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La actriz Ana Torrent entregará al director vasco el galardón el viernes 29 de septiembre en el Teatro Victoria Eugenia, donde se proyectará su última película, ‘Cerrar los ojos’
El reconocimiento al cineasta coincide con el 50º aniversario de la Concha de Oro a ‘El espíritu de la colmena’
El cineasta Víctor Erice (Karrantza, Bizkaia. 1940) recibirá un Premio Donostia en la 71ª edición del Festival de San Sebastián. La gala de entrega tendrá lugar el viernes 29 de septiembre en el Teatro Victoria Eugenia, donde se proyectará su última película, Cerrar los ojos / Close Your Eyes, 50 años después de la Concha de Oro a su primer largometraje en solitario, El espíritu de la colmena.
El Festival inauguró hace seis años una línea de Premios Donostia vinculada a cineastas cuya contribución al arte cinematográfico es indiscutible, como Agnès Varda (2017), Hirokazu Kore-eda (2018), Costa-Gavras (2019) y David Cronenberg (2022). El galardón honorífico más importante del Festival de San Sebastián homenajea en 2023 a un cineasta que, con solo cuatro largometrajes, cuenta en su historial con la Concha de Plata a la mejor dirección, la Concha de Oro a la mejor película y el Premio del Jurado y de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes, entre otros muchos reconocimientos.
La trayectoria de Víctor Erice ha tenido siempre eco en el Festival de San Sebastián. Su debut como director, filmando uno de los tres episodios de Los desafíos (1969) junto a José Luis Egea y Claudio Guerín, fue seleccionado en la Sección Oficial y recibió la Concha de Plata a la mejor dirección. Cuatro años después, con su primer largometraje en solitario, El espíritu de la colmena / The Spirit of Beehive (1973), fue reconocido con la Concha de Oro. El sol del membrillo / Dream of Light (1992) fue seleccionada en la sección Made in Spain, tras recibir el Premio del Jurado y de la Crítica Internacional en Cannes, y la película colectiva Ten Minutes Older: The Trumpet formó parte de la sección Zabaltegi en 2002.
Finalmente, el Festival acogerá Cerrar los ojos, tras su paso por los festivales de Cannes y Toronto, un filme sobre la memoria hilada en torno a una película inconclusa y a la misteriosa desaparición de un actor, que se proyectará tras la gala del Premio Donostia. La actriz Ana Torrent, que protagonizó El espíritu de la colmena cuando tenía seis años y ha vuelto a trabajar con Erice en Cerrar los ojos, entregará la estatuilla al realizador. Coincidiendo con el día de la entrega del Premio Donostia, el 29 de septiembre, la película se estrenará en las salas de cine en España.
Cerrar los ojos / Close Your Eyes
Víctor Erice (España)
País(es) de producción: España – Argentina
Intérpretes: Manolo Solo, Jose Coronado, Ana Torrent, Petra Martínez, María León, Mario Pardo, Helena Miquel, Antonio Dechent, José María Pou, Soledad Villamil, Juan Margallo, Venecia Franco
Un célebre actor español, Julio Arenas, desaparece durante el rodaje de una película. Aunque nunca se llega a encontrar su cadáver, la policía concluye que ha sufrido un accidente al borde del mar. Muchos años después, esta suerte de misterio vuelve a la actualidad a raíz de un programa de televisión que pretende evocar la figura del actor, ofreciendo como primicia imágenes de las últimas escenas en que participó, rodadas por el que fue su íntimo amigo, el director Miguel Garay.
Una de las autorías europeas más a seguir en cuenta del momento es sin lugar a dudas la de la realizadora austriaca Jessica Hausner. Tras películas tan interesantes como Hotel (2004) o Lourdes (2009) en 2019 consigue un reconocimiento a un nivel más amplio con la distopía fantástica Little Joe. En su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Club Zero, cuyo primer tráiler subtitulado al francés vía Cine Maldito podéis ver a final de página junto a su póster oficial, la responsable de Amour Fou se adentra en esta ocasión en una sátira alrededor de la alimentación. La película tras su premiere mundial en el pasado Festival de Cannes estará presente en la próxima edición de Sitges.
En Club Zero vemos como Miss Novak es una maestra que se une al equipo de una escuela de élite para dar clases de nutrición a jóvenes estudiantes. En poco tiempo, la maestra establece un estrecho vínculo con cinco de sus alumnos, sin que el resto de profesores se dé cuenta de lo que sucede. Hasta que todo da un inesperado giro muy peligroso.
La película, que llegará a nuestro país de la mano de Karma Films, cuenta con guion a cargo de la propia Jessica Hausner junto a Géraldine Bajard, estando protagonizada por Mia Wasikowska, Sidse Babett Knudsen, Elsa Zylberstein, Mathieu Demy, Amir El-Masry, Isabel Lamers, Amanda Lawrence, Camilla Rutherford, Sam Hoare, Toussaint Meghie, Keeley Forsyth, Megan Hughes y Ty Hurley.
El realizador de ‘The Theory of Everything’ dirige a Gabriel Byrne y Sandrine Bonnaire en esta película sobre todas las vidas del escritor Samuel Beckett
Dance First, la película del realizador británico James Marsh en torno a Samuel Beckett, clausurará la 71ª edición del Festival de San Sebastián. El filme, que cerrará la Sección Oficial fuera de concurso, está protagonizado por Gabriel Byrne y Sandrine Bonnaire.
Marsh (Truro, Reino Unido. 1963) ha ganado el Oscar al mejor documental por Man on Wire (2009), dirigida junto a Simon Chinn, y ha sido premiado en los Bafta, en Sundance y en San Sebastián. El director de The King (2005), Shadow Dancer (Agente doble, 2012) y The Theory of Everything (La teoría del todo, 2014) presentó en 1999 en la sección Perlak Wisconsin Death Trip, que obtuvo una mención especial del Premio Fipresci.
Gabriel Byrne ha protagonizado películas como The Usual Suspects (Sospechosos habituales, Bryan Singer, 1995), Miller’s Crossing (Muerte entre las flores, Joel Coen, Concha de Plata 1990), Le capital / Capital (El capital, Costa Gavras, Sección Oficial 2012) o Hereditary (Ari Aster, 2018) y ha ganado un Globo de Oro por su papel en la serie In Treatment (En terapia, 2009). En Dance First encarna al escritor irlandés Samuel Beckett, cuya esposa está interpretada por Sandrine Bonnaire, que ha sido premiada con dos César -a la actriz más prometedora por À nos amours (A nuestros amores, Maurice Pialat 1984) y a la mejor actriz por Sans toit ni loi (Agnès Varda, 1986)- y una Copa Volpi del Festival de Venecia en 1995 por Lacérémonie (La ceremonia, Claude Chabrol) -galardón compartido con Isabelle Huppert-.
Dance First, que toma el título del lema del autor de En attendant Godot (Esperando a Godot), “Baila primero, piensa después”, se aproxima a todas las vidas del Nobel irlandés: bon vivant parisino, combatiente de la Resistencia en la II Guerra Mundial, figura clave del teatro del absurdo, amigo de James Joyce…
Dance First
James Marsh (Reino Unido)
País(es) de producción: Reino Unido – Hungría – Bélgica
El genio literario Samuel Beckett vivió una vida con muchas facetas: bon vivant parisino, luchador en la Resistencia durante la II Guerra Mundial, dramaturgo ganador del Premio Nobel, esposo mujeriego, ermitaño. Pero a pesar de toda la adulación que recibió, era un hombre plenamente consciente de sus propias debilidades. Titulada según el famoso ethos de Beckett, «Baila primero, piensa después», la película da amplia cuenta de la vida de este icono del siglo XX.
Peculiar podría considerarse el equipo artístico que hay detrás de una cinta como Where the Devil Roams, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La familia compuesta por John Adams y Toby Poser, padres, y Zelda Adams, hija, ya se habían adentrado en el género fantástico con anterioridad con The Deeper You Dig (2019) o la curiosa Hellbender (2021), ahora en Where the Devil Roams inciden en un relato de terror de época que ha tenido buenas críticas tras su paso por el reciente Fantasia film Fest.
Ambientada durante la Gran Depresión de Estados Unidos Where the Devil Roams sigue la pista de una familia de artistas ambulantes asesinos mientras viaja por todo el mundo en el circuito de un carnaval moribundo.
La película, que en los próximos meses se podrá ver en certámenes de género como el Fantastic Fest o Sitges, está protagonizada y cuenta con un guion por parte de los propios John Adams, Zelda Adams y Toby Poser.
Compuesto por 252 cajas y otros objetos, ya se encuentra custodiado en Filmoteca Española
Este valiosísimo legado se suma al de otros adquiridos recientemente como el de Iván Zulueta, Berlanga, o José Luis Cuerda
El Ministerio de Cultura y Deporte ha culminado la adquisición del archivo de Emma Cohen y Fernando Fernán Gómez, que comprende 250 cajas, dos cajas de gran formato y otros objetos que ya se encuentran custodiados en las instalaciones de Filmoteca Española, entidad dependiente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), que se hará cargo de su conservación y difusión.
La adquisición del archivo por parte del Ministerio de Cultura y Deporte se ha formalizado tras haber alcanzado un acuerdo con la cineasta Helena de Llanos, nieta de Fernando Fernán-Gómez y propietaria del archivo, que ha sido clasificado por ella misma. La adquisición ha sido efectuada mediante un doble proceso de compra y donación, dando lugar a un conjunto documental unitario llamado a convertirse en uno de los archivos personales más importantes y de mayor valor de la institución.
La prolífica producción fílmica, dramatúrgica y literaria de Emma Cohen y Fernando Fernán-Gómez les ha otorgado un puesto relevante en la historia de la cinematografía y la cultura españolas. Su obra ofrece un panorama extraordinariamente rico en argumentos y géneros. Se trata del legado de una de las parejas de creadores más interesantes de la cultura y del cine español.
El grueso del archivo comprende documentos profesionales relativos a la faceta creativa del trabajo actoral y de dirección de ambos creadores: guiones cinematográficos, teatrales y para proyectos de televisión, hojas de rodaje y secuencias. También dibujos, storyboards, apuntes, argumentos e ideas para proyectos; así como novelas, textos narrativos, y poesía; incluso documentación sobre la censura.
Además de documentación profesional, también está compuesto de documentación personal de ambos creadores como, por ejemplo, las cartillas escolares de Fernando Fernán-Gómez o su carné de estudiante universitario; las cartas de pésame dirigidas a Emma Cohen por parte de personalidades del mundo de la política, la cultura y el arte tras el fallecimiento de su marido; o correspondencia de gran valor histórico de carácter profesional o personal. Lo nutre también una gran cantidad de documentación gráfica: dibujos o fotografías que ayudan a contextualizar la información de los documentos, como un collage sobre cartón realizado por Emma Cohen.
También cabe destacar su hemeroteca personal: recortes de prensa, periódicos y fotocopias de artículos con entrevistas e información sobre sus trabajos aparecidos en distintas publicaciones, algunos de ellos perfectamente ordenados; así como entrevistas y aspectos relacionados con su biografía.
El conjunto y contenido del legado se dará a conocer en el próximo mes de septiembre cuando haya finalizado la descripción archivística del mismo por parte de los técnicos de Filmoteca Española.
Cinco años después de su re visitación del clásico A Star Is Born Bradley Cooper vuelve a ponerse detrás de las cámaras con otro biopic titulado Maestro, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que nos cuenta diversas etapas en la vida del legendario compositor Leonard Bernstein, tendrá su premiere mundial en el próximo Festival de Venecia, estando disponible a través de Netflix el 20 de diciembre.
