Categoría: Libros
El cine y su doble. Relato, documento, representación
Nacido prácticamente con la pasada centuria, ninguna otra manifestación cultural ha reflejado –a veces a través de una lente deformante– los procesos y acontecimientos de su tiempo como el cine, así como la visión que los sucesivos presentes han proyectado del pasado. Instrumento de divulgación, adoctrinamiento o manipulación ideológica, el cinematógrafo ha conformado nuestro modo de pensar y percibir la realidad; testigo de los cambios de modas, hábitos y costumbres, ha sido espejo de la mentalidad e inventario de la cultura material de su momento y entorno históricos. El cine y su doble. Documento, relato, representación pretende escrutar detrás de estas reverberaciones de la realidad que han reflejado las imágenes de la gran pantalla, confrontándolas a su vez, en una galerie de glaces, con los otros dobles del mundo que han engendrado el relato histórico, el discurso filosófico, la fábula literaria o la representación artística.
Los ensayos reunidos en este volumen, firmados por especialistas de diversas disciplinas –historia, filosofía, arte, filología, cine y comunicación–, proponen un enfoque transversal de los estudios humanísticos desde la óptica de la cultura visual. Una perspectiva comparada y multidisciplinar que adopta la metodología de los llamados estudios visuales, intermedia o del denominado «giro icónico», los cuales han tenido un enorme impulso en los últimos tiempos. Pues, dada la omnipresencia y centralidad de la imagen en el mundo, como el contemporáneo, dominado por las tecnologías de la comunicación, el espectáculo y el simulacro, resulta cada vez más urgente analizar el impacto de esta hiperinflación visual y esta sobreexposición mediática en la construcción del imaginario, así como interpretar estas representaciones, desde un enfoque histórico, semiótico, iconológico o hermenéutico, como signos o síntomas de una ideología, una época o una cultura.
SUMARIO
- Introducción
Rosa Gutiérrez Herranz - [Documento] La historia contada por el cine
II.1 La Restauración inglesa y los últimos Estuardo
en el cine (1660-1714)
Javier Antón Pelayo
II.2 De los éxitos (pocos) y los fracasos (muchos).
El boom económico italiano en las comedias
de Dino Risi
Valerio Carando
III. [Relato] Leyendo a Stanley Kubrick
III.1 Hegel y Nietzsche leídos en clave futurista:
2001, una odisea del espacio
Joan Carles Cirera Izquierdo
III.2 Representaciones del laberinto:
la novela gótica y el romanticismo oscuro
en El resplandor
Lluís Laborda Oribes
IV. [Mito] Imágenes de la mujer en la pantalla
- IV.1 Las brujas de la Época Moderna.
Reflejos del genocidio en el Séptimo Arte
Montserrat Jiménez Sureda
IV.2 Sujetos del deseo. Elementos para
una introducción al divismo femenino en el cine italiano
Ludovico Longhi
V. [Representación] Del texto a la imagen: arte, literatura, cine
- V.1 El artista según Hollywood:
vanguardia y kitsch en la América de la Guerra Fría
Rosa Gutiérrez Herranz
V.2 Narrativa confesional en el cine postmoderno:
Tristram Shandy: a Cock and Bull Story
(Michael Winterbotton, 2005)
Olga Dzhumaylo
V.3 Un arte del fragmento, la apropiación y el reciclaje:
del collage al found footage
Jaume Vidal Oliveras
VI. Autores de los textos
Autor; Rosa Gutiérrez Herranz (coord.), Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 204
Agnés Varda – Espigadora de realidades y ensueños
Durante más de seis décadas, desde su debut con La Pointe Courte (1954) hasta la lección magistral sobre su propio cine contenido en Varda par Agnès (2019), Agnès Varda ha concebido imágenes cinematográficas con una libertad que siempre le ha llevado a crear sus propias reglas de juego. Sensible a los hechos de su tiempo y manteniendo una curiosidad viva por los otros, su cine tiene una vocación testimonial ejercida con la consciencia de que la realidad nunca puede atraparse y que, en cualquier caso, se muestra desde la subjetividad. A la vez, también es una expresión de su imaginación y así, pues, de sus revêries y de su gusto por los juegos de palabras y la asociación inesperada de imágenes. Entre el documental y la ficción, poniendo en cuestión y transgrediendo sus fronteras y la vida.
El autor
Imma Merino Serrat es licenciada en Filosofía por la Universidad Autónoma de Barcelona y doctora en Comunicación por la Universidad Pompeu Fabra, habiendo escrito su tesis doctoral sobre «Subjectivitat i autorepresentació en el cinema d’Agnès Varda». Es profesora de Historia del Cine y de Análisis de los medios de Comunicación en la Universidad de Girona y de Documental de Creación en el máster en Estudios de Cine y Audiovisual Contemporáneos de la Universidad Pompeu Fabra
Autor; Imma Merino Serrat, Editorial: Donostia kultura, Colección Nosferatu, Páginas: 206
La orgía de los muertos. Historia del cine de zombis español
El cine fantástico y de terror español goza de una larga tradición, intermitente en cuanto a popularidad, pero sólida a la hora de forjar un imaginario y unos hitos propios que lo distingan de otras cinematografías. Dentro de los muchos personajes, mitos y arquetipos acuñados por este cine, el zombi se erige como uno de los monstruos que más veces ha sido reformulado y cuyas películas más impacto internacional han obtenido. Desde Gritos en la noche (Jesús Franco, 1962) hasta Rec (Jaume Balagueró, Paco Plaza, 2007), pasando por los templarios ciegos de Amando de Ossorio en su emblemática tetralogía o por verdaderos puntos de inflexión en el subgénero de todo el mundo como No profanar el sueño de los muertos (Jorge Grau, 1974), el cine español de zombis cuenta con una historia que abarca casi seis décadas y que no había sido contada en profundidad hasta ahora. En La orgía de los muertos. Historia del cine de zombis español el escritor, guionista y profesor universitario Rubén Sánchez Trigos examina cada uno de los contextos socio-culturales en que tienen lugar los periodos en que se divide (las relaciones entre el cine de Jesús Franco y el horror exploitation europeo en los 60, las singularidades industriales que condicionan la representación multi-referencial del personaje en la eclosión del llamado fantaterror en la década siguiente, la nueva y mucho más naturalizada relación que mantiene la cultura española con lo fantástico en este nuevo siglo) para después analizar minuciosamente cada una de las películas producidas a lo largo de este tiempo en busca de aquellos aspectos que singularizan el cine español de zombis del producido en otros países.
El autor
Rubén Sánchez Trigos, Doctor en Comunicación Audiovisual, profesor universitario, escritor y guionista. Especializado en ficción fantástica española, ha dedicado artículos a este tema en revistas como Brumal, Pasavento o Fotocinema y en libros como Historia de lo fantástico en la cultura española (Iberoamericana, 2017), Historia de la ciencia ficción en la cultura española (Iberoamericana, 2018), Cine fantástico y de terror español (T&B, 2016), Imaginarios audiovisuales de la crisis (Eunsa, 2016) o Mad Doctors. El sueño de la razón (T&B, 2016). Ha publicado la novela Los huéspedes (Finalista del Premio Drakul de Novela) y sus cuentos se han recogido en antologías como Retrofuturismos (Nevsky/Fabulas de Albión, 2015). Es co-guionista de El intruso (David Cánovas, 2005), nominado al Goya al Mejor Cortometraje de Ficción, entre otros cortos. Entre otros proyectos audiovisuales, ha colaborado en el guión de Verónica (Paco Plaza, 2017) y como creador de personajes en el videojuego A Place For the Unwilling (Al Pixel Games). Imparte clases de guion y literatura en U-tad y en el Máster de Guión y Series de Televisión de la URJC.
