Categoría: Television

Jean Rouch, el cineasta que desenmascaró África. Filmin añade a su catálogo el próximo 7 de julio seis películas de uno de los fundadores del Cinema Verité, el hombre que nos reveló el Continente Negro como objeto cinematográfico.

Siguiendo con su periódica reivindicación de cineastas clásicos y modernos tal vez menos conocidos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de directoras como Marta Mészáros, Chantal Akerman, Seijun Suzuki, Shohei Imamura o Paulo Rocha, Filmin añadirá a su catálogo el próximo 7 de julio seis películas, en nuevas restauraciones digitales, dirigidas por Jean Rouch, cineasta y antropólogo francés considerado uno de los padres del Cinema Verité.

Rouch es una figura clave del cine europeo sobre todo gracias a su serie de películas etnográficas en las que retrató África, no desde el punto de vista habitual del hombre blanco occidental ejerciendo de turista curioso, sino permitiendo que fueran los propios nativos africanos los que decidieran cómo representarse a sí mismos frente a la cámara, creando un enfoque único que se conoce como «cine etnográfico participativo».

Además de su trabajo como cineasta, Rouch también realizó extensas investigaciones antropológicas, especialmente en Níger, donde exploró las tradiciones y costumbres de diferentes grupos étnicos. Sus películas africanas desafiaron las representaciones estereotipadas y ofrecieron una visión más compleja y humana de las sociedades indígenas.

Títulos que integran el ciclo:
– «Los amos locos» (1955)
– «Yo, un negro» (1957)
– «La pirámide humana» (1959)
– «La caza del león con arco» (1965)
– «Jaguar» (1967)
– «Poco a poco» (1969)

Filmin estrena el próximo martes 27 de junio, en exclusiva en España, La noche que Logan despertó (“The Night Logan Woke Up”), la primera serie creada, dirigida y protagonizada por el quebequés Xavier Dolan. Formada por cinco episodios de 60 minutos, se trata de un thriller dramático que adapta la obra de teatro “La nuit où Laurier Gaudreault s’est réveillé” de Michel Marc Bouchard (autor de «Tom en la granja», obra que Dolan también adaptó a la gran pantalla). Cuenta con el elenco original de la función, encabezado por el propio Dolan junto a Julie LeBreton, Magalie Lépine, Éric Bruneau, Patrick Hivon y Julianne Côté, y también con su actriz predilecta y madre en la ficción por antonomasia Anne Dorval.

La serie está ambientada a principios de los años 90 y narra la historia de Mimi (Julie LeBreton) y su hermano Julien (Patrick Hivone), quienes forman un trío inseparable con su amigo Logan (Pier-Gabriel Lajoie). Su relación se rompe abruptamente cuando ocurre un terrible incidente que les fuerza a tomar caminos separados. Las dos familias están destrozadas y nada volverá a ser lo mismo. Treinta años después, Mimi, convertida en una tanatopractora de renombre, regresa a su tierra natal para cuidar del cuerpo de su madre y se reencuentra con su familia. Los rencores y las viejas heridas resurgen con más fuerza que nunca para revelar qué pasó realmente durante esa fatídica noche.

La serie, que cuenta con una banda sonora compuesta por Hans Zimmer junto a David Fleming, es la primera producción televisiva de Xavier Dolan, uno de los niños prodigio del cine de autor contemporáneo y protegido del Festival de Cannes, donde ha estrenado con éxito la mayoría de sus películas. “Mommy” (2014), ganadora del Premio del Jurado del festival.

La plataforma estrenará el próximo 16 de junio una colección del centenario José Luis Ozores donde se encuentran los títulos más recordados del cómico, como Recluta con niño y El tigre de Chamberí

Se cumplen 100 años del nacimiento de uno de los artistas que con su ternura e inconmensurable vis cómica se convirtió en uno de los actores más queridos del cine español: José Luis Ozores. Y es que ‘Peliche’, como lo llamaban en su entorno, hizo mucho más que despertar la carcajada entre el público, se ganó su cariño. En el centenario de esta figura irrepetible de la gran pantalla del país, miembro también de una saga familiar de intérpretes y directores con nombre propio, la plataforma FlixOlé le rinde homenaje con el estreno, el próximo 16 de junio, de una colección que recorre los títulos con los que cautivó al espectador.

Empezando por El último caballo (Edgar Neville, 1950). Ésta fue una de las primeras apariciones de José Luis Ozores, quien demostró sus dotes para encarnar, con humor, al personaje ingenuo y de buen corazón. Un papel que también bordó en su siguiente largometraje: Esa pareja feliz (Juan A. Bardem y Luis Gª Berlanga, 1951). Haciendo gala de un amplio abanico de recursos cómicos, el actor representó al español que, en su búsqueda por tener una vida mejor, no paraba de protagonizar tropiezos. De esta manera se sucedieron títulos como El diablo toca la flauta (José Mª Forqué, 1954) e Historias de la radio (José Luis Sáenz de Heredia, 1955).

 Fotograma de la película ‘Recluta con niño’

El gran cómico de los 50 y 60

Y entre risas llegó Recluta con niño (1955). Su inolvidable interpretación de Miguel Cañete, un inocentón que intenta cuidar de su hermano pequeño mientras hace la mili, supuso un antes y un después en la carrera de Ozores. La mezcla de bondad y humanidad que conseguía dar a sus caricaturescos personajes se hizo todavía más palpable en este exitoso filme dirigido por Pedro L. Ramírez. A partir de ese momento, el caché del cómico se disparó, siendo uno de los mejor pagados de la industria del país.

La popularidad alcanzada por ‘Peliche’ siguió en ascenso con el estreno de otros títulos también firmados por Ramírez, e igualmente recordados por el gran público: Los ladrones somos gente honrada (1956) y El gafe (1959). Sin olvidar El tigre de Chamberí (1958), donde su gancho eléctrico quedó para siempre grabado en la historia del cine español.

A continuación, tendría la oportunidad de debutar como director en Las dos y media y… Veneno (1959), un rol que cedió a su hermano Mariano Ozores antes de comenzar el rodaje. A partir de ese momento, la filmografía de ambos quedaría alegremente sellada: Alegre juventud (1963) y La hora incógnita (1964).

La despedida con Hoy como ayer

Lamentablemente, la esclerosis múltiple que padecía Ozores ya había comenzado a hacer mella en su salud, reduciendo sus apariciones en el cine y en los escenarios. Sus compañeros de profesión, entre los que se encontraban Alfredo Landa, Concha Velasco, Francisco Rabal, Gracita Morales y Tony Leblanc, entre otros, se volcaron de lleno en Hoy como ayer (Mariano Ozores, 1966) para devolver a su amigo todo el afecto que éste había regalado en cada actuación.

Con este filme, José Luis Ozores se despidió de la gran pantalla, dejando para el recuerdo una filmografía tan cómica como humana. Cumplidos en junio 100 años del nacimiento del actor, la plataforma especializada en cine español presenta una colección compuesta por una veintena de películas que incluyen todos los títulos citados, y muchos más.

Menos de un mes después de su estreno en cines en nuestro país, llega al catálogo de Filmin uno de los grandes documentales del año: «De humani corporis fabrica», de Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel. La película, impactante por las imágenes sin filtros que muestra del interior del cuerpo humano, alude desde su título al trabajo de Andrés Vasalio, fundador de la anatomía moderna. Durante dos horas, el espectador observa como nunca antes el cine había mostrado las entrañas de nuestra existencia, mientras la pista de áudio retrata las conversaciones banales, a veces irreverentes, de los médicos que trabajan para cuidar esos cuerpos.

