Categoría: Libros

“La inmortalidad es vuestra, cogedla…!”. De esta forma arengaba el héroe griego Aquiles a sus mirmidones momentos antes de arribar a las costas de Ilión, la legendaria ciudad amurallada, patria de los príncipes Héctor y parís, que el maestro conquistó a golpe de timbal y trompeta en troy, una de las obras más polémicas de la historia de la música cinematográfica. Entre las páginas de “el don de la inmortalidad”, los autores muestran la senda que Horner siguió para alcanzar la tan anhelada inmortalidad a través de una obra tan prolífica como genial. Con un exhaustivo repaso a toda su obra los autores homenajean la carrera del compositor que más expectación y debate despierta en la actualidad. Como sí de una misma moneda se tratara los textos recogidos en esta obra muestran las dos formas de ver, sentir y expresar que los escritores tienen sobre la misma realidad.

 Los autores, Antonio Piñera («Aliens», «Flightplan», «Casper») y Antonio Pardo Larrosa («Willow», «Searching for Bobby Fischer», «Troy») muestran la senda que Horner siguió para alcanzar la tan anhelada inmortalidad a través de una obra tan prolífica como genial. Con un exhaustivo repaso a toda su obra los autores homenajean la carrera del compositor que más expectación y debate despierta en la actualidad.

Autor; Antonio Piñera y Antonio Pardo Larrosa; Editorial; T&B Editores. Páginas; 272

Libro monográfico centrado en la faceta de guionista de Richard Matheson, que incluye también aquellas películas en las que no participó directamente pero que adaptan alguna de sus novelas o relatos. La primera obra reseñada es un episodio de la serie de misterio Studio 57 emitido en la televisión americana en 1955 y la última, la adaptación de su relato Steel en la superproducción Acero Puro (Real Steel, 2011). El libro está dividido en dos partes. La primera se centra en su filmografía televisiva, y presenta de forma ordenada la intensa actividad que Matheson desplegó en ese medio entre las décadas de los 60 y 70. Desde sus colaboraciones con Rod Serling para The Twilight Zone, y otras series de la época hasta sus numerosas TV movies de los años 70, con clásicos como El diablo sobre ruedas (Duel, 1971) y Trilogy of Terror (1976), pero también con numerosas entradas sobre TV movies prácticamente desconocidas en nuestro país.

La parte dedicada al cine se abre con el gran clásico del cine fantástico El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man, 1957), adaptación de su novela El hombre menguante,  cuyo guión también escribió. El repaso de su filmografía para cine, donde destacan sus colaboraciones para Roger Corman y la Hammer es también el relato de sus dificultades para adaptarse a la caprichosa industria del cine y a las modas cambiantes que se sucedían en el género fantástico.

Más cercano al formato de una videoguía que al acercamiento académico, la mayor motivación del autor con este libro era descubrir la cara menos conocida de Richard Matheson -en nuestro país  es básicamente el autor de las novelas Soy Leyenda y El hombre menguante- y dar las claves para iniciarse en el conocimiento de una filmografía que esconde muchas sorpresas y tesoros. Es a la vez una forma de conocer al hombre, su visión del género fantástico, descubrir cómo se enfrentaba al hecho de escribir y de paso hablar también de un montón de gente interesante que merece ser reivindicada (Charles Beaumont, Rod Serling, Dan Curtis, etc…).

El libro está editado por Cinefilia Pop, una pequeña editorial de reciente creación. Se trata de una edición limitada de 150 ejemplares. (http://cinefiliapop.bigcartel.com/)

Autor; Dr. Insermini; Editorial; Cinefilia Pop. Páginas; 212

Es el único volumen, a nivel mundial, dedicado a este director de grandes clásicos de nuestro cine de género, como “Hipnosis” (1962), “El precio de un hombre” (1966), “Pánico en el Transiberiano” (1972), “Una vela para el diablo” (1973)… Se trata de una nueva edición revisada y ampliada, con más páginas y más fotografías inéditas (muchas cedidas por el propio director); incluye un estudio crítico de la obra de Martín, una extensa y exhaustiva entrevista, una selección de textos del cineasta, filmografía completa, bibliografía, un útil índice onomástico y un espectacular material gráfico (240 fotografías, en blanco & negro y en color).

En la imagen adjunta al pie de este artículo podéis ver la portada y más detalles de la edición (PVP, etc.). Todos aquellos interesados podéis escribir a esta dirección de mail (quatermass@hotmail.com).

