Categoría: Libros

¿Qué tienen en común la onírica Venecia, la ciudad de la muerte, con Los Ángeles, la ciudad de los sueños? ¿La «culta» Nueva York con la «industriosa» Detroit? ¿Un suburbio de Estados Unidos con el centro de Roma? Todos ellos son escenarios del miedo contemporáneo. Cartografías del terror que toman forma de ciudad. Laberintos para las ansiedades de nuestro tiempo. Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro. Libro oficial de SITGES ? Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.

Las ciudades se reflejan en el género como centros densos de actividad humana, albergan tanto sueños como pesadillas y brindan un terreno fértil para que los cineastas exploren emociones que solo tienen sentido en el marco de la vida urbana. En esos enfoques, el aislamiento y la alienación se convierten en temas centrales.

Jordi Sánchez-Navarro habla en el primer capítulo de la representación de algunas ciudades italianas legendarias en el cine de terror y su relación con el concepto de lo sublime terrorífico.

Jorge Gorostiza analiza, a través de los nombres y la morfología urbana, cómo funcionan las urbes imaginadas y los pueblos inventados en las ficciones cinematográficas.

Los guetos y los suburbios residenciales son el material que ha tratado Victoria Santamaría Ibor en su capítulo.

Símbolo del colapso del siglo XX, Detroit es el escenario predilecto del terror contemporáneo que analiza Lluís Rueda.

Ángel Sala nos propone recorrer los mil y un horrores de la ciudad total, las grandes megalópolis urbanas de la modernidad.

Antonio José Navarro nos acompaña en una muy especial cartografía española del miedo urbano.

Carlos Tabernero pone el foco en la representación de las ciudades abandonadas.

El volumen se cierra con una selección de películas brevemente comentadas por Xavi Sánchez Pons y Ángel Sala.

Autor: Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro, Editorial: Hermenaute, Páginas: 214

Como saben quiénes veneran las artes ocultas, el ‘osculum infame’ o beso en el ano del diablo sella el abandono de los seres humanos al hechizo del mal. ‘Beso negro: Brujería, cine y cultura pop’ recoge en su título la imagen del ‘osculum infame’ para arrojar luz negra sobre un fenómeno que no ha dejado de manifestarse de una u otra forma en la cultura popular desde los inicios mismos de la Era de la Razón: la brujería.

‘Beso negro: Brujería, cine y cultura pop’ analiza las estrategias mágicas del brujo y la bruja para transformar la realidad y el eco que ello ha tenido en la ficción, a través de un recorrido que tiene su cuyo epicentro se halla en el cine, pero que no olvida la pequeña pantalla, el cómic y otras expresiones plásticas y lúdicas en las que brujo y bruja han pugnado por materializar otra forma de ser y estar en el mundo. Desde Aleister Crowley y ‘Häxan: La brujería a través de los tiempos’ (1922) hasta ‘La bruja’ (2015), las hechiceras feministas y los nigromantes de TikTok, un viaje en el que parece todo dicho y en el que todo está aún por invocar.

Autor: Diego Salgado y Elisa McCausland, Ilustraciones: Miki Edge. Editorial: Hermenaute, Colección Mikró. Páginas: 280

Historias para no dormir (TVE, 1966-1968; 1982), la mítica serie de televisión de Narciso (Chicho) Ibáñez Serrador, fue una de las primeras obras de consumo popular que apostó con gran éxito por los relatos fantásticos y terroríficos en la España de posguerra, tras un periodo cultural dominado por el realismo social.

Este libro de la investigadora Ada Cruz Tienda (Grupo de Estudios Sobre lo Fantástico de la Universitat Autònoma de Barcelona) ofrece una inmersión en la poética fantástica del autor, reconstruyendo el contexto en el que surge Historias para no dormir (con el fin de identificar los factores textuales y paratextuales que influyeron en el cambio de paradigma que entonces experimentó el género) y analizando sus episodios más representativos. También observa las diferencias y similitudes que existen en el tratamiento que Ibáñez Serrador dio a los diversos géneros con que exploró sus terrores favoritos (fantástico, ciencia ficción, terror físico, género policíaco…).

Chicho, que llevó la ficción fantástica a los diferentes medios de comunicación de la segunda mitad del siglo XX, logró conformar un estilo que sin duda condicionó la percepción del género en un público español aún no iniciado. Su aportación a la evolución de lo fantástico en nuestro país se hace evidente cuando se observa la inmediata proliferación de espacios televisivos –y en otros soportes– que apostaron por esta categoría estética poco después de las primeras emisiones de la serie, y de los cuales también se hace un breve repaso al final de esta publicación.

El autor

ADA CRUZ TIENDA. Doctora en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada y licenciada en Periodismo por la Universitat Autònoma de Barcelona. Como miembro del Grupo de Estudios sobre lo Fantástico, con sede en la misma universidad, sus principales líneas de investigación giran en torno a la presencia, formas y sentidos de lo fantástico en la televisión española y su influencia en el desarrollo del género en otros soportes mediáticos. Es autora de la tesis doctoral Los inicios de lo fantástico en la televisión española: Historias para no dormir y su herencia audiovisual (1966-1976) (2016), además de diversos artículos académicos sobre el género y de los capítulos dedicados a la televisión en Historia de lo fantástico en la cultura española contemporánea (1900-2015) (Iberoamericana-Vervuert, 2017), ensayo colectivo dirigido por David Roas, e Historia de la ciencia ficción en la cultura española (Iberoamericana-Vervuert, 2018), editado por Teresa López-Pellisa. Ha sido coordinadora del servicio pedagógico del centro de arte contemporáneo Estruch de Sabadell, responsable de comunicación del festival literario FLIC (Tantàgora) y, actualmente, coordina el Club de Lectura Fantástico de Librerío de la Plata de Sabadell e imparte clases de lengua y literatura española.

Autor: Ada Cruz Tienda, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías, Páginas: 316

El presente estudio plantea una aproximación en profundidad, profusamente ilustrada y documentada, a uno de los grandes hitos dentro de la evolución del mito vampírico en la pequeña y gran pantalla: El misterio de Salem’s Lot (1979), adaptación televisiva de la obra homónima de Stephen King, dirigida por Tobe Hooper y fenómeno de masas que, hoy en día, sigue contando con un creciente número de adeptos y una visibilidad denotada y transversal en diferentes manifestaciones y ámbitos artísticos.

A partir de una contextualización cronológica de la miniserie, con referencias a campos como la literatura, el cine y la cultura popular, este trabajo ayuda a comprender las claves de una obra indiscutiblemente seminal, definitiva e influyente que, a finales de la década de los setenta, supuso una refrenda de los parámetros y semas más clásicos y puristas del vampiro en un momento de transición y reconfiguración del mito a partir de derivas y relecturas posmodernas varias. Ofrecemos en estas páginas, allende la glosa anecdótica de aspectos relativos al proceso de filmación, producción y otras circunstancias tras las cámaras, todo aquello que constituye la esencia diferencial de una cinta categórica y referencial dentro de la filmografía vampírica, el cine de terror y, sin lugar a dudas, harto relevante dentro del séptimo arte en general.

