Categoría: Libros
Salir del cine. Historia Virtual De Las relaciones entre El Arte y El Cine
El cine, como el tiempo, se ha salido de sus goznes. Se desplaza y se despliega más allá del dispositivo clásico de proyección: es un flujo en la red; es cine de exposición; es cine expandido. El cine, tal como lo conocimos, ha salido del cine. De la mano de Érik Bullot, la lectura lineal de su historia se fractura y se astilla; con el polvo de plata resultante, se dibuja, a contracorriente, un jardín de senderos que se bifurcan, se entrelazan y alumbran chispas imprevistas. Para Érik Bullot, el cine es aún una promesa: la promesa de devenir arte.
Bullot abandona la teleología y ausculta ese devenir artístico en sus utopías y presagios, sus amnesias y sus síntomas, sus curvas y sus retrocesos. En estas páginas, se sigue el rastro y el fulgor de un filme perdido de Georges Méliès y Hans Richter; Jean Epstein lee a Maya Deren; la vanguardia se gesta, se clausura y retorna a ambos lados del Atlántico; el cine de autor es un proyecto inconcluso y se prolonga en el arte contemporáneo, mientras Godard incendia una fila de vehículos en una película-clivaje (Week-end); Joseph Cornell hace cine en cajas, porque qué otra cosa es el cine sino una caja (de ruinas en miniaturas y melancólicos desechos); el cine prefigura la vanguardia y la vanguardia ya está allí, en el cine (el slapstick de Laurel & Hardy en la experiencia de Fluxus, como un ritornello); el cine de autor deviene instalación (y es Jackie Raynal o Jean Eustache pisando, con entusiasmo o desesperación, un límite); y el cine de exposición comienza a marcar el paso, en los “filmes de artista”, las pantallas múltiples y las instalaciones en las que se disocian los parámetros elementales del cine.
El cine no se acaba. Migra y muta. Y Érik Bullot, teórico y cineasta, hace de este libro una llave, que abre la puerta a la aventura de esa transformación.
El autor.
ÉRIK BULLOT, (Soissons, 1963). Cineasta, docente y teórico del arte, estudió en la Escuela Nacional de Fotografía de Arles y en el IDHEC de París. Sus películas han sido proyectadas en numerosos festivales y museos, tales como el Jeu de Paume (París), el Centre Pompidou (París), la Biennale de l’image en mouvement (Ginebra), el CCCB (Barcelona), el Museo de arte moderno (Buenos Aires), la Cineteca nacional (Santiago, Chile ) y el New Museum (Nueva York), entre otros. Ha publicado varios libros sobre cine. En 2003 se editó un DVD sobre su obra fílmica, presentada por Jacques Aumont (París: Ediciones Léo Scheer). Fue profesor invitado en la Universidad de Nueva York en Buffalo (2009-2011), en el CIA (Centro de Investigaciones Artísticas) en Buenos Aires (2013) y en la Facultad de los medios y de la comunicación en Belgrado (Serbia, 2018). Dicta clases de cine en la École nationale supérieure d’art de Bourges (Francia). Con Salir del cine, Shangrila continúa su proyecto de publicación en español de obras de Érik Bullot, iniciada con El cine es una invención post-mortem (2015).
Autor; Érik Bullot, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 272
Video Nasties: Memorias de un cine prohibido
En un intento de coaccionar la libre distribución de películas de toda vertiente dentro de la entonces imperante industria videográfica, las autoridades censoras del Reino Unido establecieron una lista que popularmente se conoció como “Video Nasties”. El objetivo, llevar al ostracismo y olvido una serie de películas que pudieran atentar contra la moralidad del público británico, reduciendo considerablemente su metraje o directamente llevándolas a la prohibición. Como fenómeno contracultural, se produjo un creciente interés por los amantes del cine más subversivo hacia este conjunto de “películas prohibidas”, llevándolas al Olimpo del culto. Cintas como el “Holocausto caníbal” de Ruggero Deodato, “Bahía de sangre” de Mario Bava o “El asesino del taladro” de Abel Ferrera son algunos de los ejemplos de esas obras que el Gobierno británico boicoteó para evitar su distribución, pero que ahora son incuestionables clásicos del cine más underground.
El libro “Video Nasties: Memorias de un cine prohibido”, de Daniel Rodríguez Sánchez (conocido también en Internet como Reverendo Wilson), analiza este fenómeno y reseña una a una todas las películas que entraron en esa fatídica lista de películas que el poder no quería que viera el pueblo. Dividido en dos volúmenes, el ensayo repasa todas las cintas de manera cronológica según su año de producción, de tal modo que esta primera entrega aglutina los títulos producidos entre 1963 y 1979, desde el “Blood Feast” de Herschell Gordon Lewis hasta “No vayas cerca del parque”, de Lawrence D. Foldes.
Autor; Daniel Rodríguez Sánchez, Editorial: Applehead Team Creaciones, Páginas: 274
Educar de cine. Profesores en las películas de ficción desde el cine mudo hasta hoy.
Educar de cine habla sobre aquellos profesionales de la docencia que las películas de ficción han retratado durante décadas. En general, el cine de todas las épocas y nacionalidades ha lanzado una mirada benévola hacia ellos, pero también ha sabido retratar a mediocres, vagos, malvados o psicópatas. Una de las grandes ventajas de la docencia en el cine es que sus protagonistas se adaptan a cualquier género. Hablar de ellos significa hablar de estudiantes aplicados, despistados, indiferentes, acosados, violentos o enamorados; de padres preocupados, despreocupados, sensatos o alcoholizados; y de sociedades que aportaron mucho, poco o casi nada a la enseñanza. El cine es, también en este caso, reflejo de la vida. El libro analiza más de mil películas, de todas las épocas y nacionalidades, en las que los docentes (maestros de escuela, profesores de instituto, de colegio, universidad…) tienen relevancia. Educadores imprescindibles, mediocres, aventureros o ejemplares; acosados por alumnos y alumnas o viceversa; en el terror, en el drama, en la ciencia ficción o en la comedia…
Autor; Javier Lafuente Gonzalez, Editorial: Doce Robles, Páginas: 476
Raoul Walsh
«Murieron con las botas puestas» y «El último refugio«, «Al rojo vivo» y «El mundo en sus manos«, son algunas de las películas más populares de Raoul Walsh (1887-1980), uno de los cineastas esenciales del cine clásico americano. Sin embargo, Walsh también fue el director de «Mi chica y yo» y «Amores en Hollywood«, «The Man I Love» y «The Revolt of Mamie Stover«, «Pursued» y «Los implacables«, quizá no tan apreciadas ni conocidas, pero igualmente imprescindibles no solo para entender su obra como conviene, sino también para comprender el cine de su tiempo, que abarca desde el amanecer del cine mudo hasta los primeros balbuceos de la modernidad. Por eso en este libro pueden hallarse análisis de todas ellas y de muchas más, en lo que constituye un recorrido vertiginoso y zigzagueante por la carrera de un artista cuyo tema preferido fue el del propio cine: los movimientos y las pasiones del cuerpo, y del espíritu, así como el modo en que las imágenes son capaces de reflejarlos.
Autor; Carlos Losilla, Editorial: Ediciones Cátedra Colección: Signo e imagen>Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 408
El nuevo cine checo. Revolución cinematográfica en los ’60
Este libro ofrece por primera vez en nuestro país una mirada profunda a un fenómeno cinematográfico tan interesante como desconocido: la llamada Nová Vlna o Nuevo Cine checo, un movimiento que comenzó a deslumbrar a principios de los sesenta y murió aplastado por los tanques rusos en la invasión de agosto de 1968. Lo forman un grupo de artistas rebeldes con enorme talento como son Miloš Forman, Vera Chytilová, Ivan Passer y Jan Němec entre otros. Fueron ellos quienes lograron renovar y modernizar la forma de hacer cine en Checoslovaquia con singular magia y belleza.
Para comprender la ebullición artística que aconteció durante el Nuevo Cine checo esta obra analiza la tradición fílmica checa y las condiciones socio-políticas tras la II Guerra Mundial. A pesar de las genialidades que realizaron estos artistas para superar una férrea censura, sería un error utilizar la etiqueta de cine contestatario ya que su calidad artística fue mucho más lejos y lo posicionó a la vanguardia mundial del séptimo arte. Dicho éxito, avalado por numerosos premios en festivales internacionales, contrasta con el escaso impacto y conocimiento que existe en nuestro país sobre el trabajo de estos artistas.
Los rasgos que conforman las señas identificativas del movimiento checo lo estudiamos a través de títulos como ¡Al fuego bomberos!, Las margaritas, Iluminación íntima o La tienda en la calle Mayor. Con el análisis exhaustivo de éstas y otras películas se muestra la gran riqueza y complejidad del trabajo que realizaron sus directores cuyas personalidades tan distintas quedaron reflejadas en una variedad de estilos y temáticas.