«Pensando en cómo la medicina moderna ha utilizado las herramientas del cine para desarrollar sus propios poderes de visión, queríamos intentar hacer lo contrario, tomar prestadas las herramientas de la medicina para el cine, para permitirnos ver el cuerpo humano de una manera que casi nadie llega a ver nunca, y romper las formas habituales en que miramos nuestros cuerpos y el mundo«, explica Verena Paravel. La directora cree que la propia estructura del documental permite también observar el hospital como un cuerpo teatral y trágico: «Él mismo es una especie de cuerpo que contiene otros cuerpos y trabaja sobre ellos. El hospital es un órgano de la sociedad, que sostiene un espejo de la sociedad, y a menudo se anticipa a los cambios sociales que están a punto de llegar. En su interior coexisten órganos, funciones y sistemas.»

Los cineastas tuvieron la suerte de conocer a François Crémieux, por aquel entonces director de cinco hospitales públicos en el Norte de París: «por increíble que parezca, nos dio más o menos carta blanca para filmar cualquier cosa en estos hospitales«, explica Castaing-Taylor. Uno de los aspectos más controvertidos de la película es el contraste entre las imágenes que muestran intervenciones en cuerpos en ocasiones gravemente enfermos, con las conversaciones que mantienen los médicos y cirujanos mientras operan sobre ellos. «Cuando oímos a los médicos hablando sobre asuntos no quirúrgicos -conversaciones que podrían chocar por su banalidad o falta de respeto hacia su deber o sus pacientes-, entendimos que eran conscientes de nuestra presencia, y que aceptaban, y a veces incluso deseaban activamente, que esto también se mostrara en la película«, explica Paravel: «Sin la posibilidad de crear distancia o de crear cierta banalidad en los actos que realizan, les sería imposible sostener este trabajo.»

«De humani corporis fabrica» se estrenó en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes. En nuestro país, se ha podido ver en el Festival de Valladolid y en el Festival D’A de Barcelona y ha sido distribuida en cines por Vitrine Filmes.

La plataforma presentará también en la Academia de Cine la nueva versión restaurada en 4K de Me siento extraña el 29 de junio, inaugurando así su ciclo ‘Recuperando el celuloide’

La sexualidad era todavía tratada como un tema tabú en España, ni qué decir tiene la homosexualidad, cuando en 1977 llegó a la gran pantalla Me siento extraña. Considerada como la primera en relatar abiertamente una relación lésbica en el cine del país, la película supuso un auténtico escándalo. FlixOlé recupera esta obra de culto, protagonizada por Bárbara Rey y Rocío Dúrcal, con el estreno el próximo 30 de junio de una copia restaurada en la mejor calidad de imagen y sonido.

En una sociedad que emprendía el camino hacia la mayoría de edad, Me siento extraña presentaba un drama erótico en el que dos mujeres con malsanas experiencias sentimentales encuentran consuelo entre ellas. Laura, una pianista que huye de su marido maltratador y de su autoritario suegro, conoce a Marta, una vedette que no termina de entenderse con los hombres en la cama. Ambas construyen una estrecha amistad que despierta la pasión, y las habladurías de los vecinos.

Dos divas, al desnudo

Para esta película, repleta de escenas subidas de tono y desnudos integrales, el director del largometraje, Enrique Martí Maqueda, eligió a dos populares figuras del momento. Por un lado, el papel de Laura recayó en Rocío Dúrcal: niña prodigio, adolescente ye-ye y ‘reina de las rancheras’, su rostro adquirió un nuevo registro al ejercer de coprotagonista en el amorío lésbico que significó Me siento extraña.

Al torso sin ropa de Dúrcal se le unió el de la ‘reina del Destape’: Bárbara Rey. La belleza y sensualidad de ésta le abrió las puertas del espectáculo, tanto encima de los escenarios como delante de la cámara. Convertida en una ‘sex symbol’ del cine, sobre ella recayó el papel de Marta, la vedette que conquista a la pianista. Junto a las divas, completan el elenco otros nombres igual de conocidos como Laly Soldevila, Francisco Algora y Eva León, entre otros.

El ‘pipazo’, como definió en su momento Lola Flores el roce cariñoso entre amigas, de Rocío Dúrcal y Bárbara Rey hizo de la película una de las más taquilleras del año. Después de ésta, Bárbara Rey sumó nuevos proyectos que alimentaron el sobrenombre de ‘reina del Destape’. Por su parte, Rocío Dúrcal decidió no hacer ningún largometraje más, reduciéndose su participación en la gran pantalla a apariciones puntuales.

Pase de Me siento extraña en la Academia de Cine, el 29 de junio

A pesar de permanecer en el olvido durante años, Me siento extraña se ha erigido como un clásico del cine lésbico y en una película reivindicada por parte de la propia Bárbara Rey y el colectivo LGTBIQ+. Una obra de culto, pionera en la cinematografía nacional, que muestra explícitamente el amorío entre dos mujeres como nunca antes había visto el espectador español.

Un filme de no fácil acceso que FlixOlé, en su compromiso de recuperar aquellos títulos imprescindibles del patrimonio audiovisual, ha restaurado en sus instalaciones (en los laboratorios Cherry Towers). En esta línea, la plataforma estrenará el 30 de junio esta versión remasterizada de Me siento extraña junto a una colección especial con la que celebrará el Orgullo.

Previamente, el servicio especializado en cine español presentará el 29 de junio la copia restaurada en 4K de la película en la Academia de Cine, evento abierto al público que tendrá lugar en la sala de proyecciones de la institución (c/Zurbano, 3), y cuyas entradas se podrán adquirir a través de su portal web. Con este acto, la Academia inaugurará así el ciclo ‘Recuperando el celuloide’, una iniciativa en la que colaborará también FlixOlé en próximas ediciones con títulos restaurados en sus instalaciones.

Filmin añade a su catálogo cinco películas de uno de los cineastas portugueses más relevantes de todos los tiempos, padre del Novo Cinema Portugués.

Siguiendo con su periódica reivindicación de cineastas clásicos y modernos tal vez menos conocidos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de directoras como Marta Mészáros, Chantal Akerman, Seijun Suzuki o Shohei Imamura, Filmin añadirá a su catálogo el próximo 9 de junio cinco películas, en nuevas restauraciones digitales, que recorren tres de las diversas etapas de la filmografía de Paulo Rocha, padre del Novo Cinema Portugués y uno de los grandes referentes de la cinematografía lusa y mundial.

Nacido en 1935, Rocha es uno de los directores esenciales de la modernidad cinematográfica. Entusiasta de la Nouvelle Vague y de autores como Kenji Mizoguchi, en sus inicios fue ayudante de dirección de cineastas de la trascendencia de Jean Renoir («El cabo atrapado», 1962) o Manoel de Oliveira («Acto de primavera», 1963). Sus dos primeros largometrajes, «Los verdes años» (1963) y «Mudar de vida» (1966), son piedra angular del llamado Cinema Novo portugués y obras maestras del cine europeo.