Autor; Carlos Aguilar y Anita Haas; Editorial; Quatermass. Páginas; 150

Javier G. Romero

Director/Editor de las publicaciones cinematográficas Quatermass (desde 1993) y Cine-Bis (desde 2013), y fundador de la Semana de Cine Fantástico de Bilbao (desde 1994, hoy conocida como Fant). Ha escrito en Dirigido por,  Nosferatu, Scifiworld, Miradas de Cine, 2000 Maníacos, Monster World, Opus Cero, Les ami(e)s de Stephen King (Francia), Nocturno Cinema (Italia)… Miembro del comité de selección del Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao – Zinebi, así como jurado en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Trieste (Italia) y en el XVI Festival de Cine de Zaragoza. Escritor en los libros colectivos El cine fantástico y de terror de la Universal (2000), El giallo italiano: la oscuridad y la sangre (2001), Cine fantástico y de terror alemán: 1913-1927 (2002), Cine fantástico y de terror español: 1984-2004 (2005), El demonio en el cine: máscara y espectáculo (2007), American Gothic: el cine de terror USA, 1968-1980 (2007), Juan Piquer Simón, mago de la serie B (2012), Los mundos perdidos de Willis O’Brien (2013), John Carpenter: ultimátum a la Tierra (2013), Cine fantástico y de terror español: de los orígenes a la edad de oro, 1912-83 (2015)… Asimismo ha editado John Phillip Law: Diabolik Angel (2008), coordinado Hecho en Europa: cine de géneros europeo, 1960-1979 (2009) y Bolsilibro & Cinema Bis (2012), y firmado los prólogos de la novela de Carlos Aguilar Un hombre, cinco balas (2013), y del libro de Daniel Rodríguez Sánchez Rob Zombie, las siniestras armonías de la sordidez (2014), ejerciendo también en muchos de ellos como diseñador/maquetador. Igualmente ha colaborado, aportando material gráfico, en numerosos libros: La espada mágica: el cine fantástico de aventuras (2006), Terror Cinema (2008), Clint Eastwood (2009), Sergio Leone (2009), Jesús Franco (2011), José Ramón Larraz: del tebeo al cine, con mujeres de película (2012), Mario Bava (2013), Cine y Jazz (2013), Ciudades de cine (2014), Sex, Sadism, Spain, and Cinema: The Spanish Horror Film (2015), Julián Mateos: el bello tenebroso (2015), Viajes de película: 20 ciudades para amantes del cine (2015), Jean-Pierre Melville (2016)…

La escritura cinematográfica de Werner Herzog ha devenido la representación de los avatares del dispositivo cinematográfico a caballo entre finales del siglo pasado y comienzos del presente. La hibridación entre ficción y realidad ha acompañado la constante búsqueda de una verdad cinematográfica de naturaleza poética y extática por parte de este cineasta apátrida a lo largo de una filmografía transitada por una galería de personajes conformada por individuos desarraigados, marginales y marcados por la diferencia en rebelión contra una sociedad (cuya tendencia represora Herzog desenmascara con insistencia) que los rechaza. El dispositivo herzoguiano ubica en el centro de su universo fílmico aquello que los modelos de representación hegemónicos flanquean y soslayan, pues el del autor de Fitzcarraldo es, en forma y en contenido, un cine de la alteridad, de la diferencia.

 La presente monografía se vertebra a partir de ensayos escritos por diversos autores (que constituyen un muestrario de heterogéneas metodologías) en torno a aspectos temáticos, narrativos y/o formales de su obra y del análisis de gran parte de su filmografía, en los que afloran los grandes temas que el realizador aborda en sus películas: el fantasma de la locura, el éxtasis, el fanatismo, el choque intercultural, las barreras para la genuina expresión humana y la rebelión del individuo contra la sociedad, las circunstancias vitales y/o las fuerzas naturales, entre otros.

1. ITINERARIOS

 Introducción. El enigma de Werner Herzog

Rubén Higueras Flores

Herzog o el outsider que caminó al margen del Nuevo Cine Alemán

Carlos Tejeda

Nadie puede venir a jugar conmigo

Mariel Manrique

Lógicas del delirio: Marginación y locura en el cine de Werner Herzog

Fran Benavente y Glòria Salvadó

Fuego lento

Gonzalo de Lucas

Un mundo sin leones: Interacción cultural en el cine de Werner Herzog

Ignacio Pablo Rico

Volando con los pies. Lo físico y lo sublime en el cine de Werner Herzog

José Francisco Montero

Deseo de ser piel roja

Hilario J. Rodríguez

Werner Herzog y la arqueología del paisaje

Iván Pintor Iranzo

El mundo como metáfora. La antropología alucinada de Werner Herzog

Josep M. Català Domènech

La verdad “extática”

Beatriz Navas Valdés

Herzog y el documental intervenido, una visión extática del colapso terrícola

Josetxo Cerdán y María del Mar López Ligero

El tránsito del murciélago: Irrupciones de lo fantástico en el cine de Werner Herzog

Albert Elduque

El despertar de la conciencia. La banda sonora en la filmografía de Werner Herzog

Jonay Armas

Un narrador a contracorriente: La voice over en el cine de Herzog

Carlos Tejeda

De la naturaleza. Apuntes sobre género y forma en la escritura del diario Conquista de lo inútil

Santiago Fillol

2. FILMES

Explosiones: Signos de vida (Lebenszeichen, 1968)

José Francisco Montero

Testimonio de las vanguardias: También los enanos empezaron pequeños (Zwerge haben klein angefangen, 1970)

Enrique Pérez Romero

El limbo de los inocentes. El país del Silencio y la oscuridad (Land des Schweigens und der Dunkelheit, 1971)

José Miguel Burgos Mazas

El hambre y los sueños de los conquistadores: Aguirre, la cólera de Dios (Aguirre, der Zorn Gottes, 1972)

Albert Elduque

El jinete del caballito de madera: El enigma de Gaspar Hauser (Jeder für sich und Gott gegen alle, 1974)

Alexander Zárate

Crónos e ironía: Corazón de cristal (Herz aus Glas, 1976)