Maestro nos narra la historia de amor imponente y audaz entre Leonard Bernstein y Felicia Montealegre. Una carta de amor a la vida y el arte a través de un retrato emocionalmente épico de la familia y el amor.
La película con guion a cargo del propio Bradley Cooper junto a Josh Singer, está protagonizado por Carey Mulligan, Bradley Cooper, Matt Bomer, Maya Hawke, Sarah Silverman, Josh Hamilton, Scott Ellis, Gideon Glick, Sam Nivola, Alexa Swinton, Miriam Shor y Oraldo Austin.
La cinta está producida por Martin Scorsese, Steven Spielberg, Bradley Cooper y Todd Phillips con las productoras Amblin Entertainment, Fred Berner Films, 22 & Indiana Pictures, Sikelia Productions y Netflix.
El filme será proyectado en el Auditorio Kursaal el viernes, 22 de septiembre, tras la gala de inauguración.
La última película de Hayao Miyazaki, Kimitachi wa Do Ikiruka / The Boy and the Heron, inaugurará fuera de concurso la 71ª edición del Festival de San Sebastián. Tras su paso por el Festival de Toronto el 7 de septiembre, San Sebastián acogerá el estreno europeo de la nueva propuesta del director de El viaje de Chihiro. El filme será proyectado en el Auditorio Kursaal el viernes, 22 de septiembre, tras la gala de inauguración.
Hayao Miyazaki (Tokio, 1941) fundó junto a Isao Takahata el Studio Ghibli en 1985. Desde entonces ha dirigido películas como Tenku no Shiro Rapyuta / Castle in the Sky (El castillo en el cielo, 1986), Tonari no Totoro / My Neighbor Totoro (Mi vecino Totoro, 1988), Majo no Takkyūbin / Kiki’s Delivery Service (Nicky, la aprendiz de bruja, 1989), Kurenai no Buta / Porco Rosso (1992) y Mononoke Hime / Princess Mononoke(La princesa Mononoke, 1997). Sen to Chihiro no Kamikakushi / Spirited Away (El viaje de Chihiro, 2001) batió todos los récords de taquilla en Japón y cosechó numerosos reconocimientos, entre ellos el Oso de Oro de Berlín y el Oscar a la mejor película de animación. Hauru no Ugoku Shiro / Howl’s Moving Castle (El castillo ambulante, 2004) fue también nominada al Oscar y recibió el Premio Osella en el Festival de Venecia y Miyazaki obtuvo el León de Oro a la trayectoria al año siguiente. Kaze Tachinu / The Wind Rises (El viento se levanta, 2013) fue nominada al Oscar a la mejor película de animación. En 2012 Miyazaki fue nombrado Persona de Mérito Cultural por el Gobierno de Japón. En 2014 recibió el Oscar honorífico a toda su trayectoria y fue incluido en el Salón de la Fama de los Premios Will Eisner del Cómic.
Es la cuarta vez que una película del cineasta japonés, quien también escribe, dibuja y diseña edificios, es programada en el Festival de San Sebastián, pero es la primera en la que forma parte de la Sección Oficial. Previamente, estuvo en el Velódromo con El viaje de Chihiro y Gake no Ue no Ponyo / Ponyoon the Cliff by the Sea (Ponyo en el acantilado, 2009) y en Perlak con El viento se levanta.
Además de las películas mencionadas, otras dos películas del Studio Ghibli han sido seleccionadas en la sección Perlak: Kaguya-hime no Monogatari / The Tale of The Princess Kaguya (El cuento de la princesa Kaguya, 2013) de Isao Takahata, y La tortue rouge / Red Turtle (La tortuga roja, 2016) de Michael Dudok de Wit.
Kimitachi wa Do Ikiruka / The Boy and the Heron es una historia original escrita por su director. La banda sonora está firmada por el compositor habitual de las películas de Miyazaki, Joe Hisaishi.
Si bien bastante activo dentro del ámbito del cortometraje y el video musical hacia ocho años que el francés Michel Gondry no se ponía detrás de las cámaras a la hora de dirigir un largometraje, tras Microbe et Gasoil (2015) este año nos llega la comedia Le Livre des solutions, film cuyo tráiler oficial podéis ver a final de página junto a su póster. La película, que estuvo presente en la pasada edición del Festival de Cannes dentro de La Quincena de Realizadores, tiene previsto un estreno comercial en Francia para el próximo 13 de septiembre, a España, aún sin fecha de salida, llegará de la mano de BTeam.
Le Livre des solutions sigue a un joven llamado Marc, quien huye con todas sus pertenencias a un pequeño pueblo de Las Cevenas, a casa de su tía Denise, para poder terminar su película. Una vez en el pueblo, su creatividad se manifiesta en un millón de ideas que lo sumergen en un estado bizarro. Marc comienza entonces a escribir el Libro de las soluciones, una supuesta guía de consejos prácticos que podría resolver todos sus problemas de creatividad.
La película, con guion a cargo del propio Michel Gondry, está protagonizada por Pierre Niney, Françoise Lebrun, Vincent Elbaz, Blanche Gardin, Camille Rutherford, Mourad Boudaoud, Frankie Wallach, Dominique Valadié, Lucas Noël y Rose Harlean.
Dirigida por la realizadora Kim Se-in, The Apartment with Two Women abrirá la sección Indies de Seúl, que está conformada por cinco películas, cuatro de ellas dirigidas por mujeres. Además, este año la sección Panorama está dedicada a recuperar cuatro joyas de la comedia coreana, uno de sus géneros más característicos.
El KFFB, que tendrá lugar del 13 al 17 de septiembre en los Cinemes Girona, anuncia las películas que componen la sección “Indies de Seúl” y “Panorama.
La mujer protagonista de la sección ‘Indies de Seúl’
La tercera edición del KFFB consolida su relación con el Seoul Independent Film Festival (SIFF) proyectando cinco películas que pudieron verse en la pasada edición del Festival coreano. Cuatro de las cinco películas que se presentarán han sido dirigidas por mujeres, lo que viene a corroborar lo que está sucediendo hace ya unos años: el creciente papel de la mujer dentro del panorama coreano del cine independiente.
The Apartment with Two Women, una de las películas más destacadas de la producción independiente de 2022, que además ha pasado por un gran número de festivales internacionales, llega ahora a Barcelona, y será la encargada de dar el pistoletazo de salida a la sección más “indie” del Festival. A este film le acompañarán otros cuatro. La niña coprotagonista del thriller En el silencio (Voice of Silence), que se proyectó el pasado año en el KFFB, se convierte en el eje central de The Hill of Secrets. Una película que ha conseguido 5 nominaciones internacionales. A Letter from Kyoto es un destacado drama familiar dirigido por la realizadora Kim Min-ju, que presenta las historias de tres hermanas con diferentes personalidades y su madre. El director Shin Sun utiliza la estética y los diálogos propios del cine de Hong Sang-soo en No Surprise, el reencuentro entre tres amigos que han estudiado cine y que hace años que no se ven. En Junhee from 5 to 7 la realizadora coreana Jan Kun-jae describe tres horas en la vida de una autora teatral en un homenaje al film de Agnès Varda.
La comedia, el género coreano por excelencia, en la sección ‘Panorama’
All About my Wife, la película que abrirá la sección ‘Panorama’, se convirtió un mes después de su estreno en Corea (mayo de 2012) en la cuarta película que superaba los 4 millones de espectadores, convirtiéndose al final de año en la sexta película con mayor recaudación. Una comedia de enredos entre un marido que se ha cansado de las manías de su mujer, y una mujer que está dispuesta a cualquier cosa para salvar su matrimonio. Dos grandes actores coreanos como protagonistas: Lim Soo-jung (A Tale of Two Sisters) y Lee Sun-kyun (Parásitos).
Tres películas más acabarán de conformar la sección “Panorama: Foco Comedia Coreana”. Luck-Key es una divertida comedia que surge del encuentro entre un asesino a sueldo con una tasa de efectividad del 100%, y un aspirante a actor que está viviendo un momento difícil. El azar hará que se intercambien los roles, y empiecen a vivir cada uno la vida del otro. La comedia no ha hecho más que empezar. Kim Hye-soo (Smugglers) y Ma Dong-seok (The Roundup) son los protagonistas de Familyhood, la comedia dirigida por Kim Tae-gon (Proyect Silence). Una actriz de gran éxito que no consigue quedarse embarazada y su asistente, un divertido Ma Dong-seok, se las ingeniarán para conseguirlo. Este año hay una película coreana que está arrasando por todos los festivales donde se ha proyectado: Killing Romance. En la sección ‘Panorama’ se proyectará la opera prima de su director Lee Won-suk: How to Use Guys with Secret Tips. Un manual de diversión asegurada durante dos horas. Recordamos que el Korean Film Festival Barcelona tendrá lugar del 13 al 17 de septiembre en los Cinemes Girona, y que ya pueden adquirirse en la taquilla de los cines los abonos (de 5 y 10 películas) y también de forma online las películas de inauguración y de clausura.
Un recurso bastante habitual dentro del cine de terror viene dado por el concepto de religiosidad adherida al relato, en este aspecto el catolicismo ha dado lugar a multitud de propuestas que indagaban en dicha temática, como es el caso de Deliver Us, film cuyo primer tráiler de la mano de Magnolia Pictures acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, dirigida a cuatro manos por Lee Roy Kunz y Cru Ennis, tendrá su premiere mundial en Festival de Cine Popcorn Frights en Fort Lauderdale, para tener más tarde un estreno limitado en cines y VOD de Estados Unidos previsto para el próximo 29 de septiembre.
En Deliver Us vemos como cuando una monja de un remoto convento reclama la inmaculada concepción, el Vaticano envía un equipo de sacerdotes a investigar, preocupado por una antigua profecía según la cual la mujer dará a luz a dos niños gemelos: uno el Mesías, el otro el Anticristo.
La película, con guion a cargo del propio Lee Roy Kunz junto a Kane Kunz, está protagonizada por Alexander Siddig, Thomas Kretschmann, Lee Roy Kunz, Lena Barbara Luhse, Maria Vera Ratti, Marko Leht, Jaune Kimmel y Jason E. Medina.
Después de su particular visión del personaje de Lady Di en Spencer (2021) y de su adaptación televisiva de la novela de Stephen King Lisey’s Story (2021) el cineasta de origen chileno Pablo Larraín se adentra en la satica distópica con El Conde, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que tendrá su premiere mundial en el próximo Festival de Venecia, se estrenará poco después de la mano de Netflix el 15 de septiembre.
En El Conde vemos como Augusto Pinochet, símbolo del fascismo mundial, como un vampiro que vive escondido en una mansión en ruinas en un frío y recóndito extremo sur del continente. Después de doscientos cincuenta años de vida, Pinochet ha decidido dejar de beber sangre y abandonar el privilegio de la vida eterna. Ya no puede soportar que el mundo lo recuerde como un ladrón. A pesar de la naturaleza decepcionante y oportunista de su familia, encuentra de forma sorprendente una nueva inspiración para seguir viviendo una vida de pasión vital y contrarrevolucionaria a través de una relación inesperada.
La película, con guion a cargo del propio Pablo Larraín junto a Guillermo Calderón, está protagonizada por Jaime Vadell, Gloria Münchmeyer, Alfredo Castro, Paula Luchsinger, Catalina Guerra, Marcial Tagle, Amparo Noguera, Diego Muñoz y Antonia Zegers.
Seven Chances cumple 30 años, la sección que el Festival programa en colaboración con la ACCEC, nos (re)descubre un año más el placer de rescatar del olvido títulos y voces que hacen del cine de género una fuente inagotable de extraña alegrías
Siete sesiones para siete películas únicas; joyas más o menos ocultas, más o menos de culto, firmadas por nombres más o menos idolatrados. Propuestas que décadas después de haber visto la luz por primera vez, nos iluminan con apuntes reveladores no solo acerca la filmografía de sus respectivos autores, sino también sobre la propia evolución del fantástico; sobre las tendencias, filias y fobias que le han dado forma a lo largo del tiempo.