Aunque poco conocida en nuestro país, su filmografía es tan apasionante como compleja, y aborda temas como la identidad, las raíces culturales o las clases populares del país luso. Reivindicado por las nuevas generaciones, su influencia es palpable en la obra de sus compatriotas contemporáneos, desde João Pedro Rodrigues a Miguel Gomes, pasando por Pedro Costa o João Salaviza.

Títulos que integran el ciclo:
– «Los verdes años» (1963)
– «Mudar de vida! (1965)
– «La isla de los amores» (1982)
– «La isla de Moraes» (1988)
– «El río de oro» (1998)

Conocido por retratar la sociedad nipona mediante su visión inconformista y subversiva, Imamura es considerado uno de los cineastas más importantes del siglo XX.

El próximo 2 de junio, Filmin añadirá a su catálogo un ciclo dedicado al director Shōhei Imamura (1926-2006), uno de los máximos exponentes de la Nouvelle Vague japonesa conocido por su audacia, inconformismo y crítica social. La colección está formada por cinco títulos indispensables de su filmografía: «Cerdos y acorazados» (1961), «La mujer insecto» (1963), «Intento de asesinato» (1964), «Los pornógrafos» (1966) y «El profundo deseo de los dioses» (1968). Estas películas se suman a las que ya estaban disponibles en la plataforma: «La anguila» (1997) y «Agua tibia bajo un puente rojo» (2001).

Considerado uno de los cineastas japoneses más importantes del siglo XX, Imamura usó el cine para poner el foco en las personas marginadas por la sociedad, a la vez que cuestionó las normas y valores tradicionales. Asimismo, su obra se alejó de la visión «turístico-occidental» del su país y, en su lugar, mostró en la gran pantalla un mundo formado por prostitutas, proxenetas, campesinos, ladrones y chamanes. En definitiva, buscó respuestas a sus curiosidades antropológicas y arrojó luz sobre los problemas socioculturales de la comunidad nipona, ante los que la clase alta giraba la cara, desafiando las convenciones tanto cinematográficas como culturales.

Imamura, que se inició en el cine como ayudante de Yasujirō Ozu («Cuentos de Tokio») y más tarde siguió en los estudios Nikkatsu, es el único director japonés al que se le ha otorgado la Palma de Oro del Festival de Cannes en dos ocasiones: «La balada de Narayama» (1983) y «La anguila» (1997).

El ciclo de Shōhei Imamura se suma a la periódica reivindicación de Filmin de directores clásicos y modernos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de cineastas como Marta Mészáros, Chantal Akerman, Frederick Wiseman o Seijun Suzuki.

https://youtu.be/Cwr0fFZVHNc

Desde Diario de una camarera hasta Ese oscuro objeto del deseo, pasando por la provocativa Bella de día (Belle de jour) y la oscarizada El discreto encanto de la burguesía. FlixOlé estrena el próximo 12 de mayo los grandes títulos de Buñuel en su etapa francesa.

Muchos son los nombres que han contribuido a engrandecer el lema ‘Aragón, tierra de cine’, pero hay uno que sobresale por encima de todos: Luis Buñuel. Maestro del surrealismo y lo onírico, levantó un puente entre el séptimo arte español y el mundo entero. Se convirtió en el director más importante de la historia filmográfica del país. De su extensa y estudiada obra, FlixOlé estrena en su catálogo, el próximo viernes 12 de mayo, los grandes clásicos con los que el autor puso el broche de oro a su carrera en la gran pantalla.

La plataforma especializada en cine español presenta una colección que incluye como novedades algunos de los títulos de Buñuel en su etapa francesa. Desde Diario de una camarera (1964) hasta su último largometraje: Ese oscuro objeto del deseo (1977). Una antología de películas que llevaron al realizador natural de Calanda a lo más alto del panorama audiovisual; en clave nacional e internacional, siendo el primer director español en alzarse con la estatuilla en los Oscar.

Afincado en la industria francesa, Luis Buñuel dio rienda suelta a su creatividad gracias a que contó con mayores recursos y libertad en los rodajes. La ácida sátira social Diario de una camarera fue la primera película realizada en este último ciclo cinematográfico. El filme no escondía el desdén del aragonés por la burguesía. Dicho sentimiento quedó reflejado en las bajas y excéntricas pasiones que despertaba la joven protagonista entre los varones de la casa donde ejercía de doncella.

Catherine Deneuve, en ‘Belle de jour’

Belle de jour y la oscarizada El discreto encanto de la burguesía

Ya en 1967 se estrenaría Bella de día (Belle de jour). Las perversiones sexuales con las que Buñuel gustaba representar la hipocresía de las clases acomodadas se volvieron todavía más palmarias en el personaje de Séverine Serizy (Catherine Deneuve), una aristócrata convertida en prostituta. Erotismo y surrealismo acompañan a este juego fílmico de realidad y ficción que supuso un gran éxito de taquilla; y con el que el realizador obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia.

Con La Vía Láctea (1969), el realizador plantearía un complejo y herético viaje espacio-temporal que cargaba contra la fe ciega y el fanatismo religioso. Valiéndose de la rocambolesca peregrinación a Santiago de Compostela que inician dos trotamundos franceses, el cineasta desahogó sus ganas de adaptar la vida de Cristo a la gran pantalla.

Después vendría El discreto encanto de la burguesía (1972). Una revisión de El ángel exterminador (1962) con la que Buñuel hizo desfilar a seis personajes de alta casta por distintos escenarios; a cada cual más surrealista. El filme llevaría a su autor a recoger el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa. Y a codearse con lo más granado de la meca del cine en el recibimiento que le organizó George Cukor en su mansión con motivo de la nominación.

También se pasearía por la alfombra roja hollywoodiense la última película del director español: Ese oscuro objeto del deseo. A través del humor, Buñuel narró las peculiares relaciones que mantiene un hombre maduro con una joven de 19 años.

Ángela Molina y Fernando Rey en la última película de Luis Buñuel, ‘Ese oscuro objeto del deseo’

La colección de Buñuel

Todas estas películas estarán disponibles en la colección que estrenará FlixOlé el próximo 12 de mayo. El especial incorporará además La muerte en este jardín (1956), de producción francesa, aunque adscrita a una etapa cinematográfica anterior del calandino. Igualmente se podrán encontrar títulos tan emblemáticos como Viridiana (1961), Simón del desierto (1965) y Tristana (1970); así como los documentales dedicados al más importante de los directores españoles. Entre éstos se encuentran Buñuel (Rafael Cortés, 1984) y Buñuel, un cineasta surrealista (Javier Espada, 2021).

Reivindicado por cineastas como Quentin Tarantino o Jim Jarmusch, el prolífico director japonés convirtió su cine de serie B en un estallido de color, surrealismo y abstracción pop. 

Siguiendo con su periódica reivindicación de cineastas clásicos y modernos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de directoras como Marta Mészáros, Chantal Akerman o Frederick Wiseman, Filmin añadirá a su catálogo el próximo 19 de mayo una docena de largometrajes dirigidos por el japonés Seijun Suzuki, coincidiendo con el centenario de su nacimiento, sin duda una de las personalidades más singulares de la historia del cine japonés.