Autor; Rubén Sánchez Trigos, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías libros, Páginas: 544
El cine de Frank Tashlin. América satirizada
Pretende este libro situar (o resituar) el “espacio Frank Tashlin” en el lugar que le corresponde en el doble terreno del análisis fílmico y de la historia del cine, a la par que reflexionar sobre la obra conjunta de dos cineastas (el propio Tashlin y Jerry Lewis) que no han dispuesto en las últimas décadas de la atención —ni la fortuna— crítica que sin duda merecieron por sus valores y su alcance artístico. La política de autores ha situado a otros directores del Hollywood clásico de los grandes estudios, como Ernst Lubitsch, Howard Hawks, Billy Wilder, Frank Capra, Mitchell Leisen o Preston Sturges, en el Olimpo de la comedia cinematográfica, y lo mismo ha ocurrido con otros coetáneos como Stanley Donen, Gene Kelly, Blake Edwards o Vincente Minnelli. Pero el cine de Tashlin reunió no poca reputación en la época de su realización (más en Europa que en los propios Estados Unidos, eso sí), ya fuera por sus sátiras a la masculinidad en las películas con Jayne Mansfield, por el mayor gancho popular del propio Jerry Lewis o por el (discreto) atractivo en su momento de Bob Hope o Doris Day. Pero su filmografía consta de títulos tan divertidos y valiosos como Las tres noches de Susana, Artistas y modelos, Loco por Anita, Una rubia en la cumbre, Una mujer de cuidado, Caso clínico en la clínica o Lío en los grandes almacenes. Tashlin ha suscitado los elogios de Jean-Luc Godard, Robert Benayoun, Peter Bogdanovich, Jonathan Rosenbaum o Robert Zemeckis, y puso de acuerdo a las revistas francesas Cahiers du cinéma y Positif. Ácido, destructor, siempre corrosivo, su humor consiguió describir la América de 1951 a 1968 como un enorme sanatorio frenopático y a sus habitantes como seres enloquecidos y alienados obsesionados por el consumo, el sexo, el dinero y el poder.
El autor.
Pablo Pérez Rubio (Zaragoza, 1964) es autor de más de una veintena de libros sobre temas cinematográficos. Entre ellos: Thelma y Louise / La ventana indiscreta (Dirigido por), Maenza filmando en el campo de batalla (Gobierno de Aragón), El cine melodramático (Paidós), Voces en la niebla. El cine durante la Transición española (1973-1982) (Paidós), Jerry Lewis (Cátedra), Escritos sobre cine español. Tradición y géneros populares (Institución Fernando el Católico – CSIC) o Dolor en la pantalla. 50 melodramas esenciales (Universitat Oberta de Catalunya). Ha estudiado, con Javier Hernández, el cine aragonés en diversas monografías: Moncayo Films, Antón García Abril, Antonio Artero, Adolfo Aznar… Además, ha colaborado en numerosos libros colectivos y en revistas culturales como Turia, Dirigido por, Cuadernos de la Academia, VO o Nosferatu. Es también autor de un libro de narrativa: Locos de cine y otros relatos (La Fragua del Trovador).
Autor; Pablo Pérez Rubio, Editorial: Shangrila, Colección Trayectos libros, Páginas: 188
Imaginar mundos. Tiempo y memoria en la ciencia ficción
¿Cuáles son los mundos posibles que imaginan el cine, las series o los cómics desde los nuevos retos biotecnológicos o la perspectiva feminista?
El arte y la creación constituyen las herramientas perfectas para imaginar el futuro, para descubrir que otros mundos, otros seres, otras maneras de medir el tiempo y la vida nos aguardan más allá de las fronteras de lo racional. La ciencia ficción se ha convertido en el oráculo que nos alerta de apocalipsis insalvables o nos prepara frente a contactos con otros universos, pero, también, puede aportarnos las claves para vivir en un mundo cargado de interrogantes. Y es que, en el fondo, la ciencia ficción se revela como síntoma de un período incierto en el que nos imaginamos caminando al borde del precipicio, deseando saber qué nos espera en el vacío.
Los seres humanos somos estúpidos e inestables, nuestra memoria es escasa, y nuestro gran don puede que sea el de la autodestrucción.
Los juegos del hambre, Suzanne Collins
Colaboran: Josep M. Català – Marina G. De Angelis – José Enrique Monterde – Elisa McCausland – Luis Vives-Ferrándiz Sánchez – Daniel López del Rincón – Roger Ferrer Ventosa – Marta Piñol Lloret
Autor; Varios, Editorial: ASOCIACIÓN CULTURAL SANS SOLEIL II, Colección PIGMALIÓN, Páginas: 222
La izquierda de Hollywood: La historia no contada de las películas de la época dorada
La izquierda de Hollywood es el primer libro exhaustivo sobre la historia de los progresistas de Hollywood. Paul Buhle y Dave Wagner siguen las trayectorias personales y políticas de los guionistas, actores, directores y productores de izquierdas desde los albores del cine sonoro hasta principios de la década de 1950 y el decisivo impacto que tuvo su trabajo en la época dorada de la industria cinematográfica en EEUU. Llena de detalles biográficos y anécdotas sabrosas, indaga en los pormenores sobre películas muy conocidas, injustamente olvidadas o deliciosamente estrafalarias; el libro es, según “Publishers Weekly”, “un análisis inteligente, bien expuesto y apasionante de cómo el arte y la política pueden hacer inesperados y a veces extraños compañeros de cama”. La izquierda de Hollywood también cuenta el mensaje oculto que hay detrás de películas en géneros como el policíaco, el cine familiar, el bélico, de animación y en particular del cine negro y que muchas veces ha pasado desapercibido.
Autor; Paul Buhle, Dave Wagner, Editorial: ANTONIO MACHADO, Páginas: 464
Cine-Diario
En la primavera de 1981, Serge Daney deja su puesto de redactor en jefe de los Cahiers du cinéma y se une al diario Libération. Este libro, prologado por Gilles Deleuze, reúne los dos volúmenes de textos especialmente seleccionados por Daney para su Cine-Diario, correspondientes a su período 1981-1986 en Libération e incluidos en la edición francesa original. En Libération, Daney ejerce la crónica cinematográfica con una mezcla única de precisión y sensibilidad. Mezcla de altísimo riesgo, que es su don y su látigo.
No hay nadie, nadie, que escriba como escribe Daney, que vea como Daney ve. Pasa de la crítica de películas a la entrevista, del resumen de festivales al tributo a cineastas desaparecidos, del cine a la televisión, el video, el tenis, el clip. Acaricia y dispara. Recoge y fulmina. La pregunta es siempre la misma: ¿qué es una imagen? Qué hay detrás, qué hay en la superficie, que hay entre una imagen y otra. Cómo llegar a ver, como quien llega a una zona desconocida e inestable de despojos y ruinas, de óxido y humedad, en la que cambian las reglas de la naturaleza. Como quien viaja a una habitación en la que se cumplen los deseos. Esa habitación es la Zona. Es necesario un guía, un stalker. Alguien que avance al acecho, entre el terror y la curiosidad, atizado por el deseo. “La Zona no existe”, dijo alguna vez Tarkosvki. “El stalker inventó la Zona para llevar allí a personas muy infelices e imponer en ellos la idea de la esperanza”.
Como con una película, o nuestra propia vida, lo único importante de la Zona es lo que hagamos con ella. De toda película, de toda vida, parece decir Daney, siempre se puede salvar algo. Él sabe cómo. Daney no fue un teórico ni un crítico. Fue un stalker.
El autor
Serge Daney. Viajero incansable, amante de las postales, el tenis, los mapas y los diccionarios, caminante y crítico cinematográfico, Serge Daney nació en París y murió a los cuarenta y ocho años. Fue redactor en jefe de Cahiers du cinéma, director de la sección de cine del diario Libération y fundador de la revista Trafic. Su artículos están recopilados en La Rampe (1983); Ciné-journal (1986); Le Salaire du zappeur (1988); Devant la recrudescence des vols de sac à main (1991); L’Exercice a été profitable, Monsieur (1993); Persévérance (1994); L’Amateur de tennis (1994); Itinéraire d’un ciné-fils (1999); La maison cinéma et le monde/1. Le Temps de Cahiers (1962-1981), 2001; La maison cinéma et le monde/2. Les Années Libé (1981/1985), 2002; La maison cinéma et le monde/3. Les Années Libé (1986/1991), 2012; y La maison cinéma et le monde/4. Le moment Trafic (1991-1992), 2015.
Con Cine-Diario, la recopilación de sus columnas sobre cine publicadas en el diario Libération durante el período 1981-1986, conforme una selección hecha por el propio Serge Daney, Shangrila prosigue la construcción de su Biblioteca Daney, que incluye ya Perseverancia (2015), El salario del zapeador (2016), El tenista amateur – Del cine al tenis (y viceversa) (2016) y El ejercicio ha sido provechoso, Señor (2018), así como Trafic 37. Serge Daney, después, con (2016), el monográfico que la revista que fundó, Trafic, le dedicó a su escritura y a su obra.
Autor; Serge Daney, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 342
Planeta Hollywood. Sueño americano y cine espacial
«Mientras crecíamos nos prometieron mochilas-cohete, y a cambio tenemos Instagram. Creo que esto es un fraude. Por eso me aferré con optimismo a la oportunidad de reiniciar el viaje».