Con perspectiva histórica y con una cuidada marcada por el rigor, la pasión y la avidez de un sentido crítico insobornable, Seven Chances se consolida como uno de los espacios más queridos del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, convirtiendo sus presentaciones y proyecciones en el Cine Prado en un referente ineludible dentro del ecosistema del certamen.
En esta nueva edición, podremos ver ‘The McPherson Tape’, de Dean Alioto (quien va a estar presente en el Festival), película OVNI, pieza extraviada y posteriormente recuperada cuyo aprovechamiento del formato vídeo para filmar el encuentro de una familia con unos extraterrestres, marca un tempranero y casi-olvidado (pero igualmente reivindicable) capítulo dentro de los terrores invocados por el found footage, detectado éste más de una década antes de su eclosión definitiva gracias al fenómeno de ‘El proyecto de la bruja de Blair’, de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez.
The McPherson Tape
Celebrando su reciente restauración, la siempre fértil cosecha británica contará con ‘The Appointment’, único largometraje de Lindsey C. Vickers, una perturbadora TV movie sobre el poder (auto-)sugestivo de las imágenes, a través de la construcción de profecías funestas que intoxican la mente y el -angustiado- día a día de una familia de clase media, en lo que promete ser una de las sensaciones del Festival.
Aunque para territorios prolíficos, siempre se puede contar con la producción de Europa del Este. Desde Polonia llegará ‘O-Bi O-Ba. The End of Civilization’, de Piotr Szulkin, rey de la ciencia-ficción cuya figura presumiblemente resurgirá a raíz de la restauración inminente de su filmografía. Antes, podremos disfrutar con las invocaciones del caos y las situaciones extremas de una cinta que más que ácida, es altamente corrosiva, en su desesperante y absurdo retrato de un mundo que, como el nuestro, se ha encerrado en los asfixiantes bunkers de la posverdad.
O-Bi O-Ba. The End of Civilization
Desde Hungría llegará ‘Twilight’, de György Féher, alumno aventajado de Béla Tarr. La que promete ser una de las propuestas evento de la sección, se traduce en un slow thriller con una atmósfera cargadísima, de una belleza visual aterradora, con un blanco y negro fantasmal, casi granítico; un ejercicio de suspense que gira alrededor de un crimen irresoluble, y que tiñe de culpa a una comunidad entera.
Yendo a la otra punta del mundo, aterrizaremos en México para reencontrarnos con las aventuras de El Santo, la leyenda imbatible de la lucha libre. ‘Los leprosos y el sexo’, de René Cardona, es un western delirante. Una película que en esta “versión sexy” con respecto a la original (trufada ahora de insertos softcore), nos recuerda que una obra fílmica es también la negación de una edición definitiva, o sea, que puede ser un contenedor en el que volcar, de manera interminable, los calentones que más se presten en el momento de volverse a encerrar, por enésima vez, en la sala de montaje.
Los leprosos y el sexo
De vuelta al viejo continente, presenciaremos el emocionante relevo generacional entre Mario y Lamberto Bava (este último, Premio Honorífico este año en Sitges). ‘La Venere d’Ille’, episodio de la serie de la RAI «I giochi del Diavolo», antología de adaptaciones de cuentos fantásticos del siglo XVIII. Aquí tenemos el resultado del milagro arqueológico de encontrar una copia extremadamente difícil de encontrar; un cuento que toma cuerpo en la amenaza inconcreta (pero igualmente mortífera) de una estatua maldita, pero sobre todo nos recuerda el incomparable placer de descubrir nuevos sabores y matices de una(s) filomgrafía(s) de la(s) que creíamos saberlo todo.
Por último, y ya en casa, nos esperará un encuentro con ‘La última Señora Anderson’, de Eugenio Martín, a quien ya se le concediera en el pasado el Premio Nosferatu. En este giallo a la española brilla con luz propia la presencia de Carroll Baker, y de José Luis López Vázquez, este último como inspector de Scotland Yard; creación imposible, excusa ideal para reivindicar las carreteras secundarias que transitan por Seven Chances.
La última Señora Anderson
Selección Seven Chances 2023 The Appointment (Lindsey C. Vickers, 1981), presentada por Andreu Marves. Los leprosos y el sexo (René Cardona, 1970), presentada por Ignasi Franch. The McPherson Tape (Dean Alioto, 1989), presentada por Javi Parra. O-Bi O-Ba. The End of Civilization (Koniec Cywillizacj) (Piotr Szulkin, 1985), presentada por Aarón Cabañas. Twilight (Szürkület) (György Féher, 1990), presentada por Violeta Kovacsics. La última Señora Anderson (Eugenio Martín, 1971), presentada por Marla Jacarilla. La venere d’ille (Mario Bava, Lamberto Bava, 1981), presentada por Antonio José Navarro.
El ciclo, que celebra a uno de los rostros más populares y con más talento de la historia de nuestro cine, repasa las seis décadas en las que ha desplegado su carrera, unida a nombres tan destacados como Luis García Berlanga, Josefina Molina, Pedro Olea, Mario Camus o José Luis Sáenz de Heredia, entre otros muchos
El cine Doré proyectará este verano una selección de títulos representativos de esta trayectoria cinematográfica así como, en colaboración con RTVE, la totalidad de los capítulos de la serie `Teresa de Jesús´
Durante los meses de agosto y septiembre, Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico español, dedica uno de sus ciclos de verano a la filmografía de una de las actrices más populares y con más capacidad de transformación de la historia de nuestro cine: la actriz Concha Velasco.
Pasando de la comedia más ligera al drama histórico, el ciclo busca reflejar la capacidad de adaptación de esta polifacética e incansable intérprete que cantó, bailó y recorrió los escenarios teatrales y platós de televisión de España a lo largo de su riquísima y abultada carrera.
Entre algunos de los títulos escogidos, destacan `La Decente´ (José Luis Sáenz De Heredia, 1971), `Más allá del jardín´ (Pedro Olea, 1996), interpretación con la que recibiría su segunda nominación en 1997 al Goya como mejor actriz protagonista o `París-Tombuctú´ (Luis García Berlanga,1999), el que fuera uno de los proyectos más ilusionantes de su vida profesional.
Además de su faceta como intérprete cinematográfica, el ciclo incluye también una colaboración con RTVE para exhibir -en dos sesiones, de cuatro capítulos cada una- la totalidad de la serie `Santa Teresa de Jesús´ (Josefina Molina, 1984).
De Conchita a Concha Velasco
Concha, Conchita Velasco como se la conocía hasta 1976, es uno de los grandes nombres del cine español y del medio televisivo de la segunda mitad del siglo XX, con una carrera tan intensa que se alarga hasta hoy. Desde finales de los años cincuenta, nunca ha dejado de trabajar. En España son pocas las estrellas que han sabido o han podido mantener su relevancia y popularidad durante más de seis décadas.
A los once años comenzó estudios de ballet clásico, danza española y solfeo. Desde entonces su trayectoria ha sido imparable: casi ochenta largometrajes, un sinfín de obras de teatro y series de televisión, discos musicales, multitud de premios y programas -uno de los últimos, `Cine de Barrio´, que condujo hasta septiembre de 2020-.
En `La fierecilla domada´ (Antonio Román, 1956) aparecería por primera vez pronunciando un par de frases frente a una cámara de cine; y su nombre, Conchita Velasco, figuraría el último de la lista de los créditos finales de la película. Su imagen fílmica se forja con el éxito de `Las chicas de la Cruz Roja´ (Rafael J. Salvia, 1958), título que compone este ciclo como representante de la creación del mito Conchita. Desde entonces y hasta 1975, Conchita Velasco aparecerá en 58 largometrajes, lo que supone un ritmo de dos o tres películas al año, aunque en ocasiones la cifra pudiera ascender incluso a siete.
En 1975 se legitima como actriz dramática en las películas `Pim, pam, pum… ¡Fuego! ´ (Pedro Olea, 1975) o `Las bodas de Blanca´ (Francisco Regueiro, 1975). Es entonces cuando dejará atrás a Conchita para, a partir de 1976, figurar en los títulos como Concha, Concha Velasco.
Durante todos estos años, esos años, ha encarnado dentro y fuera de la pantalla el espíritu de cada momento, aceptando nuevos retos profesionales y desenvolviéndose en todo tipo de registros y medios, compaginando, de manera incansable teatro, cine y televisión.
Actriz galardonada con el premio Goya de Honor 2012, destacan entre otros de sus premios la Medalla de Oro de la Academia de Cine de 2003, la Medalla de Oro del Mérito en el Trabajo 2008, Premio «Toda una vida» de la Academia de Televisión 2009, la Medalla de Honor del Círculo de Escritores Cinematográficos 2010, Premio de la Unión de Actores 2012 y Premio Valle-Inclán de Teatro en 2015, el Premio Corral de Comedias en 2016, y el Premio Nacional de Teatro 2016.
En septiembre, Pedro Olea y Emilio Gutiérrez Caba presentarán varias películas del ciclo en el Cine Doré.
Sesiones de agosto:
`La Decente´ (José Luis Sáenz De Heredia, 1971)
`Esquilache´ (Josefina Molina, 1989)
`La colmena´ (Mario Camus, 1982)
`La hora bruja´ (Jaime De Armiñán, 1985)
`Las chicas de La Cruz Roja´ (Rafael J. Salvia, 1958)
`Las Largas vacaciones del 36´ (Jaime Camino, 1976)
`Más allá del jardín´ (Pedro Olea, 1996)
`París-Tombuctú´ (Luis García Berlanga, 1999)
`Teresa de Jesús´ en colaboración con RTVE: Doble sesión con la serie completa de RTVE en dos sesiones de 4 capítulos cada una.
No deja de ser una gran noticia que cinco años después de su fantástica Killing Shinya Tsukamoto vuelva a ponerse detrás de las cámaras en Hokage (Shadow of Fire), película cuyo primer avance en forma de tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, un drama con trasfondo bélico, tendrá su premiere mundial en la próxima edición del Festival de Venecia dentro de la sección Orizzonti.
En Hokage vemos la mirada de un hombre traumatizado por la guerra, una mujer que tiene que vender su cuerpo para poder mantenerse y un niño que parece encarnar un rayo de esperanza. Todo ello situado en el escenario de un campo de batalla durante el final del período Edo, cuando el mundo de paz comenzó a tambalearse.
La película, con guion a cargo del propio Shinya Tsukamoto, está protagonizada por Shuri, Ouga Tsukao, Hiroki Kono, Mirai Moriyama, Tatsushi Ōmori y Gô Rijû.
Tras su premiere mundial en el pasado Festival de Sundance el alabado debut en el largometraje de Raven Jackson All Dirt Roads Taste of Salt estrena de la mano de A24 un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un poético y contemplativo retrato generacional, competirá por la Concha de Oro en la próxima edición del Festival de San Sebastián.
All Dirt Roads Taste of Salt nos muestra una exploración de décadas de la vida de una mujer en Mississippi al mismo tiempo que una oda a las generaciones de personas, lugares y momentos inefables que nos dan forma.
La película, con guion a cargo de la propia Raven Jackson, está protagonizada por Moses Ingram, Sheila Atim, Chris Chalk, Zainab Jah, Kaylee Nicole Johnson, Charleen McClure, Reginald Helms Jr. y Jayah Henry.
