Categoría: Libros

Leni Riefenstahl (1902-2003), realizadora entre otras películas de «La luz azul», de los films sobre los Congresos del Partido Nacionalsocialista, «Victoria de la fe» y «El triunfo de la voluntad», además de «Olympia», considerado el mejor documen­tal sobre deporte de la historia del cine, rebasa en su trayectoria vital el mero marco de la autoría cinematográfica para desplegarse en otros muchos ámbitos de la actividad artística. Bailarina excepcional, actriz en películas de montaña («Bergsfilms»), guionista, productora y fotógrafa, este estudio sobre su obra recoge no solo un análisis exhaustivo de sus ocho películas como actriz y de sus siete films como directora, sino también documentos inéditos en España de su rela­ción con Hollywood, así como del proyecto de construcción de un gran complejo cinematográfico destinado a la futura y exclusiva labor de la directora, no mencionado por ella en sus memorias y que, auspiciado por Adolf Hitler y otros jerarcas nazis en 1939, se frustró con el estallido y posterior desarrollo de la Segunda Guerra Mundial.

Autor; Manuel García Roig, Editorial; Ediciones Cátedra, Colección: Signo e imagen. Cineastas, Páginas; 312

El Festival Nits de cine oriental de Vic ampliará este 2017 su oferta literaria con la edición de un tercer ensayo cinematográfico vinculado a la industria asiática del celuloide. Se titulará Kung Fu Girls! Las actrices del cine de acción de Hong Kong y China y será un homenaje a aquellas mujeres protagonistas del cine de artes marciales femenino. El certamen ha puesto en marcha una campaña de micromecenazgo para hacer realidad esta nueva empresa editorial, que firman dos de los principales expertos en cine asiático en nuestro país, Domingo López y Jorge Endrino, y que ilustrará Toni Benages.

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Tigre y Dragón mostró por primera vez al mundo occidental el universo de las Dragon Girls en un género, el del cine de acción, que no acostumbra a ceder el protagonismo a las mujeres. Pero el cine chino, taiwanés y hongkonés tenía una larga tradición de luchadoras que se remonta a los primeros tiempos de la literatura wuxia con leyendas tan conocidas como Hua Mulan. Desde las cintas de espadas de Cheng Pei-Pei a la heroína enmascarada Black Rose de los años 90, el cine de acción chino ha continuado con infinidad de estrellas marciales femeninas. Un legado que llega hasta nuestros días.

A ellas, actrices como Angela Mao, Sharon Yeung, Sibelle Hu, Kara Hui, Elsa Yeung, Michelle Yeoh, Cynthia Yeung, Moon Lee, Zhang Ziyi i Maggie Q está dedicado este libro. Un repaso exhaustivo del protagonismo femenino en el género de acción, con un contexto histórico, galería de imágenes con las actrices más destacadas, fotogramas de películas, ilustraciones originales, entrevistas y guía de películas. En acció per aconseguir finançament.

En acción para conseguir financiación

Los próximos 40 días serán claves para la consecución de este volumen. Es el tiempo que durará la campaña en Verkami para conseguir los 4.000 euros que han de permitir editar el libro. La recompensa, o mejor dicho recompensas, de avanzarse y reservar un ejemplar son muchas y variadas y se adaptan a todos los bolsillos. La principal es obtener un ejemplar firmado a un precio más competitivo que el que tendrá más adelante. Y a partir de aquí…

Los más cinéfilos podrán complementar la compra del libro con un ejemplar de Tigre y Dragón; con tres clásicos del cine de acción o con un DVD Trashorama. Los más Nitómanos también tienen diferentes opciones de lote, como los que contienen la camiseta o la bolsa de diseño exclusivo Nits 2017 Kick Like a Girl! o el bono que da acceso a todas las películas del festival. Para los más pequeños esta la opción de adquirir una camiseta exclusiva para ellos o de vivir las aventuras de Maneki-Neko a través del libro infantil editado el año pasado por el festival. I los más coleccionistas pueden hacerse con las ilustraciones originales de Toni Benages en formato de alta calidad. I eso no es todo… Están también los lotes Centres Cívics, CineAsia o Kritik, fruto de diferentes colaboraciones que el certamen ha establecido.

Fitxa tècnica

Título: Kung Fu Girls! Las actrices de acción de Hong Kong y China

Género: ensayo/cine

Autores: Domingo López y Jorge Endrino

Ilustrador: Toni Benages

Páginas: 200

Formato: 150×230 mm.

PVP: 20 euros

Fecha publicación: 18 de julio de 2017

Edita: Festival Nits de cinema oriental de Vic

Los autores

Domingo López_ Coprogramador del Festival Nits de cinema oriental de Vic. Es autor o coautor de libros como Wild Wild East. Del curry Western al Soja Western, Made in Hong Kong, La Marca de Frankenstein o Johnnie To: redefiniendo el cine de autor. Ha dedicado toda su vida profesional a la difusión de cinematografías y es codirector del programa Hollybrut en Paramount Channel.

Jorge Endrino_ Informático de profesión y cinéfilo por afición, su pasión por el cine de oriente se convirtió en obsesión y así nació Asiateca.net en 2005. Un espacio dedicado a la difusión de cinematografías asiáticas en toda su extensión. Ha participado en los dos volúmenes del Anuario CineAsia y en Kaijû! Cuaderno de campo.

Toni Benages_ Licenciado con grado en la Universitat de Belles Arts de Barcelona. Dibujante, ilustrador, profesor de cómic en la Escola d’Art i superior de disseny Pau Gargallo, programador del Filmets de Badalona y director del Cryptshow Festival. Entre sus últimos trabajos destaca el álbum Les extraordinàries aventures de Francesc Pujols (editorial Males herbes).

“Historias de la desaparición se lee como una narración. Una narración llena de enigmas y de sorpresas, un relato policial, una investigación en toda regla, que podría constituir un volumen perdido que Borges y Bioy Casares hubieran dejado en el cajón de los proyectos diferidos de “El séptimo círculo”. La persecución de una muchacha por calles solitarias, un taconeo que deja de escucharse, una piscina llena de reflejos que (no) encarnan (la) N/nada, transformaciones kafkianas y huellas borradas en la nieve, trenes detenidos en espacios de sombra y niebla, molineros y deshollinadores confundidos en una lucha absurda en un filme primitivo, multitudes que aparecen y desaparecen en un mismo encuadre, figuras intentando salir de un bloque de piedra esculpido por un maestro del Renacimiento, criaturas lynchianas sumergiéndose, como frágiles madalenas proustianas, en la piscina de Sunset Boulevard, y otra Madal(ai)ena, ahora hitchcockiana, haciendo fulgurar por momentos el destello de su aura vertiginosa contra la naturaleza siniestra del olvido, son algunas de las piezas del rompecabezas que la recherche de Fillol invita a completar.”

Santiago Fillol reescribe el pensamiento del fuera de campo cinematográfico a partir de Jacques Tourneur. Y con gran pertinencia, repiensa las prácticas y las teorías del fuera de campo en su conjunto: Tourneur, Jean Rendir o Michelangelo Antonioni, pero también Noel Burch, Pascal Bonitzer o Gilles Deleuze. Porque el fuera de campo, en el cine, se manifiesta en términos plásticos, y se concibe a partir de una configuración posible entre lo visible y lo invisible, entre lo infinito del motivo y el límite de la imagen: un espacio, entonces, de intensidad especulativa. El recorrido de Santiago Fillol, desde esta perspectiva, traza con precisión las líneas entre elaboración visual y construcciones teóricas y para él, la obra de Jacques Tourneur posee el estatuto metodológico de un laboratorio de propuestas, lo que constituye, según mi parecer, el método más certero para discernir el potencial de fertilidad de un filme o de un conjunto de filmes.

SANTIAGO FILLOL. Profesor de cine y literatura en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. Se doctoró en la misma universidad con un trabajo de investigación sobre la desaparición y la invisibilidad en la historia del cine. Ha dirigido, junto a Lucas Vermal, el largometraje Ich bin Enric Marco (2009), presentado en los festivales de Locarno, Rotterdam y San Sebastián; obra que fue retomada por Javier Cercas en su novela El Impostor. Ha sido colaborador de cineastas como Nicolas Klotz e Isaki Lacuesta, y es el guionista de Mimosas de Oliver Laxe: largometraje ganador de la Semaine de la Critique del Festival de Cannes en 2016.

Autor; Santiago Fillol, Editorial; ASOCIACION SHANGRILA TEXTOS APARTE. Páginas; 306

«El libro era mucho mejor.» Una frase que se ha convertido en enseña a la salida de muchas salas de cine y en definición de toda una corriente cinematográfica. ¿En qué nos basamos para afirmar que un libro es mejor que una película? ¿Es válido comparar? El cine no solo ha necesitado de su hermana mayor literaria desde sus inicios, sino que continúa expandiéndose con cada vez más cantidad de adaptaciones de novelas, cuentos, mitos, obras teatrales, textos periodísticos o tratados filosóficos materiales de autor o anónimos. Porque el cine, como cualquier arte, solo está alerta a la hora de encontrar las fuentes de las buenas historias. En este recorrido de 50 títulos cinematográficos, que abarca desde los comienzos del cine mudo hasta nuestra época, los textos literarios son los protagonistas, pero también las interpretaciones que han hecho sobre ellos distintos cineastas, guionistas, equipos, estudios de producción, audiencias y lectores. Les invitamos a leer la pantalla al igual que los libros: un portal a la imaginación y la diversidad, donde cualquier cosa aguarda al abrir al azar sus páginas.

