Categoría: Libros
L.A. Queer. El cine de Gregg Araki
Señalado por la crítica como provocador desde sus primeras películas amateurs, Gregg Araki siempre ha sido una figura controvertida que ha desarrollado su carrera al margen de la industria audiovisual comercial. Pionero del New Queer Cinema, su fiel retrato de las inquietudes y la angustia adolescente en la década de los noventa se convirtió en un fenómeno que llevó a las salas a miles de jóvenes que no encontraban representación en el cine. Con la siempre apocalíptica ciudad de Los Ángeles como telón de fondo, un mordaz humor negro y una selección musical que ilustra las tendencias alternativas de la época, el catálogo de películas de este irrepetible director es un explosivo cóctel no apto para todos los paladares.
A través de las páginas de “L.A. Queer: el cine de Gregg Araki”, Daniel Alcaide se sumerge en la filmografía del director para mostrar todas sus particularidades, referencias y códigos, que constituyen uno de los pilares fundamentales del cine independiente durante la década de los noventa y que ha influido a directores como Xavier Dolan o Yann Gonzalez, colecciones de innumerables firmas de moda y artistas de todas las disciplinas. Un adictivo viaje en el que descubrir el universo creado por una mente brillante en la que no pesa el paso del tiempo.
Incluye entrevistas exclusivas a la decoradora Jennifer M. Gentile y al actor Johnathon Schaech.
Autor: Daniel Alcaide. Editorial: Applehead Team Creaciones, Colección: Cineclub Applehead. Páginas: 244
Alain Resnais. Los entresijos de la memoria
La memoria, la guerra, el pasado, el amor y la muerte son los temas recurrentes en la filmografía de Alain Resnais. Aunque su nombre se asocia a la nueva ola del cine francés surgido a finales de la década de los años cincuenta, su trayectoria representa un tiempo y un espacio único que lo desmarcan de otros cineastas de ese movimiento como Jean-Luc Godard, François Truffaut, Agnès Varda, Éric Rohmer, Claude Chabrol, Chris Marker o Jacques Rivette. En él se dan a un tiempo la inquietud y la sensibilidad de un director de cine, un escritor, un escenógrafo, un músico y un pintor, conformando un corpus de películas en las que el montaje y la fotografía sugieren fascinantes asociaciones entre personajes y escenarios.
Noche y niebla, Hiroshima mon amour, El año pasado en Marienbad, Muriel, La guerra ha terminado, Providence, Asuntos privados en lugares públicos y Las malas hierbas son algunos de los títulos más destacados de una carrera que se prolongó durante seis décadas. Distinguido en varias ocasiones en los festivales de Cannes y Venecia, y asiduo ganador de los premios Cesar, Resnais gozó de un notable éxito de crítica y público que sin embargo no adocenó las formas experimentales de su cine. Desde territorios que lindan con el sueño y la irrealidad, sus películas nos hablan con pasión de las heridas que deja el tiempo, alfa y omega de la vida y el cine.
Alain Resnais. Los entresijos de la memoria celebra el centenario del nacimiento de este director irrepetible con una monografía, la primera de estas características publicada en español, que reivindica la vigencia de una figura esencial para entender no solo una época brillante del cine francés, sino también las claves estilísticas de un lenguaje narrativo que impregnó buena parte del cine de autor producido durante la segunda mitad del siglo XX. Y lo hace de la mano de un grupo de escritores que aprecian su legado desde una amplia comprensión del hecho cinematográfico; porque Resnais hay muchos, aunque todos se refugien en una sola mirada.
Contenidos
Prólogo. Alain Resnais en el presente, en movimiento
Jean-Michel Frodon
Capítulo 1. Cuando rodar es una aclaración
Quim Casas
Capítulo 2. Las claves de un estilo
Ignacio Pablo Rico
Capítulo 3. El cine y la memoria: escenas de la vida mental
Carlos Losilla
Capítulo 4. El orden de la realidad, el desorden de lo imaginario: Alain Resnais y la cultura popular
Elisa McCausland y Diego Salgado
Capítulo 5. La mirada del documentalista
Carlos Tejeda
Capítulo 6. La representación teatral: la realidad como escenario
Israel Paredes
Capítulo 7. Músicas, musicales y otras partituras
Carlos Tejeda
Capítulo 8. Las maniobras del amor
Raúl Álvarez
Capítulo 9. La guerra, la muerte y otras carambolas
José Ángel Barrueco
Capítulo 10. Enfoques, desenfoques y reenfoques: Las narrativas de las emociones y otras construcciones ilusorias
Alexander Zárate
Coordinado por: Raúl Álvarez, Israel Paredes y Carlos Tejeda.
Autor:Raúl Álvarez, José Ángel Barrueco, Quim Casas, Jean-Michel Frodon, Carlos Losilla, Elisa McCausland, Israel Paredes, Ignacio Pablo Rico, Diego Salgado, Carlos Tejeda, Alexander Zárate. Editorial: SOLARIS, Textos de cine. Páginas: 202
Vampiros en las sombras
«Vampiros en las sombras» aborda tres obras independientes unidas por su temática vampírica y el sello inconfundible de los realizadores neozelandeses Taika Waititi y Jemaine Clement, englobadas bajo el título “Lo que hacemos en las sombras». Su autora, Pilar Pedraza, ahonda en las fuentes que inspiran la franquicia profundizando en su naturaleza irreverente y su irresistible combinación entre horror y comedia.
El libro que tienes en las manos, desmonta cuidadosamente, sin romperlas, las tres piezas del conjunto: el cortometraje, la película y las cuatro temporadas de la serie estrenadas hasta el momento, a la vez que profundiza en las claves de su humor, su encanto y su originalidad, proporciona informaciones valiosas para comprender y disfrutar el conjunto.
Autor: Pilar Pedraza, Ilustraciones: Miki Edge. Editorial: Hermenaute, Páginas: 288
Enzo G. Castellari. El cineasta se rebela (Autobiografía)
Si la gran aventura colectiva del cine italiano fue una de las hazañas culturales más fructíferas y cautivadoras del siglo XX, las historias personales de sus varios centenares de protagonistas constituyen una fuente inagotable de sensaciones, anécdotas y brillantes experiencias humanas; en definitiva, de puro goce. Es en ese inmenso marco donde entra la arrebatadora autobiografía de Enzo G. Castellari (1938, Roma), un realizador famoso en el mundo entero por sus películas de acción y del Oeste. Nacido por, para y en el cine (su padre es Marino Girolami, una figura importantísima de la industria italiana), el autor de títulos de culto como “Keoma” o “1990: Los guerreros del Bronx” realiza un exhaustivo recorrido por su vida y obra desde la Segunda Guerra Mundial, con su primera visita a un set cinematográfico, donde conoció a Anna Magnani, hasta épocas recientes en las que vio cómo Quentin Tarantino rodó “Malditos bastardos”, un largometraje inspirado en su largometraje “Aquel maldito tren blindado”.
