través de un enfoque militante compartido. Estas dos piezas se complementan con Cowboy, de Sami Al-Salamoni, que explora con precisión la compleja relación entre imagen y poder, y utiliza la mesa de montaje para subvertir esta dinámica. El resultado es un manifiesto anticapitalista y antiimperialista que subraya el vínculo indisociable con la lucha del pueblo palestino por su liberación.

Profundizando en las nociones de «ahora y entonces» y «aquí y allá», estas películas exponen las injusticias históricas que el pueblo palestino ha sufrido y contra las que sigue luchando. Una técnica clave en las tres obras es el uso de imágenes de archivo, que a menudo circulan entre diferentes cronologías, y así transforman la solidaridad de un simple eslogan en una práctica activa. Este enfoque revela una libertad cinematográfica en la expresión artística y un dominio extraordinario del tiempo y el espacio; una práctica que, por sí misma, encarna soberanía y libertad.

Palestina, otro Vietnam, Colectivo C3M – Cinema del Terzo Mondo, 1971, 16 mm, 22 min; Palestine to Japan, T. Maki, 1979, 16 mm, 20 min; Cowboy, Sami Al-Salamoni, 1973, 16 mm, 16 min.

Proyección en digital, VOSE.

Fecha: 30 enero 2026

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Llega Filmin Picks, una cita mensual con películas de culto por descubrir

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Desde el 24 de enero, nuevos estrenos cada mes para acercar al público de hoy propuestas del equipo editorial de Filmin que suelen estar fuera del radar habitual cuando hablamos de las películas clave de la historia del cine.

Filmin pone en marcha Filmin PICKS, un nuevo proyecto en el que la plataforma estrenará versiones remasterizadas de películas de todos los tiempos que, por distintos motivos, han quedado fuera del relato oficial de la historia del cine. A partir del 24 de enero y con nuevas entregas cada mes, Filmin PICKS reunirá una selección de títulos elegidos por el equipo editorial de Filmin, con el objetivo de proponer descubrimientos accesibles para todo tipo de espectadores: películas con grandes ideas narrativas, atmósferas potentes o argumentos que se ven hoy con total pertinencia. La primera entrega de Filmin PICKS se estrena este mes con cuatro títulos programados en dos fechas: 24 y 31 de enero.

Los primeros Filmin PICKS

El 24 de enero llegan dos sorprendentes clásicos del cine checoslovaco. “La bella y la bestia” (1978), dirigida por Juraj Herz, propone una reinterpretación de tono sombrío del célebre cuento: la hija de un mercader se adentra en el bosque en busca de ayuda y acaba retenida en el castillo de una criatura alada víctima de una maldición. Ese mismo día se incorpora “Happy End” (1967), de Oldřich Lipský, una comedia negra construida de fin a principio, como «Tenet» de Christopher Nolan, en la que un hombre “recupera” la vida tras la guillotina y relata su historia retrocediendo hacia los hechos previos a su ejecución.

El 31 de enero será el turno de dos thrillers futuristas. Por un lado, “Dark City” (1997), dirigida por Alex Proyas («El cuervo»), donde un hombre despierta sin memoria en un hotel, perseguido por una serie de asesinatos, mientras descubre una ciudad y unos habitantes que parecen poder alterarse durante la noche. Por otro, “El hombre terminal” (1974), dirigida por Mike Hodges y basada en la novela de Michael Crichton, con George Segal como un informático sometido a una intervención cerebral experimental para tratar sus convulsiones. Cuando el tratamiento falla, el conflicto se desplaza a un terreno tremendamente inquietante.

Vídeos editoriales y prescripción

Filmin PICKS se apoya en una idea central: recomendar es cuidar y ampliar la experiencia del espectador. La selección de cada mes nace del trabajo del equipo editorial de Filmin, capitaneado por Jaume Ripoll. Personas que visionan, revisitan y contextualizan películas para convertir el catálogo en un lugar que se recorre con criterio y se traduce en una propuesta clara: “aquí tienes clásicos como nunca los has visto, y aquí tienes los motivos por los que pueden encajar contigo hoy”.

Por eso, cada estreno de Filmin PICKS llegará acompañado por un vídeo de presentación a cargo de un miembro del equipo editorial (y, en algunas ocasiones, de invitados especiales). Piezas pensadas para abrir puertas: aportar contexto, señalar elementos concretos para entrar en la película y conectar esos hallazgos con una forma de ver cine más amplia, curiosa y compartida.

Filmin PICKS se suma así a la vocación de Filmin como plataforma de prescripción cultural, donde la curaduría humana y la comunidad (las recomendaciones, las colecciones y el acompañamiento editorial) ayudan a descubrir joyas alejadas del canon más repetido y a mirar el cine con más pasión.