Autor; Almudena Muñoz, Editorial; UOC, Colección: Filmografías Esenciales. Páginas; 184

Las apasionantes lecciones vitales y cinematográficas de uno de los más grandes cineastas de todos los tiempos. Andréi Tarkovski es uno de los grandes cineastas y teóricos de todos los tiempos, y todavía hoy es uno de los directores más influyentes del cine de autor contemporáneo. Uno de sus ensayos, Esculpir en el tiempo, se convirtió en su día en un libro fundamental para la reflexión fílmica, reeditado desde hace décadas de forma ininterrumpida. Sin embargo, Tarkovski dejó escrito a su muerte otro libro de gran importancia, no publicado hasta la fecha en castellano, y que constituye el complemento imprescindible de aquél y su testamento vital y artístico: Atrapad la vida es un volumen con un enfoque directo, personal y apasionado, en el que el cineasta rememora sus rodajes, recuerda éxitos y fracasos, desvela secretos y obsesiones, defiende con ahínco la visión del cine que construyó a lo largo de toda una vida y critica con fiereza tanto la censura del estado soviético como aquella otra, más sutil, de la sociedad de consumo. En este libro Tarkovski habla con rabia, pero también con esperanza, y se dirige tanto a los amantes del cine en general como a aquellos que quieren saber cómo se hace, desde dentro y sobre el terreno, una película, pero una película entendida como una obra de arte: cómo se perfila la idea fundamental del filme (y cómo se defiende esta idea ante todo tipo de situaciones y presiones), cómo se escribe un guion (y sobre todo cómo no se escribe), cómo se aborda el montaje (y cómo se desmonta lo aprendido sobre esta técnica en las escuelas de cine), cómo se planifica la dirección actoral (y cómo se tratan las vicisitudes cotidianas con los actores), etc. Y todo ello desde una doble premisa: al hacer una película no hay que tener miedo de pisotear ningún esquema, ninguna norma, pero tampoco se puede olvidar que una película es un acto creativo y espiritual de primera magnitud: se trata de atrapar la vida.

Autor; Traducción: Marta Rebón y Ferran Mateo, Editorial; ERRATA NATURAE. Páginas; 192

Dice Bogdanovich que el cine que hizo Fritz Lang en América es el mejor de su filmografía. No estoy de acuerdo. La mayor parte de las películas mudas de Lang son insustituibles, y, concretamente, la trilogía del doctor Mabuse –la última parte, sonora, sí, pero filmada también en Alemania- solo es comparable a la trilogía de El padrino, las dos máximas creaciones de la cultura del siglo XX. Es curioso que tanto Los crímenes del doctor Mabuse, 1960, como El padrino. Parte III, 1990, últimas composiciones de ambas sinfonías, fueran tan mal recibidas en su estreno y, en cambio, hayan sido reconocidas con el tiempo como lo que son: obras imperecederas. La mujer en la luna, de una modernidad aún deslumbrante en este nuevo milenio, Los nibelungos o M, continúan siendo naves nodriza de un cine aún por llegar, por no hablar de ese díptico irrepetible formado por El tigre de Esnapur  y La tumba india, luminosa reflexión sobre las películas de aventuras y la infancia, en la que el maestro nos enseña –como en la mencionada anteriormente Los contrabandistas de Moonfleet, uno de los dos o tres mejores “CinemaScopes” que nos ha regalado el cine- que el pasado es igual de infinito que el cosmos.

Considerado como uno de los maestros indiscutibles del séptimo arte, Fritz Lang posee una de las filmografías más completas e imperecederas. Este libro analiza todas y cada una de sus películas de la mano de cuarenta prestigiosos autores, coordinados por José Luis Garci.

Autores:  Ventura Anciones, Andrés Arconada, David Felipe Arranz, Victor Arribas, Guillermo Balmori, Ayanta Barilli, Rosa Belmonte, Enrique Bolado, Quim Casas, Juan Cobos, Luis Alberto de Cuenca, Ingrid Díez, Diego Galán, Antonio Giménez-Rico, Cayetana Guillén Cuervo, Noemí Guillermo, Luis Herrero, Fernando R. Lafuente, Alfredo Lara, Carlos Marañón, Miguel Marias, Alicia Mariño, Alejandro Melero Salvador, Fernando Méndez-Leite, Diego Moldes, Salvador Moreno Peralta, Javier Muñoz, Carmen Muñumer, Javier Ocaña, Marina Pérez Lezaola, Francisco Ponce, José Antonio Pruneda, Moisés Rodríguez, Oti Rodríguez Marchante, Enric Ros, Adrián Sánchez, Elena S. Sánchez, Eduardo Torres-Dulce, Joaquín Vallet, Juan Carlos Vizcaíno.

Autor; Varios autores, prólogo de José Luis Garci, Editorial; Notorius Ediciones. Páginas; 372

Siguiendo una antigua tradición literaria, Frankenstein o el moderno Prometeo (1818), la famosa novela de la escritora romántica inglesa Mary Shelley, recrea una idea que los sueños individuales de los hombres y los mitos colectivos siempre habían vindicado: la posibilidad de dar vida a un ser humano desde la materia inerte como Dios dio vida a Adán desde el barro. Sin embargo, por primera vez en la historia, la novela de Mary Shelley no remitía a los viejos mitos de creación (Adán, Prometeo, el Golem, los seres creados por los dioses herreros de las mitologías africanas, etc.), sino a la técnica y el progreso, nuevos dioses de Occidente. Los sucesores del Dr. Frankenstein recorrerán el largo camino que va de la imaginación a la ciencia, de la fabricación de hombres simulados (autómatas, títeres, robots, etc.) a la fabricación de hombres reales, de la primera cirugía protésica a los cyborgs y la biogenética, de la automática a los ordenadores, del alma a la inteligencia artificial.

Teoría e historia del hombre artificial rastrea la idea de la creación del hombre a través de la historia cultural; primero a través de los mitos, las religiones, el folclore y los materialistas de la Antigüedad clásica; posteriormente a través de la filosofía, la literatura, el arte, el cine y la misma ciencia.

¿Qué responsabilidades tiene la ciencia ante la posibilidad, hoy real, de crear seres humanos? ¿Llegará el día en que los hijos poshumanos de la técnica puedan llegar a negar su parentesco biológico con los hombres nacidos del azar genético? ¿Y qué consecuencias tendrá esa negación? Tales son las preguntas que hoy están encima de la mesa de los poderosos gestores de la biopolítica.

Autor; Jesús Alonso Burgos, Editorial; Akal. Páginas; 384

Erigido en cineasta suicida y temerario tras gozar de un período de entronización crítica, Ferrara ha edificado su obra en torno a cuestiones arteriales del catolicismo (familia, fe, pérdida de la gracia, redención, violencia), abordándolos desde la óptica torturada del creyente desencantado, del sujeto de la modernidad secular. Realizador de trazo áspero, visceral, directo y aparentemente desaliñado, Ferrara ha ejercido de radiógrafo del Mal y de cronista del martirio del proceso creativo, de la locura, de la sordidez urbana (sus personajes transitan ambientes marginales de la Nueva York natal del cineasta, posibilitando un retrato etológico de las especies nocturnas que alberga la jungla de asfalto), de la soledad, de la crisis existencial, de la adicción (bajo sus muy distintas variantes).

A lo largo de las páginas que integran el presente volumen monográfico, el lector podrá profundizar en el universo cinematográfico de Abel Ferrara, autor de una obra incómoda y valiente.

SUMARIO.

-Introducción.

El cine de Abel Ferrara:

 el tormento y el éxtasis

Rubén Higueras Flores

-Geometría de la fuerza:

Abel Ferrara y Simone Weil

Tag Gallagher

– Abel Ferrara, géneros cinematográficos

 y la constante encrucijada de un auteur impenitente

Vicente Rodríguez Ortega

-Nueva York sin voz,

 o los crímenes de América. Sobre

El asesino del taladro y Ángel de venganza

Ignasi Mena

-El cine de Abel Ferrara

 y las esquirlas de lo sagrado

Aarón Rodríguez Serran

–Avatares del cuerpo: la somatización del Mal en el cine de Abel Ferrara

Iñigo Marzabal

–Hágase mi voluntad.

 En torno a Juego peligroso

Mariel Manrique

–Lo que el Mal sabe de sí

Marco Antonio Nuñez

–Doctores tiene la Iglesia. Genio y figura

 en el cine cainita de Abel Ferrara

Miguel Ángel Hernández-Saavedra

-La imagen que falta:

The Blackout y New Rose Hotel

Horacio Muñoz Fernández

-Viaje al fin de la noche.