Esta frase de Jonathan Nolan, guionista de Interstellar, expresa la nostalgia por el sueño espacial de los años 70, compartida hoy con su hermano Christopher y con otros directores actuales de cine espacial. Se trata de un sentimiento vinculado al espíritu de aventura propio del sueño americano, a la carrera espacial y al imaginario de Hollywood difundido durante varias generaciones. Cuando se cumple medio siglo desde que Neil Armstrong pisara la Luna, se asiste a un renacimiento del cine de exploración espacial reflejado en recientes producciones de éxito: son títulos que han avivado el entusiasmo por la «conquista» del cosmos iniciada en los albores de la Guerra Fría y que, además, muestran el retrato actual del sueño americano.
En Planeta Hollywood, Antonio Sánchez-Escalonilla realiza un apasionante recorrido por la filmografía de exploración espacial para analizar grandes clásicos y estrenos más recientes, desde Con destino a la Luna, 2001: una odisea del espacio y Apolo 13, hasta Interstellar, Gravity, Marte o First Man, atendiendo al contexto histórico y social en que fueron creados.
Autor; Antonio Sánchez-Escalonilla, Editorial: ENCUENTRO, Colección: NUEVO ENSAYO, Páginas: 388
La casa de los horrores de Tobe Hooper
Tras pasar los últimos años de su vida sumido en el ostracismo profesional y mediático, el fallecimiento de Tobe Hooper el verano del pasado 2017 trajo su figura de vuelta a la primera plana de la actualidad. Pese a la deriva que fue apoderándose de su trayectoria con el transcurrir de los años, ello no invalida los diversos e innegables aciertos acumulados a lo largo de sus primeras obras, y que convirtieron a Hooper en una de las voces principales con las que contó el cine de terror durante las décadas de los setenta y ochenta.
Partiendo de esta base, La casa de los horrores de Tobe Hooper nace con el propósito de evaluar en su justa medida la obra del cineasta estadounidense, empleando para ello un análisis que aúne rigor crítico y ecuanimidad, pero sin huir de la subjetividad propia que una obra coral siempre conlleva. Para tal fin el presente libro cuenta con la participación de Ignacio Carrero, Jorge Loser, Juan Andrés Pedrero Santos, Juan Pedro Rodríguez Lazo y Fernando Rodríguez Tapia, así como de los coordinadores de la obra Carlos Díaz Maroto y José Luis Salvador Estébenez.
Autor; Varios, Coordinado por José Luis Salvador Estébenez y Carlos Díaz Maroto con prólogo de Paco Cabezas, Editorial: Vial Books, Páginas: 346
Carretera perdida. Paseos con David Lynch
Dick Laurent está muerto. Esta sencilla oración copulativa forma parte de la memoria colectiva de toda una generación de aficionados al cine. Son las primeras y las últimas palabras que el espectador escucha en Carretera perdida. Podría decirse que abren y cierran la película, de no ser porque una de sus características consiste en redefinir los mismos conceptos de apertura y cierre. Enlazando ambas sentencias, un conjunto de subordinadas que se despliegan a la manera de una cinta de Moebius hasta sumirnos en la perplejidad. Pero en el mundo del arte, la perplejidad no siempre es sinónimo de confusión, ni fuente de irritación. Bien al contrario, el desasosiego, la incertidumbre y el extravío comportan, como asegura el propio David Lynch, cierto placer. Este volumen se ha realizado siguiendo esta máxima del placer y la diversión, orillando cualquier sentimiento de pérdida y quebranto.
Veintidós años después de su estreno, mientras nos empeñamos en avejentar el nuevo siglo, es oportuno regresar a una de las películas fundamentales para la comprensión del cambio de milenio. Porque Carretera perdida es la ilustración de un conflicto permanente entre los usos y los gustos cinematográficos, sociales y tecnológicos del pasado y del futuro. De aquel pasado analógico de hace dos décadas, y de este futuro digital. A la hora de esclarecer sus numerosas virtudes, conviene diversificar los intereses y los modos de acercamiento. Así, sobre esa superficie oscura y por momentos insondables, surgen líneas discontinuas de lucidez rubia, fluorescente. Análisis que nos guían por la tradición iconográfica del sexo, de la destrucción, de la mujer y de la locura. Una ruta por los paisajes, los ritmos sonoros y musicales, los caprichos fisiológicos de la mente y, en definitiva, por los distintos métodos que el ser humano ha encontrado para organizar el tiempo y el espacio de sus expresiones estéticas.
Si Dick Laurent está muerto, quizá haya llegado el momento de saber quién lo asesinó, cuándo y porqué.
SUMARIO
Introducción: Te veré dentro de veintidós años
Roberto Amaba
Imágenes de la locura y locura de las imágenes
Josep M. Català Domènech
Entre los jirones del tiempo perfecto:
El espacio como arqueología del trauma en Carretera perdida
Gabriel Cabello
Todo se desmorona. La música de la carretera perdida
Jesús Cortés
Carretera perdida y el cine topológico.
O de cómo convertir una cinta de cine en una cinta de Moebius
Juan Diego Parra Valencia
La combustión de la imagen.
En torno al uso del vídeo en Carretera perdida
Carlos Gómez
Carretera perdida: el tumblr de David Lynch
Déborah García
Poética del plano picado. Un análisis de puesta en escena
Roberto Amaba
Sexo infernal, sexo lunar
Cristina Álvarez López
«Dick Laurent está muerto»:
Adquisición de consciencia en Carretera perdida
Alfonso Livianos Domínguez
Figuras, espacios, géneros, paisajes.
De la figuración como abstracción en Carretera perdida
Israel Paredes Badia
Venus mutilada. Erótica de destrucción en Carretera perdida
Paula Arantzazu Ruiz
Carretera perdida o el nacimiento de la Lilith posmoderna
Mireia Iniesta
Unbrales de ida y vuelta.
Dirección y sentido de los títulos de crédito en David Lynch
Endika Rey
Autor; Varios, Editorial: Shangrila Colección Shangrila revista, Páginas: 294
Imaginarios y figuras en el cine de la postransición
El cine español durante los gobiernos socialistas de las dos últimas décadas del XX se caracteriza por la fuerte crisis con la reducción del número de películas, la disminción de espectadores y el cierre de salas en un primer momento. Las nuevas regulaciones y mecanismos de subvención (ley Miró) y la consiguiente caída de la producción, el acceso de nuevas generaciones de cineastas, los cambios en la exhibición con el vídeo doméstico y las nuevas “ventanas” de las cadenas de televisión, el cine hecho por mujeres, la renovación de los géneros, el aumento del público a finales de los noventa, la emergencia de nuevos temas y preocupaciones sociales, las sensibilidades de la primera generación nacida en democracia, etc. son algunos de los factores y cuestiones a tener en cuenta en este período del cine y de la sociedad española de recuperación de las libertades, construcción de la democracia y consolidación de derechos sociales.
Complementario del trabajo de análisis de películas desarrollado en Trayectorias, ciclos y miradas del cine español (1982-1996) (Barcelona, Laertes, 2017), se ofrecen aquí una quincena de estudios que trazan caminos para un mayor conocimiento del período. Se hace hincapié en el cambio de los noventa con un público más receptivo hacia las rupturas y sensibilidades de los nuevos cineastas, desde las aportaciones de las mujeres tras la cámara (Coixet, Bollaín, Chus Gutiérrez, etc.) al cine más popular de Álex de la Iglesia o Santiago Segura, pasando por los creadores más singulares (Villaronga, Bigas Luna, Medem, Guerin). También tienen su lugar aproximaciones a los temas y conflictos contemporáneos, a las fuentes narrativas, a las reformulaciones de los géneros y a los roles de los personajes de mujeres que figuran en las ficciones españolas de esos años.
El autor
José Luis Sánchez Noriega es licenciado en Filosofía y doctor en Ciencias de la Información. Profesor titular de Historia del Cine y del Audiovisual en el departamento de Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid y conferenciante en el centro de estudios para norteamericanos IES-Madrid, actualmente es coordinador del Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (UCM-UAM y Museo Reina Sofía). Coordina el proyecto de investigación «Ideologías, política e historia en el cine español de la Transición (1976-1984)» en el que se enmarca este libro.
