Categoría: Libros
Sagitario Films. Oro nazi para el cine español
Sagitario Films: Oro nazi para el cine español analiza el modo en que Johannes Bernhardt hizo una fortuna en España durante la Guerra Civil, actuando de intermediario de Franco ante Hitler, y aprovechó la deuda por la ayuda militar germana para mediar en todas las exportaciones de materias primas —incluido el wolframio— durante la Segunda Guerra Mundial. Al finalizar esta, era uno de los alemanes más buscados por los aliados en la no beligerante España, aislada diplomática y económicamente. Antes de partir hacia Argentina con su familia en el verano de 1951, Bernhardt creó, mediante testaferros, la productora cinematográfica Sagitario Films, la distribuidora Europa Films y financió la compra de los estudios Cinearte, en el centro de Madrid. Lo curioso es que, al amparo de esta sólida infraestructura industrial, solo se cobijaron muy puntualmente nostálgicos del nazismo, y medró en cambio una nómina de cineastas que incluye a renovadores —Antonio del Amo, Manuel Mur Oti, Arturo Ruiz Castillo—, telúricos —Enrique Gómez—, aristócratas que iban por libre —Edgar Neville, Luis Escobar— y algún europeo despistado. Que un ramillete de obras insólitas realizadas por republicanos y monárquicos en pleno franquismo sirviera para burlar el control aliado sobre el oro nazi en España es una de esas monumentales paradojas sobre las que se construye la historia del cine español.
El autor
SANTIAGO AGUILAR. Trabajó entre 1985 y 1995 como documentalista en Filmoteca Española y ha seguido colaborando intermitentemente con dicho organismo como investigador. Como miembro de La Cuadrilla es guionista y director cinematográfico, con premio Goya a la dirección novel incluido por Justino, un asesino de la tercera edad (1994). En colaboración con Felipe Cabrerizo ha realizado diversos trabajos relacionados con el cine y la cultura popular del siglo XX, cuyo colmo es, por ahora, el ensayo La Codorniz, de la revista a la pantalla (y viceversa), editado en 2019 por Cátedra y Filmoteca Española. Por su cuenta y riesgo ha sido guionista televisivo, ha producido y dirigido el documental De reparto (retrato de un actor) (2009), ha escrito libros y artículos sobre aspectos poco conocidos de la historia del cine español, da clases de lo suyo y es azconiano confeso. Por si no hubiera suficiente, en 2017 publica la novela El mundo es un buñuelo y ahora este ensayo sobre Sagitario Films.
Autor: Santiago Aguilar, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 190
J. J. Abrams
Heredero estilístico de los grandes directores de «blockbusters» surgidos en el seno del Nuevo Hollywood, J. J. Abrams habita un espacio a caballo entre el cine y la televisión, como creador de artefactos narrativos singulares y revitalizador del género fantástico de corte «mainstream». Si sus productos catódicos han sido parte fundamental de las recientes «edades de oro» de las series televisivas, en la gran pantalla Abrams propugna un estilo opuesto a la frenética hiperfragmentación imperante en las grandes superproducciones de los años noventa y principios del siglo XXI. Frente a estos, el cine de Abrams se muestra claramente deudor de la «escuela Amblin» liderada por Steven Spielberg al sustentarse en dos pilares: la claridad y fluidez de su narrativa visual y un hábil uso de los registros y herramientas del melodrama.
Autor: Juanma Ruiz, Editorial: Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 328
Berlanga. Vida y cine de un creador irreverente
Luis García-Berlanga (Valencia, 1921-Pozuelo de Alarcón, 2010) dirigió a lo largo de su carrera diecisiete largometrajes, entre los cuales se cuentan obras maestras como Bienvenido, Mister Marshall, Plácido, El verdugo, o, en años posteriores, la hilarante serie iniciada con La escopeta nacional. Con una sensibilidad particular para retratar la picaresca valiéndose del esperpento y de una irónica ternura, Berlanga consiguió sortear los embates de la censura y abrir con su cine una personalísima vía de crítica social, y que ha dado lugar a la categoría de berlanguiano. Creador de historias y personajes inolvidables, el director valenciano llevó a las pantallas un mundo propio, en el que, junto a una penetrante mirada sobre las realidades colectivas, destaca una erotomanía y un imaginario femenino obsesivo y, sin duda, polémico.
Cuando se cumplen los cien años del nacimiento del genial director, la biografía que ha escrito Miguel Ángel Villena, brillante merecedora del XXXIII Premio Comillas, explora todas las facetas, vitales y artísticas de un creador indispensable para entender la segunda mitad del siglo XX en España.
El autor
Miguel Ángel Villena es periodista e historiador. Trabajó en las secciones de internacional y cultura de El País durante más de veinte años y ha sido editor de la revista TintaLibre. Es autor de Españoles en los Balcanes: Misiones civiles y militares en la antigua Yugoslavia (Catarata, 1998) y de las biografías Victoria Kent (Debate, 2007), Ciudadano Azaña: Biografía del símbolo de la II República (Península, 2010) y Ana Belén (Esfera de los Libros, 2016).
Autor: Miguel Ángel Villena, Editorial: Tusquets Editores S.A., Páginas: 344
El exorcista ¿Sólo una novela o película de terror?
La película de El exorcista (1973) sigue siendo hoy un filme de plena actualidad con seguidores en todo el mundo. En ella se muestra la lucha del hombre, junto a Dios, y contra las fuerzas del mal, representadas en los demonios, que a través del rito de exorcismo son expulsados y vencidos.
Sin embargo, en El exorcista encontramos mucho más. A nuestro juicio, no se trata sólo de la historia de terror de una joven poseída por el demonio, mientras que su madre intenta desesperadamente salvarla con la ayuda de dos sacerdotes a través de un exorcismo (lo que ya sería suficiente), sino que además se esconden en diferentes y sucesivas capas la eterna batalla entre el bien y el mal y la verdadera naturaleza de la fe, seguida de otra capa en la que se hace referencia justamente a esa fe y su relación con la ciencia; mientras que una sucesiva capa es la relacionada con la posición de la mujer en la sociedad, toda vez que las dos mujeres más importantes de la obra, esto es, Chris y Regan, aparecen como personas frágiles, tanto desde el punto de vista físico como desde el plano psicológico. En definitiva, tres luchas tan viejas como la humanidad y tan presentes como el propio ser humano. Esperamos motivar en el lector el interés por que se aproxime no sólo a ver la película, sino también a leer el libro de homólogo título (1971). Un libro que -en palabras de su propio autor- busca más que el terror, ser «una parábola del cristianismo, de la eterna lucha entre el bien y el mal; una historia de amor y sacrificio por salvar un alma».
Índice
Introducción 11
Capítulo I
EL EXORCISTA, EL LIBRO
1 Ficha técnica y sinopsis 19
2 Los hechos reales 23
3 Contenido de la obra 27
4 De la novela al guión 31
Capítulo II
EL EXORCISTA: LA PELÍCULA
1 Ficha técnica 35
2 Trama 37
3 La película y sus hechos sobrenaturales 41
4 Comentario 45
Capítulo III
EL EXORCISMO CATÓLICO: RELACIÓN ENTRE
DERECHO Y RELIGIÓN
1 Supersticiones, Satanismo, Posesiones y Exorcismos 59
2 Historia de los exorcismos 65
3 Exorcismos: concepto, naturaleza jurídica y tipos 75
4 Procedimiento y derecho canónico 87
Capítulo IV
EL EXORCISMO, MANIFESTACIÓN DE TRES LUCHAS: ENTRE EL BIEN Y EL MAL, ENTRE LA FE Y LA RAZÓN Y ENTRE EL GÉNERO Y EL MACHISMO
1 Consideraciones generales 101
2 El exorcismo, una lucha entre el bien y el mal o entre la virtud y el pecado 103
3 El exorcismo, una lucha entre la fe y la razón o entre la ciencia y la religión 109
4 El exorcismo, género y machismo 121
Consideraciones finales 133
Bibliografía 139
Anexo I 147
Ritual católico de Exorcismo (1999) 147
Anexo II 197
Ritual católico de Exorcismo (1614) 197
Autor: José Mª Contreras Mazarío, Editorial: Tirant lo Blanch, Colección Cine y Derecho, Páginas: 240
La poética del asedio. Cine e historia en la autarquía
El bando insurgente nunca persiguió la paz, solo la victoria. No aspiraba a una reconciliación, sino a la extinción del otro, a la erradicación de toda idea que se alejara de sus coordenadas ideológicas. Acaso el primer síntoma fuese la apropiación del término “nacional”, en la pretensión de negar esa misma condición a las tropas leales a la II República. Terminada la guerra, consumada la victoria, el régimen liderado por Francisco Franco inició una cruenta purga de disidentes reales o imaginados, en un intento de cercenar las ideas que desdijeran su visión, reaccionaria y excluyente, de España, su pasado y su naturaleza. Un esfuerzo enmarcado en lo que José Álvarez Junco definió como “el plan nacionalizador más intenso con el que nadie hubiera soñado nunca”, y en el que el cine ocupó un papel fundamental.