Reivindicado por cineastas como Quentin Tarantino (quien en el clímax de «Kill Bill vol. 1» se apropiaba de la brillante idea del japonés de rodar el combate final de «La vida de un hombre tatuado» colocando la cámara bajo un suelo de cristal), Jim Jarmusch (su «Ghost Dog» imitaba casi plano a plano una célebre escena de «Branded to Kill») o Nicolas Winding Refn (que considera «Tokyo Drifter» su película favorita de todos los tiempos), Suzuki logró hacer un cine personal, libre y arrebatado bajo el corsé que le imponía ser director de películas de serie B en plantilla de un gran estudio como Nikkatsu.

El ciclo que estrena Filmin ofrece una amplia panorámica de los distintos géneros que, siempre con su estilo personalísimo, abordó un cineasta al que con demasiada facilidad se le ha relegado al subgénero de mafias y yakuzas. Así, junto a su trilogía de películas más conocidas («Branded to Kill», «Tokyo Drifter» y «Gate of Flesh») se recuperan títulos más heterodoxos de su filmografía, como el drama de envoltura clásica «La historia de una prostituta», su sátira antimperialista de tintes autobiográficos «The Born Fighter» e incluso una película de boxeo: «Million Dollar Smash-and-Grab».

Todas las películas del género se ofrecen en su versión remasterizada, con una excelente calidad de imagen y sonido que alcanza su cénit con la edición en 4K de «Branded to Kill». La película de 1967 es posiblemente la mejor puerta de acceso al fervor pop de un director que supo conjugar la mejor tradición del cine de género japonés con las nuevas olas que llegaban de otros continentes en los años 60: del Godard juguetón de «Bande à Part» al Antonioni febril de «El desierto rojo» o francotiradores de la serie B estadounidense como Edgar Ulmer, Joseph H. Lewis y Samuel Fuller.

En su debut en el cine, Víctor Conde adapta su obra teatral homónima en una película que rinde homenaje al espíritu y las estructuras temporales de la Nouvelle Vague.

Filmin estrena el próximo viernes 12 de mayo la producción española «Venus», debut en el largometraje del director y dramaturgo Víctor Conde, que adapta su obra homónima, estrenada con éxito en el teatro Pavón-Kamikaze de Madrid en septiembre de 2017.

La película, rodada en blanco y negro, se ambienta en un bar de la capital, en el que el tiempo no transcurre de manera lineal, y en el que se mezclan personajes, encuentros y recuerdos a lo largo de cuatro décadas. Todo empieza cuando en los años 70, Paula y Miguel están a punto de realizar el último espectáculo de su banda: Venus. Casi cuarenta años después Jorge llega al café donde pasa su juventud. Allí se encuentra con Alicia y ambos recuerdan los días en que se conocieron. «La película salta de un momento en el tiempo a otro constantemente. Es una especia de puzzle temporal. Me interesaba mucho contar una historia de manera no correlativa. Creo que permite aproximarse a los personajes de una forma diferente», explica el director.

«En una ocasión el cineasta francés Jean Luc Godard dijo que una película debía tener un planteamiento, un nudo y un desenlace, aunque no necesariamente en ese orden«, recuerda Víctor Conde al aludir a la temporalidad fragmentada de su ópera prima, que es más que una cita a la Nouvelle Vague: «no pretende ser sólo un homenaje estilístico a una manera de hacer cine, sino que usa las ventajas de ese estilo a su favor, huyendo de ellas y explorando otras nuevas cuando la narración lo demanda«. El director reconoce que en el salto del teatro al cine, «Venus» ha salido ganando: «La manera de narrar y el pulso son distintos. También hay personajes nuevos que no estaban en la obra teatral y que ayudan a contar la historia de una manera más profunda.»

Antonio Hortelano (Quimi en la mítica serie «Compañeros») encabeza un reparto coral en el que encontramos, en pequeños pero relevantes papeles, rostros populares como los de Lolita, Elena Furiase, Miquel Fernández, Ana Rujas, Carla Tous o el añorado Juan Diego, en su última aparición en el cine.

https://youtu.be/FbxpnNahhz8

La plataforma estrenará el próximo miércoles, 5 de abril, una colección sobre Sara Montiel que recorre su carrera cinematográfica. 

a vida de Sara Montiel bien daría para película. La natural de Campo de Criptana fue la primera estrella española en Hollywood; tumbada en un ‘chaise long’ protagonizó el gran éxito de taquilla, El último cuplé; se adelantó al movimiento feminista en la década de los 60 y su popularidad superó cualquier barrera generacional. El próximo 8 de abril se cumple una década del fallecimiento de esta diva a la que FlixOlé dedica un homenaje que permite acercar al espectador las emblemáticas escenas que legó.

A través de una colección compuesta por más de una decena de películas, disponible a partir del miércoles 5 de abril, la plataforma recorre las distintas etapas cinematográficas de ‘Saritísima’. El especial incluye sus primeras apariciones como secundaria, los personajes que contribuyeron a engrandecer su fama y los últimos trabajos en los que intervino en la gran pantalla.

Ya desde su infancia quiso ser artista. Un sueño que se convirtió en realidad al participar en el rodaje de títulos presentes en la colección de FlixOlé como Don quijote de la Mancha (Rafael Gil, 1947), Locura de amor (Juan de Orduña, 1948) y El capitán veneno (Luis Marquina, 1950). Sin embargo, los papeles en estos filmes se le hicieron pequeños. Sintiendo que su talento se estaba desaprovechando, decidió cruzar el Atlántico para darse a conocer. Los numerosos largometrajes que encabezó como actriz en el cine mexicano le abrieron las puertas en Hollywood y, compartiendo escena con Gary Cooper y Burt Lancaster, la manchega conquistó al público internacional.

Sara Montiel, en uno de sus primeros papeles: ‘Locura de amor’

El último cuplé, y los éxitos que siguieron

Su periplo por la meca del cine hizo que el nombre de Sara Montiel se escuchase por todo el mundo. Pero aún le quedaba triunfar en su país natal. Dicho reconocimiento llegó con El último cuplé (Juan de Orduña, 1957), un melodrama donde la artista representó el ascenso y caída de una cupletista mediante un repertorio musical con temas tan sonados como ‘Fumando espero’ y ‘El Relicario’. La película rompió todos los récords de taquilla y permaneció en cartelera durante casi un año. Asimismo, significó la consagración de la actriz en la industria española y descubrió al gran público su faceta como cantante.

A El último cuplé le siguieron numerosos proyectos durante las décadas de los 50 y 60. Las dotes interpretativas de Montiel, su carismática personalidad y sex appeal la llevaron a protagonizar otras populares producciones españolas. Entre éstas se encuentran películas realizadas a mayor gloria de la voz y presencia de la manchega como La violetera (Luis César Amadori, 1958),  La reina del Chantecler (Rafael Gil, 1962), La dama de Beirut (Ladislao Vadja, 1965) y La mujer perdida (Tulio Demicheli, 1966).

La actriz Sara Montiel en otro de sus grandes éxitos: ‘La violetera’

El último cuplé, y los éxitos que siguieron

Directores como Mario Camus y Juan A. Bardem también decidieron introducir el registro de Montiel en sus musicales: Esa mujer (1969) y Varietés (1971). Y así hasta llegar a la última cinta que rodó la artista, esta vez bajo las órdenes de Pedro Lazaga: Cinco almohadas para una noche (1974).

Filmin homenajea al cineasta Jean-Luc Godard, fallecido el pasado mes de septiembre, con el estreno de esta película que tuvo su premiere mundial en el Festival de Venecia.