Autor; José Luis Sánchez Noriega, Editorial: LAERTES, Colección: Kaplan, 57, Páginas: 306
Kubrick en casa
Una llamada de Carlos Saura puso en contacto con Stanley Kubrick a Vicente Molina Foix, quien, a lo largo de veinte años de una relación que solo acabó con la muerte del director, tradujo al español los diálogos de cinco de sus películas.
Este libro es una crónica de esa labor y del trato esporádico pero a menudo jugoso con el propio cineasta –del que es testimonio una atípica entrevista que Molina Foix le hizo en su casa en los años 80, y que se incluye como apéndice– y sobre todo un retrato de este como creador infinitamente curioso, maniático en la exigencia de calidad, que llegó a ser la figura más célebre y poderosa del cine americano sin dejar de ser un artista minucioso y artesanal.
Un testimonio de primera mano de la ética de trabajo de Stanley Kubrick a cargo del traductor al castellano de cinco de sus películas.
El autor
Vicente Molina Foix nació en Elche y estudió Filosofía en Madrid, donde reside. Vivió ocho años en Inglaterra, donde se graduó en Historia del Arte por la Universidad de Londres y fue tres años profesor de Literatura Española en Oxford. Autor dramático, crítico y director de cine (ha dirigido dos películas, Sagitario (2002) y El dios de madera (2012)), su labor literaria se ha desarrollado principalmente –desde su inclusión en la histórica antología de Castellet Nueve novísimos poetas españoles– en el campo de la novela. Sus principales publicaciones son: Museo provincial de los horrores, Busto (Premio Barral 1973), La comunión de los atletas, Los padres viudos (Premio Azorín 1983), La Quincena Soviética(Premio Herralde 1988), La misa de Baroja, La mujer sin cabeza,El vampiro de la calle Méjico(Premio Alfonso García Ramos 2002), El abrecartas (Premio Salambó y Premio Nacional de Literatura 2007), El invitado amargo(coescrito con Luis Cremades), las colecciones de relatos Con tal de no morir y El hombre que vendió su propia cama y el volumen La musa furtiva. Poesía 1967-2012, que reúne su producción lírica completa. Cabe también destacar muy especialmente sus espléndidas versiones de las piezas de Shakespeare Hamlet, El rey Lear y El mercader de Venecia, así como sus reseñas de películas reunidas en El cine estilográfico.
Autor; Vicente Molina Foix, Editorial: Anagrama Colección: NUEVOS CUADERNOS, Páginas: 136
Narración y materia. Supervivencias de la imagen cinematográfica
Determinadas expresiones de la era digital se han convertido en mitos vivientes, en voces situadas por encima del concepto tradicional de verdad. Llegado el momento de cuestionarlas, descubrimos que también son una fábrica de ideales y, por lo tanto, de frustración. El fin de las narraciones y de la materia han sido las muertes más celebradas por la teoría que ofreció sustento al fenómeno: la posmodernidad. Este volumen tiene como objetivo exponer estas carencias para, a continuación, analizar y rehabilitar la base narrativa y material de la sociedad digital. Y lo hará prestando especial atención a las imágenes cinematográficas. No obstante, para comprender la actual sociedad del espectáculo, primero habrá que realizar un doble viaje a los orígenes: al del cine y al de nuestra especie. Un ejercicio de trazabilidad histórica y biológica que, tras recorrer la segunda mitad del siglo veinte haciendo escala en el cine experimental y en el arte conceptual, reingresará en el presente para analizar el cine de los estudios Pixar.
El hilo conductor del evento será la noción de supervivencia estética. Un espacio donde el arte y la estética solicitan la participación de las tesis evolucionistas y, por consiguiente, de aquella rama del conocimiento a la que nunca debieron renunciar: la ciencia. El mundo de unas imágenes presuntamente descorporeizadas quedará entonces unido de manera indisoluble a la fisiología y a la cognición del ser humano. Al confirmar que llegado el S. XXI la narración y la materia de las imágenes han sobrevivido, y que lo han hecho de una manera profundamente encarnada, constataremos que han evolucionado. Desde este punto de vista, estamos ante un gran fresco de la teoría cinematográfica contemporánea que pone de manifiesto el fracaso del discurso social, político y académico que proclamó el reinado de las imágenes desnarrativizadas y desmaterializadas.
El Autor
Roberto Amaba, doctor en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca, Máster en Historia y Estética de la Cinematografía por la Universidad de Valladolid y miembro colaborador del proyecto de investigación Intermedialidad e institución. Relaciones interartísticas: literatura, audiovisual, artes plásticas de la Universidad de Salamanca.
Autor del volumen de análisis cinematográfico: Kino Delirio. En presencia de una imagen (Shangrila Textos Aparte, 2018). Ha divulgado en formato digital la miscelánea Fragmentos para una fisiología de la imagen y ha publicado ensayos sobre Jean Epstein, Alberto Cavalcanti, Paul Fejos y Mark Donskoi (Ártica Editorial), Guy Maddin, Forugh Farrojzad y Sergei Parajanov (Shangrila Textos Aparte), Max Ophüls (Donostia Kultura) y las fotografías de Abu Ghraib (Sial Pigmalión), entre otros. Ha coordinado la monografía Pier Paolo Pasolini. Una desesperada vitalidad (Shangrila Textos Aparte, 2015). Su actividad investigadora se centra en las relaciones entre arte y ciencia.
Autor; Roberto Amaba, Editorial: Shangrila Colección [Encuadre] libros, Páginas: 482
La Mirada Surrealista, nuevo libro del TerrorMolins
Por cuarto año consecutivo el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei acaba de anunciar el próximo lanzamiento de La Mirada Surrealista, nuevo libro del TerrorMolins que publicara en colaboración como viene siendo habitual con la editorial Hermenaute.
El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei y la Editorial Hermenaute mantienen su idilio mediante una cuarta colaboración. El leitmotiv de la 38ª edición del Festival, que se celebrara del 8 al 17 de noviembre será ilustrado con la publicación de un libro que se adentrará en el concepto de “La Mirada Surrealista” dentro del cine de terror.
A partir del 90º cumpleaños del hipnótico cortometraje Un chien andalou, surgido de las reflexiones geniales y transgresoras de Luis Buñuel y Salvador Dalí, servirá como punto de partida de un ensayo colectivo. Este nuevo volumen cinematográfico estará formado por cinco capítulos, cada uno de ellos centrados en autores de varios estilos, procedencias y épocas, que han explorado el surrealismo a través de sus propias miradas. Así, además del maestro de Calanda, el ensayo también analizará el vínculo surrealista de David Lynch, Guy Maddin, Satoshi Kon, Alejandro Jodorowsky y Peter Strickland.
El director del terrorMolins, Albert Galera, será su coordinador, e incluirá las firmas de Javier Espada, Pattie Clapés, Lluís Rueda, Tonio L. Alarcón y el propio AlbertGalera.
Podéis adquirir los anteriores libros del Festival en los enlaces correspondientes: Puede ser contagioso: Las mutaciones en el libro de género, Michael Haneke:La estética del dolor y De Palma vs De Palma
La casa de Ozu
La casa de Ozu propone al lector visitar los escenarios del cineasta, no como meros decorados que enmarcan historias corrientes del Japón de los años ’50, sino como escenarios de vida sobre los que el espectador es capaz de proyectar su propia experiencia. Los planos que construye Yasujiro Ozu ofrecen imágenes que resultan naturales al ojo del espectador, coherente con la cotidianidad que describen. Pero a la vez, su alto grado de abstracción y universalidad, fruto de un exhaustivo proceso de estilización, las eleva a expresión poética y, como toda imagen del arte, penetran directamente en la conciencia del espectador, remitiéndole al acto primigenio de habitar. Los escenarios de Yasujiro Ozu no solo seducen por la extraordinaria belleza de sus planos, sino que proporcionan al espectador y al lector la oportunidad de trascender la casa objeto en la casa verbo: la mágica experiencia de habitar en la imagen.
Los personajes, habitantes de la casa de Ozu, construyen situaciones que hacen visible el potencial de la casa japonesa. Y a la vez, a través de la casa y en concreto de los planos vacíos, planos despoblados de vida humana pero repletos de sus huellas, el espectador es capaz de ahondar en el mundo interior de los personajes y en la historia narrada por el realizador. Parte del enigma y la magia del cineasta japonés reside en que el espectador participativo recorre este proceso en las dos direcciones, de manera que el protagonismo se reparte y oscila entre la casa y los personajes. Así, especialmente en sus últimas películas, analizadas en el presente ensayo, la casa deja de ser un mero escenario de fondo para cobrar un papel protagónico.
