Categoría: Libros

¿De qué está hecho un monstruo? ¿Cuál es, en esencia, esa naturaleza primaria que lo constituye y lo funda monstruoso? ¿Qué parte de lo humano se activa con su presencia, se siente concernida y hasta se reconoce en la criatura monstruosa? ¿De qué es metáfora la figura de los monstruos que más nos han fascinado y atemorizado en el cine? ¿Cómo se ha empleado el lenguaje fílmico para su articulación en la pantalla? Corriendo hacia los monstruos, en lugar de huyendo de ellos, nos proponemos analizar la figura del monstruo tal como ha comparecido en la imagen cinematográfica, a ver si terminamos encontrándonos nosotros mismos.

Monstruos, pero no solo en el sentido de la criatura-monstruo, sino también en el de aquellos humanos que devienen monstruos, como los psicópatas o los torturadores, que nos acercan a lo abominable como un fenómeno íntimo y plausible. Nos adentramos en el análisis de lo insoportable en películas como Funny Games, Psicosis, Seven, Alien, La parada de los monstruos, El silencio de los corderos, el imaginario de Frankenstein, el repertorio monstruoso de Cronenberg, etc., y nos sumergimos en la reflexión del cine mismo como monstruo y su construcción iconográfica sobre la pantalla.

Este volumen temático de SOLARIS contará con los textos de reflexión y el pensamiento de autores multidisciplinares: analistas fílmicos y textuales, psicoanalistas, cineastas y autores especializados en el estudio de la imagen de ciencia ficción, que nos devuelven una estampa peligrosamente reconocible de eso que se nos resiste bajo el semblante de lo monstruoso.

Índice

Prólogo
Elisenda N. Frisach

En la oscuridad… Estética cinematográfica del monstruo
Antonio José Navarro

Diabolus in imago
Raúl Álvarez

La monstruosidad de Frankenstein y su criatura: los límites de la empatía
Miriam Borham Puyal

Formas monstruosas en Psicosis
Israel Paredes

Cine-monstruo
Carlos Losilla

Algunas sucias lecciones. Seven (David Fincher, 1995)
Aarón Rodríguez Serrano

Lo que se ve y lo que se oculta. La evolución del concepto de lo monstruoso en el cine de David Cronenberg
José Antonio Jiménez de las Heras

Monstruos invisibles
Carlos Atanes

La vida dolorosa de los desechados
Quim Casas

Miedo a perder las formas y otros avisos de la enunciación psicópata en Funny Games
Shaila García-Catalán

Autor: Varios, Editorial: SOLARIS, Textos de cine, Páginas: 206

En el transcurso de casi dos décadas, Hollywood se ha convertido en una verdadera (y atormentada) conciencia y memoria colectiva en relación con el 11-S y la Guerra contra el Terror. Si alguien hubiese vivido en completo aislamiento todo este tiempo, sin leer ningún periódico, revista o libro, ni haber visto un informativo televisivo o escuchar la radio, viendo únicamente el cine y la televisión de Hollywood, podría hacerse una idea bastante precisa de que fue el 11-S, por qué y cómo se ha desarrollado la Guerra contra el Terror, cuál es la percepción que los estadounidenses tienen de sí mismos y de otros países o culturas, y que sentimientos les provoca enfrentarse a su maldad, a su rabia, a su miedo, a su sufrimiento. En la presente obra se analizan numerosos documentales, cintas de ficción y productos televisivos de diferentes estilos, dramaturgias e ideologías, un espacio de debate, de disputa, en que los espectadores adquieren conciencia de su posición cultural y política frente a semejante conflicto.

Autor: Antonio José Navarro, Editorial: CATEDRA PIRAMIDES, Páginas: 384

Los cómics parten de una premisa esquemática para sintetizar la trama usando recursos estilísticos propios. Un hombre apuesto con amplio mentón como Dick Tracy o Flash Gordon se asocia con el héroe desde el primer instante. Un personaje de cómic se caracteriza por su impacto inmediato, y como tal puede conducirnos por un relato de aventuras, detectivesco, terrorífico, del Oeste… Sabemos lo que es un héroe de cómic, lo sabemos intuitivamente, y sabemos que los hay en todos los escenarios posibles.

Las películas basadas en cómics no se cuentan por docenas, ni tampoco por cientos: se cuentan por millares. Hay miles de ellas. Una deuda incomprensible: el Séptimo Arte no puede mirar por encima de hombro al Noveno Arte. Como un remedio para el olvido, nuestro estudio hace un esfuerzo por recuperar un volumen importante de la producción cinematográfica del siglo XX sepultada en los archivos, subestimada, fuera de toda consideración o simplemente desconocida. Por el interés que suscitan las superproducciones de hoy basadas en héroes de cómic, conviene revalorizar el cine adaptado enmarcándolo en una dinámica con más de un siglo de antigüedad, repleta de perlas maravillosas esperando ser redescubiertas y estimadas en el s. XXI.

Índice

Introducción

1. Los primeros cómics adaptados

2. Cine sonoro y seriales cinematográficos

3. Patriotismo y televisión

4. América en la encrucijada. Cómics y pop-art

5. Rumbo a las superproducciones

Conclusiones

Filmografía (guía cronológica)

Índice por títulos

Índice por autores

Bibliografía

Autor: Héctor Caño Díaz, Editorial: Prensas de la Universidad de Zaragoza, Páginas: 362

¿Hasta qué punto son originales los argumentos cinematográficos? Un siglo después de los Lumière, el cine demuestra ser el gran fabulador de nuestro tiempo, el arte que ha actualizado las narraciones fundamentales de la historia de la cultura. La semilla inmortal–título de bella filiación platónica– rastrea los motivos argumentales que se repiten en el cine de todos los tiempos y lugares, mostrando su relación original –no siempre consciente– con los relatos anteriores. Las películas se constituyen así como una etapa fértil en esa continuidad narrativa germinal a la que hace referencia el título: obras que son fruto de un legado anterior y que son capaces de generar uno nuevo.

En el libro, los autores nos proponen un recorrido por las grandes películas de la historia del cine y crean sorprendentes y apasionantes relaciones con esos relatos fundacionales de la ficción universal. Así, descubrimos a Ulises errando en los desiertos del western, a la Cenicienta convertida en corista de Broadway, a Macbeth encarnado en la trágica figura de un gángster, a Edipo descubriendo su culpabilidad en un viaje interplanetario, o a Orfeo renacido como director de cine. Gracias a esta indagación comparada, y al juego de espejos que propone, los autores consiguen una nueva y apasionante manera de acceder al cine como un arte joven, impertinente, integrador, de todo punto imprescindible para establecer la plenitud de la ficción contemporánea.

Autor: Jordi Balló, Xavier Pérez, Editorial: ANAGRAMA, Páginas: 384

Monstruos gigantes del cine japonés recoge la rica fauna que puebla el kaijû eiga; todos y cada uno de las criaturas que anduvieron junto a Godzilla, Gamera, Rodan, Mothra y demás titanes. Dientes lacerantes, dragones tricéfalos, cuernos afilados o corazas impenetrables —sin olvidar rayos de energía de cualquier color posible—, se podían ver en las bestias que plagaban estas producciones.

