Autor: Administrador

La era de los pioneros

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La era muda es uno de los periodos más apasionantes de la historia del cine. Fueron años de libertad y experimentación en que los grandes pioneros exploraron las posibilidades expresivas de una forma artística por entonces nueva. Este libro propone un repaso a esa época a través de los títulos fundamentales de la era muda, que nos permitirán descubrir los grandes autores y las tendencias de esos años. Se trata tanto de títulos emblemáticos como de otros más desconocidos a la espera de ser redescubiertos: todos ellos cimentaron las bases del cine que vendría después. Mediante citas y alusiones, estas películas rinden homenaje al legado fílmico recibido. Y nos recuerdan que pocas experiencias resultan tan estimulantes y poderosas como la del espectador que se abandona a la pantalla para participar de otros mundos y otras vidas.

El autor

Licenciado en Comunicación Audiovisual y máster en Estudios de Cine Contemporáneos. Es autor del blog de reseñas cinematográficas El gabinete del doctor Mabuse (creado en 2009) y el blog dedicado al cine mudo El testamento del doctor Caligari (creado en 2013). Ha publicado los libros Criaturas del cine expresionista alemán y The Room. Un desastre fílmico convertido en obra de culto, y ha contribuido con un capítulo en el libro oficial del Festival de Terror de Molins de Rei 2020, titulado «La naturaleza se rebela». Escribe mensualmente para la revista Versión Original y colabora en medios como Transit o Quadern de les Idees, les Arts i les Lletres. También imparte cursos sobre cine en centros culturales y en el Museo de Cine de Girona. En 2023, recibió el Premio Ramón Perdiguer a la Pasión por el Cine, otorgado por las Jornadas de Cine Mudo de Uncastillo, en reconocimiento a su labor divulgativa sobre el cine de la era muda.

Autor: Guillermo Triguero Moreno, Editorial: ‎ EDITORIAL UOC S.L, Col·lecció: Filmografías esenciales, Páginas: 174

La codependencia en clave de horror, tráiler para «Together» de Michael Shanks

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Fue una de las películas de género fantástico más comentadas del pasado Festival de Sundance, Together, cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Neon y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, supone una nueva vuelta de tuerca a la temática del body horror, aquí expuesto a modo de metáfora sobre las relaciones de pareja. La película, que supone el debut en el largometraje del australiano Michael Shanks, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 1 de agosto, a nuestro país, supuestamente previo paso por el Festival de Sitges llegará tres meses después, el 31 de octubre.

En Together vemos como una pareja con problemas en su relación se muda al campo, donde descubren una cueva con una fuerza sobrenatural. Al beber agua de la cueva, comienzan a experimentar transformaciones físicas y emocionales que reflejan su codependencia.

La película, con guion a cargo del propio Michael Shanks, está protagonizada por Dave Franco, Alison Brie, Damon Herriman, Sunny S. Walia, Jack Kenny, Mia Morrissey, Sarah Lang, MJ Dorning, Karl Richmond, Melanie Beddie, Tom Considine, Charlie Lees y Rob Brown.

Filmin estrena en España «Blossoms Shanghai», la primera serie dirigida por Wong Kar Wai

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El director chino culmina su trilogía iniciada con “Deseando amar” y “2046” con esta serie cuyos primeros 15 episodios estarán disponibles en Filmin a partir del 17 de junio. España será el primer país europeo en el que podrá verse la serie después de su exitoso estreno en China.

Filmin estrenará el próximo 17 de junio “Blossoms Shanghai”, la primera serie creada y dirigida por Wong Kar Wai. Auténtico fenómeno social en China, cuya emisión se produjo a finales de 2023, la serie es un verdadero regalo para los fans del director de “Deseando amar” y “2046”, dos de las películas más importantes del cine de autor contemporáneo, junto a las que “Blossoms Shanghai” completa una singular trilogía centrada en el amor, la nostalgia, la soledad y el paso del tiempo. La serie consta de 30 episodios, y los 15 primeros se estrenarán a Filmin en junio, a razón de cinco nuevos episodios cada semana, los martes 17 y 24 de junio, y el 1 de julio. 

Una novela de éxito“Blossoms Shanghai” es una adaptación de “Blossoms”, novela escrita por Jin Yucheng y publicada en 2013 en China, que se ha convertido en un referente de la literatura contemporánea del país. Se considera una obra fundamental sobre la vida en Shanghái que abarca desde la década de 1960 hasta principios del siglo XXI, y ha sido la materia prima idónea para que Wong Kar Wai realice su particular homenaje a su ciudad natal en su momento más fascinante de la historia reciente. Es, en palabras del propio director, su «In the Mood for Shanghai».

“Blossoms”, que no ha sido editada en España, ha sido reconocida desde su primera publicación con numerosos premios, entre los que destaca el Premio Mao Dun de Literatura, el galardón literario más prestigioso de China para novelas escritas en chino.

El Gran Gatsby de Shanghai

Ambientada principalmente en el Shanghái de los años 90, “Blossoms Shanghai” narra el ascenso de Ah Bao, un joven de origen humilde que, tras perder la fortuna familiar durante la Revolución Cultural, se reinventa y se convierte en un carismático millonario en la ciudad más vibrante de China. Ah Bao es visto como el “Gatsby” de Shanghái: elegante, ambicioso y siempre en el centro de la vida social y empresarial de la ciudad.

La serie comienza el 19 de diciembre de 1990, cuando abre la Bolsa de Shanghái, marcando el inicio de un boom económico sin precedentes. En este contexto de oportunidades y riesgos, Ah Bao aprovecha el auge para construir su fortuna, enfrentándose a desafíos, traiciones y rivalidades en un entorno donde la riqueza puede surgir y desaparecer de la noche a la mañana.

A lo largo de 30 episodios, la historia sigue a Ah Bao en su camino de autoinvención, mostrando sus relaciones con tres mujeres clave, quienes representan los grandes ideales de su vida: el amor, la aventura, el honor y la inocencia. Estas mujeres y sus historias personales se entrelazan con la de Ah Bao, reflejando las transformaciones de la ciudad y de sus habitantes.

El Gregory Peck de China

El protagonista de “Blossoms Shanghai” es el actor de 42 años Hu Ge, nacido en Shanghái y embajador turístico de la ciudad protagonista de la serie. Visto en películas como la candidata a la Palma de Oro del Festival de Cannes, “El lago del ganso salvaje” (2019), es conocido por su elegancia, versatilidad y profundidad interpretativa, lo que le ha valido el apodo de “el Gregory Peck de China”.

Hu Ge es además de actor, un reconocido cantante en China. Ha lanzado varios álbumes y sencillos a lo largo de su carrera, incluyendo discos como “Start” (2006), “Treasure” (2008) y “Blue Ray” (2013), e interpreta en un vídeo “Steal Your Heart”, el tema principal de la banda sonora de “Blossoms Shanghai”, que originalmente fue un éxito de la estrella pop de Hong Kong, Jacky Cheung.

Hu Ge es acompañado en el reparto por actrices como Ma Yili (“My People, My Country”), Tang Yan (“Chinese Paladin”) y Xin Zhilei (“The Rescue, equipo de rescate”).

Un enorme éxito en China

La serie ha sido un fenómeno en China desde su estreno en diciembre de 2023, consolidándose como uno de los mayores éxitos televisivos recientes del país:

  • Fue la serie número 1 en China durante 14 de los 15 días que duró su emisión, manteniéndose en la cima de las audiencias hasta su final el 9 de enero de 2024.
  • Ocupó el primer puesto en Tencent Video (la mayor plataforma de streaming del país) y lideró la audiencia en los cuatro principales canales de televisión de China: CCTV 1, CCTV 8, Dragon TV de Shanghái y Jiangsu TV.
  • En la red social Douban, equivalente a IMDB en China, la serie alcanzó una puntuación de 8,5 sobre 10, inusualmente alta para una serie china.
  • En redes sociales, el impacto fue masivo: más de 10.000 millones de visualizaciones de temas relacionados en Weibo y Douyin, 234 tendencias número 1 y más de 7,9 millones de publicaciones sobre la serie solo en Weibo.
  • La canción principal de la serie, “Steal Your Heart”, de Jacky Cheung, volvió a ponerse de moda y lideró las listas musicales en China durante varias semanas, 30 años después de su lanzamiento.

FlixOlé celebra el centenario de Eugenio Martín con dos estrenos y una colección especial

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FlixOlé rinde homenaje a Eugenio Martín en su centenario con el estreno de dos versiones restauradas de sus filmes: Duelo en el Amazonas (1964) y La última señora Anderson (1971). Ambos títulos llegarán a la plataforma el próximo viernes, 9 de mayo, junto a una colección que recorre la obra del conocido como cineasta de todos los géneros.

El 15 de mayo se cumplen 100 años del nacimiento de este inclasificable autor con numerosos pseudónimos —Herbert Martin, Martin Herbert o Gene Martin— que firmó una de las filmografías más variadas del cine español. Así se recoge en el especial programado por FlixOlé, que incluye desde el spaghetti western que fascinó a Quentin Tarantino, El precio de un hombre (1967), hasta la recordada Pánico en el Transiberiano (1972).

Eugenio Martín hizo sus primeros pinitos como ayudante de importantes realizadores extranjeros, entre los que se encontraban Michael Anderson, Terence Young y Nicholas Ray. Ya como director, se sumergió en cosmos cinematográficos tan dispares como el fantaterror, el suspense, el western, la ciencia ficción e, incluso, el musical. A su facilidad de encarar cualquier registro se sumó el abanico de nombres que desfilaron delante de su cámara, y que abarcaba tanto estrellas españolas —Aurora Bautista, Alfredo Landa, José Sacristán, Lola Flores, Ángela Molina, Julio Iglesias, Emma Penella y Rocío Dúrcal— como leyendas del star system europeo y hollywoodiense —Peter Cushing, Carroll Baker, Gina Lollobrigida, James Mason, Judy Geeson, Gillian Hills y Telly Savalas—.

Eugenio Martín fue una de esas voces que predicaron en el desierto y que terminaron por convertirse en autorizadas dentro de un cine de género que él mismo contribuyó a engrandecer, construyendo con un estilo propio todo un imaginario que alimentó la taquilla y sirvió de inspiración a los cineastas que le siguieron —Álex de la Iglesia, Víctor Matellano y el productor Enrique Lavigne, entre otros—. A pesar de la importancia que guarda en la historia del séptimo arte del país, su figura no ha contado con el reconocimiento que se merece; sí en clave internacional, donde se le considera un autor de culto. 

     Estrenos remasterizados, Duelo en el Amazonas

En una época marcada por la estrechez presupuestaria, los atropellados rodajes y la falta de interés en la producción de este tipo de películas, Eugenio Martín se desenvolvió con soltura en el mercado internacional. Recurrió a la coproducción con otros países para sacar adelante proyectos como Duelo en el Amazonas, codirigido con Franz Eichhorn y protagonizado por el francés Pierre Brice y la actriz británica Gillian Hills. En el largometraje, dos amigos de un piloto desaparecido en la selva brasileña organizan una expedición para encontrarlo. En este peligroso viaje los acompañan tres individuos que intentan hacerse con una escultura de oro.

Serpientes, tribus aborígenes, paisajes arrebatadores, escenas de acción y romance se fusionan en una de las aventuras más entretenidas y emocionantes de los años 60 en la gran pantalla. Filmada con artesanía por Eugenio Martín, esta olvidada película, que en su estreno atrajo a más de un millón de espectadores a las salas, llega en exclusiva a FlixOlé tras haber sido remasterizada en sus laboratorios.

Incorporación La última señora Anderson

Y del cine de aventuras al suspense. La plataforma ampliará su listado de títulos dirigidos por Eugenio Martín con la incorporación a su catálogo de La última señora Anderson. Thriller psicológico con un reparto encabezado también por rostros internacionales, Carroll Baker y Michael Craig, junto a un José Luis López Vázquez que se pasea por Londres con un tupé y bigote de tono oxigenado.

La historia presenta a Arthur Anderson, un adinerado hombre que encuentra el cadáver de su esposa flotando en la piscina. Todo indica que ha sido un accidente. Sin embargo, con ésta ya son cuatro las mujeres que fallecieron en trágicas circunstancias después de contraer matrimonio con Arthur, quien ha cobrado grandes sumas de dinero de la aseguradora tras las defunciones. Mientras un inspector intenta esclarecer los hechos, una misteriosa y bella Julie Spencer aparece en la vida de Arthur.