Filmin estrena el jueves 30 de marzo, «Godard Cinema«, el documental definitivo sobre el director emblema de la Nouvelle Vague: Jean-Luc Godard, que murió mediante suicidio asistido el pasado mes de septiembre. Estrenada mundialmente en el Festival de Venecia, la película está dividida por capítulos que condensan las distintas etapas creativas de la carrera de Godard y ahonda en las contradicciones y matices de su fascinante figura más allá de los clichés del mito.

Con más de 140 películas a sus espaldas, Godard hizo de su filmografía una incansable búsqueda de los límites del cine. Él era cine, su quintaesencia. «Al final de la escapada» (1960), «Vivir su vida» (1962) o «Pierrot el loco» (1965) son solo algunas de las películas que le convirtieron en el referente, por antonomasia, del cine contemporáneo.

El director del documental, Cyril Leuthy, explica: «Lo motivador de Godard es que lo permitía todo: hacía que otros cineastas fueran libres para atreverse, para probar, para desafiar las costumbres. Hacer este documental significaba explorar a un artista que, más que nadie, tenía una fe real en su arte. Para navegar en este océano de ideas, películas y material de archivo, decidí dar voz a quienes le conocieron». Y es que «Godard Cinema» recoge el legado del cineasta con los testimonios de biógrafos, historiadores, críticos y artistas que trabajaron con él (Julie Delpy, Thierry Jousse, Macha Meril, Alain Bergala, Nathalie Bae, Hanna Schygulla, Marina Vlady y Romain Goupil, entre otros). Sigue: «La película se centra más en el hombre que en su cine; aunque cuando se trata de Godard, cine y vida se fusionan… terminan siendo una misma cosa«.

Godard Cinema

Título original: Godard seul le cinéma.
País y año de producción: Francia, 2022.
Duración: 100 minutos.
Dirección y guion: Cyril Leuthy.
Fotografía: Gertrude Baillot.
Música: Thomas Dappelo.
Intervienen: Julie Delpy, Thierry Jousse, Macha Meril, Alain Bergala, Nathalie Bae, Hanna Schygulla, Marina Vlady, Romain Goupil.

A partir del 24 de marzo, los suscriptores de Filmin tendrán acceso a 17 de sus largometrajes, muchos de ellos inéditos hasta ahora en España.

Tras las colecciones dedicadas a cineastas como Lars von Trier, David Lynch o Chantal Akerman, el próximo viernes 24 de marzo llega el turno de Frederick Wiseman, quien con más de 40 películas en su filmografía, está considerado como el padre del documental americano moderno.

La obra de Wiseman se ha dedicado a radiografiar con exhaustividad algunas de las instituciones más relevantes del sistema estadounidense. El sistema de salud fue puesto en tela de juicio con su ópera prima, «Titicut Follies» (1967), prohibida en algunos Estados por mostrar los abusos que sufrían los internos en un hospital psiquiátrico de Massachussets; o en «Hospital» (1970), una panorámica del Metropolitano, uno de los hospitales más grandes de Nueva York. La policía de Kansas en «Law and Order» (1969), el sistema de protección a mujeres víctimas de maltrato en «Domestic Violence» (2001) y su secuela (2002); el Ayuntamiento de Boston en «City Hall» (2020), o la Biblioteca Pública de Nueva York en «Ex Libris» (2017) son otras de las instituciones que Wiseman, ganador del Óscar Honorífico en 2017, ha retratado con su incesante cámara.

«Parto de la asunción de que los espectadores son igual de inteligentes que yo», afirmaba Wiseman en una entrevista con El País en 2018. El director, que llegó a ejercer como profesor de Derecho y reconoce que no ve ni películas ni series, y que no tiene televisor en su casa, afirma que la mirada política de sus obras responde a una máxima: «Mi trabajo es encontrar la forma narrativa adecuada de expresar las experiencias que he tenido filmando y preparando la película. Hago mis películas pensando en mis deseos e intereses». Se declara políticamente «marxista» por su admiración hacia los hermanos Marx («Además de tristes y trágicos, los humanos somos y hacemos cosas absurdas y humorísticas», afirma), y considera que ninguna ideología puede representar la variedad y complejidad del comportamiento humano.

LAS PELÍCULAS DEL CICLO:
– «Titicut Follies» (1967)
– «Law and Order» (1969)
– «Hospital» (1970)
– «Essene» (1972)
– «Primate» (1974)
– «Model» (1980)
– «The Games of Love» (1996)
– «Domestic Violence» (2001)
– «Domestic Violence 2» (2002)
– «The Last Letter» (2002)
– «La danse, The Paris Opera Ballet» (2009)
– «National Gallery» (2013)
– «At Berkeley» (2013)
– «In Jackson Heights» (2015)
– «Monrovia, Indiana» (2018)
– «Ex Libris» (2017)
– «City Hall» (2020)

La plataforma FlixOlé  estrenará el viernes, 3 de marzo, el especial compuesto por cerca de una treintena de películas, y que incluye títulos imprescindibles.

El calendario del mes de marzo viene marcado por la celebración del centenario de uno de los cineastas más importantes del patrimonio audiovisual español: José María Forqué. Director de referencia por la originalidad de sus historias, y la calidad técnica con la que las rodó, el zaragozano desarrolló una prolífica carrera con la que conmovió e hizo reír, sobre todo reír, al espectador. El próximo 8 de marzo se cumplirán 100 años de su nacimiento, y FlixOlé ha preparado su particular homenaje para la ocasión, el cual permitirá disfrutar de las obras maestras que el realizador dejó al mundo del cine.

La plataforma estrenará el viernes, 3 de marzo, una colección con cerca de una treintena de títulos firmados por el autor aragonés. La misma recorre desde las primeras películas estrenadas por Forqué, como Amanecer en puerta oscura (1957), filme que lo consagró como director, y con el que además obtuvo el Oso de Plata – Premio Extraordinario del Jurado en la Berlinale; hasta su último filme: Nexus 2.431 (1994), una ‘rara avis’ de espadas y amazonas en el espacio.

Y es que a lo largo de su prolífica carrera cinematográfica, el realizador no le hizo ascos a ningún género, cultivando tanto el musical: El secreto de Mónica (1961) y Tengo 17 años (1964); trabajos relacionados con el mundo del toreo: La becerrada (1962) y Yo he visto la muerte (1965); pequeñas incursiones en el cine de terror: El ojo del huracán (1971); intrigantes thrillers y filmes policíacos: De espaldas a la puerta (1959), 091, Policía al habla (1960) y El juego de la verdad (1963); hasta escenas subidas de tono, como: La cera virgen (1972) y No es nada mamá… Solo un juego (1974).

Amanecer en puerta oscura

Comedia humana

Igual de resolutivo se mostró en el ámbito televisivo, donde el director hizo gala también de su impecable factura técnica en trabajos como la popular serie Ramón y Cajal  (1982).

Sin embargo, fue en la comedia donde Forqué encontró la horma de su zapato. El director tiró de ‘somarda’ maña para construir películas donde el humor compartía protagonismo con la humanidad. Así surgieron auténticos éxitos como Maribel y la extraña familia (1960), adaptación de la obra teatral de Miguel Mihura; la canita al aire que le salió cara a los personajes de Usted puede ser un asesino (1961); sin olvidar dos de los grandes títulos del cine español, Atraco a las tres (1963) y Un millón en la basura (1967).