La influencia de este cine ha sido inmensurable, y así ha sido su impacto en los sueños y pesadillas de millones de espectadores y de amantes del género fantástico a lo largo de varias generaciones.

Esta guía recorre todos los kaijû, de la A a la Z, que rugen a pleno pulmón y pisotean ciudades sin parangón, en una galería explosiva de color y destrucción.

Autor: Octavio López Sanjuán, Editorial: ‎ DIABOLO, Páginas: 320

La realización de 2001: Una odisea del espacio, es tan épica como los acontecimientos que narra la película y, hasta ahora, igual de misteriosa. En 1964, tras terminar Doctor Strangelove, Stanley Kubrick dudaba de si podría repetir el éxito. Considerando ideas sobre temas candentes, conoció a Arthur C. Clarke, y se decidió por la ciencia-ficción. Cuatro años más tarde y tras un titánico esfuerzo, salpicado de dudas, experimentos, genialidades, deudas, amenazas y crisis nerviosas salió a la luz 2001. Fuentes inéditas, documentos de producción de la película y correspondencia entre escritor y director. La obra relata, por primera vez, la odisea técnica y artística de los dos autores y arroja luz sobre su no siempre fácil relación y revela detalles hasta ahora desconocidos.

Autor: Filippo Ulivieri, Simone Odino, Editorial: Plan B Publicaciones, S.L.; Páginas: 184

De una incomparable familiaridad con el legado clásico y moderno del cine, del estudio exhaustivo de sus películas y de los rasgos de estilo de sus cineastas, nace el Paulino Viota teórico, ese sabio que ha plantado en artículos, libros, conferencias y cursos la fructífera semilla de su apasionamiento, marcando a varias generaciones de cinéfilos mediante la finura del análisis, la argumentación audaz y la iluminación arrebatadora. Fue, como bien se ha dicho, la opción elegida para seguir siendo creativo, para hacer cine de otra manera, cuando su carrera de cineasta se vio desgraciadamente truncada. En «Simetrías. Los cinco actos en las películas de John Ford», catorce títulos del director de Fort Apache o The Searchers son desmenuzados para hacer comparecer a su cineasta-constructor, demiurgo tras las apariencias que apuntala la narración y gestiona su memoria —esa guía afectiva del espectador atento— a partir de cinco actos, unidades de sentido de raigambre mítica relacionadas entre sí por simetrías y correspondencias que explican la pregnancia del cine fordiano. Así, Paulino Viota, con una clarividencia que se impone a la hybris, nos faculta a comprender y sentir la parte sumergida que sustenta la punta visible de ese imponente iceberg llamado John Ford; y mientras, el lector, en justa proporción, celebra el trabajo minucioso y callado, la tramoya de diagramas y esquemas que el analista ha ido desarrollando durante años para poder arribar a sus emocionantes conclusiones, aquí donadas con la generosidad que todos conocemos y admiramos en él.

Autor: Paulino Viota Cabrero, Editorial: Athenaica, Páginas: 256

Esta aproximación totalizadora a la obra de Marco Bellocchio –la primera en español dedicada al cineasta italiano– es un recorrido por su amplísima y heterogénea obra cinematográfica, que abarca sesenta años, y casi cuarenta largometrajes de ficción, otros tantos documentales, cortometrajes y obras experimentales. En este viaje literario queda patente la idiosincrasia de un artista algo atormentado por los fantasmas y con una particular conexión con la familia, presente desde su ópera prima, la emblemática Las manos en los bolsillos, que revolucionó el panorama cinematográfico y político en su día.

La obra de Bellocchio transita desde su primera época, la de la rabia revolucionaria, que incluye otras obras de notable impacto, en pleno periodo del esplendor del cine italiano de los años sesenta y setenta, como La Cina è vicina, Noticia de una violación en primera página o Marcha triunfal, pasando una etapa de desencanto, presidida por la inmersión psicoanalítica y el sexo, que se sintetiza en el escándalo provocado por la explicitud erótica de El diablo en el cuerpo, hasta culminar en la madurez lúcida de obras maestras como Buenos días, noche o la reciente El traidor. No obstante, hemos de advertir que resulta casi una profanación tratar de encorsetar a un cineasta que permanentemente se rebela contra la expectativa creada, y que hace precisamente de la ruptura formal y discursiva, a veces consigo mismo y con su arte, una de sus señas de identidad. Todo está mezclado en el universo bellocchiano, y en todas sus obras, en las primeras y en las últimas, aparecen sus obsesiones, sus madres impasibles, sus inconformistas antropológicos, sus espejos que rasgan la frontera entre la realidad y la ficción, el sueño y la razón, o la cordura y la locura, aunque sea bajo formas dispares.

Es esta una de las características más loables del cineasta, capaz de mezclar sin posos la reflexión lucida sobre la realidad sociopolítica de cada tiempo, con una mirada de surrealismo costumbrista. El parsimonioso Bellocchio, al que siempre puede uno identificar entre sus personajes, tan pronto histriónico y visceral, arrollador en su locuacidad, como abrumado, tímido y expectante, sigue detrás de una cortina observando el mundo con su mirada dual, con su habilidad para ofrecer la reflexión humanista y el vértigo ante el caos.

El autor

RICARDO JIMENO ARANDA (Valladolid, 1984) es licenciado en Comunicación Audiovisual y en Ciencias Políticas y se doctoró con una tesis sobre cine político centrada en las figuras de Costa-Gavras y, precisamente, de Marco Bellocchio. Actualmente es profesor en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, donde imparte las asignaturas Historia del Cine y Narrativa Audiovisual. Entre sus escritos pueden citarse diversos artículos y colaboraciones académicas sobre cine, ideología y política, centradas en el cine italiano, en la figura de Jorge Semprún, en el wéstern norteamericano, o en la representación del terrorismo en el cine español. Ha sido coordinador del libro La infancia en el cine (Fragua, 2020) y ha colaborado puntualmente en revistas como Miradas de Cine, particularmente realizando entrevistas a directores como Bong Joon-ho, Richard Lester, Volker Schlöndorff, Pino Solanas, Carlos Saura o el propio Bellocchio. Además, en la faceta creativa, es autor de diversos trabajos documentales, cortometrajes y videoclips. El cine de Marco Bellocchio. Rabia, desencanto y lucidez es su primer libro escrito en solitario.

Autor: Ricardo Jimeno Aranda, Editorial: Shangrila, Colección Trayectos libros, Páginas: 500

En el tercer volumen de la colección «El Ocultismo en el cine» nos centramos en la figura del Diablo, en su indiscutible relevancia histórica, social y cultural, y asimismo en la enorme importancia que ha tenido a lo largo de toda la historia del cine. Tomando como punto de partida el dios Pan de la mitología griega y su transfiguración en Satán como la quintaesencia del mal puro, llevamos a cabo un viaje emocionante de la mano de los aventurados investigadores de lo oculto Dani Morell, Javier J. Valencia, José Ángel De Dios, Óscar Sueiro, Victor Castillo y Xavi Torrents, analizando la relevancia de Lucifer para la historia del séptimo arte y escudriñando su protagonismo en una lista de más de 50 obras cinematográficas. Dicho periplo lo estructuran tres principales bloques temáticos: LA TENTACIÓN DIABÓLICA Y EL PACTO FÁUSTICO, donde hablamos de films como el Fausto de Murnau, la cinta danesa Häxan de 1922, Alias Nick Beal, la francesa No nos libres del mal de 1971, El corazón del ángel, o El imaginario del Doctor Parnassus, entre otras; EL ANTICRISTO, en el que analizamos películas tan relevantes como son La semilla del diablo de Polanski, La profecía, El príncipe de las tinieblas, o El día de la bestia; y LA POSESIÓN DEMONÍACA, donde nos centramos en films como El exorcista, Posesión infernal, la italiana El engendro del diablo, Ángeles y demonios, o la saga de Expediente Warren, entre otros. Asimismo, añadimos también un apartado final dedicado a la representación de Lucifer en el género de la comedia en el cine.