Durante la contienda y en los años inmediatamente posteriores, los rebeldes impulsaron y promocionaron una serie de películas de vocación propagandística y enfocadas en difundir su visión de las causas, los condicionantes y el desarrollo del conflicto armado: es el llamado “cine de Cruzada”. Pero la evolución de la II Guerra Mundial, con el progresivo derrumbe de las potencias del Eje, propiciaron que se orillase el género bélico ya a partir de 1943. Su hueco como producción predilecta del régimen lo ocuparía una vertiente particular de cine histórico, que aprovechará la iconografía desarrollada durante el siglo XIX por la pintura de historia para difundir una visión del pasado reescrita a la medida del franquismo.
A través de estas películas, se puede rastrear la visión de España que tenía el régimen: sus creencias sobre la estructura social, el papel de la mujer, el pasado nacional y el legado cultural común; sus ideas sobre la vida, la muerte y el sacrificio; su concepción del país como una nación cercada, asediada, diferente. Pero en esos filmes, en los espacios intersticiales entre secuencias, en las costuras entre plano y plano, emergen las lagunas y contradicciones del discurso franquista, el envés de esa visión que aspira, sin lograrlo, a ser monolítica.
El autor
CHRISTIAN FRANCO TORRE (Langreo, Asturias, 1979) es doctor en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo, y máster en Historia y Estética de la Cinematografía por la Universidad de Valladolid. Autor de Edgar Neville. Duende y misterio de un cineasta español, publicado asimismo en la colección Hispanoscope (Shangrila, 2015), ha participado además en varios libros, entre los que se incluyen La paranoia contemporánea (coordinado por José Francisco Montero, Ediciones Trea, 2019), Dance, Ideology and Power in Francoist Spain (editado por Beatriz Martínez del Fresno y Belén Vega Picacho, Brepols, 2017) y Cine entre rejas. Una aproximación al cine carcelario (editado por José Antonio Planes Pedreño y José Francisco Montero, Sans Soleil, 2017). Trabaja como redactor en el diario La Nueva España e imparte, junto a Vidal De la Madrid, la asignatura «Historia del cine español. Estado de la cuestión y nuevas líneas de investigación», dentro del Máster Universitario en Estudios Avanzados en Historia del Arte: Investigación y Gestión, de la Universidad de Oviedo.
Autor: Christian Franco Torre, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 218
Yo soy Norman Bates. Todo sobre la saga Psicosis
El 8 de septiembre de 1960 se estrenó una película que cambiaría el cine de terror para siempre. Psicosis, dirigida por el mago del suspense Alfred Hitchcock, se convirtió instantáneamente en un clásico, pero su historia va mucho más allá. A lo largo de tres secuelas, una película para televisión, una serie, cuatro novelas y un cómic, la saga Psicosis ha vivido a lo largo de 60 años a la sombra de otras grandes franquicias. Contando con directores de la talla de Richard Franklin o el mismo Anthony Perkins, algunas de estas continuaciones han permanecido en la oscuridad para muchos aficionados al cine de terror. Hasta ahora.
En “Yo soy Norman Bates” Andrés R. Paredes analiza una a una las películas de la saga, aportando detalles y elementos inéditos sobre la franquicia. Un libro imprescindible para quienes quieran comprender cómo nació el terror moderno y cómo ha evolucionado a través de las décadas.
Autor; Andrés R. Paredes. Editorial: Applehead Team Creaciones, Colección Noche de Lobos. Páginas: 232
El cine de Joseph L. Mankiewicz
Dedicó la mayor parte de su vida profesional al cine, pero las virtudes cinematográficas de Joseph L. Mankiewicz eran sobre todo teatrales. Sabía orquestar argumentos y personajes y ante todo era un estupendo dialoguista. Cosa lógica, en todo caso, puesto que sus primeros trabajos en Hollywood habían sido como guionista. Aunque sus películas podían ser acusadas de excesiva dependencia del texto y de descuidar las posibilidades visuales del medio cinematográfico, la calidad de los guiones solía redimir otros defectos. Mankiewicz era un artesano escrupuloso, un cineasta más amante del verbo que de la imagen, apegado al diálogo y sus reacciones y a los modos del teatro. En su vida privada era un conversador ocurrente y procaz, también un mujeriego elegante, acostumbrado a transformar experiencias dolorosas en sentencias cínicas. Sus mejores películas, sus mejores escenas, eran elegantes y sutiles. con muchos monólogos y variedad de narradores, portadores de puntos de vista mutuamente excluyentes. Era un director poderoso; mejoraba las interpretaciones de sus actores ayudándoles a afinar el ritmo y la acción,
Autor: Varios autores, Editorial: CULT BOOKS, Colección CINE CLUB, Páginas: 224
Islas. Fuga y abismo
Hubo islarios medievales que mezclaban la naturaleza y lo sobrenatural para explicar un modo de estar en el mundo; islas utópicas erigidas como modelo a seguir, en las que se citaban nuestros desatinos; islas modernas de afirmación individual y desmesura omnipotente. El laboratorio del Dr. Moreau imaginado por H. G. Wells fue una casa del dolor emplazada en una isla. Toda isla es ambigua: lugar hacia dónde y del que fugarse, sitio del anhelo y la desesperación, tránsito de la fuga al abismo.
Este volumen habla de la isla como accidente geográfico y experiencia mental. Se pregunta qué es y de qué está hecha, y por qué la buscamos sin saber adónde queda. Está la isla de los muertos pintada por Böcklin, de la mano de las islas de la mitología griega; están las islas del fin del mundo narradas en primera persona, y la isla imaginaria que extrajo de su cabeza la pintora Remedios Varo. Hay islas de papel, desplegadas en la Devociones de John Donne y los libros compuestos a dúo por Alexander Kluge y Gerhard Richter. Islas de celuloide, trazadas por el cine de terror y moduladas por el folk horror; cartografiadas por Imamura y Kim Ki-duk; rescatadas y mostradas en su núcleo evasivo por Marco Ferreri, por Rossellini, por Jean Epstein. Hay islas de filósofos suicidas, de hombres crepusculares aferrados a una niña y una perra, de anónimos pasajeros de tren.
Si este mundo es el infierno, como le explica Marco Polo al Gran Kan según Italo Calvino, habrá que saber quién y qué cosa no lo es, darle espacio y hacerlo durar. Discernir y preservar las situaciones insulares de no-infierno. Y si la pregunta esencial es si Dios anda por aquí, habrá que recordar, con Natalia Ginzburg, que no podemos saberlo. Porque no podemos saber cómo es la forma tangible de esa isla, la isla del consuelo que llamamos Dios.
SUMARIO
ISLAS EN UN MAR DE INFIERNO
Fragmento de Las ciudades invisibles, de Italo Calvino
NECESIDAD Y ORIGEN DE LA ISLA
Invención de la isla
Carmen Pinedo Herrero
ISLAS DE LOS MUERTOS, ISLAS DE LOS VIVOS
El paso más allá
Alberto Ruiz de Samaniego
Islas del sur en la memoria
José Saborit
Pelo de limbo (Remedios Varo extrae una isla de su cabeza)
Mariel Manrique
ISLAS DE CELULOIDE
Liminal y siniestro: La isla como espacio del cine de terror
Aarón Rodríguez Serrano
Las islas de Kim Ki-duk
Irene de Lucas
No Man is an Island
Travesías por el duelo en Midsommar y el El tercer día
Mariana Freijomil
Los últimos días de la eternidad. Viaje a Kurage, la isla de Imamura:
El deseo profundo de los dioses (1968)
Ricardo Baduell
Tres maneras de habitar una isla
(Acerca de Liza, Stromboli y Finis Terrae)
Mariel Manrique
ISLAS DE PAPEL
Ningún hombre es una isla.
Una lectura de las Devociones de John Donne
Manuel Arranz
Ejercicios de concentración en las islas
(Acerca de Despacho desde momentos de calma,
Alexander Kluge – Gerhard Richter, 2013)
Mariel Manrique
LAS ISLAS QUE NOS DAMOS
Túnel. Volemos
Marisa López Mosquera
Ancla
Olvido Marvao
No dejes rosas
Manuel Merino
¿ESTÁ DIOS EN LA ISLA?
No podemos saberlo
Poema de Natalia Ginzburg
El autor
Mariel Manrique (Buenos Aires, 1968). Estudió leyes e historia del arte. Ejerció la docencia universitaria en la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires. Ha escrito ensayos sobre literatura y artes audiovisuales, publicados en diversos medios de América Latina y España. Integra el equipo de redacción de la revista española Shangrila y codirige, para Shangrila Ediciones, la colección Contracampo, en la que ha traducido a diversos autores. Publicó los poemarios La constelación de Andrómeda (Crack-Up, 2008), Descartes en Holanda (Paradiso, 2010), Cómo nadar estilo mariposa (Paradiso, 2011) y Flores en la boca (Paradiso, 2012), el ensayo Magdalena Montezuma. Musa, máscara y muñeca (Shangrila, 2016), la recopilación de textos sobre cine Último proyector en Finisterre. Cine y demolición (Shangrila, 2020) y el poemario Rehenes (Shangrila 2020).
