Categoría: Libros

Este libro exprime hasta la última gota del devenir bajo el sol naciente de las criaturas sedientas de sangre, así como de la llegada al país de otros mitos de la fantasía occidental. Comenzando por protovampiros autóctonos, como ciertos tipos de yokai y demonios chupa-sangre de la tradición oral y del kabuki, se extiende sobre la aclimatación de la imaginería occidental que irrumpió desde finales del siglo XIX, llegando hasta la representación del mito en tiempos modernos, donde coexistirá el vampiro de patrón draculiano con otros de formas originales de lo más inesperado. Un viaje a través de las leyendas, relatos, novelas, cine, manga y televisión, que incluye ilustraciones y textos inéditos de los primeros años de la presencia del príncipe de las tinieblas en Japón.

Autor: Daniel Aguilar, Editorial: SATORI EDICIONES C.B., Páginas: 292

Ya la venta el primer lanzamiento de la editorial, La biblioteca de La Abadía. Se trata de Más allá de Drácula: otros vampiros en la Hammer de Carlos Díaz Maroto, el cual supone también el primer número de la colección de idéntico nombre a la editorial formada por libros de pequeña extensión y formato publicados en pequeñas tiradas, centrados en el estudio de diversas temáticas pertenecientes al cine de género.

Como su título indica, Más allá de Drácula: otros vampiros en la Hammer indaga en las películas sobre chupasangres que la denominada Casa del Martillo produjera al margen de su indispensable serie sobre la más famosa creación de Bram Stoker. Títulos como Las novias de Drácula, Drácula y las mellizas, Capitán Kronos, cazador de vampiros o Kung Fu contra los siete vampiros de oro son analizadas por Carlos Díaz Maroto, sin duda, uno de los principales especialistas en cine de género de nuestro país, a través de las 162 páginas que componen el volumen. En cuanto a sus características técnicas, son las siguientes: 125×190 mm – rústica; portada (300gr laminado mate) color, mate; papel: 115gr, estucado mate. Encuadernación fresada sin solapas.

Más allá de Drácula: otros vampiros en la Hammer se encuentra ya a la venta a un PVP unitario de 13,00€ y se puede adquirir únicamente a través de la propia editorial, escribiendo al mail pedidosbibliotecaabadia@gmail.com (gastos de envío por correo ordinario gratuitos,  promoción solo válida para territorio español) así como en la tienda La mansión del terror (Calle Alondra, 44, Local 4) de Madrid. Además, los primeros veinticinco compradores que adquieran su copia de Más allá de Drácula: otros vampiros en la Hammer a través de la editorial, y que así lo deseen, recibirán su ejemplar con una dedicatoria personalizada del autor.

Autor: Carlos Díaz Maroto, Editorial: La biblioteca de La Abadía, Páginas: 161

La naturaleza se rebela es el título del libro oficial del Festival de Terror de Molins de Rei 2020 realizado en colaboración, por quinto año consecutivo, con Editorial Hermenaute. La naturaleza se rebela aborda la temática cinematográfica del ecoterror o terror ecológico, películas que muestran todo aquello natural —ya sea entendido como externo o no al ser humano— de una manera que provoca en el espectador sensaciones de horror, desasosiego, incomodidad o preocupación. El ecoterror surge de una grieta en la idea que tenemos de nuestra relación con la naturaleza, que a menudo vemos como un ente o un paisaje dominado por la humanidad. De esta grieta emergen las plagas de langostas, los desastres naturales, los diluvios o las pestes bubónicas, los miedos y las serpientes… En ella se desvanecen mujeres y hombres, en ocasiones pueblos enteros, y de ella regresan a veces convertidos en monstruos vengadores.

El proyecto está coordinado por el codirector artístico del TerrorMolins Javier Rueda, prologado por el periodista y crítico de cine Àlex Gorina y cuenta con las firmas de Guillermo Triguero, Gerard Fossas, Patricia Clapés-Saga, Marta Torres, Sandra S. Lopera y Carles M. Agenjo.

Autor: Javier Rueda, Àlex Gorina i Macià, Marta Torres, Guillermo Triguero, Gerard Fossas Noguera, Patricia Clapés-Saga, Carles M. Agenjo, Sandra S. Lopera, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: HERMANAUTE, Páginas: 232

Un presunto agente secreto dimite de su puesto dispuesto a cambiar de vida. De regreso a casa es narcotizado y despierta en un lugar irreal. Una comunidad en apariencia apacible llamada La Villa pero que esconde un fabuloso aparato represor y de la que no hay escapatoria posible. Una comunidad en la que es despojado de su identidad y en la que sus captores intentarán que confiese las razones de su renuncia.

Esta es la premisa de El Prisionero, una serie mítica estrenada hace más de cincuenta años, la primera serie de culto de la historia de la televisión. Debatida y analizada por fans y académicos desde de su primera emisión, El Prisionero hechizó a creadores de la talla de Alan Moore, JJ Abrams, Joss Whedon y Mark Frost. Antes de Twin Peaks, El show de Truman, Matrix o Perdidos estaba El Prisionero.

El Prisionero fue la primera distopía pop de la historia. El Prisionero inventó la idea de que la televisión podía ser “cine en casa”. El Prisionero se adelantó a su tiempo por su factura técnica y por sus temas: el control y la vigilancia gubernamentales, el poder de los medios, el fracaso de la política, la tecnificación acelerada del mundo y la imposibilidad de la rebelión individual. Todos ellos tan actuales hoy como en el momento de su estreno.

No soy un número es el análisis definitivo y el primero en castellano de esta serie fundacional, hija de los 60 y de la Guerra Fría, repleta de espías, engaños, estupefacientes, psicología bizarra, conspiraciones, superordenadores, rebelión juvenil y colorido desbordante. A través de El Prisionero, No soy un número te embarcará en un viaje vertiginoso por la cultura popular de “la década prodigiosa”, una época idealizada y lejana pero que tanto tiene en común con la nuestra.

Autor: Santi Pagés, Portada: José Mellinas, Editorial: Applehead Team Creaciones, Colección: Zapping Applehead, Páginas: 500

En 2015 fallecía Germán Robles, el actor que encarnara al vampiro por excelencia del cine mexicano, el conde Lavud, en los clásicos dirigidos por Fernando Méndez El vampiro y El ataúd del vampiro. Convertido en un icono del fantástico y del terror azteca, la vida de Robles, el vampiro mexicano de origen asturiano, es también parte de la historia del exilio republicano español en México y, sobre todo, del singular mundo del cine de terror charro en su mejor momento, así como del desconocido papel que jugaron en él directores, artistas y actores españoles.

Publicada originalmente en 2008, en el marco de la Semana Negra de Gijón, ¡A mordiscos! recorre no solo la trayectoria artística de Robles, sino también los títulos más significativos del cine gótico mexicano, bien diferenciados de sus películas de luchadores enmascarados, durante el periodo de esplendor de la productora ABSA y los Estudios Churubusco, así como las increíbles historias de Robles y muchos de los directores, guionistas y artistas con quienes trabajara: Abel Salazar, Chano Urueta, Gunther Gerszo, Federico Curiel, Pituka de Foronda, Miguel Morayta, Carlos Enrique Taboada y tantos otros que son historia del cine mexicano, español y universal. Galardonada con el premio a la mejor obra de no-ficción en 2008 por la Asociación de Escritores de Asturias (AEA), esta nueva edición ilustrada, revisada y ampliada por el autor, ofrece además una larga entrevista con Germán Robles, concedida durante la retrospectiva que le dedicara la XXI Semana Negra de Gijón, completamente inédita hasta ahora.

