Categoría: Eventos

El documental, mucho más que cualquier otro género cinematográfico, funciona como un fantástico sismógrafo que detecta y registra los temblores que agitan la realidad de nuestra época. Ajeno a los mecanismos industriales de producción, permite abrir espacios únicos para la representación de los problemas, la reflexión colectiva y el cuestionamiento del mundo que nos rodea. En este programa, ofrecemos una muestra de nueve sobresalientes documentales de distintas temáticas estrenados en los últimos años en España y otros países, que demuestran la buena salud del género y su compromiso con el presente.

Fecha

Del 5 al 19 de mayo de 2024

Programación

Toda una vida

Marta Romero/ España/2023/(72′).

Hace doce años una nieta empezó a grabar a su abuela: quería atrapar el tiempo que el Alzheimer iba a robarle. Más de una década de material filmado se convierte en una emotiva historia sobre la voluntad de amar.

Nuestra película

Diana Bustamante/Colombia, Francia/2022/(73′)

Nuestra película es una re-visita a esas imágenes que se fueron acumulando en hechos y en reproducciones. Un collage de repeticiones y memorias construido a través de la intervención del archivo noticioso colombiano de los años 80 y 90, y es al mismo tiempo un viaje vertiginoso por el sentido ulterior de esas mismas imágenes que se van descomponiendo y perdiendo sentido.

Tetuán

Iratxe Fresneda/España/2022/(95′)

Basándose en experiencias de la vida real, Iratxe Fresneda nos adentra en un viaje personal en el que pasado y presente se funden en una experiencia visual sobrecogedora y sensorial; desde las tranquilas orillas del Danubio hasta la agitada vida de Madrid, cuatro historias entrelazadas convergen y se pierden en los misterios de Tetuán.

Las canciones de la Tierra

(Fedrelandet)/Margreth Olin/Noruega/2023/(90′)

¿Qué significa estar conectado con la naturaleza? El padre de la directora tiene 84 años. Seguimos sus pasos hasta su casa en la montaña. Nos adentramos en la naturaleza más pequeña y salimos rumbo a los grandes paisajes en los que creció. 

Un gif larguisimo

Teddy Williams/España, Noruega, Grecia/2023/(75′)

Un viaje de observación por el paisaje del aparato digestivo, combinado con un zoom detallado de ciudades y personas que se mueven en los límites de nuestra visión, filmado con un potente teleobjetivo. Estos espacios de imágenes dispares se sostienen mutuamente con la tensión de los cuerpos celestes. El sonido de los movimientos superpuestos a través de diferentes aglomeraciones humanas ofrece un tercer nivel de observación. Las escalas se invierten y los movimientos imperceptibles se desvelan en el GIF más largo que jamás haya visto.

Fail Better

Eva Garrido/España/2022/(70′)

Chicos y chicas de todo el mundo han convertido una plaza de Barcelona en su ágora. Patinan, bailan, aman y habitan espontáneamente un espacio público superando cualquier planificación urbanística previa. Fail Better se acerca a este pequeño universo para mirar detenidamente y escuchar, creando una intimidad desprejuiciada con los jóvenes que vamos conociendo.

Geografías de la soledad

(Geographies of Solitude)/Jacquelyn Mills/Canadá/2022/(103′)

Zoe Lucas, naturalista e investigadora autodidacta, lleva más de 40 años viviendo, cuidando y documentando la isla de Sable. Es la única habitante humana de un rico ecosistema donde conviven caballos salvajes, focas, aves e insectos, pero también adonde llegan montañas de residuos plásticos.

Atlantide

Yuri Ancarani/Italia, Francia, EEUU, Rusia, Catar/2021/(100′)

Daniele es un joven de Sant’Erasmo, una isla en los bordes de la laguna de Venecia. Vive al día, aislado incluso de su grupo de amigos, quienes están muy ocupados explorando los placeres de su culto al barchino, una lancha a motor que marca el estatus dentro de este cosmos único. Una obsesión que se materializa en construir motores cada vez más ambiciosos, y así convertir la tranquila laguna en una auténtica pista de carreras acuáticas. Daniele también sueña con romper el récord de velocidad del barchino, algo que le llevará a lo más alto entre su grupo, pero todo lo que hace para conseguirlo se acaba volviendo en su contra.

La vida secreta de los árboles

(Das geheime Leben der Bäume)/Jörg Adolph/Alemania/2021/(96′)

Cuando Peter Wohlleben publicó su libro La vida oculta de los árboles en 2015, irrumpió en todas las listas de éxitos de ventas de la noche a la mañana: nadie había escrito antes sobre los bosques alemanes como el forestal de la parroquia de Wershofen. Wohlleben nos cuenta de una manera entretenida y esclarecedora sobre la solidaridad y la cohesión de los árboles y toca la fibra sensible de su creciente comunidad de lectores: nos acerca a estas asombrosas entidades vivientes en visitas guiadas por el bosque. Wohlleben viaja a Suecia para ver el árbol más antiguo del mundo; visita negocios en Vancouver que buscan un nuevo enfoque sobre cómo tratar los bosques; se pone del lado de los manifestantes en Hambacher Forst. Sabe que los humanos solo podemos sobrevivir si los bosques están sanos, y estamos ante nuestra última oportunidad.

Delirios de amor: Parpados (Iván Zulueta, 1989). Int.: Marisa Paredes, Eusebio Poncela, Marta Fernández-Muro. España. DCP. Color. 29’

Un parpadeo rojo (Asif Ken, 2024). Int.: Juan Carlos, Salvador Buitrago. España. DCP. Color. 14’

El sexto sentido (Nemesio Sobrevila, 1929). Int: María Anaya, Ricardo Baroja, Faustino Bretaño. España. 35mm. B/N. 79’

Triple sesión y triple salto mortal: tanteamos las relaciones entre el cine de serie B y el cine de vanguardia a lo largo de casi un siglo.

Empezamos por el final: en 1929 con Nemesio Sobrevila y El sexto sentido, un clásico que nos remite a aquellos primeros cine-clubs de Ernesto Giménez Caballero, con quien inauguramos en 2017 «Sala:B», un cine-club muy inspirado por ellos. Como explica nuestro invitado el crítico cultural Javier Mateo “cuando filma El sexto sentido, Sobrevila es consciente de ‘sinfonías urbanas’ cinematográficas como las de Walter Ruttman o Dziga Vertov. El protagonista de su historia, el sabio Kamus, representa con su nombre y apariencia estrafalaria un trasunto de los creadores de vanguardia rusos y alemanes, que van del postexpresionismo a la nueva objetividad y, sobre todo, a la idea de cine puro o de cine-ojo.” Y a la vez, Sobrevila, como Giménez Caballero, no pierde de vista lo popular y hasta lo castizo, incorporando sus referencias vanguardistas en un modelo más cercano y costumbrista, en este caso el melodrama romántico de Carmen, su prometido Carlos y su amigo León, que van a los toros y tienen sus malentendidos y sus tontunas. Podría parecer que Sobrevila está parodiando las vanguardias (él hablaba de “cine de retaguardia”), pero también podemos verlo al revés, como una parodia del cine popular español mojigato, incapaz de mirar a la vanguardia si no es en broma.

Saltamos a 1989 con Párpados de Iván Zulueta, porque sería demasiado fácil poner Arrebato, que reinventaba El sexto sentido en el costumbrismo posmoderno madrileño. Párpados es un episodio de la serie de TVE Delirios de amor, rodado en 16 mm y con extensión de mediometraje. Como Sobrevila, Zulueta era otro practicante de la vanguardia por la vía de lo popular, desde el cine de terror al pop juvenil, y en Párpados practica una especie de comic underground con sus imágenes y actores fetiche para desplegar “un juego de espejos en el que las identidades llegan a fundirse, recordándonos a Persona de Bergman”, según Javier Mateo.

Y, para empezar, el muy reciente corto Un parpadeo rojo de Asif Ken Fernandes, que también aúna cine de género con lenguajes nada convencionales. Tres generaciones lejanas en el tiempo pero no tanto en su visión expandida del cine de serie B.

Presentan la sesión el director Asif Ken Fernandes, Javier Mateo Hidalgo, autor del libro De la llegada en tren a la salida en caravana: 126 hitos de la historia del cine y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 137’)

En un barrio viejo (Nicolás Guillén Landrián, 1963)

Esta sesión propone un diálogo en torno a la obra singular de tres cineastas de la diáspora africana en el Caribe y los Estados Unidos. Las películas de Zeinabu Irene Davis, Nicolás Guillén Landrián y Ben Caldwell se inscriben en una historia del cine experimental como proyecto emancipador y subversivo. A través de la alegoría y el baile, el trance espiritual y el trauma colonial, construyen espacios de imaginación para la memoria afrodescendiente y la búsqueda de su representación.

Influenciados por el Tercer Cine de América Latina y África, los cineastas del movimiento L.A. Rebellion, también conocido como Los Angeles School of Black Filmmakers, se formaron en la UCLA (University of California Los Angeles) desde finales de los sesenta (Ben Caldwell) hasta mediados de los ochenta (Zeinabu Irene Davis). En Cycles (1989), su película de tesis, Davis explora las rutinas de una mujer negra que espera la menstruación, planteando el espacio doméstico como un lugar de autoconocimiento y liberación personal. Los rituales de la vida cotidiana se entrelazan en el sueño con un ritual vudú que celebra la belleza y la creatividad. Tanto en Medea (1973) como en I & I: An African Allegory (1979), Caldwell propone un «contra-archivo audiovisual negro» de fotografías, ilustraciones etnográficas, imágenes escenificadas y documentales, cantos y poemas, historias orales, música y creaciones sonoras afroamericanas, a través de un intenso trabajo de collage fílmico. Como afirmó, «tenemos que hacer que las herramientas trabajen para nuestra historia (…), por eso acabé viendo el cine como una forma de emancipar la imagen».

El eje central de la sesión es el irreverente y reflexivo cineasta afrocubano Nicolás Guillén Landrián. Con más de 21 documentales y rompiendo con las formas de representación dominantes, Landrián disocia radicalmente imagen, sonido y palabra escrita en sus películas, alejándose del documental didáctico tradicional y ofreciendo, a su vez, una aproximación lírica a la cultura popular revolucionaria desde un lugar ambiguo e indeterminado. Los del baile (1965), En un barrio viejo (1963) y Coffea Arábiga (1968) son ejemplos de una expresión personal que le costó la acusación y encarcelamiento por «desviación ideológica», la expulsión del ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos), la posterior censura de su filmografía y, finalmente, su exilio a los Estados Unidos en el año 1989.

Cycles, Zeinabu Irene Davis, 1989, 16 mm a digital, 18’, VOSC; Medea, Ben Caldwell, 1973, 16 mm a digital, 7’, VOSC; Los del baile, Nicolás Guillén Landrián, 1965, 35 mm a DCP, 7’; En un barrio viejo, Nicolás Guillén Landrián, 1963, 35 mm a DCP, 9’; Coffea Arábiga, Nicolás Guillén Landrián, 1968, 35 mm a DCP, 19’; I & I: An African Allegory, Ben Caldwell, 1979, 16 mm a digital, 32’, VOSC.

Proyección en digital y DCP.

Fecha: 26 mayo 2024

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

La reformulación de los géneros, el cuestionamiento de las autorías o la influencia de las nuevas tecnologías, por poner algunos ejemplos, son cuestiones que atraviesan, determinan y condicionan la producción cinematográfica actual. Es necesario, por tanto, tenerlas en cuenta a la hora de abordar cualquier texto fílmico. En este sentido, el curso de verano sobre Tendencias del cine contemporáneo, organizado conjuntamente por LCDC y la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC), tiene por objetivo dotar al alumnado de las herramientas para identificar las posibles mutaciones del cine y desarrollar un discurso crítico propio.

Este curso tiene un carácter teórico-práctico que se organiza a través de un itinerario doble. Por un lado, habrá una serie de sesiones dedicadas a distintos cineastas cuya obra se situará dentro de una tendencia concreta del cine contemporáneo, en las que también veremos cómo se ha acercado la crítica a cada autor. Luego, a lo largo de varias sesiones en forma de taller, el alumnado podrá desarrollar su propia capacidad crítica mediante la escritura.

