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La actriz española, ganadora de un Oscar y tres Goyas, protagoniza el cartel oficial del Festival. Penélope Cruz recibirá un Premio Donostia en la 67 edición del Festival de San Sebastián. La actriz española será protagonista por partida doble: además de recibir el galardón honorífico más importante del Festival, que desde 1986 reconoce la trayectoria y aportación de grandes figuras del mundo del cine, será la imagen del cartel oficial de la próxima edición.

Penélope Cruz (Madrid, 1974) es la actriz española de mayor reconocimiento internacional: ha recibido un Oscar y un Bafta por su papel como mejor actriz de reparto por Vicky, Cristina Barcelona (Woody Allen, Zabaltegi-Perlas 2008); tres premios Goya por sus trabajos en La niña de tus ojos (Fernando Trueba, 1998), Volver (Pedro Almodóvar, Gran Premio Fipresci 2005) y Vicky Cristina Barcelona; el premio colectivo a la mejor interpretación femenina en el Festival de Cannes (Volver), el César honorífico y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2018), entre otros muchos galardones.

Cruz, que trabaja en castellano, inglés, italiano y francés, ha protagonizado películas como Belle Époque (Fernando Trueba, 1992, Oscar a la mejor película en lengua no inglesa), Jamón, jamón (Bigas Luna, 1992), Abre los ojos (Alejandro Aménabar, 1997), La niña de tus ojos (Fernando Trueba, 1998), Todo sobre mi madre (Pedro Almodóvar, 1999, Oscar a la mejor película en lengua no inglesa), Sin noticias de Dios (Agustín Díaz Yanes, 2001), Vanilla Sky (Cameron Crowe, 2001), Elegy (Isabel Coixet, 2008), Nine (Rob Marshall, 2009),  Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides (Piratas del Caribe: en mareas misteriosas, Rob Marshall, 2011), To Rome With Love (A Roma con amor, Woody Allen, 2013), Ma ma (Julio Medem, 2015), Todos lo saben (Asghar Farhadi, 2018), Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019) y Wasp Network, dirigida por Olivier Assayas, que todavía no se ha estrenado. También está anunciada su participación en dos producciones internacionales: 355, de Simon Kinberg, y Love Child, de Todd Solondz.

En San Sebastián ha competido en tres ocasiones en la Sección Oficial del Festival: con Todo es mentira (Álvaro Fernández Armero, 1994), Volavérunt (Bigas Luna, 1999) y Venuto al mondo (Volver a nacer, Sergio Castellito, 2012). Visitó por última vez San Sebastián para presentar Loving Pablo (2017) junto a Javier Bardem en la clausura de la sección Perlak, en una multitudinaria proyección en el Velódromo.

 «Estamos encantados de que Penélope Cruz, una maravillosa actriz a la que admiramos y cuyos pasos, además, hemos seguido desde el principio de su carrera, haya aceptado ser la imagen del Festival de San Sebastián y recibir el Premio Donostia»

José Luis Rebordinos, director del Festival de San Sebastián.

Penélope Cruz es la quinta intérprete española que ha recibido el premio honorífico más importante del Festival, tras Fernando Fernán Gómez (1999), Paco Rabal (2001), Antonio Banderas (2008) y Carmen Maura (2013).

«Recibo la noticia de este Premio Donostia llena de emoción y agradecimiento al Festival de San Sebastián por concederme este inmenso honor. San Sebastián no solo es un Festival internacionalmente respetado sino que es el más importante de nuestro país y un lugar al que tengo un cariño muy especial ya que he tenido el placer de visitarlo desde muy joven y vivir momentos muy emocionantes allí. Muchísimas gracias, de corazón»

Penélope Cruz

El Festival comenzó en 2018 una nueva línea de carteles, cuya composición aúna fotografía e ilustración y está presidida por una figura de la cinematografía contemporánea. Isabelle Huppert inauguró la serie el año pasado y en la 67 edición estará protagonizado por Penélope Cruz. El cartel oficial ha sido elaborado por el estudio TGA a partir de una fotografía realizada por el fotógrafo Nico Bustos.

En su recorrido de quince años, la fusión de funcionalidad y estética y el característico lenguaje visual del estudio donostiarra TGA han dado forma a la identidad de Donostia Kultura, Fundación Kutxa, Elías Querejeta Zine Eskola o Aquarium. Entre los carteles del estudio, liderado por Nagore García Pascual, Julen Cano Linazasoro y Txema García Amiano, figuran el del 75 aniversario de la Quincena Musical, la competición de remo Bandera de La Concha 2017, el montaje escénico de Sueño de una noche de verano o el cambio de imagen en la pasada edición del Festival.

TGA también firma el resto de los carteles, correspondientes a las secciones New Directors, Horizontes Latinos, Zabaltegi-Tabakalera, Perlak, Nest Film Students, Culinary Zinema y a la retrospectiva dedicada a Roberto Gavaldón. Todos preservan la combinación de fotografía e ilustración.

El Festival crea Fantastic 7, junto con el Marché du Film de Cannes y uno de los creadores de Blood Window, con el fin de promover la industria del fantástico. El Festival de Sitges –conjuntamente con el Marché du Film del Festival de Cannes y el impulsor de Blood Window, Bernardo Bergeret– han creado Fantastic 7, un foro destinado a fomentar el talento dentro de la industria de género y favorecer su conexión con socios comerciales potenciales. Fantastic 7 celebrará su primera edición el próximo domingo 19 de mayo en el marco del Festival de Cine, apadrinada por el director J.A. Bayona, y tiene voluntad de continuidad en otros festivales internacionales.

