Categoría: Libros
De un cine epistolar. La presencia de la misiva en el cine francés moderno y contemporáneo
Chris Marker, Jean-Luc Godard, François Truffaut, Marguerite Duras, Alain Cavalier, Chantal Akerman, Philippe Garrel o Arnaud Desplechin son algunos de los nombres que surgen de nuestra memoria cinematográfica si intentamos evocar la cartografía De un cine epistolar francés. Este estudio tiene como objetivo proporcionar el trazo de esa geografía fílmica y realizar su análisis, el de la presencia de la materia epistolar en el cine francés moderno y contemporáneo. Tras exponer la tipología de inserción del elemento epistolar en la obra cinematográfica y sintetizar su uso en el cine clásico, la primera parte del estudio analiza la presencia de la materia epistolar en las obras de la Nouvelle Vague y el Nouveau Cinéma. La voz-yo epistolar genera un film carta de indiscutible relevancia en el nacimiento y consolidación del film-ensayo que posibilita también la experiencia límite de hibridación entre cine y literatura. La misiva se inserta en el relato fílmico mediante una nueva representación moderna de la enunciación epistolar que experimenta con las posibilidades de inscripción de la misiva sobre la pantalla cinematográfica, hibridando también materiales documentales y ficcionales. La segunda parte analiza la evolución de la materia epistolar bajo el nuevo paradigma posmoderno. Se produce entonces la aparición del film epistolar como nueva estructura discursiva. El film carta evoluciona en el espacio del film-ensayo y se adentra en los territorios de la ficción y la autoficción. Surge una representación posmoderna de la enunciación epistolar donde se complejiza la intelección de la misiva. Además, se instrumentaliza una nueva forma epistolar, la vídeo carta, y se produce la focalización en la recepción y lectura de la misiva a través de una nueva voz-tú epistolar. Se configura así una cartografía epistolar que se constituye también como lugar de encuentro de sus textos fílmicos. Cartas de amor y desamor, amistad y familia, reflexión histórica y revolución política, subjetividad e imaginación, identidad y alteridad, memoria y olvido… Misivas fílmicas todas ellas destinadas finalmente al espectador.
El autor
Lourdes Monterrubio Ibáñez Licenciada en Filología Francesa y doctora en el programa Estudio comparado de los diferentes lenguajes artísticos por la Universidad Complutense de Madrid. Cursó la diplomatura de Dirección Cinematográfica en la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) y colaboró como crítica cinematográfica en la revista Cahiers du cinéma-España/Caimán Cuadernos de Cine. Miembro del grupo de investigación interdisciplinar e internacional de la UCM La Europa de la escritura, sus líneas de investigación se centran en el cine francés moderno y contemporáneo, las relaciones entre literatura y cine y las escrituras fílmicas del yo. Ha participado en los dos volúmenes de investigación Entre escritura e imagen con los capítulos “La coalescencia literario-cinematográfica en la obra de Marguerite Duras” (2013) y “La autoficción literaria francófona del extrême contemporain a través del cine” (2018). Entre sus últimos artículos publicados destacan: “Del cinéma militant al ciné-essai. Letter to Jane de Jean-Luc Godard y Jean-Pierre Gorin” (2016), “Autorretratos identitarios de una mirada fílmica. De la ausencia a la (multi)presencia: Duras, Akerman, Varda” (2016), Agatha et les Lectures illimitées de Marguerite Duras. El texto literario y su (irre) presentación fílmica” (2017) y “Sobre los inicios del cine contemporáneo: Primer plano de Abbas Kiarostami y El sol del membrillo de Víctor Erice. La fraternidad documental-ficción” (2018).
Autor; Lourdes Monterrubio Ibáñez, Editorial; Shangrila Ediciones. Páginas; 468
Nosotros somos ellos: Análisis y evolución del género de zombis en George A. Romero
El cine de zombis ha conocido un espectacular resurgimiento con la entrada del siglo XXI, en el que han aparecido multitud de películas, series, videojuegos y libros. En el origen de la popularidad de este fenómeno se encuentra el director norteamericano George A. Romero (1940-2017), que con su visión personal dio un giro copernicano al género de los muertos vivientes. El presente libro profundiza en el sentido de la saga de películas que Romero inicia con «La noche de los muertos vivientes» (1968) y que termina con un colofón en forma de cómic en «El imperio de los muertos» (2014), e intenta rastrear la evolución de estos seres en su significación más compleja a través del tiempo.
Autor; Josep Oliver Marroig, Editorial; EDICIONS UIB. Páginas; 128
Wagner y el cine: De las películas mudas a la saga de Star Wars
La obra de Richard Wagner es fuente de continua inspiración artística y de controversia ideológica, tanto en literatura y filosofía como en las artes visuales, además de la música. El cine no es una excepción. Sus dramas musicales, sus argumentos y sus personajes han influido en artistas, poetas, en compositores y también en directores de cine. En Wagner y el cine, un grupo de historiadores culturales y musicólogos examina la influencia del wagnerismo en el cine, desde las era de las películas mudas a la actualidad, y aporta ejemplos del empleo que los filmes comerciales han hecho de Wagner.
La estética wagneriana, desde Fritz Lang a George Lucas, ha motivado a multitud de artistas en el ámbito del cine. Su técnica del leitmotiv ha sido recurrente en todos los géneros cinematográficos, desde la comedia a los dibujos animados, pasando por la ciencia ficción o el de terror. En este libro se analizan películas que van desde el primer biopic del compositor, Wagner (1913) –protagonizada por Giuseppe Becce, el «doble» de Wagner–, hasta films taquilleros y de acción como Gladiator (2000).
A pesar de su resonancia –estética, musical e ideológicamente–, las investigaciones críticas y analíticas sobre Wagner y el cine no se pusieron en marcha hasta la década de los ‘80, al cumplirse el centenario de la muerte del compositor. Los ensayos incluidos en este libro –el primero de estas características– entablan un diálogo crítico con los estudios existentes y aumentan de forma relevante nuestro conocimiento sobre Wagner –el más grande compositor dramático de todos los tiempos–, contribuyendo de manera esencial a la investigación en historia cultural y crítica musical. Este volumen, de lectura estimulante, pretende propiciar el diálogo en la creciente comunidad de interesados en el wagnerismo en el cine, impulsando una verdadera Comunidad del Anillo.
Prólogo de Tony Palmer
Traducción de Juan Lucas y David Rodríguez Cerdán
Autor; Gilman, Sander y Joe, Jeongwon, Editorial; Fórcola Ediciones. Páginas; 648
Multiculturalismo, cine y medios de comunicación
En este libro, el multiculturalismo y la crítica del eurocentrismo son dos conceptos inseparables, pues relaciona dos temas que a menudo se relegan a ámbitos reservados a los especialistas: por un lado, los debates referentes a las políticas de identidad y raza; por otro, los debates sobre el discurso (pos) colonial y el nacionalismo en el Tercer Mundo. Stam y Shohat sitúan la cultura popular en el centro mismo de estos debates posmodernos y señalan que los medios de comunicación desempeñan un papel importantísimo a la hora de modelar las comunidades y determinar la pertenencia a un grupo.
Éste es el primer estudio detallado de un nuevo campo de investigación que los autores denominan estudios multiculturales de los medios de comunicación, lo cual hace que esta obra sea una lectura fundamental para los estudiosos de los medios. El libro establece un modelo teórico para analizar tanto los productos de Hollywood y de los medios de comunicación de masas (los musicales, los westerns, las películas imperiales, las noticias de televisión) como productos culturales alternativos (películas comerciales de cierto alcance crítico, el Tercer Cine, los vídeos de rap, los medios de comunicación diaspóricos e indígenas). Los autores también mantienen que un replanteamiento de la enseñanza de la comunicación puede contribuir a establecer y fortalecer paradigmas alternativos de la conciencia histórica.
El libro abarca una gran variedad de disciplinas (literatura, cine, antropología, cultura popular, etc.) y sitúa los estudios culturales en un marco multicultural al explorar asuntos como los debates contemporáneos sobre Colón, las aporías del análisis de estereotipos, las contradicciones que se hallan en la hibridación poscolonial o las actitudes del espectador. Según Stam y Shohat, todas estas cuestiones no son más que las manifestaciones superficiales de un cambio más profundo: la lucha por descolonizar la cultura global.
Autor; Robert Stam y Ella Shohat, Editorial; PAIDOS IBERICA. Páginas; 370
Noche sobre América: Cine de terror después del 11-S
¿De qué tienes miedo? Del dolor, de la muerte, de la pérdida… La mayoría de nuestros terrores son innatos, espontáneos, pero también pueden ser aprendidos, sociales, colectivos. Hemos aprendido a temer muchas cosas en lo que va de siglo, empezando por los atentados del 11 de septiembre y siguiendo con la crisis financiera. Este volumen se centra en el cine de terror estadounidense estrenado entre el 11-S y el comienzo de la crisis (2001-2011), para analizar los cambios que se han producido en la ideología dominante. A través del terror, los excesos del orden y las amenazas de la otredad se vuelven transparentes, pero para verlos debemos elucidar la relación entre el cine y la ideología, entre nuestros miedos cotidianos y los de la ficción. Desde una perspectiva teórica y analítica, este libro analiza con rigor cómo el cine de terror dialoga con la ideología de nuestra época.
ÍNDICE
PRESENTACIÓN, por Juan Miguel Company
Introducción
Para comprender el miedo
La ideología y el cine: fundamentos teóricos (1)
El mito y el cine: fundamentos teóricos (2)
Preludio con fantasmas: el cine antes del 11 de septiembre
Una mitología para el 11 de septiembre
Monstruos tras los muros: la política del aislamiento
El mundo será América o no será: la política de la cruzada
Líbranos del mal
El espejismo americano
Hacia la noche
Conclusiones
Filmografía cronológica
Bibliografía
Autor; Luis Pérez Ochando, Editorial; ADAMA. Páginas; 460
Cine y navegación. Los siete mares en setenta películas
Cine y navegación. Los 7 mares en 70 películas es un libro que une las dos profesiones de su autor, Fernando de Cea: la de marino y la de crítico de cine. Contiene una selección de reseñas de las mejores películas sobre navegación, con comentarios, datos históricos y curiosidades propias del entorno marítimo. Una obra que gustará a los aficionados al cine y a la historia, pero que también atraerá enormemente a quienes les interese todo lo relacionado con la mar.
Un trabajo actual que aborda cintas clásicas y modernas; películas que van desde El capitán Blood, El motín del Caine o Capitanes intrépidos hasta Piratas del Caribe, Capitán Phillips o Master and Commander. Centrado en 70 de las cintas más representativas del género, pero con referencias a más de 500 películas.
Una obra tan original que apenas existen libros publicados sobre el tema y, desde luego, ningún ensayo tan riguroso, ameno y documentado como el que ahora se brinda al lector.
