Categoría: Libros
El universo de Howard Hawks
Es sin duda alguna uno de los grandes directores de la Historia del cine y de él se dice que nunca hizo una película mala. Tocó todos los géneros cinematográficos, dejando obras maestras en cada uno de ellos. Dirigió a muchas de las grandes estrellas de Hollywood sacando de ellas sus mejores interpretaciones. Howard Hawks fue capaz de crear un universo propio en el que el compañerismo y la camaradería se tornaban en valores absolutos y en el que la mujer era tan o más proactiva que el varón. Veinticinco prestigiosos críticos analizan en “El universo de Howard Hawks” todos sus films, sus colaboradores, sus actores, sus obsesiones, sus filias, sus fobias.
Autor; Miguel Marias, Fernando Rodríguez Lafuente, Eduardo Torres-Dulce. Editorial: NOTORIOUS EDICIONES, Páginas; 400
Muertes creativas en el cine
La muerte es un poderoso elemento dramático, el motor del drama por excelencia, el motivo perfecto para empujar al protagonista a la acción. Sin ella no hay relato, no hay historia, no hay, en definitiva, interés. La masacre en las escaleras de Odesa en El acorazado Potemkin, el gorila King Kong abatido por los aviones, el asesinato en la ducha en Psicosis, la desconexión de la computadora Hal en 2001, los disparos que acaban con la vida de Mary Corleone a la salida de la Ópera en El padrino III, el discurso de Roy cuando agoniza en Blade runner… Podemos afirmar que la mayoría de momentos icónicos del cine están relacionados con la muerte. Sin duda la muerte es, junto con el sexo, el recurso más fácil para atraer la atención del espectador. Pero este solamente guardará en la memoria aquellas secuencias que la presenten con grandes dosis de talento y creatividad. Sobre todo, si hay en ellas una promesa de renacimiento.
Autor; Joan Marimón, Editorial: Publicacions i Edicions de la Universitat de Barcelona, Páginas; 488
Michele Soavi. Cineasta de lo macabro
Michele Soavi es una figura a redescubrir del cine de terror italiano, un realizador revolucionario que concentra lo mejor del legado de Mario Bava, Sergio Martino, Umberto Lenzi, Antonio Margheriti o Lucio Fulci, sin renunciar por ello a un universo propi y único.
En su 51ª edición, Sitges dedica su libro oficial al director italiano Michele Soavi, el primer ensayo en castellano sobre la figura del maestro, un cineasta inconformista y siempre innovador. Editado por la Editorial Hermenaute y bajo el título Michele Soavi. Cineasta de lo macabro, la publicación repasa la carrera de uno de los realizadores más influyentes del cine italiano de terror reciente desde sus inicios como ayudante y aprendiz de Dario Argento.
El libro, elaborado por Gerard Casau, Manlio Gomarasca, Mike Hostench, Diego López, Lluís Rueda y Ángel Sala –con prólogo de Luigi Cozzi– incluye un estudio de sus films más emblemáticos (Aquarius, La secta, El engendro del diablo, Mi novia es un zombi, etc.) e incide en su etapa más desconocida como realizador en los márgenes del fantástico: thrillers policiacos y melodramas nutren su etapa posterior como director de televisión. Para muchos, Soavi es el último gran talento del cine italiano, concentrando las virtudes de maestros como Mario Bava, Sergio Martino, Umberto Lenzi, Antonio Margheriti o Lucio Fulci.
Autor; Varios autores, Editorial: Hermenaute, Páginas; 174
Cine de terror 1930 – 1939. Un mundo en sombras
No fue hasta la década de los treinta cuando el cine de terror llegó a convertirse en un género cinematográfico. Nutrido, en el plano argumental, tanto de referentes literarios como de obras teatrales, encontró en el expresionismo una estética de las sombras asumida de inmediato como propia. Con el componente industrial que conlleva cualquier género cinematográfico, el terror alumbró durante estos años decisivos los monstruos clásicos y un star system especializado –encabezado por astros como Bela Lugosi, Boris Karloff y Lionel Atwill, y arropado por una galería impagable de heroínas y secundarios–, al servicio de una serie de temas recurrentes gracias a los cuales directores estrella como Tod Browning o James Whale, y talentos de la talla de Edgar G. Ulmer o Karl Freund, desarrollaron su carrera y deslumbraron al mundo entero.
El presente ensayo analiza desde los hitos del género a los títulos más recónditos, aporta las claves para entender cada película y la trayectoria de sus artífices, y ofrece, en definitiva, una panorámica completa del periodo; pone de relieve el peso específico del terror en la Historia del cine y se detiene tanto en Hollywood como en otros rincones del planeta, con un capítulo dedicado al horror británico y otro donde se glosan las importantes contribuciones del cine mexicano, alemán o francés. Todo ello en una edición excepcional, enriquecida con imágenes, bibliografía, citas y una serie de manejables índices que aquilatan el valor de este libro como obra de referencia y consulta.
Autor; Pedro Porcel, Editorial: Desfiladero Ediciones, Colección: Moviola, Páginas; 392
R.W. Fassbinder. Solo quiero que me amen
Se derramó, gota a gota, sobre piedras calientes. Debajo de las piedras corría el agua negra del tabú, de lo que no se nombra ni se mira a la cara, de la violencia que puede diferirse pero jamás reprimirse del todo. Arriba de las piedras se alzaba el milagro del boom económico alemán, con sus fachadas orgullosas, su moral burguesa, su anhelo nostálgico del Heimat y su gran oportunidad perdida después de la guerra. La oportunidad de barajar y dar de nuevo, de partir del grado cero del horror para ajustar cuentas con un país, con una sociedad, con uno mismo. Él ajustó todas las cuentas, empujó todos los límites, mostró los mecanismos de la dependencia y la opresión. En cada esclavo vive un amo, amo y esclavo ejecutan sus transacciones comerciales, recorren un círculo trazado de antemano. La moneda letal se llama amor. Por amor se entrega y se daña, se libera y se martiriza, se mantienen las cosas como son. El amor es el virus, el laboratorio de la destrucción, la coartada del síndrome fascista. Él no podía parar. Fue el mismo en todas partes, del teatro al cine, de la película de gánsters al melodrama, del melodrama a la serie de TV, de la serie de TV a las producciones internacionales en pantalla. La pantalla era la caja donde guardaba sus espejos, sus maniquíes y sus flores. Creó un Hollywood en Baviera, una casa ambulante para su troupe, un reino de esta tierra para su familia anómala. Revisó críticamente la tradición, desmontó y contaminó, con desmesura y alta precisión, la noción de género. Todos los personajes tuvieron derecho a hablar, sin ser juzgados. Todos. “Soy indulgente al punto de la irresponsabilidad”, declaró Fassbinder.
Este libro no aspira a ser una revisión exhaustiva de su obra, porque no hay marco ni matriz para un hombre exhausto. Cada uno de los textos aquí reunidos opera en su individualidad y, en su conjunto, arman un caleidoscopio o un collage, y alientan el acercamiento a un cuerpo de trabajo que insiste en derramarse. Cuerpo anárquico a todo vapor, bestia de carga. Modo Fassbinder de consumación, arqueología de las emociones. Fassbinder como un síntoma y una provocación. Un desborde en la imagen, una historia de sueños y fantasmas. Una alucinación demoledora, un relámpago.
SUMARIO
Para Rainer, con amor y sordidez
Mariel Manrique
En los límites del Apocalipsis. La estética negativa de Fassbinder
Josep M. Català Domènech
Cambiar de imagen.
Deslizamiento del nazismo en el cine de Fassbinder
Gonzalo de Lucas
Describir (y descubrir) la explotación.
Sobre la esperanza y otras metafísicas en Fassbinder
Ignasi Mena
Fassbinder en la voz de los otros
José Luis Márquez
Cuatro planos para ver El mercader de las cuatro estaciones (1971)
José Francisco Montero
Estética teatral (masoquista) en Las amargas lágrimas de Petra Von Kant (1972)
Horacio Muñoz Fernández
El coraje también mata el alma.
Algunas notas sobre Effie Briest (1974)
Juan Gorostidi Munguía
Rainer Werner Fassbinder, Un año con trece lunas (1978)
Serge Daney
Los soñadores y los transnochados.