Sed bienvenidos a un viaje a través de cómo el Diablo ha extendido su manto a lo largo de décadas del séptimo arte, haciendo acto de presencia para tentarnos a que le dejemos entrar y pueda cruzar nuestro umbral. Y es que, de hecho, advertencia para navegantes, a Mefistófeles somos siempre nosotros quienes le invitamos a entrar en nuestra casa, él simplemente se busca las formas más originales para llamar a la puerta.

Autor: Dani Morell, Javier J. Valencia, José Ángel De Dios, Óscar Sueiro, Victor Castillo y Xavi Torrents, Editorial: Dilatando Mentes, Páginas: 486

Libro sobre el director de cine Samuel Fuller, clave en la historia del cine. El libro repasa los temas argumentales de la filmografía de un director imprescindible. Manos peligrosas, Corredor sin retorno, Perro blanco… Las películas de Samuel Fuller, como su vida, han dado pie a numerosos malentendidos en torno a la violencia, la política, la guerra, los hombres, las mujeres, Estados Unidos. De todos los cineastas de su generación (Robert Aldrich, Richard Brooks o Nicholas Ray), Fuller es el que ha suscitado con el paso de los años las evaluaciones y los juicios más contradictorios, a los que sobrevivió́ espléndidamente. Independiente hasta la intransigencia, rabioso, lirico, tierno, narrador de fabulosa inventiva, impertinente, divertido, en una palabra: libre. Defendía un cine modesto en cuanto a los presupuestos y a los materiales con los que le gustaba trabajar, pero se enorgullecía de anteponer su nombre como guionista, director y a menudo productor de sus películas.

La tremenda energía que todos le reconocían fue durante mucho tiempo objeto de una confusión. Lejos de tratarse de una fuerza bruta y ciega, debe verse, al igual que ocurría con Balzac, al que admiraba, como la postrera fuerza creadora.

Las películas de Samuel Fuller están marcadas por su propia vida. Sus inicios como reportero criminalista y su participación como soldado en la Segunda Guerra Mundial.

Entre sus admiradores destacan directores y cineastas como Martin Scorsese, François Truffaut, Jim Jarmusch, Quentin Tarantino y Jean-Luc Godard.

Autor: Jean Narboni, Editorial: EL MONO LIBRE, Páginas: 144

En octubre de 1967 se celebraron las Primeras Jornadas Internacionales de Escuelas Cinematográficas de Sitges. El programa anunciaba unas sesiones diarias de debate seguidas por proyecciones de prácticas de escuelas de cine procedentes de todo el mundo. El nuevo certamen tenía también como objetivo más prosaico el de animar el turismo en esta ciudad catalana más allá de la temporada alta. Sin embargo, las jornadas de Sitges se convirtieron en un acto de rebeldía emblemático de un sector joven de la profesión cinematográfica española. La tensión creciente en la que se desarrollaron hizo que el aparente acontecimiento mundano de su cena de clausura derivase en un auténtico escándalo con gritos, bofetadas y detenciones policiales incluidas.

Recordar lo acontecido en Sitges es evocar un momento histórico particular, cuando la creación cinematográfica y el compromiso político iban de la mano, no solo por esas películas que buscaban hablar de algún modo de política sino también por esos cineastas que se veían a sí mismos como militantes políticos.

Partiendo de un material de archivo inédito, el presente libro plantea una aproximación a la historia cultural del período en la que se abordan las políticas del aperturismo franquista, la enseñanza cinematográfica, el movimiento estudiantil, la emergencia de la contracultura, las fisuras en el seno de la izquierda, y las prácticas fílmicas alternativas. Además, se propone una mirada hacia las rupturas del 68 aplicadas al contexto español.

Autores

JEAN-PAUL AUBERT

Catedrático de la Universidad de Niza (Université Côte d’Azur), director de la Escuela de Posgrado e Investigación CREATES (Artes y Humanidades) y presidente del Grupo de Reflexión sobre la Imagen en el Mundo Hispánico (Grimh). Entre sus publicaciones se encuentran Le Cinéma de Vicente Aranda (París: L’Harmattan, 2001), Madrid à l’écran (1939-2000) (París: Presses Universitaires de France, 2013), Seremos Mallarmé. La Escuela de Barcelona: una apuesta modernista (Santander: Shangrila, 2016), Barcelone mise en scènes (París: Espaces et Signes, 2019).

XOSE PRIETO COUTO

Profesor en el Departamento de Comunicación de la Universidad Carlos III de Madrid, miembro del Grupo de Investigación TECMERIN y del Proyecto I+D+i “Cine y televisión en España en la era del cambio digital y la globalización (1998-2008): Identidades, consumo y formas de producción” (Ref. PID-2019-106459GB-100). Entre sus trabajos recientes destacan la codirección de la investigación audiovisual Vestigios en Súper- 8: Una crónica amateur de los años del cambio, la coautoría del libro Respirar con la imagen. Conversaciones sobre montaje con Teresa Font y la edición del libro El último Espaliú.

Autor: Jean-Paul Aubert , Xose Prieto Couto, Editorial: Shangrila, Colección Hispanoscope libros, Páginas: 158

Convertido por derecho propio en la quintaesencia del antihéroe estadounidense, Snake Plissken es hoy todo un referente cultural capaz de resistir a los embates del tiempo transcurrido desde su primer contacto con el público en el estreno de 1997: Rescate en Nueva York, en 1981. Haciéndose eco de sus apariciones —no siempre oficiales— en películas, novelizaciones, cómics o videojuegos protagonizados por uno de los más célebres personajes jamás creados por el cineasta John Carpenter, Snake Plissken: Forajido americano analiza las deudas de este antihéroe para con el momento histórico del que surgió, las películas 1997: Rescate en Nueva York y su mimética secuela, 2013: Rescate en L.A., estrenada en 1996, su dependencia respecto a la errática carrera profesional del cineasta y su liberal pero progresivamente desencantada visión de las cosas, o su demostrada capacidad para persistir en medios y tiempos ajenos a los que lo vieron nacer, sin perder un ápice de su malcarada personalidad por el camino. A través de numerosas fuentes y entrevistas a muchos de los implicados en la construcción de Plissken como arquetipo simultáneamente clásico y contemporáneo hasta lo perturbador, este libro recorre las cuatro décadas que separan aquella primera y ya remota primera aparición hasta contemplar, al filo de un remake eternamente anunciado pero nunca concretado, su posible lugar en las distópicas sombras de los EE.UU. de hoy.