En definitiva, este libro explica cuál fue el fenómeno del Nuevo Cine checo enmarcado en su contexto histórico y cultural. Es un análisis exhaustivo de naturaleza artística que indaga en los aspectos sociales y evidencia por qué motivos su existencia no debe caer en el olvido en la historia del cine contemporáneo.
El autor
Cristina Gómez Lucas. Madrid en 1984. Es doctora en Ciencias de la Información por la Universidad Complutense de Madrid. Se licenció en Comunicación Audiovisual y realizó un máster en arte donde recibió la mención de excelencia. Trabajó después como periodista en el ámbito de la cultura. En 2008, movida por una vocación humanitaria, viajó a Nueva York con una beca Fulbright para realizar un máster en Internacional Affairs en la New School University. Allí se graduó con honores en la especialidad de conflicto y refugiados. Trabajó durante algunos años en organizaciones no gubernamentales (Naciones Unidas) y guarda con especial cariño el trabajo que realizó en el Observatorio Latinoamericano ayudando en la gestión de proyectos. Este es su primer libro publicado y es fruto de la pasión que siente hacia las películas de la Nueva Ola de cine checoslovaco, una cinematografía de tremenda belleza injustamente desconocida en España sobre la que ha investigado en profundidad durante sus años de doctorado.
Autor; Cristina Gómez Lucas, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 202
La madre terrible en el cine de terror
Ya sea como engendradora de monstruos o asociada a la brujería, la idea de la madre terrible se remonta a tiempos lejanos en los que la mitología servía para explicar el mundo y sus horrores a través de relatos y cuentos que han perdurado hasta nosotros.
‘La madre terrible en el cine de terror‘ analiza como el cine se ha aproximado a esta tradición —de culturas europeas, asiáticas y mesoamericanas—, así como al mito clásico de la madre terrible, que adopta tres formas principales: el Tifón, la Lamia y la Esfinge. Este libro, que se inspira en las teorías de Carl Gustav Jung, propone un recorrido por la figura de la madre destructora a través de diferentes películas como ‘Psicosis‘, ‘El caso de Lucy Harby‘, ‘Carrie‘, ‘Babadook‘, ‘Hereditary‘ o ‘La llorona‘. El mejor amigo de un chico es su madre. Norman Bates, Psicosis, 1960.
Autor; Javier Parra, Ilustraciones Miki Edge: Editorial: Editorial Hermenaute, Colección Mikró, Páginas: 154
El gabinete del doctor Caligari. El libro del centenario
Considerada, con razón, como una de las películas más influyentes de la Historia del Cine, esta obra maestra, cuna del expresionismo alemán, ha despertado y despierta la admiración unánime de todo cinéfilo que se precie. Absolutamente innovadora, impuso un nuevo orden visual del que han bebido, y siguen bebiendo, infinidad de artistas de toda índole. El gabinete del Dr. Caligari sigue manteniendo intacto su enorme poder de fascinación.
Este libro celebra el centenario de esta obra maestra a través de la mirada de cuatro autores de prestigio que la analizan desde múltiples perspectivas. El lenguaje, su concepción, los decorados, los simbolismos, sus creadores, su gran herencia…
Autores:
Quim Casas, Crítico de El Periódico de Catalunya y miembro del consejo de redacción de Dirigido por. Es miembro del comité de selección del Festival de Cine de San Sebastián. Profesor en la Universidad Pompeu Fabra y ESCAC. Autor o coordinador de libros dedicados a John Ford, Fritz Lang, David Lynch, Clint Eastwood, John Carpenter, David Cronenberg, Jim Jarmusch, Abel Ferrara. Marco Da Costa, es profesor de lengua española en la Universidad de Izmir (Turquía). Licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de Barcelona. Ha sido también profesor de Historia del cine y de Interpretación. Autor de los volúmenes El cine japonés bajo el peso de la tradición: de Rashomon a The ring (2010) e Ideología y propaganda en el cine del Tercer Reich (2014). Jesús Palacios, Nació en Madrid en 1964.Comenzó su andadura de la mano de su padre, Joaquín Palacios, y con el paso del tiempo fue especializándose en cine fantástico. Autor y colaborador de diversos fanzines, tiene editados numerosos libros. Adrián Sánchez, Autor de La historia del cine australiano y Al oeste del mito. 50 wéstern básicos, y participado en diversos libros colectivos como El universo de los hermanos Marx, El universo de Orson Welles, Fritz Lang Universum, Terminator. El imperio de Skynet, La fábulas mecánicas de Guillermo del Toro, Richard Matheson: maestro de la paranoia, Bolsilibro & Cinema Bis o.
Autor; Quim Casas, Marco Da Costa, Jesús Palacios, Adrián Sánchez, Editorial: NOTORIOUS, COLECCION ANIVERSARIOS, Páginas: 208
Amores de cine. Pasiones más allá del celuloide
El cine viene marcando el destino sentimental de la humanidad desde aquel 28 de diciembre de 1895, en París, cuando los hermanos Lumière proyectaron tres películas en el Salon indien du Grand Café, en el número 14 del Boulevard des Capucines: «Salida de la fábrica Lumière», «Llegada de un tren a la estación de la Ciotat» y «El regador regado». A partir de entonces, la sala oscura ha venido ofreciendo un mar de emociones y una puerta a la fantasía, abierta de par en par a mundos ajenos, en mitad de la cotidianidad.
A través de la gran pantalla muchos de nosotros, como los cincuenta y dos autores que David Felipe Arranz ha congregado en este volumen, hemos vivido relaciones tormentosas, devociones imposibles y amores eternos. A todos ellos les dedicamos, nosotros sus devotos, estos Amores de cine, noveno anuario del amor de Sial Pigmalión.
Autores: Carlos Aganzo, Jesús Alcoba, Ignacio Amestoy, Jon Andión, Vicente Araguas, Miguel Ángel del Arco, David Felipe Arranz, Guillermo Balmori, Guillermo Busutil, Lucía M. Cabanelas, Fernando Castro Flórez, Jaime Chávarri, Alberto Chessa, Juan Manuel Corral, j. Ignacio díez, Diego Doncel, Sergi Doria, Juana Escabias, Luis Freijo, Marisol Galdón, Esperanza García Claver, Roberto Gil de Mares, Rafael Gordon, Cristina Higueras, Gérard Imbert, Ramón Jiménez Pérez, Raquel Lanseros, Juan Carlos Laviana, Alberto Lena, Miguel Losada, Manuel Martín Cuenca, Cristina Martín Jiménez, Víctor Matellano, César Antonio Molina, Miquel Molina, Vicente Molina Foix, Alicia Montesquiu, Manuel Neila, Javier Ors, Antonio Peláez, Amelia Pérez de Villar, Ernesto Pérez Zúñiga, Moisés Rodríguez, Basilio Rodríguez Cañada, Juan Carlos Rubio, Nery Santos Gómez, Pilar Tena, Ignacio del Valle, Bella Clara Ventura, Jaime Vicente Echagüe, Luis Antonio de Villena, Pedro Víllora.
Autor; Varios, Editorial: Sial Pigmalión, Páginas: 420
Víctor Erice y la música. La búsqueda de la revelación
La obra de Víctor Erice, aclamada y mitificada por la crítica cinematográfica mundial, no parece, a primera vista, especialmente musical. Calificada como silenciosa, contemplativa, pictórica… los análisis, e incluso el recuerdo del público en general, no hablan de música. Sin embargo, cuando se señalan, en concreto, los momentos más emblemáticos de sus películas, paradójicamente emergen, enseguida, un pasodoble bailado por un padre y una hija en una fiesta de primera comunión (El sur), una copla entonada una y otra vez hasta satisfacer a dos amigos pintores que disfrutan del paso de la vida junto a un membrillero (El sol del membrillo), los enormes ojos de una niña obnubilada ante la proyección –y la música…– de una película de terror en un pequeño pueblo castellano de las España de posguerra (El espíritu de la colmena), una canción de cuna que emerge de la nada en el filo de vida y la muerte de un recién nacido (Alumbramiento), un pianista que atormenta las noches de insomnio de un niño aterrorizado por la experiencia de asomarse a la primera película de su vida (La Morte Rouge), una niña que improvisa una canción invocando el final de la lluvia que arruina el dibujo de un árbol como el que pintó su abuelo veinte años atrás (Correspondencias Erice-Kiarostami), o un acordeonista que interpreta un himno obrero ante la foto en la pared de unos compañeros que ya no están (Cristales rotos)…
La música no sólo es un elemento clave para entender la propuesta expresiva en todas y cada una de las películas de Víctor Erice, sino que, como se desgrana en este libro, es el hilo conductor de su carrera profesional y de su inagotable búsqueda a través de seis décadas por realizar un destino vital a través del cine. Una búsqueda por salir al encuentro de la verdad –más allá de la realidad material del mundo–, que se configura en el pensamiento y la metodología de trabajo del cineasta a través de un diálogo entre la propia biografía del director, la historia universal del cine, y el contexto social, político y cultural en el que se van forjando todas esas películas. En este diálogo multidireccional, recorrido por múltiples experimentos y caminos de ida y vuelta, la música se revela como la llave que abre todas las puertas hacia el otro lado con el que sueña Víctor Erice desde que una tarde de invierno de 1945 su hermana le llevó a ver la primera película de su vida.