Semana 1: Zack Snyder, Dennis Villeneuve, Todd Haynes. Taller práctico 1 y 2. Cada día una proyección.
Semana 2: Julia Ducornau, David Lynch, Joanna Hogg. Taller práctico 3 y 4. Cada día una proyección.
Semana 3: Tsai Ming-Liang, Neus Ballús, Ramon Lluis Bande-Carolina Astudillo. Taller práctico 5 y 6. Cada día una proyección.
Semana 4: Guy Maddin, Adam Curtis, Stephen Broomer. Taller práctico 7 y 8. Cada día una proyección.

Docentes

Fco. Javier Millán, Antonio José Navarro, Ramón Alfonso, Daniel Pérez Pamies, Jesús González Notario, Eulàlia Iglesias, Marla Jacarilla, Ignasi Franch, Mariana Freijomil, Mireia Iniesta, Guillermo Triguero, Paula A. Ruiz, Vanessa Agudo, Esteve Plantada.

• Fechas: del 1 al 26 de julio 2024

• Horario: 9h a 14h

• Precio: 700€

• Con la insripción un código de filmin gratis (mensual)

Programa

https://lacasadelcine.es/wp-content/uploads/2023/04/Escuela-de-verano-2024.pdf

La cineasta, fotógrafa, bailarina, archivista y profesora neoyorquina radicada en Los Ángeles, Amy Halpern, quedó injusta e inexplicablemente marginada del canon de la escena vanguardista. En 2020, el programa que le dedicamos en Xcèntric, con la presencia de la autora, contribuyó a otorgar a su obra el reconocimiento que merecía. Halpern nos dejó en 2022, pocos meses después de su segunda visita a nuestro país para asistir al (S8) Mostra de Cinema Periférico de A Coruña. Le rendimos ahora homenaje con la proyección de su único largometraje, la enigmática Falling Lessons.

Hasta 200 rostros transitan por la pantalla junto a otros retratos de animales, lugares y gestos. Aunque el título anuncia caídas, los fugaces rostros aparecen y desaparecen como centellas en panorámicas o travellings irónicamente ascendentes. La película juega con una poética formal y sintética, un protagonismo colectivo y abstracto, un montaje rítmico y el uso ingenioso de la lente volteada. Situada en la mitad de sus cinco décadas de profesión, Falling Lessons (1991) reúne los elementos esenciales del personal estilo de Halpern: una economía de los recursos y una libertad expresiva del lenguaje cinematográfico. Aquí indaga en el misterio del retrato personal y espacial, en el potencial hipnótico de la mirada, como en The Glance (1972) y The Unowned Luxuries #3 (2020). Su banda sonora reverbera sobre la disposición fugaz de la imagen, en rima con los objetos o sujetos filmados. Estos «arrebatos» o «rapsodias» lumínicos, en palabras de la autora, resuenan con sus obras silentes Peach Landscape (1973) o Filament (The Hands) (1975). El mínimo elemento cobra luz fruto del dominio de la mecánica del cine.

Falling Lessons, Amy Halpern, 1992, 16 mm, 64’.

Proyección en 16 mm.

Copia procedente de Light Cone.

Fecha: 19 mayo 2024

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

El segundo y tercer sábado de cada mes, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.

Para celebrar el primer aniversario de La noche bizarra, hemos preparado una segunda parte (y esperamos que vengan muchas más) del primer ciclo que programamos, Lucio Fulci: Poéticas del horror. Celebramos así la figura de Lucio Fulci, cineasta fundamental del cine fantástico de los años 70-80 que, pese a influir en directores como Quentin Tarantino o James Wan y disfrutar de cierto reconocimiento entre los fans del género, aún no ha sido suficientemente reivindicado. Apodado el “padrino del gore” por la explícita y violenta brutalidad de sus películas, su cine está también plagado de visiones poéticas y alucinaciones pesadillescas.

Películas del ciclo

Demonia

Lucio Fulci, Italia, 1990, 1h29 VOSE [Archivo digital]

Dos arqueólogos investigan unas excavaciones teñidas con sangre a causa de ciertos crímenes atribuidos a la mafia. Sin embargo, el lugar donde trabajan aparentemente fue sitio de reunión de antiguos satanistas y aún hay alguna presencia demoniaca.

Sesión

Sábado 13.04.24 · 22:00

Aenigma

Lucio Fulci, Italia, 1987, 1h29 VOSE [Archivo digital]

Lucio Fulci definió esta película como «una versión de ‘Carrie’ con dos personajes principales». Telepatía, bromas pesadas en el internado, y una venganza sangrienta.

Una joven es atropellada y queda en estado de coma. El accidente sucede mientras escapa avergonzada después de sufrir una broma de mal gusto de sus compañeros. Desde el hospital se comunica mentalmente con otra muchacha que mata uno por uno a los chicos y así se venga de los que se rieron de ella.

Sesión

Sábado 20.04.24 · 22:00

Quasi at the Quackadero (Sally Cruikshank, 1976)

Movida por el deseo y la curiosidad de ver moverse sus dibujos, Sally Cruikshank estudió animación en el Art Institute de San Francisco a principios de la década de los setenta, y pronto se convirtió en una de las figuras más destacadas y originales de la animación experimental. Influenciada por los cartoons clásicos de los años treinta (Max Fleischer, Winsor McCay o Carl Barks) y el comic underground (Robert Crumb), sus películas se caracterizan por una desbordante y alucinada imaginación, un estilo visual psicodélico de aire retro, excéntricos personajes antropomórficos y una narrativa surrealista, frenética y anárquica, aderezada con un peculiar sentido del humor.

Cruikshank realizó su primera animación corta, Ducky (1971), con una cámara Bolex de 16 mm unida a una ampliadora de fotos. Hecha con acuarelas y animación sobre papel, en ella aparece ya un prototipo de Quasi, el personaje que reaparecerá en sus futuros trabajos con su forma definitiva: un pato amarillo con una capa roja y gafas de culo de vaso. Animada por esa primera experiencia, Cruikshank se matriculó en el Art Institute de San Francisco, donde bajo la tutela del cineasta Larry Jordan realizó su segunda animación, Fun on Mars (1971), en la que emplea, además de acuarelas, ceras, recortables y collage. Para su tercera animación, Chow Fun! (1972), alternó animación en papel y recortes pegados en celdas de animación.

Su obra más conocida es Quasi at the Quackadero (1975), una de las primeras películas contraculturales que se hizo popular en el circuito de exhibición de medianoche (como sucedería un par de años más tarde con Asparagus, de Suzan Pitt). Se trata de una bizarra aventura protagonizada por dos patos parlantes, Quasi y Anita, una deslenguada femme fatale a la que da voz la propia cineasta, que visitan un delirante parque de atracciones en el que pueden llevarse un dibujo de sus pensamientos, conocer a sus reencarnaciones anteriores o viajar en el tiempo. Dibujada laboriosamente sobre acetatos transparentes, con la ayuda ocasional de amigos animadores, la película tardó dos años en completarse. Junto con Make Me Psychic (1978) y Quasi’s Cabaret Trailer (1980), con las que comparte los personajes centrales, esta película compone la trilogía «Art Deco», un estilo visual muy apreciado por la artista, que lo lleva a un terreno personal insuflándole sus característicos colores vivos y surrealismo alucinógeno.

En los años siguientes, Cruikshank compaginó la creación de sus propios cortometrajes independientes con la realización de anuncios o secuencias de créditos y animaciones para películas de Hollywood, así como colaboraciones para Sesame Street, por donde pasaron también otros muchos animadores experimentales como Al Jarnow o Jane Aaron.

Las películas de Sally Cruikshank no envejecen, porque existen en su propio universo, absolutamente libre, en el que cualquier cosa puede suceder. En palabras de la autora: «Animation is this sort of open door to fantasy-land, you’re only limited by what you can draw».

Sally Cruikshank: Ducky, 1971, 16 mm, 3,5’; Fun on Mars, 1971, 16 mm, 4,5’; Chow Fun!, 1972, 16 mm, 4’; Quasi at the Quackadero, 1976, 35 mm, 10’; Make Me Psychic, 1978, 35 mm, 8’; Quasi’s Cabaret Trailer, 1980, 35 mm, 2,5’; Face like a Frog, 1988, 35 mm, 5,5’.

Proyección en 16 mm y 35mm.

Copias procedentes del Academy Film Archive.

Fecha: 16 mayo 2024

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio. Auditorio

Precio:  4 € / 3 € Reducida

Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido

Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

La endemoniada (Amando de Ossorio, 1975). Int.: Julián Mateos, Marian Salgado, Fernando Sancho. España. DCP. Color. 88

Cosa de brujas (José Miguel Juárez, 2003). Int.: José Sancho, Manuela Arcuri, Antonio Hortelano. España. 35mm. Color. 102’

Aprovechamos la publicación del libro Beso negro. Brujería, cine y cultura pop para invocar un programa doble de mujeres malditas y castigadas que harán temblar los cimientos del Doré.

En su lectura sobre el género y el género fantástico, los autores Elisa McCausland y Diego Salgado creen que “en el siglo XXI la bruja es el símbolo por definición de la resistencia feminista frente a la opresión patriarcal”. En La endemoniada, escrita y dirigida por Amando de Ossorio –pilar del fantaterror español– podemos ver tres generaciones de brujas: la veterana actriz argentina Tota Alba, hosca y resentida; la cubana descubierta por Jess Franco, Kali Hansa, como gitana sensual y liberada; y la niña Marian Salgado, cuya inocencia se quiebra al ser poseída por la primera y envejecer prematuramente. Curiosamente, Salgado grabaría ese mismo año 1975 el doblaje español de Linda Blair para El exorcista. Sin pretenderlo, Ossorio estaba esbozando una evolución de la figura de la bruja que el cine llevaba reflejando desde la década de los 60. Según McCausland y Salgado, «en los años setenta, el audiovisual estadounidense toma la iniciativa en lo que respecta a la imagen enérgica y asertiva de la bruja, al amplificar la cultura pop fenómenos como la Wicca, el folk horror, la eco-witch y la Nueva Era». La película de Ossorio remezcla esos temas con la intención de explotar el clásico de William Friedkin, aunque la escena final, con la niña rodeada por el triunvirato patriarcal (el padre, el cura y el policía), no anima a hacer lecturas muy progresistas.

Cosa de brujas es una cosa bien distinta. Pilar Bardem lidera un grupo de abuelas mefistofélicas que funcionan como representación del azar y la suerte; sin mayor contenido feminista que un matriarcado –con Saturnino García como dócil marido– aparentemente inspirado en ese rancio cliché de que las que mandan de verdad son las mujeres. Se nota que estamos todavía en 2003, aunque la película parece un producto noventero recién salido de la España del pelotazo, con la estética y los valores de ¡Ala… Dina! cruzada con Airbag y los recursos narrativos típicos de la era Pulp Fiction. Ahora que estamos en pleno revival 90s, toca reivindicar este cine comercial repleto de rostros televisivos y algunos efectos digitales, que marcaron el camino del cine español de entretenimiento que hoy conocemos.

Presentan la sesión Elisa McCausland y Diego Salgado, autores de Beso negro. Brujería, cine y cultura pop y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 210’).

Veinticinco años después de haber emigrado a Australia cuando era un niño, el cineasta holandés Dirk de Bruyn regresa con su familia a los Países Bajos. Combinando la autoetnografía, el diario filmado y diversas técnicas de animación, el cineasta se interroga sobre sus orígenes, su identidad y su condición de migrante.

Dirk de Bruyn (1950) ha realizado numerosas películas experimentales, de animación y documentales a lo largo de los últimos cuarenta años. Su labor creativa se sitúa en la tradición del cine abstracto, visionario o estructural, con una actitud libre e independiente abierta a integrar el lenguaje de los nuevos medios, sin abandonar las formas analógicas. También hace performances con múltiples proyecciones de sus filmes, en un modo muy personal de cine expandido. De Bruyn es un artista versátil y prolífico, al que probablemente todavía no se le ha prestado la atención que merece.

Sus primeros años haciendo películas estuvieron dedicados a la práctica diarística del cine y al aprendizaje. El trabajo que ejerció como operario en un laboratorio de cine industrial le permitió aprender las técnicas de revelado fotoquímico y de la impresora óptica, lo que posibilitó la experimentación con el medio, dando lugar a obras más largas, abstractas y estructuradas como Running (1976) y Feyers (1979). Ya en la década de 1980, De Bruyn hizo una serie de películas con diversas técnicas de animación directa caracterizadas por una abrumadora complejidad visual, ritmos intrincados y variadas texturas. Durante este periodo realizó el largometraje autobiográfico Homecomings (1987), una obra inscrita en la tradición del cine personal que aborda el regreso del cineasta y su familia a su tierra natal. La película combina distintos elementos estilísticos, la autoetnografía, el diario filmado y diversas técnicas de animación como la rotoscopia, el time-lapse y la animación directa. En un tono de reflexión tranquila, De Bruyn se hace preguntas sobre su propio pasado, rememora la figura de su padre para tratar de comprender sus orígenes culturales, su identidad y su condición de ser un migrante en Australia.