Autor; Eduardo Martínez Gómez, Portada: Chelsea Lowe. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas: 256

En los años posteriores a la Primera Guerra Mundial, Alemania era un país descompuesto en los planos político, social y económico. Sin embargo, vio nacer muchas de las manifestaciones artísticas más vanguardistas del momento. En ese difícil contexto surgió una de las corrientes estéticas más importantes e influyentes de la historia del cine: el expresionismo.

‘Criaturas del cine expresionista alemán’ es una obra que se propone indagar en ese apasionante periodo en el que aparecieron clásicos como ‘El gabinete del doctor Caligari’ (1920), ‘El golem’ (1920) o ‘Nosferatu’ (1922), pero también reivindicar otras obras olvidadas que desempeñaron un papel fundamental en el desarrollo del expresionismo.

Autor: Guillermo Triguero, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: Hermenaute, Páginas: 252

¿Qué es una bruja? ¿Qué visión han dado de ella la Historia y el Arte? ¿Por qué sigue siendo un tema presente en la cultura actual? ¿Dónde reside su atractivo para la población adolescente e infantil? Una bruja es una entidad diferente según la perspectiva histórica, cultural y religiosa de quien la nombra, designa, define o recrea. La brujería en su realidad histórica y la bruja en su dimensión mítica han supuesto un tema fundamental en la creación artística en general y en la producción audiovisual en particular: de Hans Baldung a Remedios Varo, pasando por Goya, el Prerrafaelismo y el Simbolismo; de Benjamin Christensen a Lars von Trier, pasando por Walt Disney, Mario Bava y el cine de la Hammer. Al contrario de lo que aconsejaba el Antiguo Testamento, en la actualidad la moda, la música, las series televisivas, la industria del juguete, los videojuegos e Internet mantienen a la bruja viva, más que en ningún otro periodo histórico.

Este libro aspira a demostrar la buena salud de la que goza la bruja como atractivo arquetipo para la cultura popular. Desde un enfoque integral que armoniza la Historia, la Historia del arte, el análisis fílmico, la Mitología, la Antropología, el Ocultismo, los estudios culturales y el enfoque de género, pretendemos arrojar algo de luz sobre la figura de la bruja, ser liminal y polifacético cuyas implicaciones y lecturas sociales, políticas y de género son más profundas de lo que pueda parecer a simple vista. Su instrumentalización no debe hacernos olvidar que las llamas de las hogueras siempre pueden estar prestas a prender con los rescoldos de la intolerancia, la discriminación, el dogmatismo, el fanatismo o la estrechez de miras. No es casual que la Caza de Brujas como fenómeno histórico haya acabado convirtiéndose en expresión metafórica para designar actitudes sociales e institucionales de carácter represor y paranoide, presentes hoy día en ámbitos muy distintos. Ya sea usada para denigrar a cualquier mujer que se salga de los cánones establecidos por el sistema, ya sea como reclamo erótico, o en contrapartida, ya sea reivindicada por los feminismos justo por su posición de mujer libre; la bruja proyecta su larga sombra sobre la actualidad como enigma implacable del orden simbólico y arquetípico.

SUMARIO

Prólogo
Juan Antonio Sánchez López

Presentación. Las brujas, contra viento y marea
Montserrat Hormigos Vaquero

La bruja: un estado de la cuestión
Carlos A. Cuéllar Alejandro

Hechiceras de Grecia y Roma
Raúl Martín Calatayud

Los sueños de la casa de la bruja.
Conjuros de horror cósmico para después del fin del mundo
Luis Pérez Ochando

La bruja, la hechicera y la adivina en la pintura victoriana
Pedro Ortega

Hacia la constelación de Hércules.
Artistas-brujas de las historias del arte en España
Mery Cuesta y Tania Pardo

¿Quién es la malvada del reino? La bruja en la casa Disney
Teresa Llácer Viel

Brujería y neopaganismo en el audiovisual documental moderno
Carlos A. Cuéllar Alejandro

Otros mundos: cultura popular y el Museo de Brujería y Magia
Joyce Froome

Brujería fílmica, procesos históricos, ginofobia y naturaleza dionisíaca
Montserrat Hormigos Vaquero

Las brujas en la series: de amas de casa a guerreras del #MeToo
Áurea Ortíz Villeta

La bruja en la cultura popular contemporánea
Carlos Arenas

Autores de los textos

Autores

MONTSERRAT HORMIGOS VAQUERO

Doctora en Comunicación Audiovisual, crítica de cine, docente, comisaria y gestora cultural. Ha impartido los cursos Sentido y significado del arte cinematográfico, Miradas al cine contemporáneo y Las mujeres en la historia del arte (Centro Internacional de Gandía de la Universitat de València) o El arte, el ritual y lo sagrado (Estudio General de la Universitat de València). Comisaria de las exposiciones Paisajes encarnados (Almudín de Valencia) y El árbol de la vida. Naturaleza y espacios rituales (Jardín Botánico de Valencia), ha sido miembro de la Junta Directiva de AVCA-Asociación Valenciana de Crític@s de Arte y es miembro de la AICA. Ha participado en el Proyecto Caminos de Creadoras del Ministerio de Cultura y Deporte, y comisariado ciclos de cine como Otras miradas. Creadoras y protagonistas en el audiovisual contemporáneo (Filmoteca de Valencia) o Catherine Breillat. Adolescencia, subversión y ritos de paso (Casa Encendida de Madrid). Especialista en cuestiones de género invitada a la Conferencia Sexismo en la publicidad. ¿Qué puede hacer la Unión Europea?, celebrada en el Parlamento Europeo. Autora del libro Guía para ver y analizar La semilla del diablo (Nau Llibres/Octaedro), así como de capítulos de ensayo, catálogos y artículos en revistes especializadas entre los que podríamos destacar: “Nuevas especies para el panteón de lo grotesco femenino. David Cronenberg y la Nueva Carne” (Valdemar), “Flores curiosas de la cripta fílmica de Poe” (Valdemar) o “Topografías de lo femenino. De espacios inhabitables y subversiones metafóricas” (Tirant).

CARLOS A. CUÉLLAR ALEJANDRO

Doctor en Geografía e Historia, trabaja como docente de Historia del Cine en el Departamento de Historia del Arte, en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad de Valencia. Allí imparte la asignatura de Máster “Tecnología y estrategias de representación en el Cine Fantástico”. Sus líneas de investigación comprenden el Prerrafaelismo, el Cine Cómico, el Cine Fantástico, la Mitología y el Ocultismo.
Entre sus libros destacan Jacques Tati (Cátedra), Nuevo Vocabulario Básico del Audiovisual (IVAC), Queer Horror. La deconstrucción del género y la sexualidad en el Cine Fantástico (Shangrila), La novia del Diablo (Shangrila), El Prerrafaelismo y su relación con la creación contemporánea (Institució Alfons el Magnànim) y Sleepy Hollow. El goce infantil de lo sobrenatural (Ediciones de la mirada). Ha colaborado en los libros Ciudades de Cine (Cátedra), La Nueva Carne. Una estética perversa del cuerpo (Valdemar), Cautivos de las sombras: el cine fantástico europeo (MuVIM), Furtivos de José Luis Borau (IVAC), Las miradas de la noche. Cine y vampirismo (Ocho y medio) y los dos volúmenes de Cine Fantástico y de Terror Español (T&B).
También en revistas como Archivos de la Filmoteca, L’Atalante. Revista de estudios cinematográficos, Herejía & Belleza, Ars Longa y Banda Aparte.