 Desde Go Go Tales hasta Pasolini

José Francisco Montero

Autor; Rubén Higueras Flores,  Jesús Rodrigo García (coords.), Editorial; Shangrila. Páginas; 250

Asociado a la cultura juvenil surgida en Estados Unidos a raíz del boom económico posterior a la Segunda Guerra Mundial, el rock and roll se alió de inmediato con el cine. Se trataba de dos industrias basadas en el entretenimiento y enmarcadas en un contexto capitalista que estaban destinadas a entenderse. El cine contribuyó tanto a desactivar la inicial chispa rebelde del rock como a servirle de trampolín promocional, pero a lo largo de los sesenta años que dura su relación esa función propagandística inicial fue dando paso a una multiplicidad de miradas que trasciende géneros y categorizaciones. Sueños eléctricos reúne medio centenar de títulos esenciales para entender el estrecho vínculo entre cine y rock. Del salto a la pantalla de Elvis Presley a la revolución de The Beatles, del rockumental a la ópera rock, del sueño hippy de Woodstock a su abrupto final a lomos de los moteros de Easy Rider y del nihilismo punk a la fiesta sin fin de las raves.

 Las películas:

Semilla de maldad (1955)

Rock Rock Rock! (1956)

El barrió contra mí (1958)

¡Qué noche la de aquel día! (1964)

Blow-Up (Deseo de una mañana de verano) (1966)

Dont Look Back (1967)

Pasaporte a la locura (1968)

Symphathy for the Devil / One Plus One (1968)

Buscando mi destino (1969)

Woodstock (1970)

Performance (1970)

Gimme Shelter (1970)

200 Motels (1971)

Caiga quien caiga (1973)

American Graffiti (1973)

El fantasma del paraíso (1974)

Bird on a Wire (1974-2010)

Tommy (1975)

Nashville (1975)

The Blank Generation (1976)

Fiebre del sábado noche (1977)

El último vals (1978)

Quadrophenia (1979)

Rock and Roll High School (1979)

Hair (1979)

Granujas a todo ritmo (1980)

Caído del cielo (1980)

One Trick Pony (1980)

Pink Floyd The Wall (1982)

Estilo salvaje (1982)

Stop Making Sense (1984)

This Is Spinal Tap (1984)

Let’s Get Lost (1988)

Hype! (1996)

Year of the Horse (1997)

Buena Vista Social Club (1999)

Generación Éxtasis (1999)

Alta fidelidad (2000)

The Filth and the Fury (2000)

Hedwig and the Angry Inch (2001)

24 Hour Party People (2002)

Instrunaent (2003)

DIG! (2004)

The Devil and Daniel Johnston (2005)

Last Days (2005)

Metal: A Headbanger’s Journey (2005)

I’m Not There (2007)

Control (2007)

Searching for Sugar Man (2012)

20.000 días en la Tierra (2014)

Autor; Eduardo Guillot, Editorial; UOC, Colección: Filmografías Esenciales. Páginas; 208

Idear un edificio, una biblioteca, una plaza, una cárcel o una ciudad… está en el mundo de los sueños de los arquitectos, pero el modelo más ambicioso es sin duda el diseño de la metrópoli, de una ciudad ideal donde vivirán las generaciones venideras, es decir de la ciudad del futuro. La historia de la Arquitectura nos muestra diferentes ejemplos con soluciones muy variadas. Pero paralelamente y mientras los arquitectos teorizaban, diseñando cómo podría ser el futuro con cierto nivel de veracidad, otros artistas optaban por crear futuros aparentemente menos reales pero con imaginativas soluciones. Son los que inscribimos dentro del campo de la Ciencia Ficción.

De todas esas opciones de futuro algunas muestras el lado más tenebroso, más oscuro, escenarios donde las metrópolis son lugares inhóspitos con características completamente alejadas de lo que nos imaginamos que es una ciudad ideal. Esta nueva “visión de futuros tenebrosos” donde los avances científicos no son tales o perjudican más que benefician, donde las ciudades son un caos y están superpobladas, donde la contaminación casi extermina a los seres vivos, ese lugar donde no nos gustaría vivir, es la distopía.

Puede que el film nos muestre grandes ciudades, como Blade Runner, 1984 o Soylent Green, o con unos límites rígidos como Aenflux, Judge Dredd o Metrópolis. Algunas son muy similares a las nuestras como Code 46 o pueden haber sido tan dañadas que al reconocerlas nos preguntamos si realmente estamos abocados a ello, como A.I. A veces son escenarios totalmente artificiales donde no ha vivido nunca antes un ser humano como la trilogía de The Matrix, Tron o Aelita. Sea como fuere en las ciudades aquí mostradas, aunque mantengan cierto grado de similitud con nuestras urbes, nunca desearíamos habitar en ellas.

En la mayoría de las películas seleccionadas, la importancia de la Arquitectura es tal que no sólo constituye el marco de la trama, sino que en tantas ocasiones añade a la película nuevos valores que la enriquecen notablemente. Metrópolis, (Fritz Lang, 1927) no sería tan potente visualmente si no se hubiera diseñado ‘ex profeso’ su gran ciudad. Los primeros fotogramas de Blade Runner (Ridley Scott, 1982) no nos impresionarían igual si la nave no volase hasta la pirámide Tyrell, por poner algún ejemplo.

El autor:

Sara Pérez Barreiro es Doctora Arquitecto por la Universidad de Valladolid, en la que imparte docencia, compatibilizando esta tarea con su labor como arquitecto. Experta en las relaciones que se establecen entre sus dos grandes pasiones: el Cine y la Arquitectura, especializada fundamentalmente el campo de la Ciencia Ficción. Ha participado en numerosos congresos internacionales, festivales de cine con intervenciones en este tema, y publicado diversos artículos y libros sobre esta materia. Pertenece al Grupo de Investigación Reconocida de la Universidad de Valladolid “Arquitectura y Cine” desde el que organiza multitud de actividades, siempre con el objeto difundir la importancia de la Arquitectura en el medio cinematográfico.

Autor; Sara Pérez Barreiro; Editorial; CVG (CREACIONES VINCENT GABRIELLE); Páginas; 130

Los museos de cera están ligados al terror desde sus comienzos. La primera exhibición de figuras de cera fue con las máscaras obtenidas de las cabezas de los guillotinados de la Revolución Francesa. Y la primera exposición estable como tal es una Cámara de los Horrores. Es muy común, aún en la actualidad, que los museos de cera dediquen espacio a los horrores reales o ficticios. Las artes escénicas prestan desde muy temprano atención a los museos de cera; y pronto el cine hace lo propio. El cine y las series de televisión dedicadas al horror, han prestado desde siempre atención a la relación entre los museos de cera y el cine. Basándose en diferentes relatos o comics se han producido películas para cine y televisión dirigidas por Hitchcock, Curtiz, Leni o André de Coth, protagonizadas por Vincent Price, Boris Karloff, Ray Milland o Meter Cushing. Indudablemente el título más recordado y celebrado es Los crímenes del museo de cera, un enorme clásico. Dentro de la producción española, podemos destacar a Narciso Ibañez Menta, su hijo Ibáñez Serrador, Jack Taylor o Paul Naschy, y su inconclusa y misteriosa Horror en el Museo de Cera, de la que se incluye en la obra su guión inédito.

«Terror en el museo de cera» contiene numeroso material gráfico como dibujos de Alfonso Azpiri, para explicar la relación entre museos de cera y terror , con especial hincapié en el cine en películas como «El hombre de las figuras de cera» o «Trampa para turistas«, y especialmente en «Los crímenes del museo de cera» de André de Toth, el inolvidable título protagonizado por Vincent Price. Uno de los ingredientes fundamentales del volúmen es el guión de Naschy, «Horror en el museo de cera«, una película maldita e inconclusa de la que no se tenían apenas datos hasta la fecha.

Autor; Victor Matellano; Editorial; Edypro Pigmalion; Páginas; 221

En cierta ocasión Dario Argento comentó: «Ver una película de género, incluso la peor, nunca es perder el tiempo, porque siempre se obtiene algún estímulo». Para denominar a esta obra se ha optado por huir del término exploitation, genuinamente norteamericano, para adoptar la delimitación habitual de “cine de serie B” tal como está establecida por la tradición cinéfila europea: películas de género de carácter popular o comercial, de presupuesto medio, cuando no bajo a ras de suelo, y la mayoría ignoradas o despreciadas por la crítica.

Terror, giallo, spaguetti western, péplum, poliziesco, comedia sexy italiana, blaxploitation, sexploitation… Todos estos géneros conformaron un universo propio, con sus peculiaridades y sus iconos. Así, a lo largo de sus casi seiscientas páginas, el lector descubrirá las personalidades clave (actores, directores, productores, guionistas, etc) del celuloide bizarro. De Mario Bava a George G. Romero, de John Carradine a Franco Nero, de John Carpenter a Dario Argento, de Steve Reeves a Martine Beswick, de Ed Wood a Russ Meyer…

Su clasificación alfabética permite localizar de inmediato cualquier personaje, y de paso proporcionar al lector elementos para confeccionar una historia del ‘cine bis’. La obra cuenta con un impresionante material fotográfico, pues la parte iconográfica de esta cinematografía adquiere un especial interés, ya que muchas veces el material promocional era infinitamente mejor que los filmes que anunciaba.