“El cineasta se rebela” nos abre la puerta al interior del séptimo arte como muy pocos libros lo consiguen. Directo, apasionado y torrencial, tal y como son sus películas, Castellari relata sin tomar aliento una vida repleta de encuentros con grandes artistas, de muchos éxitos y ciertos fracasos, de situaciones difíciles y heroicas decisiones creativas, de broncas y risas, de rodajes en Italia, España y medio planeta. Haciendo gala siempre de una pasión insobornable por el oficio, nadie más que él podría reunir en las mismas páginas, solo por indicar una muestra mínima de una lista larguísima y variopinta, nombres de la talla de Federico Fellini, Vittorio Gassman, Joan Manuel Serrat, Aphra Behn, Franco Nero, Charles Bronson, Van Johnson, Burt Lancaster, John Wayne, Robert Mitchum, Carlo Ponti, Natalie Wood, Barbara Steele, Paul Newman o, incluso, un casi redivivo Benito Mussolini en los años ochenta. Y todo ello plantando al lector en medio del set y con el director a punto de gritar: «¡¡Acción!!». Por eso y mucho más, las memorias de Enzo G. Castellari no solo llegarán por igual al corazón de los interesados en el cine italiano clásico, el mundial y el de género, sino que encandilarán a quien quiera averiguar cómo se hacen las películas y cómo funcionaba por dentro la industria en la segunda mitad del siglo pasado. “El cineasta se rebela” es una carta de amor al doble acto de vivir rodando y vivir disfrutando delante de una pantalla.
Autor: Enzo G. Castellari, Traducción de Santiago Alonso. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas:
Richard Fleischer
Perteneciente a la llamada Generación de la Violencia, Richard Fleischer no ha gozado de la misma fortuna crítica que el resto de sus miembros. Los críticos y los historiadores nunca han sabido en qué listado incluirlo, si en el de los autores o en el de los artesanos. Las dudas son hasta cierto punto comprensibles porque en su filmografía el arte y el artesanado se amalgaman formando una misma sólida aleación. En cualquier caso, es hora de hacerle justicia. El legado de Fleischer comprende casi medio centenar de largometrajes, entre los que hallamos títulos admirables como «The Narrow Margin» (1952), «20.000 leguas de viaje submarino» (1954), «Los vikingos» (1958), «Impulso criminal» (1959), «Barrabás» (1961) o «El estrangulador de Boston» (1968).
Autor: José Abad, Editorial: Cátedra, Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 320
Cine y arqueología «La arqueología en la gran pantalla»
«Creía que los arqueólogos eran unos graciosos hombrecillos que buscaban momios». Así describe Willie la profesión de su compañero de aventuras Indiana Jones en la película Indiana Jones y el templo maldito. El cine de aventuras siempre fue muy popular y exitoso, basado en un voluntario afán por el entretenimiento más que por la refl exión profunda sobre la condición humana. Dentro de este género, existe un conjunto de filmes cuyo eje central es la búsqueda de un tesoro y que forma un subgénero muy específico que es el cine de Arqueología. Indiana Jones, Lara Croft, Tadeo Jones… son algunas de las principales figuras de este tipo de cine que han trascendido los marcos cinematográficos para convertirse en auténticos referentes culturales. Si bien el cine de Arqueología ha distorsionado enormemente esta profesión, es innegable su magnetismo, capaz de atraer a las salas de cine a miles de personas deseosas de viajar a lugares exóticos, encontrar un tesoro y salvar el mundo. ¿Por qué es tan atrayente este tipo de películas? ¿Cómo y por qué surgieron dentro de la historia del cine? ¿Qué es lo que dicen, o no dicen, sobre la Arqueología? En este ensayo se defenderá que el éxito del cine de Arqueología reside en una original combinación de tres elementos: el exotismo, una particular percepción del tiempo, y la centralidad del objeto y del tesoro. Basada en una filmografía de más de 280 películas, el ensayo se divide en seis capítulos, en los que se aborda, entre otros, la historia del género, la construcción del personaje arqueológico, el tesoro como elemento central del cine de Arqueología o el análisis crítico sobre el cine de Arqueología como un cine esencialmente colonialista y racista, vinculado con el propio origen de la Arqueología como ciencia a lo largo del siglo XIX. Como afirma Howard Knapp al final del filme Daughter of the sun god: ¡Bebamos por una gran aventura!
Autor: Carlos Tejerizo, Editorial: Berenice, Páginas: 336
Marguerite Duras. El cine que yo hago
Marguerite Duras (1914 – 1996) no es solo una de las más grandes escritoras francesas del siglo XX, sino también una cineasta cuyas películas forman parte ineludible del cuerpo completo de su obra. Este libro reúne por primera vez los escritos de Marguerite Duras sobre sus propias películas (diecinueve, realizadas entre 1966 y 1985), su actividad como cineasta, así como las entrevistas más significativas que pudo conceder sobre su cine. De La música (1966) a Los niños (1985), pasando por Détruire dit-elle (1969), India Song (1975), Le Camion (1977), Le Navire Night (1979)…, el libro recoge todas las películas dirigidas por Duras (excluyendo las adaptaciones de sus libros y las películas que ella escribió como Hiroshima mon amour).
La mayoría de los textos que escribió para cada película se reproducen con el objetivo de presentar y explicar su trabajo al lector, a la crítica y, en ocasiones, a los propios actores. Las palabras vivas y evocadoras de Marguerite Duras proyectan al lector a un universo fílmico radical y depurado, muestran los vínculos que hay en su obra entre la literatura y el cine. Marguerite Duras habla de su forma de ver, de sus principios en la escritura cinematográfica, y sobre todo de la paradoja de un cine que busca “destruir el cine”. Una tentativa de «superar» al cine, de su negación, como la de la política. Pero más allá, estos textos hablan a todos de la existencia, del mundo, de la escritura. Aquí nuevamente se trata de destruir, de derribar, pero también de amar, de atreverse. De ahí el interés de dar a leer estos escritos y entrevistas.
Muchos textos están inéditos, otros permanecieron de muy difícil acceso. Algunos han sido publicados en carpetas de prensa, diarios y revistas especializadas cuando se estrenaron las películas. Algunos han sido reeditados en obras colectivas.
Autores
FRANÇOIS BOVIER.
Investigador en la Escuela Cantonal de Arte de Lausana y profesor de enseñanza e investigación en la Sección de Historia y Estética del Cine de la Universidad de Lausana.
SERGE MARGEL. Investigador de la Fundación Nacional de Ciencias de Suiza. Profesor en la Universidad de Neuchâtel.
Autor: François Bovier y Serge Margel, Traducción Vanesa García Cazorla; Editorial: Shangrila Ediciones, Colección Trayectos libros, Páginas: 382
Basilio Martín Patino
Basilio Martín Patino (Lumbrales, Salamanca, 29 de octubre de 1930-Madrid, 13 de agosto de 2017) estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Salamanca, donde fundó el Cine Club Universitario. A través de su cine puso en jaque a la censura franquista con sus revisiones sobre la Guerra Civil. «Nueve cartas a Berta» (1966) ha sido definida como la película más moderna y más «nouvelle vague» del cine español, y «Canciones para después de una guerra» (1971), como la película que Carrero Blanco hubiera querido que jamás hubiera existido. Galardones, premios y homenajes no lograron matizar la realidad y la soledad de su cine, una trayectoria plagada de desencuentros y un injusto y desesperado aislamiento del que fue objeto y que, sin embargo, no logró ni desactivarle ni entristecerle. El cine de Martín Patino es bello, independiente, lleno de humor y de ideales libertarios de los que jamás claudicó.