Homecomings, Dirk de Bruyn, 1987, 16 mm, 98’, VOSC.

Proyección en digital.

Copia procedente de Light Cone.

Fecha: 18 abril 2024

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Los comisarios Elisa McCausland, Felipe Rodríguez-Torres y Diego Salgado abordarán la influencia recíproca del cómic y el cine

Con motivo del Día Internacional de la Danza, Cineteca proyectará clásicos, estrenos y documentales que tienen a esta disciplina artística como protagonista

El ciclo ‘Películas inmundas’ reivindica un cine español subversivo y de bajo presupuesto

Los estrenos de mes incluyen piezas de directores como Pablo Llorca, Ignacio Oliva, José Gasset, Luis (Soto) Muñoz, Alejo Levis y Delphine Lehericey, cuyo Nuestro último baile ganó el Premio del Público en el Festival de Locarno 2022

Se proyectarán también dos películas con la visión particular del mexicano Teo Hernández

La muestra de cine rumano destacará los últimos trabajos de Cristi Puiu o Radu Jude

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, tendrá entre sus protagonistas del mes de abril al cómic y a la danza. El cómic será explorado a través de ciclos como ‘Cinéticas’ y ‘Cine y cómic: de la narrativa secuencial al lenguaje audiovisual’, con películas míticas que muestran la influencia recíproca de uno y otro y cuatro seminarios para profundizar en esta hibridación.

Con motivo del Día Internacional de la Danza, que se celebra el 29 de abril, Matadero Madrid presenta Danzadero, un completo programa de actividades en torno a esta disciplina artística que se extenderán durante el mes de abril. Cineteca se suma a esta celebración con una programación de grandes clásicos y documentales que tienen a la danza como protagonista, traspasando además la pantalla para acoger un espectáculo de danza.

Además, en abril Cineteca acogerá el ciclo ‘Películas inmundas’, que explora los márgenes de la irreverencia en el cine español, así como una nueva edición de la muestra de cine rumano y varias películas del cineasta mexicano Teo Hernández. Por su parte, el ciclo ‘Así son las cosas’, dedicado al videoarte, se adentrará en las estructuras del capitalismo.

Cinéticas
El cine nació como captación del movimiento y, por ello, no es de extrañar que las primeras películas fuesen retratos de bailes, de bailarinas, de cuerpos que danzaban.

El cómic nació también con la idea de poner la narración en movimiento, y por eso ambos medios, el cine y el cómic, se desarrollaron en paralelo. La pantalla de cine y la página de cómic estaban llamadas a definir muchos de los grandes mitos del siglo XX. También la danza. Cinéticas quiere celebrar un arte que está en cambio continuo, en continuo movimiento.

Cine y cómic: de la narrativa secuencial al lenguaje audiovisual
Este programa rastrea los trasvases culturales, temáticos y formales que se han producido entre el mundo del cómic y el del cine a lo largo del último siglo, con una extensa selección de películas de todos los géneros y clases que van desde la década de 1920 hasta hoy. Concurrencias argumentales, sensibilidades afines, influencias estéticas e hibridaciones posmodernas, que van mucho más allá de las simples adaptaciones del cómic al cine. La influencia recíproca del lenguaje de la gran pantalla y el de las viñetas sigue siendo un fértil tema de reflexión, y se abordará en
este ciclo realizado en colaboración con los comisarios Elisa McCausland, Felipe Rodríguez-Torres y Diego Salgado.

Algunas de las películas que se proyectarán dentro de este marco son El gabinete del Dr. Caligari (Robert Wiene, Alemania, 1920), Pierrot el loco (Jean-Luc Godard, Francia-Italia, 1965), Nosferatu (F.W. Murnau, Alemania, 1922), El quinto elemento (Luc Besson, Francia-Reino Unido-EEUU, 1997), Persiguiendo a Amy (Kevin Smith, EEUU, 1997) o El Gran Hotel Budapest (Wes Anderson, EEUU-Alemania, 2014).

Cuatro seminarios sobre cine y cómic
Las proyecciones del ciclo ‘Cine y cómic: de la narrativa secuencial al lenguaje audiovisual’ irán acompañadas de una serie de tres seminarios impartidos por los comisarios Elisa McCausland, Felipe Rodríguez-Torres y Diego Salgado, y un cuarto impartido por Francisco Sáez, Catedrático en la Universidad de Alcalá y director de la Cátedra ECC-UAH de Investigación y Cultura del Cómic. Todos ellos reflexionarán sobre la forma en que el cine y el cómic se han retroalimentado a lo largo de su historia, desde las relaciones primigenias entre los dos medios hasta la posmodernidad, preguntándose qué es una buena adaptación del cómic al cine.

Cine y danza
Cineteca Madrid se suma a la celebración del Día de la Danza de Matadero Madrid, con un programa que incluye grandes clásicos como Las zapatillas rojas (Michael Powell, Emeric Pressburger, 1948), películas de género como Suspiria (Luca Guadagnino, 2018), estrenos como Nuestro último baile (Delphine Lehericey, 2022) y documentales como Pina (Wim Wenders, 2011) o La danza. El ballet de la Ópera de París (Frederick Wiseman, 2009). El programa incluye una actuación de la bailarina Paz Rojo.

Películas inmundas
‘Películas Inmundas’ es un ciclo que reivindica ese otro cine español realizado a espaldas de la industria, con bajo presupuesto y un carácter lúdico, atrevido e innovador. Subversivo y clandestino. Una muestra de terrorismo cinematográfico que con su desvergüenza y descaro dinamita las normas del buen gusto imperante y los mediocres valores estéticos promulgados por el cine dominante. Un espacio para la celebración del disfrute y el delirio con películas como La maldición de la rejoneadora (Bernardo Bonezzi, 1986) o Los 1001 descorches (Daniel Gómez Ruiz, 1998).

Estrenos
Confluyen en abril los últimos trabajos de veteranos como Pablo Llorca, con dos títulos más de las cinco películas que componen su última producción, e Ignacio Oliva, en su regreso al largometraje con un thriller de espionaje ambientado en la Segunda Guerra Mundial, con las óperas primas de José Gasset (La función) y Luis (Soto) Muñoz (Sueños y pan, premiada en Atlántida Mallorca Film Fest).

Por su parte, Hate Songs, tercer largo de Alejo Levis, pudo verse recientemente en la última edición del Festival de Málaga. Además, con motivo de la programación de Cineteca dedicada a la unión del cine y la danza, esta acoge el estreno de Nuestro último baile, de Delphine Lehericey, Premio del Público en el Festival de Locarno 2022.

Confesionario: la autografía fulminante de Teo Hernández
Nueva sesión del programa mensual comisariado por Pablo Marín, dedicada en esta oportunidad a la obra única, desbordante, estimulante y sin concesiones de Teo Hernández, artista mexicano radicado en Francia y fallecido a la temprana edad de 52 años a causa de sida. Cielos, estatuas, comidas, amantes, cuerpos, bailes: nunca la vida (es decir la luz y el tiempo) ha sido filmada con semejante entrega. Se verán dos de sus películas en su formato original de Super 8mm: Tables d’Hiver (Francia, 1979) y Souvenirs / Florence (Francia, 1981).

Muestra de cine rumano
Un año más, en colaboración con el Instituto Cultural Rumano de Madrid, Cineteca presenta una selección del mejor cine rumano presentado en diversos festivales internacionales, destacando los últimos trabajos de dos pesos pesados como Cristi Puiu o Radu Jude, cuya No esperes demasiado del fin del mundo se alzó con el premio principal de la competición Albar en el último FICX – Festival Internacional de Gijón.

Además, este año la muestra dedica un pequeño ciclo al cine documental de Andrei Ujică, con tres de sus títulos más reconocidos e influyentes.

Así son las cosas: Cartografía Provisional
Nueva sesión del programa mensual comisariado por Marta Ramos-Yzquierdo, dedicado al videoarte y otros ámbitos de las artes visuales, dedicado en esta ocasión al artista Max de Esteban, cuyas investigaciones se centran en las estructuras del mundo capitalista: tecnologías, sistemas y condiciones de la circulación del significado y el poder. Cartografía Provisional, recién estrenada en la Bienal de Cuenca, es el último trabajo de Max de Esteban. La sesión se acompañará de una
conversación abierta con el filósofo Franco Bifo Berardi.

La noche Z: Los puños salvajes de Popeye
Para su sesión mensual dedicada al cine de serie B, el comisario Víctor Olid ofrece una propuesta inusual: un largometraje de Popeye a partir de cortometrajes clásicos entre los que se cuenta la trilogía original de la factoría Fleischer, formada por Popeye el marino (1936), Popeye y los 40 ladrones (1937) y Popeye y la lámpara maravillosa (1939), y otros cortometrajes de los años 40, 50 y 60. Con el fin de conservar las texturas y colores originales, el máster se ha confeccionado a partir de cintas VHS gastadas, que conservan todos sus fallos e imperfecciones.

Otras propuestas
Otras propuestas de este mes serán Relatos del ruido – Recuerdo de Luigi Nono II (Hay que caminar soñando), pase especial Septiembre, Ciclo Docma: Rebeladas o TVE Somos documental: Carlos Tena. El espíritu burlón de la música.

La programación de Cineteca Madrid incluye en abril las siguientes sesiones no recomendadas para menores de 18 años: Suspiria (Dario Argento, Italia, 1977), The Warriors: Los amos de la noche (Walter Hill, EEUU, 1979), Cartas sin destino (Els 5Qks, España, 1979), Ocellots agafen l’últim tramvia (Els 5Qks, España, 1983), La maldición de la rejoneadora (Bernardo Bonezzi, España, 1985), Asesinos natos (Oliver Stone, EEUU, 1994), Los 1001 descorches (Daniel Gómez Ruiz, España, 1998), Los productores (Stanley Sunday, España, 2005), Suspiria (Luca Guadagnino, Italia-EEUU, 2018) y You Can’t Stay Here (Todd Verow, EEUU, 2023).

Pup Y Pup (Michael Rudnick, 1977)

Esta sesión monográfica reúne veinte películas del cineasta de San Francisco Michael Rudnick. Su trabajo, prácticamente inédito en Europa, combina el arte visual en movimiento, la escultura cinética y los trampantojos ópticos. Con sus pequeños gestos enigmáticos y audaces, tiernos y festivos, el cine regresa a la infancia del arte.

El cine de Michael Rudnick es un parque de atracciones visual, un aleph minúsculo y a la vez infinito, en el que hay espacio para todo lo inesperado: panoramas de ciudades, exuberancia natural, retratos de animales y niños, objetos indescifrables, hábiles juegos de palabras e historias encapsuladas. En sus ingeniosos y sensuales divertimentos extremadamente condensados, acompañado en ocasiones de cineastas y amigos cercanos, Rudnick creó insólitas experiencias melódicas en las que exploró otras formas de ver el mundo, invirtiendo las expectativas del espectador y las convenciones de la proyección.

El amplio catálogo de artilugios diseñados y patentados por Rudnick, al margen de toda ostentación o virtuosismo, busca expandir al máximo las posibilidades inexploradas del cine desde los ángulos y las escalas, el color y las emulsiones, los patrones y la música o la multiplicación de las imágenes. Su orquesta de instrumentos —una plataforma de cámara motorizada con la que elaborar time-lapses combinados con panorámicas, sus proyectores de 16 mm reconstruidos, las animaciones con cilindros facetados giratorios— devuelve al resto del cine a la edad de piedra.