«El cine ha expresado su fascinación por todo lo que tiene que ver con la mar y los océanos, tal como demuestran los cientos de películas que han tratado el tema desde los comienzos del cinematógrafo hasta nuestros días. No es de extrañar que un medio de divulgación tan popular como el cine se encargue de dar a conocer los secretos que esconde un ámbito tan desconocido como la mar. Que una fábrica de sueños ofrezca al espectador, que se encuentra a salvo, sentado cómodamente en su butaca, la posibilidad de ser partícipe de aventuras, de ser testigo de la historia o de sufrir calamidades navegando virtualmente por el océano».
ÍNDICE:
Introducción
- AVENTURAS
1.1 Aventura y Mitología.
Ulises
Jasón y los argonautas
Los Vikingos
1.2 Una de piratas.
La isla del tesoro
El capitán Blood
El halcón del mar
El cisne negro
El capitán Kidd
La mujer pirata
El temible burlón
Piratas del Caribe
1.3 Motines y Guerras Napoleónicas.
Rebelión a bordo
La fragata infernal
El hidalgo de los mares
Master and Commander
1.4 Clásicos de la literatura.
Capitanes intrépidos
El lobo de mar
Almas en el mar
Lobos del Norte
El demonio del mar
El mundo en sus manos
Moby Dick
Lord Jim
- BÉLICAS.
2.1 El acorazado Potemkin.
El acorazado Potemkin
2.2 Ha estallado la guerra.
Hombres intrépidos
Pasaje para Marsella
Mare Nostrum
El zorro de los océanos
2.3 A la caza del lobo solitario.
La batalla del Río de la Plata
¡Hundid al Bismarck!
Bajo diez banderas
2.4 El océano en llamas.
Sangre, sudor y lágrimas
Acción en el Atlántico Norte
The Cruel Sea
No eran imprescindibles
El motín del Caine
El final de la cuenta atrás
- COMEDIAS.
3.1 Un mar de risas y música.
Escala en Hawai
Las tres noches de Eva
Los caballeros las prefieren rubias
La bella Maggie
3.2 Grandes cómicos.
El navegante
Pistoleros de agua dulce
Marineros a la fuerza
La princesa y el pirata
- DRAMAS.
4.1 Romance y locura.
Viaje de ida
Mares de China
El barco de los locos
Y la nave va
La leyenda del pianista en el océano
4.2 Catástrofes.
La aventura del Poseidón
Titanic
La tormenta perfecta
4.3 A toda vela.
La fuerza del viento
Tormenta blanca
Kon-Tiki
Cuando todo está perdido
- CRIMEN Y SUSPENSE.
5.1 Cine negro.
Estambul
La dama de Shanghai
Tener y no tener
Punto de ruptura
Armas para el Caribe
5.2 Entre el misterio, el thriller y el terror.
El barco fantasma
Náufragos
El cuchillo en el agua
Lunas de hiel
El fin de Sheila
Calma total
Capitán Phillips
Niebla
Agradecimientos
Bibliografía
Índice de películas citadas pertenecientes al Cine del Mar.
El autor
Fernando de Cea Velasco (Madrid, 1958) es capitán de fragata de la Armada, licenciado en Economía y crítico de cine. Colaborador habitual de revistas culturales, ha publicado artículos, reseñas y críticas en prensa escrita, medios digitales y en su blog de cine, El blog de Ethan (elblogdeethan.blogspot.com).
Es autor de las novelas Puentes y sombras, Cenizas para un blues, La habitación 104, El suave roce de tu pelo y Visibilidad Cero; y del ensayo El autoremake en el cine. ¿Obsesión o repetición? (T&B Editores, 2014). Sus libros, reseñas, entrevistas y demás documentación multimedia pueden consultarse en www.fernandodecea.com.
Autor; Fernando de Cea Velasco, Editorial; Berenice (grupo Almuzara). Páginas; 400
La guerra de los clones (Más allá de Star Wars)
El estreno de La guerra de las galaxias en 1977 provocó una onda cultural expansiva que ha acabado llegando hasta nuestros días, en la que se ha convertido en una franquicia millonaria que inunda nuestras vidas con toneladas de merchandising. Pero este libro no trata de la conocida saga galáctica, sino de sus consecuencias cinematográficas a lo largo de las décadas. Su éxito sin precedentes volvió a colocar las aventuras espaciales de moda y generó montones de imitaciones y derivados. Desde productos rápidos, baratos o poco inspirados a grandes epopeyas de animación, pasando por reinterpretaciones locales facturadas por países como Japón, Turquía o Italia.
En este libro, el equipo de la web El Pájaro Burlón (Javier J. Valencia, Dani Morell, Óscar Sueiro López, Xavier Torrents Valdeiglesias y Víctor Castillo Rodríguez) se dedican a analizar y documentar cuarenta películas surgidas de toda esa fascinación por las naves espaciales, los rayos láser, los robots respondones y los estilismos cósmicos. De las galaxias más resultonas a los agujeros negros más ponzoñosos de la exploitation mundial.
La guerra de los clones: un loco viaje por más de tres décadas de fascinación por las aventuras galácticas, indispensable para todo aquél que, como sus autores, quiera ir más allá de Star Wars.
Autor; Dani Morell, Xavier Torrents Valdeiglesias, Javier J. Valencia, Óscar Sueiro López, Víctor Castillo Rodríguez, Prólogo: Luigi Cozzi, Epílogo: Paco Fox, Editorial; Applehead Team Creaciones, Colección: La Generación del Videoclub; Páginas; 288
Pensamientos del cine. Las películas que acompañamos. El cine que intentamos recuperar
Brigadoon, esa pequeña aldea en la altas tierras escocesas imaginada por Vincente Minnelli, despierta y vive un día cada cien años. Es el precio del hechizo que preserva su armonía de fábula, a salvo del terror del mundo. Brigadoon no está en el tiempo ni en los mapas. Jacques Tourneur filmó una noche del demonio hacia la que conduce el jirón de un pergamino, que se pasa de un elegido a otro, como un anillo envenenado. Anuncia un final con forma de luz metafísica en el bosque, que avanza a la velocidad de un tren. “Está en los árboles. Es él, está llegando”. Un viento de tormenta electrifica el bosque fatal. “Es él. Aquí viene”. Podría ser el amor. Podría ser el cine. Si amas a alguien que habita Brigadoon, podrás entrar en ella. Si la abandonas, Brigadoon desaparecerá. El pergamino, insignia metafórica, es lo que no cesa de moverse en la imagen. Pertenece a un libro inhallable, como Brigadoon, un cuerpo virtual de imágenes y signos. Podría ser una película. Para ir hacia lo fantástico, hay que creer. Como creen los niños en sus amigos invisibles. Para entrar al cine, como quien entra a Brigadoon, hay que rendirse a su parpadeo químico, a esa espectacular intermitencia entre la luz desnuda y la ceguera. Y luego, sentir su sedimentación en la memoria, sus minúsculos picos y sus palas, su trepidación subterránea en nuestra psiquis.
Raymond Bellour escribe el cine para recordarlo. Se hace arqueólogo. O porque lo asedia y se anuda en su interior. Se hace exorcista. De Robert Wise a Ritwik Ghatak, de Rossellini a Philippe Grandrieux, de John Ford a Chantal Akerman, de Ingmar Bergman a Gus Van Sant, del rostro inmóvil de Lillian Gish atravesado por minúsculas olas sensibles al rostro de Cary Grant como ojo del montaje y geómetra del plano: todo está allí para ser recuperado, para pujar y ser una memoria imposible, entre la percepción alucinada de la imagen que adviene (como un cataclismo, como una plegaria) y el recuerdo definitivamente incierto que la fija, que la ancla a nuestra vida como un fósil, radioactivo y estremecedor.
El autor
Escritor, crítico y teórico de cine y literatura. Fue uno de los fundadores de la revista Trafic. Ha escrito, entre otros textos, Henri Michaux (1965, 1986), L’analyse du film (1979), Mademoiselle Guillotine (1989), L’Entre Images: Photo. Cinéma.Vidéo (1990), L’Entre Images 2: Mots. Images (1999), Partages de l’ombre (2002) y La querelle des dispositifs: Cinéma – expositions, installations (2012).
Con Pensées du cinéma. Les filmes qu’on accompagne. Le cinéma qu’on cherche à ressaisir (2016), último libro publicado por Raymond Bellour aquí presentado en español, Shangrila continúa la labor de difusión de su obra, iniciada con la publicación, en 2013, de El cuerpo del cine. Hipnosis, emociones, animalidades (Le corps du cinéma: hypnoses, émotions, animalités, 2009).
Autor; Raymond Bellour, Editorial; Shangrila- Contracampo libros. Páginas; 508
Méliès
Georges Méliès (1861-1938), uno de los pioneros del cine, tal vez el pionero de los pioneros. Gracias a su perseverancia, personalidad y condición de ilusionista imprimió a sus películas un estilo característico, heredero de la fantasmagoría y el teatro de lo increíble. La magia, el misterio, la ilusión se fundía en unas escenografías sorprendentes, que él mismo diseñaba, y que transportaban al espectador a la irrealidad, al sueño, a parajes que recorren desde el cielo con sus astros hasta el mundo subterráneo con sus diablos y esencias. Si bien Méliès se dedicó a otros géneros, como la comedia o el drama, sus películas de viajes fantásticos permanecen en la memoria del espectador para siempre. Se tiene a Le voyage dans la Lune (Viaje a la luna, 1902) por su obra más recordada. Con este volumen Libros del Innombrable rinde homenaje al artista que tanto nos cautiva. Para tal fin hemos recabado una solvente y principal tripulación. Juan Luis Borra ha iluminado las páginas del libro con sus dibujos y el diseño de portada. Por otro lado, contribuyen los actores: Raúl Herrero, Bruno Marcos, Alberto Ruiz de Samaniego, Jesús F. Pascual Molina, Silvia Rins, Carlos Barbarito, Aldo Alcota, Laia López Manrique, Antonio Fernández Molina, Iván Humanes, Alfredo Moreno, Tomás Fernández Valentí y Diego Civilotti García.
Cada nauta ha glosado, recreado, analizado, expuesto o profundizado en aspectos de la obra y la vida de Méliès. Georges Méliès, (8 de diciembre de 1861-21 de enero de 1938). Toda la biografía de Méliès es deliciosa y parece ya una película de Méliès. Bruno Marcos *** La maquinaria prodigiosa de lo extraordinario se convierte, pues, en una pasión que, efectivamente, organiza y ocupa toda la vida del incansable Méliès. Alberto Ruiz de Samaniego *** … sus películas causaron un gran impacto en el Surrealismo, que en muchos aspectos reconocía a Méliès como uno de sus precursores. Jesús F. Pascual Molina *** Lo único que sabemos es que Méliès, como verdadero creador, no dejó de ser jamás un niño. Silvia Rins *** Allí me asomé a nombres y lugares, y entre esos lugares, París, entre esos nombres, el de Méliès. Carlos Barbarito *** … las bellas alucinaciones del séptimo arte no se perdieron en el quiosco de juguetes de Montparnasse. Méliès las resguardó, confiando que algunos cómplices más jóvenes, partidarios de la recuperación de sueños, llegaran un día a su recinto y así poder transmitirles el secreto de la luna. Aldo Alcota *** Lo que preocupa a los cuerdos es el tránsito de la razón a la fiebre… Laia López Manrique *** Más allá de ironías, Méliès es el ilusionista universal. Iván Humanes *** La figura de Méliès emergió, como el héroe de un antiguo serial de aventuras, en el instante justo, en el momento crucial para salvar al cine de una muerte prematura. Alfredo Moreno *** El cine como magia y la magia del cine. Tomás Fernández Valentí *** La mirada de Méliès es artística y extraordinaria porque trabaja directamente con ideas. Diego Civilotti García.