Autor: Montserrat Hormigos / Carlos A. Cuéllar, Editorial: Shangrila, Colección Fantasmagorías libros, Páginas: 500

El legado cinematográfico sueco más prominente y más sólido se asocia internacionalmente con los exitosos y prestigiosos trabajos de Ingmar Bergman. Sin embargo, ni tan siquiera el director sueco más grande pudo resistirse a una nueva estirpe de películas surgidas en Suecia —famosas por sus desnudos gratuitos, su moral distraída, las drogas y una violencia impactante—, las sensationsfilms. O, como nos hemos atrevido a traducir, sensaciones suecas.

Producidas en el patio trasero de la industria cinematográfica sueca, estas atrevidas sensationsfilms forman un cánon de películas que tratan temas impactantes y que suelen ser considerados como tabú: punks callejeros, sádicos mafiosos, alienígenas espaciales, amas de casa picaronas, despiadados camellos, ninjas sedientos de sangre, tentadoras adolescentes, vaqueros lingonberry, pervertidos daneses barbudos, glam rockers cachondos y vikingos borrachos —un conjunto demasiado extraño y demasiado sueco como para ser obviado—.

El autor de Swedish Death Metal, Daniel Ekeroth, ahonda en la cultura arcana y en las contradicciones de su país natal, emprendiéndola contra un siglo de censura en esta exhaustiva aproximación al género de las sensationsfilms suecas y convirtiéndose en el azote escandinavo del cine explotaition internacional.

Autor; Daniel Ekeroth. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas: 280

“Intento analizar, auscultar aquí aquello que, ya en 1929, Walter Benjamin describía como un espacio cargado ciento por ciento de imágenes. O dicho de otra forma, esa visibilidad saturada que hoy nos llega desde todas partes, que nos rodea y nos atraviesa. Un espacio icónico es el producto de una historia: la de la puesta en circulación y mercantilización general de las imágenes. Había que esbozar su genealogía, desde los primeros ascensores o escaleras mecánicas (esos travellings avant la lettre) hasta las técnicas contemporáneas de oculometría, que pesquisan incluso nuestros menores espasmos oculares, pasando por el cine, ese gran director de orquesta de las miradas.

Sin embargo, en forma subyacente a esta inervación de lo visible, existe una economía propia de las imágenes, lo que intentamos llamar su ‘iconomía’. Deleuze la había vislumbrado al escribir, en páginas inspiradas por Marx: ‘el dinero es el reverso de todas las imágenes que el cine muestra y monta al derecho’. Una frase cuyo alcance ontológico solo comprenderemos al recordar que ‘cine’ quiere decir también, en este caso, ‘el universo’.

Por eso, bajo la guía de secuencias de Hitchcock, Bresson, Antonioni, De Palma o Los Soprano, estas páginas quisieran abrir la vía que conduce de una iconomía restringida a lo que podríamos denominar, con Bataille, una iconomía general”.

Peter Szendy.

(Tu mirada no descansa, tampoco la imagen. Las imágenes se persiguen, se cazan y se sustituyen unas a otras. El mundo es una sucesión de imágenes que ya son recuerdos al nacer. El intercambio es una ficción capitalista; su corazón negro es la plusvalía, la asimetría radical. Así también tus ojos, siempre en deuda, van detrás de una imagen fantasmal que se disolverá en cuanto otra se apodere de ella. Nunca la tendrás del todo, nunca saldarás tu deuda. Tu deuda es infinita y solo se cancela con la muerte, a ojos cerrados, bajo el sol que cae a plomo sobre el duelo de un western. En el supermercado total de lo visible, no das tu tiempo por dinero: das tu tiempo, tu exiguo tiempo fascinado, por imágenes que circulan de pupila en pupila, como monedas fugaces, como acreedores hipnóticos que nunca te dejarán en paz).

PETER SZENDY

París, 1966. Filosófo y musicólogo, Profesor de literatura comparada en la Universidad de Brown y asesor de los programas de concierto de la Filarmónica de París.

Ha publicado, entre otras obras, Musica pratica. Arrangements et phonographies de Monteverdi à James Brown (L’Harmattan, 1997); Écoute. Une histoire de nos oreilles (Minuit, 2001); Membres fantômes. Des corps musiciens (Minuit, 2002); Sur écoute. Esthétique de l’espionnage (Minuit, 2007); Tubes. La Philosophie dans le juke-box (Minuit, 2008); Kant chez les extraterrestres. Philosofictions cosmopolitiques (Minuit, 2011); L’Apocalypse cinéma. 2012 et autres fins du monde (Capricci, 2012); A coups de points. La Ponctuation comme expérience (Minuit, 2013).

Con El supermercado de lo visible, Shangrila Ediciones apuesta a la publicación en español de tres conferencias y un capítulo adicional de “contenido extra” que constituyen, entrelazados, uno de los textos más lúcidos y profundos acerca de esa pregunta que jamás dejará de asediarnos: ¿qué es una imagen?

Autor: Peter Szendy, traducción José Miguel Burgos y Mariel Manrique, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 178

El libro Trilogía de la Depresión, de Lars von Trier analiza las imágenes de la Trilogía de la Depresión, en las que el cineasta concede, por un lado, el imaginario más atroz, la vivencia más cruda de la carne y su versión más áspera y desquiciante del goce; por el otro, el más emocionante alzado poético, al límite de lo abrumadoramente bello, con el que el danés podría haber acertado a crear una réplica visual digna incluso de la música de Wagner. Con su siniestra dialéctica entre lo masculino y lo femenino en Anticristo, las elocuentes metáforas visuales de la depresión en Melancolía, y con esa atribulada y claustrofóbica vivencia sexual en Nymphomaniac, ¿consiguió Lars von Trier explorar y reflejar los primeros pliegues de un verdadero desgarro existencial?

Este volumen de ‘SOLARIS, Textos de cine’, titulado Trilogía de la Depresión, de Lars von Trier, ha contado con el pensamiento de ensayistas de múltiples disciplinas, analistas fílmicos y textuales, psicoanalistas, compositores de música de cine y pensadores de renombre, para escudriñar e inteligibilizar los secretos, deliberados o inconscientes, de una triple obra a la que, por más que lo intentemos, no conseguimos dejar atrás.