Michael Rudnick: Pup Y Pup, 1977, 3’; Gridlock, 1983, 2’; Ondeo, 1980, 5’; An Old Coat Flapping, 1977, 3’; Cleo, 1977, 4’; A Tooth Film for Ruby, 1985, 5’; You Won, You Lost, 1983, 2’; Go, 1986, 3’; Panorama, 1982, 12’; Intermission, con Rock Ross, 1997, 1’; Thinking a View, con Rock Ross, 1983, 4’; Art School Remembered 1971-1975, 1981, 1’; You Are Christine Dietrich, 1977, 4’; You Can Make Anything Small, 1997, 4’; The Compound, 1980, 5’; Delugion, 1982, 4’; Things I’d Say If I Were Pope, con Marian Wallace, 1994, 3’; Wirework, 1992, 4’; Wazoo Oiseau, 1983, 3’; Reseeding Air, 1985, 6’.

Proyección en 16 mm.

Copias procedentes del Academy Film Archive. Todas las películas proyectadas son restauraciones de 16 mm realizadas por Mark Toscano que provienen del Academy Film Archive. Agradecimientos a Michael Rudnick.

Fecha: 25 abril 2024

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Dos trabajos audiovisuales conforman el segundo encuentro de Las favoritas de Elena Martín Gimeno. ‘La mecánica de los fluidos’, galardonada recientemente con el premio César a Mejor Cortometraje Documental, es analítica y profundamente inteligente. ‘El Planeta’, llena de amor y de verdades desgarradoras, consigue hablar sobre pobreza e identidad de una forma increíblemente estimulante con un humor inteligente y una poética propia.

La mecánica de los fluidos, de Gala Hernández. España, Francia, 2022. 38 min.

Un miembro de incel -una subcultura de comunidades virtuales de hombres que dicen ser incapaces de tener relaciones románticas y relaciones sexuales con mujeres, como sería su deseo- con el nikname de Anarquista Anatemático publica una nota de suicidio en internet. Culpa de su muerte a Estados Unidos. A partir de este momento, la voz de la cineasta Gala Hernández y las imágenes digitales nos guían por los túneles inhóspitos de internet intentando hallar respuesta a las preguntas que surgen de este hecho.

Elena Martín Gimeno asegura que La mecánica de los fluidos es un trabajo te ronda el cuerpo días después de verla. «Y eso es lo mejor que le puedes pedir a una película». Gala Hernández, que nació en Murcia y vive entre París y Berlín, es artista e investigadora. Y, en palabras de la cineasta, se nota la complejidad teórica porque, ante la creciente simplificación de los discursos políticos, la directora, con una mirada profundamente feminista, hace un ejercicio de empatía hacia un colectivo que seguramente querría verla muerta: los incels. Se trata de una comunidad en internet, como tantas otras, que se alimenta a base de la presión violenta del capitalismo y del aislamiento social. Una comunidad a la que la película intenta comprender, sin dejar de ser crítica en ningún instante.

El Planeta, de Amalia Ulman. EE.UU., 2021. 79 min.

Leo (la misma Amalia Ulman) y su madre viven sin dinero en un apartamento en Gijón al borde del desahucio constante. Pero si caen, lo harán por todo lo alto. Enfundadas en looks icónicos uno tras otro y cometiendo pequeñas estafas, intentan sobrevivir en una España en crisis.

Amalia Ulman, nacida en Argentina y criada en Gijón, estudió en la Central Saint Martins de Londres y vive en Los Ángeles. Es artista multidisciplinar y regresó a Gijón para rodar su debut cinematográfico, El Planeta. La película es de ésas que es mejor ver que contar, porque su dispositivo, ritmo, el aura de cuento y los diálogos extravagantes y tiernos, generan un universo muy propio, de esos que dan envidia de ver.

En un Gijón lleno de establecimientos cerrados por quiebra, pisos en alquiler que nunca se llenan y anuncios de búsqueda de trabajo, Leo y su madre viven resistiéndose a aceptar la realidad de tener que marcharse de su casa. En un delirio de grandeza constante y fantaseando con un encuentro con Scorsese, madre e hija se acompañan, se cuidan, se visten y ornamentan y estafan dinero para poder seguir adelante. Amalia Ulman, que produce, dirige y protagoniza la película, consigue hacer aquello tan mágico de construir unos personajes que están ‘fuera de lugar’ y que sean justamente ellos los que te cuenten grandes verdades sobre ese lugar del que han quedado fuera.

15 mar – 21 mar

Minamata no zu monogatari (Noriaki Tsuchimoto, 1981)

El esencial cineasta Noriaki Tsuchimoto explora la relación entre belleza y catástrofe, arte y memoria colectiva acompañando a los pintores Iri y Toshi Maruki en su realización de un mural conmemorativo sobre las víctimas de la «enfermedad de Minamata», el desastre industrial más grave en la historia de Japón.

Durante más de tres décadas, la empresa química Chisso vertió toneladas de mercurio en la bahía de Minamata. La intoxicación de las poblaciones vecinas derivó en miles de casos de malformaciones y trastornos neurológicos irreversibles, perpetuados genéticamente. La resistencia de las víctimas y su perseverante organización para probar la responsabilidad de Chisso y exigir unas compensaciones económicas justas fue documentada por Tsuchimoto en un ciclo de diecisiete películas y vídeos realizados entre 1971 y 2004.

En el contexto de este ciclo monumental, El mural de Minamata es una película única. Tsuchimoto desplaza su foco de atención habitual para capturar el proceso creativo de un matrimonio de pintores (los reputados Iri y Toshi Maruki, en su madurez artística en el momento de la filmación) que recibe el encargo de pintar un mural conmemorativo de las víctimas de Minamata. Alternando el trabajo de la pareja en el estudio y sus visitas a las comunidades locales, con una brillante articulación del color y el montaje, el largometraje es una meditación sobre la representación del trauma colectivo, el retrato de la expresividad de los cuerpos neurodivergentes, la memoria física y plástica del horror, la colaboración artística y la tensión entre tradición y modernidad en el arte japonés.

Minamata no zu monogatari, Noriaki Tsuchimoto, 1981, 16 mm, 111’, VOSC.

Proyección en 16 mm.

Copia procedente de Palabra. Agradecimientos a Ricardo Matos Cabo.

Fecha: 28 abril 2024

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

“Writers’ Room: Series” es un curso anual eminentemente práctico donde el alumnado desarrolla dos proyectos de serie en un entorno orientado hacia las Writers’ Room profesionales.
El objetivo: generar dos proyectos de serie por persona: uno individual y uno colectivo, con un dossier de venta y el guion de un capítulo piloto por proyecto, los materiales para potenciar el acceso al mercado laboral. Todo ello con el acompañamiento de profesionales en activo con experiencia en producciones como «Selftape», «Arròs covat» o «Com si fos ahir», entre otras.

Metodología y promoción

• El objetivo de este curso es que el alumnado termine con dos proyectos de serie (Dossier de venta + Guion de Piloto) bajo el brazo: uno desarrollado de manera individual, donde han trabajado sobre la voz propia; y otro desarrollado de manera colectiva. Ambos proyectos gestados en un aula que sigue las bases de una Writers’ Room: dar feedback, encontrar problemas y soluciones, y descubrir lo que se esconde tras la página en blanco.

• El alumnado presentará los proyectos finalizados en un pitch a productoras y profesionales del sector.

• En paralelo al trabajo sobre proyectos, hay varias «Masterclasses» que complementan el trabajo práctico del alumno, en ocasiones impartidas por profesorado externo. Las Masterclasses abordan los siguientes temas:

  • MASTERCLASS Concepto, Estructura y Personajes (en Series). Entendemos el Concepto, la Estructura y los Personajes como los tres pilares fundamentales de la narrativa

  • MASTERCLASS JOANA Y MIREIA VILAPUIG, (Actrices, Guionistas y Showrunners) (SELFTAPE).

  • MASTERCLASS MARC ANGELET (Guionista, Dramaturgo, Director) (COM SI FOS AHIR, LAPÒNIA, #LIFESPOILER). Writers’ Room de serie

  • MASTERCLASS ÀLVAR LÓPEZ. (Director de Desarrollo España y México de THE IMMIGRANT). El puente con la industria: ¿Qué hacer con tu proyecto de serie? ¿Cómo funciona el trabajo con productoras y plataformas?

  • MASTERCLASS Una visión crítica. PENDIENTE DE CONFIRMAR.

*La escuela se reserva el derecho a cambios en el profesorado adjunto por motivos de disponibilidad.

• Fechas: 14 de octubre 2024 al 19 de junio 2025

• Vacaciones: del 18 de julio al 1 de septiembre

• Horario: 17h a 20h lunes y miércoles

• Precio: 2.000€ (reserva de plaza 500€)

• Descuento: 1.700€ matriculados durante el mes de febrero, pago único

Docentes

• Carlos Robisco Peña

• Sergio Roldán

• + Special Guests

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En esta sesión, enmarcada dentro de la exposición “1.000 m2 de deseo. Arquitectura y sexualidad”, podremos ver tres piezas esenciales del cine experimental norteamericano. Barbara Rubin, Kenneth Anger y Jack Smith filman sendas visiones transgresoras del cuerpo y el deseo situadas en el espacio de la pura fantasía.

Rubin filma en Christmas on Earth una orgía en un lugar indeterminado, fuera del tiempo y el espacio. La doble proyección superpuesta de esta película se desarrolla de manera diferente en cada sesión. Lucifer Rising, por su parte, desarrolla la fascinación de Anger por el ocultismo, Aleister Crowley y la imaginería del antiguo Egipto. Esta película generó su propia mitología en torno a los participantes en el rodaje (Marianne Faithfull, el hermano de Mick Jagger o el líder de Led Zeppelin, Jimmy Page, entre otros) y a las vicisitudes que sufrió la filmación original. En Flaming Creatures, Smith juega a filmar situaciones aparentemente inconexas, quizás cercanas a la performance, en una película que valió a su creador un juicio por obscenidad.

Christmas on Earth, Barbara Rubin, 1963, 29 min; Lucifer Rising, Kenneth Anger, 1972, 29 min; Flaming Creatures, Jack Smith, 1963, 45 min.

Proyección en 16 mm. Mayores de 18 años.

Fecha: 19 febrero 2017

Horario: 18.30

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida

Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido

Amigos CCCB: gratuito

Las obras vinculadas a la experiencia pedagógica de la Young Filmmakers Foundation (1964-1974), a cargo del cineasta experimental chileno Jaime Barrios, junto con los educadores Rodger Larson y Lynne Hofer, revelan una historia del cine amateur aún por redescubrir. Esta sesión presenta las películas de adolescentes provenientes de las comunidades puertorriqueña y afroamericana en un agitado Lower East Side, tomando el cine como herramienta de expresión generacional.

Film Club (1968) documenta la vitalidad de los talleres de producción en 16 mm que tenían lugar tanto en Rivington Street como en el Movie Club del Henry Street Settlement, fundado por Bruce Spiegel. La película de Barrios nos permite participar en la efervescencia de la creación colectiva por la que pasaron más de mil alumnos a lo largo de los años: la experiencia material con las cámaras y el celuloide, el rodaje de cinco películas, las mesas de montaje y postproducción de sonido, así como su particular formato de distribución a través del Moviebus por los cinco distritos de Nueva York, proyectando las películas directamente en las paredes de los edificios.

Con el apoyo del Consejo de las Artes del Estado de Nueva York y medios rudimentarios, la gran diversidad formal y temática de los Young Filmmakers es testimonio de sus aspiraciones, frustraciones, sueños y placeres. Generando nuevos vínculos entre el cine underground neoyorquino y el latinoamericano, reinventaron el cine al ritmo de los Beatles, Willie Colón, Bob Dylan o Ray Barreto, formulando una visión particular sobre la masculinidad a través de coches de juguete (Superbug), la psicodelia y el consumo de drogas (Hip Jean Jeannie), una mirada lírica al amor adolescente (Young Love), la marginalidad y la rebeldía (Young Braves) y un desahogo profundo frente a la Guerra de Vietnam (America’s Best).

Film Club, Jaime Barrios, 1968, 16 mm, 26’; Superbug, Anthony Joseph, 1972, 16mm a digital, 8’;  Hip Jean Jeannie, Fred Pérez, 1970, 16mm a digital, 9’; Young Love, Linda Rivera, 1970, 16mm a digital, 6’; Young Braves, Michael Jacobsohn, 1968, 16mm a digital, 9’; America’s Best, Michael Jacobsohn, 1970, 16mm a digital, 15’.

Proyección en 16 mm y digital (VOSC).

Copia de Film Club procedente de The Film-Makers’ Cooperative. Copias restantes en digital procedentes de Michael Jacobsohn y cortesía de los artistas. Agradecimientos a Jessica Gordon-Burroughs.