El autor
José Ángel Lázaro López (Madrid, 1974). Master en Estudios sobre Cine Español y Doctor en Comunicación Audiovisual, es profesor del departamento de Comunicación de la Universidad Carlos III de Madrid, e impulsor de la Cátedra de Cine de la Universidad de Oviedo y del grupo de estudios e investigación CinE·MOT, Materiales, Oficios y Teorías en el Cine Español.
Programador del Festival de Cine de Avilés y autor de numerosas publicaciones en medios internacionales, compagina su carrera como investigador y académico con su faceta como guionista, director, montador y productor cinematográfico, así como con una amplia y multiforme carrera musical como compositor, guitarrista, cantante y trompetista.
Especialista en la figura y obra de Víctor Erice, actualmente trabaja sobre la teorización y las aplicaciones pedagógicas de los procesos de creación cinematográficos, así como sobre nuevas posibilidades formales en las relaciones entre música y cine.
Autor; José Ángel Lázaro López, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 350
Kubrick en casa
Una llamada de Carlos Saura puso en contacto con Stanley Kubrick a Vicente Molina Foix, quien, a lo largo de veinte años de una relación que solo acabó con la muerte del director, tradujo al español los diálogos de cinco de sus películas.
Este libro es una crónica de esa labor y del trato esporádico pero a menudo jugoso con el propio cineasta –del que es testimonio una atípica entrevista que Molina Foix le hizo en su casa en los años 80, y que se incluye como apéndice– y sobre todo un retrato de este como creador infinitamente curioso, maniático en la exigencia de calidad, que llegó a ser la figura más célebre y poderosa del cine americano sin dejar de ser un artista minucioso y artesanal.
Un testimonio de primera mano de la ética de trabajo de Stanley Kubrick a cargo del traductor al castellano de cinco de sus películas.
El autor
Vicente Molina Foix nació en Elche y estudió Filosofía en Madrid, donde reside. Vivió ocho años en Inglaterra, donde se graduó en Historia del Arte por la Universidad de Londres y fue tres años profesor de Literatura Española en Oxford. Autor dramático, crítico y director de cine (ha dirigido dos películas, Sagitario (2002) y El dios de madera (2012)), su labor literaria se ha desarrollado principalmente –desde su inclusión en la histórica antología de Castellet Nueve novísimos poetas españoles– en el campo de la novela. Sus principales publicaciones son: Museo provincial de los horrores, Busto (Premio Barral 1973), La comunión de los atletas, Los padres viudos (Premio Azorín 1983), La Quincena Soviética(Premio Herralde 1988), La misa de Baroja, La mujer sin cabeza,El vampiro de la calle Méjico(Premio Alfonso García Ramos 2002), El abrecartas (Premio Salambó y Premio Nacional de Literatura 2007), El invitado amargo(coescrito con Luis Cremades), las colecciones de relatos Con tal de no morir y El hombre que vendió su propia cama y el volumen La musa furtiva. Poesía 1967-2012, que reúne su producción lírica completa. Cabe también destacar muy especialmente sus espléndidas versiones de las piezas de Shakespeare Hamlet, El rey Lear y El mercader de Venecia, así como sus reseñas de películas reunidas en El cine estilográfico.
Autor; Vicente Molina Foix, Editorial: ANAGRAMA, Páginas: 136
El universo de Federico Fellini
Es sin lugar a dudas uno de los grandes cineastas de la Historia y fue capaz de crear un universo propio y original a través de sus películas. Una veintena de autores de reconocido prestigio analizan en El universo de Federico Fellini todos sus films como director, y guionista, sus colaboradores, sus actores, sus obsesiones, sus filias, sus fobias…El libro definitivo sobre uno de los grandes directores de la Historia. Una enciclopedia sobre su vida y obra, con un impresionante despliegue fotográfico.
Autores: Ramón Alfonso, David Felipe Arranz, Juan Manuel Corral, Luis Freijo, Jaime Iglesias, Juan Laborda Barceló, Alejandro Melero Salvador, Diego Moldes, Israel Paredes, Enric Ros, Adrián Sánchez, Gerardo Sánchez, José Luis Sánchez Noriega, LucÍa Tello Díaz y Joaquín Vallet.
Autor; Varios, Editorial: Notorious Ediciones, Páginas: 280
El cine sobre arte. De la dramatización de la pintura al cine-ensayo
La historia del cine sobre arte es la de una mirada especular, la de un dispositivo de representación frente a otro: un cineasta tras la cámara de cine o vídeo piensa cómo la imagen en movimiento puede traducir y transformar una pintura, escultura o arquitectura estáticas en una experiencia cinematográfica. También es la historia de la búsqueda de metáforas para el proceso de creación, la de la puesta en ficción de obras y artistas, y en ocasiones la del autorretrato del cineasta como interrogador de imágenes. Ante todo, en cualquier caso, la historia de este género es la de una exploración inagotable de la propia especificidad del medio cinematográfico como medio creativo.
Resultado de una década de investigaciones en archivos nacionales e internacionales, este libro traza las diferentes líneas creativas del cine sobre arte con especial atención al fértil campo de la no ficción, del que faltaban estudios específicos en nuestra lengua. Organizado en siete tendencias, llegando hasta las experiencias museísticas de algunos cineastas, en él se investigan las ideas decisivas de traducción de las artes visuales a cine durante un siglo, identificando experimentos pioneros en lo poético, lo divulgativo o lo ensayístico, y proponiendo a continuación desarrollos y metamorfosis posteriores de aquellas ideas iniciales. Este recorrido culmina en una propuesta no identificada hasta ahora en los estudios de cine sobre arte: una última tendencia dedicada al cine-ensayo sobre arte, que reuniría y llevaría las anteriores a lugares insólitos, logrando algunas de las películas más creativas del género, hasta ahora entendidas como únicas e inclasificables.
Al hilo de los ejemplos analizados de cineastas como Henri Storck, Paul Haesaerts, Carlo Ragghianti, Alain Jaubert, Agnès Varda o Peter Greenaway, se plantea por último la posibilidad de una Historia audiovisual del Arte, que emplee para la investigación universitaria o museológica las herramientas expandidas del audiovisual hasta sus últimas consecuencias. Quizá, partiendo de trabajos como el que presentamos, en un futuro próximo las universidades decidan aprovechar este potencial incluyendo asignaturas de análisis audiovisual del arte en sus carreras de Historia del Arte.
El autor
Guillermo G. Peydró (Madrid, 1981) es cineasta y doctor en Historia del Arte. Sus películas, principalmente ensayos sobre arte, han sido proyectadas en museos como el Louvre o el Reina Sofía, en universidades y centros de investigación como la New York University, el Bard College o el CSIC, y en galerías, centros culturales y festivales de todo el mundo. Ha sido asesor externo del Museo de Arte Moderno de México, y ha impartido cursos de cine en España, México, Cuba y Ecuador, publicando desde hace una década artículos científicos y contribuciones en libros nacionales e internacionales. Ha trabajado además como programador de los festivales Punto de Vista y Documenta Madrid, y desde 2016 realiza proyectos expositivos de cine expandido, cruzando escultura e imagen en movimiento, junto con la artista francesa Jeanne de Petriconi.
Autor; Guillermo G. Peydró, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 392
El universo de Gary Cooper
Es sin duda una de las mayores estrellas de Hollywood y uno de los héroes cinematográficos más queridos por el público. Dotado de un indiscutible carisma y un impresionante atractivo físico, Gary Cooper representó como pocos al americano ideal, al hombre de bien, que también fue en su vida privada. Dotado para la comedia, el western y el drama, Cooper es probablemente la estrella de Hollywood que mayor número de grandes películas atesora en su apabullante filmografía. Más de una treintena de autores analizan en El universo de Gary Cooper todos sus films, los directores, actores…. Todas las constantes de su vida y obra. El libro está apadrinado y prologado por la hija del actor, Maria Cooper Janis.