Autor: Jesús Palacios, Ilustraciones: Miki Edge, Editorial: HERMANAUTE, Páginas:

LONDRES: 1956-1959

El Free Cinema, movimiento vanguardista cinematográfico, exhibió en Londres 23 películas en seis programas entre 1956 y 1959. Sus artífices –Lindsay Anderson, Karel Reisz, Walter Lassally y John Fletcher, entre otros–, pensaban que era posible hacer un cine poético a base de planos independientes, que el propio espectador adulto sería capaz de unir y de convertir lo particular en universal, lo racional en irreal, la realidad en ficción.

Este libro no trata solo sobre cine. Los jóvenes que formaban la larga cola junto al Támesis el 5 de febrero de 1956 para ver el primer programa Free Cinema no eran clase obrera. La mayoría pertenecía a una nueva generación que rechazaba los ideales de sus abuelos y de sus padres, quizá por la frustración que los condenó o bien a morir en la 1ª o en la 2ª Guerra Mundial o bien a vivir sumidos en una profunda desilusión. Estos jóvenes representaban una nueva realidad, una nueva cultura minoritaria, pero mediáticamente notable.

Así, el Free Cinema convivió con los jóvenes airados de la novela y el teatro; con los poetas de The Movement; con los artistas que darían pábulo al pop con su apertura a las emociones, a las masas y a la ruptura con el arte de entreguerras; con los clubs de jazz en los que se reunían liberados de los prejuicios de sus padres; y con una nueva filosofía existencialista que se aleja de los ideales por los que luchaban las generaciones anteriores. Ahora el individuo, a veces en soledad, afronta su destino en grandes ciudades, solo, desarraigado de su pasado.

El Free Cinema de los ‘50 es un movimiento de cine documental universal, pertenece al mundo, no a una parte pequeña de él llamada Gran Bretaña. De ahí que refleje los problemas de gente común relativos a la vejez, la enfermedad, la guerra entre vecinos por una flor, el alcoholismo, la exclusión del outsider, la intolerancia de un pueblo sobre el que regresa para cambiar algo, el descubrimiento juvenil de la belleza de la mujer, la amistad, la muerte o la falta de ayuda a las prostitutas que lo son porque no tienen otra forma de vida.

Este será el nexo que explica por sí mismo que tres de los seis programas que se exhibieron no fueran británicos, quizá porque al explorar otros documentales procedentes de Francia, Polonia, Canadá o USA, los directores Free Cinema percibieran lo semejantes que eran los problemas de las personas.

En síntesis, el Free Cinema es un cine documental de autor, liberado de cualquier exaltación nacionalista, un cine libre.

El autor

LUIS CARLOS ALLO AYALA

(Linares, 1949). Licenciado en Filología inglesa. Catedrático de Instituto en Lengua y Literatura Inglesa. En 2006 se doctoró con una tesis sobre el Free Cinema inglés de los años ‘50, base del presente libro. Profesor Asociado del Departamento de Filología Inglesa de la Universidad de Valladolid, Diplomado y Profesor de la Cátedra de Historia y Estética de la Cinematografía de la Universidad de Valladolid.

Vinculado a Cambridge, donde impartió docencia en la Neale Wade School, y St. Andrews, universidad en la que obtuvo la beca Stevenson como postgraduado, especializándose en técnicas narrativas de la novela inglesa del realismo al simbolismo. Su interés por la traducción se constata con traducciones comentadas y prologadas en proceso de publicación de Mirando hacia atrás con ira (John Osborne), Ensayos de Elia (Charles Lamb) y Declaration (Tom Maschler). Asimismo, ha escrito ensayos literarios sobre Samuel Johnson, Montaigne, Voltaire, Boswell, Joyce, Virginia Woolf, Henry James…, así como relatos cortos.

Con El Free Cinema inglés en los años ‘50 (Londres: 1956-1959), analiza el movimiento literario de los “jóvenes airados” y el espíritu cultural del período (Declaration), continúa su investigación sobre una de las vanguardias del cine documental, aún vigente en 2020, como se refleja en el cine de Loach, Winterbottom, Frears, Leigh, Davies… Inevitablemente, la literatura y el cine –su pasión–, conviven como artificio de realidad y ficción.

Autor: Luis Carlos Allo Ayala, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre], Páginas: 492

Prematuramente juzgado por ciertos sectores como un diletante gustoso de suscitar escándalos, el paso del tiempo ha resituado a Louis Malle como uno de los grandes cineastas de su época, responsable de una obra consistente y cuestionadora marcada por la solvencia narrativa y por su tendencia a desbordar los clichés y a desmarcarse de lo convencional. Amante del jazz, deudor de Albert Camus y de la literatura del absurdo, fue un cineasta versátil, capaz de abordar los géneros tradicionales de forma innovadora («Ascensor para el cadalso»), de explorar los límites del documental («Calcuta»), de desnudar los mitos de la Historia («Lacombe Lucien»), de afrontar sin extravíos la aventura americana («La pequeña», «Atlantic City») o de recurrir a lo autobiográfico para ofrecer lo mejor de sí mismo («El soplo al corazón» o «Adiós, muchachos»). Temas y obsesiones se repiten a lo largo de una filmografía de apariencia variable pero sustentada por la personalidad de un auténtico autor, de un individualista acérrimo que entendía el cine como un constante desafío.

Autor; Enric Alberich Grau, Editorial: Ediciones Cátedra Colección: Signo e imagen>Signo e imagen. Cineastas, Páginas: 352

Cine clandestino durante el tardofranquismo y la Transición.

Parece que las prácticas cinematográficas clandestinas del tardofranquismo y la Transición nunca salieron de la clandestinidad. De lo contrario, el contenido de sus imágenes habría permeado en la narrativa de una época que hoy se pone en entredicho. Al mismo tiempo, el propio relato del cine clandestino es una historia sin contar ni recorrer, a pesar de que sus imágenes nutran el archivo visual e histórico del período en el que fueron creadas. Este libro recorre esta historia no escrita desde varios enfoques. Por un lado, el análisis de la cotidianeidad no siempre significó mantenerse ocultos, sino que, a veces, suponía hacerse visibles a modo de desafío. Por otro lado, el análisis del contenido del cine clandestino permite pensar tres nociones que atraviesan toda su producción: el pueblo, la violencia y la memoria.