El autor
Marta Peris Eugenio, arquitecta y profesora de Proyectos en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Cofundadora del estudio de arquitectura Peris+Toral, combina su labor profesional con la docente y académica, desarrollando una investigación continuada que se retroalimenta de estos tres ámbitos y que tiene como eje de reflexión el habitar. Tanto su obra construida como sus escritos y conferencias sobre vivienda han sido recogidos en publicaciones y medios especializados. En 2016 presentó su tesis doctoral “La casa japonesa a través del cine de Yasujiro Ozu”, fruto de la cual deriva este ensayo.
Autor; Marta Peris Eugenio, Editorial: Shangrila Colección [Encuadre] libros, Páginas: 250 (104 con imágenes a color)
Todos los colores giallo. Antología del cine criminal, de terror y erótico italiano
De entre todas las corrientes del cine de género hecho en Europa a partir de la segunda mitad del siglo XX, el giallo ha ostentado el mayor recorrido temporal, deparando un gran número de producciones que tienen su eco en el presente. Las películas adscritas a este subgénero, que toma su nombre de las populares novelas con portada amarilla pertenecientes a la colección Mondadori y publicadas en Italia, se desarrollan como acepción regionalista del thriller, aludiendo a una vertiente unívoca del cine de investigación criminal insuflado con soberanas dosis de terror y erotismo, en aguerrida y particular connivencia sobre una pantalla que, inevitablemente, se ve salpicada de sangre y misterio.
Autor; Roberto García-Ochoa Peces, Editorial: T&B, Páginas: 416
El thriller español (1969-1983)
El thriller español (1969-1983) es el estudio histórico de un género popular de gran impacto: el cine policíaco y criminal. Y abarca precisamente una etapa crucial de la Historia reciente de España y del cine español: la que va desde el Estado de excepción de 1969 y la crisis de la economía cinematográfica española, hasta el decisivo cambio de rumbo de las políticas de cine en nuestro país de la mano de Pilar Miró. Es época también de transmutación de la política de géneros cinematográficos. El celuloide policiaco, plasmación de lo peor de una sociedad, es en este periodo reflejo asimismo de las convulsiones de una sociedad en metamorfosis. Adúlteros asesinos, arribistas sin escrúpulos, obreros chabolistas arrinconados por una sociedad represiva, quinquis, yonquis, pistoleros al servicio de turbios intereses, atracadores, terroristas de diversa laya… son retratados al vitriolo de una sociedad en crisis social y política. Esta monografía pretende contribuir a la recuperación histórica de uno de los géneros más influyentes y menos valorados de nuestra cinematografía. Para ello, y junto a reconocidos clásicos modernos del cine español, se han rescatado títulos malditos u oscuros, de tenebrosa trayectoria crítico-comercial y nula repercusión historiográfica. Un trabajo que pretende arrojar luz sobre un género tan incómodo como necesario.
Autor; José Luis López Sangüesa, Editorial: Laertes editorial, Colección: Kaplan, Páginas: 482
Metraje perdido: Un breviario de cine invisible
Detrás de la historia del cine invisible hay una larga crónica de incendios, desastres y, sobre todo, desidia a la hora de conservar el patrimonio cultural. Es muy difícil calcular la cantidad de películas perdidas. Algunos estiman, por ejemplo, que de la época del cine mudo ya no se pueden ver cerca del 90% de las cintas producidas. Muchos de estos títulos se han convertido en obras de culto, como La casa del horror (London After Midnight de Tod Browning, 1927) o El día que el payaso lloró (The day the clown cried de Jerry Lewis, 1972).
El autor
Alberto Ávila nació en Madrid en 1975 y es licenciado en Derecho. Ganó el IX Premio de Arte Joven de la Comunidad de Madrid por la novela Todo lo que se ve (Lengua de Trapo, 2006). Ha colaborado en varios ensayos colectivos como Cuadernos del abismo. Homenaje a H.P. Lovecraft (Literaturas.com, 2008), De Galatea a Barbie. Autómatas, robots y otras figuras de la construcción femenina (Lengua de Trapo, 2010) y De Prometeo a Frankenstein. Autómatas, Ciborgs y otras creaciones más que humanas (Evohé, 2012). Dirigió junto a Guido Vincenzini el cortometraje Antes del fin (2012), ha colaborado con medios como el diario El País, la revista Esquire (ed. México) o El Estado Mental. Su primer poemario, El color y la forma (Sediento, 2014), ha sido recientemente publicado en México.
Autor; Ávila Salazar, Alberto, Editorial: ARCHIVOS VOLA, Páginas: 104
La novia del Diablo
THE DEVIL RIDES OUT. Hace ya medio siglo que se estrenaron las dos mejores películas que se han realizado hasta ahora sobre el delicado tema de las sectas satánicas: La novia del Diablo (The Devil Rides Out, Terence Fisher, 1968) y La semilla del Diablo (Rosemary’s Baby, Roman Polanski, 1968). Este libro comienza y termina cotejando ambas producciones (analizando sus similitudes y diferencias) pero se centra especialmente en la primera. Un estudio pormenorizado del filme revela la importancia seminal que tuvo la peculiar relación establecida entre el afamado escritor Dennis Wheatley (autor de la novela adaptada por el magnífico equipo fílmico bajo las órdenes de la ya mítica productora británica Hammer Films) y los polifacéticos y polémicos Aleister Crowley y Montague Summers, tres peligrosos caballeros que pueden proyectar luz sobre el contenido de una película cuya aparente simplicidad ideológica esconde, en realidad, una compleja y rica ambigüedad. Este estudio parte de un enfoque integral y pretende aplicar una metodología multidisciplinar para demostrar la coherencia de un filme cuyas virtudes cinematográficas la sitúan entre los primeros puestos del cine fantástico y de terror moderno.
El extremado detallismo de una película donde nada es gratuito, el dinamismo de su ritmo narrativo, la calidad y carisma de su reparto (con Christopher Lee y Charles Gray a la cabeza), la mesurada modernidad de su estética, la perfección técnica audiovisual y la fuerte polémica surgida en torno a sus efectos especiales son tratados en este estudio con tanto mimo como el contenido intrínseco de una temática en la que tienen presencia explícita o velada la Magia, el Satanismo y, posiblemente, el Hermetismo Cristiano. El somero proceso de documentación realizado por Wheatley cuando escribió la novela, y el asesoramiento erudito del propio Christopher Lee cuando se filmó su adaptación fílmica, parecen confirmar este aspecto. Aventuras fantásticas, suspense, terror y horror se unen en La Novia del Diablo para configurar un filme de culto que el tiempo ha convertido ya en un clásico del cine.
El autor
Carlos A. Cuéllar Alejandro. Doctor en Geografía e Historia y trabaja como profesor de Historia del Cine en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Valencia. Su interés como investigador se reparte entre el Prerrafaelismo, el Cine Cómico, el Ocultismo y el Cine Fantástico.
Ha colaborado en publicaciones periódicas como Banda Aparte. Revista de cine, Ars Longa. Cuadernos de Arte, Archivos de la Filmoteca, Herejía & Belleza y L’Atalante. Revista de estudios cinematográficos. Entre sus libros destacan Jacques Tati (Cátedra), Sleepy Hollow. El goce infantil de lo sobrenatural (Ediciones de la mirada), Nuevo Vocabulario Básico del Audiovisual (IVAC) y El Prerrafaelismo y su relación con la creación contemporánea (Institució Alfons el Magnànim). Además a colaborado en libros colectivos como Ciudades de cine (Cátedra), La Nueva Carne. Una estética perversa del cuerpo (Valdemar), Cautivos de las sombras: el cine fantástico europeo (MuVIM) y los dos volúmenes de Cine Fantástico y de Terror Español (T&B).
Autor; Carlos A. Cuéllar Alejandro, Editorial: Shangrila Colección Fantasmagorías libros, Páginas: 170
Cuando el cine español buscó una tercera vía 1970-1980.Testimonios de una transición olvidada
La Transición Española continúa adoleciendo de puntos de vista que acaben de completar su complicado mecanismo. Esta obra ofrece una visión inédita, que permitirá a todos aquellos interesados descubrir cómo el séptimo arte también tuvo mucho que decir durante esa época.