De La Chinoise (1967) a La tercera generación (1979)
Ricardo Baduell
Ecos de revueltas lejanas: Fassbinder, Glauber Rocha y El viaje de Niklaushausen (1970)
Albert Elduque / Mateus Araújo
Retratos en femenino del miedo a la soledad
Nekane E. Zubiaur
Veronika Voss, Rainer Werner Fassbinder (1981)
Serge Daney
Cómo librarse de Veronika Voss
Mariel Manrique
Trabajar la televisión. Las primeras series de Fassbinder
Fran Benavente / Glòria Salvadó Corretger
Instrucciones para sacar del armario a (o salir del armario con) los clásicos de la literatura. Fassbinder y la adaptación de Berlin Alexanderplatz de Alfred Döblin
Atilio Raúl Rubino
Fassbinder entre bambalinas.
El poderoso camino entre Artaud y Brecht
Patricia Carbonari
Querelle (1982). El imperativo de la imagen
Marco Antonio Núñez
Fassbinder con su propia voz
José Luis Márquez
Rainer Werner Fassbinder, importante por desparejo
Serge Daney
Autor; Jesús Rodrigo García (coord.), Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas; 360
Demons: La pesadilla retorna
«Harán de los cementerios sus catedrales y de las ciudades vuestras tumbas», amenazaba Demons desde su mítico cartel, que prometía una sesión de terror inolvidable y extremo que cumplía con creces. La cinta dirigida por Lamberto Bava y producida por Dario Argento supuso uno de los últimos hitos del cine de género italiano, antes de que la censura ejercida por las cadenas de televisión aniquilara casi por completo esa filmografía llena de furia y sangre que encontró en esta película algo parecido a su canto de cisne. Pero antes, hubo tiempo de ver una secuela también reivindicable y que, con el tiempo, también ha adquirido estatus de culto.
¿Por qué Demons y Demons 2 causaron un impacto tan grande que aun hoy, treinta años después, sigue siendo palpable entre los fans del cine fantástico? ¿Cómo surgieron? ¿Cómo se hicieron? ¿Qué ha sido de quienes las hicieron posibles? ¿Por qué fueron tan importantes? Estas y otras cuestiones son las que intenta resolver Pedro José Tena en un libro fruto de la investigación llevada a cabo durante varios años, profuso en información y declaraciones inéditas, que ha contado con la participación de muchos de los que hicieron posibles estos hitos del horror transalpino.
Reservando este pack con el 5% de descuento, recibiréis junto a vuestro ejemplar un marcapáginas conmemorativo y un pack de cinco chapas diseñadas para la ocasión. Esta promoción está limitada a los 50 primeros ejemplares.
Incluye prólogo de Luigi Cozzi y numerosas entrevistas exclusivas: Lamberto Bava, Dardano Sacchetti, Sergio Stivaletti, Bobby Rhodes, Geretta Geretta, Fabiola Toledo, etc. La portada es obra de Jairo Guerrero.
Applehead Team inaugura la colección “Noche de lobos” con el libro “Demons: La pesadilla retorna”, de Pedro José Tena. La obra recoge la historia de cómo se rodaron “Demons” y “Demons 2”, dirigidas por Lamberto Bava y producidas por Dario Argento en 1985 y 1986 respectivamente, así como su influencia en el cine de terror posterior y su importancia dentro del cine de género italiano. El volumen incluye casi una veintena de entrevistas exclusivas con miembros del reparto técnico y artístico de ambas películas.
Envíos a partir del 29 de octubre.
Autor; Pedro José Tena, Editorial: Applehead Team, Páginas;
El cine de Charles Band, analizado por John Tones
Charles Band fue uno de los productores más prolíficos de la cara B de Hollywood durante los años 80 y 90. Su filmografía está repleta de títulos emblemáticos de la era de máximo esplendor de los videoclubes, esos templos analógicos donde las películas de Band encontraban el lugar idóneo para brillar, gracias a su desvergüenza, su utilización de conceptos básicos y efectivos y, también hay que reconocerlo, unas carátulas que se quedaron en la memoria de todos. Títulos como Re-Animator, Ghoulies, Robot Jox o Dolls hicieron las delicias de los gourmets del cine radioactivo y siguen siendo hoy admiradas por los espectadores más desprejuiciados y temerarios.
Empire: El cine de Charles Band Vol. 1 recoge en papel toda una época de experimentos imposibles, muñecos infernales y alienígenas rumbosos, analizada por un John Tones sin miedo alguno que se atreve a explicar el cómo, dónde y por qué de una filmografía apasionante y demoledora.
John Tones, experto en cine de género y analista de lo ignoto y aberrante, se zambulle en la producción de Charles Band para escribir un estudio sobre la filmografía del tótem de la serie B desde sus inicios hasta la creación y muerte de la productora Empire. Un segundo volumen, de próxima aparición, versará sobre la siguiente aventura de Band: Full Moon. “Empire: El cine de Charles Band Vol. 1” forma parte de la colección La Generación del Videoclub, de la que supone la sexta entrega.
Incluye prólogo de Xavi Sánchez Pons.
Podéis adquirir el libro haciendo clic AQUÍ.
¡Vigilen los cielos! La filosofía de la ciencia ficción
¿Qué representa Neo en Matrix? ¿Es Star Trek una especie de visión optimista, liberal y cosmopolita de lo que podría ser el futuro de la globalización? ¿Por qué nos da tanta rabia que en Star Wars se repita siempre la misma batalla entre el bien y el mal? Es evidente que Independence Day es una película patriótica y nacionalista, pero ¿seríamos capaces de explicar exactamente por qué es así?¿Qué tienen en común nuestra sociedad y la de Matrix? ¿Qué ideologías políticas y ansiedades sociales se exponen en Terminator?
Las películas de ciencia ficción se nutren a partes iguales de una trama argumental y de reflexión filosófico-política. La ciencia ficción pretende entretener al espectador, pero también pretende activar su intuición crítica y creativa, su pulsión por saber y por pensar el mundo.
Luis Miguel Ariza, divulgador científico y gran experto en cine, abre una ventana al gran público para comprender mejor los principales mensajes filosóficos de veintidós grandes películas de todos los tiempos. A la vez que profundizamos en el significado de cada una de estas maravillosas narraciones visuales, el conjunto de estas reflexiones nos da las claves de lo que es y ha sido a lo largo de la historia este género fílmico, sin duda el que más mella hace en nuestro entendimiento y en nuestra imaginación.
Autor; Luis Miguel Ariza, Editorial: Arpa, Páginas; 256
¡Poyejali!. 50 películas esenciales sobre la exploración del espacio
Tanto el cine como la exploración espacial surgen a partir de avances tecnológicos que hacen posible dos actividades que previamente solo podían suceder en el dominio de la imaginación: el abandono de la Tierra y la materialización animada y reproducible de la visión de un artista. Ambos sueños, transformados en realidades, se han retroalimentado en el tiempo, compartiendo elementos para que cada uno lleve a cabo sus propios objetivos: conocer y habitar nuevos lugares del universo, que a su vez se conviertan en nuevos escenarios y situaciones donde los cineastas puedan contar sus historias. Este libro, que desde su título parte del mensaje entusiasta con el que Yuri Gagarin salió de la Tierra a bordo de la Vostok 1 —¡Poyejali! (‘¡Vámonos!’)—, propone uno de los infinitos viajes posibles a través de las retroalimentaciones entre la historia de la exploración espacial y el cine.
Autor; Ángeles Gómez, Editorial: Colección: Filmografías esenciales, Páginas; 200
No Trespassing. De los cuerpos del cine a la conspiración contemporánea
El cine trabaja sobre los cuerpos porque él mismo es un cuerpo y, como todo cuerpo, opera de dos maneras: como el cine-organismo, cuerpo-engranaje en una cadena de montaje de partes ensambladas y firmes, o como el cuerpo heterogéneo cuyas partes exceden lo conjuntable, van más allá del lenguaje. El organismo cinematográfico opera convergencias en función de normas de escritura, cubre los huecos, enmascara los cortes. El Cuerpo cinematográfico sin Órganos diverge a partir del corte como región límite, como singularidad; opera la apertura del intervalo y explora las regiones entre los elementos, lo no conjuntable. Y es en esas regiones entre, en las regiones no conjuntables, donde la imagen se vuelve háptica, donde la imagen ejerce verdaderamente su “toque”, donde nos afecta más intensamente. Donde encontramos no ya una imagen del cuerpo sino una conspiración del cuerpo, una imagen-cuerpo.