El misterio de Salem’s Lot: bajo el signo del vampiro es un análisis fílmico y semiótico a partir de la definición e interpretación al detalle de escenas, planos, modalizaciones escenográficas y el desglose de aspectos básicos como la caracterización, la definición del espacio tematizado, la ambientación, el uso expresivo y narrativo de la banda sonora, el imaginario simbólico o la técnica del suspense, teniendo siempre como referente el texto original de Stephen King a fin de enriquecer nuestras conclusiones con el fundamento de una lectura comparada entre literatura y traslación a pantalla.

El autor

Julio Ángel Olivares Merino. Doctor en Filología Inglesa, docente investigador de la Universidad de Jaén. Ha impartido numerosas conferencias, escrito libros y artículos sobre el séptimo arte y la literatura de terror, centrándose en temáticas relacionadas con el concepto de lo espectral. Destacan sus monografías sobre Ringu o su estudio sobre el cine de Jaume Balagueró. Ha traducido, prologado y editado antologías de cuentos de fantasmas ingleses como Nueve fantasmas, de R.H. Malden, o la prestigiosa Fantasmas. Relatos victorianos y eduardianos, de Akal, además de preparar y traducir para Cátedra la edición de Carmilla, de Joseph Sheridan LeFanu, o los Cuentos infantiles de Oscar Wilde.

Como autor de ficción, ha publicado más de una decena de obras, entre las que destacan Sonambulia, Paralelo a tu expirar, Diarios del cuarto oscuro, La piel leve o La cacería.

Ha colaborado en diversos medios de comunicación y fundó la Radio de la Universidad de Jaén, UniRadio Jaén, de la que es director y con la que ha obtenido varios premios a nivel andaluz y nacional.

En 2020, fue galardonado con el “Premio Internacional Joseph Sheridan Le Fanu”, por su labor investigadora y creadora dentro del fantástico.

Autor: Julio Ángel Olivares Merino, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías, Páginas: 406

Sobre Carol Reed sigue pesando cierta desconsideración por parte de la crítica cinematográfica que no ha sido capaz de valorarlo en su justa medida más allá de los elogios que siempre ha despertado «El tercer hombre», su obra más popular y trascendente. Sin embargo, Reed es el autor de varias obras maestras como la influyente «Larga es la noche» o «El ídolo caído», y responsable de películas poco apreciadas como «La llave» y «Desterrado de las islas». Luis García Gil in­daga en los claroscuros de una obra rutilante que supo transitar varios géneros, de la comedia al drama, de la película histórica al musical, como demostró en la oscarizada «Oliver!» En Carol Reed confluyen varios mundos a lo largo de cuatro décadas de arte cinematográfico en las que estableció relaciones tan fecundas como la que le unió al escritor Graham Greene. Admirado por cineastas como Roman Polanski, el cine de Reed sigue plenamente vigente como ratifica esta aproximación a su obra en la que se reivindica el importante legado del cineasta británico.

Autor: Luis García Gil, Editorial: Cátedra, Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 320

El primer libro que aborda la historia del cómic de terror en España. Analiza desde sus inicios al comienzo del siglo XX hasta la actualidad, con especial detenimiento en la Edad de Oro de los años 70 y 80: las revistas, los dibujantes, los personajes emblemáticos, etc. Profusamente ilustrado y con varios pliegos a todo color, un nuevo libro de Pedro Porcel, uno de los máximos especialistas en cómic español. Más de cuatrocientas páginas profusamente ilustradas donde se analizan en detalle todas las historietas, las series, los autores, las revistas: Dossier Negro, Creepy, Vampus o Vampirella, pero también Inspector Dan, Don Tito, SOS, Lucifera o las modernas novelas gráficas. Todo cuanto ha dado de sí el género en la viñeta española de mano de cientos de nombres tanto recordados y celebrados como injustamente olvidados. «Porcel nos contagia en este libro su cariñoso entusiasmo por los tebeos, trazando algo que es mucho más que una simple muestra de erudición o mero historiar de la cultura popular: una crónica alternativa, sociopolítica, estética, artística y hasta económica y moral de la España del siglo XX». Jesús Palacios, del prólogo.

Autor: Pedro Porcel, Prólogo de Jesús Palacios, Editorial: ‎DESFILADERO EDICIONES, Páginas: 408

Tras los libros de Paulino Viota sobre Ford y Godard, aparecidos en esta misma colección, ha llegado el momento de homenajear al autor y hombre de cine en su faceta de profesor, un ¡docente carismático, divertido, profundo, que penetra junto a sus alumnos en la historia del cine como en un refugio cotidiano desde el que contemplar el mundo y afilar la imaginación. Se transcriben aquí (salvando, en la medida de lo posible, la singularidad de la palabra y la teatralidad de los gestos de aquel contexto privilegiado) las cinco clases de un curso de 2012 sobre la teoría del cine de Eisenstein impartido en la Filmoteca de Santander, en las que asistimos a la paulatina clarificación del complejo pensamiento de uno de los mayores cineastas que han existido, a su vez principal teórico del montaje ?desde sus posibilidades rítmicas, plásticas y orgánicas, a sus capacidades relacionales, afectivas e intelectuales?. Pero El genio de Eisenstein es mucho más que el trazo de un curso o la memoria compartida de la enseñanza de un experto, ya que Viota, para paliar la ausencia de las proyecciones de fragmentos fílmicos que interrumpían el flujo de las explicaciones, ha completado un exigente apartado de análisis y descripciones (que diseccionan los momentos álgidos de la obra del director de El acorazado Potemkin o las secuencias de otras películas traídas a colación, como el inolvidable «camino hasta el beso» de Recuerda de Hitchcock), lo que supone su mayor aportación hasta la fecha a la obra del venerado artista soviético. Libro bifronte, inaudito y a contracorriente, El genio de Eisenstein trae noticias de cuando los cineastas y las películas pensaban, también del tiempo en que los cinéfilos intentaban comprender, con paciencia y dedicación, cómo y por qué lo hacían.

Autor: Paulino Viota, Editorial: ATHENAICA EDICIONES, Páginas: 424

Hablar de Maite Blasco como actriz es adentrarse en más de sesenta años en la historia del teatro, el cine, la televisión y el doblaje españoles. A partir de sus primeros pasos dentro del teatro infantil hasta su presencia en los grandes teatros, en los elencos de un cine valiente realizado por directores comprometidos y en multitud de programas dramáticos de televisión, su carrera se ha caracterizado por una admirable capacidad para interpretar todo tipo de personajes y géneros. Desde la comedia, al drama y la tragedia; en textos clásicos, modernos y de vanguardia; en verso y prosa…, siempre con la mayor sinceridad, gran economía de gestos y una dicción capaz de decir sintiendo y de transmitir emocionando, como corresponde a la gran estirpe de grandísimos intérpretes españoles de siempre.