La consciencia del alienígena, tráiler para «The Infinite Husk» de Aaron Silverstein

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Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de pagina junto a su cartel promocional, de la cinta de ciencia ficción independiente The Infinite Husk. Debut en el largometraje del escritor y compositor Aaron Silverstein, la película, tras su paso por festivales como el SXSW o Sitges, dentro de la sección Noves Visions, tendrá un estreno comercial limitado en Estados Unidos previsto para el próximo 6 de febrero de 2026.   

En The Infinite Husk vemos como obligada a ocupar el cuerpo de una joven negra de Los Angeles, Vel, una extraterrestre exiliada, es enviada al planeta Tierra en una truculenta misión para espiar a alguien de su especie y descubrir la potencial amenaza de una nueva y peligrosa ciencia.

La película, con guion a cargo del propio Aaron Silverstein, está protagonizada por Peace Ikediuba, Circus-Szalewski, Geena Alexandra, William Thomas Jones, Michael Jon Murphy, Foreste Jean Feely, Jyl Kaneshiro, Gary Lee Reed y Smaran Harihar.

Cineteca Madrid: Retrospectiva Germaine Dulac

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Dedicamos un programa retrospectivo a la cineasta Germaine Dulac, figura clave del cine francés de los años 20 y una de las grandes pioneras de la vanguardia. Su obra combina experimentación formal, pensamiento crítico y una singular manera de entender el cine como arte autónomo. A lo largo de cuatro sesiones recorreremos las distintas facetas de su filmografía, desde la abstracción hasta el compromiso político. El programa incluye sus piezas esenciales del periodo de vanguardia, proyectadas en 16 mm, sus miradas a la cultura española, sus intervenciones musicales que funcionan como auténticos videoclips avant la lettre, y sus videoensayos pioneros, entre ellos el recién recuperado Ce qu’il a dit, ce qu’il a fait, que se verá por primera vez en Madrid. Un retrato amplio y necesario de una autora mal comprendida, generalmente reducida a sus experimentos surrealistas, pero cuyo extenso trabajo, lleno de matices y potencias, sigue iluminando el vasto territorio del cine. 

Programación

Drama y vanguardia

La sonriente Madame Beudet (La souriante Madame Beudet, 1923, 38′)
Madame Beudet es una mujer moderna afrancesada a la que le encanta tocar al piano obras de compositores melenudos, leer novelas y modernas revistas; está casada con un empresario textil muy ordinario y rudo que además aburre a su esposa al tener diferentes intereses culturales a los de ella, como ir al teatro a ver Fausto. 

La Coquille et le Clergyman (1928, 41′)
Obsesionado con la mujer de un general, un sacerdote tiene visiones extrañas de muerte y lujuria, mientras lucha contra sus propios fantasmas sexuales.

Idioma:

Sin diálogos

Formato:

16mm

Pases: Enero

Martes 27

  • 20:00 h
  • Sala Plató

Musicalidades

La fête espagnole (1919, 26′)
Un día de fiesta en un pequeño pueblo de España, Soledad recibe la visita de sus dos pretendientes: Réal y Miguelan, unidos por una amistad muy fuerte y por los mismos sentimientos románticos hacia la ex bailarina. Divertida e indiferente, Soledad les sugiere la idea de un duelo para decidir entre ellos. Acuerdan medir sus fuerzas. Mientras tanto, sigue al joven Juanito a la fiesta y, recordando los hermosos años de su pasada juventud, baila y se emborracha con él toda la noche.

Danses espagnoles (1930, 7′)
En este cortometraje, la bailarina Carmencita García realiza dos bailes de flamenco frente al público.

Un peu de rêve sur le Faubourg (1930, 10′)
Un disco de fonógrafo inspira pensamientos líricos a dos jóvenes enamorados.

Celles qui s’en font (1930, 7′)
En la primera parte, seguimos a una mujer borracha e indigente que toma una bebida en un café. En la segunda mitad, una mujer se muestra abatida por el rechazo de un amante… 

Ceux qui ne s’en font pas (1930, 8′)
Canciones populares acompañan dos escenas de felicidad: un alegre trabajador ferroviario y un grupo de niños bailando.

Idioma:

Sin diálogos

Formato:

DCP

Pases: Enero

Miércoles 28

  • 20:00 h
  • Sala Azcona

Le cinema au service de l’histoire + Ce qu’il a dit, ce qu’il a fait

Le cinema au service de l’histoire (1935, 54′)
Un montaje de noticias que abarca el periodo comprendido entre 1905 y 1935, y que se presenta como «un resumen de la vida política, económica y social de los hombres de nuestra generación», «un momento de la historia contemporánea» y «una obra humana». 

Ce qu’il a dit, ce qu’il a fait (1939, 6′)
Cortometraje que contrapone extractos de discursos públicos de Adolf Hitler con imágenes que muestran la realidad que contradice sus palabras. No hay narración, ni análisis verbal, ni explicación contextual.

> Presentación y coloquio posterior con Imma Prieto, Directora del Museu Tàpies, y la cineasta Tània Balló Colell 

Idioma:

V.O.S.E.