Autor; VV.AA (Incluye textos de Raúl Herrero, Bruno Marcos, Alberto Ruiz de Samaniego, Jesús F. Pascual Molina, Silvia Rins, Carlos Barbarito, Aldo Alcota, Laia López Manrique, Antonio Fernández Molina, Iván Humanes, Alfredo Moreno, Tomás Fernández Valentí y Diego Civilotti García) Ator; Antonio José Navarro, Editorial; Libros del Innombrable. Páginas; 312
Choque de titanes. 50 películas fundamentales sobre la Guerra Fría
La expresión Guerra Fría, popularizada en 1947 por el periodista Walter Lippmann, alude al prolongado conflicto que enfrentó a la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas y a Estados Unidos por la hegemonía mundial. Una pugna que se libró en los frentes político, económico, científico, militar y cultural, donde el cine desempeñó un gran papel. Las películas, de los más variados géneros y estilos fueron el mejor medio de persuasión para inculcar al espectador un orden simbólico que justificase la ideología de cada superpotencia. Pero, también, desafiando a la censura, y gracias a sus sofisticadas formas narrativas e iconográficas, el cine plasmó de manera certera las tensiones sociales y políticas de toda una época, proporcionándonos un documento histórico de primer orden protagonizado por personajes tan diversos como Iósif Stalin, Ronald Reagan, Lev Kuleshov, Sylvester Stallone, Nikita Jruschov, Billy Wilder, Grigoriy Chukhray, John Wayne, Alfred Hitchcock, John Le Carré o Steven Spielberg.
Índice
Choque de Titanes (p. 11)
LAS PELÍCULAS (pp. 33-212)
Las extraordinarias aventuras de Mr. West en el país de los bolcheviques (1924
Tchapaief, el guerrillero rojo (1934)
Ninotchka (1939)
Mission to Moscow (1943)
El telón de acero (1948)
Vstrecha na Elbe (Meeting on the Elbe) (1949)
Zagovor Obrechyonnykh (Conspiracy of the Dammed) (1950)
Ultimátum a la Tierra (1951)
I Was a Communist for the FBI (1951)
My Son John (1952)
La guerra de los mundos (1953)
Fugitivos del terror rojo (1953)
Prisoner of War (1954)
Murió hace 15 años (1954)
La invasión de los ladrones de cuerpos (1956)
En el ojo del huracán (1956)
Kommunist (Communist) (1958)
La balada del soldado (1959)
Una bala sin nombre (1959)
Rojo atardecer (1959)
Uno, dos, tres (1961)
El mensajero del miedo (1962
Escape from East Berlin (1962)
Desde Rusia con amor (1963
Su excelencia el embajador (1963)
Siete días de mayo (1964
Punto límite (1964
El espía que surgió del frío (1965)
Estado de alarma (1965)
¡Que vienen los rusos! (1966)
Boinas verdes (1968)
La sombra del zar amarillo (1969
Topaz (1969
Atrapados en el espacio (1969)La carta del Kremlin (1970)
Hearts and Minds (1974)
Meteoro (1979
Salvador (1982)
The Atomic Cafe (1982)
Amanecer rojo (1984)
Rambo: Acorralado parte II (1985
Koordinaty smerti (Coordinates of Death) (1985)
Soviet, la respuesta (1987)
Danko: Calor rojo (1988)
La bestia de la guerra (1988)
La caza del Octubre Rojo (1990)
Matinee (1993)
Trece días (2000)
Silmido (2003
El puente de los espías (2015)
Bibliografía (pp. 213-217
Índice de películas (pp. 219-220)
Autor; Antonio José Navarro, Editorial; UOC, Colección: Filmografías Esenciales. Páginas; 222
El legado de Akira Kurosawa
Kurosawa es historia del cine, y su impacto en el imaginario popular es inmenso. En el presente, con sus transformaciones políticas y sociales, el audiovisual está definido por la tecnología accesible y las tendencias de consumo de cada momento. En este contexto, la etiqueta de «clásico» se revela más un instrumento de vinculación interesada en las redes sociales o académicas que una herramienta de comprensión del mundo que nos ha tocado vivir.
Este libro valora el interés del cine de Kurosawa en el presente, sin negar la importancia del director japonés en nuestra formación humana y cinéfila: ha llegado el momento de superar clichés, para evaluar la trascendencia de Kurosawa en nuestro tiempo. El legado de Akira Kurosawa rescata al cineasta de los confines académicos y mitómanos y lo confronta a nuestra manera de interpretar la realidad, para que podamos incorporar su obra a nuestras herramientas para comprender el presente.
El libro reúne a algunos de los mejores críticos del país, con la intención de analizar, desde un punto de vista contemporáneo, hasta qué punto todavía nos ilumina el legado de Kurosawa y todo lo que nos dice sobre el ser humano, el arte, la historia, la violencia, y otras inquietudes. Ese es el legado de Akira Kurosawa. El resto son y serán cenizas.
ÍNDICE
-Prólogo de Hilario J. Rodríguez.
-Capítulo I: Akira Kurosawa: Ayer, hoy, ¿mañana?. Diego Salgado.
-Capítulo II: Akira Kurosawa: El humanismo en el vacío. Álvaro Peña.
-Capítulo III: La(s) violencia(s) en el cine de Akira Kurosawa. Ignacio Pablo Rico.
-Capítulo IV: De Rashomon a Tannhäuser: Formas, umbrales y estancias en el cine de Akira Kurosawa. Aarón Rodríguez Serrano.
-Capítulo V: La política en el cine de Akira Kurosawa: Imágenes para un ideario social. Henrique Lage.
-Capítulo VI: Huellas sobre la arena caliente: El legado de Akira Kurosawa en las manifestaciones culturales contemporáneas. Tonio L. Alarcón.
-Capítulo VII: Trazos de celuloide: Las huellas de la escritura en el cine de Akira Kurosawa. José Francisco Montero.
-Capítulo VIII: La sombra del artista: Claves pictóricas en el cine de Akira Kurosawa. Raúl Álvarez.
-Capítulo IX: Sinergias musicales entre Oriente y Occidente: Albor de una épica multiverso. David Tejero Nogales.
-Capítulo X: Dodes’ka-den, Dersu Uzala y Ran: Historia y crisis de la inocencia. Luis Miranda.
Ya podéis adquirir el libro en preventa haciendo clic AQUÍ.
Autor; prólogo de Hilario J. Rodríguez y coordinación de Ignacio P. Rico y Álvaro Peña, El legado de Akira Kurosawa cuenta con textos de Diego Salgado, Aarón Rodríguez Serrano, Henrique Lage, Tonio L. Alarcón, José Francisco Montero, Raúl Álvarez, David Tejero Nogales, Luis Miranda y los propios Ignacio P. Rico y Álvaro Peña., Editorial; Applehead Team Creaciones. Páginas;
Cine y exilio. Forma(s) de la ausencia
Lo que tal vez pudo ser una de las causas de la derrota republicana, ese bullicioso desorden de las masas febriles y ardorosas que pueblan los reportajes de guerra del bando leal al gobierno democrático, habría de convertirse poco después en la más dolorosa procesión de gentes humilladas y mutiladas, apenas sin rasgos y sin nombre, abandonando para siempre su país y dejando a su paso tan profundas cicatrices en la dolorida tierra española que las cámaras cinematográficas no podrán dejar de notar, aun sin quererlo, su ominosa presencia.
Caso singular será, entre los exiliados, el de la gran actriz gallega María Casares, nacida en 1922 e hija del primer ministro de la II República en el momento de la sublevación militar, Santiago Casares Quiroga. Obligada en su fulgurante aprendizaje parisino a un doloroso intento de evacuación de todo lo que le unía a sus idiomas natales –una castración de lenguaje que constituía una forma más de desarraigo y melancolía–, su relevante filmografía estará marcada por inolvidables interpretaciones de mujeres abandonadas y heridas, como la Nathalie de Les enfants du paradis (1943-1945) o a la princesa de la Muerte en el célebre Orphée de Jean Cocteau (1950).
Esa pérdida irremediable, convertida para siempre la tierra natal en inalcanzable objeto de deseo, atraviesa también, y en lo más hondo, la estremecedora En el balcón vacío (1962). Escrita, con fuertes resonancias autobiográficas, por María Luisa Elio y dirigida por su marido Jomí García Ascot, exiliados en México, el filme es, en rigor, el ejemplo por excelencia de cine español en el exilio, formado por fragmentarias imágenes-recuerdo en las que el tiempo de la infancia de su protagonista, Gabriela, y de la irrupción de la Guerra Civil en su vida a los siete años, se entremezcla con el presente, en el devenir, aun no conscientemente querido, de la memoria. Íntimamente vinculada a la posterior El espíritu de la colmena (Victor Erice, 1973), el gran film del exilio interior y del cine español al que influye directamente, la todavía escasa difusión del extraordinario título mexicano nos obliga a repensar nuestra deuda con los exiliados y a valorar cualquier aproximación –fílmica, plástica, literaria– que reivindique el valor y el sabor de la memoria.
De esas y otras películas –aproximándonos a ellas con las armas metodológicas del análisis fílmico, sin despreciar la necesaria contextualización histórica– tratan de dar cuenta, lúcida pero apasionadamente, las páginas de este libro.
El autor.
José Luis Castro de Paz (A Coruña, 1964) es historiador del cine, doctor en Historia del Arte y Catedrático de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Santiago de Compostela. Redactor jefe de la revista Vertigo en los años ‘90 del siglo pasado, colabora en publicaciones especializadas españolas y extranjeras y es miembro del comité editorial de las revistas Translations, Eu-topías, Archivos de la Filmoteca y Volvoreta. Presidente de la Fundación Wenceslao Fernández Flórez y director de su colección “Cuadernos de Cine y Cultura Española del Siglo XX”.
Ha participado en obras colectivas como Antología crítica del cine español (1896-1995), editada por Cátedra y Filmoteca Española (1997), Diccionario del cine español (1998) o Diccionario del cine iberoamericano (SGAE, 2011), coordinado una Historia del cine en Galicia (1996) y dirigido, con Julio P. Perucha y Santos Zunzunegui, La nueva memoria. Historia(s) del cine español (Vía Láctea, 2005).