La última señora Anderson demuestra la sofisticación del director con la puesta en escena, su trabajo con los actores y su habilidad para jugar con los códigos del terror y el suspense en una película con tintes de giallo italiano; no exenta de episodios humorísticos protagonizados por López Vázquez.

Colección Centenario Eugenio Martín

Los dos estrenos se incluirán dentro de la colección que FlixOlé ha programado para homenajear y reivindicar el legado del maestro del cine de género español. Un especial que recorre las diversas facetas e iconografías cinematográficas de Eugenio Martín. Comenzando por Pánico en el Transiberiano, un clásico del fantaterror español protagonizado por Christopher Lee y Peter Cushing donde la vida extraterrestre y los zombis coinciden en un mismo vagón.

Cuesta creer que su obra más celebrada surgiese de la necesidad de amortizar la maqueta de la locomotora que el propio director empleó en su rodaje anterior: El desafío de Pancho Villa (1971), un ejemplo de los spaghetti western que firmó. Experto en las películas de vaqueros, rodó auténticos clásicos, ya disponibles en la plataforma: El hombre de río Malo (1971), con James Mason, Gina Lollobrigida y un Lee Van Cleef convertido en líder de una banda de forajidos; y El precio de un hombre (1967), una de las mejores películas del Oeste, según Quentin Tarantino, que dio a conocer a Tomas Milian por su papel de forajido.

Completan la colección el inquietante thriller Hipnosis (1962), en el que Eugenio Martín hizo gala de su sobresaliente narrativa visual al tiempo que se adentró en los misticismos de la ventriloquía; así como dos musicales producidos para aprovechar el tirón de dos estrellas del momento: Julio Iglesias, en La vida sigue igual (1969); y Rocío Dúrcal, con Las Leandras (1969).

«Steppenwolf» review

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En un intento desesperado por encontrar a su hijo desaparecido, Tamara le ofrece una recompensa a un exinvestigador amoral y con métodos muy poco ortodoxos. Pero ella está decidida, cueste lo que cueste…

Presentada en la pasada edición del festival de Sitges dentro de la Sección Òrbita, la interesante Steppenwolf vendría a ser un buen ejemplo de esa clase de autorías, cada vez más escasas en el actual panorama cinematográfico, que desafían su incursión en los géneros por medio de exacerbados formulismos, aquí expuestos a través de un relato que hace hincapié en ese concepto de la redención, epígrafe argumental que nos podría remitir a cualquier película de la saga Mad Max, que explora la naturaleza dual del ser humano. La película nos relata la odisea de una madre que intenta encontrar a su hijo desaparecido; la progenitora, con serios problemas de comunicación, le ofrece una recompensa a un mercenario amoral para poder recuperarlo. A partir de dicha premisa argumental, la historia se sitúa en un mundo donde el bien parece no existir, desarrollada bajo coordenadas cercanas al thriller y el western, unión genérica que da como resultado una suerte de gótico estepario que incide en la desolación paisajística a la hora de retratar un escenario árido, como son las estepas kazajas y sus aldeas desoladas.

Partiendo de la premisa principal de la novela de Hermann Hesse, Steppenwolf expone una narrativa que mezcla minimalismo, realismo y absurdo, dentro de un marco estético austero, donde su tono nihilista no deja de ser una suerte de antítesis con relación a las complejidades que muestran sus personajes, por ese motivo, no es baladí que el realizador kazajo Adilkhan Yerzhanov demuestre una inusual gama versátil, pues Steppenwolf abarca sin ningún tipo de pudor infinidad de registros, en realidad, son muchas películas en una sola: de carretera, de samuráis, de mafiosos, thriller distópico, drama de venganza o comedia grotesca.

Con una prolífica trayectoria a sus espaldas, en 2024 ha rodado tres películas, el cine de Yerzhanov empieza, por fortuna, a ser conocido en determinados ámbitos, con anterioridad el Zinemaldia ya nos había puesto tras su pista proyectando títulos como la también estupenda A Dark-Dark Man (2019) o Yellow Cat (2020), piezas pertenecientes a una obra cuya virtud radica en no recurrir a procedimientos convencionales, mediante la apropiación de conceptos ajenos a un imaginario propio, del que habrá que estar muy atento en el futuro.

El Festival de San Sebastián dedicará la retrospectiva de la 73ª edición a la guionista Lillian Hellman

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La autora estadounidense trabajó junto a William Wyler, Arthur Penn, William Dieterle y George Roy Hill, entre otros cineastas

La guionista Lillian Hellman, nombre esencial del Hollywood clásico que trabajó junto a cineastas como William Wyler, Arthur Penn, William Dieterle o George Roy Hill, protagonizará la retrospectiva de la 73ª edición del Festival de San Sebastián. Organizado por el Festival y la Filmoteca Vasca, en colaboración con Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación de un libro sobre Hellman escrito por tres autoras y centrado en todas las vertientes de su carrera.

Lillian Hellman (1905-1984) ha sido durante años un absoluto enigma. La dramaturga, novelista y guionista estadounidense vivió épocas convulsas, de la Gran Depresión a la caza de brujas macarthista, tiempos reflejados a lo largo de una obra que, aun resultando misteriosa, también ha sido muy reivindicada, sobre todo en su vertiente cinematográfica. El Festival de San Sebastián se propone celebrar su trabajo con esta retrospectiva que incluye toda su obra para cine, esencial para entender evoluciones estilísticas, temáticas e ideológicas en el Hollywood desde los años 30 hasta los 60.

Con solo enumerar tres de las películas en las que estuvo implicada, ya sea como guionista de textos ajenos o adaptando sus propias piezas teatrales, está todo dicho: The Little Foxes (La loba, 1941), film de William Wyler con guion de Hellman a partir de su propia obra teatral y con Bette Davis como protagonista; The Children’s Hour (La calumnia, 1961), otro trabajo de Wyler que parte de una compleja pieza de la escritora sobre los rumores falsos que atañen a dos profesoras de escuela (Audrey Hepburn y Shirley MacLaine), en el que ella también participó como guionista; y The Chase (La jauría humana, 1966) de Arthur Penn, notable radiografía de la violencia y racismo extendidos en la sociedad del sur estadounidense, que Hellman escribió a partir de la novela de Horton Foote con Marlon Brando, Jane Fonda y Robert Redford en el reparto.

Con William Wyler estableció una buena relación, ya que además de los dos filmes citados, dirigió These Three (Esos tres, 1936), la primera versión de la pieza The Children’s Hour que director y escritora volverían a acometer en La calumnia: es un insospechado, por moderno, estudio de caracteres en el que la calumnia se ceba en dos profesoras a las que una niña acusa de tener relaciones. La loba, como La jauría humana, está ambientada en un sur déspota y esgrime otro espléndido retrato de personajes arribistas. Hellman y Wyler también colaboraron en Dead End (1937), película que combina drama social con cine negro.

Hellman había debutado en el cine como guionista en 1935 con The Dark Angel (El ángel de las tinieblas), de Sidney Franklin, un melodrama romántico apuntalado en los efectos emocionales de la posguerra. Su trayectoria en el cine corrió en paralelo a la teatral y a la escritura de varios libros de memorias donde alternó ficción y realidad. Situada en el centro de varios debates, inventó nuevos conceptos en la dramaturgia estadounidense, tuvo una bien aireada rivalidad con la novelista Mary McCarthy y mantuvo siempre posturas de izquierdas.

En la vertiente ideológica fue crucial su relación con Dashiell Hammett. El autor de novelas fundamentales del género negro como Cosecha roja o El halcón maltés, comprometido con la izquierda y con el Partido Comunista americano, está bien presente en uno de los libros de memorias de Hellman, Pentimento (1973). Fue llevado al cine por Fred Zinnemann en Julia (1977), con Jane Fonda como Hellman, Jason Robards en el papel de Hammett y Vanessa Redgrave como Julia, la amiga de infancia de la escritora con la que retoma su amistad en Viena durante los tiempos inclementes del auge del nazismo. Su tercer libro autobiográfico, Scoundrel Time (Tiempo de canallas, 1976), se centra en el periodo de la caza de brujas y el comité de actividades antiamericanas. La actriz Kathy Bates dirigió en 1999 el telefilme Dash and Lilly, centrado en la relación entre Hammett y Hellman.

Participó, como adaptadora o como adaptada, en películas de Lewis Milestone –The North Star (1943)–, William Dieterle –The Searching Wind (1946)–, Michael Gordon –Another Part of the Forest (1948)– y George Roy Hill – Toys in the Attic (Cariño amargo, 1963)–, y también colaboró, aunque sin acreditar, en una de las películas fundamentales de la izquierda cinematográfica: The Spanish Earth (Tierra de España, 1937), documental de Joris Ivens sobre la Guerra Civil española en cuya escritura participaron igualmente Ernest Hemingway y John Dos Passos.

Un festival de cine clásico

Desde 2024, la retrospectiva del Festival de San Sebastián se enmarca dentro del programa Klasikoak, impulsado por el Festival y la Filmoteca Vasca a modo de festival de cine clásico expandido en el tiempo y en el espacio. Así, Klasikoak agrupa tres ciclos bajo el mismo sello: las películas de la retrospectiva, los títulos de la sección Klasikoak que se proyectan durante el Festival en septiembre y la docena de filmes restaurados que la Filmoteca programará en el ciclo homónimo del último trimestre del año en distintas instituciones culturales de la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y el País Vasco francés.

Klasikoak es heredero de la tradición histórica del Festival de San Sebastián por recuperar la obra de cineastas, épocas, temáticas o lenguajes cinematográficos que activó prácticamente desde sus inicios, con la retrospectiva dedicada a René Clair en 1959, y de la decidida apuesta de la Filmoteca Vasca tanto por la restauración de películas como por su divulgación.

Entre el body horror e imaginarios apocalípticos, primer tráiler para «Else» de Thibault Emin

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En un pasado año marcado por el revival del subgénero del body horror, causado principalmente por el éxito comercial y crítico de The Substance de Coralie Fargeat, Else, debut en la dirección del realizador Thibault Emin cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a un par de carteles oficiales, supuso posiblemente la mirada más arriesgada e interesante sobre dicha temática en el pasado 2024. La película, tras pasar por los festivales de Toronto y Sitges entre otros, se estrenará comercialmente en Francia a finales del mes de mayo.     

En Else vemos como un romance florece entre un hombre introvertido y una mujer segura de sí misma, pero su relación afectiva se enfrenta a una amenaza cuando una extraña epidemia hace que los infectados se fusionen con su entorno a través de formas monstruosas, atrapando a la pareja en una pesadilla sin fin, que conforme avanza cambia de forma físicamente.

La película, con guion a cargo del propio Thibault Emin junto a Alice Butaud y Emma Sandona, está protagonizada por Lika Minamoto, Matthieu Sampeur y Edith Proust.

La gramática del cine

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El cine es un arte multidisciplinario en el que confluyen la literatura, las artes visuales, la música y las artes escénicas. Sin embargo, el lenguaje cinematográfico tiene un vocabulario propio y una serie de técnicas y reglas específicas. Enfoque, encuadre, movimientos de cámara, montaje, raccords, transiciones y efectos visuales conforman los medios de expresión que permiten al director contar una historia, generar climas y transmitir emociones. La gramática del cine es una herramienta imprescindible para estudiantes de cine, artes audiovisuales y amantes del séptimo arte que quieran conocer y comprender estos recursos. A partir de esquemas y del análisis de escenas de grandes películas de todos los tiempos −clásicas, de género y contemporáneas−, este libro permite identificar de manera sencilla y clara los mecanismos secretos que dan vida a la magia del cine., aprende a sobreponerse a la incertidumbre desde la confianza en Dios. También hay Cielo es un testimonio explícito de la ayuda divina que el creyente sabe que recibe cuando abraza su Cruz.  temas de los que se ocupaba. Si el lector nunca ha escuchado hablar de Banksy, este libro es todo lo que necesita para meterse en una discusión de bar acerca del hombre y de su leyenda.

Autor: Yannick Vallet, Editorial: LA MARCA EDITORA, Páginas: 280

El cine de animación más cutre llega al mk2 Cine Paz de Madrid el 9 de mayo con la proyección del plagio coreano de «Mazinger Z» restaurado en 4K

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El cine de animación más cutre llega al mk2 Cine Paz de Madrid el 9 de mayo con la proyección del plagio coreano de “Mazinger Z” restaurado en 4K

Se trata de “Robot Taekwon V” de 1976, un filme “tan ingenuo como entusiasta, que adapta torpemente los clichés del anime japonés al contexto surcoreano, con resultados tan surrealistas que parecen fruto de un arrebato de fervor nacional con rotuladores y muchas prisas”, según los organizadores.