Fantastic 7 nace con la voluntad de convertirse en un marco de diálogo entre creadores e inversores, con el fin de favorecer el desarrollo de proyectos y las oportunidades de negocio que se deriven. La iniciativa está impulsada por tres actores conocedores del circuito y la realidad del sector, como son el Mercado de Cannes (el principal del mundo), la experiencia de Bernardo Bergeret en Blood Window (plataforma de referencia en el género) y el Sitges – Festival Internacional de Cine Fantàstic de Catalunya (el número 1 de fantástico del mundo), que hace cuatro años presentó la competición de proyectos Sitges Pitchbox.

La iniciativa exhibe siete propuestas presentadas por siete festivales de todo el planeta, que tienen en el género fantástico uno de los rasgos de identidad a través de su programación. Además del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, los otros festivales que forman parte de la iniciativa son: el Festival Internacional de Cine Fantástico Bucheon, Festival Internacional de Cine del Cairo, el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (México), el Festival Internacional de Cine y Premios de Macao, el South by Southwest y el Festival Internacional de Cine de Toronto.

Fantastic 7 busca acercar diferentes proyectos en fase de ejecución o ya finalizados a inversores de todo el planeta, con el objetivo de favorecer su desarrollo. El proyecto también incorpora un espacio de estudio y análisis sobre tendencias en la industria del género fantástico, añadiendo un observatorio del sector.

El pitching de Cannes –que tendrá a J.A. Bayona como padrino– está integrado por los siguientes proyectos:

Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presenta:

Baby, de Joanma Bajo Ulloa

Festival Internacional de Cine Fantástico Bucheon presenta:

Superpower girl, de Soo-young Kim

Festival Internacional de Cine del Cairo presenta:

Al Hilo Al Azraa 2 (The Blue Elephant 2), de Marwan Hamed

Festival Internacional de Cine en Guadalajara presenta:

Evasión (Escape), de Cristian Jiménez

Festival Internacional de Cine y Premios de Macao presenta:

Wonderland, de Chao Kai Wang

South by Southwest presenta:

Haywire, de Mickey Keating

Festival Internacional de Cine de Toronto presenta:

Blood Quantum, de Jeff Barn abay

El mejor cine documental vuelve a citarse en la ciudad de Barcelona, será del 1 al 9 del próximo mes de junio teniendo como sedes la Antiga Fabrica Estrella Damm, los cines Girona y la Filmoteca de Cataluña. El Offside Fest que este año alcanza su sexta edición proyectara títulos como Bobby Robson: More Than a Manager, el documental definitivo sobre una de las figuras más carismáticas en la historia del futbol, Kaiser, la sorprendente historia de Carlos Raposo “Kaiser”, el no futbolista que sin saber jugar a futbol durante más de dos décadas milito en los clubes más importantes de Brasil, Football for Better or for Worse, imperdible retrato de FC Rosengard, uno de los mejores equipos de futbol femenino del mundo. Una programación que sumara un total de once largometrajes documentales de los que en breve se revelara todos los títulos.

En otro orden de cosas este año por primera vez el Offside Fest amplia registros e inicia una colaboración con la Filmoteca de Cataluña con la proyección con dos trabajos que en esta ocasión transitan a través de la ficción futbolística como son los clásicos Evasión o victoria y The Damned United.

El director de títulos como El terror llama a su puerta (1986) o Una pandilla alucinante (1987) recogerá el galardón honorífico en la gala inaugural del festival bilbaíno, el 3 de mayo, a partir de las 20:00 horas, en el Teatro Campos.

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, que organiza el Ayuntamiento de Bilbao y que celebrará del 2 al 11 de mayo su 25ª edición, entregará al guionista y director de cine estadounidense Fred Dekker su premio Estrella del FANTástico, un galardón honorífico que quiere reconocer su carrera dentro del género fantástico, y en particular, su aportación al terror teen de los años 80. El realizador recogerá el premio, en la gala inaugural del festival, que tendrá lugar el 3 de mayo, a partir de las 20:00 horas, en el Teatro Campos.

Fred Dekker nació y se crio en el área de la bahía de San Francisco, donde comenzó a rodar películas de 8 mm a la edad de 12 años. Después de graduarse en UCLA, comenzó su carrera con la historia para la popular comedia de terror “House, una casa alucinante” (1986) que generó tres secuelas. Escribió y dirigió su primer largometraje, “El terror llama a su puerta” (1986), y continuó con su afectuoso homenaje a las películas de monstruos de la Universal que le encantaban cuando era niño con: “Una pandilla alucinante” (1987; coescrito con Shane Black).

En 1991, escribió el guión original para el thriller “Ricochet”, protagonizado por Denzel Washington, y la comedia de acción “Agente juvenil” con Richard Grieco. Fred escribió y dirigió varios episodios de “Historias de la cripta” de HBO (1989-1996) y también dirigió “RoboCop 3” (1993), coescrito con la leyenda del cómic Frank Miller. Fue consultor de producción en la serie de televisión “Star Trek: Enterprise” en 2001, y coescribió “Predator” (2018), dirigida por Shane Black.

El trabajo de Fred Dekker ha sido reconocido por la Sociedad del Conde Drácula, los Premios Saturno, los Premios Rondo y el Festival Internacional de Cine de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror de Bruselas. En 2016, fue el primer receptor del premio “Groovy As Hell” del Festival de cine Bruce Campbell, que toma la forma de una motosierra sangrienta.