Fecha: 21 abril 2024

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online

El siempre controvertido John Waters y cuatro directoras que se introdujeron en el sistema de Hollywood en los años 70 completan la programación desviada de Cineteca para este mes

También el arte sonoro y el cine negro mostrarán su cara más insólita de la mano de los programas presentados por José Iges y Juan Dos Ramos

Una nueva entrega del ciclo Confesionario y las proyecciones del Japanese film festival se suman a las habituales secciones de Cineteca Madrid completando su programación

Cineteca conmemorará el Año Nuevo chino con la proyección de la película Chinas, de Arantxa Echevarría

Cineteca, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se desvía este mes de febrero de las vías principales de la historia del cine para reivindicar los caminos secundarios al encuentro de estilos híbridos y cruces insólitos entre géneros. El 30 aniversario de Los asesinatos de mamá será celebrado con un foco dedicado a la figura de John Waters y se ofrecerá una selección de musicales westerns y thrillers que escapan de los cánones establecidos.

Son muchos los directores que se han servido de los códigos establecidos de los géneros cinematográficos, manipulándolos y transgrediéndolos para encontrar nuevas formas de contar las cosas. En este programa, Cineteca recupera clásicos del cine que han utilizado la hibridación y la introducción de temas insólitos en películas de género para abrir nuevas vías en la exploración de los límites del medio cinematográfico.

El primer género elegido para mostrar películas transgresoras es todo un clásico de Hollywood: el western, dentro del ciclo Westerns desviados. El jueves 1 de febrero se proyectará First Cow (Kelly Reichardt, EEUU, 2019, 121’). A continuación, la multioscarizada Brokeback Mountain. En terreno vedado (Ang Lee, EEUU, 2005, 129′), que cuenta la historia de dos vaqueros gais, y Dead Man (Jim Jarmusch, EEUU, 1995, 124′), con un elenco plagado de estrellas como Johnny Depp, Billy Bob Thornton o el mismísimo Iggy Pop, que completa la triada.

En la sección dedicada a las películas desviadas del cine de terror, destaca la proyección de Anticristo (Dinamarca, 2009, 105′) del director danés Lars Von Trier, programada para el miércoles 7 de febrero. Además, se podrán ver la inquietante Crash (Canadá, 1996, 98’), de David Cronenberg y El asesino del taladro (Abel Ferrara, EEUU, 1979, 96′), ambientada en las calles más sórdidas de Nueva York.

También el género musical tiene muestras de películas que se salen de los cauces de los temas más convencionales a lo largo de la historia del cine. Cineteca proyectará, a finales del mes de febrero, Annette (Leos Carax, Francia, 2021, 140′) y El fantasma del paraíso (EEUU, 1974, 92′), del siempre sorprendente Brian de Palma.

Desvíos sónicos, encuentros con José Iges
Siguiendo con los desvíos, el sonido es el protagonista de este programa comisariado y presentado por el artista sonoro José Iges que, a lo largo de cuatro sesiones, esbozará una historia personal y sentimental del arte sonoro y sus precedentes, apoyada en la escucha de piezas de artistas fundamentales. Cuatro viajes inmóviles a través de paisajes, relatos, procesos y significados de géneros tan dispares como la escultura sonora, la instalación, el radioarte, el concierto o la acción, que tendrán lugar todos los jueves a partir del día 8 de febrero.

Gangsters maricas, extravagancia y furia en el cine negro
Otra muestra de desvío, esta vez en el cine negro: Cineteca presenta el programa Gangsters maricas, comisariado y presentado por Juan Dos Ramos, inspirado en su ensayo del mismo título, que documenta la infiltración de la figura del gangster queer en películas del cine negro americano y británico a lo largo del siglo XX, invitando a revisar la idea de masculinidad asociada con el género. Son cinco películas que recorren más de medio siglo de historia del cine, donde se encriptan códigos y personajes que hoy se asocian con las identidades disidentes comenzando por Gilda (EE. UU., 1946, 112′) de Charles Vidor, con los inolvidables Rita Hayworth y Glenn Ford como protagonistas.

Completan el ciclo Al rojo vivo (Raoul Walsh, EEUU, 1949, 114′), Performance (Nicolas Roeg, Reino Unido, 1970, 100′), Carretera perdida (David Lynch, EEUU-Francia, 1997, 134’) y la obra maestra del cine negro, Los sobornados (Fritz Lang, EEUU, 1953, 90′).

John Waters. Buscando la belleza en la basura
El siempre provocador director de Baltimore protagoniza con su obra este ciclo de tres películas que se debaten entre la poesía desenfrenada de Jean Genet y el naturalismo desprejuiciado de Andy Warhol, rompiendo sistemáticamente las reglas del cine de Hollywood. Cineteca aprovecha el 30 aniversario de Los asesinatos de mamá (EEUU, 1994, 97′), que se proyectará el jueves 29, para reivindicar el papel fundamental de Waters en la creación de un cine desviado, presentando además las siguientes obras: Hairspray, fiebre de los 60 (EEUU, 1988, 92′) y Cry-Baby (El lágrima) (EEUU, 1990, 85′).

Working girls. La generación perdida del nuevo cine estadounidense
El ciclo Working Girls. La generación perdida del nuevo cine estadounidense presentará la obra de cuatro directoras que se introdujeron en el sistema de estudios de Hollywood en los años 70: Nancy Savoca, Claudia Weill, Joyce Chopra y Joan Micklin Silver. En un circuito comercial preponderantemente masculino, desarrollaron filmografías únicas y marcadas, si bien nunca de forma explícita, por la eclosión del feminismo.

Este programa de Irene Castro y Noah Benalal, fundadoras del proyecto Roedor que se dedica a la recuperación de películas poco conocidas en nuestro país, acercará a Cineteca los siguientes títulos: Household Saints (Nancy Savoca, EEUU, 1993, 124′), Las amigas (Claudia Weil, EEUU, 1978, 86′), Palabras suaves (Joyce Chopra, Reino Unido-EEUU, 1985, 92′) y A Fish in the Bathtub (Joan Micklin Silver, EEUU, 1998, 96′).

Estrenos y segundo mes de Confesionario: El cine iluminado de Sandra Davis
Los estrenos que Cineteca ofrecerá en febrero incluyen la proyección de Mudos testigos (Luis Ospina, Jerónimo Atehortúa Arteaga, Colombia, 2023, 79′), película póstuma de Luis Ospina en colaboración con Jerónimo Atehortúa, que narra una fantástica historia de amor construida a modo de collage con metraje encontrado de películas mudas colombianas de principios del siglo XX. También se proyectarán las últimas películas de Ion de Sosa Mamántula (España, 2023, 45′) y Velasco Broca Alegrías riojanas (España, 2022, 28′), que transgreden sistemáticamente los códigos de los géneros cinematográficos en historias desbordantes de imaginación. Entre otros estrenos, se podrán ver dos de las últimas obras del infatigable Pablo Llorca: Película del hierro y la nieve (España, 2023, 107′) y Sexo, drogas, rock ‘n’ roll y política. Instituto Santamarca 1975–1985 (España, 2024, 118′).

La sesión del programa mensual Confesionario, comisariado por el artista e historiador Pablo Marín, trae a Cineteca este mes la obra de la norteamericana Sandra Davis, figura insólita del cine de vanguardia. Se proyectarán tres de sus películas en formato de 16mm.

Japanese film festival: Special world tour 2024 y otras secciones
Además, el mejor cine japonés contemporáneo llega un año más a Cineteca Madrid de la mano de la Fundación Japón, con una muestra de seis películas que dan cuenta de las inquietudes de las nuevas generaciones de cineastas japoneses. Las proyecciones irán acompañadas por presentaciones de expertos y cineastas que acercarán la realidad de un panorama cinematográfico tan desconocido como estimulante.

Tampoco faltarán a su cita mensual las secciones más habituales de Cineteca como Cinezeta, Cineteca en familia, Relatos del ruido, Así son las cosas, La noche Z, Imprescindibles TVE, Ciclo Docma o CIMA en corto, además del pase especial de El dulce sabor del éxito (Emanuele Giusto y Carlos Tejeda, 2020, España, 75’). En conmemoración del Año Nuevo chino, se proyectará Chinas (2023, España, 118’), de Arantxa Echevarría, que muestra desde dentro la vida de una familia de la comunidad china residente en Madrid.

La programación de febrero en Cineteca Madrid incluye varios títulos no recomendados para menores de 18 años: El asesino del taladro (Abel Ferrara, EEUU, 1979), Los asesinatos de mamá (John Waters, EEUU, 1994), Crash (David Cronenberg, Canadá, 1996), Anticristo (Lars Von Trier, Dinamarca, 2009), Molina’s Ferozz (Jorge Molina, Cuba, 2010) y Mamántula (Ion de Sosa, España-Alemania, 2023).

Straits of Magellan: Drafts & Fragments (Hollis Frampton, 1974)

¿Es el cine un invento sin futuro? Esta sesión dedicada a Hollis Frampton intenta, de alguna manera, responder a esa pregunta y, además, percibir qué papel jugaron las primeras películas, incluidas las de los hermanos Lumière, y la historia del cine en la obra del cineasta americano.

Hollis Frampton realizó Public Domain y Straits of Magellan: Drafts & Fragments en un momento en que su obra giraba alrededor de Magellan, su último gran ciclo inconcluso de películas. Esta obra inacabada explicita una concepción del cine y de su historia desvinculada de lo artístico y enlazada con todos los materiales que se filmaron, no importa con qué propósito, una especie de film infinito, en el que el cineasta de Ohio trabaja como un arqueólogo intentando restituir algunos de sus monumentos. En esta sesión intentaremos rastrear algunos de ellos, más concretamente los vinculados con las primeras películas que se realizaron, como las de los hermanos Lumière o las de Edison.

Frampton pasó mucho tiempo en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos investigando su colección de películas impresas en papel, filmes del llamado periodo «primitivo» hechos antes de 1912 cuyos derechos son de dominio público. Planeaba usar muchas de estas piezas, de aproximadamente un minuto de duración, como leitmotiv compositivo de Magellan. De este trabajo de archivo resultó, entre otras obras, Public Domain, compuesta por películas antiguas ordenadas alfabéticamente, entre las que se incluye Record of a Sneeze (1894) y Electrocuting an Elephant (1902), de Edison.

Por otro lado, Straits of Magellan configura un catálogo de «actualidades» hecho por Frampton que evoca el cine de los hermanos Lumière. En muchos casos se trata de una alusión directa, como en la reelaboración que el cineasta americano hizo de Démolition d’un mur (1895); en otros, metafórica: los operadores Lumière, al igual que Magallanes, viajaron por todo el mundo atrapando imágenes de distintos parajes. De las 720 películas mudas de un minuto que Frampton tenía previsto rodar, solo se hicieron 49, pero estos bocetos y fragmentos son un elemento central de Magellan, que, además de evocar el primer cine, reflexionan, a través de una serie de analogías, sobre lo que significa ver en el cine.

Hollis Frampton: Public Domain, 1972, sin sonido, 14’; Drafts & Fragments Straits of Magellan, 1974, sin sonido, 51’.

Proyección en 16 mm.

Copias procedentes de The Film-Makers’ Cooperative.

Fecha: 22 febrero 2024

Horario: 19.00

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Hay que zurrar a los pobres / Un millón de amigos, 190′

•  Hay que zurrar a los pobres (Santiago San Miguel, 1991). Int.: Francisco Casares, Agustín González, Juan Ribó, Mireia Ros. España. 35 mm. Color. 90’

• Un millón de amigos (Fernando Merinero, 2007). Int.: Álex de la Nuez, Miguel Esteban, Francisco Jurdao Arrones, Javier Jurdao. España. DCP. Color. 83’

  Invitamos al director Fernando Merinero a una sesión doble con una de sus comedias más gamberras y nos trae una recomendación con sabor a decadencia baudelairiana y a esperpento.