Formato:

DCP

Pases: Enero

Viernes 30

  • 20:00 h
  • Sala Azcona

Abstracciones

L’invitation au voyage (1927, 39′)
En un cabaret portuario un aristocrático conde pasa la noche, con sus sueños y frustraciones, su vida falsa y sus ansias.

Thèmes et variations (1928, 7′)
Evoco a una bailarina. ¿Una mujer? No. Una línea que rebota con ritmo armonioso. Evoco una proyección lumínica entre velos. ¿Materia concreta? No. Ritmo fluido. ¿Por qué debería uno dejar en la pantalla el placer que el movimiento nos provoca en el teatro? Armonía de líneas. Armonía de luz. Líneas, superficies, volúmenes que evolucionan sin el artificio de la evocación, en la lógica de sus formas, desposeídos de cualquier sentido humano, permitiendo elevarse hacia la abstracción, dando así más espacio para las sensaciones y los sueños.

Disque 957 (1928, 7′)
Un estudio de la línea y la forma en el sonido de Frédérique Chopin. Germain Dulac tiene intención de recrear visualmente los motivos del preludio de Chopin en si bemol, que se inspira, de acuerdo con George Sand, por un día gris y lluvioso en La Grande Chartreuse descrito en su invierno en Mallorca, como el sonido melodioso de la lluvia golpeando el techo de tejas.

Étude cinégraphique sur une arabesque (1929, 5′)
Filme experimental que juega con la luz de una manera muy creativa presentando imágenes de caracoles, agua, la tela de una araña o los cristales.

Idioma:

Sin diálogos

Formato:

16mm

Pases:

Pases: Enero

Sábado 31

  • 20:00 h
  • Sala Plató

Crónica Festival de San Sebastián 2025 (III)

  Por ,

Zabaltegi-Tabakalera. Experimentación y derivas autorales

La tour de glace

Dentro del apartado más orientado al riesgo conceptual, varias propuestas de un marcado tono ecléctico transitaron por el trauma y el autodescubrimiento; a tal respecto, Blue Heron, debut en el largometraje de la canadiense Sophy Romvari, centra su mirada en un retrato de corte autobiográfico. Película que, buscando paralelismos recientes, expande de alguna manera la última escena de Aftersun (Charlotte Wells, 2022), con relación a la concepción de la memoria, y cómo esta es expuesta mediante una narrativa ficticia y una documental: la enfermedad mental de un familiar cercano que nunca fue identificada ni tratada de forma satisfactoria. Resulta más interesante la indagación sobre el origen y el ocaso de los recuerdos (equiparando en ocasiones los detalles accidentales e incluso ambientales a los eventos más significativos) que la presumible función terapéutica para su autora en referencia al apartado de no ficción. Uno de los puntos álgidos de la sección y del festival fue La tour de glace, el nuevo trabajo tras las cámaras de Lucile Hadžihalilović, posiblemente su obra más inteligible, en ningún caso menor, donde la responsable de Evolution reincide en opacos imaginarios situados entre la infancia y la adolescencia y su abrupta irrupción en el mundo adulto y cómo, a través de dicha premisa, se exploran conceptos como la dependencia o la sumisión, una constante casi obsesiva en la obra de la cineasta. Se trata de un film narrado como un cuento de hadas gótico de tono onírico, un sobresaliente ejercicio de estilo visual que invita al espectador a sumergirse en un hipnótico escenario metacinematográfico de infinitas capas y múltiples lecturas.  

Kota

La mirada animal al mundo humano y la colisión que se produce entre ambos imaginarios vino de la mano de Kota de György Pálfi, autor que hace unos años se dio a conocer con trabajos de una clara vocación transgresora con tendencia a lo grotesco: Taxidermia (2006) o Final Cut: Ladies and Gentlemen (2012). Curiosamente, en Kota, el realizador húngaro ofrece su película más lineal a nivel narrativo, relatando las peripecias de una gallina que, al igual que hizo Jerzy Skolimowski en EO, equipara su mirada subjetiva con la del espectador. A partir de dicha premisa, situada a medio camino entre la comedia y el drama, las metáforas sobre la gran tragedia humana son tan variadas como en ocasiones previsibles, por ejemplo, equiparar el tráfico de inmigrantes con el encarcelamiento animal o el instinto maternal de la gallina en contraposición con las relaciones decadentes entre los seres humanos. Posiblemente, la gran valía de la película resida en comprobar cómo el cine sigue siendo un medio eficaz a la hora de contemplar el mundo a través de un prisma distinto. Más encaminada a la experimentación, Una película de miedo, al igual que el anterior trabajo de su autor, O futebol (2015), recurre a la diversidad de formatos, el documental, la ficción o el material de archivo, a modo de dispositivos cinéfilos que sirven de herramienta para una suerte de terapia de autoayuda. Con la excusa argumental de seguir sus propios pasos junto a los de su hijo de doce años durante su estancia en un hotel abandonado en Lisboa, Sergio Oksman orquesta una reflexión de carácter contemplativo sobre la identidad y el pasado familiar a través de un espacio de claras resonancias fantasmagóricas, dando como resultado un trabajo algo difuso con relación a unos propósitos autorales, a priori, tan sugerentes como inabarcables.