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT entregó el pasado año su galardón Estrella del FANTástico, al realizador estadounidense Joe Dante (1946, Morristown, Nueva Jersey) director de títulos como “Gremlins” o “El chip prodigioso”. En 2017, recibió este premio la actriz estadounidense, Barbara Crampton. FANT 25 entregará este año una segunda Estrella del FANTástico a J. A. Bayona, que recogerá el galardón en la gala de clausura del festival.

A poco menos de dos semanas para que dé comienzo una nueva edición del D’A Film Festival Barcelona (25 abril – 5 mayo) y a modo de previa  recuperamos  en un primer artículo las reseñas de algunas de las películas vistas en la pasada edición del Festival de San Sebastián que estarán presentes en el que se ha convertido en una de las citas imprescindible del año a la hora de poder testear lo más importante que nos ha dado este curso en referencia al cine independiente y de autor. Como cada año Fantasicine estará presente en un certamen de cual una vez finalizado publicaremos un amplio repaso a modo de crónicas con todo lo mas destacable que ha dado de sí.

 Asako I & II

Asako es una joven de 21 años que vive en Osaka. Se enamora de Baku, que es un espíritu libre, pero éste desaparece de repente. Dos años más tarde, Asako vive en Tokio y conoce a Ryohei, que se parece extraordinariamente a Baku, aunque tiene una personalidad totalmente diferente. Asako acaba enamorándose de Ryohei.

Igual que en la sección oficial otra historia romántica fue la encargada este año de inaugurar Perlas, Asako I & II el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador nipón Ryusuke Hamaguchi deviene como un paso atrás en relación a su anterior y notable Happy Hour, posiblemente en esta ocasión las expectativas estaban demasiado altas, Hamaguchi vuelve a mirar sin disimulo a la cultura de la actual juventud japonesa a través del trazo sentimental, lástima que este en teoría atractivo enunciado no acabe de estar en su desarrollo a la altura de todo lo que en un principio parecía prometer.

Es indudable la buena mano y sutileza de Ryusuke Hamaguchi en los detalles, Asako I & II basada en la novela de Tomoka Shibasaki es una película que transita a través de un pensamiento dual, la de su protagonista interpretada con una desmedida alienación por parte de Erika Karata, una dicotomía del pensamiento sentimental que sin embargo y como indico más arriba no logra ir mucho más allá de lo que es su planteamiento inicial, posiblemente el gran lastre del film lo encontremos en la negativa de su autor a la hora de abandonar unas ciertas claves en apariencia manidas dentro del melodrama al uso, esto ocasiona que por momentos lo que en un principio puede parecer ciertamente atractivo en relación a ese juego de identidades dobles y dualidades termine derivando de forma algo peligrosa en el terreno del culebrón con todo lo que conlleva dicha catalogación, con todo Ryusuke Hamaguchi es de esos autores que saca petróleo ante la falta de recursos, seguramente en futuros trabajos haga gala de ello pues el talento suele ser inherente aunque en esta fallida Asako I & II cueste algo el poder visualizarlo.

Valoración 0/5: 2

Coincoin et les z’inhumains

Coincoin et les z’inhumains nos muestra como Quinquin es ahora adulto y se hace llamar CoinCoin. Deambula por la Costa de Ópalo y asiste a reuniones del Partido Nacionalista con Fatso, su amigo de la infancia. Su antiguo amor, Eve, lo ha abandonado por Corinne. Cuando cerca del pueblo encuentran un magma extraño, de repente los habitantes comienzan a comportarse de una manera muy rara. Nuestros dos héroes, el capitán Van Der Weyden y su leal ayudante Carpentier, investigan dichos ataques alienígenas. La invasión extra-humana ha comenzado.

Uno de los platos fuertes este año de esa sección tan en alza en estos últimos años como es Zabaltegi-Tabakalera fue la nueva creación televisiva a cargo de Bruno Dumont titulada Coincoin et les z´inhumains, miniserie de cuatro episodios con una duración total de 200 minutos que viene a ser una secuela cuatro años después de su anterior y aclamada P´tit Quinquin, en este nuevo trabajo tras las cámaras el realizador francés vuelve a incidir en la comedia, aunque claro, tratándose de un autor de las características de Dumont este como tal se podría denominar ya de por si como un género en sí mismo.

Coincoin et les z’inhumains como en casi toda la filmografía del director galo (en especial sus últimos trabajos) apuesta por una deriva formal llevada hasta las últimas consecuencias, no se trata de elevar el slapstick y los gags al absurdo de lo que es en teoría más allá de su cometido, tampoco un servidor es de los que piensan que esa alegoría social de trasfondo expuesta en medio de tanta locura sea el mensaje y la función primigenia del film, lo que nuevamente Bruno Dumont  intenta es llevar al espectador hasta el límite, para ello las interpretaciones de ese dúo de policías formado por Bernard Pruvost y Philippe Jore resulta clave ante tal ecuación. De alguna manera Coincoin et les z’inhumains no deja de ser una excéntrica vacuna contra el mal actual que nos rodea en nuestro día a día, problemas tales como pueden ser la inmigración o el auge de la extrema derecha, deformidades de la actual sociedad tratadas en esta ocasión por un Bruno Dumont que toma distancia narrativamente de tales consonancias argumentales para revertir en parte sobre ellas claves habituales del género fantástico, referencias de las que se nutre principalmente en su discurso con el fin de hablar entre otras cosas del miedo al diferente o los prejuicios hacia lo que no consideramos como propio, todo ello expuesto en un escenario en donde caben desde el Apocalipsis hasta el doppelgänger o incluso el subgénero zombie, el número musical final en donde se aglutina todo estos temarios anteriormente expuestos no deja de ser una honesta declaración de intenciones por parte de Bruno Dumont hacia el espectador, en el vemos una de las miradas y discursos más libres, personales y por ende valientes que podemos encontrar en el actual panorama cinematográfico europeo.