Luis Miranda

Mesmerismos herzoguianos: Stroszek (1977)

Carlos Reviriego

Woyzeck (1979), o una investigación sobre un ciudadano bajo toda sospecha

Santiago Rubín de Celis

El fantástico naturalismio de un relato vampírico: Nosferatu, vampiro de la noche (Nosferatu: Phantom der Nacht, 1979)

Núria Bou y Xavier Pérez

Autor, autor: Fitzcarraldo (1982)

Diego Salgado

El dios Herzog. Donde sueñan las verdes hormigas (Wo die grünen Ameisen träumen, 1984)

José Miguel Burgos Mazas

“La situación puede que se nos vaya de las manos”: Cobra Verde (1987)

Santiago Rubín de Celis

Signos de muerte, señales de vida: Ecos de un reino oscuro (Echos aus einem düsteren Reich, 1990)

Nacho Cagiga

La conquista de una imagen: Grito de piedra (Cerro Torre: Schrei aus Stein, 1991)

Hilario J. Rodríguez

La oscura fuerza de la identidad: Invencible (Invincible, 2001)

Pablo Ferrando García

La gramática de la supervivencia: Little Dieter Needs to Fly (1997)

 y Rescate al amanecer (Rescue Dawn, 2006)

Nacho Cagiga

Herzog/Kinski: La máscara detrás de la máscara. Mi enemigo íntimo (Mein liebster Feind – Klaus Kinski, 1999)

Aarón Rodríguez Serrano

Cuerpo y espíritu. La rueda del tiempo (Wheel of Time, 2003)

Luis Miranda

El vuelo de una lágrima: The White Diamond (2004)

Alexander Zárate

La Naturaleza no indiferente: Grizzly Man (2005)

Imanol Zumalde

De plumas y antifaces: Encuentros en el Fin del Mundo (Encounters at the End of the World, 2007)

Diego Salgado

La mirada de la iguana: Narrativas audiovisuales dislocadas en Teniente Corrupto (The Bad Lieutenant: Port of Call – New Orleans, 2009)

Aarón Rodríguez Serrano

Shuga: avatares de un paisaje en movimiento. Happy People: A Year in the Taiga (2010)

Pablo Ferrando García

Flamencos rosas: My Son, My Son, What Have Ye Done (2010)

Carlos Reviriego

Epifanía mural: La cueva de los sueños olvidados (Cave of Forgotten Dreams, 2010)

Imanol Zumalde

Viaje al corazón de nuestras tinieblas: Into the Abyss (2011)

Sonia García López

3. OBRA

María Teresa Cabello Ruiz

Autor; Rubén Higueras Flores (Coordinador).; Editorial; Shangrila. Páginas; 448

El cine de Stanley Kubrick es un fascinante enigma tanto por los extraordinarios recursos estilísticos que despliega el director desde su primera película como por los temas que aparecen de forma recurrente en su filmografía.

En Teoría del cine. La redención de la realidad física, Siegfried Kracauer aplica los principios de la dialéctica de Hegel a la evolución del cine: los hermanos Lumière y la representación de la realidad establecieron la tesis y Georges Méliès estableció su antítesis, el ilusionismo total. El cine de Kubrick bien puede representar la síntesis de ese proceso: entre las tomas de Greenwich Village de su cortometraje Day of the Fight y el viaje hacia Júpiter y más allá del infinito de 2001: una odisea del espacio; entre sus reportajes fotográficos y los motivos góticos de El resplandor; o entre la luz natural y la luz vacilante de las velas de Barry Lyndon y la luz azulada que ilumina las calles de la Nueva York fantasmagórica y onírica de Eyes Wide Shut, el espectador encuentra un laberinto, tal vez de una sola línea, en el que resulta fascinante perderse.

Autor; Luís Laborda Oribes.; Editorial; QUARENTENA. Páginas; 168

Ese «mundo particular», en expresión de Dostoievski, que constituyen las prisiones, donde, como Cervantes señalaba, IItoda incomodidad tiene su asiento y todo triste ruido hace su habitaciónll , ha sido abordado en el cine en multitud de ocasiones, magistralmente en muchas de ellas. En este trabajo un grupo de especialistas y amantes del (buen) cine, se encierran entre los muros de los «talegos» para mostrarnos sus realidades desde muy diferentes prismas. Un mundo poliédrico donde la libertad es sueño y a la vez quimera; donde se agudiza la vista para ver más allá del horizonte y, si hay suerte, se encuentra esperanza y se ahuyentan los fantasmas. Juristas, filósofos, sociólogos y educadores nos trasladan, a través del cine, a estos complejos entornos donde las personas se alzan una y otra vez reivindicando su humanidad. Apagad las luces. Silencio, se rueda.

Autor; Eduardo Torres Dulce, Miguel Abel Souto, Javier Nistal Burón.; Editorial; Tirant lo Blanch. Páginas; 485

Misántropo y orgulloso, mitómano y obsesivo, independiente hasta la radicalidad, amante del jazz, los gatos y la noche, Jean-Pierre Melville puede considerarse como el genio francés del Séptimo Arte que inauguró a escala mundial la figura del director cinéfilo, brindando una admirable producción fílmica que supera de forma privativa la dicotomía cine de género / cine de autor. Trece largometrajes realizados a lo largo de 25 años comprende su singular obra, dentro de la cual el bloque consagrado al «Thriller» implica la más pura, emblemática e influyente manifestación del cine policiaco francés, con clásicos tan relevantes como «El confidente» y «Círculo rojo», que convirtió a Jean-Paul Belmondo, Alain Delon y Lino Ventura en ídolos fílmicos con proyección internacional.