Maite Blasco se formó sobre las tablas y ante las cámaras siendo muy joven, lo que no fue óbice para seguir estudios de Arte Dramático al tiempo que interpretaba y estrenaba en el TEU y compañías de Teatro de Cámara. Por otro lado, cuando aún no había cumplido veinte años, formó parte de las primeras producciones de Televisión Española, casi en los inicios del medio, convirtiéndose a partir de entonces y durante varias décadas en un rostro familiar para tantos millones de españoles, a través de los inolvidables programas dramáticos que dieron lugar a la edad de oro de la televisión en España.

Desde su etapa como primera actriz joven del Teatro Español y María Guerrero y, aún antes, ha intervenido en grandes montajes protagonizando decenas de obras a las órdenes de prestigiosos directores, sabiendo adaptarse al transcurso del tiempo con una sorprendente naturalidad.

Su imagen, en modo alguno asimilable con el tópico de la española racial, correspondió siempre al tipo de mujer independiente y dueña de sus actos, tan común en el cine europeo, que ha conservado con idéntica frescura durante toda su vida.

Este libro nos traslada, de la mano de la propia actriz, mediante sus recuerdos y experiencias vitales y profesionales, al fascinante mundo de la interpretación vivido desde dentro. Un mundo en el que Maite Blasco representa el compromiso y la entrega personales, unidos indeleblemente al oficio de una actriz polifacética y versátil que siempre ha llenado los escenarios con su poderosa sensibilidad artística.

El autor

Gabriel Porras. Nació en Cantabria. Estudió Historia en la Universidad de Deusto, completando su formación en Florencia. Toda su vida profesional ha estado dedicada a la docencia en distintos centros públicos de España.
Como autor se ha especializado en la investigación de las carreras artísticas de distintos actores: Julia Martínez, Amparo Soler Leal, Julio Núñez, Mercedes Alonso, Victoria Rodríguez y Buero Vallejo, Luis Varela… o el director escénico y realizador de televisión Alberto González Vergel, que han dado lugar a otros tantos libros biográficos.
Asimismo, es autor de un reciente estudio sobre la influencia de Pérez Galdós y Menéndez Pelayo en el cine de Luis Buñuel y su filmografía completa comentada, además de participar en varias publicaciones colectivas.
Igualmente, ha traducido textos de autores italianos y portugueses e impartido cursos de Formación del Profesorado sobre Géneros Cinematográficos, en la Consejería de Educación del Gobierno de Cantabria.

Autor: Gabriel Porras, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 470

El legendario e incombustible a sus 97 años Mel Brooks resiste incólume y sigue marcando la pauta en la comedia televisiva, cinematográfica y teatral. Ahora, por primera vez, este grafómano y simpar bufón, miembro del selecto círculo de los EGOT (dícese de todo aquel militante de la farándula que se ha hecho con un Emmy, un Grammy, un Óscar y un Tony), nos comparte, de su puño y letra y para alivio de nuestra uretra la desternillante crónica de sus añoranzas, alabanzas, labranzas, chanzas, venganzas, enseñanzas y, cómo no, de sus no menos azarosas andanzas.

Para los amantes de la comedia norteamericana, se hace saber que la larga espera ha terminado. He aquí una jugosa ristra de anécdotas y recuerdos celosamente custodiados, historias jamás desveladas, pifias gloriosas, hallazgos inesperados e incontables secretos de una mente deliciosamente enferma.

¡Todo sobre mí! narra el meteórico ascenso de un Melvin Kaminsky (Mel Brooks para la gran mayoría de sus incondicionales) que sobrevivió a la Depresión en Brooklyn y a una guerra mundial para a fin de ir resumiendo hacerse con la Medalla Nacional de las Artes. Ya fuera en el Ejército o en sus primeros tientos profesionales como comediante adolescente en Catskills, buscaba incansablemente material en sus propias vivencias siempre en busca del chiste perfecto. Su fulgurante carrera arranca con Your Show of Shows, al servicio de Sid Caesar, donde formó parte de la mejor caterva de guionistas de la historia, junto a Carl Reiner, Neil Simon y Larry Gelbart. Tras registrar sus alardes de improvisación con Carl en los exitosos álbumes del célebre The 2000 Year Old Man y trabajar en el clásico de la televisión Superagente 86 despega su estelar carrera cinematográfica. Escribió, dirigió y protagonizó películas como Los productores, Las doce sillas, Sillas de montar calientes, El jovencito Frankenstein, La última locura, Máxima ansiedad, La loca historia del mundo y La loca historia de las galaxias, además de producir películas como El hombre elefante, La mosca y Mi año favorito. No contento con Hollywood, Brooks conquistaría, acto seguido, Broadway con su adaptación musical de Los productores.

Las amistades y colaboraciones de las que Brooks disfrutó con Sid Caesar, Carl Reiner, Gene Wilder, Madeline Kahn, Alfred Hitchcock y el gran amor de su vida, Anne Bancroft pueblan este inventario de luchas, desconsuelos, logros y camaraderías (con docenas de fotografías). Tributo, en suma, de obligada lectura para quien desee zambullirse en la vida y obra de uno de los artistas más consumados y queridos de la historia.

Autor: Mel Brooks, traducción Ana Julia Sarmiento. Editorial: LIBROS DEL KULTRUM. Páginas: 490

SIDNEY LUMET: Una conciencia progresista representa la primera monografía pubicada en lengua castellana sobre uno de los integrantes de la denominada Generación de la televisión. Poseedor de una vasta filmografía con más de cuarenta largometrajes rodados a lo largo de medio siglo Sidney Lumet (1924-2011) fue un cineasta extraordinariamente comprometido con un compromiso ético y social que se traduce en el contenido de buena parte de los títulos que dirigió tras las cámaras. El presente libro analiza la totalidad de sus largometrajes, convenientemente dispuestos en apartados a lo largo de las más de las cuatrocientas cincuenta páginas de las que consta SIDNEY LUMET: Una conciencia progresista. Disponible a partir de mediados de mayo de 2023.