Autor: Lidia Mateo Leivas, Editorial: CENDEAC, Páginas: 235

Supuso la avanzadilla de los rebeldes legendarios del Hollywood de los cincuenta, y junto a James Dean y Marlon Brando formó el trío de ases del nuevo estrellato juvenil que la fábrica de sueños explotó tras la Segunda Guerra Mundial. Fue el más atormentado de todos y probablemente el más desgraciado, pero también el más elegante y sofisticado. Montgomery Clift ha pasado a la Historia por su enorme carisma, una vida llena de problemas y las grandes películas que interpretó a lo largo de una corta filmografía. Una quincena de expertos analizan en El universo de Montgomery Clift todos sus films, los directores, compañeros de reparto…. Todas las constantes de su vida y obra. El libro definitivo sobre uno de los grandes mitos de Hollywood. Una enciclopedia sobre su vida y obra, con un impresionante despliegue fotográfico.

Autor; David Felipe Arranz, Lucía M. Cabanelas, Juan Manuel Corral, Jose Fernández, Luis Freijo, Espido Freire, Noemi Guillermo, Juan Carlos Laviana, Teresa Llácer, Alejandro Melero Salvador, Carmen Posadas, Moisés Rodríguez, Gerardo Sánchez, LucÍa Tello Díaz, Fran Ventura, Editorial: NOTORIOUS, Páginas: 232

En los años del cambio del milenio aflora una tendencia cinematográfica de gran repercusión, sobre todo en el circuito internacional de festivales. Películas en las que abundan los largos movimientos de cámara, los paisajes desiertos y los personajes ensimismados, un «cine de la ausencia» cuyas raíces se pueden rastrear desde medio siglo antes en las imágenes de los campos de concentración; o más bien en la polémica filosófica y estética en torno a la representación del exterminio que culminará en «Shoah» (1985). La influencia de la película de Claude Lanzmann en los documentales posteriores es indiscutible (Chantal Akerman, Rithy Panh, James Benning), pero tampoco son ajenas a este debate las ficciones que experimentarán con formas similares (de Michelangelo Antonioni a Gus van Sant, pasando por Marguerite Duras o Tsai Ming-liang). Este libro rastrea estas dos genealogías que confluirán en los mismos años en que se produce la eclosión del cine digital y la globalización de la cinefilia.

Autor: Jaime Pena, Editorial: Cátedra, Colección Signo e imagen, Páginas: 368

Pese al importante papel que desempeñó en el contexto internacional durante el siglo pasado, al cine latinoamericano le sigue costando encontrar su lugar en el mundo, asfixiado por una hegemonía global de la industria anglosajona que se impone tanto comercialmente como en el circuito de festivales, y que apenas deja unas migajas para los países en vías de desarrollo. Y, sin embargo, los cineastas de la zona no cejan en su empeño de dar a conocer sus historias. El presente volumen destaca la relevancia de medio centenar de películas realizadas en el escaso periodo de tiempo transcurrido desde que sobrevino el cambio de siglo. Más allá del impacto mediático de Roma o de tendencias de temporada asociadas a algún fenómeno nacional específico, el cine latinoamericano está dando voz a sus minorías, luchando por sacar adelante leyes que le permitan depender en menor medida de las coproducciones internacionales y ganando premios en certámenes de todo el planeta. O lo que es lo mismo: luchando desde las trincheras para defender su identidad.

Autor: Eduardo Guillot (coord.), Editorial: Uoc, Filmografias esenciales, Páginas: 214

Eloy de la Iglesia. No hace falta ser un erudito para comprender la idiosincrasia de un director tan complejo como efectivo, tan fascinante en su vida privada como detrás de la cámara, y con una suerte de películas que cuesta descifrar si eran buenas o tan solo muestras provocadoras de un cine escandaloso pero carente de mayor interés. Algo de todo eso hay en sus películas. Hay oficio, pero también torpeza. Hay genialidad, pero también rutilante inutilidad.  También es cierto que es un director solvente cuando le interesa y que, por encima de todo, es un contador de historias nato. Se le acusó de oportunista, a lo que él contraatacó respondiendo que en realidad era inoportuno. Se le comparó con Rainer Werner Fassbinder, aunque él se identificaba más con Pier Paolo Pasolini, estando su cine en realidad en las antípodas de ambos. De hecho, ellos eran el ying y Eloy era el yang.

Una manera justa de calificar el cine de Eloy de la Iglesia sería diciendo que su obra es el resultado de un Stanley Kubrick producido por Ignacio F. Iquino. Una cosa improbable y marciana: eso es el cine de Eloy de la Iglesia. Un sucio y asqueroso urinario de celuloide.

Urinarios de celuloide, Las películas de Eloy de la Iglesia repasa la filmografía completa del director guipuzcoano así como explora sus consecuencias en la cultura popular, a través de varios ensayos, reseñas e ilustraciones firmadas por los autores Jesús Navarro, Víctor Olid y José Manuel Romero Moreno.

Autor: Jesús Navarro, Víctor Olid y José Manuel Romero Moreno, Editorial: Vial of Delicatessens, Páginas: 216

En este primer volumen de la Colección El Ocultismo en el Cine se dan cita las películas que se han inspirado en el vudú a lo largo de la historia. Desde Yo anduve con un zombi de Jacques Tourneur hasta El corazón del ángel de Alan Parker o La serpiente y el arco iris de Wes Craven; desde las ignotas cintas de serie B de los años 30 y 40 del siglo XX protagonizadas por Boris Karloff, Bela Lugosi o John Carradine, hasta las aportaciones más actuales. Reinas y sacerdotes vudú, zombies, sociedades secretas, viejos y malditos cantantes de blues, sacrificios rituales, posesiones, ceremonias a la luz de la luna. El libro que tienes en las manos es un exhaustivo repaso al cine inspirado en ese particular universo de la mano de Dani Morell, Javier J. Valencia, José Ángel De Dios, Óscar Sueiro, Víctor Castillo y Xavi Torrents.

Pero Vudú es mucho más que eso. Dani Morell, el coordinador de la obra, es un apasionado de la historia, del universo sureño de los Estados Unidos, la literatura, el cine y la cultura popular. Eso da como resultado una inmersión en los orígenes del vudú, un reconocimiento a los primeros estudiosos y aventureros que lo difundieron y un repaso detallado a la ficción que se atrevió y se atreve con el tema (relatos, novelas, cómics, música, videojuegos…), abriendo la puerta al lado más oculto y emocionante de Nueva Orleans, Haití y las islas del Caribe.

Autor: Varios, Editorial: Dilatando Mentes Editorial, Colección: El Ocultismo en el Cine, Páginas: 386

El lenguaje de las ópticas explora el poder expresivo de las ópticas y su contribución a la narración de historias en los proyectos cinematográficos. Mediante un examen detallado explica las formas de controlar la apariencia del espacio, el movimiento, el enfoque, los destellos, las distorsiones y la personalidad óptica del panorama visual de la historia. El autor proporciona un enfoque único para aprender a producir imágenes convincentes, tanto en el ámbito estético como en el narrativo.

Rebosante de vívidos ejemplos del cine comercial, independiente y mundial, El lenguaje de las ópticas presenta docenas de casos, a la par que examina su enfoque conceptual, narrativo y técnico. De esta forma, revela cómo han aprovechado los cineastas el poder de las ópticas para expresar toda la gama de emociones, temas, tono, atmósfera, subtextos, estados de ánimo y conceptos abstractos en sus filmes. El lenguaje de las ópticas proporciona a los cineastas de cualquier nivel o experiencia una gran cantidad de conocimiento para liberar el poder expresivo de la óptica que tengan en sus manos, tanto si se trata de un smartphone como de ópticas profesionales de última generación.