Autor; Carlos Aguilar Gutiérrez.; Editorial; Ediciones CÁTEDRA. Páginas; 232

¿Quién no ha sentido escalofríos al ver la imagen de Samara en La Señal (The Ring) o con Damien en La profecía? O cómo olvidar a Caroline frente al televisor en Poltergeist! Género de terror y niños: una interesante combinación que el cine explota con frecuencia, pero con resultados realmente dispares. José Vicente Rojo analiza en Jardín de Infancia: El cine de terror y los niños la presencia y el papel que desempeñan estos pequeños, bien como protagonistas o secundarios, en 44 títulos de todos los tiempos, aportando sinopsis, datos técnicos, análisis de los personajes y su visión de cada una de estas cintas. Niños diabólicos, endemoniados, médiums, fantasmagóricos, víctimas o simples testigos de extraños sucesos todo un “jardín de infancia” que los amantes del celuloide pueden rememorar en estas páginas. Y es que, el Séptimo Arte se ha recreado, desde antes del sonoro, en la infancia, sus pequeñas ilusiones, sus miedos, sus mentiras y, por qué no decirlo, su maldad. Los niños han sido en el cine protagonistas principales en historias de terror, sobrenaturales, psicológicas, de ciencia ficción, transportándonos como nadie a lugares fuera de nuestros estrechos límites. No hay nada más sobrecogedor y terrorífico en imagen que un niño mirando a la cámara fijamente, perdido, sin palabras ¿Es malo? ¿Es bueno? ¿Es una víctima o un actor del mal? Son muchos los ejemplos y películas a lo largo de la historia, en esta ocasión el autor ha seleccionado más de 40 títulos que van desde los años 60 a la actualidad.

Autor; José Vicente Rojo.; Editorial; TEBAR EDITORIAL. Páginas; 318

Hammer Films. El sabor del miedo introduce al lector en el fascinante mundo del cine de terror británico que cambió el género en los años cincuenta y sesenta, a través de la historia de la productora cinematográfica que lo hizo posible.

Ahora que la Hammer ha vuelto con fuerza, gracias al exitoso estreno de películas góticas como La mujer de negro, es imperioso recordar las biografías de las principales figuras que levantaron la compañía. Así, las páginas de este libro recorren las vidas de artistas tan importantes como Christopher Lee, Terence Fisher, Michael Carreras, Raquel Welch, Ursula Andress, Tony Hinds, Oliver Reed, Peter Cushing o de tantos otros que formaron parte de la familia.

Además, la obra se convierte hasta la fecha en el texto en castellano más extenso que estudia el “cómo se hizo” de todas las películas de la Hammer, incluyendo los diarios de rodaje de clásicos como Drácula, La maldición de Frankenstein, El perro de Baskerville, La plaga de los zombies, Hace un millón de años o El fantasma de la ópera.

Este libro se nutre de documentos inéditos, como recortes de periódicos de principio de siglo que informaban sobre la creación del embrión de la compañía, y se completa con un surtido impresionante de fotografías que el seguidor agradecerá sin lugar a dudas.

Autor; Juan Manuel Corral.; Editorial; Líneas paralelas. Páginas; 400

Desde el año 1932 al 2014 Vicente Muñoz Álvarez sobrevuela con ojo de halcón y poeta 132 películas para esta secuela de su Cult Movies. En Películas para la penumbra Muñoz Álvarez se nos despliega por completo y, centrando su pluma creativamente afilada para la ocasión, nos regala una enciclopedia poética sobre cine de culto -ese que respira y late al otro lado de los márgenes de lo convencional- que no empieza ni acaba con su lectura, sino que, estando ya en nuestro imaginario antes siquiera de abrir el libro desde el lanzamiento de cada film, nos arrastrará inexorablemente a la búsqueda de cada creación cinematográfica reseñada.

Con este regalo literario sobre cine, tenemos abierta de par en par la puerta a explorar, estremecernos, temblar y gozar en la penumbra de nuestras casas, a luces tenues o apagadas, una a una, las películas descritas con maestría sintética por Vicente Muñoz Álvarez, quien no desvela tramas ni anticipa ningún fin inesperado, toda vez que, de cada una de ellas, como un visionario, nos muestra su brillo, nos destaca el resplandor que en ellas encontraremos, nos ofrece el secreto de la pincelada genial, brutal, mágica, que da a cada película su fuerza y que nos arrebatará.