El autor

CHRISTIAN AGUILERA. Nació el 18 de diciembre de 1967, en Barcelona. Licenciado en Ciencias Biológicas. Es autor de un buen número de libros de cine: Stanley Kubrick: una odisea creativa (1999), Los directores de cine del siglo XX (1999), La generación de la televisión: la conciencia liberal del cine americano (2000), Los actores de los Oscar (1927-2003) (2003), Milos Forman: el cineasta del inconformismo (2006), Joseph L. Mankiewicz: un renacentista en Hollywood (2009), El mundo de la ciencia: 50 películas esenciales (2017), Barbara Stanwyck: una gran señora de Hollywood (2015), Fred Zinnemann (2020), Robert Altman: al otro lado de Hollywood (2020) y Peter Weir: un mundo aparte (2021), y coautor de Historia del cine británico (2013). Asimismo, creó en 2001 el portal www.cinearchivo.com (luego reformulada en www.cinearchivo.net ) y es autor de El enigma Haldane (2011), su primera novela. Asimismo ha publicado diversos libros sobre compositores de cine (Jerry Goldsmith, Bernard Herrmann, John Williams y John Scott), uno sobre Neil Young y el díptico Historia del rock sinfónico e Historia del neo-rock progresivo (1982-2016). Actualmente prepara su segunda novela ambientada en el Londres victoriano, El doctor y el monstruo.

Autor: Christian Aguilera. Editorial: Kane Ediciones. Páginas: 380

En 1974 se estrenó en Estados Unidos una película que sacudió los cimientos de la sociedad, derribó todo lo que se entendía por terror hasta la fecha y alteró la manera de ver el cine para siempre. “La matanza de Texas” fue un éxito inmediato y sus diez secuelas han ido marcando una a una a cada generación de adictos al terror y el gore. A cada cual más enfermizo y explícito, estos nuevos capítulos de la saga han abierto puertas a nuevos directores y actores y han roto todo tipo de tabúes y barreras.

“Ocurrió en Texas: El oscuro linaje de la familia Sawyer” es un análisis en profundidad de la familia caníbal que ha dominado taquillas y servicios de streaming en las últimas décadas, película a película. Estudiando cómo y cuándo fueron creadas cada película, daremos un repaso a los creadores de la franquicia, a los perpetuadores del mito y a sus psicopáticas criaturas, encabezadas por el mítico Cara de cuero.

Autor: Andrés R. Paredes. Editorial: Applehead Team Creaciones, Colección: Noche de lobos. Páginas:

Es invierno, no importa lo que diga el calendario. El viento sopla donde quiere, las imágenes tiemblan en el agua. Es de noche, no importa lo que decreten los astrónomos. Se perdieron las brújulas, se agotaron los dogmas, todo lo sólido se rompió entre lágrimas. El lobo se suelta en la cabeza, el cansancio infiltra el corazón. Habrá que armarse un invernadero, en esta espera, en este mientras tanto. Colgar sobre su cúpula una estrella, con cinco puntas imantadas. En cada punta, el rostro de una actriz. Y el aliento inaudito de una muñeca mecánica.

Sobre las mesas de madera, escenas del cine atesoradas como flores. Una libreta donde anotar el nombre de ciertos jardines personales: Andrei Tarkovski, Roberto Rossellini, Theo Angelopoulos, Alexander Kluge, François Truffaut, Marco Ferreri, Werner Herzog, R. W. Fassbinder, Pier Paolo Pasolini, Béla Tarr, Sergei Paradjanov, Nicholas Ray. En un ángulo, una astronauta imaginada por Ridley Scott escribe sus cuadernos, una pareja soñada por Quentin Tarantino baila un twist, el mundo se acaba según Abel Ferrara. Acecha el veneno de Leni Riefenstahl, persiste en su fulgor Barbara Loden. José Luis Guerin indaga las huellas de un amor, se las inventa, traza su geometría. Jean Epstein filma el mar.

Un libro como un invernadero, donde el cine se cruza con otras especies del pensamiento y se declina bajo múltiples formas. Un invernadero como un atlas de momentos en los que nuestra especie supo ser humana. Fuimos esto, también, de esta trepidación también fuimos capaces. El mientras tanto era en verdad el final del camino. Al final del camino no había una revolución ni un manifiesto. Había un invernadero. Resistir era hacerse pequeño, auscultar las imágenes, mirar.

El autor

MARIEL MANRIQUE (Buenos Aires, 1968). Estudió leyes e historia del arte. Ejerció la docencia universitaria en la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires. Ha escrito ensayos sobre literatura y artes audiovisuales, publicados en diversos medios de América Latina y España. Integra el equipo de redacción de la revista española Shangrila y codirige, para Shangrila Ediciones, la colección Contracampo, en la que ha traducido a diversos autores. Publicó los poemarios La constelación de Andrómeda (Crack-Up, 2008), Descartes en Holanda (Paradiso, 2010), Cómo nadar estilo mariposa (Paradiso, 2011) y Flores en la boca (Paradiso, 2012) –estos tres últimos, su trilogía sobre el cuerpo, reunidos en Hospital Alemán (Shangrila, 2023)–, Rehenes (Crack-Up, 2020 – Shangrila, 2020), el ensayo Magdalena Montezuma. Musa, máscara y muñeca (Shangrila, 2016) y la recopilación de textos sobre cine Un proyector en Finisterre. Cine y demolición (Shangrila, 2020).
Invernadero. Cine y resistencia reúne sus textos sobre cine publicados en volúmenes de distintas colecciones de Shangrila, y material inédito.

Autor: Mariel Manrique, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 410

Pocas formaciones de rock asociadas casi en exclusiva a las bandas sonoras de películas son tan conocidas en el mundo como Goblin. Todo empezó cuando sus componentes grabaron la música de Rojo oscuro, la obra maestra del italiano Dario Argento, en 1975. Claudio Simonetti, uno de sus fundadores, y maestro de los teclados (piano, órgano, sintetizador…), cuenta en sus memorias los pormenores relacionados con el nacimiento y desarrollo de una banda de culto que supo añadir a las imágenes más terroríficas el mejor rock progresivo, una combinación perfecta que han disfrutado desde los años setenta los aficionados al cine en general, y del de terror en particular. Así, además del disco Rojo oscuro, han quedado para la eternidad los temas asociados a Suspiria o Tenebre, a los que habría que añadir el también alabado trabajo de Simonetti en solitario para largometrajes como Phenomena o Demons.

Pero la autobiografía De Goblin a Argento: Una vida dedicada a la música y el cine (publicada en Italia en 2017) desvela, además, muchísimas facetas de la carrera profesional de Claudio Simonetti poco conocidas para el lector español. Desde la composición musical para otros cineastas, entre quienes destaca Ruggero Deodato, y otros géneros, hasta su contribución decisiva en la música disco que después derivó en el famoso italo disco durante los años ochenta, aparte de su presencia en televisión o su intensa labor como concertista. El teclista es a día de hoy, junto con su grupo, Claudio Simonetti’s Goblin, el mejor guardián de las esencias de una banda mítica, tal como demuestran sus exitosas giras por medio planeta.