Autor: Mariel Manrique, Editorial: Colección Shangrila revista, Páginas: 248
Kaidan. Tradición del terror en Japón
En 1998 nadie podría haber anticipado el éxito que aquella modesta película titulada The Ring acabaría cosechando por todo el mundo. Sus impactantes imágenes y revolucionarios recursos sobrecogieron a los espectadores hasta ocupar hoy día un lugar privilegiado en nuestra cultura popular, y la convirtieron en un fenómeno que cambiaría para siempre el género de terror. No es casualidad, pues el éxito de su director, Hideo Nakata, consistió en saber rescatar para la gran pantalla la fascinante mitología, el aterrador bestiario y la sutil iconografía que la cultura japonesa ha ido fraguando durante apasionantes siglos de historia.
Pocos conocen a Okiku, la joven arrojada a un pozo cuyo fantasma atormentaría a su señor; a Kuchisake-onna, el aterrador espectro que desfigura el rostro de los hombres más incautos; o incluso al estrafalario Bakeneko, una suerte de duende en que aseguran se convierten los gatos domésticos más longevos. Los fascinantes relatos y estética que inspiran el cine de terror nipón son el resultado del ancestral temor a un hábitat violento, la opresión social del arraigado feudalismo, el preciosista teatro kabuki, las leyendas urbanas o la tecnofobia. Cuentos tradicionales, bestiario, historia, cine… todo queda recogido en este exhaustivo y ameno libro, opera prima en la divulgación del investigador referencia en el género.
Autor: Antonio Míguez Santa Cruz, Editorial: Berenice, Páginas: 208
Solaris, Textos de cine: Cine que hoy no se podría rodar
¿Existe hoy un cine que no se podría rodar? ¿Puede la llamada “tiranía de lo políticamente correcto” hacer las veces de moderna censura, hasta el punto de impedir que se rueden o se proyecten ciertos films? ¿Hasta qué punto la mirada contemporánea no ha devenido en una inesperada forma de “autocensura”, al borde mismo del revisionismo? ¿Qué Verdad es esa que estos films inolvidables alcanzaron con sus imágenes y de la que muchos hoy no quieren saber? ¿Y qué tanto de eso que las hizo inolvidables no se debió a su arrojo por cruzar líneas que hoy consideraríamos prohibidas?
Ahora que grandes clásicos del cine y emblemáticas películas se someten al examen del “carefully watching”, urge este debate en el que se juega desde la libertad de expresión hasta la autopercepción de nuestra identidad cultural. Y no hay mejor lugar por donde empezar a pensarlo que analizando libremente algunos de los films más cuestionados en nuestro tiempo: Lolita, Harry el sucio, El Portero de noche, Gilda, Perros de paja, El tambor de hojalata, Saló o los 120 días de Sodoma, Grupo salvaje, La vida de Brian; films underground como Nekromantik 2, o inclasificables como Un perro andaluz.
Cine que hoy no se podría rodar convoca en estas páginas la mirada poliédrica y multidisciplinar de diferentes ensayistas y pensadores, analistas fílmicos y textuales, psicoanalistas, cineastas, críticos y juristas, con los que pensar la controversia desde los films que la incendiaron.
Contenidos
Cine que hoy no se podría rodar (prólogo)
Javier Urrutia
Harry el sucio. El ojo ciego, la imagen desenfocada
Alexander Zárate
¿Le gusta mirar? Algunos apuntes sobre Lolita (Stanley Kubrick, 1962)
Aarón Rodríguez Serrano
Desde el subsuelo moral: A propósito de El portero de noche
Elisa McCausland y Diego Salgado
La posibilidad de un nuevo tambor: El tambor de hojalata y las imágenes de la infancia
Israel Paredes
Grupo salvaje o la melancólica mirada de Sam Peckinpah a un mundo que agoniza
Carlos Tejeda
Perros de paja: si tu ojo te hace pecar, arráncatelo
Mireia Iniesta
Yo me caí de la cama de Jörg Buttgereit
Carlos Atanes
El legado de Gilda: Mirar lo Bello desde otra perspectiva
Vanessa Brasil
Los hermosos años del castigo. Pier Paolo Pasolini y Salò
Óscar Brox
La vida de Brian: El lado bueno de la vida
Irene de Lucas
Un perro andaluz: una flor azul en las cimas del cine
Eugenio Castro
El cine que ofende: censura pública, censura privada y autocensura
Marta Timón Herrero
Corolario de Carlos Atanes
Autor: Varios, Editorial: SOLARIS, Textos de cine con el apoyo de la Editorial TRAMA, Páginas: 244
Cine Coreano: cine se escribe con K
Corea del Sur ha sido, a lo largo de la historia, un país muy hermético y reticente a abrirse al mundo exterior. Sin embargo, en los albores del siglo XX tuvo lugar un fenómeno conocido como hallyu, a través del cual la cultura coreana comenzó a expandirse. El canalizador de esta ola coreana fueron las series de televisión (K-dramas) y poco tiempo después se sumó la música (K-pop). Así, durante las últimas dos décadas, Corea del Sur se ha convertido en uno de los principales exportadores de cultura y entretenimiento al mundo. Gracias al reconocimiento internacional de la película Parásitos (Bong Joon Ho, 2019), que se hizo con cuatro Óscar de Hollywood, todo parece indicar que estamos ante un nuevo fenómeno expansivo: el K-cine.
Cine Coreano: cine se escribe con K llega, por tanto, en un momento idóneo, cuando el público general de este lado del mundo comienza a interesarse por las películas de ese país. Esta obra, amena, exhaustiva y rigurosa, ofrece al lector un repaso por las mejores películas que nos ha dejado el cine coreano y lleva a cabo una revisión del estado actual de una industria que pasa por su mejor momento. Un recorrido por la historia del cine coreano con especial atención a los directores y actores más interesantes de nuestros días.
A través de las páginas de este libro, emprendemos juntos un largo y enriquecedor viaje de 10 000 kilómetros a un país profundamente desconocido en Occidente, quizá el más ignoto de toda Asia. Todo lo que necesitas saber y conocer para adentrarte en el fascinante e hipnótico mundo del K-cine lo encontrarás entre sus páginas.
Autor; Beatriz Vera Poseck. Editorial: Dolmen Ediciones. Páginas: 256
Lucio Fulci. Autopsia de un cineasta
Lucio Fulci. Autopsia de un cineasta es un ensayo realizado por Javier Pueyo en el que se lleva a cabo un recorrido completo por la obra del director de películas tan conocidas como Nueva York bajo el terror de los zombies o Aquella casa al lado del cementerio. Un estudio riguroso y personal en el que se repasa la obra completa del cineasta romano, incluyendo sus primeras comedias y sus conocidas incursiones en el cine de terror, pasando por sus trabajos dentro del western, el policiaco, el drama y sus cometidos en la televisión italiana.
Así, cintas como El destripador de Nueva York, Angustia de silencio, Luca el contrabandista, Los cuatro del Apocalipsis, Contrabando en Nápoles o Siete notas en negro son contextualizadas y diseccionadas a lo largo de las páginas, complementando los textos con una serie de entrevistas a diversos profesionales que trabajaron junto a Fulci: el músico Carlo Maria Cordio, el director de fotografía Nino Celeste, la guionista Ludovica Marineo o los actores Bernard Seray, Beatrice Ring o Giovanni Lombardo Radice, entre otros.
Aderezada con una serie de fotografías cedidas por algunos profesionales que trabajaron con Lucio Fulci, esta nueva edición presentada por Applehead incorpora, además de una revisión del autor, una serie de contenidos adicionales, como entrevistas con el guionista Antonio Tentori y el músico Fabio Frizzi o una reseña del reciente documental Fulci for fake de Simone Scafidi.
Autor; Javier Pueyo, Prólogo: José Luis Salvador Estébenez, Portada: Jairo Guerrero. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas: 280
Escritos sobre cine (1921-1953). Jean Epstein
Para Jean Epstein, el cine es “esa última reserva de lo féerico, de parque internacional de la maravilla”, donde el espacio y el tiempo se entrelazan, se disuelven para fluir y se hacen uno. La cámara cinematográfica, diabólica por su capacidad de derrumbar la lógica en la que han sido entrenadas nuestras vidas, detecta y ofrenda el milagro en lo banal. El cine, para Jean Epstein, es el lugar donde el hombre “preserva de la extinción total a la especie envejecida del prodigio”. El cine dinamita el hábito, hace de la mera duración una experiencia, desorganiza la normalidad. Es un bendito veneno que corroe, sin pausa y sin piedad, y sin siquiera saberlo, la hegemonía rígida y cruel de lo binario. No instaura jerarquías, no favorece divisiones, no pone al elemento a competir. Provisto de su técnica, nos devuelve a un mundo anterior a todas las técnicas. Armado de su conocimiento, nos libera del concepto y el número para restituirnos el reino de la sensación. No pretende enseñarnos nada, no se dedica a señalarnos un camino, no tiene mandamientos ni moral.
En el cine no hay Papas ni rey ni parlamentos. No hay saberes expertos ni tablas de la ley. Ni siquiera se necesitan las palabras (por eso Epstein amó el cine mudo). Pero hay un ojo que todo lo ve y es ese el don, el acontecimiento imperdonable. La escritura de Epstein es la casa de la poesía y la física cuántica, donde se anudan y se aúnan espíritu y materia. Es surrealista y queer, es rigurosa y tiembla, desencadenada.