Tenéis un bello y misterioso cofre cerrado entre vuestras manos, quien se atreva a abrirlo verá dentro, cuando se halle inmerso en la oscuridad, la noche más oscura iluminada por esta constelación de irrepetibles películas para la penumbra…

DESCÁRGATE LAS PRIMERAS PÁGINAS DEL LIBRO

Autor; Vicente Muñoz Álvarez.; Editorial; Excodra Editorial. Páginas; 180

Probablemente, la manera de definir el «cine independiente» en Japón es algo que deferirá según la persona. Hasta pasada la década de los sesenta era posible hacer una distinción entre las películas producidas por las grandes compañías que contaban con sus propios estudios y redes de distribución, llamadas majors, y el resto, que eran las «independientes». Más allá de las películas surgidas de los grandes estudios, el fenómeno del cine independiente en Japón ha generado un importante foco de creatividad cinematográfica que se manifiesta en una serie de películas producidas fuera de la industria. En esta categoría se encuentran los primeros trabajos de jóvenes directores, pero también los de una serie de consagrados cineastas que encuentran, en este territorio al margen del cine comercial, una mayor libertad expresiva.

Autor; coordinado por Shozo Ichiyama. Editorial; Donostia Zinemaldia. Páginas; 242

Reunidas por primera vez las entrevistas que el cineasta Robert Bresson concedió a lo largo de toda su carrera. Durante los cuarenta años en los que Robert Bresson dirigió películas, la prensa le permitió a menudo publicar su opinión. Su viuda, Mylène Bresson, ha reunido póstumamente estas entrevistas, aparecidas originalmente en medios franceses e internacionales: Cahiers du cinéma, Positif, Movie… Cuando se trataba de medios escritos, Bresson revisaba cuidadosamente sus respuestas. Se ocupaba de que éstas expresaran con precisión sus nada corrientes ideas sobre el cinematógrafo. Susan Sontag escribió que, para Bresson, «el arte consiste en descubrir lo necesario, en eso y nada más».

Por ello este libro no debe considerarse tanto un documento como un objeto trabajado, pensado por su autor. A lo largo de sus páginas Bresson alude a un libro que está escribiendo, y que resultará no ser otro que las Notas sobre el cinematógrafo, de 1975. Pero también podría estar aludiendo al libro que el lector tiene en las manos. Gran parte de las notas fueron modeladas a partir de estas entrevistas; de hecho, muchas de ellas consisten en citas literales de respuestas que Bresson dio por primera vez a periodistas. Este libro franquea la entrada al taller donde un gran artista elabora su pensamiento y su obra a lo largo de los años.

Autor; Reunidas por Mylène Bresson.; Editorial; Intermedio Ediciones. Páginas; 395

El estreno de La guerra de las galaxias en 1977 trajo consigo la mayor revolución cinematográfica de todos los tiempos. De repente, los espectadores se encontraron ante un universo completamente nuevo, donde los géneros clásicos convergían para crear una aventura inolvidable que, con el tiempo, ha acabado desarrollando su propia mitología. Todo esto, unido a unos deslumbrantes efectos visuales y a una estrategia comercial sin precedentes, convirtió a la película en un fenómeno mundial cuya leyenda no había hecho más que comenzar.

Cerrada la trilogía, George Lucas convirtió su franquicia en la punta de lanza de un gigantesco imperio audiovisual. Ahora, después de explicar los orígenes de su personaje más emblemático, el creador de la saga ha decidido pasar el testigo a una nueva generación de cineastas que creció con las primeras películas y forjó su vocación a partir de aquel imaginario fascinante.

La obra nace con un doble objetivo. Por una parte, describe el proceso de creación de las dos trilogías dejando al descubierto algunos de los secretos mejor guardados de sus rodajes, desde la puesta en marcha de los distintos episodios hasta el tremendo impacto mediático, económico y social generado por cada uno de los estrenos. Por otra, representa el particular homenaje de un grupo de directores y guionistas a una saga que marcó sus vidas y que, de algún modo mágico e inexplicable, les permite reencontrarse con el niño que fueron a cada nuevo visionado.

El libro cuenta con la colaboración de destacados directores de cine como Guillermo del Toro (Prólogo); Juanma Bajo Ulloa (La guerra de las galaxias); Eduardo Chapero-Jackson (El Imperio contraataca); Paco Cabezas (El retorno del Jedi); Sergio G. Sánchez (La amenaza fantasma); Oskar Santos (El ataque de los clones); Álex de la Iglesia (La venganza de los Sith); Pablo Llorens (Star Wars: The Clone Wars); Borja Cobeaga (El despertar de la Fuerza); Enric Pardo (La ira de Luke, fanfiction exclusiva para el libro) o Juan Carlos Fresnadillo (Epílogo).

Autor; Pau Gómez.; Editorial; Ediciones: El búho de Minerva. Páginas;

La figura de Jacques Tourneur se sitúa en una suerte de limbo del sistema de estudios del período del cine clásico norteamericano. La especificidad de la escritura fílmica tourneuriana y su característico lirismo formal radica en una depurada economía y fluidez narrativa, la preferencia por la connotación antes que por la denotación, la densidad significante de sus imágenes y la contrastada iluminación de cariz expresionista que presentan sus filmes, cuyas ficciones se vertebran en torno a una acentuada ambivalencia y relativización de la verdad. En la filmografía fantástica de Tourneur se pone en cuestión la concepción del mundo según la cual se representa al hombre occidental como centro del universo. Ese punto de vista (re)presentado como verosímil, cierto e indiscutible en otras producciones culturales es sometido a toda clase de agresiones narrativas y formales en los filmes fantásticos de Jacques Tourneur mediante la introducción en sus universos diegéticos de un peligro latente y difuso que amenaza con el desmoronamiento de toda certeza.