Autor: Claudio Simonetti y Giovanni Rossi, traducción de Santiago Alonso. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas:

Aunque, en un principio, Don Siegel pueda estar integrado en la Generación de la Violencia, lo cierto es que el cineasta mantendría una clara independencia y no poca distancia con respecto a los vaivenes de la industria cinematográfica estadounidense. Siegel, de hecho, es uno de los pocos direc­tores que lograrían mantener un sólido sello autoral produ­ciendo sus propias películas, aunque con la mirada siempre situada en las exigencias del público, muy especialmente a partir de sus colaboraciones con Clint Eastwood. De esta manera, obras maestras como «La invasión de los ladrones de cuerpos», «El seductor», «Harry, el sucio» o «La gran estafa» in­tegran elementos temáticos que van mucho más allá de sus anclajes genéricos, como la destrucción de la identidad, la reflexión sobre la violencia o la construcción de un antihéroe siempre enfrentado a las instituciones. Esta monografía, la más completa escrita en castellano sobre Don Siegel, analiza minuciosamente toda su obra, tanto sus películas y cortometrajes como sus trabajos televisivos.

Autor: Joaquín Vallet Rodrigo, Editorial: Cátedra, Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 328

Las fronteras entre documental y ficción se han diluido en muchos aspectos, especialmente a partir de los años noventa del siglo XX. La habitual distinción entre persona, entendida como sujeto documental o actor social, y el personaje, como el protagonista de la ficción, han dejado de ser compartimentos estancos en un género híbrido donde conviven ambas clasificaciones, pero también formas mixtas de ambas. El objetivo de esta tesis es demostrar los cada vez más difusos límites entre la persona y el personaje en la no ficción, centrándonos en el estudio de veinte filmes producidos entre 1990 y 2015, y establecer las características de los sujetos que aparecen en ellos.

El autor

Julio Vallejo Herán es licenciado en Periodismo y Experto Universitario en Comunicación y Arte por la Universidad Complutense de Madrid, Julio Vallejo Herán ha desarrollado gran parte de su carrera en el campo de la comunicación cultural y cinematográfica. Entre sus trabajos destaca la participación en 16 volúmenes de los anuarios de críticas Cine para leer y en el libro Historia del cine en películas (1970-1979), además de sus colaboraciones periodísticas en medios como Lainformacion.com o la revista AB Magazine, entre otros. Además, ha trabajado en los gabinetes de prensa del festival DocumentaMadrid y los Cursos de Verano de la Universidad Complutense de Madrid. Acaba de finalizar el doctorado en Historia del Arte y la tesis La dialéctica personaje/persona en la hibridación de documental y ficción del cine español (1990-2015).

Autor: Julio Vallejo Herán, Editorial: Punto Rojo Libros S.L., Páginas: 186

Memento mori! (¡Recuerda que eres mortal!). En los momentos victoriosos, así se le recordaba al militar romano su finitud. Sentimos a diario los avisos de la muerte y del (paso del) tiempo, y sobre ellos se edifica buena parte de la actividad artística, filosófica y narrativa del ser humano a lo largo de la Historia. No solo es una fórmula que articula narrativamente tantos relatos, sino también la causa de un habitual derrumbamiento en la desdicha: la imposibilidad de recuperar el pasado, la nostalgia provocada por una juventud perdida, la melancolía estimulada por su devenir, el recuerdo de un viejo amor… El propio transcurso del tiempo es capaz de provocar tristeza, pero la memoria es el proceso mental que activa el dolor, ese sufrimiento provocado por la dificultad para olvidar y borrar, y convierte a muchos personajes cinematográficos en seres anclados en el pasado, con el que se torturan morbosamente, incapaces de vivir en el presente o entrever un futuro esperanzador. Y el tiempo (sobre todo aquel que pasa, que huye irremediablemente y nos convoca a la vejez y la muerte: la dolorosa experiencia de un tránsito fugaz) se erige en un ingrediente esencial del cine, pues este es el arte del tiempo y de la memoria por excelencia: es el regreso a los lugares del pasado, para poner en justa evidencia la implacable diferencia entre la plenitud de antaño y la desolación presente, y activar la nostalgia del pretérito huido. En definitiva, la inscripción de la biografía en el relato, que se asocia a la nostalgia como la trágica consciencia de lo irreversible; un sentimiento que se acomoda también al cinema en cuanto arte del tiempo, que no puede acelerarse, ni retroceder ni suspenderse.

“Oh, melancolía, señora del tiempo”, cantaba el cubano Silvio Rodríguez. Este libro ensaya una teoría de la melancolía en el cine (y en la literatura, y en la vida) a partir del análisis de secuencias que evocan ese sentimiento de inefable tristeza y contagian al espectador un amargo deleite que resulta tan estimulante como satisfactorio.

El autor

(Zaragoza, 1964). Autor de más de una veintena de libros sobre temas cinematográficos. Entre ellos: Thelma y Louise / La ventana indiscreta (Dirigido por), Maenza filmando en el campo de batalla (Gobierno de Aragón), El cine melodramático (Paidós), Voces en la niebla. El cine durante la Transición española (1973-1982) (Paidós), Jerry Lewis (Cátedra), Escritos sobre cine español. Tradición y géneros populares (Institución Fernando el Católico – CSIC), Dolor en la pantalla. 50 melodramas esenciales (Universitat Oberta de Catalunya), etc. Ha estudiado, con Javier Hernández, el cine aragonés en diversas monografías: Antonio Artero, Moncayo Films, Antón García Abril, Adolfo Aznar… Además, ha colaborado en numerosos libros colectivos y en revistas culturales como Turia, Dirigido por, Cuadernos de la Academia, Versión Original o Nosferatu. Es también autor de un libro de narrativa: Locos de cine y otros relatos (La Fragua del Trovador). En Shangrila Ediciones ha publicado El cine de Frank Tashlin. América satirizada y ha colaborado en el volumen Josef von Sternberg, estilización y deseo.

Autor: Pablo Pérez Rubio, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 176

Esta es la historia de dos caminos. El primero es el recorrido por Stanley Kubrick y su carrera cinematográfica. El segundo es el de la historia del cine de Hollywood. Ambos se encontrarán en un momento crucial, el año 1968, provocando lo que Steven Spielberg definió como “el big-bang” del género clave del cine comercial moderno, la ciencia ficción. Ese punto crucial de la historia del cine será 2001: una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968). El presente libro constata la relevancia de esta película, no solo por su calidad cinematográfica, sino por constituirse como punto de giro y unión entre el final de la Era Dorada y el inicio del cine contemporáneo de Hollywood, centrado en las cintas de efectos visuales espectaculares del género de la ciencia ficción y fantasía, que tiene a Star Wars (George Lucas, 1977), y su saga-franquicia, como mayor representante y modelo.