Valoración 0/5: 4

Cómprame un revólver

En un Mexico atemporal una niña se viste de una manera extraña para ocultar su género, usa una máscara de Hulk y ayuda a su atormentado padre a cuidar un campo de béisbol abandonado donde juegan traficantes de drogas.

Presentada en la sección Horizontes Latinos la nueva película de Julio Hernández Cordón Cómprame un revólver vino a constatar cómo según qué tipo de cine proveniente de Latinoamérica intenta alejarse, con mayor o menor fortuna, de ese hiperrealismo social tan característico visto en estos últimos años, el responsable de Te prometo anarquía nos introduce en una por momentos estimable fábula futurista que nos pone sobre aviso de lo que nos puede acechar en un futuro que vistas sus imágenes se antoja como no muy lejano.

En Cómprame un revólver, que en prácticamente todo momento da la impresión de querer alejarse de los tópicos más manidos del género, detectamos al poco tiempo que los simbolismos narrativos utilizados por parte de Julio Hernández Cordón a la hora de describirnos una utopía futurista con algún que otro retazo de ciencia ficción distan mucho de ser meramente imaginarios a nuestra realidad, de algún manera fricciona un presente en base a un efecto que pretende ser disuasivo, a través de ellos percibimos o logramos intuir una realidad que de alguna manera nos es latente, un México dominado por los narcos y que está perdiendo un número considerable de habitantes a causa de la continua desaparición de las mujeres, estas como bien preciado y dada sus escases son objeto de búsqueda y codicia, un padre intenta hacer pasar a su pequeña hija por varón ante el peligro que supone que descubran su auténtica condición, será a través de ella en donde atisbemos dos mundos bien diferenciados en el relato, el adulto como un fiel reflejo de la destrucción o desazonada radiografía del presente y el infantil, de un tono mucho más contemplativo y por ende derivativo en lo referente a su condición genérica, expuesto a modo de fábula que intenta reinventar nuevos códigos de supervivencia a la hora de asegurarse una existencia que en la actualidad del relato deviene como ciertamente complicada. A su particular manera y lejos de convencionalismos al uso Cómprame un revólver guiada a través de la supuesta lógica de sus desoladoras pesadillas nos viene a contar la historia de un debacle que esperemos no se llegue a materializar.

Valoración 0/5: 2’5

L’homme fidèle

Marianne abandona a Abel por Paul, su mejor amigo y padre del hijo que espera. Ocho años después, Paul fallece. Abel y Marianne vuelven a estar juntos, lo que provoca los celos tanto del hijo de Marianne, Joseph, como de la hermana de Paul, Eva, secretamente enamorada de Abel desde su infancia.

Una de las primeras películas a tener en cuenta este año dentro dela sección oficial a competición fue el nuevo trabajo tras las cámaras del francés Louis Garrel con L’homme fidèle, un por momentos bríllate y ameno estudio acerca de los roles de pareja actuales dentro de las relaciones amorosas a través de un triángulo en donde se nos expone como la atracción y posterior compromiso pueden erosionar e incluso desvirtuar cualquier tipo de relación sentimental.

En esta continua historia de amor y desamor que es L’homme fidèle con guion del indispensable Jean-Claude Carrière somos testigos de cómo el personaje masculino interpretado por el propio Louis Garrel es constantemente utilizado en mayor o menor medida por parte de los designios de los dos personajes femeninos con los que interactúa, Laetitia Casta y Lily-Rose Depp, de alguna manera dicho personaje se encuentra muy a pesar suyo ante un continuo enfrentamiento ante unos nuevos códigos de comportamiento que desconoce por completo y que no llega a comprender a la perfección en ningún momento de la trama pues siempre da la impresión de ir varios pasos por detrás de sus amantes ocasionales, una argumentación en apariencia compleja que es resuelta a partir de una sencilla compresión narrativa. Posiblemente una de las mayores virtudes que atesora el film se encuentre en ver como en su desarrollo se va jugando de forma no caprichosa con los géneros adyacentes a la acción argumental, comedia, un surrealismo que termina derivando en un juguetón cine negro y ligeros trazos de dramatismo son algunos puntos de ingenio elaborados con cierta espontaneidad e incluso solvencia, las constantes voces en off aparte de aligerar y clarificar la narrativa actúan como referente casi  bressonianos en una acción que termina siendo tan fluida en su desarrollo como poco trascendente una vez finiquitada.

Valoración 0/5: 3

Sophia Antipolis

Sophia Antipolis es un parque tecnológico en la Riviera francesa, un lugar donde los sueños deberían hacerse realidad. Pero el miedo y la desesperación acechan bajo la superficie. Bajo un sol engañoso, cinco vidas trazan la inquietante historia de una mujer joven: Sophia.

