«La reconquista» el cuarto trabajo tras las cámaras del madrileño Jonás Trueba (Todas las canciones hablan de mí, Los ilusos, Los exiliados románticos), un director muy a tener en cuenta dentro del actual panorama del cine español, nos presenta un primer y doble tráiler, uno dedicado al verano y otro al invierno, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película será una de las tres producciones españolas que competirán por la Concha de Oro en la inminente edición del festival de San Sebastián junto a «El hombre de las mil caras» y «Que Dios nos perdone» teniendo previsto su estreno en cines para el próximo 30 de septiembre.
En «La reconquista» vemos como Manuela (Itsaso Arana) y Olmo (Francesco Carril) se reencuentran en un futuro que se habían prometido quince años antes, cuando eran adolescentes y vivieron su primer amor. A partir de esta premisa romántica, La Reconquista es en realidad una película en busca del tiempo; o sobre la conciencia del tiempo: del tiempo perdido y del tiempo recuperado; sobre lo que recordamos de nosotros mismos y sobre lo que no recordamos; sobre las palabras, los gestos y los sentimientos a los que seguimos guardando fidelidad, porque nos definen y nos interpelan en el presente, el pasado y el futuro.
La película está protagonizada por Itsaso Arana, Francesco Carril, Aura Garrido, Candela Recio y Pablo Hoyos.
Viendo The Wailing uno tiene la sensación de revisitar de una manera continuada la extraordinaria Memories of Murder de Bong Joon-ho, de hecho el film de Na Hong-jin no deja de ser una especie de reinterpretación en clave fantástica, ya no solo por esa amalgama genérica y narrativa tan habitual en el cine de esas latitudes (comedia, drama, thriller de investigación, terror, géneros mezclados en ambas películas de una forma eso si cronológica según van desenvolupando sus hechos) sino por su incisiva y en cierta manera ambivalente metáfora sobre los fantasmas que aún a hoy día siguen poblando la Corea del Sur actual, aquí perfectamente radiografiada escénicamente a través de una atmósfera de contornos rurales y profundos claramente opresivos, una película que nos habla de los demonios, los fantasmas y las personas incidiendo en su narrativa en elementos climáticos insistentes como pueden ser la insistente lluvia o la oscuridad como percutores del desasosiego, los protagonistas de ambos films tienen una necesidad casi perentoria de intentar poner un rostro al mal, ya sea el de un asesino en serie o el de un ente de naturaleza sobrenatural, una exposición que cobra una vital importancia y un mérito indiscutible al estar todo ello construido en base a unos mimbres que a priori a un público occidental le pude suponer algún que otro problema en lo referente a su seguimiento.
«Kubo y las dos cuerdas mágicas» no es la típica película de animación que a día de hoy la audiencia está acostumbrada a ver en la gran pantalla, algo que de manera lamentable seguramente se vea reflejado de una forma clara en taquilla, la apuesta del estudio Laika con respecto a gigantes como Pixar o Ghibli es del todo arriesgada pero consecuente dado la propia naturaleza en la que se sustenta, estamos ante una película que no tendrá una secuela, y en donde la historia que se nos cuenta llega a explorar la importancia de las emociones humanas de forma conceptuada, de esa necesidad casi perentoria a la hora de recuperar la habilidad de contar historias, poniendo un especial hincapié sobre el poder de la narración en sí misma, utilizado aquí como vehículo sobre el proceso de creación y como este sirve al mismo tiempo como un fundamento clave sobre nuestra propia memoria a la hora de reinventar nuestra propia existencia .
María llega a Montreal desde Manila para vivir con su abuela y lucha por adaptarse a este nuevo ambiente. Alex, un joven afrocolombiano, es deportado de los Estados Unidos a Colombia para encontrarse con que su antiguo barrio está controlado por criminales. David deja su pueblo tras la muerte de su padre para buscar un mejor futuro en la Ciudad de México. X Quinientos sigue la vida de estos tres adolescentes en diferentes ciudades de América mientras pasan por el mismo camino de dolor, migración y transformación.
Lo primero que habría que reseñar de un film de las características de «Ikarie XB-1» es que su atípica realización reside especialmente en su ubicación y tiempo que no en su faceta más propiamente cinematográfica, concebida en 1963 en una Checoslovaquia regida por el bloque comunista el film se adelanta con respecto a múltiples producciones estadounidenses en el concepto de la space opera de tono costumbrista, casi familiar o incluso en su mensaje anti-nuclear, poseedor de un diseño de producción fastuoso para la época a la hora de mostrar las aeronaves, decorados futuristas, trajes de astronautas etc , amén de varias coordenadas genéricas que más adelante veríamos en el desarrollo de films como por ejemplo «Solaris«, «2001: A Space Odyssey» o «Alien» por citar solo los más importantes. Posiblemente la única referencia clara que pilla el film de producciones anteriores provenga de ese robot claramente emparentado con el mítico Robby de «Forbidden Planet«, presentado y escenificado en la trama casi como un objeto obsoleto, entre un tono burlesco y sentimental.
A modo de curiosidad apuntar que el omnipresente Roger Corman compraría en su día los derechos del film para su posterior distribución internacional, con el título de «Voyage to the End of the Universe» la película sufriría de varias alteraciones que cambiaban por completo la concepción inicial del film, derivando más hacia un mensaje de tono apocalíptico especialmente visible en un final en donde el destino final de la expedición acaba resultando ser un regreso a una futura tierra con la figura semiderruida de la Estatua de la Libertad como escena final (incluso en este apartado invasivo por parte de Roger Corman el film resulta referencial como en un futuro se pudo comprobar cinco años después en el final que vimos en la fundamental «Planet of the Apes«). Por fortuna la restauración presentada en el pasado festival de Cannes nos devuelve la versión original del film, con un final mucho más coherente en lo que es la concepción final del mensaje de un film esencial y plenamente percutor en su cometido tanto conceptual como innovador, de obligada referencia a la hora de analizar con detenimiento el posterior desarrollo de la ciencia ficción en la historia del cine.