Filmin ofrecerá en exclusiva en España la filmografía de la cineasta belga, incluyendo «Jeanne Dielman» y otros 11 títulos que estarán disponibles tanto en cines como en la plataforma.

A partir del próximo viernes 24 de febrero, Filmin dedicará un ciclo a Chantal Akerman (1950-2015) integrado por 12 títulos remasterizados de la cineasta belga. Entre ellos destaca «Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles» (1975), la primera película dirigida por una mujer a la que se le otorga el título de «mejor película de la historia» en la encuesta decenal de la prestigiosa revista británica «Sight & Sound».

«Jeanne Dielman desafió el status quo cuando se estrenó en 1975 y continúa haciéndolo hoy en día», apuntó Mike Williams, el editor de Sight & Sound desde 1952. En el ranking de este año, que ha sido participado por 1.639 críticos de cine internacionales, cuatro películas dirigidas por mujeres han entrado en el top 20. En la anterior encuesta, de 2012, solo fueron dos en el top 100: «Jeanne Dielman» de Akerman y «Beau Travail» de Claire Denis, en 35º y 78º posición respectivamente.

La obra de Chantal Akerman es fundamental para entender la historia del cine y del feminismo, en el cual fue una indiscutible pionera. Su enfoque de género se reflejó en su filmografía, donde plasmó también su interés por el transcurrir del tiempo, la materialidad del espacio y el sentido tragicómico de la existencia y de la ausencia. Asimismo, con su cine a contracorriente desafió los roles de género y las convenciones sociales mostrando una de las primeras escenas de sexo lésbico en «Yo, tú, él, ella» (1974). Su vida y obra estuvieron marcadas también por sus raíces judío-polacas y por su madre, superviviente del Holocausto de Auschwitz, con quien se filmó en su última película antes de quitarse la vida, «No home movie» (2015).

Además del ciclo que ofrecerá Filmin, las películas de Akerman se podrán ver en algunos cines españoles a partir del mes de marzo.

Este foco a Chantal Akerman ha sido realizado con el apoyo de Filmoteca Española y Museo Reina Sofía, entidades organizadoras de la primera retrospectiva integral de Chantal Akerman en España, celebrada en otoño de 2019.

Este es el listado de títulos que integran el ciclo:
«Saute ma ville» (1968, cortometraje)
«Hôtel Monterey» (1972)
«Le 15/8» (1973)
«Yo, tú, él, ella» (1974)
«Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles» (1975)
«News from Home» (1976)
«Los encuentros de Anna» (1978, próximamente)
«Toute une nuit» (1982)
«Hôtel des Acacias» (1982)
«La paresse» (1986, cortometraje)
«D’Est» (1993, próximamente)
«No Home Movie» (2015)

La plataforma acaba de estrenar El camino, una de las joyas desconocidas del cine español, la primera en adaptar una novela de Delibes.

El recuerdo de Ana Mariscal como actriz de cabecera en las películas de los 40 y 50 permanece imborrable. Pero la interpretación no es el único legado que dejó esta estrella incontestable del cine español: fue una de las primeras mujeres en encarnar un personaje masculino en el teatro, en fundar su propia productora y en ponerse detrás de la cámara, haciendo carrera de ello. También fue la primera en adaptar una novela de Miguel Delibes: El camino (1963), una de las joyas del séptimo arte patrio, olvidada durante décadas, que se podrá ver en la plataforma FlixOlé a partir del próximo viernes, 13 de enero.

Pionera en multitud de aspectos culturales e intelectuales, Mariscal fue una de las precursoras del neorrealismo italiano en la España del franquismo. Su obra cumbre, El camino, es un claro ejemplo del cine personal, apegado a la realidad y a las preocupaciones sociales, que desarrolló la diva de la gran pantalla en su faceta de directora. Algo que no era del agrado de la censura, que entorpeció la exhibición y distribución de la cinta, contribuyendo a que ésta quedase como película maldita.

El interés por el título ha experimentado un reciente despertar en certámenes y filmotecas. De hecho, el Festival Internacional de Cannes, en su 74ª edición, incluyó la proyección de El camino en la sección de clásicos. Ahora, FlixOlé facilita la visualización de esta obra imprescindible con el estreno de una versión restaurada y digitalizada.

Representación de la vida rural, sus alegrías y penurias

Cara visible de las comedias escapistas, melodramas históricos y productos patrióticos que tanta fama le granjearon como actriz, Ana Mariscal cultivó un cine totalmente distinto, independiente a los cánones que marcaba el régimen. Bajo el sello Bosco Films, productora que la propia Mariscal creó a principios de los años 50, la cineasta volcó sus inquietudes y rodó una decena de películas, siendo una de las más reconocidas El camino. El humanismo y existencialismo del texto de Delibes se convirtieron en imágenes en este largometraje con el que la directora representó la vida de un cotidiano pueblo de la sierra de Ávila, con sus penalidades y alegrías.

Mariscal filmó un retablo costumbrista del mundo rural y sus gentes durante la dictadura. Para ello utilizó como hilo conductor a Daniel, un niño apodado ‘El mochuelo’ al que su padre quiere enviar a la ciudad para que termine sus estudios y sea un hombre de provecho. Durante las horas previas a su marcha, por la mente del adolescente desfilan los recuerdos del pueblo y de sus vecinos.

El bucólico retrato maquilla el ambiente opresivo, la falta de oportunidades y el paternalismo religioso que evidencia la película. Una crítica social que, paradójicamente, no descarga su culpa en los personajes. La ternura e inocencia de los protagonistas alcanzan de lleno al espectador, y dejan en éste numerosos episodios imborrables: como el del ejército de beatas persiguiendo las pecaminosas conductas de sus convecinos; las diabluras de los jóvenes del lugar, algunas de las cuales terminan en tragedia; el juego de la cucaña como excusa para ensalzar la masculinidad entre los lugareños; o las sonrisas y lágrimas de la pequeña Mariuca-Uca.

Directora y actriz, a la misma altura

El camino conduce con humor satírico a un fatalista reflejo de la realidad, lo que hizo que Ana Mariscal se las viera y se las desease con la censura. Un ninguneo que, sumado al sambenito de ser “la actriz del régimen”, ha impedido que el largometraje, y parte de la obra de la realizadora, hayan obtenido el reconocimiento que merece. Y es que en un tiempo en el que el rol de la mujer estaba tristemente encorsetado, Ana Mariscal mostró su empoderamiento en un sector poco dado a ello, sirviendo de inspiración a multitud de nombres que vinieron después.

La inclusión de El camino en el catálogo de la plataforma especializada en cine español, donde también están disponibles otros títulos protagonizados por la actriz, permite recuperar del olvido una joya fílmica de nuestro país al tiempo que pone en valor la carrera, menos conocida, de Ana Mariscal como directora.

La primera serie creada por el célebre director italiano acaba de ser premiada en los Premios del Cine Europeo.

