Fantasia, web dedicada al cine, críticas y análisis de películas, series de televisión, festivales, noticias, libros, Dvd & Bluray, merchandising y todo lo que rodea al séptimo arte
El cine post-apocalíptico tiene nombre propio: es Mad Max, uno de los más grandes iconos de la historia del género de aventuras en general, y del «survival» en particular. Y tiene un lugar arquetípico que funciona como territorio de aventuras y como expresión del fracaso de la sociedad: el páramo en el que se desarrollan la mayoría de las peripecias de este ex policía convertido en un ser errante y sin esperanza. La saga Mad Max está ya, desde su inicio en 1979, más allá de cualquier consideración sociológica o artística. Ha entrado en el territorio de las leyendas, esas figuras totémicas que perdurarán con el paso de las décadas. Con sus cinco películas, todas ellas muy distintas entre sí, pero también con los suficientes nexos en común como para considerarlas un todo, el australiano George Miller ha construido una epopeya digna de sus ancestros griegos. La saga ha ido creciendo título a título hasta construir un universo propio y con sus propias reglas: tras la trilogía inicial que se cerraba en 1985, George Miller y sus colaboradores nos brindaron un cuarto filme en 2015 que revolucionó para siempre el de cine de aventuras, digno del desquiciado mundo del siglo XXI. Para terminar, crearon una memorable contraparte fe menina, la terrible Furiosa, que recogió el testigo de Max para ejercer de espejo de este mundo patriarcal, violento, machista y decadente. En este volumen Adrián Massanet realiza un extenso y razonado análisis de cada una de las cinco películas que componen la saga, nos cuenta con detalle las circunstancias que rodearon a cada producción, las dificultades de cada una de ellas, el impacto y legado que han supuesto a lo largo de los años y un estudio de todos los colaboradores de George Miller, llevando a cabo un extenso recorrido por este páramo de fuego y sangre.
Contenidos
INTRODUCCIÓN. MI NOMBRE ES MAX
PREÁMBULO. UN VIAJE POR EL PÁRAMO.
PRIMERA PARTE: LA HISTORIA DE MAX
1. RECUÉRDALO CUANDO MIRES EL CIELO NOCTURNO Mad Max: salvajes de la autopista (1979)
2. ESTA TIERRA DESOLADA Mad Max 2. El guerrero de la carretera (1981)
3. EL QUE LLEVA AL SR MUERTO EN SU BOLSILLO Mad Max, más allá de la cúpula del trueno (1985)
INTERLUDIO
SEGUNDA PARTE: LA LEYENDA DE FURIOSA
4. VIAJARÁS ETERNO, BRILLANTE Y CROMADO Mad Max: Furia en la carretera (2015)
5. UNA TUMBA DESPIADADA, MÁS PROFUNDA QUE EL INFIERNO Furiosa: De la saga Mad Max (2024)
CODA
APÉNDICES
1. CREADORES
2. DISCOGRAFÍA
3. FRANQUICIA
4. EDICIONES FÍSICAS 5. MAD MAX EN LA CULTURA POPULAR
Acaba de ser presentada en sociedad un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto su póster promocional, del nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora Jane Schoenbrun titulado Sex and Death at Camp Miasma. La responsable de «We’re All Going to the World’s Fair» y «I Saw the TV Glow«, vuelve a deconstruir géneros cinematográficos en una película que se estrenará en nuestro país de la mano de Mubi el próximo 7 de agosto de 2026.
En Teenage Sex and Death at Camp Miasma vemos como tras años de secuelas cutres y un fandom en declive, la franquicia slasher Camp Miasma es puesta en manos de una joven y entusiasta directora para que la resucite. Pero cuando visita a la estrella de la película original, una actriz que ahora vive recluida y envuelta en misterio, las dos caen en una espiral de sangre, deseo, miedo y delirio.
La película, con guion a cargo de la propia Jane Schoenbrun, esta protagonizada por Hannah Einbinder, Gillian Anderson, Amanda Fix, Arthur Conti, Eva Victor, Zach Cherry, Sarah Sherman, Patrick Fischler, Dylan Baker, Jasmin Savoy Brown, Kevin McDonald, Quintessa Swindell y Jack Haven.
En colaboración con Fundación Japóny mediadistancia, Cineteca presenta un ciclo dedicado a la Directors Company, uno de los experimentos más singulares del cine japonés de los años 80. Fundada en 1982, la compañía reunió a un grupo de cineastas jóvenes que buscaban producir películas personales y arriesgadas al margen de los grandes estudios, en un momento en que la industria atravesaba una crisis profunda. Directores como Kiyoshi Kurosawa, Shinji Somai, Toshiharu Ikeda o Sogo Ishii realizaron sus primeras películas en el marco de esta experiencia radical, que renovó el panorama del cine japonés e impulsó a algunas de sus figuras centrales. Un conjunto de películas que mezclan sátira, violencia, melodrama, humor absurdo y crítica social. Todas las sesiones estarán presentadas por el equipo de mediadistancia.