El periodo tardofranquista supuso el comienzo de toda una serie de cambios políticos, económicos, sociales y culturales que tuvieron su punto de inflexión en la muerte de Franco y el fin de la dictadura. La Tercera Vía es el espejo donde pueden leerse muchas de estas transformaciones. Se trata de una tendencia cinematográfica impulsada por el productor José Luis Dibildos que apostó por películas a medio camino entre el cine comercial y el cine de autor. Resulta interesante observar a través de sus protagonistas (Roberto Bodegas o José Sacristán) el papel que desempeñó en los años setenta esta corriente, ya que aportó toda una serie de comedias que incluían una cierta perspectiva crítica sobre la realidad española de aquel instante.
Autor; Ana Asion Suñer, Editorial: PRENSAS UNIVERSITARIAS ZARAGOZA, Páginas: 210
Nicholas Ray y la política de la vida emocional
“El director americano Nicholas Ray tuvo una vida muy poco convencional.” Así empieza Nicholas Ray y la política de la vida emocional de Robert B. Pippin. El hegelianismo de Pippin resulta, sin duda, tan controvertido en sus estudios estrictamente filosóficos como lo es en su aplicación a lo que podríamos llamar su filosofía cinemática. El autor distingue dos vertientes en la reflexión estética contemporánea. Según la primera, que habría tenido su origen en Hegel, el arte sería su propio tiempo comprendido en la experiencia estética. De acuerdo con la segunda, en la que se incluye el mismo Pippin, las películas, como obras de arte, serían dimensiones ontológicamente reveladoras de la presencia del ser o del mundo, de su ocultación o de su vínculo con el espectador. ¿Qué explicaría, entonces, lo que Pippin llama la “absorción cinemática”, la reacción o la experiencia inmediatas a un acontecimiento que ha sido fotografiado? Esa absorción tiene que ver con la imposibilidad de disociar en una obra de arte la atención a la forma de la atención al contenido. La imposibilidad de disociar la atención no afecta solo a la estética de la recepción; exige, sobre todo, la suposición de lo que Pippin ha llamado, para el mundo del cine, “la inteligencia detrás de la cámara”. Esa exigencia, y esa inteligencia, serían responsables de la altura a la que el cine puede llegar en el campo de lo mejor que el ser humano haya pensado. La inteligencia de Nicholas Ray lo llevó a poner en duda no solo las convenciones sociales, que dotarían de contenido a sus películas, sino también las propias convenciones cinematográficas —del western al melodrama— que debían representarlas. Ese cuestionamiento es afín a la intuición de Pippin de que el principio ilustrado de autonomía y la práctica de la libertad constituyen un ideal de civilización que apenas ha empezado a desarrollarse en la historia y que merece la pena defender. Las películas de Nicholas Ray caracterizan, como la propia filosofía cinemática de Pippin, un proyecto de modernidad inacabada.
“Había teatro (Griffith), poesía (Murnau), pintura (Rossellini), baile (Eisenstein), música (Renoir). De ahora en adelante hay cine y el cine es Nicholas Ray” (Jean-Luc Godard).
El autor
Robert B. Pippin, titular de la cátedra Evelyn Stefansson Nef Distinguished Service de Pensamiento Social y Filosofía en la Universidad de Chicago. Ha ganado el Mellon Distinguished Achievement Award en el campo de las Humanidades y es miembro de la American Academy of Arts and Sciences, de la American Philosophy Society y de la German National Academy of Sciences Leopoldina. Sus trabajos versan principalmente sobre la tradición del Idealismo alemán, especialmente Kant y Hegel, la teoría de la modernidad y la filosofía política, además de ensayos sobre la pintura o la literatura. Su acercamiento al cine, que se basa en las reflexiones filosóficas de Hegel sobre el significado de las artes y se apoya en la obra pionera de Stanley Cavell, ha dado lugar a tres libros: Hollywood Westerns and American Myth. The Importance of John Ford and Howard Hawks for Political Philosophy (2010), Fatalism in American Film Noir. Some Cinematic Philosophy (2012) y The Philosophical Hitchcock: Vertigo and the Anxieties of Unknowledge (Hitchcock filósofo. Vértigo y las ansiedades del desconocimiento, 2018). Nicholas Ray y la política de la vida emocional se publica antes en español que en inglés y señala una evolución en su filosofía cinemática.
Autor; Robert B. Pippin, Editorial: Shangrila Colección Trayectos libros, Páginas: 96
Historia del cine chino
Siendo la industria del cine chino una de las más importantes en la actualidad, aún es una gran desconocida en nuestro país. Salvo nombres como Zhang Yimou o Jia Zhangke, poco se sabe de un cine que siempre ha colmado los sueños de sus espectadores, desde la glamurosa industria de Shanghai de los años 30 hasta el periodo de ocupación japonesa, desde la instauración de la República Popular en 1949 hasta la apertura de los años 80 pasando por el tormentoso periodo de la Revolución Cultural. Un cine que comprende géneros autóctonos como el de artes marciales (wuxia) y el de la Ópera de Beijing, y que compite desde siempre con las industrias extranjeras produciendo cintas bélicas y de espías, melodramas familiares y comedias románticas. Este libro supone el primer recorrido pormenorizado publicado en España de una historia apasionante, a través de aquellos títulos que, ya sea porque forman parte de la memoria sentimental de generaciones de chinos, o por su calidad artística indiscutible, merecen un lugar en el canon universal.
Pocos saben que los hermanos Wan realizaron en 1941 el primer largometraje animado producido en Asia, precedente del anime japonés. Cuando Ruan Lingyu, gran estrella del cine mudo, se suicidó, cien mil personas siguieron su cortejo fúnebre por las calles de Shanghai. El New York Times lo llamaría «el funeral más espectacular del siglo». La cuarta esposa de Mao Tse-Tung, Jiang Qing, había hecho sus pinitos apareciendo como secundaria en algunas cintas de los años 30. Se dice que, cuando lideró la Revolución Cultural, castigó a los miembros de aquella industria como venganza por no haberla convertido en una estrella, su sueño de juventud. Cineastas como Xie Jin, que debutarían con la República Popular, crearían un cine que, paradójicamente, recogía influencias del melodrama hollywoodiense. Son algunas de las muchas historias que incluye esta imprescindible obra sobre una cinematografía en ascenso.
El autor
Ricard Planas es licenciado en filosofía (Universidad de Barcelona), Estudios de Asia Oriental (Universidad Pompeu Fabra-Universidad Autónoma de Barcelona) y Máster en Estudios Chinos (Universidad Pompeu Fabra). Hace una estancia en la Beijing Foreign Studies University como becario del ICO. Actualmente se encuentra cursando su tesis doctoral sobre la obra del cineasta Yuan Muzhi e impartiendo la asignatura de historia del cine chino en la Universidad Pompeu Fabra.
Autor; Ricard Planas, Editorial: Berenice, Páginas: 384
Noches de Halloween. La saga de Michael Myers
«Le conocí hace quince años, me dijeron que era un ser vacío. Sin razón, sin comprensión, sin conciencia, en el sentido más rudimentario de vida o muerte, de bien o mal, igual que un monstruo. Me encontré con un niño de seis años, con un rostro pálido, sin expresión, sin emoción. Y, unos ojos negrísimos. Los ojos del diablo», manifestaba el doctor Loomis acerca de la naturaleza de Michael Myers, el psicópata enmascarado protagonista del clásico de John Carpenter titulado La noche de Halloween.
El impacto de la película tanto en el cine de terror como en la cultura popular trascendió de manera inimaginable, consiguiendo que después de cuarenta años, el espíritu de Michael Myers siga presente. Durante ese transcurso de tiempo, sus influencias han anidado en el terror a varios niveles, generando imitaciones por doquier y más de una decena de secuelas que abordan el mito del asesino imparable desde varias perspectivas.
Noches de Halloween es el libro de Octavio López Sanjuán que aborda la génesis del clásico de John Carpenter de 1978, así como todos los largometrajes amparados por la franquicia. Años de investigación y entrevistas han dado como resultado este volumen, donde se dan cita declaraciones exclusivas de todo tipo; directores, como John Carpenter, Rick Rosenthal, Dominique Othenin-Girard o Dwight H. Little exponen sus ideas sobre las películas que realizaron; guionistas como Tommy Lee Wallace, Daniel Farrands, Larry Brand, Robert Zappia o Michael Jacobs han elaborado amplios textos donde detallan el proceso creativo de cada uno de sus libretos; compositores como Alan Howarth, John Ottman o Danny Lux hablan de sus terroríficas bandas sonoras; editores como Patrick Lussier, Glenn Garland o Robert Ferretti desglosan los diferentes montajes de cada entrega; e intérpretes como Dick Warlock, Brad Loree o James Jude Courtney explican qué supuso para ellos dar vida a Michael Myers. Por supuesto sin olvidar el paso de este psicópata enmascarado por el resto de cultura popular como novelas, cómics y videojuegos. Con un prólogo escrito para la ocasión por la mismísima P.J. Soles, la actriz que encarnó a la inolvidable Lynda en la película original, todo ello con el objetivo de convertir el texto en una pieza imprescindible para los seguidores de esa icónica máquina de matar, imparable e indestructible.