Ha coordinado asimismo numerosas obras sobre la vinculación con el mundo cinematográfico de señeras figuras de las letras (Wenceslao Fernández Flórez, Gonzalo Torrente Ballester, Camilo José Cela) y sobre la trayectoria y el análisis de la obra de los más destacados cineastas (Mur Oti, Nieves Conde, Berlanga, Bardem, Regueiro), actores (María Casares, Fernando Rey) o productores (Suevia Films-Cesáreo González: 30 años de cine español).
Entre sus numerosos libros destacan Vertigo/De entre los muertos (Paidós, 1999); El surgimiento del telefilme (Paidós, 1999); Alfred Hitchcock (Cátedra. 2000), Un cinema herido. Los turbios años cuarenta en el cine español (Paidós, 2002), premio al mejor ensayo otorgado por la AEHC (2003), Fernando Fernán-Gómez (Cátedra, 2010), Del sainete al esperpento. Relecturas sobre el cine español de los años cincuenta, escrito con Josetxo Cerdán (Cátedra, 2011) o Sombras desoladas. Costumbrismo, humor, melancolía y reflexividad en el cine español de los años cuarenta (1939-1950) (Shangrila, 2012).
Autor; José Luis Castro de Paz, Editorial; Shangrila- Hispanoscope libros. Páginas; 132
Ennio Morricone. En busca de aquel sonido
¿Qué es la música? ¿Dónde comienza? ¿Cuál es su propósito? ¿Sigue teniendo sentido estudiar música hoy en día? Las historias y reflexiones de Morricone en conversación con su discípulo y confidente, el también compositor Alessandro de Rosa, giran en torno a estas cuestiones. Dentro de En busca de aquel sonido, vida y obra confluyen en una suerte de partitura que nos permite contextualizar y comprender algunas de las grandes paradojas y contradicciones de nuestro tiempo.
Conversar con Morricone invita a reflexionar sobre el pasado, el presente y el futuro de la música, para abordar de manera cercana cuestiones como la crisis de la música culta del siglo xx, la llegada de la radio y la televisión, el desarrollo de la industria cinematográfica y discográfica, y los usos y costumbres de la sociedad de consumo. No menos fascinante es la crónica de sus encuentros con personalidades como Sergio Leone, Pier Paolo Pasolini, Fellini, Scola, Bertolucci, Clint Eastwood, Quentin Tarantino, Brian de Palma u Oliver Stone. Nos regala, además, un paseo por su producción extra cinematográfica; o lo que él mismo define como «música absoluta».
Este libro nos muestra a un Morricone accesible y revelador, cuya obra y existencia están sorprendentemente entrelazadas con los misterios de la vida, de la identidad y de las dudas que aún hacen que nos cuestionemos nuestra propia realidad.
El autor
Alessandro De Rosa – (Milán, 1985) empezó a estudiar composición por consejo de Ennio Morricone. Asistió a las clases de Boris Porena y después se diplomó en el Conservatorio Real de La Haya. Como compositor y arreglista ha colaborado con Jon Anderson, cantante de Yes. Trabaja para las radiotelevisiones públicas de Suiza (RSI) e Italia (RAI) y es director de A&R en Pastelle Music.
Autor; Alessandro De Rosa, Editorial; MALPASO EDICIONES. Páginas; 544
Alienciclopedia. Los extraterrestres más memorables del cine
El pequeño y entrañable extraterrestre creado por Steven Spielberg que, con cuatro cables, dos juguetes y cinta aislante, se fabricó un teléfono para llamar a “su casa” situada en el espacio exterior y por ello estafando en miles de dólares a la compañía telefónica dejando al terrícola Elliot con una deuda de por vida.
Los pequeños y revoltosos seres de cerebro prominente que llegaron desde Marte en sus platillos volantes para atacar nuestro planeta con el fin de conquistarlo a base de destructoras pistolas láser y reducciones de cabezas, pasando de los cromos a la gran pantalla gracias a un Tim Burton tan rarito como ellos.
Aquellos ingenuos alienígenas en blanco y negro que invadieron el cine de bajo presupuesto de los años 50 donde había desde una señora de 50 pies de altura que no encontraba medias de su talla, hasta una bestia de un millón de ojos transformada en su cartel anunciador por una chica en bañador pasando por un demencial plan 9 del espacio exterior obra del mítico Ed Wood. Todos ellos y más de cien marcianos conforman esta guía donde, con abundante material gráfico, se detallan todos los datos que un buen terrícola debería saber sobre ellos: su raza, planeta de procedencia, cómo son físicamente (feos, la mayoría) y los poderes y armas con que cuentan para hacer de las suyas.
Autor; Luis M. Carmona y Juan Luis Sanchez; Editorial: Diábolo Ediciones, Páginas: 240
El universo de John Ford
Es probablemente el director de cine más prestigioso y para muchos el mejor de toda la Historia del Cine. John Ford supo crear un universo propio en el que valores como la camaradería, el honor, el sacrificio y el valor toman un renovado significado al ser observados por su prisma, eminentemente cinematográfico, de pionero. Es un mundo de diligencias, legiones invencibles, caravanas de paz y sargentos negros. Pero también de hombres tranquilos, delatores y valles irlandeses. El cine de Ford es el cine de las relaciones humanas. Veintisiete prestigiosos críticos analizan en El universo de John Ford todos sus films, sus colaboradores, sus actores, sus obsesiones, sus filias, sus fobias.
Autor; David Felipe Arranz, Victor Arribas, Luis Balcarce, Enrique Bolado, Quim Casas, Luis Freijo, Espido Freire, Ramón Freixas, Luis Herrero, Jaime Iglesias, Juan Carlos Laviana, Carlos Marañón, Miguel Marias, Alicia Mariño, Alejandro Melero Salvador, Diego Moldes, Israel Paredes, Marina Pérez Lezaola, Moisés Rodríguez, Fernando R. Lafuente, Oti Rodríguez Marchante, Enric Ros, Adrián Sánchez, Gerardo Sánchez, José Luis Sánchez Noriega, LucÍa Tello Díaz, Eduardo Torres-Dulce, Jaime Vicente Echagüe, Juan Carlos Vizcaíno,; Editorial: NOTORIOUS EDICIONES, Páginas: 504
Animando lo imposible. Los orígenes de la animación stop-motion (1899-1945)
Más de cien años después de su invención, la técnica de animación stop-motion sigue engañando y sorprendiendo a nuestros ojos. Actualmente en internet hay cientos de vídeos de muñecos que se mueven fotograma a fotograma, e incluso hay más de media docena de festivales de cine cuyo programa solo recoge obras realizadas a través de esta técnica. Sin embargo, nadie había investigado a fondo en sus orígenes hasta ahora.
Desde antes de la invención del cinematógrafo en 1896, varios inventores y fotógrafos se dieron cuenta que, para emular la realidad, solo hacía falta que un grupo de imágenes fijas se sucedieran ante nuestra vista a cierta velocidad. Esa descomposición del movimiento llevaría de lleno al descubrimiento de la stop-motion, cuya paternidad se disputa entre Gran Bretaña, Estados Unidos, Francia, España y Rusia. Con ella se vería animado todo lo tangible, desde los juguetes más accesibles a elementos absolutamente imposibles, como cerillas, pequeñas tuercas, enormes muebles o la sombra de alfileres. Un análisis de lo que dio de sí la técnica en sus primeros y bicolores años, que sirve de sentido homenaje a todos sus pioneros: Arthur Melbourne-Cooper, Émile Cohl, Segundo de Chomón, Lotte Reiniger, Salvador Gijón, Quirino Cristiani, Joseph Sunn, Hermína Týrlová, Lou Bunin, Charley Bowers, Willis O’Brien, Ladislas Starewitch… y un largo etcétera.
Prólogo de Barry Purves
Introducción: Un porqué para todo esto
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LA SUSTITUCIÓN
DEL TEATRO GRIEGO AL CINEMATÓGRAFO
GEORGES MÉLIÈS Y LOS PRIMEROS USOS DE LA SUSTITUCIÓN
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PIONEROS DEL PASO DE MANIVELA
LAS CONTROVERTIDAS CERILLAS DE MELBOURNE-COOPER
UN HOTEL ENCANTADO REGENTADO POR BLACKTON Y SMITH
ÉMILE COHL, EL PADRE DE LA ANIMACIÓN EUROPEA
LA GUERRA Y EL SUEÑO DE CHOMÓN
EL BALLET ANIMADO DE ALEXANDER SHIRYAEV
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TROCITOS DE CARTULINA
ARMSTRONG Y KATO-KISZLY, LAS PRIMERAS TIJERAS
LAS SILUETAS FANTASIOSAS DE LOS BRAY-GILBERT STUDIOS
QUIRINO CRISTIANI. EL HOMBRE QUE RECHAZÓ A DISNEY
LAS SOMBRAS DANZANTES DE LOTTE REINIGER
TONY SARG, EL PUPPET MASTER AMERICANO
NOBURŌ ŌFUJI. EL NINJA DE LOS RECORTABLES
- RAREZA ANIMADAS I: LAS REBANADAS DE CERA DE FISCHINGER
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LA ANIMACIÓN EN PLASTILINA
MANCHANDO EL CINEMATÓGRAFO DE PLASTILINA
DAYTON Y MAY. LAS PLASTIANIMADORAS DE ANTAÑO
JOSEPH SUNN Y LA MUD ANIMATION
DESDE FRANCIA LLEGARON LOS COLORES
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RAREZAS ANIMADAS II: LOS ALFILERES DE ALEXEÏEFF Y PARKER
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MUÑECOS VIVIENTES
LOS CORTOMETRAJES DE MOTOY Y KINEX
VESTIGIOS ANIMADOS DE LA ESPAÑA REPUBLICANA
ALEMANIA BAJO LA ESVÁSTICA: EL CINE DE LOS HERMANOS DIEHL
TÝRLOVÁ Y DODAL, LOS INICIADORES DE LA STOP-MOTION CHECA
CARICATURIZANDO A HITLER. EL ARTE DE LOU BUNIN
LOS PUPPETOONS DE GEORGE PAL
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RAREZAS ANIMADAS III: LAS TUERCAS DIMINUTAS DE FRANK GOLDMAN
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HUMANOS REALES Y CRIATURAS ANIMADAS
NO SOLO DE INSECTOS VIVÍA STAREWITCH
CHARLEY BOWERS, SLAPTICK ANIMADO
WILLIS O’BRIEN. LA STOP-MOTION LLEGA A LAS SUPERPRODUCCIONES
MATRIOSKAS ANIMADAS. LA STOP-MOTION DE PTUSHKO
SESIÓN CONTINUA DE STOP-MOTION Y HUMANOS
Epílogo: Lo que vendría después
Índice onomástico
Bibliografía
Autor; Adrián Encinas Salamanca; Editorial: Diábolo Ediciones, Páginas: 320
Distopía y cine. Futuro(s) imperfecto(s)
Distopía (RAE): Representación ficticia de una sociedad futura de características negativas causantes de la alienación humana.