Dentro de ese interesante cajón de sastre temático que es la cada vez más importante sección Zabaltegi Tabakalera tuvo lugar la presentación de Sophia Antipolis, segunda película de Virgil Vernier tras su notable Mercuriales, este su nuevo trabajo tras las cámaras resulto ser uno de los films más complejos y fascinantes vistos este año en San Sebastián, en el somos testigos de un relato de connotaciones  nada halagüeñas con respecto a nuestro propio presente, una historia que sirve a modo de perfecta cartografía, por momentos formulada de manera algo criptica, acerca del actual estados de las cosas mediante personajes y situaciones corales en parte expuestas de una manera circular, estos terminan confluyendo a través de un misterioso caso de una joven mujer que fue quemada viva, dicho asesinato tuvo lugar en un epicentro territorial denominado Sophia Antipolis, un parque tecnológico que deviene tan fantasmal como los individuos que transitan a través de él, de alguna manera es una ciudad que parece no está hecha para la cotidianidad de las personas, a través de la falta de ella asistimos al devenir de un variopinto grupo de personajes nos son presentados a modo de hiperrealismo en una utopía pretérita que nunca llego a materializarse dando la impresión de estar ante una película de residuos, por el contrario hoy dicha ubicación deviene con un artilugio de la insatisfacción y origen del mal en nuestro presente, en este aspecto y como película de fantasmas Sophia Antipolis se queda en algún punto intermedio entre el A Ghost Story de David Lowery y el 71 fragmentos de una cronología del azar de Michael Haneke , evidentemente entre estas películas existe un abismo muy considerable en lo referido a su narrativa no así en lo concerniente a unas coordenadas geográficas que evoca diferentes ecos imaginarios ubicados entre la fantasía y la realidad. Dicho escenario termina siendo un símbolo del vacío contemporáneo, los múltiples simbolismos a modo de crónica testimonial que terminamos interpretando en esta sugerente Sophia Antipolis nos indican lo perdido que parece encontrarse la sociedad confirmando a Virgil Vernier como uno de los talentos más prometedores surgidos del país vecino en estos últimos años.

Valoración 0/5: 3

La Sección Oficial del festival incluirá este verano la esperada película tailandesa Homestay (Parkpoom Wongpoom, 2018), nueva película de los responsables de Bad Genius, que en la última edición del Nits se llevó los premios del público y de la crítica. Y de Tailandia llegará también uno de los títulos de culto del año, The Pool (Ping Lumpraploeng, 2018), una intriga hitchcockiana rodada en un único escenario: una piscina sin agua.

El festival tendrá también mucha representación de China y Hong Kong, con la habitual combinación de blockbusters y películas independientes. Por ejemplo, destaca una de las cintas de acción de la temporada, Golden Job (Chin Ka-lok, 2018), que supone el retorno de los actores de la saga cantonesa Young and Dangerous, ahora menos jóvenes pero aún más peligrosos. Ambos filmes forman parte de la Sección Movistar+ del festival Nits.

Japón desembarcará en el Festival Nits con anime, tokusatsu, acción extrema, erotismo y alguna comedia delicada. Queremos destacar la programación de Red Blade (Takahiro Ishihara, 2018), escrita por el maestro Sion Sono y con coreografías de acción de Tak Sakaguchi. Todo un must-see para los aficionados al cine más gamberro.

La India, un clásico del festival, nos sorprenderá con Andhadhun (Sriram Raghavan, 2018) un ingenioso thriller de equívocos dirigido por el autor de Badlapur (proyectada en la 13a edición del Festival Nits). Andhadhun ha ganado 5 premios en los Filmfare Awards (los Òscars indios), entre los cuales el premio de la crítica, el premio al mejor guion y el premio al mejor actor protagonista.

Y de India a Nepal. El Festival Nits presentará la producción nepalí The Man from Katmandú (Pema Dhondup, 2019), que ha contado con un equipo de especialistas españoles, capitaneados por Dani Medina, coreógrafo, por ejemplo, de las escenas de acción del último Terminator, rodado en las Islas Canárias. Esta presentación se enmarca dentro de una de las iniciativas del certamen en los últimos años, la Ruta Marco Polo, dedicada a participar desde la producción y difusión de filmes occidentales con componentes asiáticos hasta la implicación en proyectos de intercambio con festivales y estudios asiáticos.

Por otra parte el Festival Nits dedicará la retrospectiva de su 16a edición (15-21 de juliol) al cine de acción tailandés. Este ciclo se iniciará con Chocolate (Prachya Pinkaew, 2008), un clásico contemporáneo del cine de acción, que se podrá ver en la sesión inaugural de la Bassa (martes 16 de julio, 22h.) dedicada a Tailandia.

En línea con este homenaje a la cinematografía tailandesa de artes marciales, la imagen de esta edición es un Chang (elefante en tailandés), ejecutando un movimiento de Muay Thai.

A partir de un dibujo del ilustrador Xavier Domínguez, el estudio creativo Partee ha diseñado el cartel, reproduciendo la figura del elefante con un delicado trabajo de paper cut. Han utilizado los colores de la bandera tailandesa y el imaginario característico de esta arte marcial tailandesa.

Mike Leigh, Rupert Everett, Jeremy Irons, Agustí Villaronga, Manuel Huerga, Remi Bezançon, Alexis Michalik y Agustina Macri son algunos de los invitados que visitarán Barcelona en la 3ª edición del festival. Se podrán ver las últimas películas de los hermanos Coen, Agnès Varda, Jonah Hill, Ralph Fiennes y Mark Cousins.

El Festival Internacional de Cinema de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), que celebrará su tercera edición entre el 22 y el 30 de abril, programará un total de 59 películas en sus distintas secciones, lo que supone un incremento del 59% respecto al año anterior. El BCN FILM FEST, fiel al espíritu cultural de Sant Jordi, vuelve a ofrecer películas que giran en torno el eje temático Cine-Literatura-Historia, centradas sobre todo en grandes personalidades y eventos históricos de relevancia.