Autor: Sergio Peral. Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L. Páginas: 792

En tiempos en los que las inteligencias artificiales ya generan simulacros de lo real y de lo humano susceptibles de reemplazar, al menos en términos de representación virtual, el mundo tal y como lo reconocemos, la inquietante obra del escritor estadounidense Philip Kindred Dick se reivindica con una energía inusitada. Si el imaginario pergeñado por el novelista en ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968) sigue resonando con fuerza en nuestro presente, cuando vuelven a emerger consideraciones metafísicas a propósito del sino del hombre, otro visionario, el cineasta Ridley Scott, cambió la historia de la ciencia ficción adaptando esa misma novela en Blade Runner (1982). Blade Runner es hoy un universo transmedia con videojuegos, series de televisión, una secuela –Blade Runner 2049 (Denia Villeneuve, 2017)– y fanfictions. Por ello, este volumen reúne a autores diversos para indagar en las distintas ramificaciones de la obra original de Dick. Encontramos un ensayo literario; meditaciones sobre el cíborg; ideas en torno al futuro y la identidad; un análisis de la banda sonora de Vangelis; pensamientos sobre lo distopía contemporánea; un estudio del influjo de Blade Runner en el videojuego; y un relato de ficción. Esperamos que el lector halle en estas páginas vías de reflexión inspiradoras, animándose a repensar un conjunto de obras que vuelven a hablarnos, hoy, en el idioma de nuestros días. 

Autor: Coordinado por Ignacio Pablo Rico, autores Diego Luis Sanromán, Diego Salgado, Álvaro Peña, Yago Paris, Víctor de la Torre, Raúl Álvarez, Alberto Murcia y Rosendo Chas. Editorial: UNION EDITORIAL, S.A. Colección ACONTRALUZ. Páginas: 178

En nuestro remoto pasado fílmico no faltaron quienes se entregaron a la técnica stop-motion y se enfrentaron al arduo rodaje fotograma a fotograma pese a la escasez de recursos y la ausencia de reconocimiento. Para este estudio no se han escatimado esfuerzos: se han visionado cortometrajes en filmotecas, recurrido al archivo de RTVE, contactado con profesionales y familiares, buceado en bibliotecas y hemerotecas, etc. Esta encomiable labor de investigación, en verdad de arqueología fílmica, quiebra años de olvido historiográfico para sacar a la luz un pasado oculto y sorprendente, que arranca en el cine mudo, sigue en la Segunda República, se prolonga durante el franquismo y los albores de la televisión pública, hasta el advenimiento de la democracia.

Autor: Adrián Encinas, Prólogo Jordi Costa, Epílogo Pablo Lloréns. Editorial: Desfiladero Ediciones. Páginas: 408

El anime japonés, de apenas cien años de historia,  ha logrado calar en el imaginario colectivo gracias a sus novedosas producciones. Con el paso de los años, su popularidad no ha hecho más que crecer, destacando como género individual dentro de la propia animación. En este panorama, han surgido grandes cineastas que, a través de su personal estilo, han dejado huella en la historia de la animación. Hablamos de autores como Hayao Miyazaki, laureado y reconocido director que, gracias a su particular poética, ha logrado desarrollar su propio cosmos cinematográfico. Bajo un manto de fantasía e ingenuidad, Miyazaki expone problemáticas como la contaminación, la desigualdad o la pérdida del propio patrimonio histórico y cultural de Japón. Estas preocupaciones han permeado en toda una nueva generación de directores de animación que han crecido con sus obras, autores del nuevo siglo influenciados por la extraordinaria poética miyazakiana que, a través de sus propios metrajes, replican parte de estos sellos que el realizador sénior ha desarrollado durante sus más de cincuenta años de carrera.

Autor: Elena Gil Escudier. Editorial: DOLMEN EDICIONES. Páginas: 344

Sinfonías fantásticas: las grandes bandas sonoras sinfónicas de los años ochenta es un apasionante viaje a través de 66 partituras compuestas para el cine norteamericano entre 1977 y 1993. El nexo que las une es que fueron ideadas para orquesta sinfónica o sinfónico-electrónica. Dicho viaje comienza con La guerra de las galaxias y llega hasta Pesadilla antes de Navidad. El autor analiza y comenta estas y otras composiciones que llegaron a ser muy populares, como En busca del arca perdida, E. T., La lista de Schindler, Desafío total, Gremlins, Supermán o Poltergeist. Además, el libro incluye el análisis de obras que no llegaron a formar parte del acervo popular pero que hoy en día tienen el estatus de clásicos de culto, como El dragón del lago de fuego, El chip prodigioso, Fuga de noche, RoboCop y Krull, entre otras muchas. A lo largo de la obra surgen nombres como Jerry Goldsmith, John Williams, Danny Elfman, James Horner, John Morris, David Shire, John Barry, Basil Poledouris o Alan Silvestri, la mayoría componiendo para películas de corte fantástico, aunque el libro también contempla títulos pertenecientes a géneros muy diversos, como el de acción, el de terror, el drama, la animación y el western.

Autor: José Belón de Cisneros. Editorial: ‎ Independently published. Páginas: 114

Un libro colectivo que rinde tributo a la figura y la obra de John Waters, el cineasta de culto por excelencia.

Con el paso de los años, John Waters se ha convertido en una de las figuras de referencia no solo del cine underground estadounidense, sino de la cultura pop en general. En su larga trayectoria, que abarca desde clásicos de la inmundicia como Multiple Maniacs, Pink Flamingos o Cosa de hembras hasta títulos más mainstream como Hairspray o Los asesinatos de mamá, el cineasta de Baltimore ha ido repitiendo una serie de obsesiones temáticas y formales que merecían ser estudiadas en un solo libro.

¡Larga vida al trash! El cine de John Waters como nunca te lo habían contado es un homenaje a un director que, acompañado por una troupe de actrices y actores incondicionales —los denominados dreamlanders— como Mink Stole, Patricia Hearst, Susan Lowe y, sobre todo, la mítica Divine, forzó los límites de lo que estaba permitido ver en la gran pantalla con grandes dosis de humor, irreverencia y transgresión.

Entre las autoras y autores que han querido sumarse a este tributo a John Waters se encuentran Valeria Vegas, Esty Quesada (también conocida como Soy una pringada), el director de cine Adrián Silvestre, los críticos de cine Javier Parra (autor de Scream Queer), Álex Mendíbil y Xavi Sánchez Pons, el investigador Carlos Barea o Álex Ander, autor de la primera monografía sobre Divine.