Cuando un pescador es asesinado por unos codiciosos promotores inmobiliarios por interponerse en sus planes de expansión, su esposa Migiwa, buceadora de perlas, emprende una implacable venganza contra los yakuza responsables. Acusada del asesinato de su marido y obligada a refugiarse en un burdel, una furia imparable se desata a medida que tienen lugar las sangrientas batallas.
Bumpkin Soup
(Do-re-mi-fa musume no chi wa sawagu)/Kiyoshi Kurosawa/Japón/1985/ (82′)
Akiko es una joven del campo que visita una universidad de Tokio en busca de su amor de juventud. En su búsqueda se cruza con diversos y excéntricos habitantes del campus: intelectuales apáticos, estudiantes obsesionadas con el sexo, un profesor de psicología en busca de la teoría de la vergüenza y, por supuesto, su amado Yoshioka, que se ha convertido en un personaje esquivo y prácticamente invisible dentro de la universidad. Una de las primeras obras de Kiyoshi Kurosawa, reconocido director de Cure y Tokyo Sonata.
Miércoles 25/ 20:00 h/ Sala Azcona
Door
Banmei Takahashi/Japón/1988/(94′)
Yasuko vive en un rascacielos de la ciudad con su marido y su hijo. Nerviosa por las llamadas de broma y las insistentes visitas comerciales, un día le cierra la puerta de golpe a un vendedor cuando este intenta meter a la fuerza un folleto a través de la cadena. A partir de ahí, él comienza a acosarla: primero con cartas obscenas escritas en la puerta de su casa y luego escalando poco a poco hasta convertirse en un acoso constante que desemboca en unos últimos 20 minutos de caos fuera de sí… Primera película slasher japonesa.
Jueves 26/ 20:00 h/ Sala Azcona
Door II: Tokyo Diary
Banmei Takahashi/Japón/1991/ (82′)
Ai es una call girl, un trabajo que conlleva muchos riesgos. Cada vez que cruza una puerta, no sabe qué tipo de hombre va a encontrarse al otro lado: algunos son amables, otros violentos y otros simplemente están completamente desequilibrados. Un día conoce al señor Mamiya, un artista extraño y fascinante que poco a poco la iniciará en los placeres del S&M.
La familia Kobayashi por fin consigue mudarse de su diminuto y agobiante apartamento de Tokio a la casa de sus sueños. Pero las cosas no son tan perfectas como parecen: la vivienda está infestada de termitas y la familia empieza a perder la cordura. El hijo, Masaki, estudia de forma tan obsesiva para los exámenes que comienza a desquiciarse; la hija, Erika, vive ajena a todo salvo a su próxima audición para una discográfica; el abuelo, Yasukuni, sufre recuerdos traumáticos de la Segunda Guerra Mundial; y el padre, Katsuhiko, está tan preocupado por la “enfermedad” de su familia que llega a pensar que solo puede curarse mediante un suicidio colectivo. A medida que la casa de los Kobayashi empieza a venirse abajo, también lo hace la cordura de sus habitantes. Katsuhiko decide tomar cartas en el asunto para evitar que acaben en un manicomio… cueste lo que cueste.
Esta sesión presenta tres películas fundamentales de found footage, que parten de metraje encontrado para transformarlo mediante el montaje. Las nuevas combinaciones de imágenes, resultantes de un proceso de investigación estética y crítica ideológica, revelan otras maneras de percibir los materiales originales, reconectando con el espíritu dadaísta para el cual la destrucción, el automatismo o las leyes imprevisibles del azar se convierten tanto en objeto de goce como en la creación de nuevas formas.
Une œuvre de Maurice Lemaître es el equivalente cinematográfico de la poesía dadaísta de Tristan Tzara y, al mismo tiempo, una obra perteneciente al automatismo letrista de Isidore Isou. Lemaître la realizó con fragmentos de películas rescatados de la basura de un laboratorio cinematográfico (ficciones, programas de televisión, anuncios o documentales industriales… y material que remite al propio medio, como colas de películas, títulos de crédito, claquetas, etc.) ensamblados en el orden exacto en que fueron encontrados, pero invirtiendo la dirección del movimiento y las relaciones espaciales dentro de la imagen, reduciendo así las secuencias a series de fotogramas cada vez más breves, y organizando repeticiones y series de imágenes. La banda sonora es discrepante, es decir, asincrónica: la relación continua y armoniosa entre imagen y sonido se rompe espontáneamente. Por otro lado, el material cinematográfico encontrado en la basura se presenta como una superficie de inscripción en la que aparecen las escorias, los arañazos y las manchas que normalmente la proyección cinematográfica trata de evitar.