Filmin estrena en España el próximo martes 20 de diciembre la miniserie «Exterior Noche», creada y dirigida por el cineasta Marco Bellocchio. Ganadora el pasado fin de semana del Premio Innovación en la Narrativa en los Premios del Cine Europeo, la serie reconstruye el secuestro y posterior asesinato del exprimer ministro Aldo Moro por parte de las Brigadas Rojas en 1978, un acontecimiento que Bellocchio ya trató en su aclamada película «Buenos días, noche» (2003). Dos décadas después, el director afronta por primera vez en su carrera un proyecto de ficción seriada para ampliar el foco y abordar el asesinato de Moro desde otros puntos de vista: «Se llama ‘Esterno notte’ porque la narramos desde el exterior de la prisión de Moro. Contamos la historia de una serie de personajes que no estaban presentes en la primera película, como el Ministro del Interior, el Papa, su esposa y dos de los terroristas», explica Bellocchio.

Coincidiendo con el cuadragésimo aniversario del asesinato de Moro, y tras ver unas imágenes en televisión del político con su familia en la playa, Bellocchio decidió retratar de nuevo un suceso que considera clave en la historia política reciente de Italia. «Todos los historiadores políticos están de acuerdo en que el asesinato de Moro, combinado con el hecho de que no se negoció en ningún momento con las Brigadas Rojas para liberarlo, condujo a una crisis política sin precedentes», explica el director, que afirma que el sistema parlamentario vigente hasta ese momento, y los grandes partidos que habían gobernada el país (como la Democracia Cristiana de Aldo Moro) quedaron muy debilitados, lo que propició el surgimiento de nuevas fuerzas políticas, como la Forza Italia de Silvio Berlusconi.

Fabrizio Gifuni («El capital humano») da vida a Aldo Moro y lidera un reparto en el que encontramos a Toni Servillo (que encarna al Papa Pablo VI) y Margherita Buy («Mia madre»). «Exterior noche» se estrenó en el Festival de Cannes -que solo programa series de televisión cuando su creador ha participado previamente en el festival-, y se estrenó en noviembre en cines en Italia, aunque en su mapa de ruta ninguna de estas dos paradas estaban a priori previstas: «La película se va a estrenar de diversas maneras y en diferentes plataformas. Y es una aventura totalmente nueva. Cambiar el celuloide por la cámara digital no tuvo un gran impacto para mí, pero ahora sí me veo afectado por el cambio en los modelos de distribución», indica el director, que considera que la serie «está dividida en episodios, pero es una única película de 6 horas».

La tercera temporada de «The Kingdom», que llega 25 años después del final de la serie, se estrenará en España el próximo otoño.

Filmin ha llegado a un acuerdo con TrustNordisk para estrenar en España la trilogía «The Kingdom», la célebre serie que Lars Von Trier creó en los años 90 y que, 25 años después de su final, estrenará su tercera temporada en otoño de 2022.

Las dos primeras temporadas de «The Kingdom» han sido remasterizadas para ofrecer la mejor experiencia audiovisual a los espectadores que quieran descubrir o rememorar una serie que se ambienta en un moderno y laberíntico hospital situado en un antiguo pantano, y que mezcla géneros y tonos de manera apasionante. El reparto incluye a estrellas del cine nórdico como Lars Mikkelsen («Devils»), Nikolaj Lie Kaas («Los casos del Departamento Q»), Mikael Persbrandt («El Hobbit») o Tuva Novotny («Nobel»). Alexander Skarsgaard («Succession») será la estrella invitada de la tercera temporada, escrita, como la serie original, por Lars Von Trier en colaboración con Niels Vørsel.

Además, Filmin ha adquirido también la filmografía completa del director danés, perteneciente a TrustNordisk, que incluye películas tan célebres como «Bailar en la oscuridad», «Dogville», «Anticristo», «Melancolía» o «La Casa de Jack», así como sus dos primeros largometrajes, «El elemento del crimen» y «Epidemic».

Sinopsis de «The Kingdom Exodus»

Fuertemente influenciada por los hechos narrados en las dos primeras temporadas de «The Kingdom», la sonámbula Karen busca respuestas a los problemas no resueltos de la serie para salvar al hospital de la perdición. Una noche, profundamente dormida, Karen se adentra en la oscuridad e inexplicablemente termina frente al hospital. La puerta del Reino se abre de nuevo…

Los seis nuevos episodios de la serie de culto de Steve Pemberton y Reece Shearsmith llegan a Filmin el próximo 31 de agosto.

Filmin estrena el próximo martes 31 de agosto, en exclusiva en España, la sexta temporada de uno de sus mayores éxitos: «Inside No. 9«. La serie británica de culto regresa con seis nuevos episodios autoconclusivos en los que la mezcla de géneros, los giros de guion imposibles y su peculiar humor negro harán las delicias de los seguidores de la última ganadora del BAFTA a la mejor serie de comedia.

Una leyenda de la interpretación como Derek Jakobi será uno de los intérpretes invitados a esta sexta temporada. Jacobi, que ya prestó su voz al célebre episodio de «El Diablo de la Navidad» (temporada 3), estará presente esta vez en el quinto episodio, encarnando a un anciano abogado cascarrabias que recibe las atenciones de su resolutivo cuidador, encarnado por Reece Shearsmith (creador de «Inside No. 9» junto a Steve Pemberton).

Jacobi no será la única estrella presente en esta nueva tanda de episodios. Adrian Dunbar («Blood») protagonizará el episodio 4 encarnando a una versión mejorada de sí mismo; mientras que en el episodio 3, Sian Clifford («Fleabag») será una experta lectora de labios contratada para investigar una supuesta infidelidad.  Lindsay Duncan («Sherlock»), Paterson Joseph («The Leftovers») o Gemma Whelan («Juego de Tronos») son otros de los intérpretes que podremos ver en esta sexta temporada de «Inside No. 9».

En una época en la que la homosexualidad era perseguida y penada en España, una simple mirada entre hombres, o mujeres, podía suponer que al furtivo observador se le aplicase la Ley de Vagos y Maleantes. Entre persecuciones y caza de brujas, llama la atención que Luis Mª Delgado y Alfredo Alaria pudiesen estrenar su musical Diferente. Considerada como la primera película en mostrar a un homosexual en la gran pantalla en nuestro país, el misticismo que rodea a esta cinta se debe al hecho de que la misma llegase a las salas durante el Franquismo.

El largometraje presenta a Alfredo, un joven perteneciente a la alta alcurnia que prefiere estar encima del escenario a pasar su vida en la oficina. Sus padres y hermano, en cambio, desean que continúe con el negocio familiar. El drama está servido… Más si cabe cuando el protagonista deberá reprimir también sus verdaderos sentimientos, quedando relegadas sus preferencias sexuales a miradas furtivas.

Milagrosamente se dejó circular el contenido del film; aun cuando el protagonista de Diferente aparecía en pantalla revelando, en varias ocasiones y abiertamente, su atracción por los hombres. Uno de los momentos más explícitos que nos encontramos se produce cuando Alfredo, el personaje principal, se pierde entre los andamios de una obra y, embelesado, observa a un fornido jornalero que maneja con destreza el martillo percutor.

Amén de la citada escena, el largometraje nos brinda otras situaciones que nos llevan a concluir que Alfredo no sólo es diferente por que desee tomar otros derroteros profesionales: la particular biblioteca de libros de Alfredo, su negativa a mantener relaciones con mujeres….

Entonces, ¿cómo es posible que la censura permitiese tan ‘pecaminosa’ exhibición?. Aunque existen varias opiniones, una de las principales hipótesis es que los responsables de meter la tijera no se enteraron. El propio director, Luis Mª Delgado, se sorprendió de que no les cortasen nada.