Autor: Gustavo Mercado, Editorial: ANAYA MULTIMEDIA, Páginas: 208

Desde las remotas galaxias, hasta la tierra incógnita que se despliega más allá las partículas subatómicas, la ciencia-ficción nos ha abierto las puertas a los más grandes de los relatos, y a un fabuloso número de contextos cosmológicos donde especular con lo desconocido. Un género para reflexionar acerca de nosotros mismos y de nuestro lugar en el universo, pero también para evadirnos entre los cúmulos de «materia oscura», sin más pretexto que la diversión.

En Space Fiction, acudimos a los referentes actualizados que nos ofrece la cinematografía (Alien, Lifeforce, Ad Astra, Arrival, etc.), las series (Rick y Morty, Love, Death & Robots, Black Mirror, etc.), la literatura (La guerra de los mundos, 2001: Una odisea espacial, La trilogía de los tres cuerpos, etc.), los videojuegos (Persona 3, Detroit: Become Human, etc.), o los cómics (Silver Surfer), entre otros, para llevar a cabo nuestra propia «exploración espacial» en una selecta colección de textos de autores y autoras internacionales. En sus páginas, el lector encontrará nuevas perspectivas sobre las cuestiones estéticas, filosóficas, históricas y políticas que, hoy, rodean al género.

Autor: Varios, coordinado por Mario-Paul Martínez Fabre y Fran Mateu, Editorial: Cinestesia, Páginas: 252

A partir de su propia experiencia cinéfila desbordada, Vicente Monroy desarrolla en este ensayo una apasionante historia de los mitos de la cinefilia y de sus argumentos fundamentales, de las múltiples formas en que el cine, ese arte joven pero siempre en crisis, ha llegado a enfermar a sus amantes. De Orson Welles a Martin Scorsese, pasando por los Cahiers du Cinéma o Serge Daney, pero también dialogando con la historia de la filosofía y de la literatura, Monroy consigue construir en estas páginas una elegante síntesis de las ideas y polémicas más profundas que se han dado sobre el cine y su significado histórico. Una historia del cine articulada a partir de los cinéfilos, grandes amantes del cine que en ocasiones desarrollan una relación patológica con el objeto de su deseo.

El autor

Vicente Monroy nació en Toledo en 1989. Escribe teoría literaria y sobre cine. Es autor de varios poemarios, entre ellos ‘El gran error del siglo 21’ (2015) y ‘Las estaciones trágicas’ (2018). Ha trabajado como profesor de cine, como guionista y como arquitecto.

Autor: Vicente Monroy, Editorial: CLAVE INTELECTUAL Colección: URGENTES, Páginas: 152

Estudiar las circunstancias históricas de la animación es viajar por una historia paralela del cine. Entrando y saliendo de la corriente principal de las formas fílmicas, la animación ha sido motor de poderosos avances técnicos, de osadas exploraciones formales y de radicales reformulaciones de la relación entre creadores y públicos. Por ello, estudiar la historia de la animación es adentrarse en una larga serie de transformaciones de las formas estéticas y de los usos sociales de la imagen, que marcan el pasado, el presente y el futuro de los medios audiovisuales más de lo que se suele contemplar desde la crítica académica. A través del análisis de cincuenta títulos esenciales, emprendemos un recorrido por los contextos geográficos y sociales, los autores y los desarrollos tecnológicos que han sido determinantes en la historia de la animación. Las películas analizadas en este libro constituyen un corpus esencial a través del cual se proponen al lector suficientes pistas para emprender un viaje apasionante por el universo de una de las formas expresivas más productivas de la historia de la imagen en movimiento, una forma de materializar la imaginación humana que goza de un pasado glorioso y de un futuro muy prometedor.

Autor: Jordi Sánchez Navarro, Editorial: Uoc, Filmografias esenciales, Páginas: 230

Eugène Green escribió este libro como un libro de horas. Para contar cómo se cuenta el cine si uno quiere que le devuelva la mirada. Fuera del cine, te miro pero no te veo. Miro tu superficie, palpo tu contorno, rozo la forma de una exterioridad. Fuera del cine miro lo visible, como un ciego que ausculta el mundo material, recorre un tiempo cronológico, se desplaza en espacios mensurables. Fuera del cine gobierna la razón, se encienden todavía las viejas luces del Siglo de las Luces, el intelecto gobierna y administra los días y las noches, los códigos fulminan los misterios y el oído se aturde en la ciudad, o se despeña en un silencio sin vacío. Eugène Green adora caer en el vacío del sagrado presente continuo. Ese vacío que muestra el revés de todas las cosas de este mundo: árboles y rostros, peñascos y cascadas, piedras y pies. Pura disolución del cálculo, desvanecimiento de la geometría. Lugar donde caer hasta ver por fin y disolverse en ese espacio donde todo es Uno, singular y semejante, donde criaturas y cosas tiemblan atravesadas por el hilo de la misma energía espiritual.

El asno Balthazar filmado por Bresson es la criatura perfecta de esta poética de la exhumación y de la epifanía: no intenta colaborar, no se esfuerza en actuar, carece de estrategias. Se entrega porque es, su mera existencia es un acto de entrega. Balthazar con su corona de flores silvestres, como espinas; Balthazar con sus ojos inocentes, como remansos y termómetros de la fragilidad. Green recorre el espinel del cine, desde que la película es idea hasta que se proyecta en la pantalla, y despliega sus máximas, que son las mínimas pistas de quien ve-a-través, como quien abre una caja de herramientas. Pañuelos y palomas, varitas y naipes de un juego de magia.

Este libro hubiera podido llamarse “Cómo se hace una película”, es decir, cómo se filman, según un puñado de teorías, la tradición del género y los instrumentos disponibles, ciertos fragmentos del mundo, ciertos movimientos de los cuerpos. Pero se llama “Poética del cinematógrafo”. Lo que equivale a decir: cómo extraer, de cada uno de esos fragmentos de materia, esa presencia real que es la expresión del alma, la manifestación de la gracia en una modestísima cinta de celuloide.

EUGÈNE GREEN

Nueva York, 1947.

Licenciado en letras y en historia del arte. Director teatral amante del barroco (fundador del Théâtre de la Sapience), entrenador de actores, cineasta de culto inclasificable y escritor en el cruce y en los márgenes. Nacido en Estados Unidos, peregrinó por Europa y finalmente se instaló en Francia, donde fundó su compañía teatral, filmó su primer largometraje (Toutes les nuits), aclamado por la crítica, e inició su trayectoria como ensayista, novelista y poeta.

Con Poética del cinematógrafo, Shangrila continúa la difusión en español de la obra de este autor fuera de cuadro, iniciada ya con Presencias. Ensayo sobre la naturaleza del cine (Shangrila, 2018).

Autor: Eugène Green, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 128

Carlo Pedersoli y Mario Girotti son dos nombres que nada dicen a casi nadie. Pero si les llamamos por su nombre artístico, Bud Spencer y Terence Hill, tendremos al menos a tres generaciones de espectadores que asentirán encantados.