El autor
Nacido en 1982, en Alicante, Christian Checa Bañuz ha desarrollado toda su actividad intelectual en Barcelona. Es Graduado en Cine y Audiovisuales, Licenciado en Filosofía y Doctor en Comunicación Social, además de profesor de Análisis Fílmico y Cine y Pensamiento en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC). Con una vocación profundamente analítica, sus investigaciones parten del trabajo con las imágenes cinematográficas y sus mecanismos de significación como puerta abierta a todo tipo de desarrollos conceptuales que las lleven más allá del cine, al territorio de la filosofía o, incluso, de la política..
Autor; Christian Checa Bañuz, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas; 378
Applehead Team presenta la colección «Noche de lobos»
Los amantes del cine fantástico y de terror de nuestro país recuerdan todavía cómo, entre 1990 y 1993, cada domingo (a veces, de madrugada), Joan Lluís Goas les recibía desde el otro lado del televisor con el saludo «Buena luna, criaturas de la noche», antes de presentarles la película que tocara emitir esa semana. El programa se llamaba Noche de lobos, y su simple mención nos evoca tiempos en los que la televisión privada todavía estaba aprendiendo a funcionar y en los que aún había cabida para la experimentación, la sorpresa y la valentía. Gracias a esta ventana, muchos descubrimos clásicos de la Hammer, del giallo, de la serie B norteamericana, joyas del cine más oscuro e inquietante de diversas cinematografías… Y ese espíritu es el que Applehead Team quiere rescatar con una colección de libros titulada, precisamente, Noche de lobos, que cuenta además con el beneplácito del propio Goas.
Esta colección abre una nueva editorial dentro del ensayo cinematográfico: hay muchas pantallas que rasgar, pero de momento os podemos presentar los tres primeros títulos que estarán agrupados bajo el sello Noche de lobos.
DEMONS. LA PESADILLA RETORNA (Pedro José Tena)
El díptico dirigido por Lamberto Bava en 1985 y 1986 supone uno de los grandes hitos del cine de terror italiano de los 80, casi el canto de cisne de un género que estaba a punto de desaparecer en ese país y que después de estas dos películas sólo repuntaría en determinadas ocasiones. Este libro analiza por qué Demons y Demons 2 destacaron por encima de otras producciones del horror italiano de la época, por qué todavía hoy se sigue hablando de ellas y qué supusieron para un sistema de producción que entraba en agonía en aquellos momentos. Además, analiza su influencia en otros títulos y su relevancia persistente en convenciones de cine de terror. Pero, sobre todo, este libro es una historia oral de cómo se construyeron dos cintas fascinantes y amadas por miles de fans, con el relato en primera persona de quienes las hicieron posibles y que narran, asimismo, qué supuso Demons para sus carreras y cómo éstas han evolucionado o mutado desde entonces. Con prólogo de Luigi Cozzi, el libro incluye numerosas entrevistas exclusivas concedidas expresamente para esta ocasión por nombres como Lamberto Bava, Dardano Sacchetti, Sergio Stivaletti, Bobby Rhodes, Geretta Geretta, Fabiola Toledo, Coralina Cataldi-Tassoni, Karl Zinny, Simon Boswell, Virginia Bryant y otros ilustres invitados que podremos confirmar próximamente.
FREDDYMANIA. LAS CRÓNICAS DE ELM STREET (José Mellinas)
Si hay un asesino en serie cinematográfico que pueda equipararse a ídolos del rock en cuanto a su impacto en la cultura popular de los 80 y su celebridad mundial, ese es, sin duda, Freddy Krueger. Wes Craven lo creó para la magistral Pesadilla en Elm Street (1984); lo interpretó un Robert Englund en estado de gracia, quien quedaría marcado de por vida por el personaje. Freddy se instaló en la memoria colectiva (en nuestras pesadillas, en realidad) gracias a una de las sagas más longevas del cine de terror norteamericano, y también a otras apariciones multimedia que van desde una serie de televisión (Las pesadillas de Freddy) hasta videojuegos, pasando por cómics, figuras de acción o novelas. Este libro, que analiza la Freddymanía en todas sus vertientes, es el estudio definitivo sobre las historias que surgieron de Elm Street, desde sus orígenes hasta su remake, pasando por todas y cada una de sus manifestaciones audiovisuales, literarias o lúdicas. Incluye prólogo de Jaume Balagueró (director de Los sin nombre, Darkness o Rec) y epílogo de Ángel Sala (director del Festival de Sitges).
NOCHES DE HALLOWEEN. LA SAGA DE MICHAEL MYERS (Octavio López Sanjuán)
Hemos dicho que Freddy Krueger es el psychokiller más famoso de los 80, pero no se puede entender su figura (ni la de Jason Voorhees) sin la aparición en 1974 del Leatherface de La matanza de Texas (Tobe Hooper) ni, sobre todo, sin el fulgurante éxito que supuso la primera entrega de la saga protagonizada por Michael Myers, La noche de Halloween (1978), de John Carpenter. Este volumen recoge la génesis, desarrollo e impacto de este icono del cine de terror, con un desglose detallado de cómo se forjaron todas y cada una de las películas de la saga, además de un comentario crítico de todas ellas. Es una oportunidad única para comprender en su totalidad uno de los fenómenos del cine de terror más influyentes, lucrativos y longevos de la historia del celuloide. Pero además de esa apasionante historia repleta de machetazos, rostros inexpresivos y gritos desgarradores, lo que convierte en un libro único a Noches de Halloween es que se ha podido entrevistar en exclusiva para este texto a varios de los directores que han llevado a cabo su particular visión de este icono (John Carpenter, Rick Rosenthal, Tommy Lee Wallace, Dwight H. Little y Dominique Othenin-Girard). No falta tampoco un análisis del remake dirigido por Rob Zombie (ni su secuela), así como de la nueva entrega oficial que se estrenará en octubre de este mismo año.
Estos libros estarán disponibles próximamente en librerías, tiendas especializadas y puntos de venta habituales. Se ira anunciando la preventa de cada uno de ellos a medida que se acerquen los lanzamientos oficiales. Mientras tanto, como diría Joan Lluís Goas, buena luna a todos.
¡Esto es la guerra! 50 películas esenciales del cine bélico
“La violencia, ese instinto animal arraigado en el hombre desde tiempos remotos, se institucionaliza a través del Estado, poseedor de su monopolio bajo el amparo de la ley, para impartirse desde motivaciones supuestamente legítimas; entre otras, la de salvaguardar la paz social mediante esa represión que trata de mantenernos alejados de la barbarie. Intrínseca a esa prerrogativa del Estado está la facultad de obligar a sus ciudadanos a secundar esa violencia, aportando su sufrimiento e incluso su propia vida y la de sus seres queridos. El cine, reflejo de todas las facetas que engloba la existencia del ser humano, nunca estuvo al margen de la representación de la guerra, ya sea para apoyarla, para censurarla, para constituirse en mero testimonio histórico o incluso para utilizarla como un espectáculo más con el que distraer a la audiencia. La guerra es, por desgracia, ese elemento que siempre estuvo, está y estará presente en el devenir del género humano.”
En “¡Esto es la guerra!” ofrece una panorámica sobre el modo en el que el séptimo arte ha plasmado el hecho bélico a través de una personalísima selección de cincuenta títulos pertenecientes al denominado cine bélico. Clásicos como Sin novedad en el frente, Senderos de gloria, Apocalypse Now, Platoon o La chaqueta metálica son analizados a lo largo de sus doscientas páginas, junto con recreaciones históricas tipo El día más largo y boutades como la inclusión en el listado de los films de temática fantástica Aliens, el regreso, Deathwatch e Invasión a la Tierra.