El término distopía –acuñado por el político y economista británico John Stuart Mill en 1868– alude a una ficción que describe pormenorizadamente una sociedad futurista indeseable en sí misma, donde nuestra fe en el progreso social, tecnológico, moral, ha sido totalmente destruida por toda clase de excesos y abusos perpetrados en aras del progreso… Sin embargo, las ficciones distópicas no son producto únicamente de la imaginación de sus autores: el futuro de horrores que describen se basa en una extrapolación en el tiempo de ideas o problemas actuales y reales, los cuales sirven para evaluar de manera crítica nuestro presente.
A partir del legado de escritores como H. G. Wells, George Orwell, Aldous Huxley, Karel Capek o J. G. Ballard, el cine ha construido un poderoso discurso distópico desde sus inicios como arte, abordando temas tan controvertidos como el autoritarismo político, las desigualdades sociales, la autocracia económica, el impacto de la tecnología en la vida humana, la degradación de la cultura, el quebranto de los sentimientos, el miedo a la guerra nuclear, a la degradación del medio ambiente, a la violencia como instrumento de dominación ideológica… Un denso y apasionante universo fílmico, equipado de un poderoso discurso visual, por el que han transitado cineastas de la categoría de Fritz Lang, Ridley Scott, Stanley Kubrick, Jean-Luc Godard, Franklin J. Schaffner, Paul Verhoeven, Richard Fleischer, George Miller, George A. Romero, Olivier Assayas o Terry Gilliam, entre muchos otros.
El volumen incluye textos de Tonio L. Alarcón, Óscar Brox, Quim Casas, Roberto Curti, Fernando de Felipe Allué, Ramon Freixas & Joan Bassa, Jorge Gorostiza, Hard Boiled Lula, Elisa McCausland, Roberto Morato, Luís Pérez Ochando, Jesús Palacios, Álvaro Peña, Diego Salgado, Antonio José Navarro y Tomás Fernández Valentí.
Autor; Coordinado por Antonio José Navarro; Editorial: Donostia Kultura, Páginas: 234
Michael Haneke. La estética del dolor
En realidad, los límites del horror no existen. Es necesario superar los tabúes que nos impiden salir de la banalidad más absurda, como la que dice que para que una película deba considerarse de terror, debe asustar artificialmente e impregnar la pantalla de sangre. Y ahí es donde cineastas como Michael Haneke consiguen transmitir un impacto espeluznante y provoca el despertar de nuestros miedos más profundos. Su acercamiento a la realidad sirviéndose de una frialdad estremecedora y dolorosa, convierten su cine en uno de los grandes representantes del horror en imágenes. La obra es un repaso detallado de la filmografía del director austríaco que incide en su faceta más terrorífica y desestabilizadora para el espectador, un libro que propone explorar los límites del terror a través de un director imprescindible para comprender las sombras de la conducta humana y los resortes del horror cotidiano. Segunda colaboración consecutiva de Editorial Hermenaute con el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei que en esta su 36 edición rinde tributo al cineasta bajo el leitmotiv «Haneke or The Edge of Horror». Michael Haneke. La estética del dolor es el libro oficial del festival decano de cine fantástico en el territorio español que se celebró del 10 al 19 de noviembre de 2017.
«Al leer este libro y los distintos textos que lo componen, he visto de manera nítida a ese Haneke, no al que lapidan sus enemigos, considerado un bárbaro amoral que utiliza el cine para sermonear sobre la maldad humana recurriendo a las mismas armas que dice aborrecer, tampoco al que parece surgir de una cierta cultura centroeuropea que usa la impasibilidad como máscara de la aberración, ni siquiera al Haneke manipulado por determinada inteligencia occidental, convertido en experto hostigador de nuestros vicios. Sumérjanse así en las páginas de este volumen y sabrán finalmente por qué Michael Haneke es más importante para el cine de terror que para eso que algunos siguen llamando arte y ensayo«.
Carlos Losilla. Crítico cinematográfico.
Autor; Coordinado por Albert Galera. Prólogo de Carlos Losilla; Editorial: HERMENAUTE, Páginas: 266
Drácula. La realidad y el deseo
El 8 de mayo de 1958 llegó a la cartelera estadounidense Drácula, una producción británica libremente basada en la novela de Bram Stoker. A raíz de dicho estreno, un colaborador del Observer escribió: “Lamento oír que Drácula está siendo proyectada en América mientras insisten en su origen británico, y me siento inclinado a disculparme ante todos los americanos decentes por mandarles una obra de tan enfermizo mal gusto”. El film se estrenó en Inglaterra un mes más tarde, cosechando un éxito parejo y críticas no menos acres: “Una sociedad cuerda no puede tolerar estas películas”, se leía en las páginas de Sight and Sound. Hubo quien la acusó de pornográfica.
A partir de un guion de Jimmy Sangster, Drácula llevó a cabo una radical reinvención del mito, que Terence Fisher potenció con una puesta en escena tan pragmática como inspirada. En sus manos, el vampiro dejó de ser una simple alimaña para recuperar su carácter polisémico: el conde transilvano es un enemigo de la Fe, una demonización del Otro, un representante de un régimen latifundista y agrario ya periclitado y, por encima de todas las cosas, un monstruo sexual. (Acaso la acusación de pornografía no estuviera completamente fuera de lugar). El vampiro “libera” a sus víctimas de toda atadura moral y las induce a entregarse sin ningún freno a sus impulsos. Uno de los apuntes más sugerentes del mito es que el vampiro no despierta ningún apetito que su víctima no tuviera previamente.
En Drácula. La realidad y el deseo, José Abad acomete el estudio de una película que ha escrito un capítulo significativo en la Historia del Cine.
El autor
José Abad (Granada, 1967). Licenciado en Filosofía y letras y Doctor en Filología Italiana. Trabaja como profesor en la Universidad de Granada, en donde imparte entre otras la materia “Cine y sociedad”. Como escritor su interés se ha repartido entre la narrativa y el ensayo. Ha publicado dos novelas, Nunca apuestes con el diablo (2000) y Del infierno (2016), y dos libros de relatos King Kong y yo (2006) y El acero y la seda (2015).
En el campo del ensayo se ha cimentado en dos frentes distintos, pero complementarios: la literatura y el cine. Al primer grupo pertenecen Las cenizas de Maquiavelo (2008) y Ficcionario (2010); al segundo, El vampiro en el espejo (2013) y Mario Bava. El cine de las tinieblas (2014). Ha colaborado asimismo en una treintena de obras colectivas, entre las que destaca la monumental Antología del cine fantástico y de terror español (T&B, 2015-2016), coordinada por Rubén Higueras Flores.
Autor; José Abad, Editorial; Shangrila. Colección Fantasmagorías, Páginas: 168
Paul Naschy / Jacinto Molina: La dualidad de un mito
Conocido y venerado a lo largo y ancho del mundo, no hay duda de la consideración de mito que Paul Naschy disfruta a día de hoy entre los aficionados al cine de terror. Sin embargo, a pesar de esta apreciación, su figura y obra se encuentran aún carentes de una auténtica valoración crítica que reconozca sus verdaderos méritos. Por exceso o por defecto, las no pocas publicaciones que han abordado su trayectoria, ya sea de forma parcial o global, han estado guiadas por filias y fobias que en la mayoría de los casos han eclipsado al análisis puro y duro, que atendiera a los siempre necesarios criterios de rigurosidad y objetividad. Paul Naschy/Jacinto Molina. La dualidad de un mito nace con el confesado objetivo de cubrir este vacío. Para tal fin, en sus más de seiscientas páginas se dan cita una nutrida nómina de autores de muy diferente condición y procedencia, entre los que figuran varios de los más prestigiosos especialistas europeos en cine de género y fantástico, conformando así un rico crisol de miradas hacia Naschy y su cine, lo más libre posible de prejuicios y subjetividades.
De la mano de sus textos, el presente volumen reseña una por una todas las películas en las que intervino de forma directa o indirecta el cineasta madrileño, además de incluir diferentes apartados que repasan sus guiones no realizados, sus diferentes memorias y biografías, así como su producción literaria, otro compuesto por varias entrevistas a profesionales que trabajaron en algún momento codo con codo junto a Paul, una selección de declaraciones inéditas de nuestro protagonista, y una última sección de apéndices formada por artículos que abordan los efectos especiales o la música de su cine, la filosofía y el trasfondo sociocultural de sus películas, sus influencias o su relación con terceros países. Un estudio, en definitiva, que aspira a ser lo más completo y exhaustivo posible, siempre con la intención de que sea el lector quien en última instancia tenga la última palabra entorno a la auténtica valoración de Naschy y su obra, en virtud de las opiniones e informaciones vertidas.
Con textos de (por orden alfabético): Daniel Aguilar, Santiago Aguilar, Joan Bassa, Antonio Vicente Chinchilla, Roberto Curti, Carlos Díaz Maroto, Ramón Freixas, Javier G. Romero, Roberto García Ochoa-Peces, Valentin Guermind, Rubén Íñiguez Pérez, Domingo Lizcano, Diego López, Jorge Loser, Javier Ludeña, Víctor Olid, Juan Andrés Pedrero Santos, David Pizarro, Javier Pueyo, Davide Pulici, Javier Pulido, Jonathan Rigby, Juan Pedro Rodríguez Lazo, Fernando Rodríguez Tapia, José Manuel Romero Moreno, José Luis Salvador Estébenez, Adrián Sánchez Esbilla, Erika Tiburcio Moreno, Joaquín Torán y Mikel Zorrilla Trueba.
El próximo 12 de Octubre a las 13 horas en el espacio Brigadoon y dentro del marco del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, estaremos presentando Paul Naschy/ Jacinto Molina: La dualidad de un mito en un acto que contará con la presencia de varios de los participantes en el libro.
Autor; Varios autores, Editorial; Vial Books, Páginas: 640
Al caer la noche: Terror catódico americano 1970-1981
Tonio L. Alarcón nos entrega un ambicioso e innovador estudio sobre el apasionante cine de terror que, entre los años 1970 y 1981, se produjo para la televisión norteamericana. Títulos míticos como El estrangulador de la noche y La oscura noche del espantapájaros —que en España conocimos en las emisiones de Estrenos Tv—, El diablo sobre ruedas, El misterio de Salem’s Lot… Un viaje que también recupera películas menos populares, pero que, durante los años 80, seguramente disfrutamos en sus pases de fin de semana o incluso en ediciones en vídeo que podíamos encontrar en el videoclub.
Al caer la noche: Terror catódico americano 1970-1981, que cuenta además con un prólogo de Jesús Palacios, recoge una época fascinante para el cine de terror y para la televisión, examinada por Tonio L. Alarcón con la agilidad y el rigor que lo caracteriza. Por el libro desfilan figuras como Dan Curtis, John Llewellyn Moxey, Steven Spielberg, Richard Matheson, Curtis Harrington, John Badham, Wes Craven, John Carpenter y Tobe Hooper, entre muchas otras, lo que convierte este volumen en una obra necesaria para cualquier aficionado al cine de género.