Este libro reúne los escritos fundamentales de Jean Epstein, tal como fueran publicados en dos volúmenes, en francés, en la mítica e inhallable edición de la editorial Seghers, en 1974-1975. Pueden leerse como el testimonio de un precursor y un vidente, un teórico estricto y un empirista enamorado. Un hombre honrado y solo, definitivamente solo en el centro del viento. El viento duradero de sus visiones.
SUMARIO
Prólogo
Jean Epstein. La obra fílmica, por Henri Langlois
Jean Epstein: La obra escrita, por Pierre Leprohon
La lirosofía (extractos), por Jean Epstein (1922)
Escritos sobre cine (1921-1947)
Memorias inconclusas
Las películas de Jean Epstein, vistas por él mismo
El cine y las letras modernas(1921)
Buenos días, cine (1921)
Artículos, conferencias, declaraciones (1922-1925)
El cinematógrafo visto desde el Etna (1926)
Artículos, conferencias, declaraciones (1927-1935)
Fotogenia de lo imponderable (1935)
La inteligencia de una máquina (1946)
El cine del diablo (1947)
Artículos, conferencias, declaraciones (1946-1947)
Escritos sobre cine (1947-1953)
Espíritu de cine (1946-1949)
Artículos (1948-1951)
Alcohol y cine
Tornada
Apéndice. La caída de la casa Usher
Proyecto de versión sonora (découpage)
Filmografía
Bibliografía
JEAN EPSTEIN
(Varsovia, 1897- París, 1953). Figura emblemática del cine de vanguardia, Jean Epstein fue también novelista, crítico literario y teórico del cine. Cursó estudios de medicina en la Universidad de Lyon y fue asistente de Auguste Lumière. Llegó al cine de la mano de Blaise Cendrars e integró, durante la segunda década del S. XX, la segunda generación de “nuevos cineastas franceses”, posterior a la generación de Marcel L’Herbier, Germaine Dulac y Abel Gance. Reivindicó el cine como un dominio autónomo e independiente de la literatura y el teatro, dotado de recursos propios. Persiguió durante toda su vida la independencia dentro de la industria cinematográfica y la alcanzó con la fundación, en 1926, de su productora Les Films Jean Epstein.
Filmó con la misma audacia y sutileza ficciones en decorados de estudio y en paisajes naturales, con actores profesionales y no profesionales. Entre las obras claves del período mudo de su filmografía se encuentran Cœur fidèle (Corazón fiel, 1923), Six et demi onze (Seis y medio por once, 1927), La Glace à trois faces (El espejo de tres caras, 1927), La Chute de la maison Usher (La caída de la casa Usher, 1928) y Finis Terrae (1929). En el período sonoro, se destacan Mor’vran – La Mer des corbeaux (Mor’vran – El mar de los cuervos, 1930), L’Or des mers (El oro de los mares, 1932), Chanson d’Ar-mor (Canción de Amor, 1934) y Le Tempestaire (El domador de tempestades, 1947).
Autor: Jean Epstein, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 694
Operación Torremolinos. El cine español de superagentes (1965-1967)
Desde hoy se encuentra ya a la venta Operación Torremolinos. El cine español de superagentes (1965-1967), el segundo número de la colección La Biblioteca de La Abadía publicado por la editorial del mismo nombre. Tras el anuncio la semana pasada de su inminente salida, esta nueva entrega de La Biblioteca de La Abadía ha agotado prácticamente la mitad de ejemplares de su edición por medio de reservas.
Escrito por Santiago Aguilar, miembro de La Cuadrilla y autor en su faceta de historiador cinematográfico de las obras Edgar Neville: tres sainetes criminales o La Codorniz: de la revista a la pantalla (y viceversa) –este último junto a Felipe Cabrerizo-, Operación Torremolinos. El cine español de superagentes (1965-1967) es el primer monográfico publicado en nuestra lengua sobre la oleada de películas de agentes secretos que inundaran las pantallas de los cines de barrio a raíz del éxito cosechado por las primeras encarnaciones cinematográficas de James Bond, popularmente conocidas como cintas de euroespías, pseudobonds o spionisticos. En este caso, el recorrido del volumen pone su atención en aquellos títulos que contaron con participación española, ya fuera de forma oficial o extraoficial. Un planteamiento que permite a Aguilar a efectuar un análisis de cómo afectó este fenómeno a la industria española durante el trienio comprendido entre 1965 y 1967, cuando nuestro cine se encontraba inmerso en el momento de mayor apogeo de la política de las coproducciones con terceros países.
Entre 1964 y 1968, en plena vorágine de coproducciones y del gran invento del turismo, algunas de las productoras españolas más activas se implicaron en proyectos ideados para explotar el filón abierto por el éxito en las pantallas de todo el mundo del agente 007. A rebufo de las industrias italiana y francesa, España participó en casi un centenar de sucedáneos con resultados de todo pelaje. Antes de diluirse tan rápidamente como surgió, el subgénero dejó un reguero de artimañas para exprimir las ayudas oficiales y burlar los distintos raseros censoriales que constituyen el busilis de las coproducciones. El cóctel se compone de dos partes de localizaciones tan exóticas como Alicante, Barcelona o Torremolinos, una de chicas en bikini, otra de acción, un chorrito de ciencia ficción y unas gotas de humor. Por supuesto, agitado, no revuelto.
Operación Torremolinos. El cine español de superagentes (1965-1967) de Santiago Aguilar ya a la venta a un PVP unitario de 13,00€ y se puede adquirir únicamente a través de la propia editorial, escribiendo al mail pedidosbibliotecaabadia@gmail.com (gastos de envío por correo ordinario gratuitos, promoción solo válida para territorio español) así como en la tienda La mansión del terror (Calle Alondra, 44, Local 4) de Madrid.
Información y consultas en: labibliotecadelaabadia@gmail.com
Autor: Santiago Aguilar, Editorial: La biblioteca de La Abadía, Páginas:
Carlos Saura o el arte de heredar
Este libro pretende ser un homenaje a la obra de Carlos Saura, un gran director de cine, nacido en 1932, y que, hasta el día de hoy, ha dirigido más de cuarenta largometrajes. Un homenaje necesario para quien hoy en día se ha convertido en un “clásico”, con una obra que atravesó las décadas con una filmografía marcada por numerosas obras maestras que construyen un recorrido artístico rico y polimorfo. Se trata de poner de relieve la importancia de la filmografía del cineasta aragonés en la historia del cine español y mundial.
Si sus películas han sido a veces estudiadas por el prisma de la memoria y de la herencia cultural, centrales en su obra, este libro se interesa por una dimensión fundamental, estrechamente relacionada con estas nociones: los vínculos tejidos por Carlos Saura a lo largo de su recorrido profesional con las demás artes con referencias explícitas o implícitas a la cultura de su país. Esta visión del mundo que atraviesa su filmografía contribuye a la construcción de una obra coherente de un gran autor internacionalmente reconocido, en que las artes constituyen un hilo conductor a lo largo de un juego de espejos continuamente reinterpretado, entre visible e invisible, tiempo y memoria, intertextualidad y creación. La música, el baile, la pintura, la fotografía, la literatura, el propio cine, son omnipresentes en su obra, mediante citas, alusiones o apropiaciones cinematográficas de procedimientos artísticos: planos-cuadros, coreografías de la cámara, papel central de la música o estructuras en abismo fotográficas.
Este “arte de heredar” propio de la obra cinematográfica de Carlos Saura y que otorga a sus películas una dimensión de “arte total” es estudiado en este libro con un conjunto de 16 textos reunidos en cuatro grandes capítulos correspondientes con las principales dimensiones de su práctica. A partir de análisis precisos de obras suyas pertenecientes al conjunto de su filmografía, desde los años sesenta hasta hoy en día, que funcionan como una muestra, los autores han puesto de realce no solamente la gran variedad de las artes convocadas en su cine sino también de las formas de integrarlas a sus películas. Los autores de los textos de este libro-homenaje pertenecen a diversas tradiciones académicas europeas y americanas pero también a diversas generaciones, desde unos que fueron pioneros en la bibliografía sauriana hasta jóvenes doctores o doctorandos, cuya presencia demuestra el interés que sigue despertando el cineasta aragonés en el ámbito académico.