Autor; José de Diego; Editorial; T&B EDITORES; Páginas; 592

Orfeo (1950), La Bella y la Bestia (1946) o La sangre de un poeta (1932) son referencias fundamentales en la Historia del Cine y han colocado a su director, Jean Cocteau, en el Olimpo de los cineastas. Sin embargo, Cocteau era también un escritor extraordinario, capaz de sorprendernos con sus novelas, su poesía, su obra dramática, sus ensayos e, incluso, con sus incursiones en la creación plástica. Jean Cocteau: el gran ilusionista se centra en su obra cinematográfica pero, para comprenderla en profundidad, la pone en relación con el resto de facetas del creador, pues la suya es una obra completa, una creación en continuo diálogo interno. Estudiando sus ensayos, se comprende su puesta en escena; analizando su poesía, se revelan los saltos y silencios del montaje. De igual manera, así como no es factible separar su cine del resto de su obra, tampoco esta puede desgajarse de su persona. A lo largo de este libro, el lector irá conociendo la personalidad de un creador complejo y vital, que, como demuestra Pilar Pedraza, conocía en profundidad la retórica cinematográfica y tenía sus propias ideas sobre cómo crear una obra cinematográfica. Por más que creamos conocer el cine de Cocteau, Pilar Pedraza nos ayuda a reencontrarlo y descubrirlo mirando atentamente sus películas y leyendo nuevamente los ensayos, tragedias y poemas que componen el legado de Cocteau.

El autor:

La escritora Pilar Pedraza (1951) es una autora respetada en el ámbito de la literatura fantástica española. De su producción de ficción, que ha recibido numerosos premios, destacan La fase del rubí (1987), La pequeña pasión (1990), La perra de Alejandría (2003), Lucifer Circus (2012) o Lobas de Tesalia (2015). Su obra ensayística parte de la historia del arte y de la literatura para concluir en el séptimo arte. Algunos de sus trabajos, como Máquinas de amar (1998) o Espectra (2004), recorren transversalmente la historia de la cultura; otros, como Federico Fellini (1998), Metrópolis (2000), La mujer pantera (2002) o Agustí Villaronga (2007) son monográficos específicos sobre cine; en cualquiera de ambos casos, su obra ensayística destaca por su erudición, por su profundidad y por la calidad de su prosa.

Autor; Pilar Pedraza; Editorial; Asociación Shangrila Textos Aparte; Páginas; 264

El cine nació cuando las ciudades comenzaron a transformarse en los complejos y problemáticos lugares que habitamos hoy en día. Las poblaciones desde entonces fueron el lugar donde se desarrollaron los argumentos de las películas, y llegaron a tener en algunos casos un papel tan crucial como el de los protagonistas de carne y hueso. En este libro se recorre desde el optimismo vivido en los años veinte del siglo pasado, con la aparición de nuevas edificaciones como los rascacielos, que transformaron las grandes ciudades, hasta las fascinantes metrópolis actuales de países con economías en expansión, que al mismo tiempo continúan sufriendo problemas de marginalidad y delincuencia. Las 50 películas seleccionadas son primordiales para poder estudiar, y al mismo tiempo entender y llegar a conocer, cómo ha sido esa evolución de la ciudad hasta la actualidad, así como para constatar la influencia de la imagen en movimiento en esas poblaciones.

Autor; Jorge Gorostiza, Editorial; UOC, Colección: Filmografías Esenciales. Páginas; 192

Misántropo y orgulloso, mitómano y obsesivo, independiente hasta la radicalidad, amante del jazz, los gatos y la noche, Jean-Pierre Melville puede considerarse como el genio francés del Séptimo Arte que inauguró a escala mundial la figura del director cinéfilo, brindando una admirable producción fílmica que supera de forma privativa la dicotomía cine de género / cine de autor. Trece largometrajes realizados a lo largo de 25 años comprende su singular obra, dentro de la cual el bloque consagrado al «Thriller» implica la más pura, emblemática e influyente manifestación del cine policiaco francés, con clásicos tan relevantes como «El confidente» y «Círculo rojo», que convirtió a Jean-Paul Belmondo, Alain Delon y Lino Ventura en ídolos fílmicos con proyección internacional. Carlos Aguilar desglosa tan extraordinario caso mediante un ensayo que funde la crónica histórico-biográfica con la valoración estética, incidiendo en el contexto industrial y artístico donde se desenvolvió Melville, en especial lo referido al «Thriller» francés, denominado «Polar».

Autor; Carlos Aguilar Gutiérrez, Editorial; Ediciones Cátedra, Signo e imagen>Signo e imagen. Cineastas; Páginas; 232

Michael Mann es uno de los creadores más relevantes en la industria cinematográfica estadounidense de las últimas cuatro décadas. Tras estudiar en Londres y vivir de primera mano los sucesos de París del 68, volvió a los Estados Unidos donde pronto comenzó a trabajar como guionista de televisión en series como Starsky & Hutch y Police Story. Su primer gran éxito crítico como director fue el telefilme Hombre libre (1977). Posteriormente se embarcaría en la serie Miami Vice como productor ejecutivo, a modo de showrunner contemporáneo. El enorme éxito de esta última serie le permitió dar el salto a la gran pantalla, donde han desarrollado una fructífera carrera con títulos de considerable calibre como Ladrón, Heat, El dilema o Collateral.

Michael Mann es, por tanto, un creador audiovisual implicado en todos los procesos de la creación televisiva y cinematográfica. Al mismo tiempo, es uno de los grandes innovadores en el cine de ficción, especialmente desde un punto de vista tecnológico. Su utilización del formato digital en filmes como Collateral, Enemigos públicos y Blackhat así lo demuestra.

El presente volumen reúne los trabajos de 11 investigadores de España y Estados Unidos que abordan la producción audiovisual de Michael Mann desde diferentes perspectivas históricas y teóricas. Tras el texto inicial del profesor de NYU Dana Polan, que funciona como punto de partida, estableciendo una serie de claves críticas para entender los trabajos de Mann, el libro se divide en cuatro partes. “Michael Mann: autor del cine a la televisión”  ofrece una serie de incursiones sobre los pilares fundamentales que recorren la obra del director estadounidense tanto en la televisión como en el cine. “Crimen, thriller y ciudad” se centra en varias narrativas sobre criminalidad en el cine de Michael Mann al tiempo que analiza dos elementos centrales de su obra: la representación del espacio urbano y la utilización del thriller como marco de representación del tejido social. La tercera parte del libro “Miami Vice (la serie que cambió casi todo) y más allá: música, cultura popular y remakes” ofrece una serie de lecturas críticas sobre una de las series de mayor importancia en la historia de la televisión y traza una serie de conexiones con la cultura popular, especialmente la música. Finalmente, “Michael Mann en sus propios términos” compila una variedad de citas del propio Michael Mann, la mayoría inéditas en castellano, sobre su carrera cinematográfica y televisiva.

El autor:

Vicente Rodríguez Ortega. Profesor en el Departamento de Periodismo y Comunicación Audiovisual de la Universidad Carlos III de Madrid y miembro del grupo de investigación TECMERIN. Tiene un doctorado en Cinema Studies por New York University (NYU) y un Masters en Communications por la Universidad de Iowa. Es el autor de La ciudad global en el cine contemporáneo: una perspectiva transnacional (Shangrila Ediciones) y numerosos artículos en revistas científicas y capítulos de libro. En el año 2009, co-editó Contemporary Spanish Cinema & Genre (Manchester University Press) con Jay Beck. Es el director y productor del largometraje documental Freddy’s (2010), que aborda la lucha entre una comunidad de residentes y artistas en Prospect Heights (Brooklyn) y las fuerzas de la especulación inmobiliaria. Es coordinador del Máster Universitario en Cine y Televisión de la UC3M. Sus principales áreas de investigación son cine y géneros cinematográficos, cine y ciudad, tecnología digital y representación cinematográfica. De manera paralela a su ocupación profesional, es fundador del portal audiovisual online The Water Tapes (www.thewatertapes.com), que fundamentalmente graba a grupos de música tocando en el váter: un plano secuencia, la acústica del baño y la búsqueda de la performance inimitable son las marcas de identidad de este proyecto.

Autor; Vicente Rodríguez Ortega (Coordinador), Editorial; Asociación Shangrila Textos Aparte; Páginas; 378

Ha pasado más de medio siglo desde el final de la barbarie nazi, 70 años desde que los primeros tanques rusos atravesaron las alambradas de los campos de concentración y el mundo accedió al horror que había gobernado allí dentro, oculto pero no invisible a la mirada occidental. Desde entonces, y a pesar de que otras atrocidades han ido hilvanando el relato histórico sin tregua (Vietnam, Camboya y los Jémeres Rojos, Bosnia, Las torres gemelas, El Estado Islámico…), la industria cultural sigue mostrándose igual de receptiva a ese Objeto del siglo XX como lo denominara Wajcman. Innumerables productos vuelven una y otra vez al momento aciago en que el mundo dejó de girar. Las novelas, los ensayos, los cómics, las películas sobre la Shoah aparecen en circulación de manera regular como si todavía no estuviera todo dicho, como si la sola mención de la barbarie más cruenta de nuestra historia provocara la imperiosa necesidad de retornar compulsivamente al agujero negro de la boca de un horno crematorio, como si fuéramos incapaces de pasar página y nos viéramos obligados a mirar de frente al horror, una y otra vez, cual Sísifo ante la historia.