La inauguración del BCN FILM FEST irá a cargo de la cinta LITUS, del catalán Dani de la Orden, que presentará un año más su nuevo trabajo al público del festival. LITUS es una comedia dramática con un reparto de auténtico lujo protagonizada por Quim Gutiérrez («Primos», «La gran familia española»), Belén Cuesta («La llamada», «Ocho apellidos catalanes»), Adrián Lastra («Toc toc», sèrie «Velvet Colección»), Álex García («Gente que viene y bah», «Kiki, el amor se hace»), Miquel Fernández («Durante la tormenta», «El Guardián Invisible») y Marta Nieto (series «Vis a vis», «El ministerio del tiempo»).

LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS («The Ballad of Buster Scruggs»), la particular y aclamada aproximación al universo del  western de los hermanos Coen, se podrá ver por primera vez en cine en nuestro país en la sesión de clausura.

VISITAS DE LA SECCIÓN OFICIAL

El británico Mike Leigh, ganador del Premio a Mejor Director en el Festival de Cannes por “Secretos y Mentiras” y responsable de películas como “El secreto de Vera Drake» o «Mr. Turner”, visitará el BCN FILM FEST para presentar LA TRAGEDIA DE PETERLOO (“Peterloo”), una reconstrucción de la violenta represión policial vivida en Manchester el 19 de agosto de 1819. También viajará a Barcelona el protagonista de «La boda de mi mejor amigo» Rupert Everett, que debuta como director con LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE OSCAR WILDE (“The Happy Prince”), un biopic en el que también interpreta al escritor Oscar Wilde en el final de su vida en Francia, donde intenta recuperar la gloria de los buenos momentos.

Agustí Villaronga visitará el BCN FILM FEST con su nuevo trabajo, NACIDO REY, una superproducción histórica rodada entre Arabia Saudí y el Reino Unido. También estarán en Barcelona 5 directores para presentar su opera prima: Agustina Macri, que debuta como directora con SOLEDAD, la vida de un icono del movimiento anarquista italiano; el joven dramaturgo Alexis Michalik con CARTAS A ROXANE (“Edmond”), que recrea la gestación y escritura de Cyrano de Bergerac; Salvador Simó, que presentará la película de animación BUÑUEL EN EL LABERINTO DE LAS TORTUGAS, sobre el rodaje de la mítica película de Luis Buñuel, Las Hurdes, tierra sin pan; Laura Jou, que adapta en LA VIDA SENSE LA SARA AMAT la conocida novela de Pep Puig; y Víctor Cabaco, que junto a la actriz Ruth Díaz presentará VITORIA 3 DE MARZO, una producción sobre los hechos históricos de la masacre del 3 de marzo de 1976 en Vitoria, que inspiraron la canción de Lluís Llach Campanades a mort.

NACIDO REY

La sección oficial la completan: EL BAILARÍN (Ralph Fiennes), EL EMPERADOR DE PARÍS (Jean-François Richet), EL SECRETO DE LAS ABEJAS (Annabel Jankel), HOTEL MUMBAI (Anthony Maras), LA MIRADA DE ORSON WELLES (Mark Cousins), VIENTO DE LIBERTAD (Michael Herbig), UNE INTIME CONVICTION (Antoine Raimbault), SIR (Rohena Gera), BRECHT (Heinrich Breloer), y ROJO (Benjamín Naishat).

LA COMEDIA Y EL ARTE, TAMBIÉN PROTAGONISTAS

Dentro de la sección “Cinema amb Gràcia”, el BCN FILM FEST ofrecerá una selección de comedias con títulos como COMO UN PEZ FUERA DEL AGUA (“Come un gatto in tangenziale”), la comedia triunfadora de la taquilla italiana, con 2 millones de espectadores; DE LA INDIA A PARÍS EN UN ARMARIO DE IKEA (“The Extraordinary Journey of the Fakir”), la adaptación del best seller de Romain Puértolas “El increíble viaje del faquir que se quedó atrapado en un armario de Ikea”, y que visitará el festival; LOLA Y SUS HERMANOS (“Lola et ses frères”), dirigida y protagonizada por Jean Paul Rouve; LA BIBLIOTECA DE LOS LIBROS RECHAZADOS (“Le mystère Henri Pick”), intriga y comedia en una adaptación de la novela homónima de éxito de David Foenkinos y dirigida por el francés Remi Bezançon, que presentará el film en el festival; y DULCINEA, comedia de elementos fantásticos y románticos del joven David Hebrero, que también viajará a Barcelona con su òpera prima.

LOLA Y SUS HERMANOS

En cuanto a la sección “Arte en el Cine”, Jeremy Irons visitará el BCN FILM FEST para presentar el documental PINTORES Y REYES DEL PRADO, en el que el británico conduce un  viaje espectacular por la historia a través de las obres de arte del Museo del Prado. El italiano Francesco Invernizzi estará también en Barcelona para presentar LEONARDO, V CENTENARIO, un análisis de las implicaciones modernas del legado artístico de Leonardo Da Vinci.  Phil Grabsky visitará el festival con EL JOVEN PICASSO, un documental imprescindible para entender como Picasso se convirtió en uno de los artistas más importantes del siglo XX, y completará esta sección KLIMT & SCHIELE. EROS Y PSYCHE, la obra, las obsesiones y los sueños de los artistas más importantes de la Viena de las primeras décadas del siglo XX.

REUNIÓN DE TALENTO POR LOS 25 AÑOS DE LA ESCAC

La ESCAC celebrará sus 25 años en el BCN FILM FEST y lo hará reuniendo algunos de sus alumnos más conocidos- J.A. Bayona, Kike Maíllo, Javier Ruiz Caldera, Àlex Pastor, Mar Coll y Patrícia Font-, que formarán parte de una jornada en la que se proyectarán sus cortometrajes finales de la ESCAC. También se podrá ver LA FILLA D’ALGÚ, proyecto coral de 11 directores de la ESCAC protagonizado por Aina Clotet.