El festival edita un libro escrito por Irene de Lucas, que también será la comisaria de una exposición sobre la pionera valenciana
En 1923 llegaba a las pantallas comerciales ‘Flor de España’, el primer largometraje producido y dirigido por una mujer en la historia del cine español: la valenciana Helena Cortesina. Por desgracia, y como sucede con muchas otras películas del periodo mudo, no se conserva ninguna copia de la película, y apenas unos cuantos fotogramas atestiguan la existencia de esta producción independiente pero con vocación comercial, ya que combinaba dos de los grandes géneros en auge de la época: la adaptación de una novela taurina y la zarzuela.
Cien años después de aquella señalada fecha, Mostra de València, que celebra su 38ª edición del 19 al 29 de octubre, publica en coedición con IVC La Filmoteca el primer estudio monográfico sobre la figura de Helena Cortesina, reivindicando su papel de pionera. Su autora es Irene de Lucas, licenciada en Comunicación Audiovisual y doctora por la Universidad de Valencia, así como investigadora cinematográfica con experiencia en el terreno del cine primitivo y autora de la tesis ‘La pionera oculta: Alice Guy en el origen del cine’ (2011).
“Cortesina es una persona especialmente moderna para la época. Por ejemplo, nunca se casó a pesar de tener hijos, además de ser una artista completa: bailarina primero, luego actriz de cine, directora y productora», asegura Irene de Lucas, la autora del libro. «Por si fuera poco, crea dos empresas teatrales. Lo que más me sorprende es esta audacia y su capacidad de reinventarse en un contexto muy complicado. Durante la Guerra Civil fallece una de sus hijas, se marcha al exilio embarazada y consigue, a pesar de todo, que su carrera no deje de crecer”.
El libro es fruto de una rigurosa investigación con escalas en Madrid, Barcelona, Granada, Nagasaki o Buenos Aires, que desmonta leyendas previas, revela nuevos datos sobre la cineasta y repasa su periplo biográfico, desde sus inicios como bailarina, pintada por Sorolla y conocida como «La Venus Valenciana», hasta su trabajo en el teatro y el cine, así como su exilio en Argentina tras la guerra civil y su relación de amistad con Federico García Lorca y otros autores de la Generación del 27.
‘Flor de España’ fue la única experiencia como directora de Cortesina, que como otras actrices de la época, montó su propia productora para relanzar su figura: “Las actrices productoras no dirigían, pero ella se atreve a hacerlo y además protagoniza el film. En nuestra investigación hemos descubierto que la película estuvo en cartel a lo largo de seis años y que logró su objetivo: Cortesina entró en el circuito teatral como actriz gracias al reconocimiento que le dio esta cinta”, afirma De Lucas.
El ensayo se complementará con una exposición en torno a Helena Cortesina que acogerá la Galería del Tossal en el mes de octubre, también comisariada por Irene de Lucas. Según Eduardo Guillot, director artístico de Mostra de València, «es imposible entender el cine del presente sin conocer su pasado, y es misión de los festivales establecer ese nexo entre uno y otro. En ese contexto se enmarca la recuperación de una mujer como Helena Cortesina, que a partir de este libro debe pasar a ser considerada un referente en la historia del cine español».
No es la primera vez que el realizador Joe Lynch incide en el género fantástico, con un amplio bagaje televisivo posiblemente sus dos trabajos más conocidos para la gran pantalla sean Wrong Turn 2: Dead End (2007) y Mayhem (2017). La cinta de terror A Suitable Flesh, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone una nueva incursión en el imaginario de H.P. Lovecraft que cuenta como guionista con Dennis Paoli, que ya había adaptado previamente al cine textos del escritor de Providence como por ejemplo las conocidas Re-Animator (1985), Re-sonator (1986) o Castle Freak (1995).
En A Suitable Flesh, que se podrá ver el próximo mes de octubre en el Festival de Sitges, vemos como una psiquiatra se obsesiona con uno de sus jóvenes pacientes con múltiples personalidades, convirtiendo su vida en una pesadilla plagada de histeria sobrenatural y muertes espantosas a su alrededor.
La película, con guion adaptada a cargo de Dennis Paoli, está protagonizada por Heather Graham, Judah Lewis, Barbara Crampton, Bruce Davison, Johnathon Schaech, Giovannie Cruz, Brett A. Newton, Hunter Womack y Drake Malone.
Este año, de forma excepcional, Brigadoon, la sección gratuita del Festival cambia su emplazamiento y ofrecerá sus proyecciones en la Sala Jofre Vila, en la planta 1 del Cine Prado.
En el apartado de largometrajes de ficción, la primera confirmación es ‘The Barn Part II‘, de Justin M. Seaman: Este año, las chicas de la casa de la hermandad de mujeres Gamma Tau Psi llevarán fuera del campus su infame atracción embrujada para recaudar fondos. Desafortunadamente para ellas, algún practicante del «truco o trato» no invitado llama a la puerta y quiere recolectar algo más que dulces…
También se podrá ver ‘Thorns‘, de Douglas Schulze: Un exsacerdote que trabaja para la NASA es enviado a investigar un observatorio remoto que quedó en silencio después de recibir una misteriosa señal de radio del espacio profundo. Al llegar, descubre que la señal abrió un portal que desató un monstruo de espinas. El ex sacerdote ahora debe invocar su fe perdida para evitar que la señal propague el infierno en la Tierra.
‘Thorns’
El apartado de documentales estará marcado por un fuerte sabor italo-argentino. Tendremos ‘Otra película maldita‘, de Alberto Fasce y Mario Varela se trata de una invitación a desandar el camino de la historia del cine de terror en Argentina, una historia llena de películas olvidadas, pérdidas o truncadas. Se podría decir que la historia del cine de terror argentino está hecha de películas malditas.
Anunciar también ‘Il museo degli orrori di Dario Argento‘, de Luigi Cozzi: En Roma, Italia, desde 1989, los cineastas Dario Argento y Luigi Cozzi administran una tienda que vende recuerdos de terror, fantasía y ciencia ficción, inspirados en películas, además de un museo único que muestra a los visitantes los accesorios originales utilizados durante la realización de sus propias películas más famosas. Muchos miles de fans de todo el mundo ya la han visitado…
‘Il museo degli orrori di Dario Argento’
Otro de los títulos será ‘Un millón de zombies: La historia de Plaga Zombie‘, de Nicanor Loretti y Camilo de Cabo: En 1997, un grupo de amigos de 17 años llevó adelante de manera totalmente artesanal el primer film de muertos vivos de Argentina. Todo un hito que derivaría en una saga de culto. Un Millón de Zombies cuenta la historia de estas películas y de los cineastas que crecieron a la par de ellas.
Por último también anunciar la sesión especial de ‘Hall of Frame. María Luisa Pino‘, de Guillermo López Aliaga y Fran Mateu, con la presencia de María Luisa Pino, una obra que explora la extensa trayectoria de María Luisa Pino, bajo su propio testimonio, como experta en el campo del montaje cinematográfico y de los efectos especiales, trabajando en películas de género fantástico que forman parte de la memoria de la cinematografía universal.
Como se había anunciado anteriormente el Premi Nosferatu de este año irá a la gran Barbara Bouchet.
Catalunya Imaginària
Dos títulos confirmados para el espacio destinado a repasar el legado fantástico catalán.
Primero, ‘Más allá de la muerte‘ (1986), colofón de la trilogía parapsicológica de Sebastià D’Arbó, cuya proyección vendrá acompañada por la presentación del libro homónimo, escrito junto a Diego Peñalver: El Dr. Johan Moser, joven psiquiatra austríaco, va en busca del Profesor Hamermann, quien se encuentra discretamente en los Pirineos ofreciendo esporádicamente conferencias sobre sus pretéritas investigaciones paracientíficas. Moser requiere de la experiencia de Hamermann y de sus descubrimientos acerca de las investigaciones efectuadas a la búsqueda de la posible existencia de otra vida después de la muerte, ya que su difunta esposa se le ha aparecido poco tiempo después de fallecer. ¿Se trata de un fenómeno paranormal o una manifestación sobrenatural?
‘Más allá de la muerte’
También estará presente ‘Fata Morgana‘ (1966), primera película que Vicente Aranda realizó en solitario y que le situó en los últimos momentos del Nuevo Cine español. La película ha sido identificada después como la precursora de la Escuela de Barcelona. Protagonizada con la musa de este movimiento, Teresa Gimpera, ya contiene buena parte de los temas que obsesionan a dicho cineasta: la violencia y el sexo.
No es la primera vez que el género de terror transita en alta mar con buques o trasatlánticos como espacio escénico de sus historias, películas, entre otras muchas, como la reivindicable Death Ship (Alvin Rakoff 1980), Ghost Ship (Steve Beck 2002) o esa paradoja temporal que es la curiosa Triangle de Christopher Smith (2009) trascurrían de diferentes formas en dicho temario. Haunting of the Queen Mary, cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster español, nos traslada a dicho escenario, contando tras las cámaras con el irlandés Gary Shore, responsable de Dracula Untold (2014) y el episodio St. Patrick’s Day de la colectiva Holidays (2016). La película, que se estrenará simultáneamente en cines y VOD de Estados Unidos el 18 de agosto, llegará a los cines de nuestro país de la mano de Diamond Films el próximo 2 de febrero de 2024.
Haunting of the Queen Mary nos cuenta, a través de tres historias interconectadas, como cuando los fotógrafos Erin y Patrick junto a su hijo Lukas, se embarcan en el transatlántico Queen Mary, considerado uno de los lugares más embrujados del mundo y convertido en la actualidad en una atracción turística, albergando un museo, un hotel y varios restaurantes, se desatarán una serie de terroríficos sucesos que entrelazarán a la joven familia con el oscuro pasado del barco.
La película, con guion a cargo del propio Gary Shore junto a Gary Dauberman y Tom Vaughan, está protagonizada por Alice Eve, Nell Hudson, Joel Fry, William Shockley, Tim Downie, Angus Wright, Jim Piddock, Lenny Rush, Alfredo Tavares, Mark Silverman, Dorian Lough, Joelle Koissi, Wil Coban, Gabi Kerr, Sophia Dunn-Walker, Russell MacLeod, Tiffany Ashton, Marios Gavrilis y Florrie Wilkinson.
Acaba de ver la luz de la mano de A24 un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Dicks: The Musical, adaptación musical y adulta tanto de la novela Las dos Carlotas de Erich Kästner como del musical titulado Fucking Identical Twins a cargo de Aaron Jackson y Josh Sharp. La película, con Larry Charles detrás de las cámaras, Borat (2006), Brüno (2009), The Dictator (2012) o Army of One (2016), tendrá su premiere mundial dentro de un mes en el Festival de Toronto dentro de la sección Midnight Madness, teniendo previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 29 de septiembre.
En Dicks: The Musical vemos como un par de rivales comerciales descubren por sorpresa que son gemelos idénticos, decidiendo entre ambos intercambiar personalidades y lugares en un intento de engañar a sus padres divorciados para que vuelvan a estar juntos.
La película, con guion a cargo de Aaron Jackson y Josh Sharp, está protagonizada por Nathan Lane, Megan Mullally, Bowen Yang, Megan Thee Stallion, Josh Sharp, Aaron Jackson, Evan Shafran, Teya Wild, Yolimar Lara, Sierra Puett y Raymond Ejiofor.
Protagonizada por Bérénice Bejo, Antonio de la Torre, Sara Becker y Daniel Brühl, el film adapta la novela homónima de Hernán Rivera Letelier con guion de Walter Salles, Rafa Russo e Isabel Coixet
La contadora de películas, adaptación de la novela homónima del Premio Nacional de Literatura chileno Hernán Rivera Letelier que dirige la cineasta danesa Lone Scherfig (An Education, Italiano para principiantes), abrirá la 68 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid el próximo 21 de octubre.