Por: Adrián Sánchez, Alejandro Melero Salvador, David Felipe Arranz, Diego Moldes, Enric Ros, Fernando Martínez, Espido Freire, Gerardo Sánchez, Guillermo Balmori, Israel Paredes, Joaquín Vallet, José Ignacio Wert Moreno, José Luis Sánchez Noriega, Juan Carlos Vizcaíno, Juan Laborda Barceló, Juan Luis Álvarez, Juan Manuel Corral, Kepa Sojo, LucÍa Tello Díaz, Luis Freijo, Miguel A. Fidalgo, Moisés Rodríguez, Noemi Guillermo, Quim Casas, Teresa Llácer, Albert Galera, Belén Ester, Borja Negrete, Ignacio García Garzón, Juanma Lamet, Lucía M. Cabanelas, Marco Da Costa.
Autor; Varios, Editorial: NOTORIOUS EDICIONES, Páginas; 448
La paranoia contemporánea. El cine en la sociedad del control
En nuestra contemporaneidad el sentimiento de paranoia se ha visto exacerbado por diversas circunstancias. La extensión de los sistemas de vigilancia, unas medidas de seguridad progresivamente invasivas, pero también una construcción social cimentada en las tensiones entre el deseo de observarlo todo y la resignación, o más habitualmente el anhelo insaciable, de ser observado continuamente. Circunstancias todas cuyo denominador común es la progresivamente problemática gestión entre lo visible y lo invisible, lo que está en campo y lo que está en fuera de campo; es decir, aquello que está en el corazón de la expresión cinematográfica. Este volumen colectivo será analiza cómo ha reflejado el cine todos estos acontecimientos que de forma tan trascendental han contribuido a conformar nuestro presente. Es más: cómo da forma el cine, en primera instancia arte de lo visible y lo invisible, a una época caracterizada por la visibilidad aparentemente absoluta pero por una invisibilidad no menos intensa de sus estructuras y engranajes; qué rasgos ha asumido un cine —arte de la mirada y la representación— realizado en un mundo determinado por estas miradas omnipresentes, en el que todos somos conscientes de que somos observados de una forma u otra, en todo lugar y en todo tiempo, como si se hubieran hecho realidad los terrores del paranoico, conminados, por tanto, a un simulacro casi constante y que, como consecuencia, transforma a este mundo en una escenificación sin fin y a todos nosotros en sus personajes.
José Francisco Montero es licenciado en Psicología y doctor en Filosofía. Colaborador en numerosos libros colectivos y revistas especializadas, ha impartido diversas conferencias y cursos sobre temas cinematográficos y es autor de Paul Thomas Anderson (2011), Imágenes de la Revolución (con I. Paredes; 2011) y Jean-Pierre Melville. Crónicas de un samurái (2014). Ha coordinado los libros A tumba abierta. El cine kamikaze (2014), El universo de 2001: una odisea en el espacio (con J. A. Planes; 2014), PORNO: Ven y mira (con A. Rodríguez; 2017), Cine entre rejas (con J. A. Planes; 2017) y John Cassavetes. Interior noche (2018).
Autor; José Francisco Montero (Coordinador), Editorial: TREA EDICIONES SL, Colección: Trea Artes, Páginas: 324
La puesta en imágenes. Conceptos de dirección cinematográfica
Se ha hablado mucho del cine como encrucijada de distintos medios artísticos, pero se ha profundizado muy poco en esta confluencia a la hora de estudiar la dramaturgia cinematográfica, lo que podríamos denominar la puesta en imágenes. A medio camino entre el manual y el ensayo, este libro se propone sentar las bases de una aproximación al cine que aúne los campos, a veces considerados antitéticos, de la teoría y la práctica. Para ello, se propone la incorporación del fenómeno cinematográfico a las corrientes expresivas de la literatura, el teatro, la pintura y la música, así como un acercamiento esencial a la fenomenología de la imagen, una operación está que no siempre ha sido contemplada teniendo en cuenta su esencial complejidad.
Desde la primera edición de este escrito, el cine ha experimentado transformaciones muy significativas que lo han llevado a sumergirse en lo que se denomina el audiovisual, donde su esencia se expande a través de todo tipo de nuevas experiencias, muchas de ellas propiciadas por la digitalización. Pero se mantiene la vigencia de las operaciones fílmicas fundamentales, si se quiere comprender el alcance de la contemporánea expresión audiovisual. El cine sigue siendo la base de todas las transformaciones audiovisuales posibles, el camino para poder pensarlas adecuadamente.
Este libro se dirige por igual a los que buscan la reflexión y a quienes les seduce la praxis. Los caminos de ambas actividades se cruzan en sus páginas a través del entramado compuesto por una operatividad que requiere ser pensada y un pensamiento que culmina necesariamente en la práctica del rodaje. Se trata de aprender a pensar la labor fílmica, poniéndola en contacto con otros medios, con el fin de alimentar esa imaginación que tan necesaria es para hacer cine.
El autor
Josep M. Català Domènech. Catedrático emérito de Comunicación Audiovisual de la Universidad Autònoma de Barcelona. Doctor en Ciencias de la comunicación por la UAB. Licenciado en Historia Moderna y Contemporánea por la Universidad de Barcelona. Master of Arts in Film Theory por la San Francisco State University de California. Premio Fundesco de ensayo por La violación de la mirada (1993) y premio de ensayo del XXVII Certamen Literario de la ciudad de Irún por Elogio de la paranoia (1996). Premio de la Asociación Española de Historiadores de Cine (2001). Mención especial en el Premio “Escritos sobre Arte” de la Fundación Arte y Derecho por Pasión y conocimiento (primera versión, 2007). Ha sido coeditor del volumen Imagen, memoria y fascinación: notas sobre el documental en España (2001), y editor de Cine de pensamiento. Formas de la imagen tecno-estética (2014). Asimismo es autor, además de los libros premiados, de La puesta en imágenes (2001), La imagen compleja (2006), La forma de lo real (2008, traducido al portugués en Brasil, 2011), Pasión y conocimiento: el nuevo realismo melodramático (2009), La imagen interfaz. Representación audiovisual y conocimiento en la era de la complejidad (2010), El murmullo de las imágenes. Imaginación, documental y silencio (2012), Estética del ensayo. De Montaigne a Godard (2014), La gran espiral. Capitalismo y paranoia (2016), Viaje al centro de las imágenes. Introducción al pensamiento esférico (2017) y Visionarias (2019). Ha sido decano de la facultad de Ciencias de la comunicación de la UAB y director académico del Máster de Documental Creativo de esta misma universidad.
Autor; Josep M. Català Domènech, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 490
Políticas de la nueva carne «Perversiones filosóficas en David Cronenberg»
En Políticas de la Nueva Carne, el multi galardonado autor de Filosofía Zombi, Jorge Fernández Gonzalo, vuelve a adentrarse en el arte cinematográfico como medio para un ensayo lúcido y revelador. En esta ocasión, de la mano del conocido cineasta David Cronenberg, cuya carrera transitó desde las obras maestras del gore-underground hasta el cine de autor más incisivo e inteligente. El autor madrileño desbrozará la inquietante filmografía cronenbergiana a partir de sus dos ejes centrales (la «Etapa Perversa» y la «Etapa Teratológica»), para desplegar un arsenal propio de ideas en torno a las políticas de la ficción y las políticas del cuerpo. Sexopolítica y videopolítica, tecnoorganismos y monstruosidades, morbosas criaturas libidinales y cuerpos pre-genéricos, tecnosexualidad y parafilias se fusionan en Cronenberg y Gonzalo hibridándose con la teoría queer, la ciencia-ficción y el psicoanálisis lacaniano, en un retrato conciso y certero de las políticas de la carne que se ponen en juego en nuestro tiempo.
El cineasta David Cronenberg es el mejor exponente de una estética y una línea de pensamiento denominada la Nueva Carne. En su obra se descomponen los límites entre lo orgánico y lo inorgánico, la carne y lo maquínico, lo sexual y lo asexual, la mente y el cuerpo, lo masculino y lo femenino, en un catálogo de entrecruzamientos «perversos» que ponen al límite nuestra imaginación. Un ensayo lúcido y revelador que recorrela filmografía de Cronenberg y sus criaturas perturbadoras, desde los clásicos del gore fantástico Videodrome, Crash, eXistenZ… hasta la etapa final del director canadiense y Consumidos.