El uso de película dañada, rayada, envejecida y abandonada por los distribuidores está también en el origen de las imágenes en Cinemascope de Hollywood (imágenes anamórficas destinadas al desguace) reutilizadas en La verifica incerta de Gianfranco Baruchello y Alberto Grifi. El título de la obra, la palabra verifica, debería entenderse en el sentido de la verificación de las copias, que en este caso es incierta teniendo en cuenta al estado de deterioro del material procedente. Surgido en el contexto de los primeros experimentos conceptuales de las vanguardias literarias italianas del Gruppo 63 y del Nouveau Roman francés, e inspirado por el ‘ready made’ de Marcel Duchamp, el film logra subvertir con ironía una multitud de clichés y estereotipos representados en las ficciones hollywoodienses y romper toda forma de continuidad narrativa con un hilarante (des)montaje que progresivamente va desvelando la imagen original como un vehículo de ideología.
Por último, Metropolen des Leichtsinns hecha a partir de una colección de unas 500 películas diferentes (en su mayoría cortometrajes educativos, series de televisión, algunos largometrajes y publicidad), podría entenderse como una especie de deconstrucción diabólica del consumismo. Editada minuciosamente a mano, esta obra sigue un ritmo calibrado hasta el más mínimo detalle que desencadena efectos visuales, rimas gráficas, contrapuntos irónicos e ingeniosas asociaciones que con frecuencia juegan con la paradoja. Asimismo, la película de Draschan y Wiesner es también una forma de apología de la fisicidad del material cinematográfico.
Los incontables fragmentos fílmicos que componen estas tres películas esenciales del cine de apropiación dieron origen a una especie de enciclopedias irónicas de descartes – empalmados con cinta adhesiva, sin seguir ningún guion ni argumento – y a experimentos lingüísticos de montaje, herederos de la deconstrucción y la recontextualización dadaístas (détournement). El lenguaje con el que se expresan estas obras, compuestas de desecho de producción fílmica, rezuma una enorme complejidad semántica y ofrece al análisis cinematográfico un lenguaje variado y contenido estimulante que, aún hoy, parecen imposibles de imitar.
Une œuvre, Maurice Lemaître, 1968, 16mm, 14 min; Verifica incerta, Gianfranco Baruchello y Alberto Grifi, 1964-65, 16mm, 32 min; Metropolen des Leichtsinns, Thomas Draschan y Ulrich Wiesner, 2000, 16mm, 13 min.
Proyección en 16 mm. Une œuvre y Metropolen des Leichtsinns, procedentes de Light Cone. Verifica incerta, procedente de LUX.
Fecha: 1 marzo 2026
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del film Obsession, segundo trabajo tras las cámaras de Curry Barker, (Milk & Serial, 2024), que toma como punto de partida el relato de W. W. Jacob, The Monkey’s Paw, a la hora de extrapolar el concepto de las relaciones románticas codependientes desde coordenadas próximas a la comedia adolescente de terror de los años ochenta. La película, aún sin fecha de estreno en nuestro país, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 5 de mayo de 2026.
Obsession nos cuenta el anhelo romántico desesperado de un chico por su amor platónico de toda la vida desencadena un siniestro hechizo: Niki se vuelve irracionalmente obsesiva hasta convertirse en la sombra de Bear. Una fantasía aparentemente inofensiva que se convertirá en una perturbadora pesadilla. Potente metáfora sobre la cosificación de las relaciones románticas y de los límites a los que estamos dispuestos a llegar movidos por el deseo de ser correspondidos.
La película, con guion a cargo del propio Curry Barker, esta protagonizada por Michael Johnston, Inde Navarrette, Cooper Tomlinson, Megan Lawless, Haley Fitzgerald, Andy Richter, Darin Toonder, Chloe Breen, Anthony Pavone y Anthony Casabianca.
La plataforma homenajea al próximo Goya de Honor incorporando a su catálogo Ditirambo, Aoom,, Morbo, y Mi nombre es sombra. Los títulos se incluirán en una colección especial que recorre otras películas imprescindibles de su filmografía
FlixOlé celebra la trayectoria de uno de los cineastas más libres y singulares del panorama español, Gonzalo Suárez, de quien estrena cuatro títulos fundamentales tanto en su carrera como en la historia del audiovisual español: Ditirambo (1969), Aoom (1970), Morbo (1972) y Mi nombre es sombra (1996). Cuatro obras que revelan la inagotable imaginación de un director que navega a la aventura por territorios insólitos del séptimo arte.
Desde sus comienzos, este autor próximo a la vanguardista Escuela de Barcelona capeó las inercias narrativas y estéticas para alejar la gran pantalla de la cotidianidad y los convencionalismos, apostando por un cine experimental y arriesgado, profundamente ligado a la literatura. Su filmografía no busca encontrarse con la realidad, sino expandirla. A lo largo de décadas, ha desbordado los márgenes de la narrativa tradicional para revelar un universo inclasificable e ingenioso.