¿Sabías que el nombre de Terence Hill siempre aparecía antes que el de Bud Spencer en los créditos de sus películas porque este consideraba que Hill era el único de los dos que realmente era actor? ¿O que Terence Hill protagonizó una de las primeras producciones de Jerry Bruckheimer? ¿Conocías las múltiples facetas de Bud Spencer además de actor: político, compositor musical, cantante, doctor en derecho, constructor de la carretera Panamericana San Cristóbal entre Venezuela y Colombia, fundador de una compañía aérea y el primer italiano en bajar del minuto en los cien metros de natación? ¿Sabías que Le llamaban Trinidad tuvo más espectadores en España que Vengadores: Endgame?

El lector encontrará estos datos y muchos más en ¡Más fuerte, muchachos! El cine de Bud Spencer y Terrence Hill, de Daniel Lorenzo,  el primer ensayo en castellano sobre la vida y la obra de los intérpretes más taquilleros del cine europeo durante dos décadas consecutivas y unos verdaderos héroes del cine de barrio y los videoclubes (donde muchos descubrimos su obra y donde se convirtieron en un verdadero fenómeno). El western cómico y la buddy movie contemporánea probablemente no existirían, tal y como los conocemos, sin su trabajo conjunto. Este repaso a su filmografía también es un recorrido por todos los géneros y las tendencias cinematográficas a las que estos intérpretes supieron adaptarse en cada momento. Un viaje que no renuncia a la nostalgia, pero que pone de manifiesto los valores artísticos que atesoran muchas de sus películas.

Autor; Daniel Lorenzo, apéndice de ‘Los clones de Bud Spencer y Terence Hill” escrito por Ismael Rubio, Ilustraciones interiores de Alberto Peral. Editorial: Applehead Team Creaciones. Páginas: 268

«No puedo evitar pensar en el esfuerzo desesperado que hace el hombre para organizar su propia vida. Porque el circo es, ante todo, el espectáculo de la
vida. Todos los elementos de ésta se encuentran en él, arrojados de cualquier manera, tan violentos, tan trágicos, tan tiernos. Todos, sin excepción. La vida
colectiva, por ejemplo. La más difícil que existe. Hecha de trabajo en equipo, de éxitos personales, de fracasos, de celos, de fealdad y de belleza, de amor,
de vergüenza, de rencores. Y la casa provisional, como sabemos que lo son –de ahí nuestra angustia eterna– la mayoría de los verdaderos hogares. También se encuentra allí la gracia, puesto que hay niños. Y el ritmo, puesto que hay animales. Y el Miedo, puesto que está el hombre. Y no olvidemos a la Muerte, siempre presente –como en todos los ritos, en todas las religiones–, a la espera paciente de sus víctimas, inocentes o culpables.» Federico Fellini

El autor

José Luis de Vilallonga (Madrid, 1920 – Andratx, 2007) Marqués de Castellvell y Grande de España. Desde los 18 años, colaboró en diversas publicaciones españolas. En 1951 se instaló en París. En esa misma ciudad fue portavoz de la Junta Democrática de España. De regreso a Madrid, colaboró regularmente en Interviú, El Periódico, El País, La Vanguardia, ABC, Panorama y Vogue. Asimismo, ha escrito guiones de cine y televisión. En 1994, el gobierno francés le concedió el rango de Oficial de la Legión de Honor por su obra escrita en francés.

Autor: José Luis de Vilallonga, Editorial: EDITORIAL ELBA, Páginas: 120

El rodaje de ‘Apocalypse Now’ es recordado como uno de los más duros de la historia del cine, por los innumerables problemas a los que tuvo que hacer frente para ver la luz. Planificado para unos pocos meses, acabó convirtiéndose en una odisea de varios años que a punto estuvo de arruinar a su director, Francis Ford Coppola, minando su salud tanto física como mental.

Un tifón arrasó por completo parte de los decorados; los helicópteros negros prestados por el ejército filipino para filmar una de las escenas más memorables eran periódicamente reclamados para combatir a la guerrilla en otros puntos del país; el protagonista de la cinta, Martin Sheen, sufrió un ataque al corazón en medio de la filmación; Marlon Brando ―el Coronel Kurtz―, se presentó en el rodaje con sobrepeso y sin haberse leído el guion.

La cineasta y escritora Eleanor Coppola, inmersa en el proceso junto a su marido y sus hijos, escribió este diario de rodaje en el que se recogen desde dentro y al detalle todas estas adversidades. Aunque no solo eso, ya que ‘Notas a Apocalypse Now’ es también un testimonio íntimo y revelador de la relación entre dos grandes creadores atrapados en el mismo corazón de las tinieblas. Un viaje que, tal y como sucediese en la famosa novela de Conrad en la que se inspiró el film, o en la propia película en sí, supuso un camino de aprendizaje que, en ocasiones, incluso, a punto estuvo de costarles el matrimonio.

Autor: Eleanor Coppola, Editorial: Eleanor Coppola, Páginas: 264

Un jovencísimo Jean Epstein fue asistente de Auguste Lumière. Auguste Lumière no creía en el futuro del cine. Epstein, sí. Epstein creía en los poderes del cine como un instrumento superior al ojo humano, dotado de su propia inteligencia. Un invento del mismísimo diablo, capaz de dominar el tiempo.

Epstein hizo del cine su objeto de devoción y el objeto de su filosofía. Mientras hacía cine, le auscultaba las entrañas. Había estudiado medicina. Encontró en el cine un escalpelo para fragmentar y potenciar la imagen, para hacerla durar mientras la sumergía en el agua, y un antídoto contra la finitud: un cuerpo filmado es la modalidad espectral y deslumbrante de la supervivencia, se mueve todo el tiempo y para siempre, vibra y persiste como una piedra, y una piedra puede ser nube, ola y alucinación. Epstein pertenece a la estirpe del matemático y el mago, aúna la fórmula y la cábala, la precisión de los cronómetros y las tempestades inasibles desatadas en la bola de cristal de los videntes. Es ecuación, tránsito y trance. Pocos, muy pocos, vieron las cosas como las vio Epstein. Y muchas, muchas de las cosas que se han visto, Epstein las vio primero.

Este libro reúne una colección de ensayos que intentan descifrar las claves de su mundo, unidos por la convicción de que toda clave está desplazada del centro y hace de la periferia y el borde su lugar. Son ensayos que ofician de caja de herramientas-Epstein: lirosofía y fotogenia, vanguardia, primer plano y encadenamiento, figuración y transmigración queer, neurastenia deseable del espectador, vacilación y síntoma, corteza y lava volcánica en una modestísima cinta de celuloide, montaje riguroso y trastornado de una constelación.

Epstein, en sus propias palabras, trazaba un horóscopo que aún no estaba hecho, buscaba los signos de su zodíaco. Se asomaba a la boca del Etna para besar su conmoción y registrarla en una película perdida. Escuchaba el flujo y el reflujo de las mareas. Por eso supo, y escribió, que el amor por la pantalla tenía lo que ningún amor había tenido: paciencia y revelación, la dosis exacta de temblor ultravioleta.