Fiume o morte!

Otros dos documentales indagaron desde coordenadas más convencionales sobre problemáticas geopolíticas del pasado que, irremediablemente, remiten al presente: por un lado, Fiume o morte! de Igor Bezinovic, supone una distendida recreación de la surrealista invasión tras la Primera Guerra Mundial de la ciudad croata de Rijeka por parte de Gabriele D’Annunzio. A través de un abundante material de archivo, la película reflexiona irónicamente sobre incipientes y absurdos modelos fascistas de antaño por medio de la recreación de sucesos y detalles históricos que pone de relieve cómo la identidad actual de muchos territorios se basa en el legado y reproche a los antiguos intrusos. Por otra parte, Bajo las banderas, el sol del debutante Juanjo Pereira,nos muestra el régimen de Alfredo Stroessner en Paraguay entre 1954 y 1989, a través de una vasta recuperación de material propagandístico. Negando el testimonio o la crónica personal, el documental recurre a conceptos cercanos al found-footage a la hora de reconstruir el ascenso, la toma de poder y caída de la dictadura más longeva de Latinoamérica, mediante la maquinaria visual que lo legitimó. Un detallado ejercicio de arqueología de la imagen política que tiene la virtud de saber utilizar la no ficción como formato inmejorable para la manipulación de material, en ocasiones, focalizado de forma algo obvia como, por ejemplo, cuando paralelamente superpone las palabras de Stroessner loando «las virtudes democráticas» de su mandato con imágenes de la represión que ocurría al mismo tiempo en las calles.

New Directors. Nuevas autorías bajo la contemporaneidad

Bad Apples

Dentro de la sección destinada a óperas primas y segundos trabajos, Bad Apples de Jonatan Etzler cuestiona el sistema educativo mediante la sátira, fijando su mirada en las limitaciones y la ética existentes en dicho ecosistema. Una película que narra la lucha de una joven maestra frustrada con un estudiante decidido a causar el caos. Concepto argumental que puede remitirnos a la estupenda Election de Alexander Payne, por aquello de retratar desde un posicionamiento lúdico enfrentamientos y dinámicas de poder dentro del deteriorado ámbito escolar. Pese a que el retrato social termina siendo bastante turbio, se agradece que su decidida afiliación a la comedia negra se distancie de manidos realismos de naturaleza pedagógica. También de adolescentes y sus problemáticas versa Weightless (Premio a la Mejor Película de esta sección), cinta danesa que se sitúa bajo unas reconocibles coordenadas del coming of age en una historia donde una joven con sobrepeso ingresa en un campamento de verano en el que se dará cuenta de la futilidad de comer de forma equilibrada y hacer ejercicio, ya que son meros componentes secundarios en el aprendizaje vital de la vida.Por fortuna, y pese a lo manido de la temática, la película de la realizadora Emile Thalund no se queda en nociones simples o políticamente correctas, sino que se centra en el ambiguo retrato de alguien que debe afrontar el juicio de su entorno sobre su aspecto y su forma de actuar, saliendo de manera relativamente airosa del reto de retratar el despertar sexual y cómo este termina chocando con determinados comportamientos adultos.

Aro berria

Otras propuestas que orbitaron a través de estructuras narrativas dramáticas, pero desde un prisma más meditativo, en ocasiones, cercano a onirismos lindantes al fantástico fueron, por un lado, la cinta turca As We Breathe de Seyhmus Altun, aproximación a un fracturado núcleo familiar en una situación límite: el devastador incendio en la región de Anatolia acontecido a principios del año 2000. El escenario de tono apocalíptico servirá como perfecta alegoría para una serie de dialécticas, la principal sería el complicado paso a la edad adulta descrita en la historia a modo de migración forzada y su impacto en la infancia que, de forma sugerente, se centran más en la agitación interna de los personajes que en los abruptos acontecimientos del exterior. Por otra parte, Nighttime Sounds pone el foco en marginalidades en la China rural. Como viene siendo habitual en gran parte del cine social contemporáneo de dicho país, el segundo largometraje del realizador Zhongchen Zhang explora un trauma del pasado aplicado al presente representado en una figura femenina que se enfrenta al legado emocional de una explotación de carácter estructural centrada en la historia de la recientemente abolida política del hijo único. Se agradece que la película apueste por una narrativa de contornos poéticos, por momentos, próxima a la fantasmagoría a la hora de recurrir a una evocación que, sin embargo, queda algo lastrada por trillados recursos inherentes a la actual agenda cinematográfica como, por ejemplo, enfocar la mirada femenina en dialécticas próximas al realismo mágico. Una estimulante anomalía fue el debut en el largometraje de Irati Gorostidi con Aro berria, recreación de una aventura utópica de tono disidente, performativo y etnográfico que tuvo lugar durante la Transición en nuestro país. Ambientada en 1978, el relato sigue a un grupo de jóvenes que deciden abandonar su vida laboral en la industria metalúrgica para integrarse en una comunidad aislada en las montañas, lugar donde emprenderán una búsqueda poco ortodoxa de experiencias catárticas compartidas. El paso del oscuro mundo obrero a un contexto libertario es mostrado a modo de ejercicio de cine radical, provisto de una visión tan exigente como inédita, posicionamiento autoral que ejemplifica a la perfección lo que tendría que ser el espíritu de una sección de las características de New Directors.