Autor; Jorge Fernández Gonzalo, Editorial: HOLOBIONTE, Páginas: 168
Formas en Transición. Algunos filmes españoles del periodo 1973-1986
La Transición política hacia la democracia es uno de los periodos más convulsos y fructíferos del cine español y también de los más variados en temas, géneros estilos y enfoques. Un cine coyuntural que documenta y retrata la España de esos años desde todos los frentes, desde todas las opciones políticas. En los catorce años que median entre 1973 y 1986 se producen del orden de 1300 largometrajes; un vasto corpus heterogéneo y complejo, tanto en lo que se refiere a las formas fílmicas desplegadas como a los discursos construidos por medio de aquellas. Porque, como es lógico, tanto los filmes más reaccionarios como aquellos otros capaces de transmitir al público los valores que vertebraban la transformación política, pasando por los más rupturistas que rechazaban el proceso político desde la izquierda, hubieron de poner en pie sus discursos ideológicos desplegando las herramientas propias del medio cinematográfico (el montaje/puesta en escena en sus sentido más amplio), especialmente proclive entonces a audacias y probaturas formales de todo tipo: investigaciones e innovaciones ora brillantes y fructíferas, ora apenas embrionarias, en exceso abruptas fallidas o inconclusas, pero siempre valiosas e históricamente significativas, y construidas muchas veces a partir de una reelaboración profunda de formas y estilizaciones vinculadas a las tradiciones culturales populares de las que el cine español se había nutrido desde el periodo mudo.
De hecho, y a partir del detenido análisis fílmico de ciertos títulos cinematográficos y televisivos muy significativos —de Queridísimos verdugos (Basilio Martín Patino, 1973) a Furtivos (José Luis Borau, 1975), de Duerme, duerme, mi amor (Francisco Regueiro, 1974) a ¿Qué he hecho yo para merecer esto!! (Pedro Almodóvar, 1984)— Formas en Transición indaga especialmente —aunque no solo— en la fértil evolución en tan complejo momento histórico de esas formas y estilizaciones inspiradas sobre todo en el teatro popular español sobre las que sustentara el más fecundo cine español desde el periodo silente y la II República y que, Guerra Civil e inmediata posguerra mediante, habían dado lugar a esa moderna crispación ibérica que los grandes títulos de Fernán-Gómez, Marco Ferreri o Luis García Berlanga de la primera mitad de los años sesenta ejemplificaban paradigmáticamente.
Se revelará así, por citar un solo ejemplo, una insistente presencia de significantes composiciones plásticas geométricas que, más allá del talante y el talento del cineasta concreto en cada caso, nos mostrarán la elocuencia de la forma a la hora de buscar salidas a un “triángulo” que hasta entonces se aparecía inamovible (España/Franquismo/pueblo español) y que, en determinadas ficciones, habrá de fundirse significativamente con el no menos pastoso y conflictivo triángulo edípico.
El autor.
José Luis Castro de Paz (A Coruña, 1964) es historiador del cine, doctor en Historia del Arte y Catedrático de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Santiago de Compostela. Redactor jefe de la revista Vertigo en los años ‘90 del siglo pasado, colabora en publicaciones especializadas españolas y extranjeras y es miembro del comité editorial de las revistas Translations, Eu-topías, Archivos de la Filmoteca y Volvoreta. Presidente de la Fundación Wenceslao Fernández Flórez y director de su colección “Cuadernos de Cine y Cultura Española del Siglo XX”.
Ha participado en obras colectivas como Antología crítica del cine español (1896-1995), editada por Cátedra y Filmoteca Española (1997), Diccionario del cine español (1998) o Diccionario del cine iberoamericano (SGAE, 2011), coordinado una Historia del cine en Galicia (1996) y dirigido, con Julio P. Perucha y Santos Zunzunegui, La nueva memoria. Historia(s) del cine español (Vía Láctea, 2005).
Ha coordinado asimismo numerosas obras sobre la vinculación con el mundo cinematográfico de señeras figuras de las letras (Wenceslao Fernández Flórez, Gonzalo Torrente Ballester, Camilo José Cela) y sobre la trayectoria y el análisis de la obra de los más destacados cineastas (Mur Oti, Nieves Conde, Berlanga, Bardem, Regueiro), actores (María Casares, Fernando Rey) o productores (Suevia Films-Cesáreo González: 30 años de cine español).
Entre sus numerosos libros destacan Vertigo/De entre los muertos (Paidós, 1999); El surgimiento del telefilme (Paidós, 1999); Alfred Hitchcock (Cátedra. 2000), Un cinema herido. Los turbios años cuarenta en el cine español (Paidós, 2002), premio al mejor ensayo otorgado por la AEHC (2003), Fernando Fernán-Gómez (Cátedra, 2010), Del sainete al esperpento. Relecturas sobre el cine español de los años cincuenta, escrito con Josetxo Cerdán (Cátedra, 2011) o Sombras desoladas. Costumbrismo, humor, melancolía y reflexividad en el cine español de los años cuarenta (1939-1950) (Shangrila, 2012).
Autor; José Luis Castro de Paz, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 244
Visconti y la decadencia
Este libro –lejos de modas y coyunturas– nace de la fascinación por el cine de Visconti y el universo cultural de sus grandes películas de madurez. Con la crisis de la modernidad como trasfondo y la decadencia como leitmotiv, el lector transitará de la literatura a la filosofía y la historia, para adentrarse en un complejo universo donde estética y política se entremezclan, el mal y el bien conviven en rara complementariedad, la sofisticación no logra enterrar a lo grotesco, y la muerte se convierte en anhelo. En este universo de luz crepuscular y sutil melancolía, con tanta elegancia como ironía, exponen sus pensamientos Platón, Schopenhauer y Nietzsche. Allí escriben sus cuentos maravillosos Thomas Mann y Giuseppe di Lampedusa, allí viven y padecen reyes, príncipes y artistas mientras suena la música de Verdi, Wagner o Mahler. Este libro es una invitación a recuperar –de la mano del mejor cine de Visconti– lo mejor de la gran cultura europea de finales del siglo XIX y principios del XX, para reflexionar –entre otras cosas– sobre el erotismo y la belleza, sobre la vida y su tragedia, o sobre la quiebra de la civilización burguesa y la barbarie fascista mientras escuchamos el preludio del Tristán e Isolda, nos acordamos de cómo Sigfrido descubrió el miedo o nos dejamos llevar por el adagietto de la Quinta de Mahler hasta fundirnos por unos instantes en la tentadora infinitud del ser, primigenio y caótico
El autor:
ANDRÉS DE FRANCISCO (1963) es doctor en filosofía y profesor titular en la Universidad Complutense de Madrid. Autor entre otros libros de ‘La mirada republicana’ (Catarata, 2012) y editor de ‘Harrington, Stuart Mill y Marx’, ha desarrollado un creciente interés por la interpretación filosófica de obras y géneros cinematográficos, interés que empezó con su ‘El western como cine político y moral’ (La balsa de la Medusa, 2011) y ha concluido por ahora con el presente libro ‘Visconti y la decadencia’.
Autor; Andrés de Francisco, Editorial: EDIC. DE INTERVENCIÓN CULTURAL / VIEJO TOPO, Páginas: 186
Muñecas, el tiempo de la belleza y el terror
Una muñeca es el principio y el fin de la inocencia. El núcleo de esa transición es como los ángeles de Rilke. Terrible y bello. Ambivalente y perturbador. Viven aquí las muñecas de cera de Lotte Pritzel, las muñecas rotas de Cindy Sherman, la muñeca descoyuntada de Hans Bellmer; una muñeca perdida en un western de John Ford, una muñeca-amante imaginada por Luis Berlanga, una muñeca consumida y recreada, con Barbies, por Todd Haynes; una muñeca fantasmal soñada por Manoel de Oliveira y un ángel-muñeca filmado por David Lynch; la muñeca mecánica que baila, en una Venecia de Cinecittà, la última danza del Giacomo Casanova de Fellini. Una muñeca robada por Felisberto Hernández, otra narrada por Juan Carlos Onetti, otra imaginada por Unica Zürn. Muñecas de leyendas japonesas y matrioskas rusas; ginoides y hologramas de ciencia ficción (de Blade Runner a Ghost in the Shell, con escalas en J. G. Ballard); maniquíes de fotografías de Atget, muñecas anatómicas destinadas al filo del bisturí, muñecas protegidas y luego abandonadas en un mismo poema (de Sharon Olds).
Procesos de muñequización: en una imagen fatal de la crónica “roja” mexicana captada por Enrique Metinides, en una instalación de pájaros arropados con abrigos de lana firmada por Annette Messager, en la dulce giganta de Nueva Escocia que giró por el mundo como atracción circense, en la fábrica americana de relojes luminiscentes donde chuparon pinceles las “chicas del radio”, en Evita como muñeca ignífuga de la Nación.
Muñecas conjugadas en todas las variantes de sus campos. De sus campos de tiro. Porque tu muñeca te mira sin pestañear. Tu muñeca se sienta a tomar el té. De repente, el jardín trepida y se enrarece. “Todo juguete puede ser un arma”, dijo Jean-Luc Godard. La muñeca se baja de su estante, se alisa su vestido. Dispara.
SUMARIO
A modo de introducción:
Qué puede una muñeca
Mariel Manrique
MUÑECAS HIPNÓTICAS, MUÑECAS INSUMINAS
Si se abrasa, es que es auténtica.
Sobre Rilke y las muñecas
Alberto Ruiz de Samaniego
El éxtasis de las muñecas.