Sumario

Jean Epstein, de la vanguardia narrativa al filme de naturaleza
Joël Daire

Jean Epstein: imágenes de un mundo flotante
Alberto Ruiz de Samaniego

Ultra-moderno. Jean Epstein: el cine «Al servicio
de las fuerzas de transgresión y de revuelta»
Nicole Brenez

Una biología de los regímenes de conciencia.
Jean Epstein y el futuro del cine
Josep M. Català Domènech

Jean Epstein: un sentimiento oceánico
Roberto Amaba

La photogénie de Epstein como visión corpórea,
sensación interior, encarnación queer y ética
Christophe Wall-Romana

Fotogenia plástica
Érik Bullot

Infinitamente futuro.
Los ensayos sobre cine de Jean Epstein
Daniel Pitarch

Un acuario infinito
Mariel Manrique

Un recorrido biográfico
Daniel Pitarch

Autores de los textos

Autor: Pasión Rivière (coord.), Editorial: Shangrila, Colección Trayectos libros, Páginas: 288

Durante el relativamente corto período de tiempo comprendido entre 1950 y mediados de los años sesenta, la cinematografía española desarrolló un cine policíaco que, asumida como obligada la influencia del film noir clásico norteamericano, concretó una particular personalidad artística sorteando todo tipo de dificultades, muchas de ellas nacidas del clima político, social, económico y cultural presidido por la dictadura del general Franco tras la Guerra Civil. El cine policíaco español, en un alarde de coraje, creatividad e instinto comercial, fue capaz de ofrecer obras muy atractivas para el público y capaces de conectar con la realidad del momento a diferentes niveles, características que definen una etapa de nuestro cine todavía hoy poco conocida entre los aficionados al género, a pesar del notable esfuerzo llevado a cabo por los escasos estudios previos publicados desde finales de los años noventa.

Su necesaria reivindicación y análisis son los principales objetivos del presente volumen, cuyos textos, a cargo de algunos de los más interesantes escritores cinematográficos contemporáneos en lengua castellana, tratan de salvar del olvido películas como Apartado de Correos 1001 (1950), Brigada criminal (1950), El cerco (1955), 091 Policía al habla (1960) o Los atracadores (1962) en un intento de poner en valor una parte de la historia de nuestro cine que contradice muchos de los tópicos y prejuicios sembrados durante años, desvirtuando el cine español de una época que, pese a todo, debemos considerar extremadamente valiosa.

Tan desconocido para el gran público como para muchos cinéfilos, el cine policíaco producido en España durante los años cincuenta y buena parte de la década siguiente merecía un estudio como el que aquí se ofrece. En el ánimo reivindicativo de sus autores reside, entre otros propósitos, la ambición de ayudar a superar los prejuicios que siempre tuvo el cine realizado en nuestro país durante aquellos oscuros años del franquismo. Acotado el análisis al período descrito, con la particular idiosincrasia consecuencia del momento social, político, económico y cultural de aquella España, los textos que aquí se reproducen son una decidida aportación de visibilidad a un género cinematográfico apenas conocido en el que, sin embargo, encontraremos una calidad global difícilmente comparable en la historia del cine español de aquella época y, quizás, de cualquier otra.

Índice

Industria, género, literatura y sociedad
Prólogo de Eduardo Torres-Dulce

Crimen y sociedad. La españa noir bajo el franquismo
Juan Andrés Pedrero Santos

Crimen con olor a tinta. La relación del cine negro español con literatura, teatro y crónica de sucesos
Tonio L. Alarcón

El cine negro español (1950-1963). ¿Conductor de una ideología hegemónica o mecanismo transgresor?
Antonio José Navarro

Madrid-Barcelona. Dos miradas sobre el cine policíaco español
Francesc Sánchez Barba

A tiro limpio y a sangre fría. La violencia en el cine negro español
José Luis Salvador Estébenez

Todas somos necesarias: mujeres, feminidad y masculinidad en la edad dorada del noir español
Elisa McCausland y Diego Salgado

Autor; Varios, Editorial: Calamar Ediciones, Antonio José Navarro y Juan A. Pedrero Santos (eds.), Páginas: 272

«Guerreros del Mañana» ofrece un vasto y apasionante viaje por los páramos inmortales y casi infinitos del cine post-apocalíptico, a través de más de 250 películas, procedentes de los cinco continentes y de todas las épocas, desde casi los orígenes del propio cine hasta la actualidad. Cinematografías tan heterogéneas como la italiana, la filipina o la australiana (junto a muchas otras) han forjado un imaginario ecléctico y multiforme sobre el futuro de nuestro planeta después de su devastación.

En los años 80, tras el fenómeno Mad Max, los videoclubes se llenaron de múltiples cintas que copiaban hasta la saciedad los mismos planteamientos estéticos, narrativos y simbólicos del film del director George Miller, ampliando y renovando un subgénero que ya había dado sus primeros pasos décadas antes, y que nos ofrece grandes joyas cinematográficas, a la par que engendra infinidad de productos que transitan por la serie B y serie Z, películas de explotación enfocadas al consumo rápido, copias baratas cuyas carátulas, sin embargo, ejercen un poder hipnótico y nostálgico sobre nosotros, siendo muchas de ellas auténticas obras de arte a años luz de los films que ilustran.

Nuestros lectores se adentrarán por desiertos infinitos, ciudades en ruinas, mundos desolados, territorios donde el óxido, el polvo, la soledad o la violencia ejercen un dominio absoluto. Y no sólo a través del cine: también pueden encontrar capítulos dedicados a la literatura, las series de TV o los videojuegos; medios diversos que amplían el rico universo de un subgénero del que, a pesar de su popularidad, apenas encontramos ensayos como el presente, siendo quizás este análisis el más amplio publicado hasta la fecha en lengua castellana.

Autor; Joaquín Díaz Cáceres, Prólogo: Domingo López, Editorial: APPLEHEAD TEAM CREACIONES, Páginas:

El estreno del primer capítulo de Twin Peaks, el 8 de abril de 1990, está considerado como un momento fundacional en la historia de la televisión: en gran medida, David Lynch y Mark Frost sentaron las bases de lo que sería en el futuro el formato de la serie televisiva, anticipándose a fenómenos como Perdidos. Desde aquel momento, Twin Peaks se convirtió en una obsesión constante para quienes vieron sus dos primeras temporadas –ni la exégesis más tenaz ha sido capaz de desentrañar todas sus claves simbólicas–, y a día de hoy sigue siendo un referente absoluto de la cultura popular de nuestro tiempo. Sin embargo, tal y como argumenta Pacôme Thiellement en este volumen de ensayos iluminadores sobre el que sin duda es uno de los trabajos más conocidos y reconocidos de David Lynch, la intención del creador de Twin Peaks no fue tanto revolucionar la televisión como reflexionar sobre el lenguaje televisivo de su tiempo y, de paso, alertar sobre la crisis que estaba atravesando la ficción concebida para la pequeña pantalla.