La sesión, que tendrá lugar a las 22:30 horas, está organizada por los responsables del festival internacional CUTRECON y la distribuidora Trash-O-Rama.

Entradas ya a la venta en taquilla y online a través del siguiente enlace.

“Robot Taekwon V” (1976), el plagio surcoreano de “Mazinger Z”, se proyectará el 9 de mayo a las 22:30 horas en el mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral, 125) de Madrid, en una sesión única que contará con una espectacular copia remasterizada en 4K y doblada al castellano, gracias al trabajo conjunto del festival internacional CUTRECON y la distribuidora Trash-O-Rama.

De esta manera, el peor cine de animación aterriza en la capital con esta rareza oriental que ha pasado de símbolo nacionalista a joya involuntaria del despropósito audiovisual. “Cuando Corea del Sur decidió crear su propio Mazinger Z sin tener ni el presupuesto ni demasiada idea, nació este disparate animado: un robot gigante que, como es coreano, en lugar de lanzar rayos o cohetes, reparte… ¡Patadas de taekwondo!”, cuenta entre risas Carlos Palencia, director de CUTRECON y presentador de la sesión. Según sus propias palabras, se trata de “una copia tan ingenua como entusiasta que adapta torpemente los clichés del anime japonés al contexto local, con resultados tan surrealistas que parecen fruto de un arrebato de fervor nacional con rotuladores y muchas prisas”.

Estrenada con gran éxito en los años 70 como un producto profundamente nacionalista, hoy la película se disfruta por motivos muy distintos, explica Palencia. En este sentido, añade que “su seriedad mal entendida, sus combates marciales sin sentido y su animación de feria convierten esta reliquia en un espectáculo tan ridículo como adorable que no se parece a nada… Excepto a Mazinger con cuernos y complejo de Bruce Lee”.

La historia sigue al joven piloto Kim Hoon, un maestro de taekwondo que controla un robot gigante creado para defender Corea del Sur de los malvados planes de una organización secreta que, por supuesto, incluye monos mutantes, naves con forma de calamar y todo tipo de desvaríos visuales.

El film, restaurado recientemente por la Korean Film Archive, representa un hito de la animación asiática y es, al mismo tiempo, un desternillante festín de errores narrativos y momentos inverosímiles. La proyección será presentada por Palencia, quien compartirá anécdotas y claves para disfrutar aún más de esta rareza de culto.

Además, como es habitual en las sesiones organizadas por CUTRECON y Trash-O-Rama, se permitirá la libre participación y los comentarios espontáneos del público, «para hacer aún más divertido el visionado», indican desde la organización.

Carlos Palencia, periodista especializado en cultura, es creador y director de CUTRECON, el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid y actualmente colabora en el programa “Mañana Más” de Ángel Carmona en Radio Nacional de España.


ENTRADAS YA A LA VENTA

Las entradas para la proyección de “Robot Taekwon V” el viernes 9 de mayo a las 22:30 horas en el mk2 Cine Paz de Madrid ya están disponibles en la taquilla del cine y online a través del siguiente enlace.

CUTRECON es el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, un evento anual donde se proyectan «algunas de las peores películas del mundo» y que ya ha celebrado catorce exitosas ediciones. La decimocuarta edición tendrá lugar a comienzos de febrero de 2026.

Trash-O-Rama Distribución es un sello especializado en cine raro y de culto, que rescata y edita algunas de las películas más insólitas del mundo en ediciones blu-ray para coleccionistas.

“Sala:B”. Tarde a la torera

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Tú solo (Teo Escamilla, 1984). España. 35mm. Color. 94´

El primer torero porno (Antoni Ribas, 1986). España. 35mm. Color. 91´

En plena feria de San Isidro aprovechamos para organzizar una sesión que torea el cine convencional muy al estilo «Sala:B», irreverente y fascinado, porque, como dice nuestro invitado el escritor Rubén Lardín, “la tauromaquia es una de esas cosas de verdad, una de esas cosas puras que no sirven para nada”.

En El primer torero porno, una activista feminista y un torero catalán independentista ven cómo sus ideales políticos complican su existencia con múltiples contradicciones, hasta el punto de plantearse representar un número porno en un cabaret de Barcelona. Esta comedia tan política como desvergonzada de Antoni Ribas (La ciutat cremada) se rodó a la vez que Matador de Almodóvar, aunque podría estar más conectada con el espíritu punk de las primeras películas del manchego. Lo que interesa a Ribas es sacarle punta a estas situaciones absurdas que generan personajes posiblemente caricaturizados, pero tan reconocibles en la sociedad de entonces como en la actual. Si el humor puede resultar hoy grotesco y de brocha gorda, el trasfondo no parece tan anacrónico y algunos chistes recobran una vigencia que da que pensar. Quizá por eso, en el momento de su estreno, Ribas denunció el veto de TVE a su película, a la que retiraron toda promoción. Nuestro invitado, el escritor Rubén Lardín, la define así: “El primer torero porno entra al trapo de la comedia erótica, la de enredo y situación, el comentario social y hasta la sátira política, y si bien no cuaja una faena memorable, resuelve con admirable vergüenza torera su espectáculo local de variedades.”

Un par de años antes llegaba a las carteleras Tú solo, único largometraje del célebre director de fotografía Teo Escamilla (lo fue de La ciutat cremada de Ribas, entre otras), protagonizado por los jóvenes alumnos de la Escuela de Tauromaquia de Madrid que nos cuentan sus sueños y sus miedos a la hora de enfrentarse al toreo. Es decir, un contexto perfecto para entender el salto desde Los golfos de Carlos Saura (1960) hasta el cine quinqui de los ochenta. Dicen que Escamilla tuvo vocación torera y que fue cámara taurino en TVE, lo que explicaría la verdad que rezuma este semi-documental con futuras figuras como Joselito (José Miguel Arroyo), banderilleros como el Sevillita (Manuel Muñoz), o el inolvidable Cascorrito, que se mezclan con algún actor profesional, el Chino Torero (Gulliver) y música de Vainica Doble. Apunta Lardín que Tú solo es “un documental con fugas, singular ya en su día, y tal vez el eslabón perdido entre el cine taurino folclórico y las Tardes de soledad de Albert Serra.”

Presentan la sesión el escritor Rubén Lardín, autor de Las ocasiones, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10´. (Total sesión: 195´)

La memoria como campo de batalla: los 29 títulos a concurso que definen Documenta Madrid 2025

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13 títulos componen la Competición Nacional, con relatos que activan una mirada íntima sobre el paisaje, la disidencia, los cuidados y las comunidades que los habitan

Corte Final presenta cuatro obras españolas aún en montaje, donde el ensayo personal sirve para abordar desapariciones, memorias silenciadas y vínculos familiares

El jurado internacional combina perfiles del ámbito artístico, cinematográfico e institucional, con figuras como Andrei Ujică, Alejandra Trelles o Frédéric Maire

Todas las secciones competitivas otorgan premios del jurado y del público, además del galardón Fugas, que reconoce la innovación formal y el riesgo creativo

El festival Documenta Madrid 2025, organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento, convierte la ciudad en un mapa de memorias vivas y relatos insumisos del 6 al 11 de mayo. En su 22ª edición, este festival internacional de cine despliega 25 películas en competición y cuatro proyectos en fase final de montaje que desafían las formas del documental desde lo íntimo, lo político y lo experimental. Las sedes colaboradoras —Filmoteca Española, Museo Reina Sofía, La Casa Encendida, ECAM y Fundación Casa de México/UNAM-España— serán el escenario de un cine que no teme mirar atrás para repensar el presente.

Bajo la dirección artística de Luis E. Parés y del comité de programación integrado por Paola Buontempo, Javier H. Estrada, Ruth M. Somalo y Florencia de Mugica, el festival consolida una línea curatorial centrada en el impulso al cine nacional, el cine de archivo como herramienta de memoria y el documental de autor como motor estético y político. Con una imagen renovada que invita a pensar la ciudad, el tiempo y la materialidad de este arte, Documenta Madrid 2025 reunirá en sus secciones competitivas 36.000 euros en premios y abrirá espacio a nuevas voces y miradas, tanto en sus competiciones como en sus secciones paralelas.

Un escaparate de la diversidad documental

Las secciones competitivas mantienen sus tres categorías: la Competición Internacional, la Competición Nacional y la sección Corte Final, esta última destinada a obras españolas en fase avanzada de montaje. La Competición Nacional e Internacional otorga premios tanto del jurado como del público, además de reconocer la innovación formal y el riesgo creativo mediante el galardón Fugas. Corte Final está dotado de un premio de distribución gestionado por la Agencia Freak y valorado en 4.000 euros.

Diez nacionalidades en la Competición Internacional

Las películas de la Competición Internacional exploran formas de habitar el mundo a través del cine y proceden de diez países distintos. 7 promenades avec Mark Brown (7 paseos con Mark Brown), de Pierre Creton y Vincent Barré, convierte una caminata botánica en una reflexión sobre la belleza natural; en Another other, de Bex Oluwayotin Thompson, se yuxtaponen imágenes de ficción y discursos reales para denunciar la represión ideológica; la tradición oral como identidad colectiva guía Canone effimero, de Gianluca y Massimiliano De Serio; mientras que John Lilly and the earth coincidence control office (John Lilly y la oficina para controlar las casualidades en la Tierra), de Michael Almereyda y Courtney Stephens, revisita la vida de un científico que cruzó ciencia y psicodelia.

La relación entre humanos y animales se aborda en Monólogo colectivo, de Jessica Sarah Rinland, y la memoria palestina emerge en Partition, de Diana Allan. En Postscript, de Ryan Ferko, Parastoo y Faraz Anoushahpour, se reconstruyen imágenes perdidas para reescribir la historia; y en la misma línea, Razeh-del, de Maryam Tafakory, rescata memorias enterradas en medio de la ruina.

Otros títulos denuncian violencias contemporáneas: Soixante-sept millisecondes (Sesenta y siete milisegundos), de Fleuryfontaine, reconstruye una agresión policial captada por cámaras de seguridad; The diary of a sky (Diario de un cielo), de Lawrence Abu Hamdan, convierte el espacio aéreo de Beirut en campo de batalla sonoro. La desaparición de Luciano Arruga se reconstruye desde el archivo en Todo documento de civilización, de Tatiana Mazú González, mientras que What we ask of a statue is that it doesn’t move (Lo que rogamos a una estatua es que no se mueva), de Dafné Hérétakis, imagina una estatua rebelde que escapa del museo para repensar arte y resistencia.

Competición Nacional: territorios, cuidados y formas de resistencia

Los filmes de la Competición Nacional ofrecen miradas personales sobre el territorio, la memoria y la resistencia. Cambium, de Maddi Barber y Marina Lameiro, muestra la transformación del paisaje navarro a través de una comunidad que tala un pinar. Capitolio vs. Capitolio, de Javier Horcajada, enfrenta dos memorias: la archivada y la fugaz, capturada en móviles y redes. En Deuses de pedra (Dioses de piedra), de Iván Castiñeiras Gallego, la experiencia de una joven en la frontera entre Galicia y Portugal da forma a un retrato íntimo del tiempo. Errotatiba (La rotativa) de Iratxe Fresneda Delgado, evoca el cierre del diario Egin desde los espacios abandonados. Kukuaren kanta (El canto del cuco), obra colectiva de la aldea navarra de Lerga, capta el ritmo pausado de una comunidad. La casa y el ternero, de Rocío Montaño Parreño, retrata una Madrid combativa y cotidiana.

Desde el activismo del cuidado, Las territorias, de Anna Brotman-Krass, reivindica el trabajo doméstico como símbolo de dignidad y resistencia. Locas del ático, de Tamara García Iglesias, cuestiona la representación histórica de la mujer enajenada a través de imágenes médicas y literarias, y Cuando lleguemos al claro, de Márton Tarkövi, observa la creación como vínculo silencioso entre generaciones.

La naturaleza está presente en Pneuma, de Adrià Expòsit-Goy, que propone una experiencia sensorial en el bosque. Recuerdos para el que por mí pregunte, de Fernando Vílchez Rodríguez, reconstruye la memoria de presos de la Guerra Civil a través de sus cartas, y Turismo de guerra, de Kikol Grau, mezcla humor y crítica para abordar la memoria nacional. Finalmente, Un dragón de cien cabezas, de Helena Girón y Samuel M. Delgado, especula sobre la comunicación vegetal.