Horizontes Latinos. El cine identitario

Cobre

El espacio territorial como concepto para gramáticas cinematográficas fue el denominador común dentro del apartado destinado a una parte de la cosecha del cine latinoamericano de 2025: Cobre de Nicolás Pereda entreteje una trama de equívocos, en apariencia banales, en las afueras de un pueblo minero, males endémicos sociales que pasan de ordinarios a extraños, ocasionando un trasfondo ciertamente inquietante. Se trata de una película que, desmarcándose de las tendencias actuales del cine mexicano que denuncian la violencia exponencial del país, utiliza de forma inteligente el recurso del minimalismo para destacar la incomodidad, dibujada a través de un trazo autoral donde lo sugerido y la reiteración de acciones y gestos nos derivan a lo intangible, algo que termina resonando de forma patente en la historia. También existe en Hiedra una visión social poco placentera, en esta ocasión, recurriendo a lo sensorial y corporal (ese concepto cinematográfico que tan bien sabe aplicar Claire Denis a su cine) como principal eje narrativo, aunque, en esta ocasión, dichas coordenadas, demasiado deudoras del hiperrealismo contemplativo, no resultan tan novedosas. A través de una historia de marginalidad y trauma adolescente que gira en torno al difuso vínculo afectivo establecido entre una mujer de 30 años y un adolescente de 17, la realizadora ecuatoriana Ana Cristina Barragánrecurre a la ambigüedad y a una utilización del espacio liminal como punto limítrofe entre lo real y lo imaginario, cuyo resultado final es percibido tan esquivo como lo son sus personajes.

 Nuestra tierra

Uno de los puntos álgidos de Horizontes Latinos vino de la mano de Nuestra tierra de Lucrecia Martel, primer trabajo de no ficción de la responsable de Zama, que recrea el crimen, y posterior juicio, de un líder indígena de Chuschagasta a manos de un terrateniente y dos expolicías. A través de una premisa basada en nociones cercanas al true crime, el asesinato queda registrado en dispositivos móviles. Gracias a curiosos apuntes técnicos como el manejo de los drones para intentar contextualizar el espacio en disputa, Lucrecia Martel orquesta un estimulante discurso sobre las grietas sociales de la actual Argentina con relación al patrimonio territorial, y cómo este es puesto en tela de juicio mediante dudosos sistemas legales. Lúcida reflexión sobre una lógica histórica, expandida a una investigación de carácter etnológico que indaga en una memoria colectiva marcada por el expolio a través de una mirada a los orígenes, al recuerdo comunitario y al concepto de una pertenencia moral. Un espléndido ejercicio de cine político entendido en el mejor sentido del término.

Retrospectiva – Lillian Hellman

Julia

Como colofón a las crónicas del Zinemaldia 2025, me gustaría destacar dos películas, entre las dieciséis proyectadas, pertenecientes a la magnífica retrospectiva dedicada a la dramaturga​ y guionista estadounidense Lillian Hellman. Toys in the Attic de George Roy Hill, adaptación de su pieza teatral estrenada en Broadway en 1960, nos remite a constantes del gótico sureño, una película donde, al igual que la precedente, All Fall Down (John Frankenheimer, 1962), se atisba la sombra de Tennessee Williams. Ambientado en un hogar de Nueva Orleans, el relato muestra el corrosivo comportamiento de dos hermanas solteras y la extraña devoción que sienten por su hermano menor. Drama que pone el foco en el tormento y los sueños incumplidos a través de un estudio sobre la frustración que ejemplifica los melodramas de sociedades ancladas en el pasado tan característicos en el cine de los 60. Por otra parte, la espléndida Julia de Fred Zinnemann se basa en las memorias de Lillian Hellman, en concreto, en el segundo de sus tres libros autobiográficos, “Pentimento”, publicado en 1973, donde se narra la cálida e inocente relación entre dos niñas como contrapunto a la posterior tragedia, cuando años después, sus vidas se separarán a causa de la guerra. Historia al servicio de sus personajes que explora el sentimiento y despertar antinazi de la autora, mediante un tratado cercano al concepto de viaje en el recuerdo, articulado mediante flashbacks y una voz en off que indaga desde distintos posicionamientos en la noción del compromiso moral. Un perfecto cierre de festival ubicado, como suele ser habitual en las retrospectivas, en la sala más pequeña de los multicines Príncipe. Un pequeño reducto destinado a esa cinefilia minoritaria pero fiel que sigue apoyando con su presencia las proyecciones de clásicos como parte esencial de lo que tendría que ser un certamen cinematográfico. 