SUMARIO
Prefacio: Carlos Saura: el arte total
Manuel Palacio
Introducción. Carlos Saura o el arte de heredar
Nancy Berthier / Marianne Bloch-Robin
CAPÍTULO 1. MUSEOS IMAGINARIOS
El arte de heredar a través del biopic: el ejemplo de Goya en Burdeos
Nancy Berthier
Entre Saura y Goya: el tercer espacio cinematográfico de contemplación
Marvin D’Lugo
Saura, 1966: entre La caza, película de Carlos,
y los collages de Antonio, una memoria expandida
Jacques Terrasa
CAPÍTULO 2. DIÁLOGOS LITERARIOS: VOCES ENTRECRUZADAS
Modelos de realismo en una película de encrucijada: Los golfos, de Carlos Saura
Ángel Quintana
Saura-Lorca: tándem para un director literario/literato
Luis Pascual Cordero Sánchez
El mito de Carmen narrador por Carlos Saura: una aproximación y metatextual
Mónica Tomás Vicente
Io, Don Giovanni: el replanteamiento del dramma giocoso
Catherine Berthet
CAPÍTULO 3. FORMAS DE LA MODERNIDAD:
LOS MÚLTIPLES TEJIDOS DE LA HERENCIA
Peppermint frappé o el Vértigo español:
evocar a Hitchcock para repensar el ser español
Lucía Miguel González
Elisa vida mía y la búsqueda de la belleza
Emmanuel Larraz
La «foto-memoria» de los títulos de crédito en la obra de Carlos Saura:
El Séptimo Día (2003), un ejemplo paradigmático
Pietsie Feenstra
El Sur, Tango y Zonda, folklore argentino: el museo imaginario de Carlos Saura
Séphane Hontang
Carlos Saura, cineasta transmoderno
Pedro Javier Millán Barroso
CAPÍTULO 4. MÚSICAS, ECOS Y RESONANCIAS
Dialogar, citar, crear: Porque te vas…
Marianne Bloch-Robin
Carlos Saura, «autor acústico»
Kathleen M. Vernon
Deseo, historia y conversión del arte en Tango, de Carlos Saura
Renaud Malavialle
Laberinto de autenticidades:
declinaciones de la autenticidad cultural en el cine musical de Saura
Gabriel Domenech
Bibliografía
Filmografía
Autores de los textos
Los autores
NANCY BERTHIER
Catedrática de Artes visuales en el departamento de Estudios ibéricos y latinoamericanos de la Facultad de Letras de Sorbonne Université. Licenciada en estudios hispánicos y en estudios cinematográficos. Doctora de la Sorbona. En la actualidad es responsable de la rama de las artes visuales del equipo CRIMIC del que ha sido directora. Trabaja sobre la relación entre artes visuales e historia / memoria / política, aspectos en torno a los cuales ha dirigido trabajos doctorales y post doctorales y ha publicado numerosos artículos y libros personales (como Le franquisme et son image. Cinéma et propagande sous Franco, 1998, De la guerre à l’écran: Ay Carmela de Carlos Saura (2005), Tomás Gutiérrez Alea et la Révolution cubaine, 2005, Fidel Castro. Arrêts sur images, 2010, La muerte de Franco en la pantalla, 2020) o colectivos (como Retóricas del miedo: imágenes de la Guerra civil española, con Vicente Sánchez-Biosca, 2012, La cultura de las pantallas, con Álvaro Fernández, 2015, Cine y audiovisual. Trayectos de ida y vuelta, con Antonia del Rey, 2018). Ha sido profesora invitada en varios países de Europa y América para impartir clases o pronunciar conferencias.
MARIANNE BLOCH-ROBIN
Profesora titular de Artes visuales en el departamento de Estudios ibéricos e latinoamericanos de la Facultad de Letras de Sorbonne Université. Es doctora en Estudios Hispánicos e Hispanoamericanos, especialista de la música y más específicamente de la canción en el cine y de la obra de Carlos Saura. Es autora de numerosos artículos, capítulos de libros y ensayos sobre cine español y latinoamericano, sobre la obra de Carlos Saura y sobre la música en el cine. Ha publicado dos monografías: Madrid dans le cinéma de Carlos Saura, Los Golfos, Deprisa, deprisa et Taxi, Lyon (2013) y Paroles et musique au cinéma. L’œuvre de Carlos Saura (2018). También ha coordinado obras colectivas: Genre et Images dans le Monde Ibéro-Américain, Iberic@l Revue d’études ibériques et ibéro-américaines n° 11, 2017 con Alberto da Silva; Les publics cinématographiques dans les aires ibériques et latino-américaines, Atlante, Revue d’études romanes, nº 7, 2017, con Evelyne Coutel y Alberto Da Silva; Dictature et image absente dans le cinéma de non fiction, Savoirs en prisme, nº 9, en 2018 con Alberto Da Silva y Rodrigo Nabuco De Araujo; o, con David Marcilhacy, De la mémoire à la post-mémoire: représenter le premier franquisme, de la transition démocratique espagnole au xxie siècle, Cahiers de civilisation espagnole contemporaine, en 2020.
Autor: Nancy Berthier, Marianne Bloch-Robin, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros 31, Páginas: 400
Weird Western, Cine del Oeste Sin Fronteras
¿Qué tienen en común películas tan variopintas como El Valle de Gwangi, Almas de metal, Cowboys y Aliens o Bone Tomahawk? Pues difícil precisarlo porque unas son de ciencia ficción… otras tienen monstruos… uy, y otra es de terror y en ella salen hasta caníbales. Pero sin temor a equivocarnos, podríamos decir que todas son, de entrada, películas del oeste. ¿Seguro? ¿Son películas del oeste? La respuesta a esta pregunta se encuentra profundamente analizada y contestada en Weird Western, cine del oeste sin fronteras. Este libro será la obra conmemorativa de la XXIII Semana Internacional de Cine Fantástico Costa del Sol, que se celebrará entre los días 5 y 11 de septiembre de este año, y su publicación correrá a cargo de Applehead Team.
El objetivo de este volumen colectivo es establecer un catálogo de filmes de western clásico a los que argumentalmente se les han añadido elementos propios del cine fantástico o de miedo, y reflexionar sobre él. Aunque suene extraño existen varios y muy ilustres ejemplos, incluso más allá de los citados, una serie de producciones que van desde los años cuarenta hasta la actualidad. Bajo la coordinación del crítico y escritor Jesús Palacios, un nombre que no necesita presentación para los cinéfilos, este trabajo promete una lectura llena de sorpresas, ideas sustanciosas y nuevas pistas que seguro que disfrutarán los aficionados al cine de género.
Indice:
Una introducción al WW: rompiendo fronteras por Jesús Palacios
Yo dirigí un Weird Western español: «Atolladero» por Oscar Aibar
Gusanos de la Frontera por Jesús Palacios
El valle de los perdidos por Robert E. Howard
Resucitando la Frontera: vampiros y zombis en el WWA por Adolfo Reneo
Monster Western: un bestiario fantástico de la Frontera por Rakel Suárez
La Frontera diabólica: sectas y cultos extraños en el wéstern por Jesús Palacios
De Salvadores a Angeles de la Muerte: los wésterns apocalípticos por Donato Totaro
Indian Country: nativos americanos y WWAlfredo Lara La Torre Oscura: Stephen… ¿King del WW’? por Iria Barro Vale
Filmografía selecta comentada por Carlos Morcillo
Autor: VVAA. Editor: Jesús Palacios, Editorial: Applehead Team Creaciones, Páginas:
Elías Querejeta, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián publican ZINE: cuadernos de investigación cinematográfica
Esta publicación online de carácter bianual explorará las conexiones de la cultura cinematográfica con otras disciplinas científicas y humanísticas, con una atención particular por el cine vasco.
En el primer número se analiza la obra cinematográfica de Nestor Basterretxea desde el punto de vista del constructivismo y se presenta la obra de María Jesús ‘Tatus’ Fombellida.
ZINE: cuadernos de investigación cinematográfica es una publicación académica editada por Elías Querejeta Zine Eskola, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián. El propósito de ZINE es publicar investigaciones originales que contribuyan al conocimiento especializado en el campo de los estudios cinematográficos desde una perspectiva interdisciplinar.
Aunque da cabida a todo tipo de contribuciones relevantes para el campo, ZINE se fija como objetivo principal el apoyo y edición de trabajos que propongan nuevas miradas sobre la cultura y el patrimonio cinematográfico y audiovisual vasco, ya sea mediante el análisis y puesta en valor de casos de estudio que han quedado fuera de los relatos canónicos, la revisión crítica de figuras consolidadas o la puesta en práctica de metodologías innovadoras que hayan tenido menor desarrollo en la tradición académica local. En suma, ZINE se plantea como un espacio que propone ampliar no sólo las fronteras de los estudios sobre cine vasco sino, también, de los estudios cinematográficos desde el País Vasco.
La distribución de ZINE será íntegramente online. La publicación, de carácter bianual, estará alojada y disponible para descarga libre en español, euskera e inglés o francés en las páginas web de las tres instituciones involucradas en el proyecto.
En opinión de Harkaitz Millán, diputado de cultura de la Diputación Foral de Gipuzkoa, «la creación de una línea de publicaciones destinada a promover la investigación es consecuente con los objetivos del centro y con su actividad investigadora». El diputado también destaca la importancia de poner el foco en el análisis y estudio del cine vasco, y la divulgación del trabajo realizado por investigadoras e investigadores locales. Para Filmoteca Vasca participar en el desarrollo de esta publicación es natural dada la vocación investigadora y de preservación del patrimonio audiovisual vasco, dos líneas de trabajo y objetivos que se complementan con el carácter divulgativo de una parte importante de las actividades que lleva a cabo el centro. Por su parte, la participación del Festival en la publicación forma parte de su configuración como festival de todo el año, como certamen que se piensa a sí mismo y que quiere fomentar el estudio y la investigación sobre cuestiones relacionadas con el cine.