Corte final, memoria y herencia

El cine de Corte Final aborda la memoria, la herencia y la supervivencia desde perspectivas íntimas y políticas. Atlas de la desaparición, de Manuel Correa, sigue a tres familias que buscan los restos de sus seres queridos desaparecidos durante la dictadura franquista. Corren las liebres, de Lorena Ros, traza un retrato coral de mujeres gitanas trans, intersexuales o migrantes que sobreviven en los márgenes con arte y dignidad. En Nos fuimos quedando solos, de Adrián Canoura, un hijo se embarca siguiendo las grabaciones que su padre filmó décadas antes en alta mar, y en La piel, de Javier Olivera, subyace la reflexión familiar entre tres generaciones unidas por fragmentos de vida filmada.

Un jurado internacional

La Competición Nacional contará con Dario Oliveira, director del festival portugués Porto/Post/Doc; Frédéric Maire, director de la Cinémathèque Suisse, y Alejandra Trelles, directora del Festival Internacional de Cine de Uruguay. En la Competición Internacional estarán Tania Pardo, directora del CA2M y comisaria artística; el cineasta rumano Andrei Ujică, protagonista de uno de los pases especiales de esta edición, y Daniel Mann, ganador de la pasada edición del festival. Por su parte, el jurado de Corte Final estará compuesto por Rafael Alberola, cineasta, guionista y responsable de ECAM Industria; María Oliva, distribuidora y fundadora de Sideral, y Luisa Espino, responsable del Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid. Una selección de perfiles que encarna el diálogo entre tradición y vanguardia, industria e innovación.

La nominada al Óscar «La semilla de la higuera sagrada» llega a Filmin el 8 de mayo

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Llega a Filmin la última película del iraní Mohammad Rasoulof («La vida de los demás»), Premio Especial del Jurado en Cannes y nominada al Óscar a la Mejor Película Internacional.

Filmin estrena el próximo jueves 8 de mayo «La semilla de la higuera sagrada», una de las películas europeas más relevantes de la temporada tras una brillante temporada de festivales y premios cuya guinda fue la nominación al Óscar a la Mejor Película Internacional. El film vivió su estreno mundial en el Festival de Cannes, donde se llevó tres premios, entre ellos el Premio Especial del Jurado. Además, fue nominado en los Premios del Cine Europeo, en los Bafta y en los César, y obtuvo también la nominación al Globo de Oro a la Mejor Película de Habla no inglesa. La octava película del iraní Mohammad Rasoulof («La vida de los demás»), estrenada en España en enero de 2025 de la mano de BTeam, es, pues, la más relevante y trascendente de toda su filmografía.

«La semilla de la higuera sagrada» se ambienta en Irán durante las multitudinarias manifestaciones en protesta por el asesinato a manos de la policía de una joven kurda. Iman (Missagh Zareh) acaba de ser ascendido como juez de instrucción en el Tribunal de la Guardia Revolucionaria. Pero las mujeres de su familia no son ajenas a la indignación y al clima revolucionario que se vive en las calles. Cuando Iman descubre que su arma reglamentaria ha desaparecido, comienza a sospechar de los suyos. Temeroso de perder su reputación y su empleo, se vuelve cada vez más paranoico, iniciando una investigación dentro de su propio hogar en la que se quebrarán todos los límites.

Cuenta Mohammad Rasoulof que tras el éxito de «La vida de los demás», ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín en 2020, tardó cuatro años en iniciar un nuevo proyecto. Este vino muy marcado por el hecho de que el director fue de nuevo arrestado en verano de 2022. Desde la cárcel de Evin vivió el estallido del llamado «Levantamiento Jina» como consecuencia de la muerte de Jina Mahsa Amini, una joven kurda de 22 años, el 16 de septiembre de 2022, cuando se encontraba en custodia policial tras ser detenida por no llevar correctamente el velo islámico. Las manifestaciones, lideradas principalmente por mujeres jóvenes, se convirtieron en el mayor movimiento de protesta en Irán desde la revolución de 1979.

«Otros prisioneros políticos y yo seguíamos los cambios sociales desde dentro de la prisión. Mientras las protestas avanzaban en una dirección inesperada y de gran alcance, nos asombraba la magnitud de las manifestaciones y la valentía de las mujeres«, recuerda Rasoulof. Con todo, el detonante del guion fue la confesión que recibió de un alto funcionario de la prisión, muy afectado por tener que apoyar la represión contra la voluntad de su pueblo: «Me dijo que quería ahorcarse frente a la entrada de la prisión. Sufría una intensa punzada de conciencia, pero no tenía el valor de liberarse del odio que sentía por su trabajo«.

La película se filmó casi en clandestinidad bajo la inquisidora mirada del régimen iraní. Con un equipo de rodaje especialmente pequeño, intérpretes muy comprometidos con la causa, y mucha valentía, «La semilla de la higuera sagrada» se hizo posible. «Durante el rodaje, a veces el miedo a ser arrestados ensombrecía al grupo, pero al final, su valentía fue la fuerza motriz que nos permitió seguir trabajando«, recuerda Rasoulof, que afirma que a pesar de todas las dificultades, cuando hay voluntad siempre se encuentra el camino: «No puedo explicar cómo sorteamos el sistema de censura gubernamental, pero es posible. El gobierno no puede controlarlo todo. Intimidando y asustando a la gente, intentan inducir la sensación de que lo controlan todo, pero este método es como una granada aturdidora: su sonido puede intimidar, pero no pueden vigilarlo todo«. Actualmente, y desde mayo de 2024, Mohammad Rasoulof vive en el exilio en Hamburgo.

Primer tráiler para «Weapons», lo nuevo de Zach Cregger

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Tres años después del éxito comercial de Barbarian Zach Cregger vuelve al género de terror con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Weapons, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Warner Bros. y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 8 de agosto de 2025.   

En Weapons vemos como cuando todos los alumnos de una misma clase, salvo uno, desaparecen misteriosamente la misma noche y exactamente a la misma hora, la pequeña ciudad donde viven se pregunta quién o qué está detrás de su desaparición.

La película con producción de Subconscious/Vertigo Entertainment/Boulderlight Pictures y guion a cargo del propio Zach Cregger, está protagonizada por Josh Brolin, Julia Garner, Alden Ehrenreich, Austin Abrams, Cary Christopher, Benedict Wong, Amy Madigan, Toby Huss, Melissa Ponzio, Aubrey Brockwell, Whitmer Thomas y Sarah Kopkin.  

La Casa Encendida y Documenta Madrid invitan a reflexionar sobre el sueño americano a través del cine de archivo

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La sección Cuando América se atrevía a soñar reúne cuatro películas que reflexionan sobre la historia reciente de Norteamérica

Todos los filmes invocan al pasado mediante la imagen de archivo, desde el mítico Henry Fonda a la visita de los Beatles a New York, pasando por el gran fotógrafo Ernest Cole y la cantante de blues Caiti Lord

El ciclo se podrá ver del 6 al 9 de mayo en La Casa Encendida, dentro de la programación paralela de Documenta Madrid 2025

Documenta Madrid, el Festival Internacional de Cine Documental del Ayuntamiento de Madrid, y La Casa Encendida colaboran en esta 22ª edición con Cuando América se atrevía a soñar, un ciclo de cuatro películas que se proyectarán durante la semana del festival, del 6 al 9 de mayo. Esta propuesta forma parte del programa Cámaras lúcidas, dedicado a películas que ayudan a pensar el presente desde una mirada crítica, política y poética.

La sección plantea una reflexión sobre cómo las cámaras pueden crear memoria e incluso visiones del mundo. En un momento de saturación visual, se apuesta por películas que piensan: sobre la sociedad actual, sobre la historia y sobre lo que está por venir. Las Cámaras lúcidas acercaban el exterior a las habitaciones de los pintores. Por ello es necesario reivindicar películas que acercan lo remoto a nuestros días, ya sea la historia, ya sean las socializaciones perdidas.

En esta edición se muestra un conjunto de películas que reflejan momentos en que la lucha, el inconformismo en forma de arte y pensamiento, fue un motor que dinamizó la vida cultural y política de Estados Unidos. Este año Cámaras lúcidas recoge cuatro películas recientes que llevarán al público a épocas “en llamas”, en las que Norteamérica se veía envuelta en crisis severas, pero en las que surgían también voces clarividentes y armónicas, convencidas de que era posible cambiar la nación y el mundo.

Los autores de estas películas consagradas a seres creativos, socialmente implicados, son extranjeros reflexionando sobre América. Cuatro miradas foráneas que aportan luz a un territorio en penumbra. Todas ellas invocan el pasado mediante la imagen de archivo, desde el mítico Henry Fonda a la visita de los Beatles a New York, pasando por el gran fotógrafo Ernest Cole y la cantante de blues Caiti Lord.

El programa incluye, del 6 al 9 de mayo respectivamente, los títulos Henry Fonda for President (Alexander Horwath, 2024, Austria), Grand Theft Hamlet (Pinny Grylls, Sam Crane, 2024), Ernest Cole: Lost and Found (Raoul Peck, 2024, Francia) y Caiti Blues (Justine Harbonnier, 2023, Francia/Canadá). Todas las proyecciones irán precedidas de una presentación por parte del equipo de Documenta Madrid.

La Casa Encendida se suma así a las sedes principales de Documenta Madrid 2025 con un programa que reivindica el archivo como campo de creación estética y como vehículo de memoria política. Esta colaboración subraya el compromiso compartido entre ambas instituciones con el cine documental de autor, la experimentación formal y el pensamiento crítico.

Documenta Madrid 2025

El festival, organizado por Cineteca Madrid, vuelve a ser el punto de encuentro del cine contemporáneo documental y de no-ficción. En esta edición se mantienen las tres secciones competitivas —Internacional, Nacional y Corte Final— con 36.000€ en premios, además del premio de distribución gestionado por la Agencia Freak, así como una potente programación paralela con retrospectivas, sesiones especiales, encuentros profesionales y talleres. La sede principal será Cineteca Madrid, que acogerá íntegramente la sección Corte Final.

Además de Cineteca, Documenta Madrid 2025 se extiende a otras sedes clave de la ciudad como el Museo Reina Sofía, Filmoteca Española, La Casa Encendida y Fundación Casa de México. Cuenta con la colaboración de ECAM, Madrid Film Office, Acción Cultural Española (ACE), el Instituto Cultural Rumano, Centro de Estudios Mexicanos UNAM-España, Embajada de Suiza, Fundación Juan March y Ricardo Bofill Taller de Arquitectura, entre otras entidades culturales nacionales e internacionales.

Warren. La editorial que revolucionó los cómics

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Creepy, Vampirella, Eerie, Famous Monsters of Filmland son algunas de las muchas revistas que Warren Publishing editó a lo largo de varias décadas, revistas que revolucionaron el mundo del cómic y del cine.

James Warren fue un editor único, un visionario con una personalidad muy particular, que construyó un imperio que en gran parte era reflejo de él.

Corben, González, Toth, Wrightson, Frazetta, Crandall, son algunos de los muchos autores legendarios que ilustraron las páginas de sus publicaciones, autores consagrados unos, jóvenes -y brillantes- promesas otros.

Ahora, de la mano del especialista Eduardo Martínez-Pinna, tenemos un volumen que recorre toda la historia de Warren, con un recuerdo especial a todos los autores españoles que formaron parte de ella.

Autor: Eduardo Martínez-Pinna, Editorial: DIABOLO EDICIONES S.L., Páginas: 320

En lo profundo del bosque, tráiler para «The Severed Sun» de Dean Puckett

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Lejos de ir en declive, el subgénero del folk horror sigue presentando propuestas en un principio interesantes, como es el caso de la británica The Severed Sun, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, dirigida por Dean Puckett, responsable del documental The Crisis of Civilization (2011), y que ya había abordado el género fantástico con anterioridad en la colectiva The Red Book Ritual (2022), tendrá un estreno limitado en cines y VOD de Estados Unidos previsto para el próximo 16 de mayo.     

The Severed Sun nos cuenta como la joven Magpie vive en una comunidad eclesiástica aislada gobernada por su padre, El Pastor. Cuando un hombre es asesinado, surge la paranoia y la gente comienza a susurrar acerca de una extraña ‘Bestia’ que al parecer vive en el interior del bosque. A medida que pasa el tiempo, la sospecha se va apoderando de la comunidad y los dedos acusadores apunta a Magpie.