Es el caso de dos películas contemporáneas excepcionales que examinan a contrapelo la herencia de Auschwitz, que escrutan las motivaciones más oscuras y complejas de ese agujero negro en que el tiempo dejó de girar. La cuestión humana (Nicolas Klotz, 2007) y La cinta blanca (Michael Haneke, 2009) se enfrentan de lleno a lo inevitable, se proponen abordar el horror a partir de la comprensión del antes y el después de la catástrofe, cuestionando qué la hizo posible y qué perdura aún hoy. Es por ello que las dos tejen una tupida red de elementos referenciales cuyas puntadas y costuras, trazados y simetrías, les permiten afianzar la tesis que levantan contra toda pereza intelectual, contra toda explicación consoladora del desastre. El pasado actuó en el presente de la barbarie, argumenta el filme de Haneke: la rigidez de las estructuras feudales de la Alemania decimonónica se convirtió en el caldo de cultivo de las futuras generaciones nazis. Pero el presente de la barbarie también opera en el futuro de nuestra realidad contemporánea, expone el filme de Klotz: la burocratización de lo humano que hizo posible la fábrica de Auschwitz también rige los principios de la empresa actual.

Los autores:

PABLO FERRANDO GARCÍA. Crítico e historiador de cine, es licenciado en la Universidad Complutense de Madrid y Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universitat de València. Ha sido docente en los Ciclos Formativos de Grado Superior de Formación Profesional de la familia de Comunicación, Imagen y Sonido en el Centro Juan Comenius (Valencia). También ha colaborado en Televisión Valenciana durante la temporada 91-92 como ayudante de realización en el programa cultural Enquadres. Actualmente ejerce de profesor en la Universitat Jaume I de Castelló donde imparte Narrativa Audiovisual y Tecnología de la Comunicación. Es autor del monográfico Roma, ciudad abierta para las editoriales Nau Llibres-Octaedro. También ha participado en el diversos libros colectivos como Teoría y Técnica de la producción audiovisual, Diccionario de conceptos y términos Audiovisuales, El universo de 2001 una odisea en el espacio, Espejismos de sueños olvidados. Asimismo ha colaborado en revistas culturales y científicas (Ámbitos, Banda Aparte, Shangrila, Archivos de la filmoteca, L’Atalante, El viejo topo, etc.). Es miembro de la Asociación Española de Historiadores de Cine (AEHC) y de la Asociación Española de Investigación de la Comunicación (AE-ICE).

JAVIER MORAL MARTÍN. Crítico e historiador de la imagen, es licenciado en BBAA y Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Politécnica de Valencia. Ha sido profesor de diversas Universidades españolas y ha impartido numerosos cursos, talleres, ciclos y conferencias sobre cine y arte en distintas Instituciones de la geografía española (IVAM, MuVIM, IVAC, Centro Párraga, etc.). Autor de los libros Guía para analizar y ver Lola Montes (2015) y La representación doble (2013), ha editado diversos volúmenes y participado en una docena de libros colectivos nacionales e internacionales. Asimismo, ha publicado diversos artículos en revistas de investigación y difusión cultural (Archivos de la filmoteca, L’Atalante, Zer, El viejo topo, etc.).

Autor; Pablo Ferrando García, Javier Moral Martín, Editorial; Shangrila Textos Aparte; Páginas; 298

Bullitt sigue siendo recordada por la trepidante escena del Mustang en las calles de San Francisco: Steve McQueen, como el teniente Frank Bullitt, al volante de su icónico coche mientras persigue a dos asesinos e intenta resolver un caso plagado de engaños, giros inesperados y oscuros personajes. La película es sin embargo mucho más que eso: esconde un conjunto de historias nunca contadas, lecturas hasta ahora ignoradas y no pocos mitos, que merecen ser revisados y analizados. Siendo éste el primer libro dedicado exclusivamente al film, aspira a ser lo más completo posible y pretende acercarse a él desde las más diversas perspectivas. Por ello se ha efectuado un detallado análisis cinematográfico, reconstruido el proceso de creación y examinado recursos expresivos y narrativos de especial relevancia. Guión, montaje o música son obviamente objeto de estudio, pero también el rol de la cinta en la historia del cine policíaco, las influencias y herencias de Frank Bullitt, el omnipresente cool de McQueen o el papel de la corrupción política. Además de un exhaustivo trabajo de investigación, se han realizado entrevistas exclusivas con implicados en la película, como el guionista Alan Trustman, el oscarizado productor Phil D’Antoni y el multipremiado  compositor Lalo Schrifrin, que han prestado su voz para poder reconstruir el proceso de creación de esta historia única. Una historia que es también la de los grandes cambios políticos y sociales que se estaban produciendo en los EE.UU. y que se  hicieron visibles en el cine y especialmente en el género policíaco. Y es, claro, también la historia de Steve McQueen, quien tras superar sus iniciales reticencias a interpretar a un policía supo dotar de vida a un personaje que se ve obligado a sobrevivir y buscar su lugar en un universo plagado de corrupción moral e institucional y cuya icónica imagen ha perdurado como pocas hasta nuestros días. Amantes de la película y del cine policíaco en general disfrutarán por igual del libro.

Los autores:

Gómez García, Iván

Iván Gómez García. Doctor en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada por la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB) y Profesor Asociado en la Facultad de Ciencias de la Comunicación Blanquerna donde imparte diversas asignaturas tanto en el Grado de Comunicación Audiovisual como en el Máster Universitario en Ficción en Cine y Televisión. Es coautor de los ensayos Adaptación (Barcelona: Trípodos, 2008), Ficciones colaterales: Las huellas del 11-S en las series «made in USA», junto al Dr. Fernando de Felipe. Miembro del Consejo de Redacción de la revista de estudios hispánicos Pasavento. Ha formado parte del Proyecto i+D+i: «Los medios audiovisuales en la Transición Española (1975-1985): Las imágenes del cambio democrático» (Universidad Carlos III. Investigador Principal: Dr. Manuel Palacio Arranz).

Aragón Domínguez, Luis

Luis Aragón Domínguez (Barcelona, 1979) es licenciado en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada por la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB), diplomado en Biblioteconomía y Documentación por la Universidad de Barcelona (UB) y posee un postgrado en Crítica de Cine y Música Pop por la Universidad Ramon Lull (URL). Actualmente cursa estudios de Filosofía en la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED). Ha trabajado en diferentes bibliotecas en Barcelona, Groningen, Frankfurt, Berlín, Ginebra y Jena. Actualmente reside en Leipzig, donde es director de una biblioteca especializada. Ha colaborado en la revista online La comunidad inconfesable y sus microrelatos han aparecido en diversas obras colectivas. Bullitt es su primer libro.

Autor; Iván Gómez García y Luis Aragón Domínguez, Editorial; LAERTES; Páginas; 402

Joe Dante es uno de los directores más personales de Hollywood. En su obra la pasión por el cine, por ver y hacer películas, convive con una mirada irónica y reflexiva sobre el séptimo arte y sobre las imágenes en general. El reconocimiento, la conexión, la ironía y el diálogo con otras historias e imágenes precedentes generan nuevos significados y estimula nuestra capacidad de relación. Yuxtaposiciones que enlazan con el acercamiento a las imágenes de los propios personajes, que se verán transformados por ellas. Los gags y links culturales de filmes como Aullidos, Gremlins y No matarás… al vecino valoran y premian la mirada curiosa, activa, del espectador. El vitalista cine del autor de El chip prodigioso habla de la necesidad de enfrentarse a la realidad (y a las imágenes), no sólo porque los personajes deban superar los avatares que se les van presentando, sino por la importancia que adquiere vivir «con los ojos bien abiertos», parafraseando a Lawrence Woolsey, el protagonista de Matinee.

Este es el primer libro en español sobre Joe Dante, para el cual Álvaro Pita, a lo largo de varios años, ha contado con la participación del cineasta y sus colaboradores. Un exhaustivo recorrido por la carrera del responsable de Piraña, desde sus primeras experiencias como espectador hasta nuestros días: sus aventuras a las órdenes de Roger Corman, el éxito de Gremlins y el fracaso comercial de Looney Tunes. De nuevo en acción, su relación con Steven Spielberg, los proyectos no materializados, las luchas con los estudios en producciones como Exploradores y Pequeños guerreros, la presencia de un mismo grupo de actores secundarios en todos sus filmes, la libertad creativa de En los límites de la realidad y Gremlins 2. La nueva generación, sus colaboraciones para televisión…

El libro explora las constantes temáticas y estilísticas del realizador, la relación de los filmes con su contexto histórico y cultural, y la significación de su cine en el siglo XXI. El volumen se complementa con abundantes fotografías inéditas cedidas por el propio Joe Dante. Todo ello hace de este volumen la obra más completa y actualizada posible sobre este director que, sin dejar de jugar con los límites del cine comercial, jamás ha perdido su esencia de autor rebelde y mordaz.