Autor: Javier Tolentino, Editorial: Cátedra, Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 264
Un viaje por el cine fantástico y de terror vol. 1
Con “Un viaje por el cine fantástico y de terror vol. 1: Del príncipe de las tinieblas a la odisea del comandante Bowman” te adentrarás en los orígenes del género a través de las primeras obras maestras silentes, firmadas por F.W. Murnau o Fritz Lang. Conocerás las producciones fantásticas de la Universal y RKO de los años 30 y 40 del siglo pasado. Compartirás desdichas con el rey Kong y los Freaks de Tod Browning. Gozarás de un amplio recorrido por la ciencia ficción USA de la década de los 50 y por las producciones de Hammer Films. Intemporales romances y aventuras fantásticas compartirán protagonismo con fantasmas, brujas, vampiros y monstruos de toda índole, algunos muy humanos.
Serán ineludibles paradas en el camino los títulos más populares —pero también otros menos conocidos— de las cinematografías norteamericana y británica, así como también los espectros del fantástico japonés, los horrores góticos del terror italiano, el cine fantástico de la Europa del Este o las leyendas y criaturas del imaginario mexicano. Y como privilegiados compañeros de viaje tenderemos a James Whale, Jacques Tourneur, Terence Fisher, Walt Disney, Alfred Hitchcock, Roger Corman, William Castle, George Pal, Ingmar Bergman, Federico Fellini, Roman Polanski, Stanley Kubrick y muchos otros. Un viaje, repleto de emociones y sorpresas, que partirá de los albores del cine y nos llevará hasta finales de la década de los 60.
Textos de José Abad, Tonio L. Alarcón, Jordi Ardid, J.P. Bango, Álex Barba, Tomás Fernández Valentí, Sergi Grau, Dario Lavia, Elisa McCausland, Joan Renter, David Salgado, Diego Salgado, Álvaro San Martín, Adrián Sánchez, Javier Trigales, Javier J. Valencia, Joaquín Vallet Rodrigo, Lluís Vilanova, Juan Carlos Vizcaíno Martínez.
Autor; VVAA. Coordinado por Lluís Vilanova. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas:
Weird TV
Al principio no había nada. Después llegó la televisión con una única cadena, que pasarían a ser dos y después tres, cuatro y cinco, y así hasta multiplicarse hasta el infinito, primero con la irrupción de la televisión digital y ahora con las plataformas de streaming.
En el mundo de las series de TV parece vivirse en un continuo «ahora» donde solo parecen tener importancia aquellas que generan más ruido en las redes sociales. ¿Dónde queda aquello que llamamos televisión de culto? ¿No debería, también, significar una mayor oferta televisiva la oportunidad de sumergirnos en el pasado y bucear a lo largo y ancho de la historia para redescubrir aquellas series que han quedado sepultadas por el torbellino de la actualidad?
Weird TV es un libro que desearía ser una cadena o una plataforma de streaming destinada a recuperar 47 series de género fantástico de las cuales no se ha hablado —o no lo suficiente— en nuestro país: se trata de series malditas, olvidadas, raras o exóticas que quizá pasaron desapercibidas, o tal vez consiguieron el éxito para después desaparecer de la memoria colectiva, pero que no han perdido ni un ápice de interés y están deseando ser recuperadas por todos aquellos amantes de la televisión de culto. Desde Max Headroom a Kolchak: The Night Stalker, pasando por Eerie, Indiana, Survivors, Belphegor: El misterio del Louvre o Quatermass. Todo ello en un libro escrito por Javier J. Valencia (Universo Twin Peaks, Terror Rural y Paganismo) que cuenta con las firmas invitadas de Jorge «Loser» Casanueva, Marcos Gendre, Xavi Torrents Valdeiglesias, Óscar Sueiro, Marc Muñoz, Dani Morell, Javier Ludeña y Víctor Castillo.
Autor: AA.VV, Editorial: Dilatando Mentes, Páginas: 542
Rafael Gil. La huella de luz de un cineasta español (1913-1986)
Podría afirmarse que Rafael Gil (1913-1986), más que un prolífico director, fue un inquieto hombre de cine. Cinéfilo y crítico cinematográfico, documentalista y guionista, director y productor, fueron todas estas facetas las que conformaron su retrato profesional e hicieron de él la gran promesa del renacimiento de la cinematografía española tras la cruenta Guerra Civil que dejó un largo poso de amargura y un país desolado. Considerado oficialista y conservador por sus críticos, Rafael Gil planteó su profesión en comunión con los gustos del espectador, huyendo de la teoría de un único autor y confirmando su concepción de que el cine es un trabajo de equipo, resultado de la conjunción de esfuerzos de profesionales dotados de talento e iniciativa.
Sus inquietudes artísticas tuvieron su reflejo en sus magníficas películas de la década de los cuarenta (Huella de luz, El clavo, El fantasma y doña Juanita, La calle sin sol, Una mujer cualquiera). En cercana colaboración con el decorador Enrique Alarcón y el director de fotografía Alfredo Fraile, Gil fue capaz de dotar a nuestro cine de filmes de digna factura e interesante realización, herederos de las influencias hollywoodienses fruto de su empedernida cinefilia. Durante los años cincuenta, fue fiel a su compromiso con sus inquietudes políticas y religiosas gracias a su asociación con Vicente Escrivá y su productora Aspa Films dando lugar a notables películas como La guerra de Dios o Murió hace quince años, en la que se observa un Gil más maduro y con mayor pulso. El declive artístico, que no comercial, que se observó en su filmografía a partir de los años sesenta, con notables excepciones, se contrapone a una mayor actividad profesional al entrar en tareas productivas con la creación de su empresa Coral P.C. y, posteriormente, con los beneficiosos acuerdos de distribución con Paramount a través de Cinema International Corporation. En esa etapa, títulos como El sobre verde o la segunda versión de El hombre que se quiso matar, surgidos de necesidades de exhibición, se oponen a auténticos ejercicios fílmicos por recuperar los buenos tiempos con sus adaptaciones literarias clásicas de los años setenta.
Rafael Gil: La huella de luz de un cineasta español (1913-1986) ofrece las claves y distintas lecturas que se infieren de la obra del director madrileño, las directrices sociopolíticas que informan su cine, su cercana relación con la literatura, así como su obsesión por el perfecto acabado del filme y su intensa preocupación por consolidar la cinematografía española.
El autor
Juan Ignacio Valenzuela Moreno, nacido en 1975 en Bilbao, pero cordobés de sentimiento y adopción, es Licenciado en Derecho y en Ciencias del Trabajo por la Universidad de Córdoba.
Durante su etapa universitaria colaboró en diversas publicaciones y actos relacionados con el Aula de Cine de la Facultad de Derecho, al tiempo que escribía reseñas en actividades cinematográficas de otros organismos como las organizadas por el Gran Teatro de Córdoba. Ha ejercido como docente en cursos de extensión universitaria relacionados con el cine y la música cinematográfica, escribiendo artículos sobre esta materia en plataformas digitales como Andalocio o CineHistoria.
Es autor del libro Georges Delerue. De la Nouvelle Vague a Hollywood (Ediciones Rosetta, 2019), nominado al mejor libro de cine en los premios ASECAN, y coautor de Cómo crear una película. Anatomía de una profesión (T&B Editores, 2008). Ha participado como ponente en el IV Congreso Internacional de Historia y Cine: Memoria Histórica y Cinema Documental (2014) y escrito artículos en revistas como Fotocinema, Fonseca, Ámbitos. Revista Internacional de Comunicación y Sin final en el guion.