Palmarés

Concha de Oro: Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa.

Premio Especial de jurado: Historias del buen valle, de José Luis Guerín

Concha de Plata a la mejor dirección: Joachim Lafosse, por Six jours ce Printemps-Là

Concha de Plata a la mejor interpretación: exaequo para José Ramón Soroiz (Maspalomas) y Zhao Xiaohonh (Her heart beats in its cage)

Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto: Camila Plaate (Belén)

Guion: Jochim Lafosse, Chloé Duponchelle y Paul Ismaël (Six jours ce Printemps-Là)

Fotografía: Pau Esteve (Los tigres)

Premios fuera de la sección oficial

Premio RTVE Otra mirada: Las corrientes, de Milagros Mumenthaler

Premio Horizontes Latinos: Un poeta, de Simón Mesa Soto (Colombia)

Premio Zabaltegi-Tabakalera: La torre de hielo (Lucile Hadzihalilovic)

Premios Nuevos directores: Weighless, de Emilie Thalund (Dinamarca)

Premio del público a la mejor película: La voz de Hind, de J.A. Bayona

Premio Feroz: Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa

Premio Cine Vasco: Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa

Un compromiso de por vida, póster y tráiler para «Honey Bunch»

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Cinco años después de su debut en el largometraje, Violation (2020), el dúo formado por Madeleine Sims-Fewer y Dusty Mancinelli vuelve a fijar su mirada sobre la incomodidad femenina en su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Honey Bunch, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, tras estar presente en la pasada edición del festival de Sitges, llegará a la plataforma Shudder el próximo 13 de febrero de 2026.  

En Honey Bunch vemos como tras un accidente, Diana sufre amnesia y dolores incapacitantes. Homer, su devoto marido, la lleva a una remota clínica de traumatología donde le prometen que se recuperará por completo con la ayuda de una innovadora terapia. Pronto volverá a ser la de antes. Homer está entusiasmado con los progresos de Diana, pero cuantos más tratamientos recibe, menos se parece a sí misma. Diana experimenta visiones inquietantes y nota extraños cambios en el comportamiento de su marido: conversaciones susurradas a puerta cerrada, largos periodos de ausencia y su insistencia en que ella se está recuperando aunque en realidad se siente peor. A medida que los recuerdos perturbadores de su relación comienzan a regresar vívidamente, Diana debe enfrentarse a la posibilidad de que su recuperación tenga un coste mucho mayor de lo que jamás podría haber imaginado, un coste que amenaza con desvelar la siniestra verdad sobre su matrimonio.

La película, con guion a cargo de los propios Madeleine Sims-Fewer y Dusty Mancinelli, está protagonizada por Grace Glowicki, Ben Petrie, Jason Isaacs, Kate Dickie, India Brown, Julian Richings y Jimi Shlag.

  

No te olvides de aquello que crece bajo tus pies. Estudios del folk horror desde la contemporaneidad

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El Folk Horror o terror rural es un subgénero, dentro del fantástico, basado en la transmisión de lo terrorífico a través de elementos enraizados con el folclore, las leyendas y las supersticiones. Su origen se remonta a la literatura y los cuentos populares del siglo XIX, si bien su eclosión estética y narrativa llegaría con las diversas cinematografías mundiales a partir de los años sesenta y setenta.

 Este tipo de historias, atravesadas por el ingrediente sobrenatural y sus concomitancias con la brujería, los movimientos neopaganos, la contracultura hippie, el legado de diversos ocultistas, o el miedo social a los cultos y sectas, dará como resultado la reaparición de una serie de creencias ancestrales que permearán los distintos modelos culturales hasta la actualidad.
Este imaginario, que pone en tensión el progreso frente a lo atávico y marginal, ha trascendido las fronteras británicas en las que nació para adaptarse a las realidades de otras geografías: desde los Outback Films australianos o las historias japonesas de fantasmas, hasta el estereotipo de la América profunda.

Desde nuestra contemporaneidad, se puede observar cómo el Folk Horror sigue expandiéndose, también a través de los distintos medios de expresión: videojuegos, cómics, televisión, artes plásticas, etc., dialogando con otros subgéneros como el Slasher o el Survival Horror. Partiendo de estos aspectos, el presente libro ofrece una diversidad de propuestas y reflexiones que giran en torno a esta categoría del terror, como engranaje dentro de la ficción fantástica, contando para ello con una selección de textos de expertos y expertas internacionales. Todo ello, atendiendo a sus propias ramificaciones (mitologías locales, brujería, maldiciones, paganismo, etc.), a la amplitud de sus debates (análisis social, político, cultural, perspectivas feministas, etc.) y a su interconexión con las diversas modalidades de expresión y plataformas de la cultura audiovisual.