Contenidos

Prólogo
Antonio José Navarro

¿Quién o qué cosa es el Anticristo?
Santiago García Espejo

Melancolía: La conciencia de lo ineluctable
Irene de Lucas

¡Soy la que soy!
José Alberto Raymondi

El Edén posmoderno de Lars von Trier
Javier Urrutia

Celebraciones y familias rotas
Quim Casas

¿Es Lars von Trier un genio?
Carlos Tejeda

Dialécticas de la vagina: a propósito de Nymphomaniac
Elisa McCausland y Diego Salgado

Lo indómito y lo inexorable. Sonido y música en la Trilogía de la Depresión
Carla F. Benedicto

El prólogo de Anticristo. Las imágenes fascinantes de la escena originaria
Vanessa Brasil

Melancholia. La música de la diosa ambivalente
Lorenzo J. Torres Hortelano

Como un árbol deformado en la cima del monte. Nota sobre Nymphomaniac
Manuel Canga Sosa

Autor: Varios, Editorial: SOLARIS, Textos de cine, Páginas: 212

La presente antología comprende un total de cincuenta y dos entrevistas realizadas a otros tantos cineastas que, en mayor o menor medida, han desarrollado o desarrollaron sus respectivas trayectorias profesionales dentro de los parámetros del género fantástico. Cada una de estas entrevistas viene acompañada de una aproximación, a modo de introducción a cineastas poseedores, en buena parte de los casos, de una personalidad cinematográfica bien marcada. Del valor historicista de .te volumen razona por sí solo el he-cho que aglutine una amplia representación de directores que con el devenir de los años han pasado a ocupar la categoría de clásicos (Joe Dame, Richard Fleischer, Walter Hill, Tobe Hooper, Neil Jordan y George A. Romero, entre otros), de cineastas de culto en una elevada proporción (Larry Cohen, Don Coscarelli, Stuart Gordon, Curtis Harrington, Jack Sholder y Brian Yuzna, entre otros muchos) y en un porcentaje considerablemente menor adscritos al rango de malditos (Alex Coz, Jesús Franco y Richard Stanley por citar tan solo tres ejemplos). Los especialistas del género fantástico Aleo Aguilera, José Luis Salvador Estébenez y Carlos Durbán han sido los encargados de brindar una obra imprescindible para todos aquellos prestos a acercarse al pensamiento de cineastas de distintas generaciones procedentes de distintas latitudes que han contribuido y siguen contribuyendo (en buena parte de los casos con mención especial para una amplia representación de realizadores del estado español) a robustecer los cimientos del Séptimo Arte en su derivada fantástica.

Autor: Álex Aguilera, José Luis Salvador Estébenez y Carlos Durbán, Editorial: Kane ediciones, Páginas: 480

Vivimos tiempos distópicos. Cada día aparecen nuevos best-sellers y blockbusters empeñados en dibujar futuros atroces. Su éxito sin precedentes se suma al de ciertos discursos científicos, políticos y filosóficos afianzados alrededor del miedo. El diagnóstico que ofrecen proyecta un horizonte sin alternativas donde resulta más sencillo imaginar el fin del mundo que el fin del capitalismo.

Con una prosa ágil y cáustica, Contra la distopía destapa las inconsistencias teóricas y contraindicaciones prácticas de las narraciones distópicas fabricadas por el cine y la literatura. Muestra cómo su multiplicación actual no está exenta de ideología sino que juega a favor del orden imperante al incentivar la desmovilización y el derrotismo o la adopción de activismos defensivos, limitados a la queja y la denuncia. Hasta las obras que escenifican revoluciones populares esconden, casi siempre, un fondo conservador.

Francisco Martorell Campos ha firmado el primer libro consagrado específicamente a cuestionar la distopía. En sus páginas asoma una original guía introductoria a este género de moda que recorre sus principales escuelas, temáticas y clichés. El viaje va de los textos fundadores a hitos contemporáneos como Matrix y V de Vendetta. De las rarezas más desconocidas a Los juegos del hambre, El cuento de la criada y Black Mirror. De los clásicos de Orwell, Huxley y Bradbury a las distopías reaccionarias escritas en la Segunda República. Martorell suministra herramientas para seguir disfrutando de la distopía, pero ahora con mirada crítica e informada. Su conclusión es clara: solo conseguiremos una sociedad distinta y mejor si complementamos las historias inspiradas en nuestros temores con historias inspiradas en nuestros deseos.

El autor

Francisco Martorell Campos es doctor en Filosofía por la Universitat de València. Su larga trayectoria investigadora en torno al fenómeno utópico, plasmada en decenas de artículos y participaciones en congresos, antologías y proyectos de investigación, cristalizó en 2015 con la tesis Transformaciones de la utopía y la distopía en la posmodernidad, galardonada en 2017 con el premio extraordinario de doctorado. En 2019 publicó Soñar de otro modo. Cómo perdimos la utopía y de qué forma recuperarla, ensayo que llamó la atención de numerosos medios y que le permitió difundir su trabajo a un público más amplio. Contra la distopía es el segundo libro de uno de los mayores referentes españoles en el ámbito de los Estudios Utópicos, disciplina que ejerce con una clara vocación activista que se apoya en el análisis riguroso de los textos y los contextos.

Autor: Francisco Martorell Campos, Editorial: LA CAJA BOOKS, Páginas: 256

Considerado por muchos el primer gran artista del cine, el director sueco Víctor Sjöström tiene una importancia no menor que Griffith en el desarrollo del lenguaje visual y las estructuras narrativas del llamado arte del siglo XX. En Luz del Norte: Victor Sjöström y la edad de oro del cine sueco asistimos a su revelación, pero también al surgimiento de una industria erigida en colaboración con el productor Charles Magnusson y sus compañeros, el también cineasta Mauritz Stiller y el operador Julius Jaenzon. Reunidos primero bajo la divisa de la productora Svenska Bio y luego bajo la de Svensk Filmindustri, este grupo irrepetible de talentos contribuyó de forma decisiva a la llamada edad de oro del cine sueco, que acabó trascendiendo las fronteras nórdicas hasta convertirse en un fenómeno internacional. Tal fue su impacto que, después de la Primera Guerra Mundial, Hollywood atrajo a sus principales valores, entre ellos el propio Sjöström, el malogrado Stiller y una joven actriz llamada Greta Gustfasson, convertida luego en Greta Garbo.

Por las páginas del libro desfilan otras personalidades de la cultura escandinava: el dramaturgo Henrik Ibsen, la primera ganadora del Nobel, Selma Lagerlöf, cuyos relatos inspiraron las obras más famosas del periodo, e Ingmar Bergman, quien dirigió a Sjöström en el que sería su último papel para el cine, el profesor Borg de Fresas salvajes.

El teatro social, la épica de Ibsen, las sagas islandesas o las rústicas leyendas de Lagerlöf inspiran las hechizantes imágenes de Ingeborg Holm, Terje Vigen, Los proscritos o La carreta fantasma, película de cabecera de numerosos directores, entre ellos Bergman, que la proyectaba regularmente en su casa de la isla de Fårö. Pero no solo las luchas atávicas, los problemas de conciencia y los deslumbrantes paisajes caracterizan la obra de este gran pionero: la máscara, la suplantación y la sombra son también motivos recurrentes en el cine de Sjöström, reveladores de su modernidad, al igual que la profunda y poética mirada vertida sobre cuestiones como el desarraigo, el maltrato o la exclusión social. Todo ello justifica la admiración de un artista –y espectador– tan exigente como Ingmar Bergman, convencido de hallarse, como nosotros, “al pie de la fuente de historia del cine”.