Doctor en Cine, dentro del Programa de Patrimonio Cultural y Territorio de la Universidad de Córdoba, con una Tesis Doctoral que lleva por título Revisión de la obra de un cineasta olvidado: Rafael Gil (1913-1986), bajo la dirección del Pr. Dr. Pedro Poyato Sánchez, con calificación Sobresaliente Cum Laude, que ha servido de base para este libro.
Autor: Juan Ignacio Valenzuela Moreno, Editorial: Shangrila Ediciones, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 546
Cruce de fronteras en la ciencia ficción
Este libro propone examinar las novelas y películas de ciencia ficción estadounidenses contemporáneas desde la perspectiva de las construcciones y disoluciones fronterizas, es decir, observará las historias de SF a través de la lente de diversos enfoques teóricos. Cada uno de los cuatro capítulos tratará de analizar diversas reconfiguraciones de encuentros interculturales, interraciales, intermediales y entre géneros, al tiempo que se examinan temas específicos como la formación de identidades (narrativas), las (re)configuraciones de las imágenes de los cuerpos humanos/alienígenas, así como las manifestaciones de la alteridad en los espacios reales o digitales. Los capítulos tratarán de películas como Avatar, A. I., The Island, The Host, La invasión de los ladrones de cuerpos, etc., analizadas desde perspectivas poscoloniales, y de historias como Ready Player One, Tron y Tron Legacy en términos de identidades virtuales y posibles reconstrucciones de identidades humanas/artificiales en algo llamado «identidad terminal híbrida». Los cruces de frontera en términos de género -horror y ciencia ficción- se analizarán en la obra maestra de Ridley Scott, Prometheus.
Autor: Borbála Bókós: Editorial: Ediciones Nuestro Conocimiento, Páginas: 164
Conversaciones con Claude Sautet
Aunque en los años sesenta contribuyo al esplendor del cine policíaco francés con títulos como A todo riesgo, Claude Sautet se convertiría en la década siguiente en el gran cronista de las dudas y crisis sentimentales de una determinada burguesía. Gran director de actrices y actores, Sautet estableció una fecunda relación artística con Romy Schneider, pero también con Yves Montand, Michel Piccoli, o Emmanuelle Béart. Ha sido considerado el Ozu del cine francés. Las cosas de la vida, Max y los chatarreros, Ella, yo y el otro, Tres amigos, sus mujeres… y los otros, Una vida de mujer, Un corazón en invierno y Nelly y el Sr. Arnaud son los films más destacados en una filmografía relativamente corta, a la que conviene añadir sus trabajos como ayudante de dirección y, sobre todo su fructífera labor en calidad de guionista para otros cineastas.
El presente libro, el primero de una nueva colección impulsada por el Festival de San Sebastián y Filmoteca Vasca, acompaña la retrospectiva dedicada al director. Se trata de la traducción del volumen que recoge las conversaciones mantenidas entre Sautet y Michel Boujut, uno de los grandes expertos en la obra del director, en las que habla de temas y estilos, de cine y de jazz, las influencias externas, el trabajo con los interpretes las rivalidades entre ellos y ellas, la escritura, las raíces familiares, los problemas de producción, las complicaciones en los rodajes, la relación con los técnicos, la crítica, de donde surgen las historias y cuál es la mejor forma de trasladarlas a la pantalla. Cuenta con prólogos epílogos de Thierre Frémaux (director del Festival de Cannes y del Institut Lumière), el actor Daniel Auteuit y el cineasta y ex crítico Bertrand Tavernier.
Autor: Michel Boujut, Traducción Claudia Pena, Prólogo y prefacio de Thierry Frémaux y Daniel Auteuil. Posfacio de Bertrand Tavernier. Editorial: Festival Internacional de Cine de San Sebastián y Filmoteca Vasca, Páginas: 300
¡Esas mujeres! Retratos del Hollywood dorado
Mediante un estudio trenzado de los fundamentos de la puesta en escena, de la historia del arte, de la tecnología y de nuestra intimidad biológica, el retrato femenino se traslada del cine a la escritura alcanzando un grado de fascinación humana y analítica ajeno a cualquier idolatría. Un ejercicio donde adquiere importancia la instantánea de la palabra, su capacidad descriptiva, su fidelidad fotográfica. El despliegue de la oración como si fuera una pincelada, sus posibilidades para elaborar un discurso de reconocimiento y de respeto por los afectos. Ante estas imágenes importan la visión y la mirada, pero también la plasticidad del lenguaje, porque solo a través de su práctica conjunta conseguiremos dotarlas de profundidad y volumen. De la única pretensión de la paciencia, de la renuncia al academicismo, de la claridad intelectual y de una emoción sobrevenida, nace una perspectiva cultural y fisiológica donde la forma de un travelling y la geometría de un plano importan tanto como la expresión de un gesto, la amplitud de una sonrisa y la densidad de un hueso. En presencia de un rostro femenino, conscientes de la importancia de esta dimensión literaria del análisis, sabremos lo que puede una mujer.
Frente al sensacionalismo contemporáneo que se complace en promocionar la fealdad y la desdicha, en oposición directa a los que comercian con el odio y el vacío, recorremos el discreto camino de la estética que nos lleva de la intuición a la evidencia. Cultivar la mirada, la escritura y la lectura del retrato cinematográfico nos proporciona un sentido cabal de la convivencia y nos impregna con un tímido amor a la vida. No con voluntarismo crédulo, mas con un temblor cálido y sincero, con un sentimiento compartido donde no es necesario verlo todo al completo. Un espacio de imaginación, de memoria y de rigor donde, siguiendo la raíz etimológica de retrato, hacer revivir, devolver al presente a quien lo merece. Porque todas estas mujeres pretéritas propician el conocimiento, ofrecen esperanza y protección, ejercen de contrapeso al poder y nos rescatan del abandono. Venidas de la lejanía, de un Hollywood donde pensamos que siempre estuvieron cautivas, estas imágenes-madre nos ofrecen, en un acto de generosidad y liberación, múltiples maneras de habitar el mundo.
El autor
Roberto Amaba, Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca, Máster en Historia y Estética de la Cinematografía por la Universidad de Valladolid y colaborador del proyecto de investigación Intermedialidad e institución. Relaciones interartísticas: literatura, audiovisual y artes plásticas de la Universidad de Salamanca.
Autor de los libros Kino Delirio. En presencia de una imagen (2018) y Narración y materia. Supervivencias de la imagen cinematográfica (2019), editados por Shangrila. Ha divulgado en formato digital la miscelánea Fragmentos para una fisiología de la imagen (2017) y ha publicado ensayos, entre otros, sobre Jean Epstein, Alberto Cavalcanti, Paul Fejos y Mark Donskoi (Ártica Editorial), Guy Maddin, Forugh Farrojzad y Sergei Parajanov (Shangrila), Max Ophüls (Donostia Kultura), Anthony Mann (Ediciones Trea) y las fotografías de Abu Ghraib (Sial Pigmalión). Ha coordinado las monografías Pier Paolo Pasolini. Una desesperada vitalidad y Carretera perdida. Paseos con David Lynch (Shangrila). Su actividad investigadora se centra en las relaciones entre arte, literatura y ciencia.
Autor: Roberto Amaba, Editorial: Shangrila Ediciones, Colección Contracampo libros, Páginas: 240
WomanInFan. Topografía del género fantástico dirigido por mujeres
Los patrones culturales y sociales que imperan en la industria del cine han identificado tradicionalmente determinados géneros como propios de la sensibilidad femenina, confiando el liderazgo de proyectos dentro del terror, la ciencia ficción, la acción o del thriller, por ejemplo, a los hombres creadores; mientras que, por su parte, las mujeres no identifican el fantástico como un género a su alcance.