Índice
PRÓLOGO
INTRODUCCIÓN
CAPÍTULO 1: PRIMEROS
TERRORES
CAPÍTULO 2: MÁS ALLÁ DE LA REALIDAD:
CONTEXTO Y MARCO GENÉRICO
CAPÍTULO 3: DAN CURTIS: EL REY DE LA TELEVISIÓN
CAPÍTULO 4: CURTIS HARRINGTON: EL REFUGIO DE UNA
PERSONALIDAD PECULIAR
CAPÍTULO 5: JOHN LLEWELLYN MOXEY: EL HOMBRE EN
LA SOMBRA (TELEVISIVA)
CAPÍTULO 6: DIRECTORES ESTRELLA ENFORMATO TELEFÍLMICO
CAPÍTULO 7: LA SOMBRA DEL PRODUCTOR
CAPÍTULO 8: ANTOLOGÍA DE PELÍCULAS
FICHAS
BIBLIOGRAFÍA
Autor; Tonio L. Alarcón, Editorial; Applehead Team Creaciones, Páginas;
¡Hasta el infinito y más allá! La historia de Pixar a través de sus películas
Pixar es sinónimo de buen cine, de animación de calidad, de historias con fondo, de personajes carismáticos y de horas y horas de entretenimiento. Su historia comenzó hace muchos años y es el momento de recordarla, de saber quiénes han estado detrás de todo, de ver sus influencias, de adentrarse en su universo, ¿y hay mejor forma de hacerlo que buceando en sus filmes? ¡Hasta el infinito y más allá! Pixar a través de sus películas es un viaje lleno de respeto y amor hacia la empresa que cambió para siempre la forma de hacer y ver el cine de animación.
El autor
Doc Pastor, escritor, divulgador y periodista especializado en Cultura Pop. Autor de los libros Los sesenta no pasan de moda, #PeriodismoZen:30 epígrafes para comunicadores inquietos, Doctor Who: el loco de la cabina, 007: James Bond, de espía a icono, Star Trek: el viaje de una generación, Vestidos para el éxito: 35 + 1 series llenas de estilo, Doctor Who, el loco de la cabina: The Golden Years, ¡¡¡BATMAN!!! La inolvidable serie de los 60, Celuloide y seda: iconos del estilo en el cine, ¡Hasta el infinito y más allá! Pixar a través de sus películas y Frost, perrito de aventuras.
Autor; Doc Pastor, Editorial; Dolmen Editorial, Páginas; 248
Applehead Team presenta sus novedades para el último trimestre de 2017
La editorial Applehead Team afronta el último trimestre de 2017 con un cambio de imagen corporativa, pero no de rumbo: tras unos meses cogiendo fuerzas ante todo lo que está por llegar, ahora presenta en público los tres libros que se unirán de manera más inmediata a su catálogo. Además, potenciando su apuesta por el ensayo dedicado al cine (algo que ha sido y será el puntal de la editorial, aunque seguirá publicando ocasionalmente obras de ficción), estrena un lema que resume una ideología y unas intenciones: “El cine que siempre has querido leer”.
Estos son, en orden de publicación (con fechas que se irán desvelando próximamente) los tres volúmenes:
AL CAER LA NOCHE: TERROR CATÓDICO AMERICANO 1970-1981
Autor: Tonio L. Alarcón.
Prólogo: Jesús Palacios.
Colección: Cineclub Applehead.
Tonio L. Alarcón nos entrega un ambicioso e innovador estudio sobre el apasionante cine de terror que, entre los años 1970 y 1981, se produjo para la televisión norteamericana. Títulos míticos como El estrangulador de la noche y La oscura noche del espantapájaros —que en España conocimos en las emisiones de Estrenos Tv—, El diablo sobre ruedas, El misterio de Salem’s Lot… Un viaje que también recupera películas menos populares, pero que, durante los años 80, seguramente disfrutamos en sus pases de fin de semana o incluso en ediciones en vídeo que podíamos encontrar en el videoclub.
Al caer la noche: Terror catódico americano 1970-1981, que cuenta además con un prólogo de Jesús Palacios, recoge una época fascinante para el cine de terror y para la televisión, examinada por Tonio L. Alarcón con la agilidad y el rigor que lo caracteriza. Por el libro desfilan figuras como Dan Curtis, John Llewellyn Moxey, Steven Spielberg, Richard Matheson, Curtis Harrington, John Badham, Wes Craven, John Carpenter y Tobe Hooper, entre muchas otras, lo que convierte este volumen en una obra necesaria para cualquier aficionado al cine de género.
BRUCEPLOITATION: LOS CLONES DE BRUCE LEE
Autor: Iván E. Fernández Fojón.
Colección: La Generación del Videoclub.
Tras el fallecimiento de Bruce Lee, las salas de los años 70 recibieron un aluvión de producciones protagonizadas por “clones” del Pequeño Dragón: actores con nombres como Bruce Li, Bruce Lai, Bruce Le, Bronson Lee y Dragon Lee emulaban los gestos de la estrella desaparecida y llenaban los bolsillos de productores sin escrúpulos. Alguna de estas películas rehacían los argumentos de la filmografía del astro de Hong Kong o bien explotaban su biografía. Otras abrazaban directamente el delirio: en El dragón ataca, por ejemplo, desfilaban Drácula, James Bond, Clint Eastwood, El exorcista, Emmanuelle, Vito Corelone, Laurel y Hardy… Incluso uno de los coreógrafos de Lee, Sammo Hung, se reiría del fenómeno —desde el cariño y la admiración hacia Lee, eso sí— en Le llamaban… Dragón gordo.
Iván E. Fernández Fojón, especialista en cine asiático y de artes marciales y redactor en revistas como Dragonz y Acción Cine-Vídeo, profundiza en esta moda cinematográfica con todo lujo de detalles, consiguiendo un libro pionero en nuestro país que Applehead Team publica dentro de su colección La Generación del Videoclub (donde ya aparecieron ensayos sobre Cannon Films, la IFD y la Filmark).
Bruceploitation: Los clones de Bruce Lee es un trabajo recomendable tanto para los amantes del cine de artes marciales como para los interesados en el exuberante y provocador mundo del cine de explotación.
GOMA-2: EL CINE EXPLOSIVO DE JOSÉ ANTONIO DE LA LOMA
Autor: Javier Ikaz.
Colección: Made in Spain.
Javier Ikaz, uno de los creadores del fenómeno Yo fui a EGB y autor de Disparate Nacional: El cine de Mariano Ozores, nos entrega el primer libro dedicado a José Antonio de la Loma, uno de los directores españoles más taquilleros de finales de los años 70 y los años 80. Conocido como el padre del cine “quinqui”, de la Loma cultivó el thriller y el cine de acción, trabajó con estrellas internacionales y retrató las miserias de la España posfranquista.
Goma-2: El cine explosivo de José Antonio de la Loma ofrece un acercamiento honesto y emocionante a un cineasta a reivindicar, guionista de diversos filmes –westerns, cintas de Lucio Fulci y Antonio Margheriti…– y autor de treinta películas, algunas tan populares como Yo, “el vaquilla”, Goma-2, Perros callejeros y Nunca en horas de clase. Todas ellas son reseñadas en un volumen indispensable para los interesados en el cine popular producido en España, publicado por la editorial Applehead Team dentro de su colección Made in Spain.
También, como nexo de unión entre todos los trabajos publicados hasta la fecha y los que saldrán a la luz durante esta nueva etapa, Applehead Team presenta un vídeo donde se resume todo ello y ofrece al público pistas sobre cuáles serán los temas que ocuparán las páginas de sus siguientes volúmenes.
En busca de lo real. 50 documentales esenciales
¿Qué es lo real? Tradicionalmente, el documental se ha entendido como lo opuesto a la ficción, como aquel género que documentaba la realidad. Sin embargo, a poco que indaguemos en sus muchas ramificaciones, comprobaremos que lo real se nos escurre de los dedos, que de hecho es inalcanzable. En su lugar, tendremos que lidiar con la verdad que vive en la mirada de cada cineasta. Este libro propone un viaje apasionante a través de 50 obras que revelan la enorme complejidad del documental, sus formas mutantes y sus vericuetos éticos. Un trayecto en el que caben hombres con cámaras, metrópolis incipientes, esquimales cómplices de la ficción, fascismos y genocidas, leyendas del rock y del ring, surferos y revolucionarios, grafiteros y espigadores. Toda una aventura dispuesta a rasgar las paredes de lo real. A replantear, en cada paso, nuestra mirada sobre el mundo y aprender a campar por la incertidumbre.
Índice:
En busca de lo real (p. 9)
LAS PELÍCULAS (pp. 39-188)
La sortie de l’usine Lumière à Lyon (Louis Lumière, 1895)
Nanuk, el esquimal (Nanook from the North, 1922)
Berlín, sinfonia de una gran ciudad (Berlin: Die Sinfonie der Grosstadt, 1927)
El hombre de la cámara (Chelovek s kino-apparatom, 1929)
Drifters (John Grierson, 1929)
A propósito de Niza (À propos de Nice, Jean Vigo, 1930)
Las Hurdes, tierra sin pan (Luis Buñuel, 1933)
El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens, Leni Riefenstahl, 1935)
Tierra de España (The Spanish Earth, Joris Ivens, 1937)
Let There Be Light (John Huston, 1946)
Le sang des bêtes (Georges Franju, 1949)
Noche y niebla (Nuit et brouillard, Alain Resnais, 1956)
El misterio de Picasso (Le mystère Picasso, Henri-Georges Clouzot, 1956)
Window Water Baby Moving (Stan Brakhage, 1959)
Chronique d’un été (Paris, 1960) (Edgar Morin y Jean Rouch, 1960)
Up Series (Paul Almond y Michael Apted, 1964-2012)
El juego de la guerra (The War Game, Peter Watkins, 1965)
Don’t Look Back (D. A. Pennebaker, 1967)
Titicut Follies (Frederick Wiseman, 1967)
La evaporación de un hombre (Ningen jôhatsu, Shôhei Inamura, 1967)
High School (Frederick Wiseman, 1969)
Le chagrin et la pitié (Marcel Ophüls, 1969)
Gimme Shelter (Albert y David Maysles y Charlotte Zwerin, 1970)
Fata Morgana (Werner Herzog, 1971)
Reminiscences of a Journey to Lithuania (Jonas Mekas, 1972)
Fraude (F for Fake, Orson Welles, 1973)
Grey Gardens (Ellen Hovde, Albert y David Maysles y Muffie Meyer, 1975)
Harlan County, U.S.A. (Barbara Kopple, 1976)
La batalla de Chile: La lucha de un pueblo sin armas (Patricio Guzmán, 1975-1979)
Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio, 1982)
Sans soleil (Chris Marker, 1983)
Cabra marcado para morrer (Eduardo Coutinho, 1984)
Shoah (Claude Lanzmann, 1985)
The Thin Blue Line (Errol Morris, 1988)
Close-up (Nema-ye Nazdik, Abas Kiarostami, 1990)
Corazones en tinieblas (Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocaypse, Fax Bahr, George Hickenlooper y Eleanor Coppola, 1991)
Crumb (Terry Zwigoff, 1994)
Hoop Dreams (Steve James, 1994)
Cuando éramos reyes (When We Were Kings, Leon Gast, 1996)
Histoire(s) du cinéma (Jean-Luc Godard, 1988-1998)
Los espigadores y la espigadora (Les glaneurs et la glaneuse, Agnès Varda, 2000)
Bowling for Columbine (Michael Moore, 2002)
S-21: La máquina de matar de los jemeres rojos (S-21, la machine de mort Khmère rouge, Rithy Panh, 2003)
Rumores de guerra (The Fog of War: Eleven Lessons from the Life of Robert S. McNamara, Errol Morris, 2003)
Super Size Me (Morgan Spurlock, 2004)
Grizzly Man (Werner Herzog, 2005)
Vals con Bashir (Vals Im Bashir, Ari Folman, 2008)
Exit Through the Gift Shop (Banksy, 2010)
The Act of Killing (Anónimo, Joshua Oppenheimer y Christine Cynn, 2012)
Bibliografía (p. 189)
Índice de películas (p. 195)
Autor; Jordi Revert, Editorial; EDITORIAL UOC, S.L. Colección: Filmografías esenciales, Páginas; 198
John Barry. De James Bond a la eternidad
John Barry (York, 1933 – Nueva York, 2011) fue uno de los compositores cinematográficos de mayor personalidad, poseedor de un estilo único e inconfundible. Ganador de cinco Premios Oscar, está considerado de forma unánime como todo un maestro de la melodía.