FORMATO FLIP BOOK | FORMATO PDF
Un primer número dedicado al cine vasco
Cada número de ZINE constará de dos secciones principales: por un lado, un estudio monográfico a cargo de especialistas sujeto a revisión externa por pares; por otro, ZINE acogerá también materiales vinculados a proyectos y acciones de investigación impulsados por el Departamento de Investigación de Elías Querejeta Zine Eskola en una sección que explora formatos híbridos entre la investigación académica y la creación. Por ello, ZINE se plantea, también, como un punto de encuentro entre la comunidad académica internacional y las iniciativas de investigación desarrolladas en la escuela.
En este primer número de la colección, Elixabete Ansa, profesora Asociada y Directora de Asuntos Académicos del Instituto de Estética de la Pontificia Universidad Católica de Chile, propone un estudio de la relación entre el cine y la fábrica, a través de una propuesta de lectura del cine vasco desde una perspectiva “constructiva”. El punto de partida del artículo de Ansa lo marca la película Operación H (1963) de Néstor Basterretxea y la necesidad de problematizar las formas en que se ha pensado la comunidad en el cine vasco.
Por otra parte, y como resultado del proyecto de investigación de EQZE Artesanos del cine: investigación sobre el cine amateur vasco, ZINE acoge un dossier dedicado a la serie documental Gure Herria filmada por la cineasta amateur María Jesús ‘Tatus’ Fombellida entre 1975 y 1985. Este apartado cuenta con las firmas de Enrique Fibla, investigador del CCCB y EQZE; Benoît Turquety, profesor de la Universidad de Laussanne experto en cine amateur, y de la artista Sahatsa Jauregi, que reflexionan desde sus respectivas disciplinas sobre el lugar que ocupan estas películas en el mapa de las prácticas culturales. Este dossier se acompaña de la publicación en la web de EQZE de nuevas versiones digitales de nueve películas de la serie Gure Herria de Fombellida.
Call for papers
ZINE es un proyecto abierto a las contribuciones de investigadoras e investigadores. Las propuestas de contribución de ZINE serán preseleccionadas por el Comité Editorial y también estarán sujetas a revisión externa por pares. Pueden hacerse llegar propuestas a la dirección zine@zine-eskola.eus. Cada propuesta debe constar de un resumen de entre 250 y 500 palabras y de un CV completo del/la autor/a. Las instrucciones para los autores y autoras están disponibles en la web de EQZE.
Cómo los superhéroes explican el mundo. Cine, cómic y política internacional
En este libro, el internacionalista Turzi recurre a los superhéroes de su infancia para explicar la geopolítica, los conflictos entre potencias o la cuestión nuclear.- Hulk, que oscila entre la calma contenida y el estallido mortal, ayuda a entender la política exterior de la Rusia de Putin, Wonder Woman tiene el mismo poder “blando” y declinante que la Unión Europea y la saga de los X-Men ilustra el drama de los refugiados y los migrantes. La superpotencia estadounidense refleja desde hace décadas su hegemonía en Superman, por supuesto, y su complejo militar-industrial en los excesos de Iron Man. Los villanos también nos dicen algo: Lex Luthor expresa las inequidades del capitalismo globalizado y Fu Manchú, los temores que genera el ascenso de China. ¿Acaso el barbijo de Bane, el enemigo que quebró a Batman, no es un anticipo de los efectos del coronavirus? En este libro tan original como riguroso, el reconocido internacionalista Mariano Turzi recurre a los superhéroes que alegraban su infancia para ayudarnos a entender la geopolítica, los conflictos entre potencias, la globalización, la desigualdad o la cuestión nuclear.
El autor
Mariano Turzi es Doctor en Estudios Internacionales por la Escuela de Estudios Internacionales Avanzados de la Universidad John Hopkings. Nació en Buenos Aires, Argentina, donde reside. Actualmente es profesor en UCEMA y en la Universidad Astral, pero su verdadera identidad es ser marido de Gladys Pierpauli y papá de Felicitas, Miranda y Candelaria.
Autor: Mariano Turzi, Editorial: Clave Intelectual, Páginas: 132
Contra el tiempo. Actores y actrices de género
Este Contra el tiempo. Actores y actrices de género se basa en el largometraje documental Contra el tiempo (José Manuel Serrano Cueto, 2012), nominado al Goya como Mejor Largometraje Documental. El volumen recopila, extendidas, las entrevistas que aparecen en la película a Charly Bravo, Mabel Escaño, Lone Fleming, Fernando García Rimada, Antonio Mayans y Ricardo Palacios. También se recoge una entrevista muy completa a Aldo Sambrell (que en la película aparece de forma testimonial), y a Antonio Pica y Jack Taylor, que finalmente no pudieron estar en el documental. Además, Serrano Cueto ha querido publicar aquí una larga charla, absolutamente inédita, que mantuvo con Paul Naschy. Todos son intérpretes del cine de género español de los 60 y 70 (terror, aventuras, policíaco, erótico…), salvo el caso de García Rimada, un actor que empezó en los 90 pero de la misma manera que muchos de aquellos nombres, los presentes y otros: gracias a su físico. Hoy adquiere mucho más valor porque Bravo, García Rimada, Palacios y Sambrell ya no se encuentran con nosotros. Se recogen también entrevistas al joven actor Antonio Mora. Este libro supone, pues, una extensión del documental, que, además, lo completa.
Autor: José Manuel Serrano Cueto, Ilustración de la portada: Manuel J. Iniesta, Editorial: Applehead Team Creaciones, Colección: Made in Spain, Páginas:
Solaris, Textos de cine: La invasión de los ultracuerpos, de Philip Kaufman
¿Puede una historia de ciencia-ficción convertirse en una de las más versátiles metáforas para pensar nuestro tiempo? ¿Cómo es que una fantasía aparentemente inocente sobre una invasión alienígena, publicada originalmente en 1956, se ha revelado tan audaz para entender y reflejar los temores e inquietudes de cada momento? Analizamos La invasión de los ultracuerpos, la inolvidable adaptación al cine que Philip Kaufman realizó en 1978 a partir de la novela de Jack Finney, pero también, con una mirada abierta y panorámica, el imaginario y los hallazgos del resto de adaptaciones a cargo de cineastas como Don Siegel, Abel Ferrara u Oliver Hirschbiegel.
Nos sumergimos en el fenómeno cultural de los body-snatchers, o ladrones de cuerpos, analizando su capacidad para revelar la verdad de cada época: la paranoia anticomunista, o antimacarthista, de los años 50; la conspiranoia post-Watergate en los 70; el temor al terrorismo tras el 11-S y hasta la pandemia del COVID-19. Desde La invasión de los ultracuerpos y con la apuesta de su metáfora plenamente vigente en nuestros días, nos arrojamos a pensar sobre los límites de la libertad, el valor del individualismo, la otredad del envejecimiento, lo político y lo biológico, así como la posibilidad misma del amor en el desierto de lo igual.
Desde la centralidad de La invasión de los ultracuerpos de Kaufman, pero junto al resto de adaptaciones, se encuentra en estas páginas el pensamiento de ensayistas de múltiples disciplinas, analistas fílmicos y textuales, psicoanalistas, filósofos y cineastas para desentrañar y esclarecer la vigencia y el alcance de una de las más prósperas alegorías de la ciencia-ficción.
Contenidos
Prólogo: Estragos del tiempo (y de la crítica)
Pachi Arroyo
La política del fantástico… o un cine político de género
Quim Casas
Quién grita: tres hipótesis sobre la identidad del ultracuerpo
Carlos Atanes
¿Víctimas, villanas o heroínas? Una reflexión sobre Elizabeth, Nancy y la lucha feminista de los 70
Miriam Borham Puyal
The Body Snatchers o El divorcio de lo real
Amanda Núñez
¿Ultracuerpos en el siglo XXI?
Carlos Tejeda
El cuerpo sentido
Aarón Rodríguez Serrano
La invasión de los ultracuerpos o la feminización del vacío
Mireia Iniesta
Y te miran, y te miras, al pasar
Raúl Álvarez
No despertamos nunca
Shaila García-Catalán
Una imagen para una sociedad infectada (antes y después de la pandemia vírica)
Israel Paredes
De Jack Finney a Philip Kaufman: la naturaleza de la bestia
José Ángel Barrueco
Autor:Varios, Editorial: SOLARIS, Textos de cine con el apoyo de la Editorial TRAMA, Páginas: 216
Imagen sobre imagen
MIS HISTORIAS DE CINE I
El libro que el lector tiene entre sus manos recoge la versión escrita de una enseñanza oral. La impartida en la Elías Querejeta Zine Eskola de San Sebastián durante el curso académico 2018-19. Responde, además a una propuesta que ningún estudioso del cinematógrafo podría rechazar: elegir las películas de mi vida, indagar en la manera en que ciertas obras han marcado mi manera de relacionarme con el cinematógrafo.
Por tanto, estamos ante un caso particular. Que no aspira a proponer un supuesto canon más menos normativo. Ni tampoco trata de jugar a ese juego divertido pero banal que consiste en señalar los pretendidos mejores filmes de la historia del cine. Se trata de algo mucho más íntimo, de hablar de la manera en que la frecuentación de esas obras (doce simples películas que sirven de muestra de muchos centenares vistas a lo largo de casi siete décadas, de tantas y tantas horas consumidas en la oscuridad de las salas) han construido mi manera de “vivir el cine”, de “vivir en el cine”, de “vivir con el cine”. Se trata de intentar explicar cómo y de qué manera esas películas me han atravesado, marcando a fuego la manera en que a partir de las ventanas que me han abierto sobre la vida, han moldeado mi manera de pensar el cine. Porque, eso sí, no creo que haya mejor forma de vivirlo que pensándolo.