El film, coproducción hispano-chilena-francesa que se programará fuera de concurso, cuenta con un reparto internacional encabezado por Bérénice Bejo (nominada al Oscar por The Artist), Antonio de la Torre (La trinchera infinita, El reino, Tarde para la ira) y Daniel Brühl (Goodbye Lenin!, Malditos bastardos, Rush, Capitán América: Civil War). Las jóvenes actrices chilenas Sara Becker y Alondra Valenzuela completan el elenco principal de La contadora de películas, film que mezcla humor y drama y es, sobre todo, una declaración de amor al cine.
El film narra la cautivadora historia de María Margarita, una joven que vive en un pueblo minero en el corazón del desierto de Atacama (Chile) en la década de 1960 y que desde bien pequeña tiene un don muy especial para contar películas. Su talento y pasión pronto se extienden más allá de su círculo familiar para llegar a toda la comunidad. La historia se desarrolla de la mano de hechos culturales y políticos relevantes, como la llegada y éxito de la exhibición cinematográfica, seguida de su declive con la aparición de la televisión. Además, refleja los cambios políticos acontecidos en las épocas de Frei, Allende y la llegada de Pinochet y revive la decadencia de los históricos pueblos mineros del salitre en el norte de Chile.
Lone Scherfig consiguió reconocimiento internacional en el año 2000 con Italiano para principiantes, film estrenado en la 46 edición de SEMINCI y que conquistó la Espiga de Oro, el premio al Mejor Actor (Peter Gantzler) y el premio de la Juventud, tras haber conquistado el Oso de Plata de la Berlinale. Scherfig regresó a la Seminci dos años después con su siguiente película, Wilbur se quiere suicidar (2002), que obtuvo nuevamente el premio al Mejor Actor, en esa ocasión para Jaime Sives.
En 2009 dirigió An Education, basada en el guion de Nick Hornby y protagonizada por Cary Mulligan. La película tuvo nueve nominaciones a los BAFTA y tres al Oscar, incluida Mejor Película. Desde entonces, Scherfig ha dirigido el drama romántico One Day (2011) con Anne Hathaway y Jim Sturgess, The Riot Club (2014) y Su mejor historia (2017), entre otros.
El cineasta brasileño Walter Salles (Estación Central de Brasil) es el impulsor del proyecto en el que viene trabajando desde hace más de una década, una historia que emparenta con su oscarizada Diarios de motocicleta al estar ambientada en las mismas minas del desierto de Atacama donde Ernesto Guevara se convirtió en “el Che”. Salles firma el guion junto a los españoles Rafa Russo (El año de la furia) e Isabel Coixet (La librería, La vida secreta de las palabras, Mi vida sin mí, Nieva en Benidorm), galardonada con la Espiga de Honor en la 65 edición de Seminci.
La película está producida por A Contracorriente Films, Selenium Films, Altiro Films y Contadora Films AIE. Cuenta con la colaboración del ICAA, ICEC, Crea-SGR y la participación de RTVE, TVC, Euskaltel-Telecable. A Contracorriente Films distribuirá la película y las ventas internacionales corren a cargo de Embankment Films y Latido Films.
Una de las cintas más recurrentes en el terror USA de los años ochenta fue Witchboard (Kevin Tenney 1986), tras un par de secuelas en los noventa Witchboard 2: The Devil’s Doorway (Kevin Tenney 1993) y Witchboard III: The Possession (Peter Svatek 1995), nos llega ahora un primer avance de su remake en forma de tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que verá la luz en 2024, cuenta tras las cámaras con el veterano Chuck Russel, responsable de trabajos como A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors (1987), The Blob (1988) o The Mask (1994).
En Witchboard vemos como Emily, una drogadicta en proceso de recuperación, su prometido Christian y un grupo de amigos abren un café orgánico, renovando una antigua cochera en el Barrio Francés de Nueva Orleans. Una oscuridad desciende sobre Emily cuando descubre un antiguo tablero de péndulo, que una vez se usó para invocar espíritus, haciendo que Christian busque ayuda para Emily por parte de Alexander Babtiste, un experto en ocultismo que sin embargo tiene sus propios secretos, ya que conoce las fatídicas líneas de sangre que atesora el Witchboard.
La película, con guion a cargo del propio Chuck Russel junto a Greg McKay está protagonizada por Madison Iseman, Aaron Dominguez, Jamie Campbell Bower, Charlie Tahan, Antonia Desplat, Renee Herbert, Mel Jarnson y David La Haye.
A partir del 18 de junio de 2023, una pequeña selección de las colecciones de fondos cinematográficos de Filmoteca Española se expondrá en las vitrinas del cine Doré.
Esta nueva muestra comienza con el centenario del nacimiento del actor José Luis Ozores y las piezas prestadas por su hija Adriana, junto a materiales de nuestras colecciones de Museo, Archivo y Biblioteca. A lo largo del año le seguirán otras exposiciones.
Se podrá visitar de forma gratuita hasta el 17 de septiembre de 2023, de martes a domingo en horario de 16:00 A 22:30H.
Siguen las celebraciones del 70 aniversario de Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación del patrimonio cinematográfico español, con un nuevo proyecto que saca nuestros fondos de los almacenes para llevarlos a las vitrinas del cine Doré y acoger, a lo largo del año, una pequeña selección de las colecciones de Museo, Archivo y Biblioteca.
Con el objetivo de difundir el patrimonio audiovisual y poner en valor nuestros fondos cinematográficos —que acompañan y completan la valiosa colección de fondos fílmicos de Filmoteca Española—, el 18 de junio se inaugura esta pequeña muestra gratuita con las piezas de José Luis Ozores prestadas por su hija Adriana. Para presentarla en el cine Doré ese mismo día, a las 17 horas, contaremos con la actriz Adriana Ozores acompañada de Noelia Sastre, responsable de fondos cinematográficos de Filmoteca Española. A esta presentación le seguirá la proyección de `El último caballo´ (Edgar Neville, 1950).
Entre las piezas que se podrán ver destacan precisamente varias fotografías de esta película que resistió la censura de la dictadura franquista, en la que Ozores compartió cartel con Fernando Fernán Gómez y Conchita Montes. Rodada en las calles de Madrid, Neville muestra con eficacia y naturalidad un retrato de la sociedad del momento y sus problemas, entre ellos el paro o la implacable llegada del capitalismo.
Junto a su filmografía, la muestra repasa las aficiones —fotografía, pintura, escritura— de uno de los actores más populares en la España del momento. Nieto, hijo y hermano de cómicos, trabajó junto a sus hermanos, Antonio y Mariano, en el cine, el teatro, la televisión o el humor con sus viñetas en La Codorniz.
La esclerosis múltiple que le diagnosticaron en 1963 truncó su carrera. A partir de ese momento sus apariciones se fueron espaciando, quedando progresivamente condicionadas por sus dificultades para moverse. Ozores había conseguido una importante ristra de éxitos, populares y críticos, pero se daba por hecho que aún había tiempo para mucho más. De ahí que amigos, conocidos y extraños se lanzaran a ayudarle.
En 1966, cuando estrena Hoy como ayer, su último largometraje, la enfermedad está ya muy avanzada. El año anterior había protagonizado `El poder´, estrenada el 5 de octubre de 1965 en el teatro Alcázar de Madrid. Joaquín Calvo Sotelo firmó este drama que dirigió Adolfo Marsillach, escrito para Ozores en el papel de Bruno, un maquiavélico príncipe italiano del siglo XVI en silla de ruedas.
Cuando falleció, el 10 de mayo de 1968 a los 45 años, su casa se inundó de telegramas y tarjetas de ciudadanos anónimos, cineastas, políticos y amigos, demostrando que a los maestros de la comedia se les quiere porque se ha compartido con ellos algo tan personal y sincero como la risa. En la exposición se puede ver una selección de aquellas cartas guardadas por su familia desde entonces.
A la muestra `José Luis Ozores, la comedia en la sangre´, le seguirán otros montajes a lo largo del año para mostrar, en pequeñas dosis, la gran riqueza y complejidad de las colecciones de Filmoteca Española.
Filmoteca Española se dedica a recuperar, investigar, conservar y difundir el patrimonio cinematográfico, labor reconocida en la redacción de la Ley del Cine y en la de Patrimonio Histórico Español, en la que convivirá con el artístico, el arqueológico o el bibliográfico, permitiendo a Filmoteca Española, Bien de Interés Cultural, caminar junto al Museo del Prado o la Biblioteca Nacional como uno más de los grandes centros del saber en nuestro país.
Entrada gratuita
Del 18 de junio al 17 de septiembre de 2023, de martes a domingo. Abierta al público de 16:00 a 22:30. Cine Doré. Calle de Santa Isabel, 3, Madrid
Acaba de ver la luz de la mano de Lionsgate un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Saw X, reinicio de la famosa saga creada por James Wan en 2004 que supone la vuelta de Tobin Bell en el papel del icónico Jigsaw. La película, dirigida por Kevin Greutert (Saw VI y VII, Jessabelle (2014), Visions (2015), se estrenará simultáneamente en Estados Unidos y España el próximo 29 de septiembre.
Situada entre los acontecimientos sucedidos en Saw y Saw II, John, desesperado y enfermo, viaja a México para someterse a un tratamiento experimental muy arriesgado con la esperanza de curar su cáncer mortal. Sin embargo, toda la operación resulta ser un fraude para engañar a aquellos más vulnerables. Lleno de rabia y con un nuevo y escabroso propósito, John retomará su trabajo como asesino en serie y dará a probar su propia medicina a los embaucadores. Bajo la atenta mirada de Jigsaw, los jóvenes se enfrentaran a las trampas más ingeniosas, mortales y tortuosas en un visceral y despiadado juego…
La película, con guion a cargo de Josh Stolberg y Pete Goldfinger, está protagonizada por Tobin Bell, Shawnee Smith, Synnøve Macody Lund, Steven Brand, Michael Beach, Renata Vaca, Paulette Hernandez, Octavio Hinojosa y Joshua Okamoto.
Cinema 3/99, la propuesta de cine familiar del CCCB, presenta una selección de ocho cortometrajes para todos los públicos sobre el tema del agua en todas sus formas.
Las películas seleccionadas nos embarcan en un viaje por las maravillas del agua: mágicos peces perlados y fascinantes medusas; vistas distorsionadas, gotas de agua sobre las imágenes, nadadores del cielo y colecciones de conchas marinas… Un festín de colores, formas, figuras y estados, que incluye una pieza realizada para la ocasión por Laura Rius Aran.
Programa
Korálková pohádka (Cuento de hadas de coral), Hermína Týrlová, Checoslovaquia, 1968, 8’
Un cuento poético de cristal en que unos peces rojos se pelean con unos peces amarillos antes de que un pez más grande llegue y ¡se los quiera comer a todos!
Au bord du lac (A orillas del lago), Patrick Bokanowski, Francia, 1994, 6’
Un día en torno al lago y sus actividades de ocio, se transforma por su reflejo en una placa deformada de acero inoxidable y por una composición sonora de Michèle Bokanowski.
La mar salada, Elena Duque, España, 2014, 3’
«Nuestro amor es azul, como el mar, azul» (Christian Castro). Película sobre la mar salada (gallega y sobre todo coruñesa), con un popurrí de canciones marineras (asturianas) de la Coral Bajamar de Luanco.
Terrestrial(Terrenal), Faith Johnson, Estados Unidos, 2022, 5’
Cuando paramos y escuchamos, la magia del mundo natural nos susurra. ¿Qué magia comparten contigo la tierra y el agua?
Shorelines (Orillas), Al Jarnow, Estados Unidos, 1977, 4’
«Souvenirs naturales» (conchas de mar, piedras, palos, algas) de un día en la playa, y animaciones hipnóticas y palpitantes de las formas y texturas de la vida oceánica.