El cine y el jazz marcaron sus inicios como artista. Fundó la banda The John Barry Seven, con la que cosechó un enorme éxito, dando el salto al cine con la película Beat Girl (1960).
Verdadero artífice del célebre tema de James Bond, se convirtió en el compositor oficial de la saga de 007, componiendo once partituras para el agente secreto y creando un sonido único que sería siempre imitado. Dentro de una fructífera carrera en la quee participó en toda clase de géneros, destacó en sus colaboraciones con directores como Bryan Forbes, Richard Lester o Francis Ford Coppola. Entre sus mayores logros se encuentra la conocida como «trilogía histórica», formada por El león en invierno (1968), El último valle (1971) y María, reina de Escocia (1971). Otros éxitos destacados fueron Zulú (1964), Ipcress (1965), Nacida libre (1966), Cowboy de medianoche (1969), King Kong (1976) y El abismo negro (1979).
La evolución del estilo del autor hacia el sonido sedoso y romántico, por el que sería siempre reconocido, comenzó a finales de los setenta y alcanzaría su plenitud en los ochenta. Músicas como En algún lugar del tiempo (1980), Fuego en el cuerpo (1981), Frances (1982) y, sobre todo, Memorias de África (1985), se cuentan entre sus mayores logros en este sentido. Tras una grave convalecencia regresó con más inspiración que nunca con Bailando con lobos (1990), manteniéndose desde entonces fiel a su nueva tendencia sonora, de un acentuado lirismo.
Este libro, el primero sobre el artista publicado en nuestro país, ofrece un completo análisis de toda su obra, repasando cada uno de sus trabajos para cine, televisión y teatro, dando detallada información sobre su filmografía, discografía, galardones y otros muchos datos de interés para el lector.
CONTENIDO:
Prólogo de nic raine
– El origen de una leyenda (1957-1962)
Los primeros pasos musicales
La colaboración con Adam Faith
La millonaria pieza musical
Broche final de un buen año
– Buscando el sonido de James Bond (1963-1964)
El contrato de Ember Records, y su continuación en el cine
«007», una genuina pieza de acción para Desde Rusia con amor, el filme Zulú y otros encargos
– El músico del toque de Midas (1964-1966)
Creando un éxito de oro en su apartamento de Cadogan Square
Ataques agudos de latón
Buscando la vocal idónea para «Goldfinger»
El documental Sophia Loren in Rome
La segunda aventura africana de John Barry y un espía llamado Harry Palmer
Los sonidos de la supervivencia en King rat
El Knack… y cómo conseguirlo, según Richard Lester
El drama romántico Cuatro en la madrugada
John Barry actúa en todas partes en Operación trueno
La apoteosis de la pieza de 007
Abriendo nuevos caminos profesionales
La comedia negra en La caja de las sorpresas y la fuerza expresiva de La jauría humana.
La leona Elsa gana dos Oscars
La serie Vendetta y el filme de espionaje Conspiración en Berlín
– Gracias, DR. Jackson (1967-69)
El romanticismo hace su aparición en la serie Bond
La famosa marcha espacial de Sólo se vive dos veces
El sonido «Bryan Forbes» para The Whisperers y el drama Dutchman
El robo perfecto en Angustia mortal y la colaboración con Richard Lester en Petulia
La soleada Cerdeña se oscurece bajo la sombra de Barry
Una bella fanfarria para Miss Hepburn
Un nuevo aire musical inunda el mundo de Bond
Una peculiar voz para 007 al servicio secreto de su majestad
La crisis de pareja en Una cita y Cowboy de medianoche
– Ganando adeptos (1970-72)
El western crepuscular en Monte Walsh
La Guerra de los Treinta Años en El último valle
El héroe solitario de La guerra de Murphy
Un viaje musical por el desierto australiano de la mano de John Barry
Sean Connery retorna a Bond con Diamantes para la eternidad
La serie de televisión Los persuasores
El final de la trilogía histórica con María, reina de Escocia
George C. Scott como sosias de Sherlock Holmes
El fracaso de Lolita my Love y la película romántica Sígueme
El musical Las aventuras de Alicia y la serie de televisión El aventurero
– Nuevas experiencias (1973-75)
Pequeñas colaboraciones en televisión
El éxito del musical de teatro Billy
La aventura marítima de La paloma y el regreso a la serie Bond
El espionaje romántico en La semilla del tamarindo y el Hollywood de los años
treinta en Como plaga de langosta
El sonido de América según John Barry
– Rumbo a América (1976-80)
Robín Hood regresa a Sherwood
El remake de King Kong y el telefilme Eleanor & Franklin
Suspense bajo el mar en Abismo y otros encargos menores
La vuelta al formato del telefilme
¿Qué diablos pinta John Barry en estas películas?
La última colaboración de Barry con George Cukor
Romance bélico en La calle del adiós y Bond conquistando el espacio en Moonraker
La factoría Disney se sube al carro de la aventura espacial en El abismo negro
El erotismo de Juegos de noche íntimos
– Un toque de distinción (1980-85)
El milagro de la música cinematográfica
Max’s Bar y el fracaso económico de Rescaten el Titanic
El llanero solitario cabalga de nuevo y su obra maestra para Fuego en el cuerpo
Volviendo a incidir en la fibra sensible del oyente
El exotismo de la aventura en La gran ruta hacia China, Octopussy y La foca dorada
Romance en París y el Harlem de los años 30 en Cotton Club
Roger Moore dice adiós a Bond y la intriga de Al filo de la sospecha
– Memorias de África (1985-88)
Yo tenía una granja en África
Del drama rural a los viajes en el tiempo, de la mano de Francis Ford Coppola
Las aventuras de Howard el pato y problemas con El chico de oro
La renovación musical de Bond y el thriller Mascarada para un crimen
– El retorno de John Barry (1990-97)
El épica del western en Bailando con lobos
Nuevo encargo para Graeme Clifford y reencuentro con Richard Attenborough en Chaplin
Una proposición indecente y Mi vida
Entre el sonido descafeinado de Bond y la nebulosa de Fuego en el cuerpo
El documental Across the Sea of Time y el drama racial Llanto por la tierra amada
De la novela al cine: La letra escarlata
El amor se cita en Cornualles atípico thriller de espionaje Al rojo vivo
– Ecos eternos (1998-2011)
Pinceladas musicales del pasado
John Barry en Londres
Jugando con el corazón
Eternal Echoes y Enigma
Últimos trabajos, homenajes y un proyecto inacabado
John Barry visto por la crítica
Filmografía seleccionada y otros trabajos destacados
Discografía seleccionada
Compactos recopilatorios (selección)
Lo que pudo ser y no fue. La «otra» filmografía
Premios, nominaciones y distinciones destacadas
Bibliografía
Anexo: galería fotográfica de discos (selección por décadas)
Autor; Luis Savedra y Sergio Hardasmal, Editorial; Rosetta, Editorial, Páginas; 221
Me enamoré de una máscara. Biografía novelada de Lon Chaney
El dibujante José Ramón Sánchez (Premio Nacional de Ilustración 2014) escribe e ilustra la vida del mítico Lon Chaney, «el hombre de las mil caras» en forma novelada.
La vida de Lon Chaney es una de las más apasionantes de todas las que ha dado el séptimo arte. Hijo de padres sordomudos y con una prodigiosa capacidad para el maquillaje y la caracterización, Chaney se hizo famoso interpretando personajes atormentados por su físico, pero vivió en el lujo y glamour del Hollywood legendario de los años 20. Una pintora que lo admira secretamente, se encargará de captar en lienzo la esencia y el espíritu de «El hombre de las mil caras».
El autor
José Ramón Sánchez (Santander, 4 de octubre de 1936), padre del cineasta Daniel Sánchez Arévalo -quien prologa Me enamoré de una máscara-, es cofundador de la editorial Valnera. Entre su primera exposición de caricaturas en el Museo Municipal de Pintura de Santander en 1955 y la publicación de Me enamoré de una máscara, Sánchez ha desarrollado una carrera como cartelista publicitario y político, ilustrador de libros infantiles y didácticos.
En 1978, doble reconocimiento: Premio Lazarillo al Mejor Ilustrador Español por la colección El aprendiz de brujo y nominación por la misma obra al Premio Internacional Hans Christian Andersen. Apariciones televisivas en Un globo, dos globos, tres globos o Dabadabadá se entrelazan con trabajos de temáticas diferentes, desde la Constitución del 78 a La gran aventura del cine o El Quijote.
Autor; José Ramón Sánchez, Editorial; NOTORIOUS EDICIONES, Páginas; 350
Just imagine. 50 títulos esenciales del cine de ciencia ficción
Este libro parte de la idea de que en el contexto actual realidad y ciencia ficción son una misma cosa. Por un lado, la ciencia ficción ha ido evolucionando de una forma dinámica, incorporando el pulso de la realidad para (re)interpretarla mediante sus propios mitos, enriquecidos no solo con la forma audiovisual sino con un abundante equipaje conceptual y estético procedente de la literatura, la ilustración, el cómic e incluso la divulgación científica. Por otro lado, los estilemas del género se han incorporado definitivamente al imaginario popular, en los campos de la publicidad, el videoclip o incluso el arte contemporáneo. Por todo ello, conviene redefinir la propia evolución del género abandonando ya ciertas convicciones canónicas que hoy resultan algo simplistas. Mediante el análisis de 50 títulos esenciales del género, en este libro se dibuja un panorama multidimensional, que muestra que la ciencia ficción —como el terror, la fantasía o manifestaciones colaterales— ha sido capaz de reproducirse en canales distantes pero comunicados haciendo posible la generación de un macroconcepto, o macrogénero, como es el fantástico, que goza de una excelente salud comercial y cultural.