Autor; Juan Andrés Pedrero Santos, Editorial: Col·lecció: Filmografías esenciales, Páginas; 200
Julio Diamante. Compromiso ético y estético de un cineasta
Cineasta, director teatral, guionista, poeta, activo militante político, profesor o gestor cultural son algunas de las ocupaciones que a lo largo de su vida ha desempeñado Julio Diamante. Quizá por ello ha sido tantas veces presentado como un autor polifacético. No son pocas las ocasiones en que los autores así calificados quedan exentos de un acercamiento a esas reconocidas múltiples facetas, siendo estudiadas, en el mejor de los casos, algunas de ellas y de manera parcial. Este trabajo pretende un acercamiento global bajo el convencimiento de que entre las muchas y muy distintas líneas de trabajo de Julio Diamante existen conexiones que permiten conocer más a fondo su personalidad y su obra.
Entre todas estas tareas abordadas por Diamante durante su extensa trayectoria, existe un aspecto común, el cine, y por ello esta dimensión se configura como el centro estratégico del estudio. Se analiza toda su obra cinematográfica, desde sus primeros cortometrajes en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC) allá por los años cincuenta, hasta su más reciente película, La memoria rebelde (2012), pasando por todos sus filmes realizados en los sesenta años intermedios. Así, tanto a través del análisis de sus películas y de las vicisitudes administrativas de estas, como de los numerosos y no pocas veces accidentados sucesos acontecidos en los variados trabajos relacionados de una u otra forma con el cine en los que Diamante se ha visto inmerso (desde la docencia en la Escuela Oficial de Cinematografía hasta la dirección del Festival de Benalmádena, entre otros muchos), se ha buscado ofrecer una mirada a la historia del cine español a través del caso concreto de Julio Diamante, autor implicado como pocos en el desarrollo de la historia de nuestro cine.
El autor
Iñigo Larrauri Gárate
(Bilbao, 1981). Licenciado en Historia del Arte y doctor en Teoría, análisis y documentación cinematográfica. Actualmente es profesor del Departamento de Historia del Arte de la UPV/EHU y forma parte del grupo de investigación Mutaciones del Audiovisual Contemporáneo (MAC). Ha colaborado en libros colectivos como Películas para la educación, editado por Carmen Arocena e Íñigo Marzabal (Cátedra, 2016), y ha publicado asimismo artículos sobre cine y otras artes en distintas revistas especializadas como L’Atalante, Eu-topías o Signa.
Autor; Iñigo Larrauri Gárate, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas; 514
Próxima publicación de Terror Molins: De Palma vs De Palma
Un año más, el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei y la Editorial Hermenaute han colaborado para hacer posible un nuevo libro. Este año, os presentamos un ensayo colectivo entorno a la obra del cineasta norteamericano Brian De Palma, el gran protagonista de la próxima edición del festival.
Bajo el título de De Palma Vs De Palma, el ensayo indaga sobre algunos de los conceptos esenciales de la obra depalmaniana a partir de la visión personal de seis autores, cada uno de los cuales centra su análisis individual en una de sus multiples constantes.
Cómo es habitual, el libro, coordinador por el director artístico del Festival Albert Galera, cuenta con la firma de críticos prestigiosos y la participación de integrantes del festival como Antonio José Navarro, Gerard Fossas, Jordi Batet, Jaume Claver, Ignasi Juliachs i el propio Albert Galera.
Keith Gordon, actor en dos películas de Brian De Palma, ha colaborado escribiendo el emotivo prólogo del libro.
De Palma Vs De Palma se publicará poco antes de la celebración de la 37ª edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei que arranca el 9 de noviembre.
Héroes y villanos en el cine. De Shakespeare a Indiana Jones
Ver cine y leer es para David Felipe Arranz la crónica de una fascinación, la memoria de lugares y argumentos, y el vértigo de un estado emocional: el que nos permite seguir adelante en un mundo cada vez más tecnologizado. Aprender a leer la huella de lo visto y lo leído —la experiencia estética— nos hace cobrar conciencia del lugar trascendental que ocupan las palabras y los fotogramas.
La consecuencia evolutiva de la literatura y el teatro, el celuloide, es en su primer borrador un texto y para el lector-espectador un acto de recepción, íntimo o compartido.
El cine, además, invoca una escritura situada en el terreno de los recuerdos, las imágenes y los sueños que cristalizan en los ídolos y los malvados que inconscientemente nos construyen y conforman una determinada manera de ser entre el bien y el mal.
Héroes y villanos en el cine reúne una galería de personajes a caballo entre el idealismo romántico y la perversión criminal —asesinos, seductores, aventureros y damas en peligro—, de gran atractivo… independientemente de su adscripción ética.
El autor
David Felipe Arranz (Valladolid, 1975) es licenciado en Periodismo, Filología hispánica y Teoría de la literatura y literatura comparada. Es profesor de Periodismo en la Universidad Carlos III de Madrid, donde imparte las asignaturas de «Radio informativa», «Radio Journalism», «Teoría de la comunicación mediática» y «Metodologías de la investigación en periodismo». También imparte docencia en el Colegio Oficial de Doctores y Licenciados en Filosofía y Letras y Ciencias de la Comunidad de Madrid y en el Máster de Comunicación de Moda y Belleza VOGUE de la Universidad Carlos III de Madrid. Además, es responsable de Comunicación de Fundación Telefónica y director de «El Marcapáginas», actualmente en Capital Radio y en antena desde 2000.
Colabora habitualmente en El Norte de Castilla, CTXT, El Huffington Post y «Secuencias en 24» del Canal 24 Horas de TVE. Ha publicado varios libros sobre cine y literatura: Arquitecturas de la ficción (Líneas paralelas, 2014) y Sueños de tinta y celuloide (Líneas paralelas, 2015). Escrito al raso. Artículos político-festivos (2007-2017), publicado en Sial Pigmalión, es su último título.
Autor; David Felipe Arranz, Editorial: Pigmalion. Cineastas, Páginas; 357
Michael Cimino
Michael Cimino es un cineasta de genio, uno de los más brillantes y radicales directores de la historia del cine. También uno de los más incomprendidos y vilipendiados por la crítica institucional. Su mundo es delicado y duro al mismo tiempo, inocente y bárbaro, tierno y brutal, y de ese desequilibrio no desiste. Basta con ver a sus personajes y la puesta en escena para percatarse del omnipresente «tour de force» que atraviesa su filmografía: lo que Bataille denominaba «violencia». El polvo que fulgura y nubla la vista (la visión del espectador) en sus películas es una de las formas de la materia más queridas por el director, y el fracaso, más que un avatar biográfico, es el principio formal que mantiene su cine siempre en tensión y lo que hará que perdure.
El autor
Pilar Carrera es licenciada en Periodismo y Publicidad por la Universidad del País Vasco. Cursó estudios de doctorado en la École des Hautes Études en Sciences Sociales de París y actualmente imparte Teoría de la comunicación en la Universidad Carlos III de Madrid, donde a su vez ocupa el cargo de vicerrectora de Comunicación y Cultura. Es autora, entre otros libros, de Nosotros y los medios, El irresistible encanto de la interioridad y sendas monografías sobre Andrei Tarkovski y Aki Kaurismäki.
Autor; Pilar Carrera, Editorial: Ediciones Cátedra, Colección: Signo e imagen>Signo e imagen. Cineastas, Páginas; 256
La escritura (in)visible. 50 películas esenciales para estudiar el cine clásico
El presente libro propone un trayecto de lectura (de los muchos posibles) del clasicismo cinematográfico, abordándolo como un modelo de práctica cinematográfica singularizada en el que convergen un canon estético-narrativo férreamente codificado y un preciso sistema de producción. Nuestro corpus de estudio se centra en la producción cinematográfica estadounidense entre 1930 y 1956, atravesando el período de mayor esplendor del sistema de estudios y el surgimiento de las escrituras manieristas durante la década de los cincuenta. Los autores elaboran una síntesis de la esencia del clasicismo cinematográfico en su configuración formal, narrativa, ideológica e industrial arquetípica a partir del análisis de una selección de cincuenta de sus títulos más representativos, mediante sus principales directores, géneros y enfoques ideológicos, al tiempo que se aspira a contrarrestar la extendida idea de homogeneidad del universo del cine clásico.