Para ello me he visto obligado a volver la vista atrás hacia esa escena originaria que muestra a un niño que entraba de la mano de su madre en esas acogedoras salas de barrio (¡los cines de barrio, las sesiones matinales de los domingos, las interminables sesiones continuas!) de mi ciudad natal. Salas cuyo espacio tenía la virtualidad de transmutar las mañanas y tardes de los días festivos, a través una alquimia cuyos secretos apenas intuía, en territorios soñados. Territorios en los que, como dice la célebre frase de Michel Mourlet que Jean-Luc Godard pone en boca de André Bazin en el inicio de Le mépris, el cine ha venido para sustituir nuestra mirada por un mundo que sea acorde con nuestros deseos.
Santos Zunzunegui
El autor
SANTOS ZUNZUNEGUI (Bilbao, 1947). Catedrático Emérito de Comunicación Audiovisual y Publicidad (Universidad del País Vasco). Semiólogo, analista e historiador cinematográfico. Ha sido profesor invitado en diversas universidades de Europa, EE. UU. y América del Sur. Desde el curso 2018-19 imparte docencia en la Escuela de Cine Elías Querejeta Zine Eskola de San Sebastián.
Entre sus principales libros se cuentan: Mirar la imagen (1984); El cine el País Vasco (1985); Pensar la imagen (1989); La mirada cercana. Microanálisis fílmico (1996; nueva edición revisada y ampliada, Shangrila, 2016), Robert Bresson (2001); Historias de España. De qué hablamos cuándo hablamos de cine español (2002; nueva edición revisada y ampliada, Shangrila, 2018), Metamorfosis de la mirada. Museo y semiótica (2003; versión italiana Metamorfosi dello sguardo, 2011); Orson Welles (2005); Las cosas de la vida. Lecciones de semiótica estructural (2005); La mirada plural (2008), ganadora del Premio Internacional de Ensayo “Francisco Ayala” y cuya traducción al italiano ha aparecido en 2015 con el título de Lo sguardo plurale. En 2013 ha publicado Lo viejo y lo nuevo (Cátedra) donde se recogen cinco años de su trabajo en Caimán. Cuadernos de Cine, revista de la que es miembro de su Consejo Editorial. En 2017 apareció Bajo el signo de la melancolía. Cine, desencanto y aflicción (2017), su último libro.
Autor: Santos Zunzunegui, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 316
Diabolo ediciones publicara los cómics de la EC en España
El asesinato de Liberty Valance
En El asesinato de Liberty Valance, el crítico cinematográfico y fiscal Eduardo Torres-Dulce hace un repaso de los misterios, mentiras y secretos que envolvieron el rodaje de una de las más míticas películas de John Ford. En este libro, Torres-Dulce recorre, como experto en el cine de John Ford, los aspectos cinematográficos, sentimentales y jurídicos de El hombre que mató a Liberty Valance, una narración poliédrica, enmarcada en un momento crepuscular de la historia de los Estados Unidos. Con la publicación de El asesinato de Liberty Valance, Hatari Books se adelanta a la celebración (en 2022) del 60aniversario de una película que el mítico crítico norteamericano Roger Ebert definió como una película «casi perfecta», siendo nominada por el American Film Institute como uno de los 10 mejores westerns de la historia del cine y el personaje de Liberty Valance como uno de los mejores villanos. Dicho esto: ¿quién mató realmente a Liberty Valance?
Autor: Eduardo Torres-Dulce Lifante, Editorial: HATARI BOOKS, Páginas: 408
Fritz Lang. La telaraña del destino
Cientos de fotogramas ilustran este estudio sobre tan excelsa filografía, que, entre Alemania y Hollywood, indagó como pocas en la dualidad y el lado siniestro del alma humana, alumbrando películas tan míticas como El doctor Mabuse, Los nibelungos o Metrópolis, cuando no magistrales como M, el testamento del doctor Mabuse, Furia, La mujer del cuadro, Perversidad, Clash by Night, Los sobornados, Deseos humanos, Moonfleet o El tigre de Esnapur. Con motivo del centenario en 2019 de la primera película dirigida por Fritz Lang este estudio pormenorizado sobre su obra intenta rendir cuenta de la grandeza de una de las filmografías más importantes de la historia del cine. La obra de Lang es de tal riqueza que admite múltiples aproximaciones. En este estudio se indaga en el significado que las imágenes de sus películas generan más allá, e independientemente, del guión. Siempre aparecen en sus obras múltiples detalles de los que no se era consciente en una primera visión, y siempre quedan por descubrir y describir numerosos aspectos, perspectivas y formas.
Autor: Fernando Usón Forniés, Editorial: PROVIDENCE EDICIONES, Páginas: 676
Videodrome. La Distopía Según David Cronenberg
Nadie sabe cómo será el futuro, pero David Cronenberg lo ha imaginado en numerosas ocasiones. El director canadiense ha explorado en sus películas el posible destino del ser humano, marcado por el devenir de la tecnología, el cambio biológico, el impacto de la imagen y la presencia de la enfermedad. En Videodrome nos cuenta la historia de Max Renn, un productor de televisión ávido de nuevas experiencias mediáticas que acaba convertido en la víctima de una doble conspiración de contornos imprecisos y consecuencias letales. Cronenberg construye una distopía ambigua, caracterizada por la fuerza de los medios de comunicación, el poder de las grandes corporaciones y la actividad de revolucionarios mesiánicos. En Videodrome la señal de vídeo no sólo expande un virus sino que es el virus mismo. La sociedad ha enfermado y el proceso es irreversible. El virus se expande como una idea convertida en dogma que se infiltra en todos los estratos sociales. Teóricos y filósofos como Fredric Jameson, Dani Cavallaro o Scott Bukatman han mostrado un gran interés por la obra de Cronenberg. Los ominosos entornos que dibuja el filme, con sus personajes paranoicos y sádicos, adictos a la tortura y la pornografía televisada, han servido a estos autores como punto de partida para una reflexión que mezcla disciplinas como teoría de la información, historia, teoría de la imagen y hasta ciencia cognitiva. Cronenberg construye en Videodrome un artefacto de calculada ambigüedad y especula sobre nuestro futuro biológico, las capacidades cognitivas del ser humano, el control mental, el poder corporativo y el valor de la información. Lejos de ofrecer respuestas claras, Videodrome nos ofrece una serie de preguntas inquietantes que no podemos obviar ni un solo día más.
El autor
IVÁN GÓMEZ (Mataró, 1978). Doctor en Teoría de la Literatura por la Universidad Autónoma de Barcelona y profesor de Comunicación Audiovisual en la Universidad Ramon Llull, donde también coordina el Máster Universitario en Ficción en Cine y Televisión. Es licenciado en Derecho (ESADE), en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada (UAB) y en Comunicación Audiovisual (URL). Es coautor, junto al Dr. Fernando de Felipe, de los ensayos Adaptación (Trípodos, 2008), Ficciones Colaterales: Las huellas del 11-s en las series “made in USA” (UOCPress, 2011) y El sueño de la visión produce Cronoendoscopias (Laertes, 2014). Ha dedicado diversos artículos en obras colectivas y revistas académicas a la ficción serial norteamericana, al cine fantástico español y a las autoficciones audiovisuales, entre otros temas. Los artículos han aparecido en revistas como Brumal, Pasavento, Letral, Hispanic Cinemas o Fotocinema. Colabora regularmente con la publicación Serielizados. Ha sido profesor visitante en la Universidad Católica Portuguesa (Lisboa). Recientemente ha publicado junto a Luis Aragón el ensayo Bullitt. Un policía llamado Steve McQueen. Historia, análisis, mito (Laertes, 2016). Es abogado e investigador de temas relacionados con los estudios de Ciencia, Tecnología y Sociedad.
Autor: Iván Gómez, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías libros, Páginas: 216
The Twilight Zone Vol.1. La Dimensión desconocida
¿Quién no recuerda a los vecinos de la calle Maple sumergidos en una vorágine de recelos y sospechas, simples títeres de los planes de unos invasores extraterrestres? ¿Quién no sintió un estremecimiento al descubrir que los presuntos alienígenas que acechaban a una granjera eran en realidad unos terrícolas intentando sobrevivir en un planeta de gigantes? ¿Quién no entendió que la belleza o fealdad de un rostro oculto tras unos vendajes depende exclusivamente del ojo de quien lo observa?
Estas situaciones y muchísimas más tuvieron lugar durante los memorables cinco años que duró la emisión de “The Twilight Zone (La dimensión desconocida)”, sin duda el más influyente serial fantástico que jamás haya sido emitido por televisión.
En este primer volumen encontrarás la detallada historia de la gestación de esta maravillosa serie, incluyendo una semblanza de su creador y principal guionista, el legendario Rod Serling, así como información exhaustiva sobre otros reputados guionistas que participaron en la misma (entre ellos Richard Matheson o Charles Beaumont), los guiones inéditos, los compositores que dejaron su impronta en la serie (tales como Bernard Herrmann o Jerry Goldsmith), una detallada bibliografía, la votación de los episodios favoritos de un grupo de críticos y, como plato fuerte, el minucioso análisis de todos los episodios de la primera y segunda temporada del serial original.