La película, con guion a cargo del propio Dean Puckett, está protagonizada por Emma Appleton, Jodhi May, Lewis Gribben, Toby Stephens, Barney Harris, Oliver Maltman y James Swanton.

La animación japonesa brillará en los cines mk2 de Madrid y Sevilla durante todo mayo con ciclos dedicados a «One Piece» y Satoshi Kon

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Nace ‘animek2’, nuevo sello de programación de anime durante todo el año en las salas mk2.

El ciclo arranca con sesiones especiales en Madrid y Sevilla, que incluyen desde una retrospectiva dedicada a Satoshi Kon hasta una maratón de “One Piece” con regalos, presentaciones y sorpresas.

También se proyectarán dos de los estrenos de animación japonesa más esperados del momento: “Kaiju nº 8” y “Anzu, gato fantasma”.

Asimismo, el mk2 Cine Paz de Madrid acogerá una nueva proyección de “cine cutre” donde se proyectará la cinta de animación “Robot Taekwon V” (1976), una delirante copia coreana del clásico “Mazinger Z”.

Las entradas ya están disponibles en las páginas web oficiales de mk2 Palacio de Hielo, mk2 Nervión Plaza y mk2 Cine Paz.

La primavera trae una invasión de anime a las pantallas de mk2 con el nacimiento de ‘animek2‘, un nuevo sello con el que la cadena de cines se compromete a ofrecer durante todo el año una programación continuada de películas de animación japonesa, apostando por grandes títulos, rarezas y estrenos especiales en pantalla grande. El ciclo arrancará el domingo 4 de mayo de manera simultánea en mk2 Palacio de Hielo (C. de Silvano, 77, Madrid) y mk2 Nervión Plaza (C. Luis de Morales, 3, Sevilla), dando paso a un mes repleto de propuestas que van desde una retrospectiva completa dedicada al maestro Satoshi Kon, hasta una maratón de “One Piece” con presentaciones en directo, sorteos de regalos y muchas más sorpresas pensadas para los fans del género.

Durante los fines de semana de mayo, ambos cines desplegarán una cuidada selección de títulos que ofrece un punto de encuentro entre generaciones, desde el espectador veterano hasta quien descubra el anime por primera vez. Cada sesión estará acompañada de presentaciones especiales, sorteos de merchandising y un recorrido por distintas vertientes del género: del cine de autor más introspectivo al espectáculo visual más desatado, sin olvidar joyas poco vistas y estrenos muy esperados.

De hecho, el lanzamiento del sello coincide además con dos importantes estrenos de animación japonesa y que se integran dentro de la programación de ‘animek2‘: por un lado, “Kaiju nº 8: Misión de Reconocimiento”, una espectacular historia de monstruos y transformaciones basada en el manga superventas de Naoya Matsumoto; y por otro, “Anzu, gato fantasma”, una comedia sobrenatural con aroma costumbrista que promete conquistar al público más familiar.

Y para quienes busquen algo completamente fuera de lo común, el ciclo se atreve incluso con una proyección especial de anime coreano, “Robot Taekwon V” (1976), un delirante plagio surcoreano de “Mazinger Z” donde el clásico robot japonés es sustituido por una máquina que, en lugar de lanzar rayos, reparte patadas de taekwondo con entusiasmo nacionalista. Una joya trash animada que se podrá ver en pantalla grande gracias a la colaboración con el festival CUTRECON.

La magia, los sueños y los traumas de Satoshi Kon

Los domingos de mayo estarán dedicados a uno de los nombres más fascinantes e influyentes de la animación japonesa: Satoshi Kon, director y guionista cuya breve pero deslumbrante carrera marcó un antes y un después en el anime moderno. Colaborador del estudio Madhouse y autor de una obra profundamente personal, Kon falleció en 2010 a los 46 años, dejando tras de sí un legado que ha sido reivindicado por cineastas de la talla de Christopher Nolan o Darren Aronofsky, quienes han reconocido abiertamente su influencia.

A las 19:00h de cada domingo, se proyectará una de sus películas más emblemáticas, empezando por “Millenium Actress” (2001), una historia de amor y recuerdos que viaja por los géneros y las épocas del cine japonés, y que en Sevilla contará con la presentación de Viva Er Manga. A continuación llegará “Tokyo Godfathers” (2003), una comedia con espíritu navideño protagonizada por tres vagabundos que encuentran a un bebé abandonado en plena calle, una historia que equilibra el drama y la ternura con una sensibilidad poco habitual en el género.

En el tercer domingo será el turno de “Paprika” (2006), un torbellino psicodélico de ciencia ficción que explora los sueños compartidos y que muchos consideran una fuente de inspiración directa para “Inception” de Christopher Nolan. El ciclo se cerrará con “Perfect Blue” (1997), una joya del thriller psicológico que aborda la fragilidad de la identidad y los peligros de la fama, y que se ha convertido en una referencia ineludible del suspense animado.

“One Piece” a lo grande: maratón, regalos y presentaciones

El sábado 17 de mayo será el turno de “One Piece”, posiblemente el anime más popular del planeta, un auténtico fenómeno de masas nacido de la imaginación de Eiichirō Oda, que lleva más de veinte años conquistando generaciones con su mezcla explosiva de piratas, aventuras, humor y emociones desbordadas.

mk2 ha preparado una maratón especial con dos de las películas más recientes y espectaculares de la franquicia: “One Piece: Estampida” (2019), una aventura coral repleta de acción trepidante en la que decenas de personajes se lanzan a una carrera sin cuartel por hacerse con un tesoro legendario; y “One Piece: Red” (2022), centrada en la misteriosa cantante Uta y su vínculo con Luffy y Shanks, en una historia que combina drama, música y épica con una puesta en escena apabullante que la convirtió en un fenómeno global.

Las sesiones contarán con presentaciones en directo a cargo de expertos locales, con Viva Er Manga en Sevilla y el equipo de Impact Store —Juan Pérez y José Arce— en Madrid. Además, los asistentes podrán participar en sorteos de material exclusivo, pensados para que nadie se vaya a casa con las manos vacías.

“Kaiju nº 8: Misión de Reconocimiento” y “Anzu, gato fantasma”: estrenos del momento

El 9 de mayo se proyecta en exclusiva “Kaiju nº 8: Misión de Reconocimiento”, basada en el manga superventas de Naoya Matsumoto. La historia sigue a Kafka Hibino, un limpiador de cadáveres de monstruos gigantes que acaba convirtiéndose en uno de ellos. Acción, drama y criaturas colosales en una producción espectacular que tendrá sesiones especiales en Sevilla y Madrid, presentadas por Viva Er Manga y Aeterna Nova, respectivamente.

Una semana después, el 16 de mayo, llega a las salas “Anzu, gato fantasma”, una entrañable historia sobre una gata con poderes paranormales que ayuda a los humanos a resolver sus problemas emocionales… Aunque no siempre como ellos esperaban. Humor, ternura y un toque sobrenatural para un público más amplio, ideal para disfrutar en familia o simplemente para reconciliarse con el mundo.

Mazinger con patadas: el delirio coreano de Cinecutre

Y como opción inesperada de este mes de anime, la programación incluirá una joya inclasificable: “Robot Taekwon V” (1976), también conocido como el Mazinger coreano. Se proyectará el viernes 9 de mayo a las 22:30h en el mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral 125) de Madrid, dentro de una colaboración especial con el festival CUTRECON.

Esta película surcoreana es una copia desvergonzada de “Mazinger Z”, nacida del fervor nacionalista de los años 70 y realizada con entusiasmo, prisas y cero presupuesto. ¿El resultado? Un robot gigante que en lugar de lanzar rayos… reparte patadas de taekwondo. Una animación caótica, efectos rudimentarios, combates absurdos y una solemnidad mal entendida hacen de esta cinta un espectáculo hilarante.

PROGRAMACIÓN EN SEVILLA

mk2 Nervión Plaza

Domingo 4 de mayo – 19:00h
MILLENIUM ACTRESS – Presentada por Viva Er Manga

Viernes 9 de mayo – 20:00h
KAIJU Nº 8 – Presentación y sorteo

Domingo 11 de mayo – 19:00h
TOKYO GODFATHERS

Viernes 16 de mayo
ANZU, GATO FANTASMA (Estreno)

Sábado 17 de mayo – MARATÓN ONE PIECE
18:00h – ONE PIECE: ESTAMPIDA – Presentada por Viva Er Manga + sorteos
20:00h – ONE PIECE: RED

Domingo 18 de mayo – 19:00h
PAPRIKA

Domingo 25 de mayo – 19:00h
PERFECT BLUE

PROGRAMACIÓN EN MADRID

mk2 Palacio de Hielo + mk2 Cine Paz

Domingo 4 de mayo – 19:00h
MILLENIUM ACTRESS

Viernes 9 de mayo – 20:00h
KAIJU Nº 8 – Presentación a cargo de Aeterna Nova

Viernes 9 de mayo – 22:30h (Cine Paz)
MAZINGER COREANO: ROBOT TAEKWON V

Domingo 11 de mayo – 19:00h
TOKYO GODFATHERS

Viernes 16 de mayo
ANZU, GATO FANTASMA (Estreno)

Sábado 17 de mayo – MARATÓN ONE PIECE
18:00h – ONE PIECE: ESTAMPIDA – Presentada por Impact Store (Juan Pérez y José Arce)
20:00h – ONE PIECE: RED

Domingo 18 de mayo – 19:00h
PAPRIKA

Domingo 25 de mayo – 19:00h
PERFECT BLUE

Proyecciones Xcèntric: Penthesilea, de Laura Mulvey y Peter Wollen

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Si hay una película que establece puentes entre el cine experimental o de vanguardia y el cine político esta es Penthesilea, la primera de una serie de trabajos fílmicos que hicieron los críticos Laura Mulvey y Peter Wollen en los años setenta. Además de profundizar en algunas preocupaciones teóricas compartidas, presentes también en sus textos «Two Avant-Gardes» (Wollen) y «Visual Pleasure and Narrative Cinema» (Mulvey), escritos casi en paralelo a la realización del film, Penthesilea indaga sobre el mito de las amazonas, uno de los pocos que presentan mujeres fuertes, intentando rastrear si se trata de un orden simbólico fuera del orden patriarcal o si, por el contrario, está vinculado a él.

El punto de partida de esta película fue la obra Pentesilea, de Heinrich von Kleist, donde la primera de las cinco partes de este film muestra la representación pantomímica de esta obra teatral filmada con cámara fija. Al teatro mudo le sucede, en la segunda parte, el lenguaje verbal (hablado y escrito) de los directores y después, en la tercera parte, un complejo conjunto de imágenes (pinturas, esculturas, bajorrelieves y tiras cómicas) que remite a la iconografía de las amazonas. La cuarta parte presenta una de las primeras películas sobre el sufragio femenino, What 80 Million Women Want (1913), superpuesta por el rostro de una mujer que pronuncia las palabras de la feminista Jessie Ashley (1861-1919). La quinta y última parte contiene la imagen de cuatro pantallas de vídeo que presentan las cuatro secciones anteriores. Cada una de las partes de la película está formada por un plano continuo, una bobina de 16 mm de aproximadamente veinte minutos. De esta forma, la duración de cada rollo es la estructura que en Penthesilea crea el espacio justo para mostrar los cruces entre las distintas imágenes y versiones del mito de las mujeres amazonas a lo largo de la historia.

Penthesilea: Queen of the Amazons, Laura Mulvey y Peter Wollen,1974, 16 mm, 98 min, VOSC.

Proyección en digital. Copia procedente de BFI.

Agradecimientos: Laura Mulvey.

Fecha: 27 abril 2025

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio; 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

El Festival de Cine de Las Palmas trae a Frederick Elmes: el director de fotografía de las películas más icónicas de David Lynch

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La cita cinematográfica, que este año rinde tributo a la obra del director estadounidense, confirma la presencia de uno de sus más señalados colaboradores: el artista detrás del universo visual de Cabeza borradora, Terciopelo Azul o Corazón Salvaje

Elmes, que también ha trabajado con John Cassavetes, Jim Jarmush o Ang Lee, es recibido en el Festival como una figura «que ha estado en el centro del cine independiente norteamericano de los últimos cuarenta años”

Las Palmas de Gran Canaria, lunes 21 de abril de 2025. Atención plena a la cinematografía independiente de Estados Unidos y devoción por cineastas con trazo de autor como David Lynch. Estas han sido dos de las señas de identidad del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, que celebra su edición número 24 entre el 25 de abril y el 4 de mayo. El certamen, uno de los foros de referencia en España para la producción alejada de los grandes circuitos comerciales, contará con la presencia de una figura clave en el desarrollo del cine alternativo americano durante el último medio siglo: el director de fotografía Frederick Elmes, colaborador decisivo en algunas de las películas más destacadas del desaparecido David Lynch, a quien el propio Festival rinde tributo este año con una amplia retrospectiva.