Y aunque han sido tradicionalmente ‘rara avis’, los largometrajes de género fantástico dirigidos por mujeres han surgido, sobre todo en los últimos años, dando paso a una cantera más que interesante en la que destacan nombres como Karen Arthur, Mary Harron, Claire Denis, Marina de Van, Jennifer Lynch, Kathryn Bigelow, las hermanas Wachowski, Karyn Kusama, Anna Biller, Julia Ducournau y un largo etcétera.
Este estudio sobre la mujer cineasta en el género fantástico aparece no exento de una polémica de fondo, surgida a raíz por supuesto de la mayor atención mediática hacia las mujeres y su vínculo con el terror: ¿debemos seguir exponiendo a la luz pública esta estadística minoritaria y el trato desigual de la industria hacia la mujer en el fantástico, o bien hay que comenzar a normalizar el trabajo de las cineastas en este terreno?
Quizás uno de los aspectos más estimulantes a corto plazo para la mujer en el género fantástico sea el poder configurar por fin su narrativa particular, mediante un enfoque o una sensibilidad diferentes, o no, pero en cualquier caso en proyectos firmados y liderados por ellas.
Libro oficial del SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
Autor: Libro coordinado por Mónica García Massagué con los autores Alan Jones, Diego López-Fernández, Domingo López, Heidi Honeycutt, Ángel Sala, Violeta Kovacsics y Jordi Sánchez-Navarro. Ilustración cubierta de Nora Montesinos García, Editorial: Hermenaute, Páginas: 204
Macros ocultas. Retrofuturos y universos virtuales en la ciencia ficción a propósito de TRON
Libro oficial del SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Hace cuatro décadas, TRON (Steven Lisberger, 1982) reveló un nuevo mundo. Un universo en el que la electrónica y la teoría matemática de la comunicación debían hacerse seductoras para el gran público, un mundo en que palabras como bit, transmisión o código iban a formar parte del vocabulario de los espectadores cinematográficos. En este libro volvemos la vista atrás y reflexionamos sobre lo que pudo haber sido y lo que finalmente fue, lo que queda de aquella película visionaria en la cultura visual contemporánea.
Autor: Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro, con aportaciones de los propios coordinadores y Asier Mensuro, Elisa McCausland, Diego Salgado, Joan J. Pons, Marta Salicrú y Ben Cardew. Ilustración cubierta: Miki Edge, Editorial: Hermenaute, Páginas: 260
El banquete infame. Representaciones del canibalismo en el cine
A lo largo de este ensayo comprobaremos cómo el canibalismo en nuestra cultura y, de una manera muy especial en el cine, es una obsesión tan recurrente como aterradora, que subraya nuestro oscuro placer al contemplar, fantasear y, en ocasiones, divertirnos con historias bestiales y sanguinarias. En la mayoría de ocasiones, la crítica se centra mucho más en la violencia y el gore que en las posibles reflexiones serias sobre su significado profundo.
No obstante, aquí lo abyecto no es la inmundicia ni el sufrimiento que esta trae consigo, sino aquello que perturba una identidad, un sistema, un orden.
El canibalismo, como abyección, es el peligro, humano e inhumano, físico y tangible, que nos empuja a transitar por espacios psicológicos, culturales, envenenados, al margen de la civilización, donde se concentran los recuerdos de una maldad pretérita fuera de toda lógica. El canibalismo equivale a mirarnos en un espejo y no hallar un significado lógico, conocido, a nuestra propia imagen.
Disfruten del banquete.
La obsesión cinematográfica por el caníbal es tan antigua como el propio cine. El primer acto de canibalismo real mostrado por el cine fue en Gow the Head Hunter (1928), un documental «etnográfico». Desde entonces han transcurrido casi cien años de películas sobre caníbales y canibalismo de todos los géneros y estilos imaginables.
Autor: Antonio José Navarro, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: Hermenaute, Páginas: 250
Jordi Grau. Un estudio cultural de su obra cinematográfica (1957-1995)
El cineasta Jordi Grau (Barcelona, 1930-Madrid, 2018) dirigió cerca de veinte películas entre dramas realistas, de terror, del destape, históricas y documentales. Igual que su nombre propio –antes más conocido como Jorge Grau– su obra se transformó en sintonía con los sucesivos cambios que se dieron en la sociedad española, desde la apertura del régimen franquista hasta el periodo democrático.
Catalán instalado en Madrid desde sus inicios en el cine a finales de los años cincuenta, participó en el rodaje de películas de Luis García Berlanga y de Sergio Leone. Sus primeros largometrajes en los sesenta –Noche de verano, El espontáneo, Acteón y Una historia de amor– le hicieron formar parte de las generaciones que renovaron el cine en España en esa década: la del Nuevo Cine Español junto a Carlos Saura o Mario Camus, y la de la Escuela de Barcelona con Vicente Aranda o Pere Portabella.
Con dotes para la pintura y el teatro, Grau supo dar una impronta artística a todas sus películas. Además, fue un profesional del cine que se adaptó al devenir de la industria. En los setenta hizo cine de terror, teniendo su mayor éxito internacional con la película de zombies, No profanar el sueño de los muertos. También dirigió La trastienda, uno de los títulos clave de la época del destape y la Transición, protagonizado por María José Cantudo. Muchos reconocidos intérpretes participaron en las películas de Grau, como Francisco Rabal, Fernando Rey, Sara Montiel, Lucía Bosé o José Sacristán.
Gran admirador de Luis Buñuel y del cine italiano, Grau estudió cine en Roma y tuvo a Federico Fellini como mentor y amigo. A través de una carrera diversa y personal, se interesó por retratar las vivencias de la sociedad a la que perteneció. Las relaciones de pareja conforman uno de los temas recurrentes en sus películas, planteando constantes alusiones al adulterio y a la hipocresía de la clase burguesa. Siempre poniendo en cuestión la moralidad católica y utilizando a su vez argumentos trascendentales como la muerte o la desigualdad en la sociedad de consumo. De modo que el análisis de la obra cinematográfica de Jordi Grau, desde 1957 hasta 1995, ofrece una mirada singular al cine y la producción cultural que tuvieron lugar en España a lo largo de la segunda mitad del siglo XX.
El autor
HUGO PASCUAL BORDÓN (Madrid, 1987). Ha impartido cursos de cine, cultura y lengua española en universidades de Estados Unidos, donde se doctoró con una tesis en torno a la obra de Jordi Grau. Ha presentado su trabajo en congresos y lo ha publicado en revistas académicas. También ha sido colaborador en la edición digital de la revista Fotogramas. Además de titulación en universidades de la Comunidad de Madrid, ha tenido estancias en Francia y Canadá, con estudios de cine y experiencia profesional en el sector audiovisual.