En la “Zona Oberta” también visitarán el festival Manuel Huerga, que presentará su documental BARCELONA, LA ROSA DE FOC; Neus Ballús, Sergi López y Elena Andrada presentarán STAFF ONLY; y Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peñay Benito Zambrano viajarán a Barcelona para presentar las primeras imágenes de sus nuevos proyectos, MADRE e INTEMPERIE, respectivamente. También se podrá ver EN LOS 90 («Mid 90s»), debut como director de Jonah Hill; VARDA BY AGNÈS, la última obra de la gran Agnès Varda, UN ATARDECER EN LA TOSCANA («Dolce Fine Giornata»), una reflexión sobre la identidad europea del director Jacek Borcuch; AN ACCIDENTAL STUDIO, el documental sobre la productora de cine de George Harrison; y TOMMY, la versión remasterizada del musical de The Who, coincidiendo con el 50 aniversario del disco homónimo.

CINE FEMENINO ITALIANO Y LOS IMPRESCINDIBLES

Como novedad de este año, el festival programará una retrospectiva de 12 títulos de cine italiano contemporáneo dirigidos por mujeres. La sección de Imprescindibles, que cada año recupera clásicos de la historia del séptimo arte para la pantalla grande, abordará la obra y figura de dos de los pioneros más importantes e innovadores del cine norteamericano, Buster Keaton y Charles Chaplin, y lo hará a partir del documental EL GRAN BUSTER de Peter Bogdanovich.

Femenino Plural, el Nuevo Cine Italiano incluirá los títulos: AMORI CHE NON SANNO STARE AL MONDO (Francesca Comencini), ASSOLO (Laura Morante), DOVE CADONO LE OMBRE (Valentina Pedicini), FIORE GEMELLO (Laura Luchetti), IL CRATERE (Silvia Luzi i Luca Bellino), LATIN LOVER (Cristina Comencini), LE MERAVIGLIE (Alice Rohrwacher), LE ULTIME COSE (Irene Dionisio), MIELE (Valeria Golino), NICO 1988 (Susanna Nicchiarelli), SAREMO GIOVANI E BELLISSIMI (Letizia Lamartire), VERGINE GIURATA (Laura Bispuri).

ASSOLO

Imprescindibles programará: EL GRAN BUSTER, EL MAQUINISTA DE LA GENERAL, ELMODERNO SHERLOCK HOLMES, SIETE OCASIONES, LA QUIMERA DEL ORO, EL GRAN DICTADOR, CANDILEJAS y CYRANO DE BERGERAC.

II JORNADA DE GUIONISTAS

Un año más, el festival se nutre de actividades paralelas y coloquios. La Jornada de Guionistas se organizará alrededor de dos ejes temáticos: “Las mujeres guionistas en el mundo de la ficción audiovisual” −que contará con la participación de Ángeles González-Sinde, Anaïs Schaff, Isabel Peña, Carmen Abarca, Marta Buchaca y Carmen Fernández como moderadora−, y “El compositor como parte de la narración cinematográfica”, con la presencia de Benito Zambrano, Rodrigo Sorogoyen, Xavi Capellas, Arnau Bataller, Toni M. Mir y Conrado Xalabarder como moderador. El festival también organizará una charla para el público con Mike Leigh, un coloquio sobre Buster Keaton y un coloquio sobre la relación entre las plataformas, el cine, los festivales y las academias.

JURADO Y SEMANA DE LAS ESCUELAS

El jurado de este año estará formado por la actriz Nora Navas, la escritora Pilar Eyre y el dramaturgo Josep Maria Miró. Aunque el premio Educacine se mantendrá durante el festival, el III BCN FILM FEST organizará desde el 8 al 12 de abril la SEMANA DE LA ESCUELA, para que profesores y más de 1.100 alumnos puedan disfrutar de un catálogo de películas seleccionadas por su valor educativo.

Todas las sesiones del BCN FILM FEST (excepto inauguración y clausura) tendrán un precio único de 2,90€. Las sesiones Femení Plural, el Nou Cinema Italià serán gratuitas.

La primera película de Carlos Marqués-Marcet, 10.000 km, clausuró el D’A 2014. Els dies que vindran es su tercera película y con ella vuelve al festival para clausurar con honores diez días de festín cinematográfico. Protagonizada por Maria Rodríguez Soto y David Verdaguer, la película se estrenó en el Festival de Málaga donde ganó la Biznaga de Oro a la mejor película española y a la mejor dirección, la Biznaga de Plata a la mejor actriz y el premio del jurado joven. Marqués-Marcet rodó la película a lo largo de todo un año, siguiendo a los protagonistas, pareja en la vida real. A medio camino entre la ficción y el experimento verité (un poco a lo Boyhood) Els dies que vindran se adentra en la intimidad de dos personas para mostrar lo más íntimo pero también las sombras de las relaciones sentimentales de una pareja que va a tener un bebé para explorar su día a día, sus alegrías y sus miedos, pero también el modo en que ese acontecimiento afecta a su relación y la manera en que se enfrentan a la vida que tienen por delante. Sin tópicos ni sentimentalismos, la película explora ese periodo crítico, rastrea las ilusiones y desencantos de toda una generación y mezcla realidad y ficción creando situaciones tan verosímiles como conmovedoras, todo ello a partir de un par de intérpretes que se dejan la piel en el intento.