Autor; Rubén Higueras Flores.; Editorial; Ediciones Cátedra. Páginas; 488

Esta es la verdadera historia del dúo de cineastas que fundaron un estudio independiente hace 40 años en un armario de conserje…que usaban hamburguesas podridas, sirope a modo de sangre y Bromo Seltzer como vómito para crear películas de cuestionable valor artístico y moral…que lucharon contra el cuadro de calificaciones de la MPAA para llevar su escandalosa visión del mundo a la pantalla…que rechazaron a Madonna tras una audición…que desafiaron el sistema de Hollywood y abofetearon a la industria en la cara…y que construyeron un imperio del cine de serie B lleno de surfistas nazis, policías kabuki, bárbaras ninfómanas y un héroe solitario conocido como el Vengador Tóxico.

Esta es la historia de Troma. Una historia de cine en su forma más barata, una historia de cómo conseguir el Sueño Americano arrancando extremidades y una historia sobre chicas en topless amenazadas por obscenos muñecos de goma.

POR PRIMERA VEZ EN ESPAÑA, TRADUCIDA AL ESPAÑOL, LA OBRA MAGNA DEL PADRE DE EL VENGADOR TÓXICO, LLOYD KAUFMAN. CON LA PARTICIPACIÓN DE JAMES GUNN, EL TROMÁTICO DIRECTOR DE GUARDIANES DE LA GALAXIA.

CON PRÓLOGO DEL DIRECTOR Y PRODUCTOR DE CULTO ROGER CORMAN.

Autor; Lloyd Kaufman.; Editorial; Tyrannosaurus Books. Páginas; 412

Desde el inesperado éxito de El proyecto de la bruja de Blair (1999), hace más de quince años, el cine de horror ha cambiado radicalmente gracias al fenómeno del falso found footage (metraje encontrado), el mockumentary y la hiperrealidad digital, que se ha adueñado del género, fundiendo y confundiendo realidad con ficción, en un nuevo paradigma narrativo pos-cinematográfico, tras el cual ya nada es igual. «Si parece real da miedo, si da miedo parece real», es hoy la fórmula mágica del terror, ejemplificada por éxitos como Paranormal Activity (2007) o [REC](2007). Por primera vez en nuestro país algunos de los mejores especialistas analizan este cine de horror para el nuevo milenio, cuyo formato ha renovado la narración audiovisual y el concepto mismo de miedo. La obra cuenta con textos del Rubén Lardín, Antonio Weinrichter, Iria Barro Vale, Julia Leyda , Antonio José Navarro y de Jesús Palacios.

Autor; Coordinación: Jesús Palacios.; Editorial; Festival Internacional de Cine de Gijón y Semana de Cine Fantástico y de Terror Donostia San Sebastián. Páginas; 220

Más acción, más aventuras… Más Cannon. Llega la segunda parte del libro más aclamado, en el que se vuelve a indagar en la filmografía de una de las productoras más amadas y odiadas del cine de los 80: Cannon Films, con Menahem Golan y Yoram Globus al frente, la Cannon fue la responsable de muchas de nuestras películas favoritas de esa época. Y, si bien en el primer libro se analizaba las más populares, en esta ocasión reseñamos 45 títulos pertenecientes a mayor diversidad de géneros (acción, comedia, drama, erótico, terror…) que aportarán al lector una mejor y mayor comprensión del eclecticismo de la productora. Además, este volumen profundiza en los nombres que ayudaron a Golan y Globus a fundar su imperio, presentando las biografías de sus actores más representativos y de los directores que trabajaron para ellos. También hay espacio para analizar las bandas sonoras que acompañaron de las mejores películas de la Cannon y un apéndice en el que hablamos sobre más proyectos que jamás vieron la luz, pero que por un momento estuvieron en la agenda de la productora. Más Cannon es el complemento ideal para Cannon Films y, por sí mismo, un libro ideal para los estudiosos del cine popular de su época.

Autor; Pedro José Tena, Kiko Vega, Álex Oliveres, José Antonio Martín, Serena Iniesta, David Webb, Luis Martínez Vallés, Domingo Dark Vinyl, Ángel Codón Ramos y Álvaro Gil.; Editorial; Applehead Team Creaciones. Páginas; 400

Preventa: http://nafracoleccion.com/home/79-mas-cannon.html

Taboada recorre la filmografía y analiza las constantes del cine de este director de culto y referencia en México, ciertamente desconocido para la gran parte del público español, a través de los textos de profesionales del cine como Pablo Guisa (Director del Morbido Fest), Adrián García Bogliano, Gustavo Mohedo, Antonio Camarillo, Julio Cesar Estrada, Carolina Peláez y Christian Cueva. Además, incluye un cómic a color obra de Luis Javier García Roiz y está documentado con fotografías de sus films, del propio Taboada, de los sets y otros documentos que le dan una entidad única.

La reedición de este volumen, originariamente publicado en México en 2011, surge de la colaboración entre el SITGES-festival Internacional de Cinema de Catalunya, la sección Brigadoon, el festival mexicano Morbido Fest y la editorial Tyrannosaurus Books y contiene una serie de nuevas aportaciones que lo convierten, aún más si cabe, en un volumen indispensable para todos los amantes del cine de género. Un auténtico homenaje a la figura de un director a reivindicar.