«Contar con la presencia de Frederick Elmes no es traer a un colaborador más entre los muchos que tuvo David Lynch», como hace notar Luis Miranda, director del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. Elmes fue el director de fotografía de Cabeza borradora, primer largo del Lynch, y de Terciopelo azul, «que es seguramente la película con la que Lynch se inventa a sí mismo y con la que aparece ya plenamente configurado su mundo». Y también firmó la dirección de fotografía de Corazón salvaje, «la obra visualmente más intensa, y en la que quizá Lynch demostró más a fondo esa vocación suya por pintar con la cámara, como él mismo solía declarar».

Elmes, recuerda Miranda, fue la mano derecha de Lynch, «al menos en esos tres títulos fundamentales», en una asociación con influencias recíprocas. Por otra parte, Frederick Elmes «es un artista que ya había colaborado nada menos que con John Cassavetes, por ejemplo», y que a lo largo de su carrera ha podido trabajar con cineastas con sello de autor como Jim Jarmusch o Ang Lee. «En definitiva», subraya el director del festival de la capital grancanaria, «es alguien decisivo e importante en la conformación del estilo visual de las películas: ha estado muy en el centro de lo que ha sido la historia del cine independiente americano de los últimos cuarenta años».

Miranda, ahondando en esa colaboración Lynch-Elmes, expone como resultados destacados de la intervención del director de fotografía «el mundo de pesadilla de Cabeza borradora; el contraste entre lo ingenuo de la América juvenil y lo perverso de la América de vicio y perversión en Terciopelo Azul; y la intensidad, el apasionamiento o el aire sofocante sureño que predominan en Corazón salvaje«. «Sin Frederick», agrega, «todo hubiera sido distinto».

«Por supuesto», puntualiza Miranda, «en una obra como la del Lynch, el estilo visual lo marca sobre todo el propio cineasta, pero para eso necesita a alguien muy hábil y muy sabio para darle concreción. Para poder traducirlo». Así, remarca «es todo un privilegio para el festival poder tener a alguien que ha sido tan importante en la formación de un mundo cinematográfico como el de David Lynch».

Frederick Elmes

El interés de Frederick Elmes (1946, Mountain Lakes, Nueva Jersey, EE.UU.) por la fotografía se inició cuando su padre le regaló su cámara Leica. Al poco tiempo montó su propio cuarto oscuro para tener mayor control sobre las imágenes. Al transformar películas caseras en producciones de ficción, se fue convirtiendo en un ávido director de fotografía, que pronto lograría premios y reconocimientos en su etapa como estudiante.

Elmes estudió fotografía artística en el Instituto Tecnológico de Rochester y en la Casa George Eastman. Guiado por su pasión por el cine, profundizó en su formación en Bellas Artes en la Universidad de Nueva York, donde estudió con Beda Batka, un destacado director de fotografía checo. Batka le inculcó la idea de que la dirección de fotografía se basaba en usar la cámara para contar una historia.

Una beca del American Film Institute de Los Ángeles le llevó a coincidir con el joven David Lynch, con quien va a colaborar en el larguísimo rodaje de Cabeza borradora. Además, tuvo la suerte de conocer y trabajar con el gran icono del cine independiente: John Cassavetes. Estas dos primeras influencias y su gran admiración por el trabajo de Sven Nykvist, director de fotografía de Ingmar Bergman, llevaría a Elmes a embarcarse en largometrajes de ficción, documentales, películas para televisión y publicidad. Su filmografía ocupa un lugar honorífico en la historia del cine contemporáneo.

Además de su participación decisiva en tres obras maestras de Lynch y los mencionados cineastas, ha trabajado junto a Charlie Kaufmann, Todd Solondz o John Turturro, entre otros muchos nombres señalados del cine independiente americano.

La vida en fragmentos, primer tráiler para «The Life of Chuck» de Mike Flanagan

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Neon acaba de presentar un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Mike Flanagan The Life of Chuck, adaptación de un relato corto de Stephen King incluido en La sangre manda, antología publicada en nuestro país en 2020. La película se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 6 de junio, a nuestro país llegará de la mano de Diamond Films el 12 de septiembre.  

The Life of Chuck cuenta tres historias relacionadas con Charles Krantz, en orden inverso: A medida que esta historia retrocede, descubrimos fragmentos clave de su vida: su trabajo, su amor por la música, sus luchas personales… Un relato que entrelaza elementos realistas, con toques de fantasía, para explorar la importancia de los momentos individuales en la vida y cómo cada persona deja su huella en el universo, que va desde su muerte por un tumor cerebral a los 39 años, hasta su infancia en una casa supuestamente encantada.

La película, con guion adaptado a cargo del propio Mike Flanagan, esta protagonizada por Tom Hiddleston, Mark Hamill, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan, Jacob Tremblay, Mia Sara, Matthew Lillard, Harvey Guillen, David Dastmalchian, Kate Siegel y Heather Langenkamp.   

«El lazarillo de Tormes», la primera película española en ganar el Oso de Oro, se estrena en FlixOlé

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La plataforma también incorporará a su catálogo ocho adaptaciones de la literatura clásica y contemporánea, entre los que se encuentran títulos como La Celestina, Luces de bohemia, El misterio Galíndez y El coronel no tiene quien le escriba.

La plataforma FlixOlé estrenará el próximo miércoles, 16 de abril, la primera película española en recoger el Oso de Oro en el Festival de Berlín, El lazarillo de Tormes (1959). Considerada una de las obras más redondas de su director, César Fernández Ardavín planteó una adaptación literaria y emotiva que recibió la ovación del público internacional al tiempo que fue elevada a la categoría de Interés Nacional por un régimen franquista que, paradójicamente, tachaba de peligroso el texto original.

El también guionista del filme centró la narración en la infancia de Lázaro y en el deambular de ese pequeño de 8 años, aguijoneado por el hambre, en la sociedad española del siglo XVI. Para evitar que el engrasado aparato censor actuase, Fernández Ardavín suavizó el fuerte ataque institucional e ideológico de la novela anónima que inauguró el género de la picaresca, especialmente en el apartado que afectaba a la Iglesia. También los conflictos y percances del protagonista, interpretado por el niño prodigio Marco Paoletti, con cada uno de sus amos. Éstos tuvieron el rostro de populares actores de la época: Carlos Casaravilla (ciego), Juan José Menéndez (el escudero) y Memmo Carotenuto (buldero).

No por ello El lazarillo de Tormes de Fernández Ardavín dejó de ser una película que abordó las injusticias sociales e hipocresías presentes en una España imperial glorificada continuamente por la dictadura franquista. Asumidas de manera más amable, las escenas de miseria física y moral de las que era víctima Lázaro fueron plasmadas a través de una narrativa visual y una factura técnica (con Manuel Berenguer a cargo de la Fotografía) cuyas brillantes imágenes cautivaron a público, crítica y cineastas. “Es una película de la que todos podemos estar orgullosos en cualquier parte”, llegó a decir el director Luis García Berlanga tras la première oficial en Cines Callao.

Primer filme español en obtener el máximo reconocimiento en un festival extranjero, también se proyectó en la Sección Informativa del Festival de Venecia, mientras que en su tierra natal recibió cuatro medallas de Círculo de Escritores Cinematográficos (Película, Dirección, Fotografía y Música). El lazarillo de Tormes se podrá ver en FlixOlé en una restaurada versión de imagen y sonido, proceso llevado a cabo por la propia plataforma.

Nuevos clásicos de la literatura

Adelantándose a la celebración del Día del Libro, además del estreno de El lazarillo de Tormes, FlixOlé incorporará el próximo 16 de abril varias adaptaciones de la literatura clásica española a su catálogo. Comenzando con otro título firmado por Fernández Ardavín: La Celestina (1969), que reprodujo en la pantalla los distintos actos que componen la tragicomedia de Calisto y Melibea; personaje este último interpretado por Elisa Ramírez, quien protagonizó con dicho papel uno de los primeros destapes del cine español durante la dictadura.

Le seguirán los estrenos de El libro de buen amor (Tomás Aznar, 1975), acomodo de la obra clásica de Arcipreste de Hita que narra los escarceos amorosos del poeta burgués, Juan Ruiz; Luces de bohemia (Miguel Ángel Díez, 1985), que absorbió por medio de un reparto estelar (Paco Rabal, Agustín González y Fernán-Gómez, entre otros) el esperpento con el que Valle-Inclán reflejó el decadente Madrid de principios del siglo XX; y La dama boba (Juan Manuel Font, 1980), que recitó en verso el enredo sentimental de dos hermanas con sus respectivos amantes.

Todas estas películas, restauradas también en los laboratorios de FlixOlé, se incluirán en una colección especial que dispondrá igualmente la plataforma el 16 de abril: ‘Grandes clásicos de la literatura’. La misma recoge cerca de 50 versiones cinematográficas que revisitan desde las tragedias del Siglo de Oro hasta los pilares novelescos, líricos y dramáticos del siglo XIX y principios del XX: El perro del hortelano (Pilar Miró, 1996), El Quijote de Miguel de Cervantes (Manuel Gutiérrez Aragón, 1992), La casa de Bernarda Alba (Mario Camus, 1987), Nada (Edgar Neville, 1947), Tristana (Luis Buñuel, 1970), La tía Tula (Miguel Picazo, 1964), entre muchos otros.

Estrenos de las letras contemporáneas

Ya el viernes, 25 de abril, FlixOlé estrenará otros cuatro filmes que ampliarán el estante literario en la plataforma: El misterio Galíndez (Gerardo Herrero, 2003), thriller histórico de Vázquez Montalbán destinado a los amantes de la lectura sobre conspiraciones políticas; El coronel no tiene quien le escriba (Arturo Ripstein, 1999), versión de la novela de Gabriel García Márquez que optó a la Palma de Oro en Cannes; Los novios búlgaros (Eloy de la Iglesia, 2003), la última película del director fue la adaptación de este relato sobre la soledad, la homosexualidad y la inmigración; y Oro rojo (Alberto Vázquez Figueroa, 1978), cuyo autor dirigió su propia novela que conjuga drama y aventuras.

Estas nuevas incorporaciones estarán presentes en un segundo especial sobre literatura que FlixOlé ha programado para el 25 de abril, y que lleva por nombre: ‘El cine de la nueva literatura’. La colección reúne más de 60 adaptaciones de obras publicadas desde mediados del siglo XX y que permiten redescubrir la literatura moderna: El camino (Ana Mariscal, 1963), El maestro de esgrima (Pedro Olea, 1992), Las edades de Lulú (Bigas Luna, 1990), Historias del Kronen (Montxo Armendáriz, 1995), Manolito Gafotas (Miguel Albadalejo, 1999), Plenilunio (Imanol Uribe, 2000), El alquimista impaciente (Patricia Ferreira, 2002).

American Western En España

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El presente ensayo documenta e ilumina el cometido de España (su industria fílmica y entramado político-social, sus paisajes y escenarios, su personalidad) en el western americano desde que brotó en nuestro país a finales de los años 50, tanto mediante coproducciones cuanto en películas íntegramente estadounidenses. Estructurado en forma cronológica, inserta la valoración cinéfila en el seno del contexto cultural e histórico, incluyendo referencias costumbristas y anecdóticas y prestando gran atención a las localizaciones (el norte de Madrid y la provincia de Almería, principalmente) y los decorados (poblados, ranchos, fuertes, etc.). Prólogo de Diana Lorys, actriz en dieciséis westerns rodados en España junto a estrellas de Hollywood. EL WESTERN DE NACIONALIDAD ESTADOUNIDENSE RODADO EN ESPAÑA EN UNA EDICIÓN CONCIENZUDA Y PROFUNDAMENTE ILUSTRADA.