Ginoides, hologramas y muñecas anatómicas
Rubén Martín
Muñecas dulces, muñecas que matan.
Acerca de El extraño caso de Angélica (Manoel de Oliveira, 2010)
Faustino Sánchez
MUÑECAS PERDIDAS, MUÑECAS AMANTES, MUÑECAS ROTAS
La muñeca de Debbie: Tres trayectos cinematográficos.
En torno a la muñeca perdida de The Searchers (John Ford, 1956)
Aarón Rodríguez Serrano
La necesidad de ruptura.
En torno a la muñeca en Tamaño natural (Luis García Berlanga, 1974)
Irene de Lucas
El cuerpo de Karen Carpenter.
En torno a la muñeca rota en Superstar: The Karen Carpenter Story (Todd Haynes, 1988)
Ricardo Baduell
MUÑECAS MECÁNICAS, MUÑECAS TRISTES
El gobierno del ángel-muñeca.
Una glosa a Mulholland Drive (David Lynch, 2001)
José Miguel Burgos
Conjeturas.
Acerca de Las Hortensias, de Felisberto Hernández
Olvido Marvao
La mirada de la mujer artificial.
Las muñecas en Rilke, Pritzel y Zürn
Laia López Manrique
Venecia sin ti.
La danza final en Il Casanova di Federico Fellini (Federico Fellini, 1976)
Mariel Manrique
MUÑECAS MECÁNICAS, MUÑECAS TRISTES
El síndrome del túnel carpiano.
Muñecas: sentidos, formas
Erika M. Jaramillo
Súbitamente muerta, extensamente viva.
Acerca de una fotografía de Enrique Metinides y una atracción circense de P. T. Barnum
Mariel Manrique
La máscara de la efigie.
La lente del ojo en su repetición de la imagen
Ruth Llana
ADIÓS, MUÑECA, ADIÓS
Eva, Muñeca de la Nación
Mariel Manrique
El juego más hermoso
Manuel Merino
A MODO DE EPÍLOGO
Un poema de Sharon Olds
Autor; Mariel Manrique (coord.), Editorial: Shangrila, Revista Shangrila nº 34, Páginas: 258
John Carpenter. El maestro del terror
John Carpenter, es uno de los grandes referentes del cine de terror, sobre todo a raíz de haber filmado la transcendental la noche de Halloween (Halloween, 1978), filme de bajo presupuesto que cambió el subgénero protagonizado por asesinos en serie. Pero, este director americano entró en la industria con la intención de imitar a Howard Hawks o John Ford, de los cuales recogió lo mejor de sus recursos técnicos para presentar su propio estilo, un talante único y propio que lo ha servido para enfocar cualquier género como si fuese una película del Oeste. Enfrentando de forma constante con los grandes estudios, el maestro representa la figura del outsider que ha sabido exprimir escasos recursos para sacar adelante proyectos que necesitaba de un gran presupuesto, haciendo del minimalismo artístico una virtud. En plena efervescencia alrededor de la cultura retro, Carpenter es un director de culto al que se alude también cuando se habla de la iconografía presente en el arte de los años ochenta, y es adorado dentro del mundo musical ligado a los sintetizadores porque utilizó estas máquinas de un modo original dentro del cine, componiendo sus propias bandas sonoras para sortear el hecho de no poder contratar una orquesta. Siendo ahora un venerable decano, del que se espera que algún día vuelva a la gran pantalla, Carpenter sigue en la brecha dando conciertos de música y promoviendo los cómics de ciencia-ficción que publica su esposa Sandy King. Juan Manuel Corral estudia en John Carpenter. El maestro del terror la biografía y filmografía de un genio que ha logrado que sus filmes lleven la etiqueta “John Carpenter’s”, desde su juventud hasta nuestros días, y así, el lector podrá leer sobre, por ejemplo:
La verdadera influencia de John Carpenter en la serie Stranger Things (2016 – )
¿Por qué se definió a La cosa: El enigma del otro mundo (The Thing, 1982) como un filme pornográfico?
En qué bandas chinas reales se fijaron los guionistas para escribir Golpe en la pequeña China (Big Trouble in Little China, 1986).
Cuando Adrienne Barbeau descubrió a su marido John Carpenter atemorizado en la casa que el matrimonio poseía en Inverness.
¿Por qué el hijo de Dave Davies de The Kinks es el ahijado de Carpenter? Y un interesante apartado que desentraña todos los temas de sus bandas sonoras.
Autor; Juan Manuel Corral, Editorial: Dolmen Ediciones, Páginas: 288
Supernovas. Una historia feminista de la ciencia ficción audiovisual
Un viaje feminista por la ciencia ficción en el cine, el cómic, la televisión o la ilustración. Un libro que propone la mejor radiografía hasta la fecha de uno de los géneros más en boga de la actualidad.
Una supernova es una explosión estelar tan poderosa que, aunque te anotara a continuación su magnitud, tu cerebro ni siquiera podría imaginarla. Simplemente piensa que una sola supernova es tan luminosa como toda una galaxia. Y sus efectos pueden constatarse, incluso a simple vista, en lugares de la esfera celeste donde antes nadie había detectado nada. La actual explosión del movimiento feminista tiene, desde luego, algo de supernova: extraordinariamente potente, amplia y capaz tanto de iluminar la realidad como de alumbrar nuevas realidades.
En este sentido, las reivindicaciones feministas de los últimos años han logrado arrojar otra luz sobre la literatura de ciencia ficción, rescatando así a autoras, tendencias y sensibilidades que parecían haber sido devoradas por el agujero negro de los discursos tradicionalmente dominantes. Pero ¿ha ocurrido lo mismo con la cultura audiovisual? ¿Se ha producido asimismo en este tipo de relatos una misión de rescate exitosa? Creemos que aún no, creemos que en el ámbito del cine, la televisión, los videojuegos, el cómic, la ilustración y otros medios aún queda mucho por hacer y muchos enfoques inéditos que proponer y recuperar. Hay una infinidad de artistas y trabajos que han sido decisivos para forjar los motivos más icónicos de la ciencia ficción, pero no han tenido hasta ahora un justo reconocimiento.
Por todo ello, este ensayo aspira a interpretar y contextualizar todas esas aportaciones a través de un recorrido histórico en el que la perspectiva de género y el eco de las sucesivas olas del feminismo son claves para articular un discurso crítico e inspirador en torno a las imágenes. Un viaje espacio-temporal y discursivo que nos lleva de Barbarella a Imperator Furiosa, de Thea von Harbou a Scarlett Johansson, de Margaret Brundage a Mōto Hagio y de la teniente Ripley a la Mayor Kusanagi, sin olvidar, por supuesto, otras propuestas de corte estrictamente independiente y experimental. Supernovas es una revisión feminista de la ciencia ficción audiovisual producida hasta la fecha en todo el mundo, un libro capaz de demostrar, una vez más, el potencial del género para subvertir los paradigmas establecidos de lo real.
Autor; Diego Salgado y Elisa McCausland, Editorial: ERRATA NATURAE, Colección: Fuera de colección, Páginas: 456
De lo Fantástico y lo Inadmisible
Lo maravilloso, lo sobrenatural, lo extraordinario, o como apunta este libro en su título, lo fantástico y lo inadmisible, son solo algunas de las categorías con las que intentamos emplazar una de nuestras condiciones más universales: el ser humano frente al misterio.
Sea cual sea su etiqueta hoy, se trata de un fenómeno transversal que ha ido permeando prácticamente todas las áreas de la cultura. Desde los clásicos más reconocibles de la literatura y la cinematografía (Shelley, Lovecraft, Pratchett, etc.), hasta las novedades más periféricas del videojuego o de la realidad virtual (Aventuras gráficas, Survival Horror, etc.).
Este libro, aborda en sus siete capítulos temáticos (cine, televisión, videojuegos, ilustración, literatura, Historia y educación), y de la mano de una amplia diversidad de autores/as, estas cuestiones, así como otras modalidades de expresión e interconexión de lo fantástico y lo inadmisible, con el arte y el audiovisual contemporáneo. Un recorrido al que sumar, entre otros muchos temas, las huellas japonesas de los fantasmas Yokai y los monstruos Kaiju Eiga (Godzilla, Gojira); las fábulas cinematográficas de Harryhausen o del Giallo italiano; la estampa feminista y queer de la brujería posmoderna (The Craft, The Spell); o las tribulaciones “superheroicas” que aterrizan desde el cómic hasta nuestras pantallas (Daredevil, The Punisher, etc.).