  Para Merinero, Hay que zurrar a los pobres parece protagonizada por los deudos de los mendigos de Viridiana, pero el director Santiago San Miguel va más atrás y agradece en los créditos la inspiración de Baudelaire. El título remite claramente a uno de los poemas en prosa del autor francés, donde narra precisamente la paradoja que abre y cierra la película.  Merinero nos descubre aquí otra de esas producciones malditas del cine español, que ni con un reparto espléndido, ni con una fotografía del maestro José Luis Alcaine o con la presentación en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, consiguió evitar la indiferencia de crítica y público. En la carrera de San Miguel había hasta entonces películas personales como Adiós, Alicia y La casa del paraíso, y productos de crónica negra a la sombra de El crimen de Cuenca. Con esta película de muy bajo presupuesto intentó recuperar un cine que ya no se estilaba en los 90, con raíces literarias y un costumbrismo oscuro situado entre Berlanga y Ferreri. Hay que zurrar a los pobres bien podría pasar por un precedente de La comunidad de Álex de la Iglesia, con esa cochambrosa pensión Ezequiel y sus extravagantes inquilinos, pero en clave más amarga y simbólica.

Siguiendo el símil de Merinero, el protagonista de Un millón de amigos, Javier Jurdao, no desentonaría como huésped de la pensión Ezequiel; sus diatribas sobre el capitalismo, la religión o las mujeres, podrían haber sido tertulias de sobremesa con palillo en boca y copazo de sol y sombra. Hoy en día suenan a cómico anclado a otra época, que convierte su desubicación en un estilo de vida. Merinero se aproxima a la familia Jurdao como si fuera una versión malagueña de los Panero de El desencanto, más pillos y vividores, con el padre Francisco Jurdao como ‘intelectual con seis carreras’ que ni su exmujer reconoce. La película, reconoce Merinero, trata de empatizar con ellos mientras se ríe de sí misma y se desmitifica.

Presentan la sesión el director Fernando Merinero y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).

La Filmoteca Española dedicará una retrospectiva a Patric Chiha, director de ‘La bestia en la jungla’ durante los meses de febrero y marzo. El ciclo, titulado ‘PATRIC CHIHA. COREOGRAFÍAS DEL DESEO’, contará con la proyección de sus anteriores películas: Domaine (2009), Boys Like Us (2014), Brothers of the Night (2016) y Si esto fuera amor (2020)

La retrospectiva dará el pistoletazo de salida el 22 de febrero con el preestreno de LA BESTIA EN LA JUNGLA en el Cine Doré, sede principal de la Filmoteca. El evento contará con la presentación y posterior coloquio con Patric Chiha, director de la película. Al día siguiente comenzará el ciclo dedicado a su obra. Según Álex Mendíbil (Investigador, guionista y programador), «si sigues los movimientos de Fassbinder, Kenneth Anger, Dennis Cooper o Gisèle Vienne, te acabas cruzando inevitablemente con el cine de Chiha»

LA BESTIA EN LA JUNGLA  – Jueves 22 de febrero a las 20:30h – Sala 1
*PREESTRENO: Presentación y coloquio a cargo del director Patric Chiha y del historiador y programador Álex Mendíbil

DOMAINE – Viernes 23 de febrero a las 17:30h – Sala 1
BOYS LIKE US – Sábado 24 de febrero a las 19:30h – Sala 2
BROTHERS OF THE NIGHT – Martes 27 de febrero a las 20:30h – Sala 1
SI ESTO FUERA AMOR – Miércoles 28 de febrero a las 21:00h – Sala 1

Patric Chiha es un cineasta austriaco de origen húngaro y libanés, nacido en Viena (Austria) en 1975. Se trasladó a París a los 18 años para estudiar diseño de moda. Luego cursó estudios de edición de cine en la Escuela de Cine INSAS en Bruselas. Sus cortometrajes y documentales, como Home y Les Messieurs, han sido seleccionados en diversos festivales de cine. En 2009, dirigió su primera película, Domaine, protagonizada por Béatrice Dalle, que se estrenó en el Festival de Venecia. Le siguieron Boys Like Us en 2014, y los documentales Brothers of the Night en 2016 y Si esto fuera amor en 2019, ambos estrenados en la Berlinale. La bestia en la jungla (2023) es su quinta película.

Un programa comisariado y presentado por Juan Dos Ramos, inspirado en su ensayo Gangsters maricas, que documenta la infiltración de la figura del gangster queer en películas del cine negro americano y británico a lo largo del siglo XX, invitándonos a revisar la idea de masculinidad que asociamos con el género. Cinco películas que recorren más de medio siglo de historia del cine, donde se encriptan códigos y personajes que hoy asociamos con las identidades disidentes.

Programación

Gilda. Charles Vidor. EE.UU. 1946. (112′)

Johnny Farrell llega a Argentina a finales de la Segunda Guerra Mundial en busca de trabajo. Lo encuentra como gerente de un club nocturno propiedad de Ballin Mundson. Farrell descubre sorprendido que la nueva esposa de Mundson es Gilda, su antigua amante. Ella juega a la ambigüedad con ambos hombres hasta que Farell descubre el verdadero negocio que se esconde tras el club.

Febrero Martes 13  20:00 h  Sala Azcona

Al rojo vivo. (White Heat). Raoul Walsh. EE.UU. 1949. (114′)

Después de asaltar un tren que transportaba 300.000 dólares y asesinar a los maquinistas, Cody Jarret y su banda huyen con el dinero, pero son perseguidos por agentes federales que sospechan que Cody es el autor del robo. Una vez preparada una coartada perfecta, Cody se entrega a la policía y es condenado sólo a dos años de prisión; sin embargo, los agentes del Tesoro, convencidos de que fue el cerebro del asalto, le tienden una trampa.

Febrero. Miércoles 14. 20:00 h. Sala Azcona

Performance. Nicolas Roeg. Reino Unido. 1970. (105′)

Chas es un performer de la mafia, un matón a sueldo que aplica curiosas y artísticas torturas a sus víctimas. Cuando surge un problema con su capo, se ve obligado a huir, y decide esconderse en el sótano de una antigua casa de un suburbio de Londres. El casero, una ex estrella de rock, Turner, vive con dos mujeres con las que forma un trío, y se pasa el día comiendo setas alucinógenas e improvisando con la guitarra. Al principio, Chas y Turner chocan, pero poco a poco, en un viaje de conocimiento mutuo, se darán cuenta de que ambos son performers y que tan sólo una delgada línea les separa.

Febrero. Jueves 15.  20:00 h. Sala Plató

Carretera perdida.  David Lynch. Estados Unidos. 1997. (134′)

Fred Madison, un músico de jazz que vive con su esposa Renee, recibe unas misteriosas cintas de vídeo en las que aparece una grabación de él con su mujer dentro de su propia casa. Poco después, durante una fiesta, un misterioso hombre le dice que está precisamente en su casa en ese instante. Las sospechas de que algo raro está pasando se tornan terroríficas cuando ve la siguiente cinta de video…

Febrero. Sábado 17. 20:00 h. Sala Azcona

 Los sobornados. (The Big Heat). Fritz Lang. EE.UU. 1953.(90′)

Tras suicidarse, el policía Tom Duncan deja una carta en la que confiesa haberse dejado sobornar por una banda de gángsters, pero también denuncia la corrupción de altos funcionarios. Cuando el sargento Dave Bannion trata de esclarecer su muerte tropieza con toda clase de obstáculos.

Febrero. Domingo 18.  20:00 h. Sala Azcona

A Study in Choreography for Camera (Maya Deren, 1945)

Maya Deren exploró una nueva forma cinemática para crear un cine-ritual. Este programa agrupa sus obras más relevantes en esa obsesiva investigación, intelectual y pasional, que quedó en parte inacabada y como promesa de un cine posible y que atraviesa toda su trayectoria: el cine como forma de meditación y poética de la metamorfosis, a fin de «buscar la verdad que es más extraña que la ficción».

Desde su aprendizaje en los cuarenta junto a la antropóloga y coreógrafa Katherine Dunham (de la que proyectamos una breve filmación) hasta el estudio de la película rodada en Bali por Margaret Mead y Gregory Bateson (que también se incluye en la sesión), y a lo largo de sus viajes a Haití, Maya Deren se impregnó de los rituales de posesión, el trance, el vudú: «El arte se basa en la noción de que, si quieres realmente celebrar una idea o principio, debes pensar, debes planear, debes ponerte a ti misma en un completo estado de devoción…».

Con A Study in Choreography for Camera —de la que mostramos la versión montada de tres minutos y los outtakes que muestran su técnica compositiva—, Deren se situó detrás de la cámara para filmar/danzar con Talley Beatty, un bailarín de la compañía de Dunham, y representar la liberación de su cuerpo del mundo real, el pasaje físico y espiritual de un estado a otro, y la coreografía fílmica de cuerpo, objetos y naturaleza. Ritual in Transfigured Time muestra el encuentro enigmático entre Rita Christiani y Maya Deren, inmersas en el ritual de devanar lana de un telar. Meditation on Violence, en la que filma a Chao-Li Chi y por primera vez utiliza materiales musicales de la cultura haitiana, explora el ritual de Wu Tang y la transformación de la violencia en belleza. Stan Brakhage, que la consideraba la película más personal de Deren, señaló al respecto: «No aparece en la película, pero ella es la cámara. Se está moviendo, está respirando en relación con el bailarín».

Entre 1947 y 1955, Deren hizo cuatro viajes, durante 21 meses, a Haití, filmando abundante material con una cámara Bolex sobre la danza y la posesión en la cultura vudú, en un proyecto que quedó inconcluso y que también dio lugar a un libro. Después de la muerte de Deren, una versión de Divine Horsemen. The Living Gods of Haiti fue montada por Teiji Ito, su última pareja. Maya Deren: «Terminé filmando humildemente y lo más preciso que pude. Las lógicas de aquella realidad me forzaron a reconocer su integridad y abandonar mis manipulaciones».

A Study in Choreography for Camera, Maya Deren, 1945, 16 mm, sin sonido, 3’; A Study in Choreography for Camera – Outtakes, Maya Deren, 1945, 16 mm, sin sonido, 16’; Ritual in Transfigured Time, Maya Deren, 1946, 16 mm, sin sonido, 14’; Meditation On Violence, Maya Deren, 1948, 16 mm, 12’; Katherine Dunham Performing Ballet Creole, British Pathé, 1952, 16 mm a digital, 2’; Trance and Dance in Bali, Margaret Mead y Gregory Bateson, 1968, 16 mm a digital, 20’; Divine Horsemen: the Living Gods of Haiti, Maya Deren, 1947-51, 16 mm, 55’.

Proyección en 16 mm y en digital.

Copias en 16 mm procedentes de Light Cone. Copia de A Study in Choreography for Camera – Outtakes procedente de LUX. Copia de Katherine Dunham Performing Ballet Creole procedente de British Pathé.

Fecha: 11 febrero 2024

Horario: 18.30

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.

Cada sábado noche, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.

Castillos en ruinas, playas desiertas, cementerios o parajes brumosos de la campiña francesa son algunos de los escenarios habituales del cine de Jean Rollin (1938-2010), el cineasta que llevó el popular género del cine de vampiros a los terrenos más oníricos, poéticos y personales. Descrito como “una de las imaginaciones más puras jamás consagradas al género de terror” (Tim Lucas), la obra de Jean Rollin nos sumerge, con una bellísima fotografía, en esos parajes en los que el tiempo parece estar detenido y que están poblados de rituales, vampiresas, muertos vivientes y fantasmas. Desde La noche bizarra, nos enorgullece presentar, por primera vez en España y en la gran pantalla, las nuevas restauraciones de cuatro de las películas más emblemáticas del cine de Jean Rollin.

Películas del ciclo

Fascinación

Jean Rollin, Francia, 1979, 1h22 VOSE [Archivo digital]

Un criminal fugitivo irrumpe en un castillo aparentemente deshabitado y toma como rehenes a dos asustadas sirvientas. Al caer la noche, llega un grupo de misteriosas mujeres aristócratas y el criminal empieza a darse cuenta de que las mujeres ocultan un siniestro secreto.

Bellamente filmada y con una atmósfera onírica, Fascinación trata el fetiche de la sangre con un subtexto feminista y ofrece al espectador algunas de las imágenes más icónicas de la filmografía de Jean Rollin.

Sesión Sábado 27.01.24 · 22:00

La Muerta Viviente

Jean Rollin, Francia, 1982, 1h30 VOSE [Archivo digital]

Catherine Valmont, una rica heredera que murió de forma prematura, es accidentalmente resucitada por el efecto de unos residuos químicos vertidos en la cripta de su deshabitado castillo. Su amiga de la infancia, Hélene, le ayudará a saciar su insaciable sed de sangre.