Autor: Carlos Aguilar (Autor), Diana Lorys (Colaborador), Editorial: ‎ Desfiladero Ediciones, Páginas: 264

«Limónov», protagonizada por Ben Whishaw, llega a Filmin el próximo 25 de abril

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Kiril Serébrennikov («Leto») dirige esta película sobre el escritor y político Eduard Limónov en la adaptación de la novela homónima de Emmanuel Carrère que protagoniza Ben Whishaw.

El próximo viernes 25 de abril llega al catálogo de Filmin, en exclusiva, «Limónov», la película con la que el director ruso Kiril Serébrennikov concursó en la última edición del Festival de Cannes y que adapta la novela homónima de Emmanuel Carrère (editada en España por Anagrama). Se trata del biopic del controvertido poeta y político ruso Eduard Limónov, fundador del ilegalizado Partido Nacional Bolchevique, un radical post-ideológico, ni fascista, ni comunista, ni liberal, ni conservador, sino todo a la vez; un poeta radical soviético que pasó de vagabundear en Nueva York a realizar trabajos forzosos en las cárceles de Siberia, para convertirse, finalmente, en un antihéroe en su propio país. El ganador del Bafta y el Emmy Ben Wishaw («El perfume: Historia de un asesino») es el encargado de dar vida al protagonista en esta película coescrita por el nominado al Óscar Pawel Pawlikowski («Cold War»).

Serébrennikov ha insistido en señalar que este no es un biopic al uso del Eduard Limónov real, sino una adaptación de la mirada de Emmanuel Carrère en su novela. «Sigo los pensamientos, las entonaciones, su enfoque y su búsqueda para desentrañar el misterio de Eddie, o Edditchka, este héroe lírico creado por Carrère». Aunque el escritor no colaboraba con la adaptación de una de sus novelas desde los tiempos de «La clase de nieve» (Claude Miller, 1998), en esta ocasión conversó sobre el proyecto con su amigo personal Pawel Pawlikowski, autor del guion inicial. «Kiril Serébrennikov, cuyo talento para dirigir admiro, se interesó en Limónov y me pareció lógico que él fuera el encargado de dirigirlo», afirma Carrère, que además protagoniza un sorprendente cameo en un gesto que podemos entender como una validación de esta adaptación de su libro.

El estallido de la guerra en Ucrania paralizó el rodaje de una película cuyo desarrollo se ha extendido a lo largo de cinco años. Tal y como recuerda el director: «En el momento en que comenzó la guerra se suponía que íbamos a comenzar a filmar las escenas ambientadas en Nueva York. Habíamos recreado dos barrios de la ciudad de Nueva York al aire libre, en Moscú. Los interiores debían ser filmados en el set, en Mosfilm. Luego comenzó la invasión. Las embajadas pidieron a los extranjeros que regresaran a sus países, y Ben Whishaw tuvo que irse». Medio año después los productores decidieron reconstruir estos sets de Nueva York en otro lugar de Europa y la filmación se reanudó. 

Pero no es ese el único vínculo de «Limónov» con la actual situación que se vive en Rusia y Ucrania. De algún modo, el viraje político que Eduard Limónov experimentó a lo largo de su vida anticipa lo que ha terminado llegando a Rusia: «Todo lo que está sucediendo hoy proviene de lo que Limónov escribió. Él quería guerra, quería el regreso de la Unión Soviética. Es como si estuviéramos viviendo en el mundo que él soñó, como si el Kremlin se hubiera inspirado directamente en sus textos y en los de Alexandre Dugin (filósofo y miembro del Partido Nacional Bolchevique)». El director, que ha tenido diversos problemas con la justicia rusa por sus posturas liberales y favorables a la comunidad LGBT, reconoce que «dado el contexto actual, sentí una necesidad aún más fuerte de explorar los mecanismos que nos han llevado a esta violencia».

Junto a Ben Whishaw, en el reparto, destaca la presencia de Viktoria Miroshnichenko («Una gran mujer»), Sandrine Bonnaire («Las desapariciones») o el español Víctor Solé («No matarás»), entre otros. La extraordinaria banda sonora de la película lleva la firma del italiano Massimo Pupillo e incluye temas de la banda rusa Shortparis, que reinterpreta varias canciones conocidas de Tom Waits, Lou Reed y Velvet Underground. 

Primer tráiler para «Sanatorium under the Sign of the Hourglass», lo nuevo de los hermanos Quay

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Veinte años después de su último largometraje The Piano Tuner of Earthquakes, los hermanos Stephen y Timothy Quay vuelven a ponerse detrás de las cámaras con Sanatorium under the Sign of the Hourglass, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial.

Adaptación de la novela Sanatorium pod Klepsydrą de Bruno Schulz, cuya primera traslación al cine data del 1973 de la mano de Wojciech Has, el nuevo trabajo de los hermanos Quay, cuyo estreno mundial tuvo lugar en el pasado Festival de Venecia dentro de la sección Giornate de la Degli Autori, no es una adaptación directa del material original, sino un homenaje visual-poético, que como viene a ser habitual en el imaginario de los Quay, se sitúa muy próximo al expresionismo alemán y a la psicodelia, convirtiendo la narrativa en un tremendo flujo de imágenes visuales e impulsos subliminales donde cada textura, movimiento o sonido resulta impregnado de simbolismos, estando los personajes totalmente supeditados a dichos elementos.

En Sanatorium under the Sign of the Hourglass asistimos a un fantasmagórico viaje en tren por un ramal olvidado transporta a un hijo, Jozef, a visitar a su padre moribundo en un remoto sanatorio gallego. A su llegada, Jozef encuentra el Sanatorio completamente decadente y dirigido por un dudoso Doctor Gotard que le dice que la muerte de su padre, la muerte que le ha ocurrido en su país, aún no se ha producido, y que aquí siempre llegan tarde por un cierto intervalo de tiempo cuya duración no se puede definir. Jozef se dará cuenta de que el Sanatorio es un mundo flotante a medio camino entre el sueño y la vigilia y que el tiempo y los acontecimientos no pueden medirse de forma tangible.

La Academia de Cine y Filmoteca Española impulsan la restauración del patrimonio cinematográfico

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Ambas instituciones firman un acuerdo para trabajar en la restauración de obra fílmica, con el objetivo de preservar piezas de relevancia histórica, artística y cultural

Las candidaturas de las obras a restaurar pueden presentarse desde hoy 10 de abril hasta el 23 de mayo en la web de la Academia de Cine

La Academia de Cine, en colaboración con el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), a través de Filmoteca Española -organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico- han firmado un acuerdo para la restauración y puesta en valor de obras fílmicas. Esta iniciativa tiene como objetivo colaborar en la preservación del patrimonio cinematográfico de España, tanto en el ámbito de los largometrajes, cortometrajes, como en otras piezas audiovisuales relevantes.

La Academia de Cine asumirá los gastos de la restauración, mientras que el ICAA pondrá a disposición las instalaciones y el proceso estará supervisado por el equipo técnico del Centro de Conservación y Restauración de fondo fílmicos “Carlos Saura” de Filmoteca Española. Como contraprestación, los propietarios de los derechos de las obras seleccionadas recibirán una copia restaurada y digitalizada en 4K.

El programa está dirigido a obras originales con al menos 20 años de antigüedad, que posean una relevancia histórica, artística y cultural significativa. Además, deberán encontrarse en un estado de conservación que requiera un proceso de restauración, con el fin de garantizar su preservación a largo plazo. El comité tendrá en cuenta que las piezas seleccionadas generen un impacto directo en la conservación del patrimonio audiovisual del país.

Las solicitudes podrán presentarse desde hoy 10 de abril y hasta el 23 de mayo a través de la web de la Academia: www.academiadecine.com. Para resolver cualquier duda, los interesados podrán contactar con la organización mediante el correo electrónico ayudasrestauracion@academiadecine.com.

Los propietarios de las obras candidatas deberán acreditar que al menos el 60% de su producción se realizó en España. Una vez finalizado el proceso de restauración, se comprometen a permitir que la institución y Filmoteca Española exhiban las piezas durante un período de un año y medio.

La selección de las obras a restaurar estará a cargo de un comité compuesto por cinco profesionales, de los cuales dos serán propuestos por la Academia, dos por el ICAA, y uno más será un experto de reconocido prestigio en la industria cinematográfica. Las obras candidatas deberán estar libres de compromisos legales que puedan obstaculizar el proceso de restauración y deberán justificar su necesidad de ser restauradas.

«Maldoror» review

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En Maldoror, que recrea un caso real ocurrido en la Bélgica del año 1995, vemos como Paul es un joven policía asignado a la unidad secreta denominada como Maldoror, la cual investiga a un criminal sexual sospechoso y en el punto de mira tras la desaparición de dos chicas. Dispuesto a llegar al fondo del asunto, cuando la operación falla, Paul decide tomarse la justicia por su propia mano.

Dentro de la sección Òrbita del pasado festival de Sitges, apartado dedicado al thriller, cine negro y propuestas genéricas lindantes, destaco Fabrice Du Welz, otro sospechoso habitual del certamen cuya filmografía, excepto su incursión en Netflix con Message from the King (2016), ha pasado por las pantallas del festival, se adentra con Maldoror en el true crime mediante una fascinante mirada sobre disfunciones, traumas colectivos y cómo la sociedad del bienestar tiene que asimilar un concepto del mal absoluto. Incluso en una faceta que puede ser intuida como menos autoral, aquí hay un enfoque ultrarrealista que recrea un sórdido caso de pederastia y tráfico de menores ocurrido en la Bélgica de los años 90, Fabrice du Welz sigue transitando por historias que no dejan de ser viajes al corazón de las tinieblas, ya sea a través de un descenso a la perversidad redneck a modo de expiación personal (Calvaire 2004), a una fantasmagoría ilusoria Vinyan (2008), a un desmedido amor fou, Alleluia (2024) y Adoration (2019), o a un elemento distorsionador que cuestiona bajo coordenadas de thriller la estabilidad de un supuestamente férreo núcleo familiar Inexorable (2021).

En este sentido, Maldoror despliega varios recursos alejados de esquematismos propios en este tipo de historias, entre sus múltiples ramificaciones, la más evidente es la que hace referencia a acciones de personajes al límite, policías obsesivos o psicópatas invulnerables a causa de la ineficacia policial que alteran nuestra percepción de un relato al llegar a una conclusión irresoluble, muy a la manera de dos piezas fundamentales de las que toma claras referencias: Memories of Murder (Bong Joon-ho 2003) y Zodiac (David Fincher 2007), siendo también derivativa de aquellas películas de crimen y castigo, dilemas morales y difusos códigos de conducta, que se convirtieron en un sello distintivo de Sidney Lumet en el cine estadounidense de los 70, The Offence/ Serpico (1973), Dog Day Afternoon (1975), aquí pasado por un filtro estético feísta, donde el director de fotografía Manuel Dacosse confiere a la historia una textura de infierno en la tierra mediante el uso de colores saturados y escenarios industriales pétreos, fangosos y empapados por una lluvia que nos remite a una sociedad europea fallida y decadente.

No deja de ser una lástima que el cine de Du Welz no cotice en la actual burbuja de festivales, ecosistema que suele dictar de forma arbitraria las corrientes cinematográficas a exaltar en la inmediatez, Maldoror, como ocurrió en su día con Adoration o Inexorable, pasó desapercibida por la pasada edición del festival de Sitges, por suerte, el paso del tiempo sigue siendo la mejor pauta a la hora de validar trayectorias en su justa medida.

Documenta Madrid y Filmoteca Española celebran la obra de Kamal Aljafari con una retrospectiva sobre memoria y resistencia

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Del 6 al 11 de mayo, el Cine Doré acoge un ciclo dedicado al gran cineasta palestino Kamal Aljafari

Cuatro películas explorarán la memoria colectiva del pueblo palestino desde el cine de archivo

Entre estos títulos se encuentra su último largometraje, A Fidai Film, inédito en España

El ciclo forma parte de la programación paralela de Documenta Madrid 2025

Documenta Madrid, el Festival Internacional de Cine Documental del Ayuntamiento, en colaboración con Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, presenta en su 22ª edición una de las retrospectivas más intensas y necesarias del panorama cinematográfico actual: Kamal Aljafari: el archivo como territorio. Este ciclo podrá verse en el Cine Doré del 6 al 11 de mayo y forma parte de la programación paralela del festival.

Kamal Aljafari, cineasta palestino de referencia internacional, es un incansable recolector de imágenes que ha dedicado su filmografía a reconstruir la memoria amenazada de un pueblo, tanto de forma personal como colectiva. La selección, compuesta por cuatro largometrajes —Port of Memory (2009), Recollection (2015), An Unusual Summer (2020) y su reciente A Fidai Film (2024)—, se articula como un recorrido radical por su obra, que desafía las formas convencionales de abordar esta temática.