Autor: VVAA, Editorial: Tirant Lo Blanch, Páginas: 434

FlixOlé estrena en exclusiva las dos únicas películas protagonizadas por Isabel Pantoja

  Por ,

La plataforma incorpora el 9 de enero a su catálogo los dos títulos con los que la gran pantalla capitalizó la fascinación en torno a la tonadillera: su debut cinematográfico, Yo soy esa, y la película inmediatamente posterior, El día que nací yo

FlixOlé incorpora a su catálogo las dos únicas películas protagonizadas por Isabel Pantoja, una de las figuras más influyentes y reconocibles de la cultura popular española. La plataforma revisita el paso de la tonadillera por la gran pantalla con el estreno en exclusiva, el próximo 9 de enero, de una versión restaurada de su debut, Yo soy esa (Luis Sanz, 1990), y del siguiente y último largometraje que rodó, El día que nací yo (Pedro Olea, 1991).

Además del valor cinematográfico que supone ver y escuchar al icono de la copla interpretando algunos de sus himnos más emblemáticos ante la cámara, ambos títulos se han convertido con el tiempo en documentos imprescindibles para comprender la fascinación social y mediática que despertó Isabel Pantoja, así como su profundo impacto e influencia en el panorama cultural. FlixOlé recupera así un acontecimiento audiovisual que trascendía lo puramente artístico y que generó una expectación sin precedentes, especialmente por la manera en que los personajes dialogaban, de forma directa o simbólica, con la propia biografía de la tonadillera.

Yo soy esa y El día que nací yo se incorporan a la colección ‘Nuestras Folclóricas’, una programación que recuerda a las grandes estrellas que popularizaron el cine musical español, desde los años 30 hasta finales del siglo XX. El especial propone un desfile de batas de cola y costumbres entonadas con acento cañí por figuras de la talla de Imperio Argentina, Estrellita Castro, Juanita Reina, Concha Piquer, Rocío Dúrcal, Lola Flores, Rocío Jurado, la propia Isabel Pantoja y Carmen Sevilla. Esta última protagonizará otro de los estrenos presentes en la nueva colección propuesta por FlixOlé: La bella de Cádiz (Raymond Bernard & Eusebio F. Ardavín, 1953).

Amor y pérdida en el debut cinematográfico de Isabel Pantoja

En un momento en el que la copla atravesaba sus horas bajas, Isabel Pantoja irrumpió con la fuerza de su voz y su personalidad arrolladora en la escena nacional de los 70 para revitalizar un género enraizado en el sentir de todo un país. La artista supo adaptar el cancionero tradicional a los tiempos modernos y se convirtió en un símbolo de la pasión por la copla, una figura que fue agrandando su leyenda con el paso de los años y que fue escuchada en longitudes y latitudes de todo el globo.

Su llegada al cine fue un proceso meditado. A finales de los 70 rechazó debutar en la gran pantalla de la mano de Pedro Masó en La Coquito (1977), al no aceptar las secuencias de desnudos que incluía el guion. Años después, aceptó protagonizar Yo soy esa, proyecto concebido expresamente para su lucimiento y producido por el cantautor Víctor Manuel, que quiso construir un vehículo cinematográfico a la altura de su fama.

En Yo soy esa, Isabel Pantoja interpreta un doble papel: por un lado, a Ana Montes, una consagrada artista cuyo marido (interpretado por José Coronado) se encuentra atrapado en una espiral ludópata y drogodependiente. La pareja acude al estreno del filme que ambos protagonizan, una historia que bien podría plasmar sus vidas tiempo atrás. La misma combina melodrama, numerosos episodios musicales –con interpretaciones de temas como «Se me enamora el alma», «Ojos verdes», «Como dos barquitos» y «Yo soy esa»– y una sugerente estructura de cine dentro del cine que, a su vez, se proyecta como homenaje al cine clásico de folclóricas.

Este juego entre Isabel Pantoja con Ana Montes y su otro alter ego en la gran pantalla, Carmen Torres, estuvo marcado por un contexto de enorme carga emocional y mediática: la reciente muerte de su esposo, el torero Francisco Rivera, ‘Paquirri’.  La propia tonadillera admitió que el filme le ayudó a romper el “encierro” en el que se encontraba. La expectación por verla en la gran pantalla encarnando a un personaje atravesado por el dolor, el duelo y la superación, sumado a los espectáculos musicales y a la presencia magnética de Isabel Pantoja, hicieron de Yo soy esa un éxito de taquilla y un acontecimiento social que trascendió lo estrictamente cinematográfico.

El día que nací yo y otras joyas folclóricas

En la actualidad, la película conserva el testimonio en torno al fenómeno Isabel Pantoja, la capacidad de la copla para adaptarse a nuevos lenguajes y el modo en que cine, música y vida personal se fundieron en uno de los momentos más significativos de la cultura popular española reciente. El largometraje costó 300 millones de pesetas y recaudó más de 650 millones, cifras que animaron a Víctor Manuel a producir el segundo y último largometraje de la artista: El día que nací yo.