Por ampliar los horizontes del cine español, Gonzalo Suárez recibirá el Goya de Honor el próximo 28 de febrero, reconocimiento a una trayectoria marcada por la coherencia artística y la independencia. Con motivo de esta distinción, FlixOlé estrena los títulos mencionados, restaurados en la mejor calidad de imagen y sonido en sus laboratorios, e inaugura un especial compuesto por un total de 13 películas, además de la serie Los pazos de Ulloa (1985) y el documental Gonzalo Suárez: 90 años remando al viento (2024), un recorrido por la vida y obra del realizador.
Los comienzos experimentales
Entre las películas que llegarán a la plataforma destaca la ópera prima del asturiano, Ditirambo (1969). Con el aroma del film noir confluyendo en su imaginario, Gonzalo Suárez dio el salto a la dirección asumiendo también el protagonismo ante la cámara junto a Charo López, quien comenzaba a hacer sus primeros pinitos en la gran pantalla. La película sigue a un detective envuelto en un intrigante caso que lo conducirá a un imprevisible final. Cuestionando los límites entre ficción y realidad, es considerada como una de las primeras cintas modernas en el panorama nacional. Un salto al vacío que abrió una vía alternativa del audiovisual de finales de los años sesenta y que reivindicaba la experimentación y libertad creativa.
Ditirambo se presentará en la plataforma en próximas fechas. Mientras tanto, desde este viernes, 20 de febrero, se podrá acceder a otro de los títulos esenciales del director, Aoom, ejemplo anticonvencional del afán de Suárez por desdibujar las fronteras entre géneros y su gusto por la improvisación —no había un guion previo—. A medio camino entre el humor absurdo, la ciencia ficción, el romanticismo y la tragedia, la película narra la historia de un actor que, hastiado de su existencia, decide abandonar su cuerpo e instalarse en el de una muñeca. Su amante iniciará entonces su búsqueda, acompañada por un grupo de personajes excéntricos que protagonizan situaciones desconcertantes y deliberadamente descontextualizadas para despertar la reacción del espectador. Filme maldito reconvertido con el tiempo en obra de culto, Aoom es también célebre por la fascinación que despertó en el cineasta Sam Peckinpah, marcando el inicio de una amistad que duraría hasta la muerte del estadounidense.
Morbo y Mi nombre es sombra
El mismo 20 de febrero se incorporarán también Morbo (1972) y Mi nombre es sombra (1996). La primera construye un inquietante relato sobre la pulsión erótica y la violencia latente en unos recién casados que pasan la luna de miel aislados en un bosque que parece observarles. Protagonizada por Ana Belén y Víctor Manuel, la química entre ambos traspasó la pantalla y culminó en boda pocos meses tras el rodaje.
Por su parte, Mi nombre es sombra refleja la estrecha relación de Suárez con la literatura al revisitar el mito de Dr. Jekyll y Mr. Hyde desde una mirada personal. Más que una adaptación al uso, la película reformula el clásico para reflexionar sobre la identidad, la dualidad y los monstruos íntimos que habitan en cada individuo, confirmando la atracción del cineasta por la difusa y contradictoria línea que separa el bien y el mal.
Colección especial FlixOlé
Todas estas películas formarán parte de una colección especial dedicada al universo de Gonzalo Suárez, donde podrán encontrarse otros títulos esenciales de su trayectoria. Entre ellos, Epílogo (1984), una personal reflexión sobre el proceso creativo; Remando al viento(1988), una de las grandes obras maestras del cine español —Concha de Plata en el Festival de San Sebastián y ganadora de seis premios Goya—, que recrea el encuentro entre Mary Shelley (Lizzy McInnerny), Lord Byron (Hugh Grant) y otros poetas románticos en Villa Diodati, evento del que surgiría la criatura Frankenstein; y El detective y la muerte (1994), singular revisión del cine negro en la que la trama se convierte en vehículo para reflexionar sobre el poder, la corrupción, el destino y la inexorabilidad de la muerte.
Con este especial, FlixOlé reivindica la figura de Gonzalo Suárez como uno de los grandes autores del cine español: un creador que ha hecho de la imaginación su territorio natural y de la libertad creativa su principio irrenunciable.
Estrenada estos días en el Festival de Berlín, acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador austriaco Markus Schleinzer titulado Rose. El responsable de Michael (2011) y Angelo (2018) se sumerge en un drama de época sobre el poder y el patriarcado ubicado en la guerra de los Treinta Años.
Rose nos sitúa a principios del siglo XVII, un misterioso soldado llega a un aislado pueblo protestante de Alemania afirmando ser el heredero de una granja abandonada. Aunque demuestra ser un buen hombre y se integra en la comunidad, las sospechas de los aldeanos sobre su identidad aumentan y obligan a un ajuste de cuentas.