Autor; Rubén Higueras Flores y Aarón Rodríguez Serrano, Editorial: EDITORIAL UOC, S.L, Col·lecció: Filmografías esenciales, Páginas; 206
El ejercicio ha sido provechoso, Señor. Palabras sobre el cine
El ejercicio fue provechoso para Serge Daney. Fue el ejercicio de hacer cuerpo a cuerpo con el cine, al punto de esfumar la línea divisoria entre cine y vida. Así es la ciencia, así es el amor. Desde 1998 hasta fines de 1991, poco antes de su muerte, Serge Daney recorrió esa línea, como una soga, en este diario personal, iluminado e íntimo, poblado de preguntas y de hipótesis. ¿Qué es el cine? ¿Cuáles son sus poderes y sus condiciones de supervivencia? Dónde está, para qué nos sirve, de qué puede salvarnos. Daney no mide ni calcula, no se reserva ni una sola carta. Por un lado, el plano como bloque entrelazado de imagen y tiempo, que secuestra y olvida y sigue solo; el don de habitar los intersticios del plano, de hacer arqueología de la imagen; el oficio de los encadenamientos y las relaciones, el viaje y la caminata; el enigma de una historia siempre anterior a cualquier título de crédito; el milagro de los niños huérfanos adoptados por el cine, de los niños del cine (no son ángeles, tan solo no han vivido lo suficiente); la densidad de la experiencia y la filiación, la desposesión y la memoria; la existencia del otro. Por otro lado, la avaricia previsible del guion; el espasmo del turismo y el clisé, la afasia; el presente como publicidad, la señal que sustituye al signo, los medios expertos en colocarnos en el medio, sin antes ni después; la empresa estéril del “yo”, a ultranza. Es decir, los atroces y los intratables, los aprendices de brujo, frente a los amables servidores de la ley. Daney contra la tiranía de la militancia, la bandera y el rol. Daney emancipado, suelto y aparte. Daney sobre la soga, con sus ojos-antena, su vara de zahorí, su extraordinaria delgadez, su intransigencia física. No le sale mentir, no le sale pesar, no le sale una sola reverencia. Está salido de sí, ha aprendido a temblar, a querer a John Wayne, a ir hacia allí a mirar, lo que sea. El cuerpo está arrasado de mirar. A Daney jamás le importó ser visto..
El autor
Serge Daney. Viajero incansable, amante de las postales, el tenis, los mapas y los diccionarios, caminante y crítico cinematográfico, Serge Daney nació en París y murió a los cuarenta y ocho años. Fue redactor en jefe de Cahiers du cinéma, director de la sección de cine del diario Libération y fundador de la revista Trafic. Su artículos están recopilados en La Rampe (1983); Ciné-journal (1986); Le Salaire du zappeur (1988); Devant la recrudescence des vols de sac à main (1991); L’Exercice a été profitable, Monsieur (1993); Persévérance (1994); L’Amateur de tennis (1994); Itinéraire d’un ciné-fils (1999); La maison cinéma et le monde/1. Le Temps de Cahiers (1962-1981), 2001; La maison cinéma et le monde/2. Les Années Libé (1981/1985), 2002; La maison cinéma et le monde/3. Les Années Libé (1986/1991), 2012; y La maison cinéma et le monde/4. Le moment Trafic (1991-1992), 2015.
Con El ejercicio ha sido provechoso, Señor, Shangrila prosigue la construcción de su Biblioteca Daney, que incluye ya Perseverancia (2015), El salario del zapeador (2016) y El tenista amateur – Del cine al tenis (y viceversa) (2016), así como Trafic 37. Serge Daney, después, con (2016), el monográfico que la revista que fundó, Trafic, le dedicó a su escritura y a su obra.
Autor; Serge Daney, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas; 290
2001: Una odisea del espacio. El libro del 50 aniversario
En el 50 aniversario del film 2001: Una odisea del espacio, varios autores de prestigio analizan los diferentes aspectos de la película. El rodaje, los logros técnicos, los personajes, la música, la estética, las influencias, los simbolismos… Todo ello acompañado por un gran despliegue gráfico con fotografías de la película, de su director, del rodaje…
Capítulos:
Ciencia ficción trascendente
Stanley Kubrick: La conciencia del demiurgo
Clarke/Kubrick: simbiosis y feedback
La odisea de una producción
Los colaboradores
El “milagro” técnico
El lenguaje cinematográfico de 2001
El alba del hombre
El enigma del monolito
Hal 9000: matar a la máquina
Los sonidos del universo
El amanecer de un sueño
Futurismo 60´s
Un viaje ácido más allá del infinito
La confusión crítica
Kirby on Kubrick
Kubrick después de 2001
Hijos de 2001
Autor; Quim Casas, Vicente Díaz, Jaime Iglesias, Javier Ordóñez, Enric Ros, Editorial: NOTORIOUS, Páginas; 304
El Buque Maldito #29 ya a la venta
Ya está a la venta el nuevo número del fanzine El Buque Maldito con los siguientes contenidos:
ENTREVISTAS
Helga Liné: Desde su debut en el cine en Portugal en 1946 con La mantilla de Beatriz, dirigida por Eduardo G. Maroto, la actividad cinematográfica de la actriz alemana ha sido un ciclón; prácticamente sesenta años entregada a la interpretación. En la siguiente entrevista en exclusiva, realizada en Buenos Aires, nos adentramos en su trabajo dentro del fantástico. ¡Figura vital del Fantaterror!
José Luis Garci: Ganador de un Oscar en 1983 gracias a su película Volver a empezar; artífice de todo un clásico de nuestra cinematografía, El crack (1981); presentador del mítico programa de televisión ¡Qué grande es el cine!; y, a su vez, un apasionado del fantástico, que dejó su huella en diversos guiones y en una serie para La 2, Historias del otro lado, que analizamos en la interviú.
Ramiro Oliveros: Actor de teatro y galán en la gran pantalla, en la década de los setenta y ochenta se convirtió en un rostro habitual del cine de género, trabajando a las órdenes, entre otros, de Jesús Franco, Javier Aguirre, Antonio Margheriti o Manuel Caño.
Jesús Garay: Activista del underground cinematográfico, en la década de los ochenta firma el díptico Pasión lejana (1986) y La bañera (1989). Conversamos con el realizador cántabro acerca de sus dos cintas.
Juan José Porto: Productor, guionista y director, en la década de los setenta escribe diversos libretos conectados al fantástico para John Gilling, León Klimovsky o Ramón Barco. En su faceta de realizador, deja para la posteridad dos obras anexadas a los fenómenos sobrenaturales: Morir de miedo (1980) y Regreso del más allá (1982).
ARTÍCULOS
Jesús Garay, Barcelona Fantastique: Analizamos sus obras Pasión lejana y La bañera. Dos films oníricos a redescubrir donde aglutina sus obsesiones desde una perspectiva fantástica, autoral y experimental; y con la ciudad de Barcelona como telón de fondo.
Helga Liné: la señora del Fantaterror: Para comprender los caminos del cine de género, y el Fantaterror en concreto, es indispensable adentrarse en la carrera de Liné. A lo largo de seis décadas en activo en el Séptimo Arte el terror, sin duda, ha sido su motor.
Por último, el sábado 7 de julio a las 12h, y dentro del marco del Cryptshow Festival 2018, vamos a estar presentando este nuevo número del fanzine en el Espai Betúlia, situado en la calle Enric Borràs, número 43-47, de la ciudad de Badalona.
PVP: 4€ + gastos de envío. 36 páginas.
Pedidos
elbuquemaldito_zine@hotmail.com
www.elbuquemaldito.com
TAMBIÉN DISPONIBLE:
FREAKS
C/. Ali Bei, nº10.
BARCELONA
ARKHAM COMICS
C/. Xuclà, nº16.