O sohno do sol (El sueño del sol), Florence Cha Cayron, Bélgica, 2017, 5’
Una colección de sueños sobre el agua, el mar, el cielo y una piscina, en que las estrellas se encuentran con las olas y los cuerpos flotan en el agua, así como en el aire.
Chrysaora Colorata, Denise Batchelor, Nueva Zelanda, 2015, 3’
Un misterioso retrato en imágenes y sonidos de una especie de medusas que se encuentra principalmente en la bahía de Monterrey (California, EEUU).
Eco, eco, Laura Rius Aran, España, 2023, 4’
Con la llegada de una feria a las orillas del lago Léman, la nieve empieza a fundirse en las montañas de los Alpes. A partir de un montaje guiado por asociaciones poéticas, donde los gestos y movimientos se desplazan y resuenan de un plano a otro, Eco, eco explora la conexión íntima entre humanidad y naturaleza.
Proyección en digital. Copia de Korálková pohádka del Národní filmový archiv. Copias de Au bord du lac y La mar salada del Collectif Jeune Cinéma. Copia de Chrysaora Colorata de CIRCUIT Artist Moving Image. Copias de Terrestrial, Shorelines, O sonho do sol y Eco, eco cortesía de sus respectivos autores.
Un programa de Marie-Pierre Bonniol, con aportaciones de Gloria Vilches.
Fecha: 23 y 24 septiembre, 14 y 15 octubre, 25 y 26 noviembre 2023
El contacto extraterrestre expuesto a través de un escenario minimalista que evoca un estado opresivo suele ser un recurso bastante habitual en cintas de ciencia-ficción low cost, si hace bien poco la película española La paradoja de Antares de Luis Tinoco incidía en dicho recursos y propósitos este año nos llegará la cinta australiana Monolith, film cuyo primer tráiler de la mano de XYZ Films podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que supone el debut en la dirección de Matt Vesely, tras su premiere mundial el pasado año en Adelaide y pasar por el South by Southwest de Austin, estará presente el próximo mes de octubre en el Festival de Sitges.
En Monolith vemos como una joven periodista obstinada, que produce y presenta un podcast de investigación, descubre un artefacto extraño, algo que le llevará a plantearse la existencia de una conspiración alienígena a través de una serie de evidencias y supuestas mentiras.
Monolith, con guion de Lucy Campbell y fotografía a cargo de Michael Tessari, está protagonizada por Lily Sullivan, Belle Kalendra-Harding, Ling Cooper Tang, Ansuya Nathan, Erik Thomson, Terence Crawford, Matt Crook, Brigid Zengeni, Kate Box y Rashidi Edward.
Once producciones de diecinueve países se disputarán el Premio Kutxabank-New Directors del Festival de San Sebastián, que celebrará su 71ª edición del 22 al 30 de septiembre. Del total de trabajos elegidos, siete son óperas primas y el resto son segundas películas de sus autoras o autores, según han desvelado hoy en rueda de prensa el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y la directora de la Red Gipuzkoa de Kutxabank, Marta Madinabeitia.
Entre quienes concursarán con su segundo largometraje figura el actor, director y guionista Liang Ming (Yichun, China. 1984), cuyo estreno en el largometraje, Wisdom Tooth (2020), obtuvo reconocimiento en diferentes festivales internacionales. El realizador inaugurará New Directors con Xiao yao you / Carefree Days, la adaptación de la novela homónima de Ban Yu que sigue a una joven enferma que trata de buscar su lugar en el mundo.
Tras dirigir varios cortos y el largometraje Roll (2020), Daichi Murase (Shigaraki, Japón. 1997) mostrará su segundo filme, Kiri no Fuchi / Beyond the Fog, que clausurará New Directors. Su autor ofrece el retrato íntimo de una familia que durante generaciones ha regentado una posada en un remoto pueblo de montaña.
Con su debut, À l’ouest de Pluton / West of Pluto (2008), Henry Bernadet (Quebec, Canadá. 1977) participó en distintos festivales internacionales como Rotterdam y Zurich. Ahora, en Les Rayons Gamma / Gamma Rays brinda al público un retrato generacional de un grupo de jóvenes que viven en Montreal.
Además, New Directors también incluirá una segunda película de producción española ya anunciada, La estrella azul / The Blue Star, de Javier Macipe (Zaragoza, 1987). Se trata de una aproximación en clave de ficción a la historia del músico zaragozano Mauricio Aznar, fundador de bandas como Golden Zippers, Más Birras o Almagato. Su debut, Los inconvenientes de no ser Dios (2014), le valió a Macipe el premio a la mejor primera película del Festival de Cine de Zaragoza. También ha dirigido cortometrajes de ficción como Gastos incluidos (2019) u Os meninos do rio (2014), que resultaron finalistas en los Goya.
El resto de cineastas incluidos en la selección concursarán con sus óperas primas. Así, el cineasta Farhad Delaram (Teherán, Irán. 1988) participará en New Directors con su primera incursión en el largometraje, Ashil / Achilles, que trata sobre un joven cineasta que trabaja en un hospital y cuya vida cambia tras conocer a una misteriosa joven.
El primer trabajo de Askhat Kuchinhirekov (Almaty, Kazajistán. 1982) se titula Bauryna salu, que es el nombre que recibe una antigua tradición nómada que consiste en entregar al primogénito a los abuelos para que lo cuiden ellos en lugar de sus padres. Antes de ponerse tras la cámara, Kuchinhirekov ha trabajado como actor y ayudante de dirección en títulos como Tulpan (2008) y Aika (2019), de Sergei Dvortsevoy, que ganaron respectivamente los premios Un Certain Regard y Mejor actriz en Cannes.
Taylor Russell, Ewan McGregor y Ellen Burstyn protagonizan Mother, Couch!, la ópera prima de Niclas Larsson (Malmö, Suecia. 1990), que comienza cuando tres hermanos distanciados se reúnen para averiguar por qué su madre se niega a leventarse del sofá de una tienda de muebles.
La hasta ahora guionista y montadora Ilia Malakhova (San Petersburgo, Rusia. 1973) se estrena con el largometraje Hi, mom, centrado en la figura de Kira, una mujer de 36 años que no ha superado la desaparición de su madre y que vive en la misma casa que su hermana pequeña y sus hijas.
Juan Sebastián Quebrada (Medellín, Colombia. 1987), que estrenó su trabajo de grado Días extraños (2015) en Bacifi y su corto La casa del árbol (2017) en el Festival de Toronto, muestra ahora su debut en el largometraje, El otro hijo / The Other Son, que en su fase de proyecto participó en el Foro de Coproducción Europa-América Latina en 2020. El cineasta colombiano sigue los pasos de un adolescente que, tras la inesperada muerte de su hermano, trata de encontrar la fuerza necesaria para seguir viviendo.
Con experiencia previa como ayudante de dirección y novelista, la realizadora Diwa Shah (Nainital, India. 1995) debuta con Bahadur the Brave, una película que transcurre durante los primeros momentos de la pandemia en una aldea india fronteriza con Nepal, donde un inmigrante nepalí trata de ganar dinero para curar a su hijo enfermo.
Last Shadow at First Light, también presente en la selección, es el estreno en el largometraje de Nicole Midori Woodford (Singapur, 1986), que narra el viaje a Japón de una joven que, atormentada por apariciones recurrentes, parte en busca de su madre desaparecida. Los cortos que ha dirigido anteriormente han participado en festivales como Busan, Clermont-Ferrand o Tokio.
Las once películas optan al Premio Kutxabank-New Directors, dotado con 50.000 euros repartidos a partes iguales entre la directora o el director y la distribuidora de la película en España. El Premio Kutxabank-New Directors está patrocinado por Kutxabank, colaborador oficial del Festival. El Jurado del Premio Kutxabank-New Directors es el encargado de valorar y premiar estas películas. Los trabajos correspondientes a la sección de New Directors son candidatos también al Premio TCM de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
New Directors es un ejemplo de la apuesta del Festival de San Sebastián por los nuevos talentos, pero no el único, puesto que se programan primeras y segundas obras en prácticamente todas las secciones, y también se muestran primeros trabajos en Nest, la sección competitiva de cortometrajes de estudiantes de escuelas de cine de todo el mundo. Además, el Festival lidera junto a Tabakalera y Elías Querejeta Zine Eskola el programa de apoyo a proyectos audiovisuales innovadores Ikusmira Berriak, que contempla un plan de residencias artísticas.
Xiao yao you / Carefree Days
Liang Ming (China)
País(es) de producción: China
Intérpretes: Lu Xing Chen, Li Xue Qin, Li Cong Xi, Ai Li Ya
Inauguración
En el noreste de China, Shenyang es una ciudad en decadencia. Xu Lingling es una joven de 25 años que padece uremia y cuya vida se ha derrumbado. En el punto álgido de su enfermedad, su disoluto padre ha regresado para cuidar de ella con su mejor amiga Tan Na y su antiguo compañero de clase Zhao Dongyang. A pesar de su sufrimiento y gracias al amor de su familia y amigos, siente que vivir merece la pena. Un día, Xu Lingling decide salir de viaje con Tan Na y Zhao Dongyang.
Ihika vive en una tranquila e inaccesible aldea en las montañas de Japón, un lugar que en su tiempo estuvo lleno de excursionistas y comercios. La niña, que tiene 12 años, ha crecido en una familia que ha regentado una posada durante generaciones. Su padre vive separado desde hace algunos años y Saki, la madre de Ihika, dirige el lugar junto a Shige, su suegro. Un día Shige desaparece y la supervivencia de la posada corre peligro mientras se avecinan cambios para la familia de Ihika.
Un joven cineasta que actualmente trabaja en un hospital emprende un breve viaje en compañía de una paciente con problemas de salud mental para descubrir quién es en realidad. Ahora debe decidir si huir con ella o llevarla de vuelta al hospital.
Bahadur the Brave
Diwa Shah (India)
País(es) de producción: India
Intérpretes: Rupesh Lama, Rahul Mukhia
Durante la pandemia de coronavirus, India decreta el confinamiento. Mientras todos los trabajadores migrantes nepalíes se ven forzados a regresar a su país, Hansi ve en la crisis laboral en ciernes una oportunidad de ganar más dinero para su hijo enfermo cuando su cuñado, Dil Bahadur, le ofrece trabajar como ilegal en un almacén.
Bauryna salu
Askhat Kuchinhirekov (Kazajistán)
País(es) de producción: Kazajistán
Intérpretes: Yersultan Yermanov
Siguiendo una antigua tradición nómada llamada ‘bauryna salu’, Yersultan fue entregado a su abuela cuando nació para que le criara. Creció con resentimiento y distanciado de sus padres. Cuando cumple 12 años, su abuela muere y tiene que regresar con su familia, a la que apenas conoce. El paso a la vida adulta de Yersultan coincide con una transformación insoportable y un intento de restaurar la relación entre él y sus padres, especialmente con su progenitor.
El otro hijo / The Other Son
Juan Sebastián Quebrada (Colombia)
País(es) de producción: Colombia – Francia – Argentina
Intérpretes: Miguel González, Ilona Almansa, Jenny Navarrete
Foro de Coproducción Europa-América Latina 2020
Federico y su hermano Simón viven plenamente su adolescencia hasta el día en que Simón muere al caer de un balcón en una fiesta. Mientras su entorno familiar se desmorona ante sus ojos, Federico intenta vivir con normalidad sus últimas semanas de colegio. Incapaz de hacer el duelo, se va acercando a Laura, la novia de su hermano fallecido, en quien parece encontrar alivio.