La película con guion a cargo del propio Markus Schleinzer junto a Alexander Brom, esta protagonizada por Sandra Hüller, Caro Braun, Marisa Growaldt, Godehard Giese, Augustino Renken, Robert Gwisdek, Maria-Victoria Drăguș, Sven-Eric Bechtolf, Rainer Egger, Maurice Leonhard, Annalisa Hohl, Anne Klein y Bastian Trost.
Billy Wilder ocupa un lugar de honor en el imaginario y la educación sentimental de los aficionados al cine de todo el mundo. Su talento y fantástica versatilidad le permitieron espantar cualquier etiqueta y aportar obras clave en géneros muy diversos: el cine negro (Perdición), la comedia (Con faldas y a lo loco), el drama (El crepúsculo de los dioses), el cine bélico (Berlín Occidente), el romántico (Sabrina), el de intriga (La vida privada de Sherlock Holmes), el de juicios (Testigo de cargo), el de periodistas (Primera plana) o esa clase de películas que carecen de género porque son como la vida (El apartamento).
Autor: Coordinado por Luis Alegre con textos de Jesús Angulo, Felipe Cabrerizo, Carlos Calvo, Quim Casas, Antón Castro, José Luis Castro de Paz, Nat Chediak, Elsa Fernández-Santos, Daniel Gascón, Mariano Gistaín, Carlos F. Heredero, Julieta Martialay, Marta Medina, Ana Merino, Oti Rodríguez Marchante y Manuel Vilas, Editorial: Donostia Kultura, Páginas: 233
Filmin estrena la nueva película de Lucile Hadzihalilovic, una versión moderna y onírica del cuento popular «La reina de las nieves».
Filmin estrena el próximo 20 de febrero “La torre de hielo”, la nueva película de la directora francesa Lucile Hadzihalilovic (“Earwig”, “Evolution”), tras su paso por salas el pasado diciembre dentro del ciclo “Cine en los cines” de Filmin. La película fue la ganadora del Oso de Plata a la Contribución artística en el pasado Festival de Berlín y se llevó el premio Zabaltegi-Tabakalera a la mejor película en el Festival de San Sebastián. También fue seleccionada en el último Festival de Sitges.
Está protagonizada por la ganadora del Óscar Marion Cotillard, recordada por títulos como “La vida en rosa”, o “Medianoche en París”, y por la actriz revelación Clara Pacini. Es el cuarto largometraje de la directora y el segundo encuentro entre Hadzihalilovic y Cotillard, que en 2004 rodaron juntas “Inocencia”.
Años 70. Atraída por las luces de la ciudad, Jeanne huye de un orfanato situado en lo alto de las montañas. Se refugia en un estudio de cine que explora en secreto por las noches. Durante el día se rueda allí la película La reina de las nieves, protagonizada por la enigmática Cristina. Jeanne cae inmediatamente bajo el hechizo de la bella y atormentada estrella. Entre la actriz y la chica surge una fascinación mutua.
La reina de las nieves
“La torre de hielo” es una versión moderna y onírica del cuento popular «La reina de las nieves». Esta historia de Hans Christian Andersen de 1844 narra cómo un fragmento de espejo maligno congela el corazón de Kai, que es raptado por la gélida Reina de las nieves. Su amiga Gerda lo rescatará en un viaje lleno de pruebas. Hadzihalilovic descubrió a Hans Christian Andersen a los cinco años, cuando su madre le leía incansablemente las versiones íntegras de sus cuentos de hadas. Desde entonces, le siguen fascinando: «Tanto por su complejidad humana y su retrato sensible y no moralista de nuestros miedos y deseos, como por su rica imaginación poética”, comenta la directora.
Entre paisajes nevados teñidos de una tenue luz azul y cálidos interiores, Hadzihalilovic difumina constantemente las fronteras entre realidad, ficcióny fantasía, con imágenes que podrían pertenecer a ambos mundos, con la misma dualidad que tiene la reina de las nieves: “Me fascina particularmente una figura de perfección y de saber, inaccesible y misteriosa, a la vez atractiva y aterradora. Fue el encuentro entre la joven y esta reinalo que dio origen a esta película”.
Marion Cotillard, Gaspar Noé y Clara Pacini
El proyecto marca el reencuentro entre Marion Cotillard y Lucile Hadzihalilovic después de veinte años tras “Inocencia”. Cotillard recuerda que se volvieron a reencontrar en una fiesta, la directora le habló del proyecto y se emocionó mucho: “Me encanta trabajar con gente con la que ya trabajé”, comenta la actriz. En esta ocasión, Cotillard comparte escena con la actriz debutante Clara Pacini y también con Gaspar Noé, quien interpreta a un director de cine en el set de los años setenta, un personaje que evoca a los grandes maestros obsesivos de la historia del cine.