Autor: Hugo Pascual Bordón, Editorial: Shangrila Ediciones, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 328
La tercera vía del cine español. Espejo de un país en transición
Durante los años setenta se produjeron toda una serie de cambios políticos, económicos, sociales y culturales que tuvieron su punto de inflexión en el final de la dictadura franquista. La Tercera Vía es el espejo donde pueden leerse muchas de estas transiciones. Impulsada por el productor José Luis Dibildos, se trató de una tendencia cinematográfica que apostó por comedias a medio camino entre el cine comercial y el cine de autor que incluyeran una leve perspectiva crítica. Siendo Ágata Films la productora que utilizó esta etiqueta para sus trabajos, hay que resaltar el papel de directores como Roberto Bodegas (Españolas en París, 1971; Vida conyugal sana, 1974; Los nuevos españoles, 1974) o Antonio Drove (Tocata y fuga de Lolita, 1974; Mi mujer es muy decente dentro de lo que cabe, 1975) y de actores como José Sacristán o María Luisa San José. Fuera de este círculo otros cineastas como José Luis Garci, José Luis García Sánchez, Jaime de Armiñán o Manuel Summers desarrollaron películas semejantes, aunque ninguno de ellos las calificó como Tercera Vía. Una visión de la realidad española desde el Séptimo Arte que combinó calidad y comercialidad, y que supo anticipar el consenso político que reclamaba el país tras la muerte de Franco.
Autor: Ana Asion Suñer, Editorial: Laertes editorial, s.l. Colección Kaplan, Páginas: 380
Claude Lanzmann
El prestigio como cineasta de Claude Lanzmann (1925-2018) está inevitablemente asociado a «Shoah», la obra maestra de 1985. Supone, en efecto, una creación de referencia tanto por su propuesta de representación de lo en primera instancia irrepresentable (el exterminio nazi de los judíos de Europa), cuanto por la teorización subyacente de la problemática de la imagen en el mundo contemporáneo. Sin embargo, la cinematografía de Lanzmann es mucho más vasta: un total de nueve películas que abordan los dos acontecimientos capitales del judaísmo en el siglo XX, la Shoah y el Estado de Israel. Este libro, partiendo de esa dualidad y del modo en que determinó la biografía del cineasta, propone un análisis pormenorizado, filme a filme, del conjunto de la producción del realizador francés. El recorrido permite detectar las tensiones estéticas pero también ético-políticas que atraviesan una filmografía renovadora y polémica. Por fin, una obra que da cuenta de todo Lanzmann.
Autor: Alberto Sucasas, Editorial: Cátedra, Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 448
Atrapados en estrecha compañía «Camuflaje y paranoia en La Cosa de Carpenter»
¿Cómo se sale del laberinto de El Resplandor? De ninguna manera. No hay salida. ¿Quién es quién en La Cosa y cuándo cae la última máscara? No se sabe. Lo sentimos, ninguna explicación es definitiva. La sospecha nunca desaparece del todo.
Los adultos que acudieron al cine en 1982 encontraron en MacReady a un hijo de Vietnam y del cine desencantado de los 70. Los adolescentes de 1982 vieron en MacReady a un héroe, emparentado con ese Han Solo que dispara primero. La siguiente generación descubre La Cosa gracias al videoclub. Para entonces, los espectadores han establecido ramificaciones que ligan a La Cosa con la literatura de terror, manuales de psicología, la Nueva Carne, los cómics y el cine de los 90. Con las redes sociales y la cultura del camuflaje asociada a ella, llega una diferente percepción del alienígena. Y en 2020 sirve como representación de las situaciones de confinamiento.
La paranoia remite al horror cósmico. A H. P. Lovecraft. A esos científicos y exploradores que pierden la razón cuando se enfrentan a la realidad siguiente: una humanidad insignificante, como una mota de polvo, ocupa un lugar minúsculo dentro un universo que la ignora.
El camuflaje remite al horror al vacío. A Thomas Ligotti. A esos tipos que se enmascaran como payasos y aceptan la realidad siguiente: una humanidad ridícula, con todos los individuos que la forman disfrazados de carnaval, actúa dentro de un teatro que está a oscuras y sin público.
Autor; Daniel Pérez Navarro. Editorial: Dilatando Mentes. Páginas: 226
Pasolini. El último profeta
Pier Paolo Pasolini (Bolonia, 1922-Roma, 1975) fue poeta, narrador, ensayista, crítico literario y, como cineasta, autor de películas fundamentales como Teorema (1968), El Decamerón (1971) o la controvertida Saló o los 120 días de Sodoma (1975). Tras una difícil niñez y adolescencia, enfrentado a un padre tiránico y a los fantasmas de una homosexualidad incompatible con los cánones de la época, Pasolini ejerció como maestro rural en su Friuli natal; en los años cincuenta inició en Roma una valiosa aunque poco conocida trayectoria literaria en la que se refleja su temprano compromiso social y político con los más desfavorecidos y vulnerables, y que pronto fue respaldada por Natalia Ginzburg. Su filmografía, lírica y polémica a partes iguales, obtuvo muy pronto el respaldo de los grandes maestros del cine italiano.
Con un pulso narrativo sostenido de principio a fin, Miguel Dalmau narra los claroscuros y contradicciones de este gran intelectual europeo a los cien años de su nacimiento, y nos brinda las claves para entender una vida traspasada por una pulsión trágica —que terminó en su brutal asesinato en las playas de Ostia— y una obra literaria y fílmica que mantiene su plena vigencia en nuestros días.
El autor
Miguel Dalmau (Barcelona, 1957) es autor de biografías de referencia como La balada de Oscar Wilde, Los Goytisolo, Jaime Gil de Biedma, Julio Cortázar y La gran ilusión. Ha cultivado casi todos los géneros de la novela en obras como La Grieta, El reloj de Hitler, La noche del Diablo y ¡Quiero vivir en América! Asimismo ha indagado acerca de la intimidad femenina y la historia del feminismo en El ocaso del pudor. Desde finales de los setenta ha trabajado como crítico literario, guionista radiofónico y columnista dominical en la prensa de provincias. En la actualidad colabora habitualmente en el diario La Vanguardia.
Autor; Miguel Dalmau Soler. Editorial: Tusquets Editores. Páginas: 548
Hombres a mano armada. El mundo de Sergio Sollima
Después de agotar la mitad de su tirada en poco menos de un mes de preventa, desde hoy jueves 4 de agosto se encuentra ya a la venta el cuarto volumen de La Biblioteca de La Abadía, Hombres a mano armada. El mundo de Sergio Sollima, en el que se realiza un recorrido por la edad dorada del cine de género mediterráneo a través de la trayectoria de uno de sus más ilustres realizadores, el romano Sergio Sollima (1921-2015). El guía de este viaje es Adrián Esbilla, uno de los mejores especialistas en cine popular de nuestro país, autor de los libros La historia del cine australiano o Al oeste del mito: 50 wésterns básicos, además de participante en numerosas obras corales y responsable de la imprescindible web Esbilla Cinematográfica Popular (https://esbilla.wordpress.com/).
Hombres a mano armada. El mundo de Sergio Sollima se erige así en el primer monográfico publicado en castellano sobre la carrera del cineasta italiano, especialmente recordado por su aportación al denominado spaghetti wéstern. No en vano, fue el autor de tres de los títulos más notables del estilo: El halcón y la presa, Cara a cara y ¡Corre, Cuchillo, corre! No obstante, sería injusto reducir la importancia de Sollima a estos tres únicos films. Máxime, cuando fuera del género realizó películas tan potentes como los thrillers Ciudad violenta y Revólver, además de ser el responsable de la adaptación a la pequeña pantalla del personaje creado por Emilio Salgari Sandokán, la serie protagonizada por Kabir Bedi que se convirtiera en todo un fenómeno popular a mediados de los setenta del pasado siglo.