Bienvenidos a “La dimensión desconocida”.
Autor: Jordi Ardid, Álex Barba, Tomás Fernández Valentí, Sergi Grau, Joan Renter, Álvaro San Martín y Lluís Villanova, Prólogo: Tonio L. Alarcón, Portada: José Mellinas, Editorial: Applehead Team Creaciones, Colección: Zapping Applehead, Páginas: 500
Terror Rural y Paganismo / El Ocultismo en el Cine Vol.2
El segundo volumen de la colección «El Ocultismo en el cine» invita al lector a visitar lugares donde existen credos mucho más antiguos que el cristianismo y donde se adora a dioses que se creían olvidados. A perderse por parajes idílicos en apariencia pero que esconden terribles secretos. A conocer a los habitantes de dichos lugares, de trato encantador aunque participen en los más oscuros rituales… y tenga cuidado, ya que usted podría estar participando en uno, y aunque no lo sepa, ser su próxima víctima.
«Terror rural y paganismo» es un exhaustivo viaje por las películas que han dado forma a uno de los sub-géneros más célebres de los últimos tiempos, desde los clásicos modernos que han servido para definirlo («The Wicker Man», «The Witchfinder General») hasta las que han avivado las llamas de su actual popularidad («Midsommar», «La Bruja»), pasando por los clásicos de la televisión que le dieron forma, cintas representativas de distintas geografías del planeta que muestran su propia versión del «folk horror», obras características de la relación entre el paganismo y el cine y también versiones de mitos y leyendas en la gran pantalla que muestran el lado más oscuro del folklore.
Atrévase a acompañar al equipo de El Pájaro Burlón (Dani Morell, Víctor Castillo, José Ángel de Dios, Xavi Torrents, Óscar Sueiro y Javier J. Valencia) por un tenebroso recorrido plagado de pavorosos cuentos populares, crueles brujas, terribles criaturas que el tiempo olvidó y deidades paganas que han aprendido hace muchos siglos ya a permanecer ocultas a plena luz del día a través de más de 50 títulos reseñados, tanto los más famosos como los ignotos o malditos pendientes de ser redescubiertos.
Autor: Javier J. Valencia, Víctor Castillo Rodríguez, Dani Morell, Óscar Sueiro, Xavi Torrents Editorial: Dilatando Mentes, Páginas: 494
Queer Horror. La deconstrucción del género y de la sexualidad en el cine fantástico
No existe consenso a la hora de definir, pensar e, incluso, vivir el concepto “Queer”. Puede que su aparente indefinición sea lo más coherente en un movimiento que propone, precisamente, la indefinición. Si el feminismo surgió como reacción de autodefensa frente al patriarcado, el feminismo de la segunda oleada (años 60 y 70) ha sido matizado, cuestionado o directamente atacado por perspectivas feministas de generaciones posteriores. En este sentido, el movimiento LGTB abonó el suelo que hizo posible la cosecha de la teoría Queer.
Si es cierto que ahora vivimos en la era postfeminista y concebimos la crítica postmoderna como una operación constructiva, entonces lo Queer podría ser una manera eficaz de trascender conflictos. En este sentido, el Horror Queer (o Queer Horror) es la expresión artística que sirve para recordarnos la existencia de esos conflictos que todavía no hemos sabido resolver, conflictos que generan graves problemas de naturaleza social, filosófica, política, psicológica e, incluso, médica. A diferencia del Terror, el Horror no vaticina, no se basa en la sugerencia, el Horror muestra de forma directa. Lo que pueda haber de Queer en las películas que propone y analiza este ensayo se manifiesta tanto en su argumento -como amenaza diegética para sus personajes- como en su condición de espectáculo, es decir, como amenaza para la sociedad que consume dichas películas.
Este libro explica qué tienen en común producciones audiovisuales tan dispares como Alien, el octavo pasajero, La novia de Frankenstein, The Rocky Horror Pictures Show, Psicosis, Frankenstein creó a la mujer, El Dr. Jekyll y su hermana Hyde, El Ansia o series televisivas como American Horror Story y Penny Dreadful.
El autor
CARLOS A. CUÉLLAR ALEJANDRO, Investigador y escritor, Doctor en Geografía e Historia. Trabaja como docente, desde hace ya más de dos décadas, en el Departamento de Historia del Arte, en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad de Valencia. Sus líneas personales de investigación comprenden el Prerrafaelismo, el Cine Cómico, el Cine Fantástico, la Mitología y el Ocultismo.
Entre sus libros destacan Jacques Tati (Cátedra), Nuevo Vocabulario Básico del Audiovisual (IVAC), La novia del Diablo (Shangrila), El Prerrafaelismo y su relación con la creación contemporánea (Institució Alfons el Magnànim) y Sleepy Hollow. El goce infantil de lo sobrenatural (Ediciones de la mirada). Ha colaborado en los libros colectivos Ciudades de Cine (Cátedra), La Nueva Carne. Una estética perversa del cuerpo (Valdemar), Cautivos de las sombras: el cine fantástico europeo (MuVIM), Furtivos de José Luis Borau (IVAC) y los dos volúmenes de Cine Fantástico y de Terror Español (T&B).
Además, ha colaborado en publicaciones periódicas como Archivos de la Filmoteca, L’Atalante. Revista de estudios cinematográficos, Herejía & Belleza, Ars Longa. Cuadernos de Arte y Banda Aparte.
Autor: Carlos A. Cuéllar Alejandro, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías libros, Páginas: 260
Sombras de Caligari. Cien años de cruces y diálogos con el primer gran clásico del fantástico
Libro oficial del SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 2020. Este libro celebra el centenario de El gabinete del doctor Caligari, el primer gran clásico del cine fantástico y de terror, y explora su inmenso legado cinematográfico y cultural. El lector encontrará miradas diversas a la enorme influencia de los asuntos, la puesta en escena y los recursos narrativos de la película en el cine y la televisión posteriores, sin olvidar la génesis de Caligari, su marco sociopolítico y los debates suscitados por su interpretación a lo largo de la historia. Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro, Sombras de Caligari cuenta con aportaciones de los propios coordinadores y de Lluís Rueda, Alan Salvadó, Jorge Gorostiza, Carlos Tabernero y Violeta Kovacsics. En los textos de estos autores se invita al lector a adentrarse en los incontables resquicios y los grandes misterios del que acaso sea el clásico más influyente de la historia del género.
Autor: Jordi Sánchez-Navarro, Ángel Sala, Alan Salvadó, Lluís Rueda, Violeta Kovacsics, Jorge Gorostiza y Carlos Tabernero, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: HERMANAUTE, Páginas: 234
Eurosexy. Voluptuosidad y delirio en el cine europeo, 1956-1973
Eurosexy. Voluptuosidad y delirio en el cine europeo, 1956-1973 resalta, dentro del magnífico cine de género europeo situado entre mediados de los años 50 y principios de los 70 (es decir, la época dorada de la producción de género), el papel fundamental de aquellas fenomenales, sugestivas y sugerentes actrices que lo nutrieron: desde las de mayor resonancia internacional, con categoría estelar (Brigitte Bardot, Claudia Cardinale, Sofia Loren, Romy Schneider, Anita Ekberg, Virna Lisi, Florinda Bolkan…), hasta las consideradas, con toda justicia, de Culto (Marisa Mell, Chelo Alonso, Caroline Munro, Barbara Steele, Tina Aumont, Martine Beswick, Edwige Fenech, Ingrid Pitt…), y por supuesto muchísimas más, auténticas diosas de la sensualidad y el erotismo. Su presencia marcó toda una época, que en estos tiempos de corrección política y censura velada sería impensable.
El texto analiza y repasa la importancia de tan sexys actrices en aquel cine y en la formación sentimental de varias generaciones de espectadores, para quienes este trabajo va a suponer un grato, excitante y documentado viaje en el tiempo, además de un riguroso y ameno estudio cinematográfico tanto para los cinéfilos veteranos como para los más jóvenes. Eurosexy. Voluptuosidad y delirio en el cine europeo, 1956-1973 disfruta, además, de una selección fotográfica de impacto (fotos de películas, imágenes de rodajes, retratos de actrices, carteles españoles y extranjeros, portadas de publicaciones…), completada con dos capítulos extra: una galería de más de 200 actrices emblemáticas, fotografiadas en el esplendor de su belleza, y otra con múltiples portadas de revistas de cine europeas de la época (alemanas, francesas, italianas, inglesas, españolas) reflejando el increíble magnetismo de aquellas fascinantes estrellas. Incluye, también, una amplia bibliografía ilustrada, así como un índice onomástico y otro de películas.
El precio de Eurosexy. Voluptuosidad y delirio en el cine europeo, 1956-1973 es de 34,50€ más gastos de envío. Más información y pedidos en: quatermass@hotmail.com.
Autor: Carlos Aguilar, Editorial: Javier G. Romero, Colección Cine-Bis, Páginas: 456
Suspiria. Las ministras del mal