El mar y las leyendas mitológicas suelen ser unas constantes en la filmografía del cineasta independiente británico Mark Jenkin, tras sus notables Bait (2019) y Enys Men (2022) es turno para Rose of Nevada, película cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. El film, una historia de pescadores y fantasmagoría, tras su estreno mundial en el pasado Festival de Venecia dentro de la sección Orizzonti estará presente en el D’A del próximo mes de marzo.
En Rose of Nevada vemos como en un olvidado pueblo pesquero, un barco aparece misteriosamente en el viejo puerto. La Rosa de Nevada, perdida en el mar con todos sus tripulantes hace 30 años, ha regresado. Para los pocos que lo recuerdan, es una señal: La Rosa de Nevada debe volver a hacerse a la mar: quizá entonces cambie la suerte del devastado pueblo. Nick acepta un trabajo a bordo del barco en un intento de mantener a su joven familia. Junto a él, el recién llegado Liam se une a la tripulación, desesperado por escapar de su pasado. Se hacen a la mar y, tras un exitoso viaje, regresan a puerto. Pero algo va mal. Han retrocedido en el tiempo y los aldeanos les reciben como si fueran la tripulación original.
La película, con guion a cargo del propio Mark Jenkin, está protagonizada por George MacKay, Callum Turner, Francis Magee, Edward Rowe, Rosalind Eleazar, Mary Woodvine y Adrian Rawlins.
Esta sesión celebra dos figuras esenciales de la vanguardia europea del siglo xx: Stefan y Franciszka Themerson, pioneros del cine experimental en la Polonia de entreguerras
Antes de que el fascismo arrasara Europa, los Themerson ya advertían, con imágenes radicales y poesía visual, la amenaza inminente de los autoritarismos que se cernían sobre el continente. Su obra más emblemática, Europa (1932), basada en el poema futurista homónimo de Anatol Stern, condensa las tensiones políticas, sociales y existenciales de su tiempo. Collage, animación, sobreimpresiones, escritura visual: cada técnica es convocada al servicio de un mensaje claro y urgente, antibélico, antitotalitario, visceral. Cine como grito. Cine como antídoto.
En la Varsovia de los años treinta, realizaron cinco cortometrajes experimentales: Pharmacy, Europa, Moment Musical, Short Circuit y The Adventures of a Good Citizen (1937), el último de los cuales fue el único film anterior a la guerra que sobrevivió a la devastación. Ya en Londres, durante la década de 1940, filmaron dos obras más: Calling Mr. Smith (1943), una pieza antibélica de diez minutos que denuncia la destrucción de la cultura polaca bajo el nazismo, y The Eye and the Ear (1944-45), una interpretación visual de cuatro canciones de Karol Szymanowski.
Su lenguaje cinematográfico se sustentaba en una investigación material rigurosa: el movimiento de luces y sombras sobre objetos, exploraciones nacidas de sus trabajos con fotogramas entre 1928 y 1935. Muchas de las imágenes fueron creadas sobre una mesa de trucos improvisada por Stefan: colocaba objetos diversos sobre papel translúcido, iluminados desde arriba y fotografiados cuadro a cuadro desde abajo, en una coreografía artesanal entre el azar y el cálculo.
La historia de los Themerson se fractura con la invasión nazi de Polonia en 1939. Los negativos originales de Europa se pierden entre bombardeos y saqueos. Él es reclutado por el ejército polaco en el exilio; ella encuentra en el dibujo y la ilustración un refugio íntimo y una forma de resistencia estética. Reunidos en Londres, reinventan su obra y su vida. El trauma del exilio dejó huellas profundas, pero nunca apagó su impulso creativo.
Durante décadas, Europa fue considerada una obra perdida. Hasta que, en 2019, un milagro de archivo la devolvió al mundo: una copia fue hallada en la Bundesarchiv alemana por el Instituto Pilecki. Restaurada por Fixafilm en Varsovia y con una nueva banda sonora compuesta por Lodewijk Muns, Europa regresa no solo como documento histórico, sino como gesto de supervivencia. Hoy, su visión cobra una potencia renovada. En sus formas fragmentadas, en sus cuerpos en negativo, no vemos solo una alerta contra los fascismos del pasado, sino una advertencia urgente para los presentes que habitamos.
Franciszka y Stefan Themerson: Europa, 1931, 35 mm, 12 min; The Adventures of a Good Citizen, 1937, 35 mm, 9 min; Calling Mr. Smith, 1943, 35 mm, 10 min; The Eye and the Ear, 1944, 35 mm, 10 min; Stefan + Franciszka, Tomasz Pobóg-Malinowski, 1974-75, 8 mm, 18 min.
Proyección en digital.
Copias procedentes de Lux, excepto Stefan + Franciszka, procedente de GV Art London.