Autor; Octavio López Sanjuán, Editorial: Applehead Team Creaciones, Páginas: 650
La imagen desgarrada. El dolor en el cine fantástico contemporáneo
El dolor y el sufrimiento siempre fueron acicates vitales y culturales capaces de empujar una existencia hasta lo más alto o de hundirla en el abismo más profundo, configurándose igualmente como eficientes detonantes de cualquier proceso creativo.
El recorrido que propone el presente volumen aspira a convertirse en una modesta pero sugerente bitácora donde registrar ciertas claves y señalar variados antecedentes manejados, sobre todo, por el cine, aunque también recorran el espíritu de otras disciplinas artísticas. En cualquier caso elementos a partir de los cuales poner en valor el modo en que la representación del dolor y el sufrimiento del ser humano han sido reflejados en el cine fantástico contemporáneo (especialmente en el género de terror), convirtiéndose en una guía que nos ayude a comprender un poco más al ser humano y a su entorno desde la perspectiva de su recurrente y primigenia aversión al dolor.
Autor; Juan Andrés Pedrero Santos, Editorial: Ediciones El Transbordador, Páginas: 241
Shyamalan, el cineasta de cristal
El creador de la película definitiva sobre la convivencia con fantasmas, y las también definitivas sobre superhéroes reales o invasiones extraterrestres en fuera de campo, M. Night Shyamalan es un creador de iconos y, sobre todo, de meditadas obras que generan enconados debates, polémicas sin fin entre la cinefilia. Este libro recoge las odiseas que ha tenido que emprender para levantar sus películas, las peculiaridades de sus producciones, el (lógico) secretismo, sus campañas de publicidad, sus encarnizadas (para bien y para mal) recepciones críticas y sus avatares para mantener el estrellato o salir del pozo de lodo más negro en el que ha estado nunca un director de género de primera línea. Amparándose en el género fantástico de la mejor manera, Shyamalan habla de temas terrenales, cercanos, a pie de casa e incluso existencialistas. No hay película suya que no aborde mucho más que el susto bien urdido (del cual también es dueño y señor). Aparatos perfectamente cerrados con una constante de giro final que ya se ha convertido en un acontecimiento para cada película que aborda, y que hacen del revisionado de sus obras una experiencia sobrenatural. Al igual que Spielberg o Hitchcock, las máximas referencias con las que se le suele identificar, Shyamalan sabe bien que lo que prima son los personajes, y el género será más contexto que imperativo de su narrativa. Cineastas, críticos en la cresta de la ola, críticos cogiendo esa ola, directores de festivales, profesores de universidad, escritores, documentalistas, estudiosos, ilustradores, diseñadores gráficos, foreros, aficionados y por supuesto maravillosos e ilustres amateurs analizan aquí la trayectoria de un realizador cuya obra seguirá suscitando apasionantes controversias pasadas muchas décadas.
El autor.
Raúl Cerezo (1976) es cineasta, guionista y productor de cine, televisión y eventos cinematográficos. Acumula como director más de 500 nominaciones en festivales y un centenar de premios incluyendo los recogidos en Sitges y festivales calificatorios para el Oscar o el Goya. Actualmente prepara su debut en el largometraje y es una figura referente en el cortometraje profesional español. Su participación en 75 obras le sitúa en las nominaciones de más de 1000 festivales nacionales e internacionales y de 550 premios. Ha formado parte de la organización y gestión de cerca de 100 ediciones de festivales cinematográficos y es también co-fundador y parte del equipo de la exitosa distribuidora YAQ distribución, así como co-creador y productor del sello Eye Slice con Helion Grande, productora de ficción de reciente creación especializada en género fantástico, scifi y terrorífico. Pionero en la crítica cortometrajística y miembro muy activo de la crítica internauta, ha colaborado con grandes sellos al respecto y ha escrito un monográfico sobre Roman Polanski con David Baró. José Colmenarejo colabora desde antiguo en numerosos medios digitales escribiendo sobre cine. Es cofundador de Búfalo Magazine, y trabaja en el sector audiovisual desde que se tomó «un lamentable año sabático al salir de la facultad».
Autor; Raúl Pérez Cerezo, Editorial: ALMUZARA; Edición: Berenice, Páginas: 432
Sergio leone, algo que ver con la muerte
Sergio Leone es una figura singular entre los cineastas de la posguerra italiana. Westerns revolucionarios como la trilogía de “Por un puñado de dólares” (protagonizada por Clint Eastwood en el papel de el “Hombre sin Nombre”) y la magistral “Hasta que llegó su hora” han convertido a Leone en uno de los directores más populares e influyentes del cine mundial.
Esta biografía de Christopher Frayling (la primera publicada sobre Leone) examina con afecto su obra y se adentra en los pocos conocidos pormenores de su vida. Leone nació en el seno de la industria del cine: su padre era un popular director de cine mudo y su madre actriz de cine. Obsesionado con los mundos ilusorios del cine y el teatro, y cautivado especialmente por los mitos del Oeste americano, el joven Sergio se labró una carrera igualmente fabulosa. De paso convirtió en leyenda al inicialmente reticente Clint Eastood, y coqueteó con los estudios de Hollywood, aunque siempre defendió su independencia. Ello explica que la concepción y realización de la saga gangsteril “Erase una vez en América” consumiera quince años de su vida.
Christopher Frayling explica cómo y por qué hacía películas Sergio Leone, pero también revela hasta qué punto las películas moldearon a Leone. Era un hombre que cultivaba sus propios mitos personales, y que, como han atestiguado sus amigos y colaboradores, prefería adornar la verdad. Pero sobre todo, las pasiones de Leone se plasmaron en una excepcional obra filmográfica, sobre la cual Frayling ofrece una mina de información y análisis escrupulosamente documentados.
Autor; Christopher Frayling, Editorial: T & B EDITORES, Páginas: 552
Presencias. Ensayos sobre la naturaleza del cine
Te contarán una historia de fantasmas. El imbatible palacio a oscuras de los fantasmas es el cine, esa manera alquímica de abolir el símbolo y tallar un signo material, para que el signo susurre lo no-dicho y conceda una fugaz visión de lo no-visto. Tendrás que acercarte a ver, muy lentamente, y tendrás que callar. La lentitud y el silencio son el don de los gatos y el nervio del cine. Tendrás que girar hacia adentro tus globos oculares y aguzar el oído. Aprender a ignorar la trampa de la razón y la tentación de la mecánica.
Cuando tenía dos años, Eugène Green sintió cómo su cuerpo se disolvía en la luz. Convertido en eso que dicen que es un hombre, sintió los pasos de un fantasma a su lado en una noche oscura, en la que la nieve no dejaba de caer. Hay que caer para disolverse y ser fantasma, comulgar con los vivos y los muertos, ver el imperio y las ruinas del imperio, seguir el vuelo de pájaros sagrados y percibir la estela inasible que los guía.
Eugène Green tendió una soga y caminó hacia atrás, para saber dónde estaba el cine (es decir, el tráfico con fantasmas) antes de que al cine se le diera un nombre. Lo encontró en la fotografía de Nadar, Atget y Marville, en la pintura de Boudin, Monet y Moreau, en el teatro de Maeterlinck y Claudel, y en la escritura de Flaubert y Mallarmé, esos dos metafísicos del cinematógrafo. Pensó cuánto de cine había en Proust y cuánto en Henry James. Y cuánto habría en Dreyer y en Bresson. Trazó su propia cartografía del fantasma en las calles de Roma, de Sicilia, de Praga. Volvió para contarlo en este libro, a la manera del místico renano Meister Eckhart: un hombre noble marchó a un país lejano para adquirir un reino y regresó, el reino era ser uno en comunión con la naturaleza y el único objetivo del regreso era contarlo.
Para dejar constancia de que uno más uno nunca es dos, y de que allí no hay truco ni artificio. Hay un solo lugar donde volver a sentir lo que apenas se pudo presentir, donde volver a ver lo que apenas se pudo vislumbrar. Ese lugar es el cine, donde el fantasma altera la cuenta y rasga el velo. Nos queda el animal, o el cine. Que el cine nos lo cuente Eugène Green.