Con un lenguaje a caballo entre el documental y el cine ensayo, Aljafari compone desde la ausencia, revela lo que no está, y transforma el archivo en herramienta política y estética. Como señala el comité de programación de Documenta Madrid, “el cine de Aljafari no solo denuncia, también imagina; su trabajo nos enseña que otra narrativa es posible, una que resiste desde el montaje, desde la poesía, desde la persistencia de la memoria”.

Las proyecciones en Filmoteca Española se inscriben dentro del eje temático de esta edición del festival, que gira en torno a la imagen de archivo como detonante de nuevas formas de memoria, consolidando así el compromiso de Documenta Madrid con el pensamiento crítico, la experimentación formal y las prácticas cinematográficas más radicales.

Documenta Madrid 2025

Documenta Madrid, Festival Internacional de Cine del Ayuntamiento de Madrid, celebra su 22ª edición del 6 al 11 de mayo consolidando su apuesta por el cine documental de autor, la experimentación formal y el pensamiento crítico. La edición de este año pone el foco en la imagen de archivo como generadora de nuevas memorias y patrimonios, y en el potencial del cine como herramienta de resistencia, revisión histórica y creación colectiva.

El festival, organizado por Cineteca Madrid, vuelve a ser el punto de encuentro del cine contemporáneo documental y de no-ficción. En esta edición se mantienen las tres secciones competitivas —Internacional, Nacional y Corte Final— con 36.000 € en premios, así como una potente programación paralela con retrospectivas, sesiones especiales, encuentros profesionales y talleres. La sede principal será Cineteca Madrid, que acogerá íntegramente la sección Corte Final.

Además de Cineteca, Documenta Madrid 2025 se extiende a otras sedes clave de la ciudad como el Museo Reina Sofía, Filmoteca Española, La Casa Encendida y Fundación Casa de México. Cuenta con la colaboración de ECAM, Madrid Film Office, Acción Cultural Española (ACE), el Instituto Cultural Rumano, Centro de Estudios Mexicanos UNAM-España, Embajada de Suiza y Fundación Juan March, entre otras entidades culturales nacionales e internacionales.

La última fiesta, teaser tráiler para «Sirat», lo nuevo de Oliver Laxe

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Seis años después de la laureada Lo que arde el cineasta gallego Oliver Laxe vuelve a ponerse tras las cámaras con Sirat, película cuyo primer adelanto en forma de un breve teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página.  Tras su paso por la Sección oficial a Competición del próximo Festival de Cannes, la película se estrenará en los cines de España el próximo 6 de junio de la mano de Bteam Pictures (productora y distribuidora que cuenta entre sus estrenos con títulos como 20.000 especies de abejas, Segundo premio, Robot Dreams o Marco, o los internacionales Otra ronda, Priscilla o Parthenope).

En Sirat vemos como un hombre y su hijo llegan a una rave perdida en medio de las montañas del sur de Marruecos. Buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen. Allí deciden seguir a un grupo de raveros en la búsqueda de una última fiesta que se celebrará en el desierto, donde esperan encontrar a la joven desaparecida.

Una película original Movistar Plus+ producida en colaboración con El Deseo (productora de los hermanos Agustín y Pedro Almodóvar), Filmes Da Ermida, Uri Films y 4A4 Productions, con guion a cargo del propio Oliver Laxe junto a Santiago Fillol y protagonizada por Sergi López, Bruno Núñez, Richard Bellamyun, Stefania Gadda, Joshua Liam Herderson, Tonin Javier y Jade Ouki. 

  

Jean Cocteau. La dificultad de ser

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Cruzada la frontera de los cincuenta años, con la imagen de la muerte delante y con la guerra rozándole los talones, Jean Cocteau ha llegado a la conclusión de que «la comedia está ya muy avanzada». La dificultad de ser es el ajuste de cuentas que Cocteau hace consigo mismo, con el yo que fue en la época del esplendor social y con el yo que es en las angustias del presente. El autor de La sangre de un poeta escribe La dificultad de ser mientras rueda La bella y la bestia. Al ensalmo de esa joya del cine, el pasado emerge de un mar de sombras para acabar dando a luz un singular libro de memorias, donde las reflexiones morales se combinan con las literarias, y las unas y las otras con la evocación de personajes –Apollinaire, Max Jacob, Jean Genet y tantos otros– del mundo del arte y la literatura. En ocasiones –es el caso de Marcel Proust y de Nijinsky–, se diría que Cocteau nos los hace ver a través del ojo de la cerradura, sin que por ello se amortigüe el clima de ensimismado dramatismo que envuelve la obra, y nos muestra un Cocteau poco conocido, que trata del dolor, la amistad y la muerte, de la frivolidad y el gobierno del alma, como si estuviera redactando su De profundis.

Autor: Jean Cocteau, Traducción María Teresa Gallego Urrutia. Editorial: Siruela, Colección: Biblioteca de Ensayo / Serie mayor, Serie Mayor 51, Páginas: 160

Filmoteca Española da la bienvenida a su programación de primavera con un ciclo homenaje a Marisa Paredes

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Pedro Almodóvar, María Isasi, Julieta Serrano, Rossy de Palma y Ernest Urtasun en la antesala de la sala 1 del Cine Doré

Filmoteca Española celebrará durante los meses de abril y mayo el ciclo ´Marisa Paredes. El dolor y el humor´, programa dedicado a una de las más icónicas intérpretes del cine español, tras su fallecimiento el pasado 17 de diciembre

El ciclo se ha presentado en el Cine Doré con la presencia del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, el cineasta Pedro Almodóvar, María Isasi, actriz e hija de Marisa Paredes, y Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española

Miércoles, 2 de abril de 2025. El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha presentado hoy en el Cine Doré, junto al cineasta Pedro Almodóvar, a la actriz María Isasi, y a Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española, el ciclo que la institución -organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico- dedica esta primavera a Marisa Paredes, icónica e incontestable intérprete del cine español que forjó una larga trayectoria de más de siete décadas desde su primer trabajo en el cine, con catorce años, en 091:Policía al habla (1960), de José María Forqué; hasta la todavía sin estrenar, Emergency Exit, de Luis Miñarro.

Marisa Paredes. El humor y el dolor

“Marisa fue una actriz virtuosa que dominaba todos los registros. A pesar de su figura sofisticada podía encarnar a una mujer que friega escaleras, una reina shakesperiana o una diva del teatro. Estaba muy dotada para el humor y para el dolor”. Así define Pedro Almódovar, cineasta indisolublemente ligado a su figura, a Marisa Paredes en la hoja de sala que acompaña al ciclo y en la que comparte páginas con la periodista y crítica de cine Marta Medina, quien también destaca la dualidad del arte de una intérprete “angulosa de físico como de carácter, una ´Marlene Dietrich a la española´, siendo difícil encontrar otra actriz con la extraña combinación antitética de quebradiza dureza que transmitía”.

Esta dualidad estuvo presente, más allá de Almodóvar, en la filmografía que fue construyendo con algunos de los grandes nombres del cine español: Fernando Trueba, con quien rodó Òpera prima (1980), con Jaime Chávarri en Las bicicletas son para el verano (1984), con Enrique Urbizu en Tu novia está loca (1984), con Agustí Villaronga en Tras el cristal (1986), con Iván Zulueta en Párpados (1989), conFelipe Vega en Mientras haya luz (1987), o con José Luis Borau en Tata mía (1986) –cineasta a quien Filmoteca Española también rinde homenajeen el Cine Doré desde el pasado mes de febrero-.

Esta versatilidad le permitió interpretar, tanto a nivel nacional como internacional, papeles dramáticos y cómicos, consolidándose como parte de una generación de actrices, junto a otros nombres como Carmen Maura o Kiti Manver, que confeccionaron –tal y como apunta Medina- a la mujer española moderna y autónoma. Una selección de estos papeles, vinculados con algunos de los títulos más emblemáticos de su filmografía, componen el ciclo ´Marisa Paredes. El dolor y el humor´.

En abril podrán verse en el Cine Doré la delirante comedia de enredos La reina anónima (Gonzalo Suárez, 1992), Profundo carmesí (Arturo Ripstein, 1996) –proyección de un nuevo máster de la película que añade al metraje una secuencia inédita no incluida en el montaje original-; Mi familia italiana (Cristina Comencini, 2015), refinado y nostálgico tributo a la tradición cinematográfica de la “commedia all’italiana”; o La flor de mi secreto (Pedro Almodóvar, 1995), en la que Paredes dio vida a la memorable Leocadia Macías -o Amanda Gris-, escritora y amante en crisis, y título por ella considerado como su mejor trabajo.

A estos títulos, se sumarán en mayo Tacones lejanos (Pedro Almodóvar, 1991), éxito abrumador en Francia que le acabaría abriendo las puertas del cine internacional, Latin Lover (Cristina Comencini, 2015), Crepúsculo rojo (Edgar Cosarinsky, 2003), Espelho mágico (Manoel de Oliveira, 2005) y Petra (Jaime Rosales, 2018).

Proyecciones Xcèntric: Ficciones sinestésicas. Cuatro cineastas californianas

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Before Need Redressed (Gunvor Nelson, Dorothy Wiley, 1994)

Las películas de esta sesión exploran la sensualidad del lenguaje y la ambigüedad de las imágenes en una meditación sobre la memoria, el dolor, los animales, la comida o la muerte. Sus ingeniosos y emocionantes juegos de montaje y sus ficciones figuradas demuestran el humor y la libertad desbordante del cine de vanguardia californiano.

Atravesado por las disyunciones entre sonido e imagen, este programa propone un ensamblaje de textos, relatos y cuerpos. En Miss Jesus Fries on Grill, Dorothy Wiley vincula poética e inquietantemente el martirio de san Lorenzo y un suceso periodístico con el llanto de un recién nacido. Por su parte, en una sucesión de siete breves secuencias elípticas, Amy Halpern encadena diferentes emociones, del miedo al humor y la alegría en 3-Minute Hells. En cuanto a Letters, varias «cartas» atribuidas a una amiga, unos gusanos, unos insectos y el hijo de la cineasta llevan a Wiley a expandir los límites de la escritura y a corporeizar lo textual.

En Visible Inventory Six: Motel Dissolve Janis Crystal Lipzin traza un viaje en el espacio y en el tiempo, superponiendo panorámicas por distintas habitaciones de hotel con palabras manuscritas, números impresos y la lectura de dos textos de Gertrude Stein. Finalmente, Wiley y Gunvor Nelson retratan a una mujer a la vez que prolongan y entrelazan diferentes líneas narrativas en Before Need Redressed. Las direcciones se multiplican por medio de una serie de sueños y objetos reunidos por las cineastas, que animan sugerentes intercambios entre imágenes potencialmente alejadas. El montaje tiende a fundir o entrecortar las escenas, los diálogos y las acciones, aportando una cualidad sinestésica a la propia narrativa.

Miss Jesus Fries on Grill, Dorothy Wiley, 1973, 12 min; 3-Minute Hells, Amy Halpern, 2010, 14 min; Letters, Dorothy Wiley, 1972, 11 min; Visible Inventory Six: Motel Dissolve, Janis Crystal Lipzin, 1978, 15 min; Before Need Redressed, Gunvor Nelson y Dorothy Wiley, 1979/1994, 42 min.

Proyección en 16 mm, VOSC.

Copias procedentes de Canyon Cinema.

Fecha: 24 abril 2025

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Primer tráiler para «The Phoenician Scheme» de Wes Anderson

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Dos años después de su notable Asteroid City Wes Anderson tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras The Phoenician Scheme, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Focus Features y podéis ver a final de pagina junto a su póster promocional. La película, una comedia excéntrica de espías, se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 30 de mayo con el título de La trama fenicia.     

En The Phoenician Scheme vemos como un padre y su hija trabajan codo con codo en el negocio familiar, sin embargo su relación es tan tensa que siempre parece estar a punto de romperse. El problema se intensifica cuando se vean envueltos en una oscura historia de espionaje.

La película, con guion a cargo del propio Wes Anderson junto a Roman Coppola, está protagonizada por Benicio del Toro, Tom Hanks, Mia Threapleton, Michael Cera, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Jeffrey Wright, Richard Ayoade, Rupert Friend, Hope Davis, Bill Murray, Bryan Cranston y Riz Ahmed.