Fecha: 19 febrero 2026
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Acaba de ser presentado en sociedad de la mano de A24 el tráiler final, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de la cinta de terror titulada The Undertone. Debut en el largometraje de Ian Tuason, que tras su estreno mundial el pasado año en el Fantasia Film Festival se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 13 de marzo de 2026.
En The Undertone vemos como la presentadora de un podcast sobre cosas espeluznantes se muda a casa de su madre moribunda para cuidar de ella. Cuando recibe grabaciones de audio de una joven pareja embarazada que experimenta ruidos paranormales, se da cuenta de que la historia de la mujer refleja la suya propia. Cada nueva grabación va minando su cordura, arrastrándola a un destino del que no puede escapar.
La película, con guion a cargo del propio Ian Tuason, está protagonizada por Nina Kiri, Kris Holden-Ried, Michèle Duquet, Keana Lyn Bastidas, Sarah Beaudin, Brian Quintero, Ryan Turner y Jeff Yung.
Entre los primeros títulos de la programación, algunas de las películas más destacadas del año, obras de directores imprescindibles, pero también de nuevos cineastas emergentes que han destacado en el panorama internacional con nombres esenciales como los de Werner Herzog, Claire Denis, Alexandre Koberidze, Hlynur Pálmason o Milagros Mumenthaler. Doce films de estreno catalán que presentan un panorama del cine más innovador, arriesgado y puntero del momento, ofreciendo una pluralidad de temáticas y miradas, que dan cuenta del estado del cine de autor de ahora mismo y del que mira hacia el futuro. Este es un pequeño avance de lo que está por venir en la 16.ª edición del D’A – Festival de Cinema de Barcelona.
Barrio triste es el impactante debut del colombiano Stillz, el jovencísimo director de videoclips de Rosalía o Bad Bunny, en uno de los films más libres y extremos del año, producido por Harmony Korine y con banda sonora de Arca.
El veterano director Werner Herzog se embarca en Ghost Elephants en otra de sus aventuras, que esta vez le lleva al encuentro de los misteriosos elefantes fantasmas de Angola. Sueños imposibles, reflexiones vitales e imágenes extraordinarias en un documental estrenado en la Biennale de Venecia 2025.
Hlynur Pálmason estará presente por partida doble en el D’A – Festival de Cinema de Barcelona, donde ganó el premio Talents en el año 2020 con Un blanco, blanco día. En Juana de Arco (Joan of Arc) el director filma a sus propios hijos en un film lúdico sobre el paso del tiempo, mientras que en El amor que permanece (The Love That Remains) sigue a una pareja con tres hijos a lo largo de todo un año en el que el matrimonio se deshace.
El director georgiano Alexandre Koberidze, uno de los jóvenes directores más destacados del cine europeo, regresa después de su sobresaliente ¿Qué vemos cuando miramos al cielo?. Presentará en el festival Dry Leaf, un film magistral sobre el tiempo, la memoria y los vínculos humanos. Mención especial del Jurado del Festival de Locarno.
El sonido de la caída (The Sound of Falling) de Mascha Schilinski es una de las películas más esperadas del año, después de ganar el Premio del Jurado en Cannes 2025 (ex aequo con Sirât). Un calidoscopio fascinante y fantasmagórico sobre la memoria y sus mecanismos.
También muy esperado es el film Las corrientes, el retorno de la directora argentina Milagros Mumenthaler (La idea de un lago), con un contundente retrato de una mujer a la deriva, que causó sensación en el Festival de San Sebastián 2025, donde ganó el Premio RTVE Otra Mirada.
La gran Claire Denis, una de las referentes del D’A, que le dedicó una retrospectiva en la primera edición, se adentra en Le Cri des gardes (The Fence) en los rincones más oscuros del neocolonialismo con un thriller gélido, protagonizado por Matt Dillon y Tom Blyth (Benediction). Con la banda sonora de Tindersticks.
Mark Jenkin es uno de los directores más originales del cine inglés, convertido en autor de culto después de Enys Men, un film de terror psicológico que pasó por Sitges. En Rose of Nevada sigue cautivando con una combinación imposible entre ciencia ficción existencial y etnografía marina. Protagonizan George MacKay (Capitán Fantástico) y Callum Turner (Emma).
Por último, dos films que han triunfado en los festivales internacionales. Two Seasons, Two Strangers de Shô Miyake, ganadora del Leopardo de Oro en Locarno 2025. Un díptico poético y melancólico que sitúa a su autor en la senda de Ryûsuke Hamaguchi o del metacine de Hong Sangsoo.
Y finalmente, Un mundo frágil y maravilloso (A Sad and Beautiful World) del director libanés Cyril Aris, una obra mayor que ha ganado más de una quincena de galardones incluyendo el premio del público en Venecia y Valladolid. Una película atravesada por la guerra, en la que una pareja se ve obligada a decidir si quedarse en el país y formar una familia en ese contexto u optar por el exilio.