BARCELONA
CINEMASCOPE
C/. Torrent de l’olla, 101
BARCELONA
El universo de Ingmar Bergman
Probablemente el director de cine europeo más influyente y aclamado, la figura de Ingmar Bergman sigue siendo considerado como uno de los pilares más firmes sobre los que se sustenta el denominado cine de autor. Indagador imperturbable de la psicología de hombres y mujeres, así como de sus relaciones afectivas, el cine de Bergman destila una riqueza visual y narrativa como la de pocos cineastas. Una veintena de prestigiosos críticos analizan en ‘El universo de Ingmar Bergman‘ todos sus films, sus colaboradores, sus actores, sus obsesiones, sus filias, sus fobias… El libro definitivo sobre uno de los directores de cine más aclamados. Una enciclopedia sobre su vida y obra, con un impresionante despliegue fotográfico.
Autor; Miguel Marías, Alejandro Melero Salvador, Gerardo Sanchez,varios autores, Editorial: NOTORIOUS, Páginas; 304
John Ford
Una mirada íntima de John Ford, uno de los directores más admirados de Hollywood. Este es un libro mítico, al mismo nivel del director sobre el que trata. Peter Bogdanovich retrata a la vez al artista y al hombre, en un libro ameno que satisfará a los cinéfilos y admiradores de John Ford por igual. Nueva introducción de Bogdanovich en exclusiva para esta edición, y nueva traducción de la edición revisada y aumentada de 1978. Ilustrado con más de cien fotografías, en color y B/N, de alta calidad, algunas inéditas en libro. Peter Bogdanovich combina entrevistas a John Ford con sus propias reflexiones. Este libro de Bogdanovich fue el primero en intentar retratar el arte de un verdadero poeta del cine.
Edición revisada a cargo de José Luis Garci y Eduardo Torres-Dulce. Una mirada íntima de John Ford, uno de los directores más admirados de Hollywood. Este es un libro mítico, al mismo nivel del director sobre el que trata.
Autor; Peter Bogdanovich, Editorial: HATARI BOOKS, Páginas; 278
El cuerpo erótico de la actriz bajo los fascismos: España, Italia y Alemania (1939-1945)
Las mujeres que constituyen la materia de este libro fueron las estrellas femeninas más importantes de las cinematografías española, italiana y alemana, durante los años de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), en los que el nuevo régimen totalitario en España coexiste con el nazismo alemán y el fascismo italiano. En las tres dictaduras, la censura ejerció un severo control no solo sobre los contenidos políticos, sino también sobre el erotismo y la sexualidad. Las «stars» femeninas de los fascismos trabajaron en connivencia, más o menos explícita, con la ideología de los Estados en los que desarrollaron su filmografía, pero su cuerpo habló (desde las imágenes) ofreciendo mensajes a menudo contradictorios con la moral imperante. Este libro propone un estudio de la gestualidad de dichos cuerpos, y se interroga sobre la tensión subyacente entre feminidad servil y feminidad liberada, entre sexualidad negada y afirmación erótica. A lo largo de sus páginas, se desgrana con minuciosidad la relación entre actuación e imaginario erótico en las filmografías de Imperio Argentina, Estrellita Castro, Ana Mariscal, Conchita Montenegro, Conchita Montes, Mercedes Vecino y Amparo Rivelles para la cinematografía española; Clara Calamai, Luisa Ferida, Anna Magnani, Isa Miranda, Assia Noris y Alida Valli en el contexto italiano, y Zarah Leander, Marika Rökk y Kristina Söderbaum para el caso alemán.
Autor; Nuria Bou; Xavier Pérez, Editorial: Cátedra. Colección: Signo e imagen, Páginas; 300
David Lynch: Cruzando la cortina roja
Que David Lynch sea la cabeza visible de un evento artístico denominado Festival de la Perturbación, demuestra sobre qué elementos se ha construido su obra cinematográfica, pictórica y musical, y qué es lo que se espera de él cuando anuncia un nuevo trabajo. Pero el universo lynchiano es más que una amalgama de obras vanguardistas y el propio David Lynch. Tras la cortina roja surge para desvelar esas facetas mundanas que pueden ser igual de influyentes que Twin Peaks o Terciopelo azul.
El estudio relata de forma novelada los pasajes biográficos del americano, desde su nacimiento hasta nuestros días, centrándose en la cara humana del personaje y sin dejar de detallar los entresijos producidos en los rodajes de sus largometrajes o los misterios ligados a los entresijos de sus imágenes.
En este libro podrás leer sobre:
. La influencia de la Música Industrial en el cine de Lynch.
. Su tortuosa vida familiar que le marcará a la hora de estudiar al ser humano.
. El desprecio recibido por parte de las estrellas de Hollywood en alguno de los rodajes.
. ¿Cuál es el significado del anillo de Laura Palmer en Twin Peaks?
Y mucho más…
Autor; Juan M. Corral, Editorial: Dolmer, Páginas; 288
John Cassavetes. Interior noche
Cuando John Cassavetes decide filmar una segunda versión de Shadows este ejercicio de reescritura nace del deseo —que a su juicio no había logrado con la primera versión— de alcanzar una comunión entre un cine hecho en libertad y que rompiera con las convenciones del cine de Hollywood y, por otro lado, el anhelo urgente de narrar, de establecer contacto con sus personajes y con el público. Esos dos objetivos acompañaron toda la obra de Cassavetes. Desde entonces su director se ha convertido en referencia trascendental de las siguientes generaciones del cine contemporáneo más inquieto. Pero igualmente no sería contradictorio afirmar que una trayectoria como la suya no ha tenido apenas verdaderos herederos. En los diversos capítulos de este trabajo se abordan cuestiones como la tensión presente en su obra entre escritura y el borrado de sus huellas; la construcción de unas narraciones en las que conviven tantas ficciones como personajes; el trascendental trabajo desarrollado por Cassavetes con sus intérpretes, y en el diseño de sus personajes; el diálogo mantenido entre exceso y caos, y entre individuo y grupo, así como también con una serie de géneros canónicos. Asimismo, este volumen se ocupa de perfiles de la obra cassavetiana poco atendidos —las relaciones que mantiene con Hollywood— o casi ignorados —sus trabajos como director para la televisión—. Por último, sendos capítulos se ocupan de forma particular de filmes especialmente relevantes en la evolución de su carrera, ya sea por su carácter inaugural —Shadows—, ya sea por alcanzar en ellos una suerte de madurez —Faces y Una mujer bajo la influencia. En el momento de escribir sobre Cassavetes una sospecha recorre toda la empresa: la de que nos encontremos ante uno de los cineastas que pone de manifiesto de forma más intensa la condena a que está sometido todo aquel que se acerque a la escritura sobre cine, una frustración insoslayable. En la traslación del texto cinematográfico al texto escrito, acaso —¿por qué no?— se han aportado cosas a las que solo el lenguaje escrito puede acceder, pero mucho de la experiencia original, del diálogo mudo que hemos mantenido con la película, se ha perdido irremediablemente. Este libro es también una invitación a enfrentarse a sus películas, a aquello resistente al lenguaje que le dan su inimitable personalidad. Pero también nace con la esperanza de que constituya un instrumento valioso para enriquecer, aunque sea modestamente, la experiencia del espectador del cine de Cassavetes.
SUMARIO
Introducción a John Cassavetes en seis escenas
José Francisco Montero
Retorno a Shadows
Ray Carney
Promesa y despedida. A propósito de John Cassavetes y la televisión
Concepción Cascajosa Virino
Estilos de vida, formas de muerte. El cine como electroshock
Josep M. Català Domènech
Escribir hasta desaparecer
José Francisco Montero
John Cassavetes. Representaciones: ficciones y simulacros
Ángel Santos Touza
Multiplicidad de voces: construir con los actores
Luis Miranda
La madurez de Cassavetes: Faces y Una mujer bajo la influencia
Ray Carney
Lógica(s) del sentido: exceso y caos en el cine de John Cassavetes
Aarón Rodríguez Serrano
El complejo de Jano: John Cassavetes y Hollywood
Diego Salgado
Escenario de la vida, escenario de la ficción: sobre los personajes de John Cassavetes
Ignacio Pablo Rico
Géneros fluidos: familias, amores, sueños
Albert Elduque
Las reuniones del solitario. Individuo y grupo en el cine de Cassavetes
Miguel Ángel Muñoz
Bibliografía
Autores de los textos
Autor; José Francisco Montero (coord.), Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas; 386
El Festival Nits inicia una campaña en Verkami para publicar su nuevo libro
El Festival Nits arranca una campaña en Verkami para publicar su nuevo libro, Stephen Show! El cine espectáculo de Stephen Chow. L’obra se presentará en la 15ª edición del Festival Nits de cinema oriental de Vic, donde se hará un homenaje a esta estrella cómica del cine chino y hongkongés con una retrospectiva de sus películas más emblemáticas.