El primero de estos tres ensayos, «La mano izquierda de David Lynch», analiza la serie a partir de sus ingredientes más esotéricos y de sus múltiples referencias fílmicas y literarias. El segundo ensayo, el más breve de los tres, se adentra en uno de los espacios más emblemáticos de la televisión: la Logia Negra. El tercer ensayo, «La sustancia de este mundo», aborda de forma exhaustiva y brillante la tercera temporada, estrenada en 2017, aportando nuevas claves de interpretación y de análisis. Además, la presente edición incorpora a modo de epílogo un cuarto ensayo en el que Pacôme Thiellement repasa el cine de David Lynch después de Twin Peaks, y en el que se constata, una vez más, que todo cambió después de la muerte de Laura Palmer.

«Estos ensayos son extraños hilos de Ariadna, de una inteligencia y de una humanidad extraordinarias, indispensables para todos aquellos que sienten que se les acelera el corazón cuando entran en estos bellos laberintos. Pacôme Thiellement da las claves de interpretación, pero sin decirlo todo necesariamente: no hace el trabajo por nosotros,  nos pone en el camino, porque el viaje debe ser personal.» Textualités

«Seguramente es lo mejor que se ha escrito sobre el tema (y sobre David Lynch, de paso) en los últimos años.» CARLOS LOSILLA, Sensacine

«Thiellement reúne una tríada de textos trabajados a lo largo del tiempo que acaban configurando el sueño de todo estudioso o admirador de Lynch: una verdadera enciclopedia sobre el cineasta en el sentido ‘ilustrado’ del término.» Caimán

El autor

Pacôme Thiellement (París, 1975) es uno de los pensadores más audaces y versátiles de la actualidad. Sus análisis más agudos abordan las producciones de la cultura de masas –desde el rock hasta las series de televisión, por ejemplo– como puntos de entrada ideales para explicar el mundo y llegar a capas de profundidad sorprendentes que ayudan a entender la sociedad occidental. En paralelo también desarrolla una obra filosófica que se decanta hacia el estudio de las corrientes gnósticas, como se puede ver en una de sus publicaciones más aclamadas, La victoire des Sans Roi. Révolution Gnostique.

Autor; Pacôme Thiellement, Editorial: ALPHA DECAY, Páginas: 224

“Estoy vivo” es la historia de una tragedia. De cómo el nacimiento de un bebé, grotesco y con ansias homicidas, transforma la vida de sus progenitores en una pesadilla horrorosa. A pesar de unos comienzos difíciles, la película se convirtió en una de las más emblemáticas de su guionista, director y productor Larry Cohen, una pequeña joya del cine fantástico cuyo éxito dio pie a dos secuelas y un remake.

“¡Está vivo! La saga mutante de Larry Cohen” recoge la gestación de todas y cada una de las entregas protagonizadas por estos engendros asesinos, incluyendo una rica y esclarecedora entrevista concedida en exclusiva por el mismísimo Cohen en 2017 para este libro. Junto  al director aparecen otras declaraciones inéditas de miembros del equipo técnico y artístico de toda la saga, como James Dixon, Michael Moriarty, Sharon Farrell, Gerrit Graham, Josef Rusnak o Reid Freeman, entre muchos otros que rememoran sus experiencias en estos rodajes agrestes capitaneados por un infatigable y contagioso Larry Cohen.

Para la ocasión se ha convocado también la firma de expertos como Ángel Sala, Tony Williams, Fausto Fernández, Michael Doyle, Javier Ludeña y Ricardo Tovares, quienes colaboran con unos breves apuntes sobre el objeto de estudio de este volumen. No falta un repaso a otros abortos aberrantes, bestias neonatas y lactantes matadores que la historia del cine ha tenido la buena ventura de presentarnos.

Una rotunda misiva de amor a la trilogía mutante del cineasta, “¡Está vivo!” es una oportunidad única para descubrir estas películas, conocer a fondo sus detalles, y comprender la energía creativa que habitaba en el fecundo, contundente e indómito Larry Cohen.

Información y reserva: https://appleheadteam.com/…/esta-vivo-la-saga-mutante-de-l…

Autor; Octavio López Sanjuán, Editorial: APPLEHEAD TEAM CREACIONES, Páginas:

El presente libro constituye un estudio colectivo de las constantes formales, temáticas y narrativas de la obra de Josef von Sternberg, uno de los primeros directores que acometieron, desde el epicentro mismo de la industria hollywoodense, una praxis fílmica disidente que se resistía a su domesticación por el canon estético-narrativo impuesto por esta. Los diversos ensayos que integran el volumen analizan la totalidad de largometrajes firmados por el cineasta de origen vienés que se conservan, desde sus primeros pasos en el cine silente hasta su pérdida de poder e independencia creativa en el sistema de estudios, pasando por la maduración de su escritura fílmica –La ley del hampa (1927), La última orden (1928)– y el singular ciclo de seis filmes sufragados por Paramount Pictures que Von Sternberg realizó junto con Marlene Dietrich entre 1930 y 1935 –Marruecos (1930), Fatalidad, El expreso de Shanghai (1932), La Venus rubia (1932), Capricho imperial (1934) y El diablo es una mujer (1935)–, culmen de una estilizada puesta en escena que tensaba los cánones representativos del naturalismo escénico hegémonico en el cine clásico.

SUMARIO

Introducción
En busca de Von Sternberg
Rubén Higueras Flores

¿Manifiesto o excepción? The Salvation Hunters (1925)
Nekane E. Zubiaur Gorozika

El nacimiento de una poética de la abyección:
La ley del hampa (1927) y Los muelles de Nueva York (1928)
Pablo Pérez Rubio

Semántica bipolar: La última orden (1928)
Imanol Zumalde

Primero como farsa, después como Tragedia:
Thunderbolt (1929) y Una tragedia humana (1931)
Aarón Rodríguez Serrano

El nacimiento de un estilo: El ángel azul (1931)
José Enrique Monterde

Estilización y deseo:
Von Sternberg y Dietrich en Paramount Pictures (1930-1935)
Rubén Higueras Flores

La modernidad desde el clasicismo:
el cuerpo de Marlene Dietrich en las películas de Josef von Sternberg
Núria Bou

El aprendizaje de la decepción:
Josef von Sternberg, 1935-1941
Iñigo Marzabal

Chicas y pistolas. Josef von Sternberg en los ’50
Jaime Pena

El espejo incomprensible: La arquitectura de Von Sternberg
Jorge Gorostiza

Von Sternberg: ¿Filmografía terminable o interminable?
Aarón Rodríguez Serrano

Bibliografía

Autores de los textos

Autor; Rubén Higueras Flores (coord.), Editorial: Shangrila, Colección Trayectos libros, Páginas: 266

Desde la temática sobrenatural hasta ficciones especulativas sobre el futuro, pasando por el realismo mágico o las narraciones sobre pasados míticos, las series de ciencia ficción nos han ofrecido los relatos más transformadores, feministas y degenerados de la televisión. Las periodistas María Castejón, Irati Jimenez, Rebeca Suárez e Itziar Ziga analizan de forma amena, irónica a veces y divulgativa cómo nos han cambiado y cómo nos pueden cambiar series como Star Trek, Expediente X, V, Juego de Tronos, Supergirl, Battlestar Galactica o The Walking Dead. Este libro cambiará nuestra forma de ver la televisión, demostrándonos que la ciencia ficción -y un libro sobre la ciencia ficción- puede ser y es un campo particularmente fértil para la subversión de los roles de género, la creación de arquetipos enfrentados a la dominación patriarcal y para la transformación feminista de las relaciones humanas. Un excelente vehículo para combatir el fascismo, la desigualdad y el sexismo.