Autor: Varios. Editorial: DOS BIGOTES. Páginas: 284

En la actualidad, el cine español goza de gran reconocimiento por todo el mundo. Sin embargo, no todas las películas de nuestra cinematografía han contribuido a alcanzar ese estatus. Este libro ofrece un extenso repaso a todo nuestro cine. Con todo lo bueno… y lo menos bueno, que ello pueda conllevar. Desde las películas de Los hermanos Calatrava, Chiquito de la Calzada o Martes y Trece, hasta cualquier explotación para aprovechar la fama del famoso de turno, pasando por las inusuales obras convertidas en títulos de culto y asomándonos al cine maldito, ignoto o simplemente olvidado. Clásicos de Berlanga, Fernán Gómez, Zulueta o Edgar Neville, compartiendo espacio con las películas de Jesús Franco, Manuel Esteba, Eloy de la Iglesia y Mariano Ozores, entre muchos otros, para ofrecer el mayor y más completo repaso a todo tipo de películas perdidas, escondidas, desastrosas, memorables y olvidadas de nuestro cine.

Autor: José Fernandez Riveiro, Prólogo: Jesús Palacios. Epílogos: Toni McGinty y Paco Fox. Editorial: Independently published. Páginas: 233

El libro de Débora Madrid explora, analiza, y cuestiona la extraña historia (reciente) de la ciencia ficción cinematográfica en España navegando con pulso firme en un mar agitado por esas dos perspectivas. Y allí hay que colocar el primero de sus aciertos: nos ayuda a comprender por qué es importante seguir estudiando los aconteceres del pasado, explorar nuevas fuentes, mirar con lupa casos concretos, y dar voz a pequeñas circunstancias. Es allí donde se encuentra la complejidad de la historia social de la cultura, son esos detalles los que desafían nuestros esquemas, y nos permiten comprender cómo avanzar en el conocimiento, y aportar nuevas ideas al análisis de nuestro entorno. Pero hay más. En su relato, descubrimos, o re-visitamos, muchos protagonistas olvidados, películas a las que no se había dado importancia, hechos, y circunstancias que se pensaban irrelevantes por no responder a ningún canon aceptado. Y eso, en sí, aunque no tuviera las implicaciones mencionadas arriba, ya es otro mérito. Hace falta rigor, apego al detalle, capacidad de escucha para hacerlo. No parece descabellado pensar que es solo en el marco de una tesis doctoral que es posible concebir algo parecido: un trabajo de años, en el que la determinación de la curiosidad intelectual se mezcla con la paciencia y el respeto hacia lo que ya se ha hecho, el espíritu de aventura con las pausas de reflexión, la convicción con las dudas. Todo esto, ya pulido, repensado y asentado es lo que se encuentra encerrado en las páginas de este libro. Dicho en pocas palabras, es un libro del que se aprende mucho, que divierte, y que hace pensar. No creo que se pueda pedir más. Valeria Camporesi

Autor: Débora Madrid Brito. Editorial: ‎ Ediciones de la Universidad de Castilla-La Mancha. Páginas: 208

Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. A pesar de que el código Hays de censura se aprobó en 1930, no fue hasta cuatro años después que se instauró de un modo férreo. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años.

Este libro se centra en ese fascinante periodo de la Historia de Hollywood, analizando una a una las películas más características de aquellos años. Aquellas que a la postre han hecho honor a esta terminología moderna, pre-code, y que hoy día nos resultan verdaderamente impactantes.

El autor

Guillermo Balmori nació en Burgos en 7974. Es licenciado en Derecho por la Universidad de Burgos y Máster en Abogacía por el Instituto Superior de Derecho y Economía (ISDE) de Barcelona. Actualmente ejerce como abogado en Madrid. Escribe como articulista en revistas jurídicas y económicas, así como en páginas web de contenido cinematográfico. Es autor del libro «La comedia clásica norteamericana» publicado en esta misma editorial.

Autor: Guillermo Balmori. Editorial: NOTORIOUS EDICIONES, S.L. Páginas: 421

El libro El polar francés 1931-1982, nueva publicación de la Colección Nosferatu, acaba de ver la luz. El libro, número 19 de la serie, editado por Donostia Kultura y Filmoteca Vasca y coordinado por Antonio José Navarro, se acerca al cine negro francés, el llamado polar.

El cine negro nació en Francia en los primeros años 10 con los seriales de Louis Feuillade –Fantômas(1913-14), Les Vampires(1914-15)–y en el siglo XXI se siguen produciendo un buen número de títulos cada temporada, pero a la hora de abordar el libro se ha optado por circunscribirlo a los considerados años dorados del género.

En palabras de Antonio José Navarro: El polar, término que nace del apócope de las palabras policier (policíaco) y noir(negro), engloba las diferentes representaciones cinematográficas y literarias de lo criminal, de lo policíaco, según la cultura francesa. Representaciones que van mucho más allá de la simple antropología del delito y del delincuente, del enfrentamiento entre el Bien y el Mal. El polar fílmico es, probablemente, una de las mayores aportaciones europeas al cine de género de la historia, pues es el punto de encuentro entre las vanguardias europeas, las películas de Hollywood y la poética trágica, tremendista, sobre la marginación, sobre les bas-fonds, que nace de la novela naturalista francesa de finales del siglo XIX. Todo ello ligado a la fascinación por unas imágenes metafóricas, líricas o ferozmente realistas. 

De este modo, el polar se define como un cine ideológicamente diverso y estéticamente poliédrico. Un fenómeno transcultural, transhistórico y transgenérico, cuyo estilo visual definido pero, a la vez, dúctil en función de las inquietudes de sus autores, se convierte en miradas, pensamientos, emociones, alrededor del lado oscuro de la sociedad y, sobre todo, de sus individuos. Un género, el polar, dentro del cual encontraremos las mejores obras de cineastas de la categoría de Jacques Becker, Marcel Carné, Pierre Chenal, Claude Chabrol, Alain Corneau, Julien Duvivier, José Giovanni, Jean Grémillon, Jean-Pierre Melville, Jean Renoir o Henri Verneuil, entre otros.

Autor: Coordinado por Antonio José Navarro. Carlos Aguilar, Tonio L. Alarcón, Ricardo Aldarondo, Quim Casas, Mar Corrales, Roberto Cueto, Roberto Curti, Tomás Fernández Valentí, Pablo Fernández Vegas, Jorge Gorostiza, Eduardo Guillot, Elisa McCausland, Antonio José Navarro, Luis Pérez Ochando, Jesús Palacios, Juan Andrés Pedrero Santos, Àngel Quintana, Aarón Rodríguez y Diego Salgado, Editorial: Donostia Kultura y Filmoteca Vasca, Colección Nosferatu, Páginas: 231

Director ecléctico, capaz de atravesar todos los géneros cinematográficos marcándolos con la influencia realista de su mentor Roberto Rossellini, Ruggero Deodato (1939-2022) debe su fama a una extraordinaria habilidad técnica y narrativa para retratar la violencia de la sociedad a través de las décadas. En su filmografía encontramos títulos como “Oleada de placer”, “Mundo caníbal, mundo salvaje”, “Holocausto caníbal”, “Trampa para un violador”, “Los invasores del abismo” o “Los bárbaros”.