Hombres destinados a destruirse, hombres contra el mundo y contra ellos mismos. Armados, violentos, románticos. El cine de Sergio Sollima destaca por su vigor, por su concisión y energía, en el contexto vibrante del cine de subgéneros europeo entre los años sesenta y los ochenta. Sus mejores aportaciones las realizó al wéstern –El halcón y la presa, Cara a cara– y al thriller – Ciudad violenta, Revólver– sujeto a los rostros icónicos de Lee Van Cleef, Tomás Milian, Gian Maria Volonté u Oliver Reed. Hombres que apostaban todo en aventuras que les enfrentaban a fuerzas fuera de su control. Sollima fue también un aventurero; antiguo miembro de la resistencia italiana, cuando el cine se fue apagando se refugió en la televisión, donde recreó un mito como Sandokán, otro hombre contra un mundo cambiante. Este volumen recoge toda su producción como cineasta, desde sus primeros trabajos como guionista, su debut en la dirección dentro del eurospy hasta sus trabajos finales para televisión. Una pequeña historia del cine italiano vista desde Sergio Sollima.
Autor; Adrián Esbilla. Editorial: La biblioteca de La Abadía. Páginas:
Historia(s) del Manga Moderno
Un recorrido por la historia del manga moderno, un fenómeno ligado a la evolución social, económica, política y cultural de Japón.
En plena reconstrucción tras la II Guerra Mundial, Japón ve cómo emerge el manga moderno y rápidamente se convierte en la forma de ocio preferida de sus ciudadanos. Durante décadas, será testigo de las inquietudes y los sueños de varias generaciones de japoneses; de las horas más oscuras y más felices del país.
La historia del manga, a la vez actriz y espectadora de su época, se halla inexplicablemente ligada a la evolución social, económica, política y cultural de Japón. Esencial en el día a día de sus habitantes y para su producto nacional bruto, el manga es una de las puntas de lanza del desarrollo internacional de la tercera potencia económica mundial.
¿Cómo logró alcanzar el mercado del manga los cien millones de ejemplares anuales en menos de medio siglo? ¿Quiénes son los principales agentes de esta increíble expansión? Descubre, a lo largo de las páginas y los años, los principales acontecimientos y artistas que han marcado la historia del manga moderno.
Autor; Matthieu Pinon y Laurent Lefebvre. Editorial: Héroes de Papel. Páginas: 208
La crueldad de las imágenes: Estética y política del cine
La virtualización del mundo se impone en la sociedad de control neoliberal. En contraste con la iconofobia posmoderna, este libro iconófilo confía en la fuerza de la imagen cinematográfica para combatir la pérdida de realidad en un mundo dominado por el simulacro y por pseudoimágenes como las publicitarias.
Antonio Rivera postula una nueva estética cinematográfica de la crueldad, que se funda en el reconocimiento de la precariedad de la imagen. Esto implica admitir la distancia insuperable entre la imagen y la vida, pero al mismo tiempo supone proclamar la potencia del montaje cinematográfico y de la mirada del espectador para «relacionar» la imagen con la realidad invisible y con la verdad.
La estética de Rivera se basa también en la sustitución de la estructura teológica-estética que adopta el modelo hollywoodiense del cine por una estética democrática que suprime toda jerarquía entre narrar y mostrar, entre documental y ficción, entre géneros o entre los diversos elementos del filme.
El pensamiento estético de este libro favorece la aparición de un nuevo espectador, capaz de realizar la tarea crítica –y política– de discriminar entre las imágenes con referencia en el mundo y las imágenes «idólatras» o abyectas sin sustrato real.
Autor; Antonio Rivera García. Editorial: Guillermo Escolar Editor. Páginas: 744
Ultraman. La guía definitiva 1966-1987
Eiji Tsuburaya fue todo un pionero en el mundo de los efectos especiales y en la materialización de sueños fantásticos en pantalla. Con su entusiasmo inagotable, y su intención incontenible de crear fábulas que divirtiesen e inspirasen a todo tipo de generaciones, bajo su productora Tsuburaya Productions creó en 1966 un personaje que estaba destinado a convertirse en uno de los iconos más incombustibles y brillantes de Japón y de la cultura pop. Aquella creación fue Ultraman, un superhéroe gigante procedente de más allá de las estrellas, que viene a nuestro planeta para defendernos de cualquier tipo de amenaza galáctica.
En este libro rendimos homenaje a tan insigne personaje, analizando desde la primera serie de 1966 titulada “Ultra Q” —aunque no aparece el personaje, sentó las bases para su llegada— hasta las primeras películas protagonizadas por el coloso sideral. Dentro de ese periodo, un nutrido grupo de expertos y entusiastas del personaje desglosan la génesis de cada una de las producciones, su filmación e impacto en la audiencia en esos primeros veinte años de vida en pantalla. Es así como Jonathan Bellés, Jaime Cortecero, Josan García, Frank Guerra, Octavio López Sanjuán, Israel Moreno, Rubén Ortiz, Adrián Roldán y José Luis Romeu se ocupan de explicar, venerar y poner en contexto las diferentes encarnaciones de este inolvidable luchador, brillante y contundente, que gobernó las infancias de todo el planeta.
En España pudimos disfrutar de algunas de estas series pobladas por rayos de energía, acrobacias impresionantes y gritos esforzados. A tal efecto se incluye también un completísimo recorrido de la emisión de las producciones en nuestro país, con entrevistas exclusivas a los actores y actrices de doblaje que nos hicieron volar junto a Ultraman en aquellos tiempos donde, al encender el televisor, podías contemplar boquiabierto a este gigantesco bienhechor darle su merecido a todo tipo de engendros surgidos de los peores rincones del cosmos.
De cada serie, además, se detalla una guía de episodios con datos reseñables y valoraciones personales que enriquecen la lectura y forman una visión total del desarrollo de la producción pertinente, configurando la más completa y única publicación en occidente dedicada al personaje.
Autor; Jonathan Bellés, Jaime Cortecero, Josan García, Frank Guerra, Octavio López Sanjuán, Israel Moreno, Rubén Ortiz, Adrián Roldán y José Luis Romeu. Editorial: Applehead Team Creaciones, Colección: Zapping Applehead. Páginas:
Juan Antonio Bardem (1922-2002). Un comunista en el cine español
Este año 2022 se celebra el centenario del nacimiento de Juan Antonio Bardem, uno de los cineastas españoles más destacados de todo el siglo XX. Dado el olvido con que las instituciones parecen estar tratando este acontecimiento, presentamos aquí una biografía divulgativa de su vida y su obra. En el texto analizamos su formación como cineasta tras nacer en el seno de una familia de actores, sus primeras colaboraciones con Luis García Berlanga, sus grandes obras censuradas por las autoridades franquistas (Muerte de un ciclista, Calle Mayor, La venganza), su comprometida condición de comunista (que le llevó a ser encarcelado en más de una ocasión), la decadencia y el discreto resurgimiento durante la transición y su lamentable etapa final, cuando solo se le reconoció su trayectoria como cineasta concediéndole el Goya de Honor en la gala de 2002, justo el año de su fallecimiento.