El autor:

Crítico de cine, escritor, cineasta y músico, Álvaro Pita es licenciado en Filología y ha estudiado dirección en la ECAM y en la EIS de A Coruña. Ha impartido clases en varias escuelas de cine y ha colaborado como redactor, crítico, corresponsal y traductor para diversas publicaciones. Responsable de media docena de cortometrajes, acaba de terminar su primera película, “Escombros”, una producción independiente en la que convergen feísmo urbanístico, videoclips, corrupción política y un villano inspirado tanto en Amancio Ortega como en los actioners de los años 80. En la actualidad prepara su primera novela.

Autor; Álvaro Pita, Editorial; APPLEHEAD TEAM CREACCIONES; Páginas; 700

RED PLANET MARX, coordinado por Ángel Sala, Desirée de Fez y Luis M. Rosales, ofrece una panorámica del cine de ciencia ficción del llamado «bloque de países de Europa del este» después de la 2ª Guerra Mundial, prestando atención a la importancia del género fantástico desde los llamados «nuevos cines» hasta nuestros días. Los textos acercan al lector a las producciones anteriores a la II Guerra Mundial como “Aelita” hasta llegar al cine de los 70, nos habla del reciclaje y las reescrituras de la ciencia ficción rusa que se hizo en Hollywood de manos de productores y directores tan conocidos como Roger Corman —por aquel entonces un desconocido Francis Ford Coppola—, de las space opera y sus derivaciones, del cine de horror, y lo grotesco, de la animación, del cine de Aleksandr Ptushko, Karel Zeman, Oldrich Lipsky, Tarkovsky, Zulawski o Borowczyk entre otros muchos, hasta llegar a las más recientes producciones como “Guardianes del día” o la épica “Hard to Be a God”.

Con textos de Ángel Sala, Jordi Sánchez-Navarro, Rubén Higueras, Jesús Palacios, Fausto Fernández y Jordi Ojeda.

Autor; VV.AA, Editorial; Tyrannosaurus Books; Páginas; 150

Neil Jordan es quizás el cineasta irlandés más relevante de su generación. Con más de treinta años de carrera, Jordan posee una extensa filmografía que abarca los más diversos géneros, del «fantastique» al «thriller», pasando por la tragicomedia y el melodrama, sin que por ello se pierdan unas señas de identidad en las que se mezclan aspectos como la identidad y la historia irlandesa, la ambigüedad sexual o la violencia soterrada. A medio camino entre el cine independiente y el fasto hollywoodiense, Neil Jordan es un realizador con una cosmogonía propia no solo por la visión personal que subyace en cada una de sus historias, sino también porque nos permite vislumbrar el complejo equilibrio entre el cine de su Irlanda natal y las obligaciones adquiridas al filmar en los Estados Unidos. En el presente volumen recorremos toda su obra fílmica, tanto cinematográfica como televisiva, e incluimos un anexo dedicado a su faceta de novelista; con ello pretendemos dar una visión global de un artista que reclamaba merecer por fin un estudio completo en lengua castellana.

Autor; Jordi Ardid, Marta Giráldez, Editorial; Ediciones Cátedra, Colección: Signo e imagen, Páginas; 328

Tras haber proclamado “larga vida a la Nueva Carne” en ‘Videodrome’ (1983), David Cronenberg decidió que había llegado la hora de adaptar un relato corto de George Langelaan para culminar su película mutante por excelencia: ‘La mosca’ (The Fly). El trigésimo aniversario de ‘La mosca’ en 2016 nos proporciona la excusa para explorar algunas de las mutaciones más significativas del género de terror a la largo de su historia. En este volumen, el lector viajará por el tiempo de la mano de científicos locos, excéntricos profesores, tipos de dudosa moralidad, bichos y monstruos de diversa índole, desafortunados conejillos de indias, dementes de grado superior y diversos insensatos jugando a ser dioses, que de una forma u otra han participado de las mutaciones más increíbles jamás contadas.

La presente edición ha contado con artículos de Jordi Puigdomènech, Rafael Dalmau, Albert Galera, Manel Calpe, Sergi Sanmartí, Fausto Fernández, Gerard Fossas, Javier Rueda, Israel Paredes, Jaume Claver, David Izquierdo y Quim Crusellas.

Autor; VV.AA, Coordinado por  Albert Galera, Editorial; Hermenaute; Páginas; 254

Para algunos el cine es la gran fábrica de la fantasía. Para otros, por el contrario, el cine es una verdad repetida veinticuatro veces por segundo. Quién sabe. Quizá todos tengan parte de razón, quizá el cine sea ese lugar, tan parecido a los mitos antiguos, donde la verdad y la acción se hacen una. ¿Y qué mejor caldo de cultivo para las leyendas urbanas? El mundo del cine ha sabido crear y recrear sus propios mitos de celuloide de manera inmejorable y con ellos ha abordado todos los géneros: los hay cómicos, trágicos y tragicómicos; los hay auténticamente terroríficos y, por supuesto, los hay con una gran X para los mayores de dieciocho.

Héctor Sánchez ha investigado y nos relata las mejores leyendas urbanas, bulos y demás malentendidos relacionados con las grandes figuras y películas de la historia del cine. Todos estos episodios están narrados con un preciso conocimiento hasta de los más mínimos (y a veces escabrosos) detalles, pero también con el humor que requiere la ocasión, y David Sánchez ilustra cada una de las historias de forma incomparable.

De modo que el lector se encontrará con muertos en pleno rodaje (pero de los que no se levantan) y con actores que renacen de sus cenizas e incluso de sus tumbas; secretas adicciones y también inverosímiles habilidades sexuales de las que abren las puertas de Hollywood; mafiosos de los de verdad que entran y salen de escena junto con grandes presidentes que consiguen también su papel; sesiones de maquillaje literalmente letales y películas que bien se ganaron el apelativo de malditas; duelos de directores (cuando no peleas en el barro) y escaramuzas de grandes divas sin escrúpulos; falsos rodajes y también, por supuesto, rodajes en falso; tórridas imágenes subliminales escondidas en los más tiernos largometrajes, e incluso orgías con enanos… Un alucinante recorrido por la historia secreta y paralela del séptimo arte. Bienvenidos a la otra verdad del cine.

LAS HISTORIAS DE ESTE LIBRO

El inimitable Charlie Chaplin • Buster Keaton, prohibido reír •ŸŸŸ Bela Lugosi, las mentiras de un vampiro • Ÿ Un pequeño ahorcado en El mago de Oz •Ÿ Clark Gable, un paseo por la acera de enfrente Ÿ• Errol Flynn, no disparen al pianista Ÿ• Lo que no se dijo en Casablanca •Ÿ James Dean, una vampira y la venganza del Pequeño Bastardo •Ÿ Psicosis, el secreto mejor guardado •Ÿ Los Kennedy las prefieren rubias Ÿ• Bette Davis vs. Joan Crawford: duelo de arpías •Ÿ Un mortal baño dorado Ÿ La redención de John Ford Ÿ• Walt Disney, una biografía alternativa Ÿ• Jayne Mansfield, la rubia que perdió la cabeza por Satán Ÿ• La semilla de Charles Manson Ÿ Una odisea en el plató Ÿ• Una cabeza de caballo para la eternidad Ÿ• Por favor, que alguien llame a un exorcista •Ÿ Bruce Lee, el ocaso del Dragón•Ÿ La profecía, el número del Demonio •Ÿ Groucho, discúlpenle si no se levanta •Ÿ El mayor secreto de una galaxia muy, muy lejana •Ÿ Poltergeist, los espíritus ya están aquí Ÿ• Jamie Lee Curtis, ¿ha sido niña o niño? •Ÿ Blade Runner y el riesgo de anunciarse en Los Ángeles en 2019 •Ÿ Bienvenidos al depravado mundo de Disney Ÿ• ¿Monopatines que no necesitan ruedas? ¡Qué fuerte, Doc! •Ÿ Woody Allen, yo soy mi suegro •Ÿ Y la ganadora es… Marisa Tomei. O no Ÿ• Brandon Lee, la caída del Cuervo Ÿ• El misterioso maletín de Pulp Fiction •Ÿ La verdad que se esconde en Fargo

Autor; Héctor Sánchez y David Sánchez, Editorial; ERRATA NATURAE; Páginas; 304

Todo el mundo conoce el Studio Ghibli y sus fundadores, Hayao Miyazaki e Isao Takahata, de los cuales existen varios libros que han desentrañado ya sus trabajos. Sin embargo, poco o nada existe en relación a sus vidas personales, por lo que este libro llena un hueco en el mercado al plantear la biografía completa de estos personajes con un estilo novelizado. De esta manera, Juan Manuel Corral no solo concreta amplios tratados de las películas del Studio Ghibli, sino que además documenta el día a día de sus creadores, desde la infancia hasta ahora, manejando información referente a sus etapas de aprendizaje, o de la consagración en el anime japonés de los años 70.

En este libro descubrirás:

. El modo de supervivencia adoptado por la familia Miyazaki en la II Guerra Mundial.

. La envidia de Miyazaki a su futura esposa, al enterarse de que ella cobraba más como animadora.

. El apoyo de Toshio Suzuki a la hora de montar el Studio Ghibli.