Autor; Ángel Sala, Editorial; EDITORIAL UOC, S.L. Colección: Filmografías esenciales, Páginas; 196
Cine entre rejas
Cine entre rejas es una de las escasas aproximaciones en la literatura cinematográfica en español a un corpus al que pertenecen obras como Soy un fugitivo, La evasión, Titicut Follies, Cadena perpetua, Hunger o El hijo de Saúl: el cine carcelario. No caben muchas dudas de que este cuenta con una sólida tradición, a la que en nuestros días se incorporan nuevos títulos casi año tras año. Pero, ¿es posible inferir unas características o rasgos predominantes a partir de todas ellas? ¿Debemos hablar de un género, de un subgénero, de un ciclo…, o ninguna de estas categorías delimita de forma convincente los contornos del cine penitenciario? En cualquier caso, las historias ambientadas en prisiones han edificado poco a poco un imaginario que merece la pena explorar: ese es uno de los propósitos principales de este volumen.
En este libro colectivo sus diez autores elaboran sus respectivos discursos desde diferentes perspectivas y partiendo de diversos ámbitos carcelarios, tales como la prisión común, el reformatorio, el psiquiátrico, el convento, los campos de concentración… Asimismo, en sus páginas el lector encontrará incursiones en torno a los principales motivos audiovisuales y tipología de personajes del género; a la corriente centrada en la preparación de una fuga; a las resonancias sociales y políticas presentes en muchas de las películas carcelarias; a la representación cinematográfica de la pena de muerte; al cine penitenciario de naturaleza documental; a la hibridación del género con el de la ciencia ficción; y, por último, a la historia del género en el cine español. Un apéndice final acoge una antología de algunas significativas escenas en la historia del cine carcelario. Todo ello con el fin de cartografiar eso que, tanto desde el análisis fílmico como popularmente, se ha venido denominando “cine carcelario”.
Autores
José Antonio Planes Pedreño (ed.) (Murcia, 1980) es licenciado en Comunicación Audiovisual, Máster en Estética e Historia de la cinematografía por la Universidad de Valladolid y Doctor en comunicación audiovisual. Docente de tiempo completo en la Universidad de Medellín, donde imparte la asignatura de Narrativa Audiovisual. Es autor del libro La crítica cinematográfica de Ángel Fernández-Santos (Shangrila ediciones, 2017), coautor de La mujer en el cine español (Arkadin, 2010), editor de la monografía Regreso al Motel Bates. Un estudio monográfico de Psicosis (Editorial Mensajero, 2013) y, junto a José Francisco Montero, de la obra colectiva El universo de 2001: una odisea en el espacio (Arkadin, 2014). Ha participado en obras colectivas como Miradas para el nuevo milenio (Festival de Cine de Alcalá de Henares, 2006), Cien miradas de cine (Editorial Miradas.net, 2010), y en los volúmenes Historia del cine en películas 1980-1989 (Editorial Mensajero, 2008), Historia del cine en películas 1970-1979 (Editorial Mensajero, 2012). Desde 2008, pertenece al Equipo Reseña como crítico de cine en los anuarios de Cine para leer (Mensajero), y ha colaborado en revistas como Comunicación y sociedad, Versión Original, Miradas de cine, Kane3 y el suplemento de cultura Ababol, del diario La Verdad.
José Francisco Montero Martínez (ed.) (Almería, 1972) es licenciado en Psicología y Doctor en Filosofía. Ha escrito en las revistas Cuadernos del matemático, Miradas de cine, Versión Original, Presspectiva, Pasadizo, Kane3, La Voz de Almería, Imaginario, Shangrila, Cinearchivo o Détour. Es autor de los libros Paul Thomas Anderson (Akal. 2011), Imágenes de la Revolución. La inglesa y el duque/La commune (París, 1871) (coescrito con Israel Paredes; Shangrila. 2011) y Jean-Pierre Melville. Crónicas de un samurái (Shangrila. 2014), y ha coordinado los libros A tumba abierta. El cine kamikaze (Macnulti. 2014) y El universo de 2001: una odisea en el espacio (con José A. Planes; Arkadin. 2014), así como el monográfico PORNO: Ven y mira (con Aarón Rodríguez) de la revista Shangrila (2017). Ha participado en los libros colectivos 100 miradas de cine (Miradas.net. 2011), La lucha obrera en el cine. Sindicalismo y derechos de los trabajadores en la gran pantalla (Arkadin. 2011), Regreso al motel Bates. Un estudio monográfico de Psicosis (Mensajero. 2013), Werner Herzog. Espejismos de sueños olvidados (Shangrila. 2015), Antología del cine fantástico y de terror español (T&B. 2015), Las pesadillas de Wes Craven (Arkadin. 2016) y Abel Ferrara. El tormento y el éxtasis (Shangrila. 2017).
Colaboran:
Ernesto Pérez Morán – José Francisco Montero – José Antonio Planes Pedreño – Ignacio Pablo Rico – Albert Elduque – Aarón Rodríguez Serrano – Israel de Francisco – Diego Salgado – Christian Franco Torre – José Luis Sánchez Noriega
Autor; José Francisco Montero y José Antonio Planes Pedreño, Editorial; SANS SOLEIL EDICIONES, Páginas; 468
Bernard Herrmann. Cumbres borrascosas
‘Bernard Herrmann: cumbres borrascosas’ supone la primera monografía publicada en lengua castellana sobre el compositor neoyorquino, y una de las pocas editadas a nivel mundial en torno a una de las figuras capitales del mundo de las bandas sonoras. Con prólogo e introducción a cargo de Roberto Cueto y Joan Padrol, grandes conocedores de la música de Herrmann (1911-1975) en nuestro país, la presente monografía cubre el análisis de cada uno de sus trabajos para el medio cinematográfico del maestro norteamericano, además de atender al detalle de sus cometidos profesionales más allá de la gran pantalla (televisión, teatro, radio, obras de concierto, etc.) Hoy en día, transcurridos más de cuarenta años desde la fecha de su fallecimiento, la aportación musical de Bernard Herrmann al ámbito cinematográfico del siglo XX se sitúa en la cúspide con títulos como Vértigo (1958), Con la muerte en los talones (1959), Psicosis (1960), Fascinación (1976) o Taxi Driver (1976).
Prólogo / Introducción – El hombre que sabía demasiado
La magnificencia de los Herrmann (1911-1933)
La etapa radiofónica: En la onda de la CBS (1934-1940)
Herrmann en la RKO: Bajo el «protectorado» de Orson Welles
Herrmann en la Fox: Días de vino y rosas (1943-1962)
Escalando la cumbre: Hitchcock-Herrmann
El mundo fantástico de Herrmann-Harryhausen
El «destierro» europeo (1965-1972)
Regreso al cine USA: Sinfonía inacabada (1973-1975)
El legado musical de Herrmann
APÉNDICES
La hora de la televisión: ampliando fronteras
Una obra en paralelo: sinfonías, cantanta, obras de concierto y ópera
Filmografía completa (películas)
Discografía completa (películas)
Discografía completa de series para televisión
Discografía completa de otros trabajos
Piezas radiofónicas
Bibliografía consultada
Índice onomástico y de películas
Autor; Christian Aguilera Crouceiro, Editorial; T&B Editores, Páginas; 266
Bajo los cerezos en flor. 50 películas para conocer Japón
El País del Sol Naciente ha ejercido un poder seductor sobre Occidente. Desde hace más de cuatrocientos años, se han sucedido encuentros y desencuentros, pero siempre caracterizados por un halo de fascinación, en ocasiones casi hipnótica. Sin embargo, muchas veces esta fascinación ha propiciado la aparición de tópicos que han dificultado el entendimiento de la cultura japonesa. Así, dentro del imaginario colectivo, Japón ha quedado reducido a geishas, samuráis y pagodas. Pero Japón es mucho más. Es una cultura compleja, que esconde mucho más de lo que se percibe a simple vista, y que hay que saber mirar. La singularidad de Japón ha quedado reflejada a través de las cincuenta películas que presentamos, que no son otra cosa más que una selección de títulos que recomponen, muy sucintamente, la historia de un país, de una cultura y de una cinematografía.
Autor
Carolina Plou es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte con las especialidades de Arte Oriental y Audiovisuales por la misma Universidad, En la actualidad se encuentra realizando la tesis doctoral, estudiando el coleccionismo de fotografía japonesa de épocas Meiji (1868-1912) y Taishô (1912-1926) en museos e instituciones públicas y privadas de España. Además, ejerce como codirectora y redactora de la revista digital Ecos de Asia.
Autor; Carolina Plou, Editorial; Col·lecció: Filmografías esenciales, Páginas; 210
Trayectorias, ciclos y miradas del cine español (1982-1998)
El cine español durante los gobiernos socialistas de las dos últimas décadas del XX se caracteriza, muy en primer lugar, por la fuerte crisis con la caída del número de películas, de espectadores y de salas de cine, lo que conlleva todo un proceso de reducción del entramado industrial en sus diferentes sectores, desde la atomización de la producción, con empresas más pequeñas y coyunturales, a la distribución donde consiguen mayor protagonismo las filiales de los grandes estudios norteamericanos en un parque más reducido de salas. La crisis no tiene únicamente una dimensión económica sino que afecta a la propia percepción que la sociedad española tiene de su cine, con la evidente desafección en los ochenta, donde se convierte en lugar común entre las nuevas generaciones el descrédito de cualquier estreno tildado de españolada; quizá esta dimensión más cultural explique las interminables referencias peyorativas y la recurrente etiqueta “crisis del cine español” que ha llegado hasta el presente.
Las nuevas regulaciones y mecanismos de subvención (ley Miró) y la consiguiente caída de la producción, el acceso de nuevas generaciones de cineastas, los cambios en la exhibición con el vídeo doméstico y las nuevas “ventanas” de las cadenas de televisión, el cine hecho por mujeres, la reformulación de los géneros, el aumento del público a finales de los noventa, la emergencia de nuevos temas y preocupaciones sociales, las sensibilidades de la primera generación nacida en democracia, etc. son algunos de los factores y cuestiones a tener en cuenta en este período del cine y de la sociedad española (1982-1998) de recuperación de las libertades, construcción de la democracia y consolidación de derechos sociales.
Los análisis de 135 películas del período considerado se complementan con una panorámica que da cuenta del marco social, político y cultural de la España de la época; una crónica rigurosa de la legislación y la política cinematográfica de los gobiernos socialistas; y una síntesis de los fuertes cambios industriales y creativos de nuestro cine.