El autor
Mario-Paul Martínez Fabre es profesor, investigador y coordinador del Área de Estética y Teoría de las Artes en el Grado de Comunicación Audiovisual de la Universidad Miguel Hernández de Elche. Directivo del Grupo de Investigación Massiva. Profesor en el Master Universitario en Proyecto e Investigación en Arte y en el Máster MUECA en Estudios Culturales y Artes Visuales de Bellas Artes de Altea. Fue profesor en Ciudad de la Luz. Escribe sobre arte y nuevas tecnologías en Artes y Letras del diario Información. Publica en Arte Política e Identidad, MHJ Journal, Play Life o Croma. También co-dirige la empresa de gestión cultural Mayday GC y, como artista, creativo gráfico y profesional de motion graphics en agencias como Dogmamoda y Marino & Galen. Ha dirigido, participado en Technarte, La Noche en Blanco, Inclusiva-Media Lab Prado, Entornos Futuros, Seminario de Posproducción y Arte Digital, Festival Internacional de Videoclips FIVECC, etc. La Fundación BilbaoArte, Sabadell, Aguaclara o el IVAM han exhibido sus trabajos.
Fran Mateu (Elche, 1981). Doctorando en Filosofía y Letras, Licenciado en Publicidad y Relaciones Públicas y Diplomado en Dirección Cinematográfica. Ha participado en distintas antologías de relatos de género fantástico. Ha dirigido los cortometrajes “Historia Muerta” (2011), “Hidden Devil” (2017) y “Hell West” (2018), con proyecciones y premios en diversos festivales nacionales e internacionales. En 2013 fundó el Festival Internacional de Cine Fantástico de Elche – FANTA ELX.
Autor; V.V.A.A., Coord: Mario-Paul Martínez y Fran Mateu, Editorial: Cinestesia. Miguel Herrero Herrero, Páginas: 372
Historia del Cine: Teorías, estética, géneros
Este manual ofrece la doble perspectiva de aprender y disfrutar del cine, desde la convicción de que, al igual que las novelas, los poemas, las pinturas o las obras musicales, las películas son obras artísticas y, por tanto, el conocimiento sobre el cine es hoy un componente fundamental en la cultura de cualquier ciudadano. Está concebido como ayuda al lector para conocer, reflexionar, sugerir visiona-dos y, en definitiva, mostrarle todo aquello que resulta indispensable para «saber de cine» ; resume lo esencial y proporciona esquemas para una visión global del hecho cinematográfico. Obra amena y bien estructurada, se acompaña de textos complementarios, numerosas fotografías, comentarios sobre un centenar de películas, filmografía específica y una bibliografía completa para ulteriores profundizaciones. Varias decenas de universidades españolas y latinoamericanas han tenido este texto como libro de referencia a lo largo de los últimos años. Aparece ahora en una nueva edición que actualiza y amplía los contenidos proyectando la Historia del Cine hacia el Audiovisual digital.
El autor
José Luis Sánchez Noriega, es doctor en Ciencias de la Información y profesor titular de Historia del Cine y del Audiovisual en el departamento de Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense. Articulista en revistas especializadas y crítico de cine, es autor de varios libros sobre cine.
Autor; José Luis Sánchez Noriega, Editorial: Grupo Anaya Publicaciones Generales Libros Singulares (Ls), Páginas: 704
Sin dólares no hay ataúdes. 50 ejemplos del western mediterráneo
La producción de westerns en Europa nació en España hacia 1962 como una esforzada imitación de los modelos hollywoodianos. Pero, a raíz del éxito de Por un puñado de dólares, fueron los italianos quienes remodelaron completamente el género desde una perspectiva iconoclasta que conectó enseguida con un público joven que ya no se creía a los inmaculados cowboys y sus gloriosas hazañas. ¿Qué ofrecían los casi 600 westerns rodados a orillas del Mediterráneo entre 1964 y 1978? Antihéroes de nombres tan improbables como Django, Sartana o Sabata; peripecias extremas que combinaban la violencia exacerbada con un humor cínico que nunca aclaraba quiénes eran los buenos y quiénes los malos (aunque los banqueros jamás pertenecían al primer grupo); soluciones visuales tan barrocas e hiperbólicas como los fondos musicales?; y, entre los extras, el único western realizado por una mujer y el, también único, beso en la boca entre dos feroces pistoleros.
Autor; Rafael De España, Editorial: EDITORIAL UOC, S.L., Col·lecció : FILMOGRAFÍAS ESENCIALES, Páginas: 190
Tiempo de vivir, tiempo de revivir. Conversaciones con Douglas Sirk
Probablemente muy pocos libros de cine habrán respondido a una necesidad más íntima que este titulado Tiempo de vivir, tiempo de revivir. Conversaciones con Douglas Sirk, de Antonio Drove.
Un libro cuyas páginas yo he sentido —aunque sea tantas veces a la distancia que establece el hilo del teléfono— crecer día a día en el ánimo del autor, siempre con una misma sostenida pasión, a través de unas conversaciones donde su palabra era capaz en tan sólo unos segundos de transitar, a caballo de vertiginosas asociaciones, por los dominios del cine, la pintura, la literatura e incluso la sinología, sin que en ocasiones faltara tampoco la evocación de algunos de los momentos más intensos de su propia vida. El resultado de este impulso a la vista está: un texto de no fácil clasificación, una mezcla de diálogo, reflexión sobre el cine y memoria personal, en el cual se deja oír, sin duda, la voz de Douglas Sirk, pero donde brota también la del cineasta español que lo firma. No podía ser de otro modo, dado el carácter y la significación del acontecimiento que está en el origen de la obra: el encuentro entre los dos directores en Lugano (Suiza).
¿Este encuentro decisivo entre ambos directores fue una consecuencia tan sólo del azar? ¿Por qué Douglas Sirk y no otro? Es el libro quien trata de responder. Entregado a esta tarea, sin dejar de reflexionar sobre las características de su oficio, Antonio Drove nos ofrece el relato de un itinerario de iniciación y conocimiento, evocación de unos años de aprendizaje, siguiendo el hilo de unas relaciones tejidas al calor del amor y la amistad (desfilan así por la obra una serie de personas de importancia fundamental, alguna tristemente desaparecida, como José Ignacio Fernández Bourgón), unidas para siempre, en su memoria, al creador de Imitación a la vida.
Del Prólogo de Víctor Erice
El autor.
Antonio Drove (Madrid, 1942-París, 2005) fue un cinéfilo, cineasta, guionista y actor ocasional. Se diplomó en la Escuela Oficial de Cinematografía en 1968, un año después de rodar allí La caza de brujas, una mítica práctica que sería prohibida y secuestrada ilegalmente al cambiar el equipo directivo de la escuela, sin exhibirse públicamente hasta 1980, en Portugal. Desde el principio, entonces, Antonio Drove encontró dificultades para el desarrollo de la profesión en una coyuntura —la de los últimos años del franquismo y la consolidación de la transición— que obligó a una generación de cineastas vocacionales a buscar la supervivencia dentro de una débil estructura industrial que nunca estuvo a la altura de su apasionamiento. Trabajador incansable para cine y televisión, entusiasta fabulador, de su filmografía de proyectos acabados y suspendidos, destacan dos adaptaciones literarias, La verdad sobre el caso Savolta (1978) y El túnel (1987).
Sobre el cine de Drove, así hablaba su amigo y colaborador Ferrán Alberich, en la monografía que le dedicó a principios del siglo XXI: «Las películas de Antonio Drove han aparecido en las pantallas de manera discontinua, a veces con años de diferencia. Es al verlas en continuidad, cuando se puede apreciar la coherencia de sus postulados: la negación del cine como un mero espectáculo; la afirmación de la narración cinematográfica como un medio de conocimiento, para el autor y para el espectador; la creencia en el poder de la imagen para matizar, y a veces transformar las palabras; el esfuerzo para que ninguna imagen sea banal y llenarla de significado».
Autor; Antonio Drove, Editorial: Athenaica, Páginas: 378
Shocking Asia 2
SHOCKING ASIA 2 ofrece casi 250 páginas de cine de culto asiático, en una edición de lujo a todo color con solapa interior y abundante material gráfico. Incluye más de 300 reseñas (vampiros chinos, robots gigantes coreanos, cine made in china, artes marciales, wuxia, cine japonés, acción extrema tailandesa, categoría III, cine perdido de Hong Kong,, etc.)
Incluye reportajes en profundidad sobre el cine de vampiros chinos de Hong Kong,
El Jackie Chan indio, el cine thai de artes marciales, el basukon eiga japonés (entre el mondo y la explotación), la mafia del cine chino en nuestro país, una extensa entrevista con el actor y especialista Danny Ng (que trabajó en el grupo de especialistas de Jackie Chan y en el cine bis de Joseph Lai), los tebeos gore de Tony Wong, incluyendo la reproducción del primer cuadernillo de Little Rascals, prohibido en Hong Kong y traducido en exclusiva del cantonés. Y mucho más.