. Y mucho más…

El autor:

Juan Manuel Corral, colaborador habitual en la prensa especializada, es conocida su faceta como propulsor de la cultura asiática en España, dando charlas en instituciones como el Centro Cultural Coreano, colaborando en blogs de fuerte presencia como Japonismo. Ha escrito más de una docena de libros, entre los que destacan Los estudios Ealing. Cómicos a go-gó o Humphrey Bogart. De la A a la Z. Como escritor de ficción, sus relatos han sido publicados en libros como La primera vez del Grupo Sial Pigmalión, editorial para la cual también ha escrito en su libro colectivo Cine y Moda. Sus últimos libros hasta la fecha son Christopher Lee. Más allá del cine de terror, Cine erótico a la japonesa, Cine de Samuráis. Bushido y Chambara en la Gran Pantalla, y Quentin Tarantino. Glorioso bastardo.

Autor; Juan Manuel Corral, Editorial; Dolmer: Intempestivas; Páginas; 288

Tras los trágicos atentados del 11 de septiembre de 2001 contra el World Trade Center de Nueva York, a muchos testigos les quedó una inquietante sensación de déjà vu: el cine de catástrofes, de ciencia ficción y el thriller político se habían transformado en una amenazadora real thing. La llegada del Armaggedon, del fin de los tiempos, tantas veces profetizada por Hollywood, se estaba retransmitiendo por la CNN y por FOX News. A partir de ese momento histórico, y hasta la actualidad, el cine de horror norteamericano post 11-S ha profundizado de forma perturbadora en la paranoia y el miedo que, a todos los niveles, se enseñoreó de la vida estadounidense. Un cine que ha provocado una vasta catarsis social similar a la que causó en los años treinta el cine de terror de la Universal respecto a la Gran Depresión o el American Gothic en relación con la Guerra de Vietnam y el Watergate.

Antonio José Navarro, autor de este lúcido y documentado ensayo, examina el enorme impacto cultural que los ataques terroristas del 11-S han tenido en el cine de horror norteamericano. Un ensayo donde se estudian pormenorizadamente títulos tan relevantes como La casa de los 1.000 cadáveres (2003) –convertida en cult movie capaz de generar la secuela Los renegados del diablo (2005)–, la serie Saw (2004-2010) y la trilogía Hostel (2005-2011), «remakes» como La matanza de Texas (2003), Las colinas tienen ojos (2006) o Amanecer de los muertos (2004), y cintas de la categoría de Expediente Warren: The Conjuring (2013), El exorcismo de Emily Rose (2005), La tierra de los muertos vivientes (2005), Paranormal Activity (2007), Los extraños (2008), La cabaña en el bosque (2011), La Bruja (2015) o No respires (2008). Sobresalientes ejemplos de un cine de horror lúgubre, violento, erigido en representación mitológica, alegórica, del angustioso trauma social provocado por el 11-S, el cual ha cuestionado y quebrado los límites establecidos entre lo pensable y lo impensable, lo tolerable y lo intolerable, lo humano y lo inhumano, y entre el Bien y el Mal absoluto.

ANTONIO JOSÉ NAVARRO (Barcelona, 1966). Historiador y crítico cinematográfico, miembro de la Asociación Española de Historiadores del Cine (A.E.H.C.) y del consejo de redacción de la revista especializada Dirigido por. Actualmente colabora en Imágenes de actualidad, Blow Up (Italia) y el suplemento cultural del diario Ara. Es autor de los libros Alien/Los inconquistables (1995) y, en colaboración con Tomás Fernández Valentí, de Frankenstein. El mito de la vida artificial (2000). Fue miembro del comité de selección del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya-Sitges (2001-2002 y 2007-2011) y responsable del Departamento de Publicaciones, donde coordinó y participó, entre otros, en los siguientes libros publicados en VALDEMAR: La nueva carne. Una estética perversa del cuerpo (2002), El demonio en el cine (2007), Explorando mundos: el cine de ciencia-ficción (2008), King Kong 75 años después (2008), Las sombras del horror, Edgar Allan Poe en el cine (2009) y Pesadillas en la oscuridad. El cine de terror gótico (2010).

Autor; Antonio José Navarro, Editorial; Valdemar Colección: Intempestivas; Páginas; 528

Richard Matheson, la leyenda. Una retrospectiva completa de la obra de un gigante. La bibliografía y la filmografía de Richard Matheson, nuestro moderno de todos los géneros, tiene muchísimas caras, y en todas y cada una de ellas nos ha dejado historias que se han grabado a fuego en nuestro inconsciente. Matheson fue el artífice oculto de incontables iconos culturales y de estrategias narrativas rabiosamente modernas.

El volumen consta de tres partes. En la primera, «Prolegómenos», Sergi Grau y Joan Renter hablan de la vida de Richard Matheson. En la segunda, «Narrativa», Lluís Vilanova, David Roas, Carlos Díaz Maroto, Álvaro San Martín, Tomás Fernández Valentí, Sergi Grau, Jordi Ardid y Juan Manuel Santiago analizan sus obras literarias. En la tercera, «Guiones para cine y televisión», José María Latorre, Juan Carlos Vizcaíno Martínez, Lluís Vilanova, Jordi Ardid, Joaquín Vallet Rodrigo, Tomás Fernández Valentí, Adrián Sánchez, Tonio L. Alarcón, Sergi Grau, Carlos Díaz Maroto y Álex Barba analizan a fondo la inabarcable faceta de Matheson como guionista de cine y televisión. En la cuarta, «Inédito en español a cargo de Adrián Sánchez, Álvaro San Martín, Sergi Grau, Lluís Vilanova, Jordi Ardid, Joaquín Vallet Rodrigo y Sergi Grau le dan un repaso al resto de la obra del autor. Y, además, como extras, la bibliografía y la filmografía del autor, cerca de veinte páginas, son de las que aturden por la cantidad y la calidad.

Autor; Coordinado por Sergi Grau, Editorial; Gigamesh; Páginas; 344

Es verdad que el cine se parece a un espejo, y que lo que la pantalla recibe del proyector no es más que un juego de fulgores y destellos, pero la luz que se le devuelve a cada espectador es otra muy distinta porque pasa por el riguroso filtro de sus sueños, y probablemente no hay nada más verdadero que eso. Pero al otro lado del espejo está lo que no vemos, la carne y el hueso de esas sombras que llamamos estrellas de cine, las que se pasean por los festivales como si fueran personas de verdad con las que poder charlar y hasta comer una paella, o incluso emborracharse, para mostrarse al final tal cual son, sin peluquería ni maquillaje: los dioses y los monstruos de la historia del cine.

A su lado y entre bastidores asoma la mirada de Joan Lluís Goas, la persona que les acompaña durante muchos años en reuniones, festivales, cenas y fiestas, para destilar aquí por fin de cada una de ellos estas semblanzas tan inverosímiles a veces, pero tan reales. Goas perfila una divertida crónica que no se deja cegar por la anécdota. Él sabe dónde buscar la humanidad, la modestia o la vanidad de esos dioses y monstruos que se delatan como cualquiera en cada gesto y en cada palabra, y que invitan al afecto o al desengaño, pero nunca a la indiferencia.

Con un estilo muy cercano y persuasivo, Goas sabe fijarse en los detalles con humor elegante y finísima ironía, sabiendo que el cine es un trasunto de la vida, ese espejo, decíamos, en el que si nos miramos y no nos vemos, es que entonces no vemos nada.

Autor; Joan Lluís Goas, Editorial; Editorial Alrevés; Páginas; 224

El libro «De Narciso Ibáñez Menta a Narciso Ibáñez Serrador. Scrapbook» propone humildemente, mostrar de manera gráfica, la pasión que nos merece el trabajo de dos leyendas del mejor cine, teatro y televisión hecho en España y Argentina. El orgulloso y talentoso padre (Narciso Ibáñez Menta) y su hijo, el brillante Narciso Ibáñez Serrador (alias Chicho), a través de viejas, pero buenas fotografías y textos de época. En el año 1997, Gustavo Leonel Mendoza tuvo su primer encuentro con Narciso Menta durante el Festival de Cine de Mar del Plata, donde vio una película en la que actuaba (“La bestia debe morir”), allí logro entrevistarlo para un documental sobre el género de terror en Argentina.

La vida y las relaciones humanas tienen links, un hecho conduce a otro. Gracias a este documental sobre Narciso, que se ha visto en el Festival de Cine Fantástico y Terror de Sitges (2009), en el Buenos Aires Rojo Sangre y el “Fantasti’CS” de Castellón, donde conoció a su coordinador, Jorge Juan Adsuara, quién le propuso este “Scrapbook” desde su colección personal. A él, le agradece esta hermosa oportunidad. Narciso Ibáñez Menta y Chicho, son dos leyendas que hicieron maravillas audiovisuales en Hispanoamérica, de una manera absolutamente profesional, y que hasta ahora, en aquellas películas o capítulos que han quedado y podemos disfrutar, siguen manteniendo la frescura y vigencia de sus realizaciones.