El autor
Eugène Green, Nueva York, 1947. Licenciado en letras y en historia del arte. Director teatral amante del barroco (fundador del Théâtre de la Sapience), entrenador de actores, cineasta de culto inclasificable y escritor en el cruce y en los márgenes. Nacido en Estados Unidos, peregrinó por Europa y finalmente se instaló en Francia, donde fundó su compañía teatral, filmó su primer largometraje (Toutes les nuits), aclamado por la crítica, e inició su trayectoria como ensayista, novelista y poeta.
Autor; Eugène Green, Editorial: Shangrila Colección Contracampo libros, Páginas: 212
Espacio para soñar
David Lynch realiza una original incursión en el género biográfico. Un libro magnético y particular. Espacio para soñar ofrece una mirada insólita a la vida personal y creativa del cineasta David Lynch, a través de sus propias palabras y las de sus colegas más próximos, amigos y parientes.
En este libro singular, a caballo entre la biografía y las memorias, David Lynch se sincera por primera vez acerca de una vida dedicada a perseguir un imaginario único, deteniéndose en las penurias y las luchas que soportó para llevar a buen puerto sus proyectos heterodoxos. Las reflexiones de Lynch –líricas, íntimas y sin tapujos– parten, capítulo tras capítulo, de las secciones biográficas que aporta su estrecha colaboradora Kristine McKenna, sustentadas en más de cien entrevistas inéditas con ex mujeres sorprendentemente francas, miembros de su familia, actores, agentes, músicos y colegas en todo tipo de disciplinas, cada uno con su propia versión de lo ocurrido.
Espacio para soñar es un libro llamado a no perecer jamás, un pase exclusivo a las bambalinas de la vida y la mente de uno de los artistas más enigmáticos y sustancialmente originales de nuestro tiempo.
La crítica ha dicho…
«Si esperaban que la biografía de David Lynch fuese como cualquier otra, es que nunca han visto una de sus películas. Un libro fascinante.»
The New York Times
«Espacio para soñar bien podría ser el evangelio según David Lynch. Aquí hay infinidad de informaciones inéditas incluso para los más fanáticos. Y todo está contado con el formidable encanto del cineasta, una mezcla de entusiasmo juvenil y sabidurá cósmica.»
The Washington Post
«Las memorias de David Lynch iluminan los orígenes de su arte. El humor y las excentricidades de sus recuerdos y observaciones son uno de los innegables atractivos de este libro.»
The Economist
«Lynch es todo un maestro para los locos perversos e inquietantes, y también para los locos del montón.»
The Sunday Times
«Un libro gozosamente fuera de lo convencional. Lynch escribe como habla. Es plana y llanamente directo, alegremente profano y se entusiasma repentinamente con lo más inesperado.»
The Big Issue
«Descubrimos o redescubrimos aspectos singulares de su singular personalidad, todo ello desde una perspectiva honesta, algo excéntrica y también a ratos divertida y cálida. […] A medio camino entre la biografía y las memorias, es un documento esencial para comprender mejor su a veces incomprensible universo.»
Fotogramas
Autor; David Lynch, Kristine Mckenna, Editorial: RESERVOIR BOOKS, Páginas: 720
Born to be bad (Nacidos para ser malos)
El cine de acción de los 80 fue una época de mullets, grandes bíceps y memorables frases para los héroes, pero fueron los villanos los que se quedaron en nuestra memoria cuando empezaron los créditos. Ya sea traficando con cocaína, intentando dominar el mundo o planificano un buen secuestro a la antigua, los villanos siempre fueron la mejor parte de la película.
En este libro, el fanático del cine de acción Timon Singh charla con los actores que hay detrás de los villanos más grandes del cine que disfrutó en su adolescencia. Su intención es descubrir las historias que esconden sus infames roles en el cine, el impacto que tuvieron en su carrera y, lo más importante, saber si interpretar a un villano es tan divertido como parece. De este modo, Singh entrevista a todo tipo de intérpretes, como culturistas, campeones de kickboxing o experimentados actores de teatro, quienes se metieron en la piel de enemigos de James Bond, ejecutivos corruptos, terroristas internacionales e incluso cazadores de recompensas intergalácticos.
Con entrevistas a Vernon Wells (“Commando”), Ronny Cox (“Desafío Total”, “Robocop”), Martin Kove (“The Karate Kid”), David Patrick Kelly (“The Warriors”), Bob Wall (“Operación Dragón”), Steven Berkoff (“Rambo 2”) y muchos otros, esta es una lectura esencial para todos los fanáticos de las películas de acción.
El libro incluye una introducción de Steven E. de Souza, guionista de clásicos del género como “Perseguido”, “Commando” o “Jungla de Cristal”.
El autor
Experto en cine de acción, el escritor británico y experto en cine de acción Timon Singh es cofundador del Bristol Bad Film Club, una organización no lucrativa que cada mes proyecta películas “tan malas que son geniales”, con el propósito de recaudar fondos que se destinan a iniciativas de caridad y causas sociales. Es autor de “Born to be bad (Nacidos para ser malos)”, el libro oficial de CutreCon 8 y que consiste en una exhaustiva compilación de entrevistas a algunos de los mejores villanos del cine de acción. La obra llega a España de la mano de la editorial Applehead Team Creaciones, especializada en libros de género.
Nacido y criado en Bristol, Singh regresó a su ciudad natal, desde la que trabaja dentro de la industria editorial. También es productor del documental sobre héroes y heroínas del cine de acción “In Search of the Last Action Heroes”, el cual obtuvo una financiación en la plataforma de crowdfunding Indiegogo del 280%.
Autor; Timon Singh, Editorial: APPLEHEAD TEAM CREACIONES, Páginas;
NO-DO. El tiempo y la memoria
El Noticiario Cinematográfico Español, popularmente conocido como NO-DO, vio las pantallas cinematográficas por vez primera en enero de 1943. Creado como instrumento audiovisual del nuevo Estado, gozó durante décadas del privilegio de su exclusividad y su proyección fue obligatoria en todos los cines de España. A pesar de los numerosos cambios que experimentó la sociedad española, el Noticiario permanece hasta bien entrada la democracia, en 1981. Pero NO-DO no fue sólo un instrumento de propaganda política. Su condición de noticiario cinematográfico hace de él un dispositivo informativo, bien que sesgado, de entretenimiento y de variedades que acompañaban puntualmente los programas de las salas de proyección. A través del conjunto de su producción (Noticiario, revista semanal titulada » Imágenes » y documentales), NO-DO constituye el arsenal audiovisual más importante, y hasta la fecha inexplorado, para documentar la vida del franquismo, al menos hasta la llegada de la televisión, con la que comparte protagonismo desde finales de los años cincuenta.
Autor; Vicente Sánchez-Biosca; Rafael R. Tranche, Editorial: Catedra, Colección Catedra-filmoteca española-ser, Páginas; 648
La Imagen-grito
El título de este libro, La imagen-grito, remite por su forma al de los dos libros de Gilles Deleuze sobre cine, La imagen-movimiento y La imagen-tiempo, porque a lo largo del mismo se retienen algunos aspectos fundamentales de la teoría de este autor sobre el cine, y en particular su pretensión de proponer una tipología de las imágenes cinematográficas. Pero ese mismo título reenvía también, esta vez por su contenido, a unas declaraciones del pintor Francis Bacon, y ello porque se ha entendido a lo largo de sus páginas que el cine de terror, pese a hallarse vinculado a la representación del horror en un cierto nivel, debe estar ligado, más profundamente, al grito, para el que el horror no es sino un medio, prescindible en no pocos casos. Dicho esto, tal vez sea preciso recordar que no es para nada obvio en qué consista eso del ?cine de terror?. ¿Es todo aquel cine que nos aterroriza o sólo aquel que, pretendiendo aterrorizarnos, se sitúa dentro de unas coordenadas audiovisuales que hacen reconocible esta pretensión? Y, en cualquiera de estos dos casos, ¿qué tipo de terror pretende producirnos ese cine? Más aún, ¿cabe hablar, en rigor, de ?tipos? de terror? Estas preguntas no son ajenas al asunto mencionado más arriba, ya que en función de cómo se las responda se entenderán de un modo u otro tanto los nexos como las diferencias que cabe establecer entre el cine de terror clásico y el cine de terror moderno. El que la distinción entre estas dos variantes del cine de terror se halle relacionada en este volumen con cierto número preguntas filosóficas hace del mismo algo completamente distinto a una historia del género.