Este drama con pinceladas cómicas, dirigido por Pedro Olea y guionizado por Jaime de Armiñán, lleva a la tonadillera a interpretar a Juana Medina, una gitana que vende pescado en el mercado y los fines de semana canta en un tablao. Un profesor desterrado por razones políticas (Arturo Fernández) le propone que lo ayude a hacer un diccionario caló. Juana se siente atraída por el docente, pero también por un cura anarquista amigo de éste. La artista ayuda al religioso a huir del país cuando las autoridades franquistas intentan dar con él. 

Destino y memoria bailan en este melodrama donde el papel de Isabel Pantoja adquiere un tono más trágico, complejo e intenso que su primer largometraje. La copla, más aflamencada, vuelve a ser vehículo de confesión, dolor y redención en esta propuesta con la que FlixOlé completa la colección ‘Nuestras Folclóricas’. Por medio de esta cuidada selección compuesta por una veintena de títulos se podrá disfrutar de musicales con las icónicas Imperio Argentina (Carmen la de Triana), Estrellita Castro (Mariquilla Terremoto y Torbellino), Concha Piquer (La Dolores), Sara Montiel (La violetera y El último cuplé), Marujita Díaz (La corista) y Lola Flores (La Faraona y El balcón de la luna), entre muchas otras.  

La mirada fantasmal, tráiler para «In die Sonne schauen» de Mascha Schilinski

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Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de la cinta alemana In die Sonne schauen, segundo trabajo tras las cámaras de la realizadora Mascha Schilinski, (Dark Blue Girl, 2017). Drama contemplativo que indaga en la muerte, los traumas y la temporalidad, que tras estar presente el pasado año en Cannes (Premio del Jurado) y Valladolid, llegará a nuestro país de la mano de Elastica Films el próximo 8 de mayo de 2026, con el título de El sonido de la caída.       

En In die Sonne schauen vemos como cuatro niñas, Alma, Erika, Angelika y Lenka, pasan su juventud en la misma granja del norte de Alemania. A medida que la casa evoluciona a lo largo de un siglo, los ecos del pasado perduran en sus paredes. Aunque separadas por el tiempo, sus vidas empiezan a reflejarse.

La película, con guion a cargo de la propia Mascha Schilinski junto a Louise Peter, está protagonizada por Hanna Heckt, Lena Urzendowsky, Laeni Geiseler, Susanne Wuest, Lea Drinda, Luise Heyer, Filip Schnack, Luzia Oppermann, Lucas Prisor, Konstantin Lindhorst, Gode Benedix, Martin Rother, Bärbel Schwarz y Florian Geißelmann.  

 

Proyecciones Xcèntric: Radio Liberación. Por un cine musical revolucionario

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Abajo y a la izquierda (Martín Baus, 2025)

En las películas de esta sesión, el cine despliega las potencias musicales, sonoras y vibrantes de la denuncia y el activismo anticolonial. Narrada y cantada por primera vez en su idioma criollo, Mujeres de Surinam ofrece un retrato de las voces y las luchas de un país que acababa de alcanzar la independencia. Por otro lado, Abajo y a la izquierda reúne recortes y archivos sonoros de emisoras de radio guerrilleras para confrontar nuestro presente.

Después de 300 años de dominio colonial ejercido por los Países Bajos, Surinam finalmente logró su independencia. Sin embargo, empresas neerlandesas y norteamericanas mantenían vigente la explotación, el racismo y el empobrecimiento masivo de la población. Para dar cuenta de la situación, Mujeres de Surinam nos invita a conocer las vidas de madres solteras, agricultoras, maestras, desempleadas y migrantes. Estructurada por canciones populares y de protesta, fue producida por Cineclub Vrijheidsfilms, que manejaba una red de distribución y producción de cine militante en los Países Bajos, y por LOSON, la organización nacional neerlandesa para los surinameses.

Siguiendo la tradición del Tercer Cine, el cineasta chileno Martín Baus pone de manifiesto el extractivismo ecológico de Holcim, una compañía suiza de cemento y otros materiales de construcción que actualmente administra reservas naturales en Latinoamérica. Abajo y a la izquierda propone un collage de archivos visuales (con registros del paisaje, fotografías de figuras revolucionarias, palabras y consignas históricas) y archivos sonoros (la voz de Jean-Luc Godard, programas de radio rebeldes o un merengue de Luis «Terror» Días), apilados como capas geológicas para sintonizar nuestro tiempo. Ante el desgaste y la desilusión, estas películas expresan la necesidad de producir objetos artísticos que acompañen las luchas, para que transmitan y transformen la energía en resistencia.

Abajo y a la izquierda, Martín Baus, 2025, 16 mm y digital, Ecuador, Chile, Suiza, 14 min, VOSE; Mujeres de Surinam (Oema foe Sranan), At van Praag, 1978, 16 mm a DCP, Surinam, Países Bajos, 56 min, VOSE.

Fecha: 25 enero 2026

Horario:18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.