El autor

JOSÉ ANDRÉS DULCE

Para los lectores y cinéfilos, José Andrés Dulce ha permanecido en la memoria como el autor de Dreyer, estudio dedicado al maestro del cine danés, publicado en el año 2000 por la extinta editorial Nickelodeon. Licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad de Navarra, este escritor y crítico de cine nacido en La Rioja, en 1965, tiene en su haber más de tres mil artículos y entrevistas realizados a lo largo de veinticinco años de carrera periodística. Asimismo, es autor de los textos Henry King: el rey sin corona y La risa grave de Mario Monicelli, publicados en sendos libros editados por Filmoteca Española y el Festival de Cine de San Sebastián. Otro de sus ensayos, Cada mujer en su noche, apareció en 2009 en el único libro dedicado al productor y director norteamericano Monta Bell. Luz del Norte: Victor Sjöström y la edad de oro del cine sueco es su segundo libro, testimonio de su amor por la cultura escandinava. En la actualidad es responsable del blog Ultramontana, dedicado a las relaciones entre cine y literatura.

Autor: José Andrés Dulce, Editorial: Shangrila, Colección Trayectos libros, Páginas: 648

Desde sus orígenes, el cine y el mundo del motor han tenido vidas paralelas. Gracias al séptimo arte podemos contemplar en movimiento los coches, camiones o trenes que conducían nuestros antepasados. Pero, más allá de que el celuloide sirva como documento gráfico, las ruedas fueron y son parte esencial de la industria cinematográfica y de sus géneros. El cine de terror en particular comenzó a explotar de forma tardía sus infinitas posibilidades, algo que ocurrió a partir de 1971, cuando Steven Spielberg aterrorizó al público con el camión de El diablo sobre ruedas. En los siguientes años, las salas de nuestros barrios se inundaron de vehículos asesinos, moteros despiadados y psicópatas al volante. Terror sobre ruedashace un recorrido por los títulos más representativos de este subgénero —que cuenta con directores de la categoría de John Carpenter, Peter Weir o Quentin Tarantino—, amén de hablar de unas cuantas rarezas que interesarán a los amantes de las motos vampiro, las cortadoras de césped diabólicas o los neumáticos con poderes telequinéticos.

Terror sobre ruedas puede adquirirse exclusivamente a través de pedidosbibliotecaabadia@gmail.com a un precio de 13€ (con gastos de envío por correo ordinario gratuitos) y de 16,15€ si se desea envío certificado, o en la tienda La mansión del terror (calle Alondra 44, Local 4, Madrid – Metro Vista Alegre).

Autor: Enrique Agudo, Editorial: La biblioteca de La Abadía, Páginas: 181

El cine de posesiones demoníacas y exorcismos, en su calidad de cine eminentemente popular, es ante todo entretenimiento. Pero no se trata de un entretenimiento trivial e intrascendente, sino de toda una narrativa, de una iconografía, que representa de muy diversas formas nuestra imperiosa necesidad de neutralizar los demonios personales y colectivos.

Líbranos del mal. Un estudio cultural del cine de posesiones demoníacas y exorcismos examina las dinámicas mitológicas, culturales, sociales, ideológicas, estéticas e incluso psicológicas que giran en torno a nuestra relación con el Mal, expresadas a través de este subgénero del cine de terror a menudo menospreciado.

Desde El exorcista a Demonic, pasando por El demonio, Madre Juana de los Ángeles, El exorcismo de Emily Rose, Expediente Warren: The Conjuring o El Instituto Atticus, este ensayo desentraña los mecanismos dramáticos y visuales de estas y otras muchas películas y nos explica hasta qué punto desvelan nuestros miedos y zozobras.

Autor: Antonio José Navarro, Editorial: Hermenaute, Páginas: 184

Este libro de Pacus González Centeno analiza como las bandas sonoras del cine de terror y criminal han reflejado la historia del siglo XX incorporando el rock, el pop, el jazz y la música electrónica.

Pacus González Centeno analiza en orden cronológico, filme a filme, el uso evolutivo de los diferentes estilos no sinfónicos en los principales estilemas del cine de género. Repasa el papel preponderante del jazz en la ruptura del imperio de la sinfónica romántica y su relación con el rock y con las demás músicas negras. Y reseña los estilos que acompañaron al horror sobrenatural y a los psychokillers, o cómo la electrónica —que nació unida a la ciencia ficción— devino en el ingrediente que oscureció el terror distópico. Este libro sintetiza las claves del desarrollo de las bandas sonoras como reflejo de las modas, de la cultura y de los diferentes contextos sociopolíticos que distinguieron al medio siglo más relevante de la historia contemporánea de Occidente. De Stein, Glasser y Baxter a Mancini, Schifrin y Quincy Jones. De Curb, Stu Phillips y Hayes a Morricone, Nicolai, Rustichelli, Ortolani, Goblin o los De Angelis. De Fastway, Simonetti y Carpenter a Bauhaus, David Bowie, Iggy Pop y Neil Young. Con Vangelis, Wendy Carlos, Schulze y Tangerine Dream; o Underworld, Badalamenti y Nine Inch Nails.

Autor: Pacus González Centeno, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: Hermenaute, Páginas: 312

Libro oficial del SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Este libro es una invitación a explorar las diferentes caras del tratamiento cinematográfico de la bestia que habita en el interior del ser humano. Por sus páginas desfilan hombres lobo, señores Hyde, mujeres gato y otros cruces de ser humano y bestia, en un recorrido que va de los textos fundacionales de la cultura grecolatina al cine contemporáneo y del Hollywood clásico al cine de autor de la Europa Oriental.

Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro, La bestia interior cuenta con aportaciones de los coordinadores y de Lluís Rueda, Violeta Kovacsics, Marta Torres, Diego López-Fernández y Mike Hostench. El lector encontrará textos de diversa naturaleza, en una polifonía de estilos que aporta nuevas miradas sobre un mito del cine fantástico que sigue gozando de gran vitalidad.

Autor: Lluís Rueda, Marta Torres, Ángel Sala, Jordi Sánchez-Navarro, Violeta Kovacsics, Diego López, Mike Hostench, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: Hermenaute, Páginas: 274

William Wyler es sin duda uno de los grandes directores de la Historia del Cine y posee una impresionante filmografía. Un grupo de expertos analizan en El universo de William Wyler todos sus films, sus actores, colaboradores…. todas las constantes de su vida y obra. Una enciclopedia sobre su obra, con impresionante despliegue fotográfico.

Autor: David Felipe Arranz, Victor Arribas, Ascanio Cavallo, Miguel A. Fidalgo, Ignacio García Garzón, Noemi Guillermo, Jaime Iglesias, Fernando R. Lafuente, Juan Carlos Laviana, Miguel Marias, Luis Martínez, Alejandro Melero Salvador, Diego Moldes, Oti Rodríguez Marchante, Adrián Sánchez, Gerardo Sánchez, Eduardo Torres-Dulce, Joaquín Vallet, Jaime Vicente Echagüe, Editorial: NOTORIOUS, Páginas: 368

La crítica y la historiografía han convertido el cine de terror en un caótico cajón de sastre al que han ido a parar películas de muy diversa temática y efectos. A ello hay que añadir, si nos asomamos al estricto ámbito del cine español, que muchos de esos trabajos no han dejado de repetir informaciones sesgadas y errores de apreciación que han acabado distorsionando la percepción de muchos filmes, magnificando sus aciertos y obviando —voluntariamente— sus defectos.