Este libro, firmado por Gordiano Lupi y Davide Magnisi, analiza todas las películas de Ruggero Deodato y las constantes de su cine. Además, contiene una larga entrevista exclusiva con el director y otras con Saverio Deodato, Al Cliver, Massimo Foschi, Lamberto Bava, Carlo Lupo, Ernesto Gastaldi, Francesca Ciardi, Giovanni Lombardo Radice, Dardano Sacchetti, Franco Pistoni, Ilaria Borrelli, Claudio Simonetti, Ernesto Mahieux, Noemi Smorra y Carlota Morelli. Una aproximación completa a la obra de uno de los directores más importantes e influyentes del cine de género italiano.

Autor: Gordiano Lupi y Davide Magnisi. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas:      

La productora Tōei Dōga, fundada en 1956 y actualmente conocida como Tōei Animation, es uno de los más importantes estudios de animación japoneses, lugar de formación privilegiado de los profesionales del dibujo animado y del surgimiento del anime. Su director, Hiroshi Ōkawa, que deseaba convertirla en el “Disney de Oriente”, enfocó su producción hacia los largometrajes para el cine, todo un desafío para una industria de la animación incipiente. Panda y la serpiente mágica (1958), primera película animada en color realizada en Japón, se convirtió en el portaestandarte de este proyecto. El modelo estadounidense se dejó muy pronto de lado, lo que permitió que emergiesen numerosas reapropiaciones e innovaciones técnicas, como El pequeño príncipe y el dragón de ocho cabezas (1963), Las aventuras de Hols, príncipe del sol (1968) y La isla del tesoro (1971). La presente obra explora la historia de esta empresa desde los meses que precedieron a su creación hasta la desaparición de su director histórico, situándola en el contexto de la producción cinematográfica nacional, pero también en el de las evoluciones sociales del Japón de entonces. Muestra cómo Tōei Dōga, a través de los altibajos sucesivos de su sistema de producción y su empleo de las técnicas de animación, puede ser vista como un laboratorio donde se elaboraron prácticas de animación conflictivas, pero aún hoy influyentes.

Autor

Marie Pruvost-Delaspre es profesora adjunta en el Departamento de Cine de la Universidad París 8 Vincennes-Saint Denis. Sus investigaciones abarcan la historia de las técnicas y oficios del cine de animación en Japón y Francia. Ha coordinado varias obras colectivas, entre otras Archives et acteurs des cinémas d’animation en France (2014), L’Animation japonaise en France: réception, diffusion, réappropiations (2016) y Goldorak, l’aventure continue (2018).

Autor: Marie Pruvost-Delaspre. Editorial: ‎ DOLMEN EDICIONES. Páginas: 352

En 1998 se estrenó El proyecto de la Bruja de Blair y el cine de terror ya no volvió a ser lo mismo. A partir de entonces, toda una serie de nuevos talentos utilizaron el found footage para abrirse camino en la industria: Matt Reeves a través de Monstruoso u Oren Peli con la saga Paranormal Activity dieron sus primeros pasos en el género para convertirse en directores de éxito.

Grábalo todo: Historia del found footage , de Andrés R. Paredes, repasa cuáles fueron los orígenes de este estilo (el mondo, el cine de caníbales, las falsas snuff movies) y analiza tanto películas y franquicias que ya han pasado a la historia como otras más desconocidas por el gran público, además de identificar los nuevos talentos que han surgido en los últimos años y que mantienen vivo el subgénero.

Incluye entrevistas a Nacho Vigalondo, Sarah Appleton, Rodrigo Cortés y Koldo Serra.
Autor: Andrés R. Paredes. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas: 280

El libro Visiones del abismo. Pensar el cine desde Eugenio Trías nos propone el ejercicio audiovisual e intelectual de reflejar, advertir, ensayar y recorrer las ideas más cruciales de la filosofía de Eugenio Trías en las imágenes de cineastas como Ingmar Bergman, Andrei Tarkovski, Ridley Scott, David Lynch, Federico Fellini, Chris Marker, Wong Kar-Wai, Fritz Lang, Pawel Pawlikowski o, por supuesto, en films tan queridos por el propio Eugenio Trías, como Vértigo o Psicosis.

El filósofo Eugenio Trías nunca ocultó su pasión por el cine, que se tradujo en varios libros, bien con reflexiones generales sobre el cine de todos los tiempos, o bien con análisis monográficos de películas por las que sentía pasión, como Vértigo, de uno de sus cineastas favoritos, Alfred Hitchcock. Sea por esta o por otra razón, lo cierto es que hay en sus ideas y en su filosofía una tendencia natural a conectar con las imágenes del cine, con las mil y una formas del abismo, en los que acertaba a encontrar «los límites del mundo».

Armados con los pertrechos filosóficos del universo de Eugenio Trías, tales como la dialéctica de Lo bello y lo siniestro, los tres cercos del mundo, la condición fronteriza del ser, la música y la arquitectura como las artes fronterizas, la fenomenología del límite, el misterio del símbolo y su sentido en fuga hacia el cerco hermético, su concepción sobre la música, ¡y mucho más!, un elenco de autores, pensadores y analistas recorren imágenes de cine con las que pensar y ensanchar el pensamiento de Trías, y ponerlo en funcionamiento en uno de sus artes favoritos: el cine.

Contenidos

David Trías
El vértigo del cine

Vanessa Brasil
El Abismo en el corazón de la pesadilla. Encuentros entre Trías y Vértigo, de Hitchcock

Alberto Ruiz de Samaniego
Alien. La ordalía y su sombra

Aarón Rodríguez Serrano
En presencia del límite: música y muerte en Ingmar Bergman

Zacarías Marco
Lo inaccesible acontece… en tres fotogramas

Luis Martín Arias
Lo bello y lo sagrado en Psycho

Lorenzo J. Torres Hortelano
Elogio de la máscara en el cine. Un acercamiento desde la filosofía de Eugenio Trías

Alberto Sucasas
Trías y Tarkovski: afinidades entre un filósofo y un cineasta

Basilio Casanova Varela
El canto del cisne. Sacrificio de Andrei Tarkovsky

Félix Recio
El límite y la sombra

Eugenio Trías
Cerrar los ojos

Autor: Vanessa Brasil Campos RodríguezBasilio Casanova VarelaZacarías MarcoLuis Martín AriasFélix RecioAarón Rodríguez SerranoAlberto Ruiz de SamaniegoAlberto SucasasLorenzo J. Torres HortelanoDavid TríasEugenio Trías, Editorial: SOLARIS, Textos de cine, Colección ESPEJOS. Páginas: 220