Autor; VVAA, Editorial; Txalaparta, Colección: POLTSIKO, Páginas: 200

Hace un millón de años recorre la historia de las producciones cinematográficas -grandes clásicos y joyas olvidadas- centradas en estos grandes animales del pasado, desde el nacimiento del séptimo arte hasta el ocaso del stop motion como método revitalizador a finales de la década de los ochenta. Un sentido homenaje a todos aquellos artistas, que dedicaron su vida a rescatar de la extinción a estos fabulosos animales que dominaron la Tierra y dominan nuestra fantasía desde la más tierna infancia. Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra, Gorgo, La tierra olvidada por el tiempo, El último dinosaurio, Viaje al centro de la Tierra, El planeta de los dinosaurios y muchas más películas en un libro bellamente ilustrado.

Autor; Octavio López San Juan, Editorial: DIABOLO EDICIONES S.L., Páginas: 290

El cine, como la naturaleza, nos sobrevivirá. Aun después del fin, un proyector continuará proyectando en Finisterre. Hará visibles sus figuras sobre la superficie del aire, reflejará sus fantasmas sobre el mar. Nada quedará de nosotros, salvo nuestros proyectos. Proyectar es hacer imágenes. Imágenes más altas, más hermosas que nosotros mismos. Hacer imágenes es creer. El credo de Jay Gatsby (escrito por Fitzgerald, encarnado una vez por DiCaprio) era la esperanza. Esperar es inclinarse y recoger los restos de una demolición. Tal vez hay solo dos preguntas en la vida: por qué no matarse, por qué no salir a matar. Van más allá de la ley. Es el suicidio, o el amor. Decir que ya no más o decir que sí, todavía. El cine dice sí. Nos necesita para hacer cuerpo a cuerpo. Nuestros ojos se inclinan y recogen los cuerpos y las cosas del cine. Se hacen manos.

En este libro hay cuarenta y ocho textos sobre cine concentrados en películas de este siglo que muchos hemos visto, con saltos hacia atrás, aperturas hacia géneros y filmografías e intersecciones constantes con otras disciplinas. Este libro es como girar un caleidoscopio. Están, entre otros, Bresson, Fincher y Scorsese, Ferreri, Chabrol, Jarmusch y Sofia Coppola, Herzog, Duras, Eastwood y Tarantino, Fellini, Baumbach, Spielberg y Buñuel, junto a Joseph Cornell y Andy Warhol, el western, los vampiros y el slash, Tolstoi, Miguel Ángel y la comedia romántica, Salinger, el biopic y el terror. Es un libro de preguntas y problemas acerca de la naturaleza y los límites de una imagen, su pudor, su ternura y su tiranía.

Lo propio del cine es demoler para reconstruir. También debería ser lo propio de la escritura sobre cine, en ese tránsito que va desde mirar hasta ver, desde ver hasta derramarse y, finalmente, tocar. Tocar la luz que parpadea en la noche desde el faro, rozarla apenas, como la rozó Jay Gatsby.

El autor

MARIEL MANRIQUE (Buenos Aires, 1968). Estudió leyes e historia del arte. Ejerció la docencia universitaria en la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires. Ha escrito ensayos sobre literatura y artes audiovisuales, publicados en diversos medios de América Latina y España. Integra el equipo de redacción de Shangrila y codirige, para Shangrila Textos Aparte, la colección Contracampo, en la que ha traducido a diversos autores. Publicó los poemarios La constelación de Andrómeda (Crack-Up, 2008), Descartes en Holanda (Paradiso, 2010), Cómo nadar estilo mariposa (Paradiso, 2011) y Flores en la boca (Paradiso, 2012), y el ensayo Magdalena Montezuma. Musa, máscara y muñeca (Shangrila, 2016).

Autor; Mariel Manrique, Editorial: Shangrila, Colección Contracampo libros, Páginas: 440

Monográfico dedicado a la llamada Trilogía del Apartamento, que comprende los films Repulsión (1965), La semilla del diablo (1968) y El quimérico inquilino (1976).

Repulsión, La semilla del diablo, El quimérico inquilino… ¿Qué se vislumbra en los apartamentos de los films de Polanski cuya metáfora nos alcanza aún hoy, y nos interroga en nuestros temores más íntimos? ¿En qué consiste esta productiva metáfora de los apartamentos, que iluminó una nueva forma de miedo en el cine, y nos descubrió indefensos de nosotros mismos? ¿Hasta dónde alcanza el juego de los apartamentos y cuánto de nosotros podemos pensar en ellos?

Con la llamada Trilogía del Apartamento, Polanski desvió para siempre el rumbo del cine de terror y revolucionó la lógica del psicodrama, situando la amenaza en nuestras propias entrañas, haciéndonos intuir la emergencia interior de nuestro lado más siniestro, al borde de la locura, en la travesía alucinatoria. En sus imágenes, se construyen los ambientes más inquietantes, y con ellos reflexionamos sobre la pérdida de la seguridad, la alienación social, la fragilidad de la propia identidad, el arraigo de nuestras fobias, el origen mismo del horror y hasta su propio sentido.

La Trilogía del Apartamento de Roman Polanski despliega en estas páginas el pensamiento de ensayistas de múltiples disciplinas, analistas fílmicos y textuales, psicoanalistas, pensadores de renombre nacional e internacional, para escudriñar y esclarecer el alcance y los enigmas tras estos inolvidables apartamentos.

Índice de Contenidos

• Polanski en la órbita de Solaris. (Prólogo)

  Joanna Bardzinska

• La semilla del diablo, Roman Polanski y el género de terror

  Marek Haltof

• ¿Qué derecho tiene mi cabeza de llamarse Yo? El que habita en mí. El quimérico inquilino, de Polanski

  Vanessa Brasil

• Alicia a través del espejo: miradas, contrastes e imaginario surrealista en Repulsión

  Raúl Álvarez

• ¿Qué le habéis hecho a sus ojos? Mirar y habitar La semilla del diablo

  Aarón Rodríguez

• El sexo como abertura al delirio

  Fernando Usón Forniés

• El cuerpo como agente narrativo en la Trilogía de los apartamentos de Roman Polanski

  Israel Paredes

• Inquilinos del cuerpo. Polanski: El quimérico inquilino

  Amaya Ortiz de Zárate

• El quimérico inquilino: mutación de identidad y siniestra realidad de lo surreal

  Simón Royo

• Variaciones sobre una trilogía: El quimérico inquilino, Inseparables y The pornographers. Sexo, identidad y pulsión de muerte en Polanski, Cronenberg e Imamura

  José Antonio Jiménez de las Heras

• Estructura de Repulsión

  Manuel Canga Sosa

• En clave de sol: la música en el cine de Polanski

  Carlos Tejeda

• Cuando el vecino es la amenaza

  José Ángel Barrueco

Autor; VVAA, Coordinación: Marta Villarreal y Ricardo Sánchez Ramos, Editorial: TRAMA EDITORIAL, Páginas: 320