Con La muerta viviente, Rollin se adentra en el terreno del gore poético a la vez que explora en profundidad el amor y la amistad entre dos amigas. Una de sus películas más populares (en parte debido a Rob Zombie y su canción The Living Dead Girl) que ofrece además una de las escenas finales más intensas de la historia cine.

Sesión Sábado 03.02.24 · 22:00

Labios de sangre

Jean Rollin, Francia, 1975, 1h27 VOSE [Archivo digital]

Frédéric ve una fotografía de un castillo costero en ruinas que le despierta un extraño recuerdo de su infancia. Entonces emprende una misteriosa búsqueda, ayudado por cuatro vampiras, para encontrar el castillo y a la bella mujer que vive en él.

Labios de sangre quizá sea la película de Rollin que mejor trasciende sus tendencias hacia lo poético y lo arcano, manteniéndose al mismo tiempo fiel a sus obsesiones más personales y recurrentes: la infancia, la nostalgia, el amor perdido, las búsquedas románticas, el cine, la obsolescencia. Labios de sangre era la respuesta cuando le preguntaban a Rollin por su película favorita.

Sesión Sábado 10.02.24 · 22:00

El amanecer de los vampiros

Jean Rollin, Francia, 1971, 1h35 VOSE [Archivo digital]

Una joven pareja de luna de miel pasa la noche en un antiguo castillo. Sin que ellos lo sepan, el castillo es el hogar de una horda de vampiros, que tienen sus propios planes para la pareja.

El imaginario gótico se mezcla con el psicodélico en este relato alucinado con castillos, ataúdes, cementerios, vampiros hippies, rock progresivo y escenas oníricas con colores a lo Mario Bava.

Sesión Sábado 17.02.24 · 22:00

Precio:[entrada 5,5 € – mayores de 65 y Carnet Joven 4 € – abono 3,6 € – socios 3,5 €]

Seminario de cinco sesiones dedicado a los subgéneros más olvidados en las aulas de las escuelas de cine. Pero llenos de iconografías que han marcado la historia del cine de los años 60 y 70 hasta la actualidad. El giallo, el spaguetti western, la edad dorada del fantaterror español, el Blaxploitation, el gore o la serie B japonesa. Un seminario para fans y seguidores del cine más trash.

El seminario

• Italia: giallo (Dario Argento, Mario Bava, Lucio Fulci, etc.) y spaguetti western (Sergio Leone, Sergio Corbucci, Enzo G. Castellari)

• España: la edad dorada del fantaterror (Jess Franco, Paul Naschy, León Klimovsky, Armando de Ossorio…)

• : el Blaxploitation y sus estrellas, Pam Grier y Richard Roundtree. Los inicios del gore: el cine de Herschell Gordon Lewis.

• Japón: la serie B y los pinku eigas (cine erótico) de Nikkatsu. El caso de Seijun Suzuki (Youth of the Beast, Tokyo Drifter, Branded to Kill).

• Hong Kong: los wuxia de los Shaw Brothers. El cine de acción hongkonés.

Fechas: 30 enero y 6, 13, 20, 27 febrero

Horario: 19h a 21h

Precio: 100€

Docente Antonio José Navarro

El género fantástico mueve al año un gran número de aficionados. Y Asia se encuentra colocado en uno de los lugares preferenciales. En el Festival de cine de Sitges es un hecho claro: en la pasada edición, 50 películas de la programación oficial procedían de Asia. ¿Qué es lo que hace al cine de género fantástico y de terror en Asia tan atractivo? ¿Procede de su folclore… de su historia…? A lo largo de este curso, que consta de 10 sesiones de dos horas cada una, intentaremos responder a esta y a otras preguntas para que el alumno tenga una idea de cómo ha evolucionado el género fantástico en los diferentes países asiáticos.

Un curso realizado en colaboración con Sitges – Festival Internacional de cinema Fantàstic de Catalunya.

Ficha técnica

Fechas: miércoles 24 de enero a 27 de marzo de 2024

Sesiones: 10 sesiones de 2 horas, desde el miércoles 24 de enero al 27 de marzo, de 19h a 21h

Online: A través de la plataforma Zoom. 24 horas antes del acto las personas inscritas recibirán la información necesaria para acceder.

Precio: 120€ (público general) 100 € (alumnos que han realizado un curso en CineAsia en 2023)

Certificado del curso: CineAsia entregará por correo electrónico un certificado de asistencia al curso a quien lo solicite y que haya asistido al 80% de las clases.

Sumario del curso (conferencias) 

1. Japón: del folclore y el kaiju-eiga al fantástico de la Nueva Ola

Miércoles 24 de enero de 19 a 21h

En Occidente, el aliado más poderoso de la belleza siempre fue la luz; en la estética tradicional japonesa, lo esencial está en captar el enigma de la sombra. En Japón, la fantasía es real. Los espectros acechan en cualquier esquina y sus apariciones son tema frecuente de conversación entre compañeros de trabajo o estudio. Bienvenidos al fantástico nipón.

2. Japón: El terror y el fantástico japonés llega la ciudad

Miércoles 31 de enero de 19 a 21h

El estreno de Ringu (Hideo Nakata, 2000) supuso un antes y un después dentro del terror y el fantástico asiático: los espectros inicialmente desde Japón van a saltar a las carteleras occidentales. El miedo a los terremotos y a los tsunamis sigue produciendo un sinfín de películas. La animación también es fantástica. Y el terror y fantástico actual.

3. Corea del Sur: el reino ermitaño y los terrores cotidianos

Miércoles 7 de febrero de 19 a 21h.

El cine de terror (de evasión) fue una gran constante durante los primeros años de la dictadura militar de Park Chung-gee, tras la Guerra de Corea. Directores como Sin Sang-ok (con Pulgasari, el primer kaiju del proletariado), Lee Man-hee (con su espléndida The Devil’s Stairs) o el llamado padre del fantástico y terror coreano Kim Ki-young con su obra maestra The Housemaid (1960), marcaron una época del fantástico coreano. Prácticamente desconocida.

4. Corea del Sur: una cinematografía a la búsqueda de su identidad

Miércoles 14 de enero de 19 a 21h.

Se apagan las luces. Los tráilers anuncian el último drama romántico de la temporada… pero no, esa es otra historia. Ahora toca pasar miedo. Asustarse. Corea, a pesar de no ser un género muy apreciado por su público, ha mostrado desde tiempo inmemorial una pasión hacia las películas de terror, incrementada en la última década gracias a la renovación que el género ha vivido en Asia, con los realizadores japoneses Hideo Nakata o Takashi Shimizu como estandartes. Llega el turno de la Nueva Ola y de directores como Park Chan-wook, Bong Joon-ho, Kim Kee-woon o Na Hong-jing.

5. China: los fantasmas del gigante asiático

Miércoles 21 de enero de 19 a 21h.

La primera película de terror china la encontramos en la era muda, Song at Midnight (1937), el remake del clásico de la Universal, El fantasma de la ópera (1925). Con la subida al poder de Mao tras su victoria sobre los nacionalistas, el cine va a servir al Partido durante dos generaciones. A principios de los 90 se vislumbran los primeros cambios, aunque estos no llegarán hasta que China descubra que la ciencia ficción, el terror, y el cine fantástico dan dinero: The Wandering Earth acabó recaudando en 2018 700 millones de dólares.

6. Hong Kong y Taiwán: el cine de evasión vs el cine identitario

Miércoles 28 de enero de 19 a 21h

Comparadas con las películas de terror o fantásticas de Japón y Corea del Sur, el cine de género de Hong Kong tiende a suavizar la magnitud del horror. Esto es debido principalmente a la profunda influencia de la cultura tradicional china y a los límites asignados por la censura del continente. En lugar de enfatizar su parte terrorífica, las películas incorporan importantes elementos sobre la relación entre vivos y muertos. Aunque en los últimos años esto ha cambiado y mucho… Desde Una historia china de fantasmas a Rigor Mortis, se pueden ver estas diferencias.

En cuanto a Taiwán, la Nueva Ola de los años 90 tiende a cuestionarse más problemas de identidad (soy taiwanés o soy chino) que genéricas. Aunque desde el siglo XXI, el cine fantástico tiene una importancia vital tanto dentro como en el exterior: De Detention (2019), que tiene serie en Netflix, a la terrorífica Incantation (2022), han cambiado mucho las cosas en la antigua isla de Formosa.

7. India: el cine de terror más exótico y desconocido 

Miércoles 6 de marzo de 19 a 21h

Una de las características más simpáticas del cine indio de horror es su mala fama entre su público nacional. La mayoría de los propietarios de videoclubs especializados en films de la India o Pakistán establecidos en Europa se reirán en tu cara si les preguntas por películas indias de terror. Otros te dirán directamente que tal cosa no existe, o te explicarán lo malas que son. Aun así, no todo lo que se dice… es cierto. Y hay claros ejemplos para demostrarlo.

8. El Sudeste Asiático: Filipinas e Indonesia: el folk horror 

Miércoles 13 de marzo de 19 a 21h 

El cine de terror en el Sudeste Asiático ha sido tradicionalmente uno de los géneros comerciales que más ha gozado del favor del público, entregado y ávido de historias mitológicas, monstruos, fantasmas, vampiros y superhéroes. Fantasmas de niños de color azul observan al espectador desde debajo de las mesas. Fogonazos de cámara revelan presencias invisibles a simple vista. Y el folk–horror que ha sido uno de sus grandes éxitos en los últimos tiempos.

9. El Sudeste Asiático: Tailandia: criaturas espectrales y folclore 

Miércoles 20 de marzo de 19 a 21h 

De todos los cines del Sudeste Asiático puede que sea Tailandia una de las cinematografías orientales que mejor ha sabido extraer de su tradición la materia constitutiva con la que poblar el universo de la mayor parte de productos fantásticos que ha producido.  La leyenda de los krasues (mujeres que llevan colgando el corazón y las vísceras) ha dado films en los 70, 80, 80 y en los 2000, como Ghost of Valentine (2006). También hay que tener en cuenta las historias de fantasmas, como la de Nang Nak (1999) con la que debutaron en España o la más reciente Shutter (2004)

10. El fantástico asiático: reflexiones finales 

Miércoles 27 de marzo de 19 a 21h 

Ejercicio: confeccionar una lista por parte de los alumnos con 10 de las películas imprescindibles fantásticas asiáticas que han conocido a lo largo del curso. En la última clase la comentaremos. Así como también hablaremos del papel que están teniendo tanto los festivales de cine de género, y las plataformas digitales en el boom que estamos viviendo estos días.

Profesores del curso:

(Próximamente) Estará compuesto por parte del equipo de CineAsa y del Festival de cine de Sitges.

Inscripción en el curso ‘Asia Fantástica’

Nitrato argentino. Museo del Cine «Pablo Ducrós Hicken»

La labor de programación y difusión del cine experimental que realizamos en Xcèntric es inseparable de otra labor: la de todos aquellos profesionales que preservan, restauran e investigan el legado cinematográfico. Los cambios sociales y tecnológicos recientes, como la adopción masiva de los soportes digitales o el imperativo de revisar los cánones heredados, han puesto de manifiesto la necesidad de no dar por descontado la importancia del trabajo con el archivo. Por este motivo, Xcèntric inaugura la programación de 2024 con unas jornadas coorganizadas con Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), centro de referencia en el Estado español que ofrece un programa especializado en archivo cinematográfico. Recogiendo el espíritu interdisciplinar y expandido de la actividad de programación de Xcèntric y del modelo pedagógico de EQZE, estas jornadas quieren poner en diálogo las reflexiones y experiencias de restauradores, archivistas, investigadores y programadores.

Jueves 18 enero

11:30 Presentación del programa y los participantes Gloria Vilches, responsable de Xcèntric.

11:45 Estado de la cuestión con Giovanna Fossati (Eye Filmmuseum)

Giovanna Fossati es autora del libro Del grano al píxel, recientemente traducido al castellano, una obra que se ha convertido en indispensable para entender el estado de los archivos cinematográficos en la era digital. En esta conferencia inaugural, profundizará en el panorama cambiante del discurso sobre el patrimonio cinematográfico en la era digital, explorando aspectos relacionados con la restauración, investigación y reutilización de películas. Reconociendo las relaciones dinámicas entre los factores culturales, técnicos, estéticos y económicos en las prácticas de archivo cinematográfico, esta presentación enfatizará la necesidad urgente de una perspectiva más participativa e inclusiva del patrimonio audiovisual.