Un musical al estilo Broadway

Al margen del componente morboso que implica, afortunadamente, la no actuación de la censura, lo cierto es que Diferente también supuso una bocanada de aire fresco para el cine español. La cinta importó el espectáculo de los teatros de Broadway y lo fundió con la cultura flamenca. De esta manera surgió un musical que, lejos de caer en los clichés folclóricos, fusionó el ambiente cañí con sonidos de otros continentes.

Por todo ello, Diferente se convirtió en un referente en el cine europeo. Una joya que durante años ha quedado relegada al olvido. Hasta ahora. FlixOlé estrena en exclusiva una copia de esta película referente en el cine LGTBIQ+, restaurada para ser disfrutada en la mejor calidad de imagen y sonido; no pudiéndose visualizar en otras plataformas. Diferente se incluirá en la colección Visibilización, inclusión y diversidad: cine LGTBIQ+ para conmemorar la celebración del Día del Orgullo LGBTIQ+ el 28 de junio. El ciclo está compuesto por más de 30 títulos, de todas las épocas, que retratan la homosexualidad desde todos los géneros y puntos de vista posibles, y en el que destacan entre otros clásicos como por ejemplo  Mi querida señorita (Jaime de Armiñán, 1972), El diputado (Eloy de la Iglesia, 1978) o A un Dios desconocido (Jaime Chávarri, 1977).

Más de 100 títulos, incluyendo más de 70 conciertos en alta definición, integran el primer canal dedicado al mundo del jazz que una plataforma de streaming ofrece en España.

Filmin sigue apostando por ofrecer a sus suscriptores contenidos alternativos más allá del estreno de documentales, películas y series de televisión. Tras el éxito de Filmin Clásica, dedicado al mundo de la música clásica, la plataforma repite la fórmula pensando en los amantes del jazz con el estreno de Filmin Jazz, un canal en el que se encuentran los grandes artistas, clásicos y contemporáneos, que han dado forma a este género musical.

El canal se divide en seis bloques temáticos. En “Grandes voces”, conciertos míticos de las grandes divas del jazz, de Aretha Franklin a Ella Fitzgerald, pasando por Nina Simone y Sarah Vaughan, entre otras. En “Iconos” están ellos: Miles Davis, John Coltrane, Chet Baker, Charles Mingus y Thelonious Monk entre otros nombres que han convertido el género en leyenda. En “Jazz Clásico” podremos disfrutar de algunos de los conciertos más míticos de la historia del jazz, como el que ofreció Louis Armstrong en 1959 en Anvers, uno de los últimos de su carrera, o algunas célebres actuaciones en directo de Ray Charles y la Count Basie Orchestra. “Jazz Contemporáneo” ofrece un selecto recorrido por algunos de los artistas que dan lustre a las programaciones de los festivales de jazz más importantes del mundo y que han revitalizado el género en las últimas décadas, fusionándolo en muchas ocasiones con otros géneros y sonidos de otros continentes: Avishai Cohen, Youssou Ndour, Chucho Valdés o Al Jarreau… En “Documentales sobre jazz” ya no encontramos conciertos, sino películas de no ficción dedicadas al mítico sello Blue Note o a artistas como Art Blakey, Ernesto Lecuona o la trompetista catalana Andrea Motis. Finalmente, “Grandes bandas sonoras de jazz” incluye películas como “Ascensor para el cadalso”, con la inolvidable música de Miles Davis, o “Anatomía de un asesinato”, con partitura de Duke Ellington, junto a biopics dedicados a figuras como Nina Simone (“Nina Simone”, de Cynthia Mort ) o Glenn Miller (“Música y lágrimas”, de Anthony Mann), entre muchas otras películass.

En total más de 100 títulos que harán las delicias de los amantes del jazz y que convierten a Filmin en la primera plataforma de streaming que ofrece a sus suscriptores un paquete de contenidos dedicado a este género musical.

En la actualidad, Rojo y negro (Carlos Arévalo, 1942) es unánimemente considerada una de las mejores películas de los años cuarenta, aunque la historia del cine también la recordará como la obra falangista que el propio Franco censuró.  Esta joya a reivindicar desapareció, y no fue hasta los años noventa cuando la cinta fue descubierta. Desde entonces es considerada un clásico mayor de nuestro cine, un mito dentro del séptimo arte que se ha dejado ver en muy contadas ocasiones. FlixOlé estrena en exclusiva una copia restaurada en HD de esta cinta maldita.

La película Rojo y negro tuvo como protagonistas a Ismael Merlo y a Conchita Montenegro, siendo una de las pocas producciones españolas en las que participó la actriz que llegó a compartir cámara junto con Buster Keaton y Ramón Novarro en Hollywood. Ello es solo una muestra de lo inaudito que resultó el largometraje de Carlos Arévalo en el contexto de la cinematografía de nuestro país en los años cuarenta.

Esta obra viene a enriquecer el patrimonio cinematográfico español, con la restauración en HD de todo el metraje, un trabajo que viene desarrollando FlixOlé desde sus inicios. En el enlace al final de la nota se podrá comprobar, con imágenes del antes y el después, cómo se ha mejorado visualmente esta cinta.

La película cuenta los días previos y las primeras contiendas de la Guerra Civil mediante una pareja de novios: ella es falangista y él militante comunista. La cinta no escatimaba críticas al bando republicano, como tampoco a las checas ni a la crueldad de sus carceleros. Sin embargo, al final mostraba el arrepentimiento del militante comunista, en algo parecido a una apuesta por la reconciliación de ambos bandos. Ése era un mensaje que el franquismo no podía permitir.

Otra de las razones que hace única a Rojo y negro es la forma de contar la trama. Carlos Arévalo se atrevió a llevar a la gran pantalla un ambicioso barroquismo visual con escenas convertidas ya en icónicas, como aquella que recorre las habitaciones de la tristemente famosa checa de Fomento. Fragmentos como éste convierten a Rojo y negro en la película más arriesgada, experimental y atrevida de todo el cine de los años cuarenta.

Dichas razones hicieron que, apenas cumplidas unas semanas de su exitoso estreno, la cinta fuese prohibida y sus copias secuestradas. No quedó ni rastro de ella, convirtiéndose en uno de los títulos más buscados por los aficionados. Su director, Carlos Arévalo, uno de los cineastas más prometedores del cine español de la posguerra, fue condenado al ostracismo. Vio cómo sus proyectos recibían cada vez más trabas por parte de la censura y la administración, obligándole a abandonar el cine durante 12 años.

La película pasó a convertirse en un secreto hasta los años noventa, cuando fue recuperada por Filmoteca Española. Consiguió entonces el elogio crítico y académico, y el largometraje se convirtió en un clásico indiscutible, a pesar de su cuestionable carga ideológica. Sin embargo, fuera de proyecciones en filmotecas y centros culturales, la película ha sido vista pocas veces, y a día de hoy sigue siendo poco conocida.

FlixOlé hace por fin accesible a todos los aficionados del séptimo arte una verdadera obra maestra del cine español, perfectamente restaurada en calidad 4k en las instalaciones de Video Mercury.  Continuando así su decidida apuesta por dar a conocer las mejores películas españolas con la mejor calidad de imagen y sonido.