Todo un festín para los fans del cine oriental más curiosos, como de costumbre editado y coordinado por Domingo López, programador del Festival Nits de cinema oriental, con textos de expertos como Juan Manuel Corral, Iván Fernandez o Jesús M. Molina.
Autor; Coordinado por Domingo López, Editorial: Trash-O-Rama, Páginas: 246
Breton y el cine
En la primavera de 1916, en Nantes, el enfermero militar André Breton y su amigo Jacques Vaché, el dandi de las trincheras, ven película tras película, cambiando de sala sin importarles la que se proyecte. Tienen veinte años -la misma edad que el cine- e inventan así una cinefilia alegre y desenfadada. Breton lo apunta en el Manifiesto del Surrealismo: «¿El cine? Enhorabuena por las salas oscuras». A la vez que proclama la «omnipotencia» del sueño, se da cuenta de que los gags, las persecuciones, las imágenes espasmódicas de las películas burlescas reproducen las propias metamorfosis de la pintura animada del sueño. Mientras el cineasta tritura el tiempo para producir duraciones fílmicas, André Breton, oteador del azar objetivo, busca duraciones automáticas al hilo de un tiempo deslabonado. La primera generación surrealista, deseosa de entablar el diálogo con la secuenciación cinematográfica, no podía faltar a su cita con el cine, que ofrece al público universal una experiencia temporal con tintes de suprarrealidad. André Breton dejó claro que es en la oscuridad de una sala de cine donde se celebra «el único misterio absolutamente moderno».
Autor; Georges Sebbag, Editorial: Prensas de la Universidad de Zaragoza (PUZ), Páginas: 108
Mantener alejado del alcance de los niños. Animación para adultos
En 1908 nace «Fantasmagorie», la primera película de animación tradicional de la historia, creada a partir de unos setecientos dibujos realizados por el francés Émile Cohl. Desde entonces, la animación ha ocupado un lugar imprescindible en el séptimo arte y la proliferación de productoras en todo el mundo ha originado una fuerte industria que ha cambiado la manera de hacer y ver la animación. Mantener alejado del alcance de los niños. Animación para adultos, aborda el estudio y análisis de otros enfoques alcanzados por la animación que ha sido creada para un público exclusivamente adulto. Ideas, temáticas, diseños y entornos conforman un universo controvertido y rompedor inapropiado para los niños, que puede llegar a descubrir películas duras y reflexivas utilizando la imagen animada como una línea de expresión que distorsiona los patrones hasta entonces cercanos al mundo del dibujo animado para niños. Irreverencia hacia el humor, la política y la sexualidad abrigan una larga lista de cortometrajes y producciones animadas reservadas únicamente para el ámbito adulto. Un cine de animación «underground» de otras épocas, que hoy se reconcilia con la industria animada y se guarda bajo la manga un futuro bastante prometedor.
Índice
Jordi Costa
Una educación para la insumisión.
Orígenes de un doble lenguaje en la animación televisiva.
María Lorenzo
Lo siniestro en la animación. Un museo de (exquisitos) cadáveres literarios.
Introducción.
Oscuras visiones sobre la infancia.
(Re)animando la tradición gótica: Extraordinary Tales.
Viñetas hacia el horros: Peur[s]du noir.
Colofón.
Miguel Vidal
La representación erótica en el cine de animación. Otra vuelta de manivela controvertida y seductora.
Introducción.
Precusores en la animación.
Mujeres y sexo animado
Ángeles López
Humor negro en continuas y pequeñas dosis. Series de animación.
Introducción.
Protagonista vs protagonista.
Oh my God, they killed Kenny!… You bastards!
Familias estadounidenses
¡Esto no es todo amigos!
Susana García
Condición humana e incorrección política. De la buena animación al cine de animación incómodo.
Introducción.
El arte de la animación.
La realidad se transforma: la película como psicoanálisis para el realizador.
La dualidad de la condición humana.
Filmografía referenciada.
Autor; Jordi Costa, María Lorenzo, Miguel Vidal, M. Ángeles López, Susana García, Miguel Vidal (coord.), Editorial: Sendemà, Páginas: 234
Me tragaré tu alma: La historia de la saga Evil Dead
En 1981, un grupo de amigos aspirantes a cineastas lograron estrenar a pequeña escala una película de presupuesto modestísimo que, con el paso del tiempo, acabaría convirtiéndose en una de las mayores sensaciones del cine de terror de su época. Se trataba de “Evil Dead”, conocida en España como “Posesión infernal” y primera parte de una entonces insospechada franquicia que abarcaría durante décadas nuevas entregas cinematográficas, cómics, merchandising, videojuegos y una reciente serie de televisión.
Con “Me tragaré tu alma: La historia de la saga Evil Dead”, Álvaro Ruiz de Gauna explora los orígenes de Ash, los deadites y el Necronomicón y explica cómo se dio inicio a esta aventura multimedia, cómo se desarrolló y amplió durante décadas y por qué se ha convertido en un objeto de culto para millones de espectadores, generando su propia mitología y un particular universo mutante lleno de tétricas cabañas, oscuros bosques y viajes en el tiempo.
El libro incluye además entrevistas exclusivas a personalidades del universo Evil Dead como Betsy Baker, Danny Hicks, Marcus Gilbert, Richard de Manicor, Roque Baños o Tom Sullivan.
Autor; Álvaro Ruiz de Gauna, Editorial: APPLEHEAD TEAM, Páginas: 298
Diálogos cinematográficos entre España y Argentina (Vol. 1)
MÚSICA, ESTRELLAS Y ESCENARIOS COMPARTIDOS (1930-1960)
Diálogos cinematográficos entre España y Argentina. Música, estrellas y escenarios compartidos (1930-1960) analiza la construcción de identidades culturales en España y Latinoamérica en las primeras décadas del siglo XX a través de un nuevo medio de comunicación de masas, el cine, y el papel que los discursos musicales y los diálogos con Argentina jugaron en dicho proceso desde los años anteriores a la guerra civil española y durante el primer franquismo.
Este volumen analiza la diáspora de música, intérpretes y realizadores, tanto españoles como argentinos, que trabajaron en centros cinematográficos internacionales, caso de Joinville y Hollywood, entre los años veinte y cincuenta del siglo pasado. A su vez, indaga en casos específicos de colaboración entre en ambas industrias nacionales durante el mismo período.
Del mismo modo, presenta una perspectiva renovadora para examinar los tránsitos, intercambios y modos de producción entre industrias que se conforman de manera paralela -la española y la argentina- y han seguido un ritmo acompasado a lo largo del siglo XX. En vez de pensar en términos estrictamente nacionales, aquí nos proponemos revisar algunos de los vínculos que, en buena medida, conformaron esas cinematografías. Para ello indagamos en las figuras que trabajaron en ellas, así como de las formas narrativas y estéticas que ocuparon los espacios centrales en aquellas pantallas. En este sentido, la presencia de la música -junto con sus respectivos intérpretes, géneros y modos espectaculares- se revela como una seña de identidad medular y es, por lo tanto, una arista que ha sido indagada primordialmente.
Con este trabajo se inicia una colaboración interdisciplinar entre investigadores de ambos países, españoles y argentinos, para sentar las bases del estudio de los diálogos culturales a través del cine y su música, presentes en los diferentes capítulos del libro, a través de las interpretaciones de estas auténticas estrellas de la época, en su mayoría mujeres.
SUMARIO
Prólogo. Corrientes alternas.
Lecturas musicales del cine argentino y español
Marina Díaz López
Introducción
Laura Miranda y Lucía Rodríguez Riva
De tangos y tonadas: Carlos Gardel se encuentra
Con Imperio Argentina en Joinville
Lucía Rodríguez Riva y Pablo Piedras
Imperio Argentina, Florián Rey y Cifesa:
El éxito de los musicales folklóricos españoles en la Argentina de los años treinta
Laura Miranda
Española y porteña, dos caras de la revista:
Destinos transnacionales en Gloria Guzmán y Celia Gámez
Dana Zylberman
La música tradicional en el sinfonismo cinematográfico
De Isidro Maiztegui: La cabalgata del circo y Viento del norte
María Fouz Moreno
La música de un pueblo fabulado:
La dama duende de Luis Saslavsky
Iván Morales
Migración, acentos y canciones en La Guitarra de Gardel
Mirta Marcela González Barroso
¿Quién me compra este misterio…? o cómo enamorarse
De una canción: a propósito de Me casé con una estrella
María Aimaretti
Neta y castiza. Sara Montiel y el cine de Luis Cesar Amadori
Julio Arce
Intercambios hispano argentinos en la
Música popular del cine de los años sesenta
Teresa Fraile
Autor; Laura Miranda y Lucía Rodríguez Riva (coords.),Editorial: Shangrila, Hispanoscope libros, Páginas: 260
Terror en serie. De Alfred Hichcock a Stranger Things