En este «Scrapbook», figuran varios desconocidos programas de televisión, obras teatrales y cinematográficas de Argentina y España, muchos de ellos, ya desaparecidos, o porque se grababan en vivo y no se registraban, o en el peor de los casos, ya no existen, a causa de pobres manejos de archivos, errores técnicos, incendios, inundaciones, robos, reutilización del material, etc. Las obras que figuran en este ejemplar, como las versiones televisivas de Narciso Ibáñez Menta hechas en Argentina: “El fantasma de la ópera”, “El muñeco maldito” y “El hombre que volvió de la muerte”, etc, (todas desaparecidas); Estas “Obras maestras del terror”, luego Chicho las lleva a España, para convertirse en “Mañana puede ser verdad”, “Estudio 3”, e “Historias para no dormir”.

El libro, muy bien diseñado, con una fantástica portada creada por el artista Jairo Guerrero, muestra imágenes y textos de una determinada fracción de una época, (entre los años 1925 y 1970). En algunos de estos programas, obras de teatro y películas, padre e hijo trabajaron juntos, siendo los pioneros en la televisión en Argentina y España, con Ibáñez Menta actuando y Chicho escribiendo, actuando y dirigiendo…

Gustavo siempre fue un buscador de tesoros, sobre todo en tiendas de libros usados. La mayor parte de las imágenes, proviene de una colección que pudo conseguir de un fanático coleccionista, que recortaba en diarios y revistas acerca de lo que amaba: el trabajo de estos dos grandes del arte, y quizás para su propio regodeo personal o quizás de alguna manera previó, para ser mostrada en un futuro a los lectores de este libro. También hay entremezcladas, varias muestras de su colección privada, que no es poca, además de las imágenes de «Narcisín» a todo color y las de Chicho en «Aprobado en inocencia», pertenecientes a la colección de Carlos Benítez de Serendipia Naschy y Miguel Ángel Plana.

Pedidos: edicionesmuseofantástico@gmail.com. PVP: 24€ más gastos de envío

Autor; Gustavo Leonel Mendoza, Editorial; ISBN GENERICO; Páginas; 208

Una selección exclusiva de sus mejores trabajos para el mundo del cine donde encontrarás carteles para festivales y películas, bocetos de personajes, storyboards… Víctor Matellano (director de cine y teatro), Julio Peces (director de la Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol), Miguel Ángel Vivas (director de cine) y el propio Alfonso Azpiri riegan este espléndido bestiario con sus excelentes prólogos. Porque eso es, exactamente, lo que es Azpiri y el Cine, una magnífica recopilación de monstruos y más monstruos creados por los incansables e increíbles pinceles del gran Alfonso Azpiri.

Alfonso Azpiri nació en Madrid en 1947 en el seno de una familia de músicos. A los 25 años colabora por primera vez en el mundo editorial con la revista Trinca, en la que salen las series Dos fugitivos en Malasia y Alpha Cosmos. Tras su cierre, los años siguientes trabaja en algunas revistas eróticas italianas. Fruto de esa experiencia, nace en 1979 en las páginas de Mastia su personaje femenino más conocido: Lorna. Al igual que otros de sus cómics, Lorna se ha publicado internacionalmente en revistas como Penthouse o a través de Heavy Metal. En el año 1988 comienza la publicación de Mot en El Pequeño País. Las aventuras de este monstruo creado junto a Ignacio Moreno (Nacho) continuarían durante cuatro años, y fueron recogidas luego en cinco libros recopilatorios. Unos años después también salió el cómic infantil El Bosque de Lump en el mismo medio. Otras obras suyas son Sueños Húmedos -premio al Mejor Cómic Erótico del Saló del Còmic de Barcelona 2000-, Sensations, Despertares, Demon Wind, Cementerio Estelar -con el guión de Carlos Giménez-, Coxas de Miedo o El Fantasma de Palacio. Además, sus obras han aparecido en revistas míticas como Cimoc, 1984 o Zona 84. Aparte de sus publicaciones en revistas, su inquietud le lleva en la década de 1980 por otros caminos como la informática, haciendo doscientas carátulas para juegos y programas de ordenador de varias compañías contemporáneas de software españolas (Dinamic Multimedia, Topo Soft y Opera Soft, entre otras) entre ellos dos de sus más famosos personajes Lorna y Mot. También se involucra en el cine, realizando Story-Boards, diseños de personajes, escenarios, etc.

Autor; Alfonso Azpiri, Editorial; DIBBUKS; Páginas; 144

(De)construyendo a Apichatpong Weerasethakul está dividido en dos bloques: un análisis de la obra fílmica del director y un acercamiento a su obra artística, que recoge sus instalaciones para museos y su faceta de vídeo-artista. El libro, además, aporta varias miradas sobre su universo y una entrevista al realizador tailandés.

Artículo publicado el miércoles, 25 de noviembre de 2015 en la web del Festival Internacional de Cine de Gijón. http://www.gijonfilmfestival.com/noticias/show/29418-apichatpong-weerasethakul-gijon-me-permite-recuperar-la-libertad

“Gijón es absolutamente fantástico; es un punto muy brillante en mi carrera”. La frase la dijo esta mañana Apichatpong Weerasethakul con una sonrisa franca en la boca y el tono apacible que gasta y engancha. Y lo declaró en la presentación del libro, (De) construyendo a Apichatpong Weerasethakul un nueva publicación del Festival Internacional de Cine de Gijón, coordinada por Cine Asia. Este libro complementa la retrospectiva que el FICX le dedica este año al cineasta y artista tailandés. “Gijón supone para mí un alivio –confesó- porque me permite recuperar la riqueza de la libertad»

¿No hay libertad en Tailandia? Pues no: desde 2014 viven bajo la bota militar. Hace un par de días, contó el cineasta, el primer ministro Chan-o-cha amenazó de muerte a un grupo de académicos que pretendían organizar un seminario político. “Así que los cineastas tenemos cierto miedo, no nos expresamos con libertad, hay autocensura”. Y, en ese momento, en la sala de prensa del festival, pasó un ángel (o un fotograma de su cine). El FICX está siendo un bálsamo porque “el lenguaje del cine es universal y en ese sentido Gijón es un perfecto reflejo de esa libertad” inherente a la creación artística, a la cultura.

Weerasethakul se define como un “chaval de 47 años” que es “introvertido y tímido”. Lo que siente cuando dirige es sencillo: “El cine es libertad y me permite comunicarme, encontrar mi lugar en el mundo”. Pero para él hacer película no sólo es contar una historia: “El cine es una colección de instantes y de experiencias, es un viaje”.

Y en ese viaje está embarcado el público de Gijón. Un recorrido a través de siete largometrajes, un corto y una colección de trabajos experimentales o que anticiparon su obra fílmica. El libro presentado esta mañana también ayuda en esta ruta por el cine y las manifestaciones artísticas de Weerasethakul. Junto al director, estuvieron Nacho Carballo y Jorge Iván Argiz, director y programador del FICX, respectivamente; Gloria Fernández, la coordinadora de la publicación; Luis Miñarro, “amigo” y uno de los productores de El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas, Palma de Oro en Cannes, y Luis Miranda, co-autor del libro y director del Festival Internacional de las Palmas de Gran Canaria.

Contacto: https://twitter.com/cineasia_online

Autor; Coordinadora: Gloria Fernández, Colaboradores: Luis Miñarro, Enrique Garcelán, Editorial: Festival Internacional de Cine de Gijón & CineAsia. Gijón, 2015 ; Páginas;

La obra de este personal cineasta, profundamente enamorado del cine fantástico, bascula entre el compromiso con su propia concepción del género –véanse Cronos (1993) o las coproducciones con España El espinazo del diablo (2001) y El laberinto del Fauno (2006), con la que ganó tres premios Oscar– y la relativa concesión a los estándares del cine made in Hollywood –Mimic (1997), Blade II (2002), Pacific Rim (2013)–, todo sin que falten puntos medios entre ambos extremos, como las dos películas dedicadas al personaje de Hellboy o La cumbre escarlata (2015), su última película hasta la fecha.

La coherencia artística de Guillermo del Toro descansa en la asunción de lo gótico como un leitmotiv irrenunciable, a cuyo servicio sabe poner toda su imaginería: la tienda de un anticuario mexicano, las alcantarillas de Nueva York, la bodega de un colegio para niños huérfanos y abandonados, las callejuelas oscuras de Praga, localizaciones de la posguerra española o el cuartel general de unos robots gigantes se transforman, en sus manos, en escenarios húmedos, decadentes, oscuros y amenazadores.

En este libro, profusamente ilustrado con material exclusivo cedido por Del Toro, se analiza toda su filmografía y se incluye una extensa entrevista en la que el director repasa sus referentes artísticos, sus inicios en la industria y las anécdotas que rodean a sus películas, así como su lucha constante por sacar nuevos proyectos a la luz.

Se incluye como anexo final una biografía de Lucille Sharpe (personaje de La cumbre escarlata), escrita por Guillermo del Toro y publicada por primera vez en castellano en este volumen.

Prólogo de Santiago Segura.

Libro en preventa. Fecha de salida del libro: 15 de septiembre.

Autor; Tonio L. Alarcón, Carlos Díaz Maroto, Tomás Fernández Valentí, Rubén Higueras, Juan A. Pedrero Santos, Javier G. Romero, J. L. Salvador Estébenez, Diego Salgado y Adrián Sanchez. Editorial; Calamar; Páginas; 248