La nueva película de Dag Johan Haugerud, que cierra su «Trilogía de Oslo», explora el impacto transformador del primer amor a través de tres generaciones de mujeres.
Filmin estrenará «Sueños en Oslo» el próximo 13 de febrero después de haberse alzado con el Oso de Oro a la mejor película en la última edición del Festival de Berlín (que precisamente inaugura este 12 de febrero su 76ª edición) y el Premio FIPRESCI de la competición.
Dirigida por Dag Johan Haugerud («Cuidado con los niños»), la película cierra la trilogía conocida internacionalmente con el nombre «Sex Love Dreams» y que en España recibe el nombre de «Trilogía de Oslo». Se trata de tres historias sutilmente interconectadas, pero autoconclusivas e independientes entre sí, que exploran la sexualidad, el amor y la libertad.
Protagonizada por Ella Øverbye, Selome Emnetu y Ane Dahl Torp, junto a Anne Marit Jacobsen, la cinta ha sido galardonada con el premio a la mejor película en el Queercinemad.
Johanne, una joven de 17 años se enamora por primera vez. Lo hace de su profesora, mucho mayor que ella, y decide conservar sus sentimientos plasmándolos en escritos íntimos que guarda en su ordenador. Cuando su madre y su abuela descubren estas revelaciones, inicialmente se escandalizan, pero pronto aprecian su potencial literario. Mientras debaten si publicarlas, las tres mujeres afrontan sus distintos puntos de vista sobre el amor, la sexualidad y el autodescubrimiento.
La intensidad del primer amor: entre la euforia y el secreto
Dag Johan Haugerud describe el primer amor como “una experiencia transformadora que lo cambia todo; es intenso, absorbente y decisivo”. En «Sueños en Oslo», esa fuerza desbordante se manifiesta cuando Johanne siente por primera vez una atracción irresistible hacia su profesora de francés: “Es una euforia imparable que arrolla la mente”, explica el director, “pero choca con la disponibilidad física de una joven que aún se está descubriendo a sí misma”. Esa tensión genera un conflicto entre el impulso mental y la vivencia corporal, un desfase que puede resultar confuso e incluso traumático.
Según Haugerud, “la belleza y el dolor de ese primer enamoramiento quedan grabados como un acontecimiento inolvidable, una tenue melodía que todas las pasiones posteriores intentan igualar”. En la película, esas notas íntimas de su diario, guardadas en su ordenador, abren una grieta en la cotidianeidad familiar: madre y abuela leen las confesiones y se sorprenden ante el potencial literario que esconden. A través de ese choque generacional, la película explora cómo el relato de un primer crush puede desencadenar una cadena de recuerdos, deseos y cuestionamientos que trascienden el tiempo y la edad.
Tres generaciones ante el deseo
El director subraya que el descubrimiento del primer amor despierta también “un anhelo reconocible” en las mujeres de su familia: “La madre y la abuela, al leer las vivencias de Johanne, reevalúan algunas de las decisiones sobre sexo y amor que ellas mismas tomaron a lo largo de la vida”. Para el director, “cada una de estas mujeres aporta su propio bagaje de experiencias, opiniones y contradicciones en torno al deseo, la libertad, el empoderamiento y la responsabilidad, que se redefinen al compartir sus puntos de vista”.
Haugerud profundiza aún más: “Cuando la abuela lee el manuscrito, revive sus años hippies y recuerda que la pasión no está limitada a los impulsos físicos, sino que busca también una trascendencia espiritual. Su perspectiva, irreverente y sincera, choca y dialoga con la visión más protectora y normativa de la madre, que cuestiona la conveniencia de publicar unas memorias tan íntimas”. Así, «Sueños en Oslo» confronta tres generaciones —adolescente, madre y abuela— y traza un fresco sobre cómo la memoria y la experiencia moldean nuestra comprensión del amor y la responsabilidad a través del tiempo.
La «Trilogía de Oslo» en Filmin
La trilogía de Dag Johan Haugerud (Noruega, 1964), conocida internacionalmente como «Sex Love Dreams» está íntegramente distribuida en España por Filmin:«Sexo en Oslo», estrenada en cines el 25 de octubre de 2024 y ya disponible en la plataforma; «Amor en Oslo», que llegó directamente a Filmin el 14 de noviembre de 2025; y «Sueños en Oslo«, que se estrenó en cines el 21 de noviembre de 2025 y estará disponible en la plataforma a partir del 13 de febrero de 2026. Filmin descubrió a Haugerud al público español con «Cuidado con los niños», su segundo largometraje, presentado en el Atlàntida Mallorca Film Fest 2020 y distribuido por la plataforma. Fue la primera película del director que se estrenó en nuestro país.