Con prólogo de Ángel Sala, Director del SITGES-festival Internacional de Cinema de Catalunya.

Autor; Varios; Editorial; Tyrannosaurus Books. Páginas; 162

El estreno de Seven en 1995 marcó un antes y un después en el thriller norteamericano. El clásico de David Fincher se alejaba de manera radical de las películas de policías y de psicópatas que lo precedían y proponía una colección de ideas renovadas que causaron sensación y serían imitadas hasta la saciedad por otros cineastas. Entre otras muchas cosas, Seven trazaba el nuevo territorio híbrido delpsycho thriller rompiendo la narración y con una nueva puesta visual rotundamente visceral, convertía al espectador en peón de un adictivo y a la vez terrorífico juego de manipulación y abría un amplio arco reflexivo poco común en el thriller del momento. Con motivo del veinte aniversario de la película, de sus dos décadas como referente esencial para el cine norteamericano, los autores ahondan en los orígenes, los pliegues y la inabarcable influencia de uno de los filmes más importantes del moderno cine de género.

El libro ha sido coordinado por la crítica cinematográfica Desirée de Fez (autora también en el libro), junto a las plumas de referencia Ángel Sala, John Tones, Quim Casas, Fausto Fernández, Daniel Ausente, Noel Ceballos y Jorge Gorostiza. Un libro indispensable para los amantes del cine de Fincher, de Seven, del thriller y por qué no, del fantástico moderno. Con prólogo de Ángel Sala (Director del SITGES-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya).

Autor; Coordinado por Desirée de Fez; Editorial; Tyrannosaurus Books. Páginas; 218

Ciencia ficción es una guía realmente internacional que abarca desde taquillazos de Hollywood hasta clásicos de culto rusos, y desde literatura europea hasta franquicias australianas. Una obra imprescindible para todos los aficionados a la ciencia ficción. El libro incluye infografías, fotogramas de película, portadas de libros y todo tipo de material gráfico de referencia para todo amante del género. Organizado en orden cronológico, permite apreciar la evolución del género y de los más de 200 títulos principales que se incluyen, son 576 páginas que se dividen en cinco grandes apartados:

1.1818–1925 Ciencia ficción primitiva: el nacimiento de un género.

2.1920–1950 La época pulp: la edad de oro de la ciencia ficción.

3.1950–1970 La era del átomo: maravillas y peligros de la ciencia.

4.1970–1990 Futuros siniestros: apocalipsis y guerra en el espacio.

5.1990–presente La aventura continúa: ciencia ficción moderna.

El autor

Guy Haley es un experto periodista y crítico de ciencia ficción. Ha sido subdirector de la revista SFX y editor de la revista de videojuegos White Dwarf y la revista Death Ray. También escribe para la Black Library de Games Workshop. Aparte de libros, sigue publicando artículos y entrevistas en diversas revistas de CF y videojuegos.

Autor; Guy Haley; Editorial; LUNWERG. Páginas; 576

Wild Wild East. Del curry western al soja western es el primer libro sobre el género del western en el cine asiático que se publica en el mundo. Un análisis exhaustivo a través de varias filmografías escrito por Domingo López, autor de diversos libros, editor y programador especializado en cine asiático. Ilustrado por Xavi Dominguez y que contará con importantes firmas invitadas.

Justicieros que montan caballos desbocados, sombreros de ala redonda, sheriffs corruptos, damas duras de pelar, duelos al sol y peleas en el saloon. Todas estas características del western norteamericano se exportaron con éxito en Europa. Más allá del mundo occidental, en el continente asiático, el cine del oeste gozó de tanta popularidad que rápidamente se transfiguró, adaptándose al paladar del consumidor local. Tailandia, India o Taiwan fueron algunos de los países en los que el salvaje oeste tomó formas insólitas, conservando con fidelidad sus características genéricas, pero adobado con las especies locales. ¿Sabías que en Hong Kong contrataron a un clon de Clint Eastwood -poncho incluido- para enfrentarlo al Conde Drácula y Emmanuelle? Un repaso a un género bastardo que ha originado algunas de las mejores obras del cine popular asiático.

Capítulos:

•Sholay y el Curry-Western

•La Ley del Karate en el Oeste: El soja-western

•El neo-western chino

•Las lágrimas del tigre negro y el western tailandés

•Sol rojo: el lejano oeste nipón

•El bueno, el malo y el raro: el salvaje oeste en Corea

•Chu Yen-Ping y el western taiwanés

•¡Weng Weng dispara! El western filipino

•De oriente a occidente (y viceversa)

Autor; Domingo López; Editorial; Tyrannosaurus Books. Páginas; 298

En Lucio Fulci. Autopsia de un cineasta Javier Pueyo realiza un recorrido por toda la filmografía del realizador italiano partiendo de sus primeros trabajos como guionista, vocación verdadera de Fulci, pasando por su acceso accidental al mundo de la dirección (sobretodo alimenticio según él mismo confesaba), y llegando hasta su consolidación como profesional del medio cinematográfico. Un estudio riguroso y personal que transita desde sus trabajos menos conocidos por su público habitual como la comedia Contrabando en Nápoles (su opera prima), sus primeras cintas musicales (Il ragazzi del Juke-box), la veintena de comedias protagonizadas por Franco Franchi y Ciccio Ingrassia (una suerte de hermanos Calatrava a la italiana), los dramas y el western (Los colt cantaron la muerte y fue tiempo de matanza, Los cuatro del Apocalipsis) para proseguir con sus obras más conocidas y por las que el imaginario colectivo cataloga a Fulci (en muchos casos obras mayores) como Aquella casa al lado del cementerio, El destripador de Nueva York, Zombi, Miedo en la ciudad de los muertos vivientes, El más allá… pasando por títulos menos conocidos pero no escasos de virtudes como son Angustia de silencio, Siete notas en negro, Murder Rock o Beatrice Cenci.