Pesadillas. Diccionario de películas del cine de terror español (1961-2020) viene a corregir algunos de estos problemas, partiendo, primero, de una ajustada definición del término «cine de terror», para, a partir de esta, explorar su desarrollo en la cultura española contemporánea mediante una selección crítica de películas que en verdad se ajustan a dicho subgénero. Una selección que no esconde los gustos y opiniones de su autor, pero que, al mismo tiempo, se sustenta en una detallada contextualización de las películas, tanto en función de su época como en relación al conjunto de la obra de sus directores/as, guionistas, productoras o actores y actrices.

Los lectores tienen aquí un exhaustivo y amplísimo panorama del cine de terror español, de los diversos caminos por los que ha evolucionado, de sus vinculaciones con las cinematografías europeas y estadounidense. Un trabajo que no solo reivindica un subgénero habitualmente maltratado, sino que también viene, como decía, a enmendar muchos de los errores y exageraciones que la crítica se ha empeñado en perpetuar.

Autor: Pau Roig, Editorial: EOLAS EDICIONES, Páginas: 350

ESTUDIO DEL SUJETO ACTORAL FEMENINO EN EL CINE CHINO

La aparición de Gong Li en la pantalla simboliza una apertura revolucionaria en la representación del erotismo femenino en China, después de la denominada Revolución Cultural (1966-1976). En este libro se demuestra la construcción de la subjetividad femenina de la actriz a partir del análisis de la mirada de la estrella; gesto destacado de su interpretación que visualiza su deseo y poder como sujeto femenino que cuestiona el sistema falogocéntrico de las narraciones que protagonizó.

Se considera, paralelamente, la función que Gong Li quiso dar a su star persona, interviniendo en el proceso de sus producciones fílmicas e involucrándose activamente en la creación de su propia imagen simbólica. El objetivo último es demostrar –desde los estudios de la filosofía feminista y los star studies– que la actriz china Gong Li se alza como una subjetividad actoral autónoma.

El autor

FANG QI (China, 1990). Doctora en Comunicación Audiovisual de la Universitat de Pompeu Fabra, Barcelona. Tiene un Máster en Cine Contemporáneo y los Estudios Audiovisuales de la Universitat de Pompeu Fabra y es licenciada en los Estudios de las Comunicaciones Internacionales de la Universidad de Nottingham. Ha publicado artículos sobre el cine chino, la cultura e historia china, la teoría feminista y la historia del cine en las revistas Arte, Individuo y Sociedad, Comparative Cinema, Janus 2017 Conjuntura Internacional: A Comunicação Mundializada y Artciencia.Com, Revista De Arte, Ciência E Comunicação.

Autor: Fang Qi, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre], Páginas: 264

Los festivales de cine siempre se han considerado eventos culturales que, a la par que proporcionan espacios alternativos de exhibición, constituyen un potente polo de atracción. Sin embargo, desde hace años ya no se limitan a proporcionar experiencias al público, cinéfilos y profesionales, así como a cristalizar cánones cinematográficos, sino que han ido acumulando labores en principio ajenas, de tal forma que hoy participan activamente en la gestación, producción y promoción de películas, a través de foros de industria, mercado, fondos, becas, etc. Los festivales ya no solo impulsan un particular circuito cinematográfico que añade valor simbólico a las películas que en ellos se proyectan, sino que —cada vez más— desempeñan una labor económica y comercial clave en el ámbito del negocio del cine de autor. En estas circunstancias, se hace necesario promover una reflexión sobre el fenómeno festivalero, así como aprovechar la ocasión para repasar y celebrar nuestro propio festival, dejando testimonio escrito de la fructífera senda recorrida durante estos primeros veinte años de andadura. Por ello, festejamos su vigésimo aniversario revisando su trayectoria, incidiendo en sus secciones más características, pero sin dejar pasar la ocasión de repasar sus datos más significativos, así como sus interioridades y significación, en una entrevista con su director. Además, el libro también quiere dejar constancia del legado más importante de todo festival: sus libros y sus películas más relevantes.

Autor: Jesús García Hermosa (Ed.), Editorial: Ediciones El Drago, Páginas: 432

Este libro argumenta en favor de un trabajo crítico que haga hincapié, por un lado, en la Semiótica como Teoría general de la comunicación y de la producción / reproducción socio-ideológica y, por el otro, en la Teoría de género en cuanto Teoría del discurso, dimensión crítica indispensable para una comprensión efectiva tanto de la subjetividad como del imaginario social. Desde este punto de vista y en el contexto de la interculturalidad como base de toda formación cultural que resulta de la interacción de poderes distintos e históricamente específicos, el estudio del cine es especialmente relevante para el análisis crítico de los lenguajes no verbales (o no solo verbales) y de la comunicación audiovisual. Por eso es importante llevar a cabo una reflexión crítica sobre el cine que sea capaz de desentrañar su dimensión política en cuanto elemento productivo (y no reproductivo, o mimético) del imaginario socio-sexual de nuestra época.

Autor: Giulia Colaizzi, Editorial: Colección Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 192

Las series de televisión forman parte de un juego de espejos en el que el texto bebe de su contexto cultural, económico, político y social, pero también quiere influir en él y construir imaginarios colectivos.

El propósito de Series de la resistencia. Diversidad en la televisión frente al trumpismo es explorar las ficciones seriales estadounidenses coetáneas en relación al impacto de las Administraciones de Bush, Obama y Trump. Especialmente, esta última etapa, porque Trump ha abanderado ese nostálgico Make America Great Again y ha contribuido a reforzar el discurso de la antipolítica, la deshumanización y el odio.

Pero el trumpismo también ha encontrado oposición en unas narraciones que rompen con la visión hegemónica en clave de diversidad. Las que hemos llamado series de la resistencia nos trasladan a los márgenes para narrar pasado, presente y futuro desde otras miradas. Producciones en las que mujeres y/o personas marcadas como alternas (clase baja, diversidad funcional, LGBTIQ+, migradas, racializadas…) se convierten en protagonistas, a un lado y otro de las cámaras.

En definitiva, una lectura por ficciones contemporáneas que, valiéndonos de una perspectiva feminista interseccional, nos ayuda a (re)pensar sobre el poder de las series para comprender, interpretar y transformar nuestros entornos

Autor; Delicia Aguado Peláez y Patricia Martínez García. Editorial: ReaDuck Ediciones. Páginas: 272

«Este libro constituye toda una vuelta al mundo de la televisión en ochenta historias. Son historias que nos adentran en las bambalinas del mundo de la pequeña pantalla, nos descubren sus entresijos, sus inercias y todas las posibilidades de este medio.

Son anécdotas que en algunos casos nos cuentan hasta qué punto la televisión puede ser un recurso maravilloso para hacer del mundo un lugar más amable. Pequeños recortes de un fenómeno gigante y muy potente que demuestran, también, que la televisión no es inocente y que se filtra en nuestras vidas más de lo que nos podemos llegar a imaginar.

Todas las historias que dan forma a este libro pueden resultarnos útiles para entender cómo funciona esta pantalla en la cual nos hemos intentado ver reflejados tantísimas veces. A menudo la imagen que observábamos era una muestra fiel de lo que representamos; otras, nos ofrecía un retrato distorsionado.» Del prólogo de Mònica Planas

Autor: Mònica Planas, Editorial: ‎ Catedral, Páginas: 272