Hi, mom
Ilia Malakhova (Rusia)
País(es) de producción: Rusia
Intérpretes: Daria Saveleva, Aglaya Tarasova, Anna Osipova
Kira tiene 36 años. Trabaja en el centro de llamadas del aeropuerto de Pulkovo y vive con su hermana menor Vera y sus hijas. Hace un par de años, su madre echó de casa a las hermanas y luego desapareció. Kira debe aceptar que su madre está muerta y seguir adelante, para lo cual necesita obtener el certificado de defunción, reclamar su herencia y comenzar a vivir sin su hermana y sus sobrinas. Una nueva vida la espera, pero Kira no quiere cambiar nada y solo sueña con que su madre regrese.
Años 90. Un famoso rockero español recorre Latinoamérica intentando reconectar con su vocación. Allí conoce a un anciano músico en horas bajas y de su encuentro nace un dúo quijotesco, con todos los visos de ser un absoluto fracaso comercial.
Last Shadow at First Light
Nicole Midori Woodford (Singapur)
País(es) de producción: Singapur – Japón – Eslovenia – Filipinas – Indonesia
Intérpretes: Masatoshi Nagase, Mihaya Shirata, Mariko Tsutsui, Peter Yu
Atormentada por apariciones recurrentes, Ami se embarca en un viaje de Singapur a Japón en busca de su madre desaparecida. Entre paisajes que se transforman, los sueños, los fantasmas y la madre perdida de Ami desvelan su verdadera forma.
La tranquila vida de Abdel se ve alterada por la llegada de su extrovertido primo, que se queda a pasar el verano con él. Fátima, que va a empezar un nuevo trabajo como cajera en un supermercado, anhela una vida más estable. Mientras pesca, Toussaint encuentra en la orilla una botella con un mensaje en su interior. A caballo entre la ficción y el documental, Les Rayons Gamma / Gamma Rays es una comedia dramática rodada con jóvenes actrices y actores no profesionales de comunidades inmigrantes.
Mother, Couch!
Niclas Larsson (Suecia)
País(es) de producción: EEUU – Dinamarca – Suecia
Intérpretes: Taylor Russell, Ewan McGregor, Ellen Burstyn
Taylor Russell, Ewan McGregor y Ellen Burstyn protagonizan esta historia de tres hermanos distanciados que se unen cuando su madre se niega a moverse de un sofá en una tienda de muebles.
Posiblemente la película española más esperada de este 2023, tras su premiere mundial en el pasado Festival de Cannes, Cerrar los ojos, el esperado regreso tras las cámaras de Víctor Erice 31 años después El sol del membrillo (1992), estrena un primer tráiler subtitulado al francés que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película llegará a las salas comerciales de Francia el próximo 16 de agosto, a España, de la mano de Avalon, lo hará el 29 de septiembre.
En Cerrar los ojos vemos como un célebre actor español, Julio Arenas, desaparece durante el rodaje de una película. Aunque nunca se llega a encontrar su cadáver, la policía concluye que ha sufrido un accidente al borde del mar. Muchos años después, esta suerte de misterio vuelve a la actualidad a raíz de un programa de televisión que pretende evocar la figura del actor, ofreciendo como primicia imágenes de las últimas escenas en que participó, rodadas por el que fue su íntimo amigo, el director Miguel Garay.
La película, con guion a cargo del propio Víctor Erice junto a Michel Gaztambide, está protagonizada por Manolo Solo, Ana Torrent, José Coronado, María León, Soledad Villamil, Ginés García Millán, Petra Martínez, Mario Pardo, Josep Maria Pou, Juan Margallo y Helena Miquel.
La Asociación de cine Vértigo organiza un año más la Semana de Cine Japonés de Las Palmasde Gran Canaria, que este año cumple su 21ª edición, con la colaboración de La Casa de Colón y del Cabildo de Gran Canaria.
Del 24 al 28 de julio, la Semana se celebrará bajo el título Nikkatsu. El crepúsculo de los dioses. Volumen 1.
Las proyecciones, de carácter gratuito, tendrán lugar de lunes a viernes a las 19:30 horas. Aythami Ramos, crítico cinematográfico, escritor y Máster Universitario en Teoría e Historia de la Arquitectura por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona – Universitat Politécnica de Catalunya, será el encargado de presentar cada película y el lunes impartirá la conferencia «La corrupción de un ángel: ascenso y caída de la Nikkatsu«.
Así pues, el público de Las Palmas de Gran Canaria podrá disfrutar durante toda la semana de distintos filmes de la mítica productora Nikkatsu (Nippon Katsudō Shashin Kabushiki-kaisha) producidos entre 1929 y 1975.
Esta Semana del Cine Japonés cuenta con el apoyo de Fundación Japón.
DETALLES:
Fechas: del 24 al 28 de julio
Lugar: Casa de Colón. Cabildo de Gran Canaria (aquí)
Más información en la web de la Asociación de Cine Vértigo (AQUÍ)
La caída del sistema de estudios en Japón significó la muerte —cuando no la puesta en crisis— de una cierta forma de entender el mundo. En un tiempo en el que las grandes compañías aún dirigían el destino del cine, los platós de Nikkatsu, Shôchiku, Tôhô, Daiei y Tôei conformaron el Olimpo sobre el que se erigió la moderna Historia de las imágenes en aquel país. En este sentido, al menos, puede decirse que el trágico derrumbe de aquella industria de sueños no fue una mera perturbación de la modernidad, sino un reflejo de la modernidad misma y su ulterior quiebra. Pues así como los poetas de la palabra procedieron —inquietantemente, según George Steiner— a semejanza de la divinidad, sus homólogos de la pantalla creyeron, con terrible osadía, haber ocupado por siempre su lugar en el corazón de los hombres.
Al igual que otros jóvenes ilustres del período Meiji, Katsutarô Inabata fue promocionado por el interés de la nación para ampliar sus estudios en la más avanzada Europa. Sus inquietudes se orientaban entonces al conocimiento de la química textil, y con ese propósito se matriculó en la escuela técnica de La Martinière en Lyon, donde permanecería entre 1880 y 1883 aprendiendo todo lo relacionado con las nuevas técnicas de teñido empleadas en la fabricación de sedas. Pero a Inabata, además de la ciencia, le interesaban muchos otros aspectos de la vida moderna. De modo que, cuando en 1896 los negocios le llevaron nuevamente a Francia, no perdió la ocasión de visitar a sus viejos compañeros de clase entre los que se hallaba Auguste Lumière. La familia Lumière había hecho fortuna con la venta de productos fotográficos, y Auguste, junto a su hermano Louis, acababa de inventar un aparato capaz de registrar y proyectar imágenes cinéticas reales. A tal punto aquel artilugio despertó el interés del industrial japonés, que éste convino introducirlo en su país a cambio de un porcentaje menor de los beneficios. Aunque no tardaría demasiado en arrepentirse de su idea.
El 9 de enero de 1897 el Cinematógrafo desembarcó finalmente en Kobe, y un mes más tarde tuvo lugar la primera proyección en el teatro Nanchi Enbujô de Osaka. Pese a la entusiasta acogida, las complicaciones derivadas de la precaria infraestructura eléctrica de las islas y la sobrevenida competencia del Vitascopio Edison, presentado también en Osaka el 22 de febrero, apagaron rápidamente el entusiasmo de un Inabata que, ya en marzo, informó por carta a los Lumière de su intención de traspasar el negocio tan pronto como acabase el plazo de concesión pactado.
El hermano menor de su viejo amigo Masunosuke Yokota, Einosuke, apareció entonces como la solución a sus problemas. Einosuke Yokota había vivido algún tiempo en Estados Unidos, de donde regresó con una máquina de rayos-X a la que extraía un inusitado beneficio exhibiéndola como atracción de feria por diferentes ciudades de Japón. A diferencia del inexperto Inabata, tenía ambición, conocía el mundo del espectáculo y sabía cómo entretener al público. Equipado con un proyector y un lote de ‘actualités’ Lumiére, Yokota abandonó Osaka y se dirigió a Tokyo, donde ese mismo mes arrancó una fulgurante carrera que le llevaría en poco más de una década a comandar la primera gran compañía de ‘katsudô-sashin’ [imágenes en movimiento] del país.
El inicio del nuevo siglo marcó el comienzo del proceso de industrialización del cine y su consolidación como medio de comunicación y entretenimiento de masas. A su popularidad en Japón contribuyó sobremanera el estallido de la guerra con Rusia que se prolongaría entre 1904 y 1905, generando en la sociedad del momento una demanda creciente de información, no sólo escrita, sino también visual. Al público ya no le bastaba con saber lo que ocurría; también quería verlo del modo más inmediato y realista posible. Sirviéndose de ello, los documentales de guerra lograron mantener el interés por el cine más allá de la novedad. Pero tras el armisticio se hizo evidente que la supervivencia del medio pasaba por su transformación en una eficaz máquina de producir ficciones, asumiendo el papel que hasta ese momento había ejercido el teatro popular.
Unos años antes, Ken’ichi Kawaura había reconvertido su comercio de linternas mágicas en la primera compañía cinematográfica del país, la Yoshizawa Shôten, y en 1908 abrió sus propios estudios de filmación en Meguro. Pronto la seguirían la M. Patê Shôkai, creada en 1906 por Shôkichi Umeya, y la Fukohôdô, fundada en 1910 por Kenzô Tabata bajo la dirección de Kisaburô Kobayashi. Yokota, por su parte, había puesto en marcha su propia empresa de importación y exhibición de cintas Pathé en 1901, la Yokota Shôkai, y en torno a 1907 comenzó también a financiar sus propias películas en Kyoto.
A la vista del lucrativo circuito comercial que las cuatro compañías estaban empezando a implementar por todo el país, Umeya propuso a sus rivales la creación de un ‘trust’ a semejanza de la Motion Picture Patents Company que Edison había impulsado en los Estados Unidos para anular a los productores independientes. Acosado por las deudas, Kawaura se retiró de la partida y vendió la Yoshizawa a Umeya, que al fin conseguiría convencer a los otros dos para formar la Dai-Nihon Firumu Kikai Seizô Kaisha [Gran Compañía Manufacturera de Maquinaria Cinematográfica Japonesa] en 1910, con Yokota como presidente y Kobayashi como director general. Dos años después, Umeya también abandonó y Yokota refundó la empresa bajo el nombre de Nippon Katsudô-Sashin Kabushiki Kaisha [Compañía Cinematográfica de Japón], más conocida por su apócope comercial de Nikkatsu.
Bajo la presidencia de Yokota, Nikkatsu afianzó con celeridad su status de ‘major’. Su sede en Kyoto se había especializado en filmar escenas de conocidas obras ‘kabuki’, y tras la fusión continuó explotando con éxito aquel género —bautizado popularmente como ‘kyû-geki’ [viejos dramas]— con el actor Matsunosuke Onoe como principal reclamo. Entretanto, los tres estudios de Tokyo, antaño propiedad de sus rivales, fueron reemplazados por un nuevo complejo en Mukôjima, cuya producción se dedicó casi en exclusiva a adaptar lacrimógenos melodramas shinpa: una forma de teatro moderno «a la japonesa» caracterizado por mostrar interpretaciones más realistas y situaciones más cercanas a la actualidad de la era Meiji que los tradicionales ‘sewa-mono’ [obras de temática contemporánea] del ‘kabuki’ y ‘bunraku’. Yokota se ocupó también de ampliar la cuota de exhibición, incrementando el número de salas en propiedad de la compañía y firmando provechosos contratos de distribución con otros empresarios del sector. Sólo la resistencia de un puñado de pequeños estudios liderados por Komatsu, Tôyô, Shikishina y, sobre todo, Tenkatsu, le impidieron monopolizar el mercado en su época de mayor expansión.