12:30 Conversación entre Giovanna Fossati y Pablo La Parra, responsable del departamento de investigación en Elías Querejeta Zine Eskola.

17:30 Cine-Performance: Archivos no-alineados Léa Morin (Investigadora independiente/EQZE)

Los gestos de edición, investigación, restauración, archivo y programación cinematográfica, sobre todo cuando se hacen desde la militancia y en colectivos, nos permiten adentrarnos en los vacíos, las rendijas y las ausencias, para cuidar de las múltiples y estropeadas narraciones del cine. Debatiremos varios proyectos (libros, proyecciones de cine, restauraciones cinematográficas, investigaciones) que contribuyen a problematizar las formas clásicas de aproximarse a la historia del cine, iluminando películas olvidadas, devolviendo a la centralidad escritos esenciales sobre el cine y con ellos un pensamiento cinematográfico más allá de las geografías dominantes, reactivando anhelos por el cine y sueños de revolución siempre necesarios para nuestras sociedades.

19:00 De quelques évènements sans signification (1975)

Primer largometraje del director marroquí Mostafa Derkaoui, considerado perdido hasta que fue localizado y restaurado en la Filmoteca de Catalunya. La sesión estará presentada por Rosa Cardona, responsable del proceso de restauración.

Viernes 19 enero

11:30 Cines pequeños y preservación desigual Carolina Cappa (archivista independiente/ EQZE)

En esta presentación, analizaremos las condiciones tecnológicas y materiales que determinan la preservación cinematográfica, poniendo el foco en los cines menores o aquellos que no pertenecen al régimen de la imagen-mercancía. A partir de algunos proyectos de preservación recientes realizados en España y América Latina, debatiremos sobre cómo estas condiciones intervienen para ofrecer un acceso desigual a determinados cines. Porque existe una enorme brecha entre las películas que reciben financiamiento, se digitalizan o se preservan fotoquímicamente, y se vuelven accesibles, frente a aquellos cines menores que permanecen sumergidos en la opacidad de los archivos (cine amateur, militante, experimental, no comercial, de países pobres). Al abrir la caja negra de la preservación, intentaremos plantear algunas ideas sobre por qué tenemos acceso a ciertas imágenes y no a otras.

12:15 Conversaciones con Mnemósine, el arconte y Dracón: aventuras y desventuras de una investigadora en el archivo Sonia García López (Universidad Carlos III de Madrid)

 La investigación sobre cine en los archivos es apasionante. Permite no solo conocer y estudiar los pormenores de las películas conocidas y admiradas por el público, sino también imaginar y hacer realidad otras historias del cine posibles, aquellas que nunca se contaron. Reconstruir esas historias requiere acercarse no solo a los filmes que se conservan, sino también a otros vestigios en forma de expedientes, fotografías, guiones o planes de rodaje. Sin embargo, las y los cineastas anónimos y las películas huérfanas, desconocidas o invisibilizadas a menudo son objeto de una doble invisibilización: la que produce la dificultad o imposibilidad de acceder a los materiales que permiten contar su historia.

13:00 Mesa redonda entre Carolina Cappa, Sonia García López y Enrique Fibla (UAB), investigador especializado en la relación entre archivo visual y memoria histórica.

17:30 Problemas en la imagen: conservación y restauración de películas experimentales. Mark Toscano (Academy Film Archive)

Incluso para los cinéfilos más acostumbrados, los procesos y las filosofías en torno al archivo de películas pueden ser desconocidas o crípticas. Cuando se trata de cine experimental, esto puede aumentar exponencialmente. Mark Toscano es un conservador de cine en el Academy Film Archive de Los Ángeles, donde se ha especializado en el cuidado, comisariado y restauración de cine experimental durante veinte años. En esta presentación compartirá generalidades, particularidades, anécdotas, excepciones y detalles insólitos sobre su práctica, ampliamente ilustrados con imágenes de su trabajo sobre el cine de artista. Los temas incluirán grano, suciedad, rayas, color, bandas sonoras analógicas, digitales, dibujadas a mano, películas enviadas en contenedores de alimentos y qué ocurre cuando un artista procesa Ektachrome mientras tiene un viaje con LSD.

19:00 There is Something on Your Mind

Mark Toscano presenta un programa de películas experimentales restauradas en Academy Film Archive con la ciudad de Los Ángeles como protagonista.

Domingo 21 enero

18:30 Nitrato lírico. Experimentos con películas de archivo

Como punto final de este Encuentro sobre archivos cinematográficos, Giovanna Fossati propone tres películas de su catálogo que exploran la dimensión estética de los procesos de degradación y descomposición de los soportes fotoquímicos.

Fecha: 18 y 19 enero 2024

Horario: 11.30 – 21.00

Espacio: Auditorio

Precio: Gratuito con reserva

El comisario G. (en el caso del cabaret) (Fernando Merino, 1975). Int.: Emilio Rodríguez, Tina Sainz, Marisa Medina, Ramón Lillo. España. 35 mm. VO Color. 94’
Emma, puertas oscuras (José Ramón Larraz, 1974). Int.: Susanna East, Perla Cristal, Ángel Menéndez, Marina Ferri. España. DCP. VO Color. 75’

Sesión de homenaje a la veterana actriz Perla Cristal, desenterrando dos “perlas” de su filmografía llenas de crímenes, sangre y mujeres muy perturbadas.

Descubierta por Jess Franco en el circo Price, la argentina Perla Cristal es uno de los nombres más icónicos del cine de género español de los años 60 y 70, dedicándose al terror, el western, el noir, el cine de aventuras, la comedia y hasta el giallo a la española. El comisario G (el caso del cabaret) es una de esas tramas de psicópatas y policías que tanto explotaron los italianos en la época, con montones de asesinatos, chicas de moda como Tina Sainz, Rosa Valenty o Marisa Medina y un misterio por resolver. Perla es la Cobra, una vedette con muchos enemigos que representa la decadencia de ese mundo del cabaret y la noche ante los tiempos de cambio que se veían venir en el país. Además del humor que impregna el guionista José María Palacio (Miedo a salir de noche, Un vampiro para dos…), la película de Merino cuenta con una bombástica banda sonora de funk setentero, cortesía del gran Adolfo Santisteban.

Seguimos con Emma, puertas oscuras de José Ramón Larraz, que continúa la senda de su etapa británica de terror psicológico y jóvenes descarriados (Whirlpool, Deviation, Symptoms), pero esta vez producida aquí por los Estudios Balcázar. Eso sí, sin renunciar a sus mansiones góticas, marca de la casa. Perla Cristal es la madre de Emma (Susanna East), una chica con problemas psiquiátricos que haría buenas migas con la Deneuve de Repulsión. Los personajes femeninos complejos y atormentados siguen siendo la especialidad del director. Larraz acomete una vez más el género centrándose más todavía en el suspense y el manejo de la tensión alrededor de dos o tres set-pieces, logrando un minimalismo muy peculiar que divide la película en dos partes muy diferenciadas, casi dos géneros en sí mismos.” (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de la actriz Perla Cristal y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).

La plataforma y el centro valenciano han firmado un convenio de colaboración que permitirá acercar el audiovisual español a los estudiantes de los másteres de cine que ofrece Barreira A+D

FlixOlé y Barreira A+D aúnan esfuerzos para el fomento de las enseñanzas artísticas y la promoción del cine español. La plataforma y el centro han firmado un convenio de colaboración que permitirá dar a conocer la oferta de estudios superiores relacionados con el séptimo arte de la escuela de arte y diseño con el aprendizaje y puesta en valor del audiovisual del país a través de distintas líneas de acción.

Mediante dicho acuerdo, FlixOlé se compromete a apoyar los planes de estudio desarrollados por Barreira A+D en sus másteres de: Guion para cine y nuevos medios, encaminado a que el alumnado conozca a fondo la narrativa audiovisual; Filmmaker, cuyo programa da voz a una de las profesiones emergentes con más futuro; Diseño de Vestuario, enfocado tanto a cine como a teatro y televisión; Dirección de Arte  y  Producción Creativa Digital, centrado este último en las nuevas tecnologías.

“Desde FlixOlé estamos entusiasmados con poder contribuir a la formación que desde hace décadas imparte Barreira A+D. Junto con la escuela, trabajaremos para acercar el cine español a sus alumnos de máster, permitiendo así que las nuevas generaciones de cineastas, guionistas y demás profesionales conozcan nuestro rico y variado patrimonio audiovisual”, han indicado desde la plataforma.

El tejido cinematográfico y el mundo académico

A este respecto, el acuerdo alcanzado por ambas partes contempla un descuento para los estudiantes del centro en la suscripción de FlixOlé. De esta manera, los alumnos podrán acceder a los más de 4.000 títulos del servicio de vídeo bajo demanda. El mismo cuenta con el mayor listado de películas españolas de todos los tiempos, el cual incluye parte de la filmografía de directores como Luis Buñuel, Luis Gª Berlanga, Carlos Saura, Mariano Ozores, Álex de la Iglesia, Icíar Bollaín, Isabel Coixet, Alejandro Amenábar y Fernando León de Aranoa, entre otros. Además, la plataforma dispone de clásicos del cine americano y europeo, pudiéndose visualizar largometrajes de la RKO y westerns.

Los contenidos disponibles en FlixOlé se ponen de este modo al alcance de la labor pedagógica que lleva a cabo el equipo docente de Barreira A+D, integrado por nombres de reconocida trayectoria en la pequeña y gran pantalla del país: como el director de la premiada película de animación Robot Dreams, Pablo Berger; el guionista y realizador, Paco Cabezas; la diseñadora y ganadora de tres premios Goya, Clara Bilbao; el director de series como Mujeres desesperadas y Gossip Girl, David Warren; o la responsable de producción ajena de Movistar Plus+, Leticia Pérez.

Igualmente, la experiencia formativa en clave internacional con la que cuenta la escuela de arte y diseño, a través del Centro Sperimentale di Cinematografia romano, favorece el aprendizaje y promoción del séptimo arte en el exterior.  “Nos satisface enormemente esta colaboración que pone en contacto a los másteres de cine con las referencias del tejido cinematográfico español más actuales, como es el caso de FlixOlé”, concluye por su parte Barreira A+D.

Como punto final del Encuentro sobre archivos cinematográficos, la curadora en jefe del Eye Filmmuseum, Giovanna Fossati, propone una selección de tres películas de su catálogo que exploran la dimensión estética de los procesos de degradación y descomposición de los soportes fotoquímicos.

Esta sesión presenta una selección de cine experimental proveniente de la colección del Eye Filmmuseum de Ámsterdam. Desde la oda poética al cine mudo de Lyrisch Nitraat, obra maestra del found footage, hasta las exploraciones contemporáneas de la materialidad fílmica de Liquidator y Under Saturn (Act 1), esta proyección profundiza en la reutilización del archivo y explora la visualización de la materialidad, la descomposición y la manipulación digital.

En Lyrisch Nitraat (1991), el cineasta, escritor y antiguo director adjunto del Museo de Cine holandés Peter Delpeut se basa en la colección Desmet (1907-1916) para elaborar un homenaje visualmente impresionante al cine de los orígenes. Este clásico del metraje reencontrado muestra la riqueza de la fotografía, la puesta en escena, la actuación y el color del cine mudo de la Colección Desmet, un tesoro de la Memoria del Mundo de la UNESCO.

El estudio del cineasta experimental Karel Doing sobre la película de no ficción Haarlem (1922) se desarrolla como una exploración fascinante de la materialidad del cine. Concebida durante la restauración de la película original, Liquidator (2010) es un viaje experimental a la descomposición de nitratos dentro del dominio digital.

Creada durante la residencia artística de Alexandra Navratil en el Eye Filmmuseum, Under Saturn (Act 1) (2018) explora la materialidad de las primeras películas de no ficción (1895–1935). Centro en películas industriales relacionadas con el carbón o el petróleo, junto con imágenes microscópicas de células sanguíneas y microorganismos, Navratil utiliza herramientas digitales para proporcionar una perspectiva visual y sonora muy original del material de archivo.

Lyrisch Nitraat, Peter Delpeut, Países Bajos, 1991, 35mm, 50′. Liquidator, Karel Doing, Países Bajos, 2010, digital, 8′. Under Saturn (Act 1), Alexandra Navrtil, Países Bajos, 2018, digital, 10′.

Proyección en DCP, cortesía del Eye Filmmuseum.

Fecha: 21 enero 2024

Horario: 18.30

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.