Carlos Marqués-Marcet

(Barcelona, 1983) Inició su carrera compaginando la dirección de cortos con el trabajo de montador para películas como Caracremada (D’A 2011). En 2008 obtuvo una beca para estudiar cine en la Universidad de California. Su primer largo, 10.000 KM (2014), ganó multitud de premios y -al igual que en la presente edición- clausuró el D’A.

FILMOGRAFÍA

Els dies que vindran (2019), Tierra firme (2017), 10.000 Km (2014, D’A 2014), El día que la conocimos (curt, 2012), Mateix lloc, mateixa hora (curt, 2012), I couldn’t Forget Her (curt, 2012), The Yellow Ribbon (curt, 2012), Say goodnight (curt, 2011), 5456 Miles Away (curt, 2010), I’ll Be Alone (curt, 2010).

Filmoteca Española y el Festival de San Sebastián organizan, en colaboración con Filmoteca Vasca y el Museo San Telmo, una retrospectiva dedicada a Roberto Gavaldón, que irá acompañada de un libro monográfico dedicado al cineasta mexicano y editado por Filmoteca Española y el Festival de San Sebastián.

Roberto Gavaldón (1909-1986) es considerado uno de los directores más importantes del cine mexicano de los años cincuenta y sesenta. Nacido en Jiménez, en el estado mexicano de Chihuahua, en 1909, empezó en el medio trabajando como extra, actor, ayudante de dirección y guionista. Tras algunos trabajos en calidad de codirector, debutó en solitario en 1945 con La barraca, adaptación de la novela de Vicente Blasco Ibáñez en cuyo equipo de realización trabajaron varios técnicos españoles que se habían exiliado en México al terminar la Guerra Civil.

Desde este primer largometraje, Gavaldón destacó por un estilo muy sobrio y clásico, de estilo realista, beneficiado por la colaboración con directores de fotografía como Gabriel Figueroa, Alex Phillips y Jack Draper. Trató por lo general temas melodramáticos. Tanto el estilo como los argumentos escogidos le enfrentarían después con las hornadas de críticos y directores más jóvenes que cuestionaron su predilección por un cine de carácter nacional.

Macario (1960), basada en un relato de Ben Traven –escritor en el que también se inspiró John Huston para The Treasure of the Sierra Madre (El tesoro de Sierra Madre), y al que Gavaldón volvería a adaptar en Rosa blanca (1961) y Días de otoño (1963)–, es una de sus películas más importantes: participó en el Festival de Cannes y fue el primer filme mexicano nominado al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Su protagonista, Ignacio López Tarso (uno de los actores del Nazarín de Buñuel), era una de las estrellas del cine mexicano de aquellos años. Gavaldón también trabajó con otros grandes nombres de la cinematografía mexicana, como María Félix, Dolores del Río, Arturo de Córdova y Pedro Armendáriz, y con la estrella argentina del melodrama Libertad Lamarque.

Durante años fue el mayor representante del cine de su país en los grandes certámenes internacionales. Concursó varias veces en Cannes, Venecia y Berlín, y presentó en la primera edición del Festival de San Sebastián, en 1953, Acuérdate de vivir. Ganó ocho premios Ariel, los galardones concedidos desde 1947 por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas: el primer Ariel a la mejor película fue para La barraca.

Aunque cultivó mayoritariamente el melodrama, tocó diversos géneros como el policíaco, el musical, el fantástico y el drama rural, y realizó un ciclo de western-ranchero con el actor Antonio Aguilar. Entre sus películas destacan títulos como Macario, La otra (1946) –un drama criminal sobre dos hermanas gemelas encarnadas por Dolores del Río, del que se realizaría un remake en Hollywood protagonizado por Bette Davis, Dead Ringer (Su propia víctima, 1964)–, La diosa arrodillada (1947), En la palma de tu mano (1951), La noche avanza (1952) –que tiene como protagonista a un campeón de pelota vasca sin escrúpulos–, El rebozo de soledad (1952), El niño y la niebla (1953), Camelia (1954), Sombra verde (1954), La escondida (1956) y Miércoles de ceniza (1958). En 1955 fue escogido por los estudios Disney para dirigir una de sus producciones filmadas en México, The Littlest Outlaw (Pablito y yo).

A principios de los sesenta daría un vuelco al tipo de temas tratados y se decantó de una manera más clara por cuestiones sociales y políticas, pero Rosa blanca, sobre la expropiación del petróleo en México, fue prohibida y no logró estrenarse hasta 1972. En Días de otoño, protagonizada por la misma pareja de Macario, Ignacio López Tarso y la actriz descubierta por Gavaldón, Pina Pellicer, relató la oscura historia de una mujer abandonada por su prometido que asegura a todo el mundo haberse casado con él y estar embarazada. A continuación colaboró con Gabriel García Márquez y Carlos Fuentes en el guion de El gallo de oro (1964), parábola sobre un gallo de pelea según una historia de Juan Rulfo.

En la primera mitad de los setenta realizó tres películas en España: Don Quijote cabalga de nuevo (1973), con Fernando Fernán Gómez y Cantinflas en los papeles del Quijote y Sancho Panza, y dos dramas protagonizados por Amparo Rivelles, La madrastra (1974) y La playa vacía (1977). Estuvo activo hasta 1979, cuando dirigió su último filme, Cuando tejen las arañas, un drama sobre la sexualidad reprimida de una adolescente. Falleció en Ciudad de México en 1986.

Después de su proyección en el Festival de San Sebastián, la retrospectiva, formada por aproximadamente 25 títulos, varios de ellos restaurados por la Cineteca Nacional de México y por Filmoteca UNAM, podrán verse en Filmoteca Española, en Madrid, durante los meses de octubre y noviembre.