Stephen Show! El cine espectáculo de Stephen Chow es el cuarto libro de la Biblioteca FesNits, una colección que el Festival inició en el año 2015 y que anteriormente ha tratado el western asiático (Wild Wild East) el cine de monstruos (Kaijû! Quadern de camp) y las actrices del cine de acción (Kung Fu Girls!). Todas estas publicaciones se financiaron a través de campañas de micromecenazgo en Verkami y aún se pueden comprar a través del web del Festival.
Stephen Chow es conocido en nuestro país por haber dirigido y protagonizado grandes éxitos como Desde Pekín con Amor (1994), Shaolin Soccer (2001), Kung Fusión (2004), CJ7 (2008) o The Mermaid (2016). Este libro descubrirá a los cinéfilos la carrera de Chow desde sus inicios en televisión, sus años de gloria al lado de directores como Wong Jing, Jeff Lau o Johnnie To, y si consolidación como el actor y director más taquillero del cine chino. Revisaremos toda su filmografía y las herramientas con las que ha conseguido crear un estilo propio de cine.
El libro, escrito por Domingo López, contará con ilustraciones originales de Mr. Yuen Tai-Yung, creador de más de 200 carteles de películas emblemáticas de la época dorada del cine de Hong Kong (de 1975 al 1992). Yuen Tai-Yung visitó Vic durante la última edición del Festival Nits para presentar el documental sobre su vida, The Posterist (Hui See-Wai, 2016), y ha cedido dibujos de Stephen Chow para esta edición, una de las cuales ilustrará la portada del libro.
Universo Twin Peaks
Este libro se sitúa en dos tiempos: el presente, donde se efectúa un recorrido por la experiencia que ha significado The Return, y el pasado, donde se recorren las huellas que dejaron Laura Palmer, los últimos siete días de su vida, y el agente Cooper intentando descubrir los secretos de su existencia. Para lo segundo me he apoyado en un viejo libro que escribí en 1999 llamado Twin Peaks: 625 líneas en el futuro. Si lo leyeron en su día, puede que lo encuentren un poco cambiado y que no sea exactamente como lo recordaban. El recorrido por la tercera temporada me ha llevado inevitablemente a hacer conexiones con el pasado, y cuando me he visto obligado a volver a andar aquel camino he encontrado también un montón de afluentes que llevaban a su versión futura, por lo que en gran parte ha sido reescrito, actualizado y en algunos segmentos ampliado (y en otros reducido, los tiempos han cambiado mucho desde entonces y algunas partes ya no tenían mucho sentido). Incluye 13 ilustraciones a toda página, obra de Aine.
El autor
Javier J. Valencia Javier J. Valencia nació en Bilbao (Vizcaya) en 1977. Realizó un curso de Realización cinematográfica en 1997 en la Academia Microbert de Barcelona donde trabajó en un par de cortometrajes efectuando tareas de jefe de producción (Sabor Rojo, Lluís Elías, 1997) y asistente de montaje (Con un pie en la tumba, Vinicious Gomes, 1998). Especializado en el mundo del guion, ha escrito los libretos de los cortometrajes Velada presencia (Dani Morell, 2011), Doble Angoixa (Dani Morell, 2017) y el multi-premiado en todo el mundo The Only Man (Jos Man, 2013). A través de CPA Salduie (Universidad de San Jorge) completó además un curso de Guion y Desarrollo de series de televisión. Además, Valencia es uno de los responsables de la página El pajaro burlón, web sobre cine, series y libros, que lleva en funcionamiento desde el año 2012 con éxito.
En su faceta paralela de divulgador cultural, editó el primer fanzine sobre Twin Peaks en España, “Ghostwood”, que tuvo cinco números entre 1995 y 1997. Para la editorial Recerca escribió primero un dossier sobre la obra de David Lynch El James Stewart de Marte (1997), y después el libro Twin Peaks: 625 líneas en el futuro en el año 2000.
Ha colaborado en páginas web sobre cine como Miradas de cine, Revista Fantastique o Phenomena Experience, y en revistas de papel como Caimán-Cuadernos de cine. También escribió David Lynch: el zar de lo bizarro, un libreto que se editó en el año 2006 junto con el DVD de “Fuego camina conmigo” de la distribuidora Cameo. Forma parte del staff que ha elaborado el volumen La guerra de los clones – Más allá de Star Wars (Applehead, 2018).
Autor; Javier J.Valencia, Editorial: Dilatando mentes, Páginas; 700
La caricia del cine. La invención figurativa de la Nouvelle Vague
“El cine tiene por elemento el gesto y no la imagen”, escribe Giorgio Agamben. Bajo esta concepción del cine como el arte de la relación —del montaje— y como el lugar que piensa la mirada —la puesta en escena—, la Nouvelle Vague convirtió este gesto en una caricia. A partir del pensamiento de Emmanuel Lévinas, que define la caricia como el gesto que “expresa el amor, pero sufre la incapacidad de decirlo”, el presente volumen recupera la tradición fenomenológica abierta por André Bazin y viaja al centro del universo estético de la Nouvelle Vague mediante este gesto erótico, fundado en la alteridad y sujeto a la significancia e infinitud del rostro del otro.
Desde la mediación del actor y de su palabra, la voluptuosidad de l’amour fou y su necesaria ruptura, la memoria del cuerpo y la subversión del deseo, La caricia del cine nos conduce hacia una nueva historia del cine francés o, más precisamente, ambiciona explicar la historia más influyente de la modernidad a través de su invención figurativa. De Jean-Luc Godard a Philippe Garrel o Leos Carax; de Éric Rohmer a Eugène Green;
de Jacques Rivette a Claire Denis. De la revisión de los filmes y las secuencias más emblemáticas de la Nouvelle Vague a la defensa de los cineastas más olvidados: Guy Gilles, Cyril Collard, Jean-Claude Rousseau, Paul Vecchiali o Jacques Nolot. A partir del cine comparado, las constelaciones de cineastas, de films e imágenes que propone este volumen son guiadas, como los fragmentos del discurso amoroso de Roland Barthes, por figuras; aquí, las figuras emergen del relato levinasiano: la mirada, el rostro, el cara a cara, la caricia, la fecundidad. Este libro, que entiende el devenir de las imágenes como un viaje hacia el otro y a partir del otro, explora la fisura que el cine moderno abrió entre el plano y el contraplano para hallar, en la misma apertura, el espacio de la relación mediante el cual el cine se erige como el arte del gesto y como un lugar privilegiado para el pensamiento fenomenológico.
El autor combina, en formas extremas, las virtudes del cinéfilo y la erudición del académico. O quizás sea al revés. Este es su primer volumen publicado y aun así, desde el inicio, marca un tono fuerte, entra en escena con contundencia y ambición, sin petulancia pero con arrojo. […] Abrir las imágenes del modo en que lo hace Arnau Vilaró descubre al lector, al espectador, una nueva manera de verlas, de leerlas, de comprenderlas, de sentirlas. En ese sentido, las posibilidades mostradas por el libro son infinitas y se pueden imaginar desde ahora otras vías reales.