Autor; Eladi Romero Garcia. Editorial: LAERTES EDICIONES, Colección: KAPLAN. Páginas: 196
Lo que nunca volverá. La infancia en el cine
Desde los inicios del cine, la representación de la infancia en las películas siempre ha sido diversa, rica y con infinitos matices desde un punto de vista expresivo. De hecho, la relación entre los niños y la cámara, ya no solo por la fotogenia o la presteza comunicativa de los pequeños, sino por las decisiones que marcan el proceso creativo de los directores, nos lleva a considerar que la niñez en el cine se caracteriza por una singularidad que va más allá de un tema o un género. En “Lo que nunca volverá”, una veintena de autores indaga en esta posibilidad analizando distintas obras cinematográficas donde, entre otras cosas, se refleja una confrontación (que provoca extrañeza, trauma, descubrimiento…) entre dos mundos diferentes que existen simultáneamente: el infantil y el adulto. Con una reflexión que abarca clásicos indiscutibles (“Los cuatrocientos golpes”, “La infancia de Iván”, “El espíritu de la colmena”,”E.T, el extraterrestre”…) y filmes poco conocidos para el gran público (“Los niños nos miran”, “Viento en las velas”, “Dos por el precio de una”…), este ensayo colectivo deja ver aspectos reveladores sobre esta etapa de crecimiento y cambio. Además, las películas permiten un original recorrido de cómo se ha tratado la infancia desde el cine mudo hasta la actualidad, y por diferentes puntos del mapa, pasando al mismo tiempo por una estimulante y original selección de cortometrajes. Esta obra espolea la imaginación y pretende recuperar la mirada infantil de unos lectores que quizás hace tiempo dejaron de ser niños, pero con muchas ganas aún de recuperar ese espíritu infantil que hace observar el mundo de una manera especial.
Autor; Prólogo de Javier González de Dios y textos de Santiago Alonso, Ana I. Álvarez García, Cristina Aparicio, Anaís Berdié, Jesús Cuellar Menezo, Miguel Martorell, Mireia Mullor Vicedo, Diego Olmedo, David G. Panadero, Yago Paris, Laura Pavón Aramburú, Daniel Pérez Pamies, Álvaro Peña, Ignacio Pablo Rico Guastavino, Juanma Ruiz, Isabel Sánchez, Diego Salgado, Marian Salgado y Snuff. Editorial: Colección: Cineclub Applehead. Páginas: 422
Fantastic Factory: El cine de los condenados
En el año 2000 el productor español Julio Fernández y el cineasta estadounidense Brian Yuzna se asociaron para crear una productora de cine de género con sede en Barcelona. A lo largo de cinco años y nueve películas, la Fantastic Factory intentó despertar del letargo el adormecido fantaterror español defenestrado por aquellos prejuiciosos incapaces de comprender que el cine debe ser sobre todo diversión y escapismo. Desde “Faust: La venganza está en la sangre” hasta “Bajo aguas tranquilas”, Fernández y Yuzna lucharon por un sector de la industria española necesitado de nuevas producciones que recuperaran el legado de aquellas obras de culto de los años 60 y 70 que atravesaron fronteras y dieron a conocer internacionalmente a autores como Narciso Ibáñez Serrador, Jesús Franco o Paul Naschy.
“Fantastic Factory: El cine de los condenados”, de Juan Luis Daza, es el primer ensayo a nivel mundial dedicado exclusivamente a la compañía catalana. Mediante declaraciones exclusivas en primera persona por parte de uno de los dos fundadores de la productora, el mismísimo Brian Yuzna, “Fantastic Factory: El cine de los condenados” supone un pormenorizado viaje por los orígenes de la productora, todas y cada una de sus nueve películas y el material original (literatura, cómics, sagas cinematográficas previas, hechos reales de la crónica negra española) en que se inspiraron, la desaparición del sello y su legado. A todo ello debemos sumar más de una decena de entrevistas a personalidades relacionadas con la productora, entre directores, intérpretes o guionistas que nos ayudarán a desentrañar y reivindicar aquella locura que nos hizo ver que en España otro tipo de cine era posible.
Autor; Juan Luis Daza, Portada: Carmen López. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas:
Miradas ascéticas. Poéticas del distanciamiento en el cine moderno y contemporáneo
Robert Bresson, Michelangelo Antonioni, Abbas Kiarostami y Lisandro Alonso nos han legado y transmitido sus miradas a través de sus obras. Un acto de ver y representar que catalogamos bajo la idea de ascetismo. Transitamos a través del cine moderno y sus derivas contemporáneas, y navegamos entre la opacidad, el distanciamiento, el extrañamiento, la sustracción, la austeridad, la pausa, el silencio, el azar o la desnarrativización, pero también el enigma, el secreto, lo inefable, la inaccesibilidad, la inmanencia y la trascendencia. Se trata de búsquedas estéticas subjetivas, nunca derivadas de imposiciones o limitaciones ajenas, sino fruto de una voluntad estética que conlleva apostar por la emancipación del espectador en el sí de obras que proponen una mirada ascética hacia lo real, con construcciones muy contenidas de la puesta en escena, de las narrativas y de la psicología de los personajes, acercándose a una indefinición o incluso a una ausencia.
Miradas ascéticas: poéticas del distanciamiento en el cine moderno y contemporáneo propone una constelación de autores para desplegar una aproximación transversal al cine y se articula a partir de cuatro ejes clave: el suicidio en Bresson, la incomunicación en Antonioni, el tránsito en Kiarostami y el extrañamiento en Alonso. Finalmente, en una coda se abordan otros cineastas que comparten rasgos de este ascetismo y, por ello, se consideran como cuerpos celestes que están más o menos cerca de los que conforman la constelación que se ha constituido, aunque algunos tienen una relación más tangencial u otros actúan más bien como satélites; entre otras figuras, encontramos a Wim Wenders, Carlos Reygadas, Wong Kar-Wai, Edward Yang, Hou Hsiao-Hsien, Tsai Ming-Liang, Jia Zang-ke, Andrey Zvyagintsev, Yorgos Lanthimos, Eugène Green, Aki Kaurismäki, Hong Sang-soo, Andrei Tarkovski, Yasujiro Ozu, José Luis Guerín, Darezhan Omirbayev, Nuri Bilge Ceylan, Carlos Reygadas o Sharunas Bartas.
El autor
MARTA PIÑOL LLORET, Profesora en la Universidad de Barcelona, también ha impartido clases en la UOC, en la UIC y en ESCAC, de Historia del Cine, Historia y Teoría de la Fotografía, Cine Documental o Dirección Artística. Cursó la licenciatura de Historia del Arte, el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte y el doctorado en la Universidad de Barcelona, obteniendo en los tres casos premio extraordinario. Su tesis fue galardonada con el premio Claustre de Doctors de la UB. Es autora de los libros Europa como refugio. Reflejos fílmicos de los diversos exilios españoles (1939-2016) (Edicions UB, 2020) y Con las maletas a otra parte. La emigración española hacia Europa en el cine (Sans Soleil Ediciones, 2020), así como ha sido editora de múltiples obras, como Monstruos y monstruosidades (Sans Soleil, 2015), Relaciones Ocultas. Símbolos, alquimia y esoterismo en el arte (Sans Soleil Ediciones, 2018), entre otras, o ha coeditado, junto a José Enrique Monterde, Crónica de un desencuentro. La recepción del cine moderno en España (Ediciones de la Filmoteca, IVAC, 2015) y ha traducido varios volúmenes. Ha sido profesora invitada en la Université Toulouse Jean Jaurès y ha obtenido una beca de investigación del Harry Ransom Center (Austin).
Autor: Marta Piñol Lloret, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre], Páginas: 360
Amicus, terror británico más allá de la Hammer