A comienzos de la nueva década, Nikkatsu se había hecho con la mitad de las salas existentes en Japón y continuaba reinando en la industria a pesar de que sus películas empezaban a resultar anticuadas. Sobre todo, tras la irrupción en 1920 de una nueva compañía, Shôchiku, mucho más avanzada y abierta a las influencias occidentales que su ilustre competidora. Sus problemas, sin embargo, no se acabarían ahí. A la presión de una segunda ‘major’ se sumó la pérdida de buena parte de sus estudios en el Gran Terremoto de Kantô que asoló Tokyo en 1923. Obligado por las circunstancias, Yokota centralizó toda la actividad en Kyoto y otorgó un mayor peso a los directores, dando paso a una generación de cineastas de la que surgirían algunos de los primeros maestros del cine japonés como Kenji Mizoguchi, Daisuke Itô y Tomu Uchida. Pero los modos autoritarios del viejo presidente, con su política de salarios bajos y sus reticencias a modernizar los métodos de trabajo del estudio, provocaron la marcha de muchos de aquellos talentos y terminaron forzando la destitución de Yokota en 1933. De poco sirvieron sus intentos postreros de liderar la sonorización de la industria japonesa.
Como parte de una profunda política de reestructuración, la compañía adoptó ese mismo año el sistema de grabación de sonido de Western Electric y se hizo con unas nuevas instalaciones en Tamagawa para producir películas contemporáneas, mientras su sede en Kyoto se disponía a alumbrar la primera edad de oro del cine de época gracias al nuevo ‘jidai-geki’ de Sadao Yamanaka y Hiroshi Inagaki, entre otros. Nada hacía presagiar entonces que en poco menos de una década la gran Nikkatsu dejaría de existir. Al menos, de forma temporal.
En plena escalada de militarización, el gobierno Shôwa promovió la reconversión de la industria cinematográfica para servir a sus intereses propagandistas y ordenó la unificación de las diez mayores productoras del país en dos grandes bloques. Los recelos entre directivos y el comienzo de la guerra bloquearon la cuestión hasta que Masaichi Nagata, antiguo jefe de producción de Nikkatsu y responsable de Shinkô Kinema, sugirió crear tres compañías en lugar de dos: una formada por Shôchiku y Koa; otra con Tôhô, Otaguro, Tokyo Hassei, Nan-o y Takarazuka; y una última en la que se integrarían Nikkatsu, Daitô Eiga y la propia Shinkô. La propuesta fue aceptada y en 1942 la antaño todopoderosa ‘major’ acabó disolviéndose a la fuerza dentro de la nueva Daiei. Fue un golpe duro, pero no mortal. Como compensación, a Nikkatsu se le permitió conservar sus derechos de explotación de las salas, y tras el fin de la II Guerra Mundial pudo independizarse de nuevo gracias a los beneficios que le reportaron la distribución y exhibición de películas hollywoodienses durante la Ocupación, reanudando su actividad en 1954 con la oposición en bloque de sus principales adversarias.
Paradójicamente, esta segunda etapa devino en muchos aspectos menos ‘convencional’ que la primera. Ante la imposibilidad de contratar a cineastas consagrados por causa del ‘gôsha kyôtei’ [el «pacto de las cinco compañías» suscrito por Shôchiku, Tôhô, Shintôhô, Daiei y Tôei para impedir el trasvase de profesionales a Nikkatsu], el nuevo presidente, Kyûsaku Hori, tuvo que confiar el futuro de la empresa a realizadores noveles como Kô Nakahira y Shôhei Imamura, más interesados en retratar la convulsa realidad de su tiempo que en dar continuidad a las viejas rutinas del teatro o el cine clásicos. El resultado fue un cine ‘mainstream’ destinado principalmente al público juvenil, lo cual permitía asumir ciertas dosis de irreverencia y hasta de experimentación dentro de la propia industria.
Con Yujirō Ishihara como nueva estrella en alza, Nikkatsu regresó a la senda del éxito con su serie de películas ‘taiyôzoku’ [literalmente, la ‘tribu del sol’] protagonizadas por jóvenes nihilistas de clase alta abiertamente hostiles a la moralidad y los modos de vida tradicionales. Aquellas historias pretendían mostrar el desencanto del Japón post-ocupado a través del desarraigo de las nuevas generaciones y su deseo indiscriminado por todo lo nuevo. Pero Nikkatsu quiso explotar al máximo su rentable combinación de erotismo, violencia y masculinidad desafiante, y acabó empujando su producción hacia la formalización del ‘mukokuseki akushon’ o ‘borderless action’: una extraña forma de cine transcultural llevada al paroxismo por Seijun Suzuki, que se convertiría en sello de identidad de la compañía hasta comienzos de los años 70.
Aquella nueva era de prosperidad, sin embargo, no duraría demasiado. La caída de ingresos que siguió a la implantación masiva de la televisión en los hogares japoneses durante la década de los 60 abocó a toda la industria cinematográfica nipona a su desaparición. Shintôhô cerró sus puertas en 1961 y Daiei se declaró en bancarrota diez años más tarde. Nikkatsu, por su parte, trató de mantenerse a flote abrazando los contenidos para adultos. Entre 1971 y 1988 dedicó sus recursos casi en exclusiva a la elaboración de películas eróticas ‘roman poruno’, llegando a rodar más de 700 títulos antes de que la competencia de la pornografía en vídeo obligase a buscar nuevas vías de negocio en la televisión. Pero ya era demasiado tarde. Para entonces, el nombre de Nikkatsu no era más que un leve recuerdo del pasado. Un triste vestigio de los años de esplendor y catástrofe del sistema de estudios.
Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su cartel español, del debut tras las cámaras del dúo formado por los franceses Jeanne Aslan y Paul Saintillan Un verano con Fifí. La cinta, que se alzó con el Premio a Mejor Película New Directors en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (crítica aquí), llegará a la salas de cine de nuestro país de la mano de SIDERAL CINEMA el próximo 25 de agosto.
Un verano con Fifí nos sitúa en Nancy, este de Francia durante el verano. Tratando de escapar de su problemático entorno familiar, Sophie, una chica de 15 años, aprovecha la oportunidad de hacerse con un juego de llaves de la casa de su adinerada amiga Jade. Mientras disfruta de la amplia vivienda, que creía vacía durante el verano, se topa con el hermano mayor de su amiga, Stéphane, quien, por azares del destino, también estaba planeando quedarse. Pero, en lugar de echarla, Stéphane decidirá dejar la puerta abierta invitando a Sophie a un verano inesperado.
La película, con guion a cargo de los propios Jeanne Aslan y Paul Saintillan junto a Agnès Feuvre, está protagonizada por Céleste Brunnquell, Quentin Dolmaire, Chloé Mons, Megan Northam, François Négret, Anthony Sonigo, Ilan Schermann, Romane Bertrand, Shirel Nataf y Igor Kovalsky.
La amplia retrospectiva que la plataforma dedica al miembro más ilustre del Nuevo Cine Alemán incluye 19 largometrajes, dos series y dos cortos.
Filmin añadirá a su catálogo el próximo lunes 24 de julio 23 producciones dirigidas por Rainer Werner Fassbinder, en la que constituye la mayor colección de títulos del director alemán disponible en plataformas digitales en España. El ciclo consta de 19 largometrajes, dos series de televisión y dos cortometrajes, y se inscribe en el marco del Atlàntida Mallorca Film Fest. El festival de cine de Filmin, que el año pasado dedicó su retrospectiva al ucraniano Sergei Loznitsa, ha decidido en esta ocasión recuperar las películas más significativas del que está considerado como el mayor exponente del Nuevo Cine Alemán, corriente cinematográfica que imperó en el país germano entre los años 60 y 80 y que reúne a otros cineastas como Volker Schlöndorff, Werner Herzog o Wim Wenders. Las películas de Fassbinder permanecerán en Filmin una vez finalizado el Atlàntida Mallorca Film Fest.
Tras una primera etapa dedicada al teatro (en la que dirigió obras que posteriormente llevaría al cine como «Katzelmacher» o «Las amargas lágrimas de Petra von Kant») y unos primeros pasos en el séptimo arte de corte más experimental e influenciados por la Nouvelle Vague, el cine de Fassbinder vivió una revolución tras descubrir la obra de Douglas Sirk, al que incluso fue a conocer personalmente a Lugano (Suiza). Llegarían entonces sus «melodramas distanciados», una mezcla entre el melodrama clásico hollywoodiense y los preceptos del dramaturgo Bertold Brecht, películas analíticas, intelectualizadas y que rehuían la identificación del espectador con los personajes.
Fassbinder, que falleció en 1982 a los 37 años, tuvo tiempo de dirigir más de 40 obras en apenas 15 años, y se convirtió en uno de los mejores retratistas de su Alemania natal: su historia, su sociedad, su cultura, su geografía, y el malestar del tiempo en el que él vivió. No en vano, se ganó el apodo de «Balzac del cine alemán» gracias a una mirada amplia que le permitió retratar todas las clases sociales. Sus estrechas relaciones con los directores de fotografía Michael Ballhau y Xaver Scharzemberger son clave para entender la sofisticación de su puesta en escena, y su relación con actrices como Hanna Schygulla, Margit Carstensen, Ingrid Caven o Irm Hermann explican su vinculación a un llamado «cine de mujeres» (retratos de personajes femeninos fuertes y complejos) que junto a su mirada queer le han llevado a ser relacionado en muchas ocasiones con Pedro Almodóvar.
Títulos que integran el ciclo:
El pequeño caos (Corto, 1966) ● El vagabundo (Corto, 1966) ● El amor es más frío que la muerte (1969) ● Katzelmacher (1969) ● El soldado americano (1970) ● Dioses de la peste (1970) ● ¿Por qué le da el ataque de locura al Sr. R.? (1970) ● El mercader de las cuatro estaciones (1971) ● Atención a esa prostituta tan querida (1971) ● Las amargas lágrimas de Petra Von Kant (1972) ● 8 horas no hacen un día (serie TV, 1972) ● El mundo conectado (serie TV, 1973) ● Todos nos llamamos Alí (1974) ● Effi Briest (1974) ● La ley del más fuerte (1975) ● El viaje a la felicidad de mamá Küster (1975) ● El asado de Satán (1976) ● La ruleta china (1976) ● Un año con trece lunas (1978) ● El matrimonio de Maria Braun (1979) ● La tercera generación (1979) ● Lola (1981) ● La ansiedad de Veronika Voss (1982)
Tres años después de su notable Le sel des larmes (2020) el veterano realizador francés Philippe Garrel vuelve a ponerse detrás de las cámaras con Le grand chariot, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que tuvo su premiere mundial en el pasado Festival de Berlín, tiene previsto su estreno comercial en Francia para el próximo 13 de septiembre.
En Le grand chariot vemos como tres hermanos forman la última generación de una familia de titiriteros dirigida con pasión por su padre. Son una especie de magos, pero apenas pueden llegar a fin de mes, trabajando principalmente por amor a su oficio. Su abuela también contribuye, no solo como costurera sino también como depositaria de recuerdos y sabiduría. Un evento trágico pondrá a prueba el deseo de cada hermano de continuar con el legado.
La película, con guion a cargo del propio Philippe Garrel junto a Jean-Claude Carrière, Caroline Deruas-Garrel y Arlette Langmann está protagonizada por Louis Garrel, Damien Mongin, Esther Garrel, Lena Garrel, Francine Bergé, Aurélien Recoing, Asma Messaoudene y Mathilde Weil.
Víctor Erice (España)
El realizador de ‘The Theory of Everything’ dirige a Gabriel Byrne y Sandrine Bonnaire en esta película sobre todas las vidas del escritor Samuel Beckett
The McPherson Tape
O-Bi O-Ba. The End of Civilization
Los leprosos y el sexo
La última Señora Anderson