Fran Benavente
El autor
Arnau Vilaró Moncasí
(Bellvís, Lleida, 1986). Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona, profesor de Estudios Visuales y Estética del cine en la Universitat Autònoma de Barcelona y profesor colaborador en las áreas de Comunicación, Arte y Humanidades de la Universitat Oberta de Catalunya. Hizo su estancia de doctorado en el Centre de Recherche en Esthétique du Cinéma et des Images (Université Sorbonne-Nouvelle – París 3) y actualmente es Investigador Postdoctoral en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. Ha publicado numerosos artículos académicos sobre cine, figuración y fenomenología de las imágenes, y sobre la historia y la estética del cine francés después de la modernidad. La caricia del cine es su primer ensayo y actualmente escribe un segundo volumen en el que revisa las tesis sobre la imagen de Gilles Deleuze a partir de la obra de Emmanuel Lévinas. Es coeditor de la publicación académica La región central. Revista de estudios de cine, fundada en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM y, desde 2009, se dedica a la crítica de cine en Lumière, revista de la que forma parte del consejo de redacción. Combina la investigación, la docencia y la crítica con el comisariado de programaciones cinematográficas; recientemente ha trabajado como script y soporte a la dirección del film Verano 1993 (Estiu 1993, Carla Simón, 2017).
Autor; Arnau Vilaró Moncasí, Editorial: Shangrila Ediciones, Páginas; 328
Los tesoros de la cripta
«En la catedral de la cinefilia –escribe Juan Manuel de Prada– había también una cripta a la que casi todos los devotos olvidaban asomarse, una cripta lóbrega y rumorosa de ecos que parecían suspiros de las ánimas del purgatorio. 
Y en aquella cripta, en la que hasta los sacristanes del culto cinéfilo habían olvidado prender una vela, se guardaban las reliquias más valiosas, o siquiera las más desconcertantes, inesperadas o sublimes. Como mi cinefilia no se arredraba ante nada, yo bajaba desde niño a esta cripta, para venerar aquellas reliquias olvidadas…». Los tesoros de la cripta es la crónica de esa aventura clandestina. Juan Manuel de Prada, cinéfilo voraz (y omnívoro) desde la infancia, nos brinda en este libro único una historia alternativa del séptimo arte a través de su predilección por los cineastas malditos, por los géneros cinematográficos menos prestigiosos, por los títulos más anatemizados, por las extravagancias formales, por las películas «raras y escurridizas como un armiño» que el autor ha perseguido afanosamente durante décadas, como si de un nuevo Grial se tratasen. Una obra personalísima, llena de fervor y entusiasmo, también de erudiciones chocantes y acaso apócrifas, en la que Juan Manuel de Prada, a la vez que rescata las perlas más inaccesibles de la historia del cine, nos brinda una apasionante radiografía de sus preferencias estéticas, siempre caracterizadas por «una querencia indisimulada hacia los raros y los proscritos, los excéntricos, los derrotados y los réprobos».
El autor.
Juan Manuel de Prada nació en Baracaldo en 1970, aunque pasó su infancia y adolescencia en Zamora. Con su primer libro, Coños (1995), y los relatos de El silencio del patinador (1995, ampliado en 2010) sorprendió a la crítica por su poderosa imaginación y su audaz uso del lenguaje. En 1996 debutó en la novela con Las máscaras del héroe, que obtuvo el Premio Ojo Crítico de Narrativa de RNE y acaba de reeditarse con motivo de su vigésimo cumpleaños. En 1997 recibió el Premio Planeta por La tempestad, que fue traducida a una veintena de idiomas y significó su consagración internacional. Su novela Las esquinas del aire (2000) y la colección de semblanzas Desgarrados y excéntricos (2001) completan, con la citada Las máscaras del héroe, su «trilogía del fracaso». La vida invisible (2003) recibió el Premio Primavera y el Premio Nacional de Narrativa, y El séptimo velo (2007) se alzó con el Premio Biblioteca Breve. En 2012, tras un largo silencio narrativo, publicó Me hallará la muerte, y en 2014 la monumental Morir bajo tu cielo. Posteriormente, aparecerían El castillo de diamante (2015), galardonada con el Premio de la Crítica de Castilla y León, y Mirlo blanco, cisne negro (2016), tal vez su novela más personal y sincera. Ha obtenido los más prestigiosos reconocimientos del periodismo literario; entre otros, los premios Mariano de Cavia y Julio Camba.
Autor; Juan Manuel de Prada, Editorial: Renacimiento, Páginas; 346
Eroguro. Horror y erotismo en la cultura popular japonesa
Pulpos violadores, lamidas de córneas, genitales pixelados, cuerpos amputados, torturas imposibles… son algunos de los ingredientes más insólitos del eroguro, ese género de géneros netamente japonés que nace de la combinación desenfrenada de tres elementos fundamentales: el erotismo, lo grotesco y lo absurdo.
Jesús Palacios ejerce de maestro de ceremonias y nos conduce por los rincones más retorcidos y oscuros del planeta eroguro, un mundo de erotismo extremo, corrupción física y moral, decadencia, deformidad y crueldad, que en su esencia última manifiesta un trasfondo absurdo y nihilista de la existencia.
Cultivadas en los fértiles campos de la literatura, el cine, el manga y el anime, las perversas semillas del eroguro han dado frutos excepcionales gracias a escritores como Junichiro Tanizaki, Edogawa Rampo y Unno Juzo; realizadores de culto como Takashi Miike o Sion Sono; o mangakas como Junji Ito, Hideshi Hino, Suehiro Maruo y Shintaro Kago. Frutos prohibidos que ahora os invitamos a degustar. Sed todos bienvenidos al gran circo del ero-guro-nonsensu.
Descubre los rincones más retorcidos y oscuros del planeta eroguro, un colorido mundo de erotismo extremo, reino de lo absurdo y lo grotesco, donde se confunden la risa y el horror, el placer y el dolor, lo monstruoso y lo sublime.
Edición ilustrada en color.
Inluye ilustraciones originales de Miguel Ángel Martín, Sandra Uve, Félix Ruiz, Albert McTorre, Suki, Pablo Morales de los Ríos y Lolita Aldea.
Y con relatos inéditos de: Junichiro Tanizaki, Edogawa Rampo, Unno Juzo.
Obra colectiva de los escritores: Jesús Palacios, Daniel Aguilar, Rubén Lardín, Iria Barro Vale, Germán Menéndez Flórez.
Indice:
Introducción: Eroguro. El lado oscuro de Japón, por Jesús Palacios
Agradecimientos
La era del Ero (articulo), por Jesús Palacios
Las tres caras del Ero-go (articulo), por Daniel Aguilar
El caso del criminal de los baños Yanagi (relato), por Junichiro Tanizaki
Un sueño a pleno sol (relato), por Edogawa Rampo
El intestino viviente (relato), por Unno Juzo
Las cenizas del Ero-gero crean monstruos, por Daniel Aguilar
Imágenes de lo grotesco y lo arabesco: Eroguro cinema (articulo), por Rubén Lardín
Eroguro mon amour (articulo), por Iria Barro Vale
Más oscuro que el rosa (articulo), por Germán Menéndez Flórez
Apendices:
Hentai: sexo, anime y fantasía, por Jesús Palacios
Extremos orientales. Tradición e hipermodernidad en el teatro de la crueldad de Takashi Miike, por Jesús Palacios
Sobre los autores
Sobre los ilustradores
Jesús Palacios (ed.)
Jesús Palacios (Madrid, 1964), escritor y crítico cinematográfico, especializado en lo que gusta llamar el Lado Oscuro, comenzó su andadura en los años 80 con los fanzines “Excalibur” y “El Grito”, en colaboración con su padre, Joaquín Palacios, y en la mítica revista “La Luna de Madrid”. Habitual de publicaciones como “Fotogramas”, “Cine 2000”, “El Cultural”, “2000 maníacos” o “Dirigido por”, es autor de más de veinte libros sobre cine, literatura, esoterismo, crimen real y cultura popular, que le han convertido en referente del género fantástico y de terror. Es colaborador asiduo de festivales cinematográficos, asesor de la editorial Valdemar y conferenciante en universidades y centros culturales, participando también en programas de radio y televisión. Sus libros más recientes son “Hollywood maldito” (Valdemar) y “Sigue grabando. Falso documental, metraje encontrado y telerrealidad en el nuevo cine de horror”, (Festival de Cine de Gijón). Para Satori, aparte de “Eroguro”, preparó la edición de “47 ronin. La historia de los leales samuráis de Ako” de Tamenaga Shunsui, colaborando también con diversos textos en varios títulos de la colección Ficción.
Autor; Varios, Editorial: Satori, Páginas; 424
América profunda. Cine norteamericano de Terror rural