Con este estudio Javier Pueyo nos demuestra que Fulci no fue simplemente “ese director de cine de terror” y que merece ser recordado por más logros además de aquellos protagonizados por muertos vivientes, fantasmas y criminales con voz de pato con los que se le asocia habitualmente.

Un extraordinario análisis del compendio de las características que definen la manera de concebir el cine y la vida por Fulci que se complementa con una serie de entrevistas a diferentes profesionales que trabajaron junto al realizador italiano, que nos ofrecen diversas visiones de su persona y su manera de trabajar, como: Bernard Seray, Hal Yamanouchi, Giovanni Lombardo Radice, Beatrice Ring, Michéle De Angelis y Roberto Sbarigia, Nino Celeste, Carlo Maria Cordio, Satur Merino, Ludovica Marineo, Biagio Proietti y Claudio Fragasso.

Autor

Javier Pueyo Madroñero (Palma de Mallorca, 1985). Desde 2009 realiza crítica cinematográfica colaborando con diferentes medios (El buque maldito, Fancine, Amazing Monsters, Eros Comixx, Diari de Balears, IB3 Radio…). Fue uno de los autores del libro colectivo Zombie Films. Vol.1, Europa (Dolmen, 2011) y en 2013 crea junto a Eric de la Cruz el blog Dim Mak, sobre cine de artes marciales. Ha dirigido varios cortometrajes, entre ellos Rates (Primer Premio Art Jove’12, Mención especial del jurado en el Fic-Cat’13, Primer Premio en la II La Nit + curta, Mejor guión en el Suspiria Fest’13), 89% (ganador del concurso “El terror segons…” del Festival Acocollona’t ‘13)o el documental Diario íntimo de una actriz (Mención especial del jurado en el Mèdit ‘15).

Autor; Javier Pueyo Madroñero, coordinador; Editorial; Tyrannosaurus Books. Páginas; 324

Cine coreano contemporáneo (1990-2015). Entre lo excesivo y lo sublime, estudia el boom del cine de Corea del Sur, germinado al mismo tiempo que este país asiático se daba a conocer internacionalmente a partir del polémico mundial de fútbol del 2002. Cuando ahora todo el mundo sigue bailando el hit del K-Pop «Gangnam Style», es bueno saber que la cinematografía surcoreana no solo se nutre de comedias románticas (populares sobre todo en la televisión) o de las cintas de violencia extrema firmadas por el célebre Kim Ki-duk. Los coreanos se han erigido como los reyes del thriller, del misterio y del policíaco, pero sin dar la espalda al cine de autor, a los documentales de denuncia social, o a las propuestas dirigidas al público homosexual.

Nacho Cagiga coordina en Cine coreano contemporáneo (1990-2015) a una serie de especialistas nacionales y coreanos, los cuales desarrollan las claves del éxito de estos largometrajes. La obra se nutre con más de una centena de fotografías, y las reseñas o artículos vienen completados con datos de recaudación o producción, haciendo del trabajo una pieza indispensable para cualquier aficionado al cine asiático y al séptimo arte en general.

Autor; Nacho Cagiga, coordinador; Editorial; Líneas Paralelas. Páginas;

«Existe una magia capaz de hacernos soñar despiertos, de atravesar tiempo y espacio, de sentir emociones una y otra vez; algo que nos acompaña desde que éramos chavales y constituye un referente en nuestras vidas… el cine.»[…] Hemos construido Phenomena como una nave interestelar capaz de viajar a otras épocas con una única misión: recuperar aquella ilusión que nos unió a todos.»Phenomena Experience nace para recuperar los grandes clásicos de los años 70, 80 y 90; esas películas con las que crecimos. […] Phenomena rinde homenaje al espíritu de aquellas sesiones dobles que nos deleitaban de pequeños; esas tardes cuando entrábamos en un mundo de fantasía. Se trata del cine en mayúsculas, en pantalla grande.»Nacho Cerdá, creador de PhenomenaPhenomena. La fábrica de sueños, escrito por el reconocido crítico cinematográfico Jordi Batlle, es un volumen ilustrado que se propone captar el espíritu de la experiencia Phenomena. A través de cuarenta clásicos de la historia del cine (en especial de las décadas de los 70, 80 y 90) reflexiona acerca de cómo ha cambiado la forma de entender el cine en nuestro país. Este libro supone una reivindicación de una manera más auténtica de ver cine.Phenomena. The Ultimate Cinematic Experience es un proyecto nacido en 2010 de la mano del director de cine Nacho Cerdá. Desde finales de 2014 tiene sala propia en Barcelona donde cada proyección se convierte en una auténtica fiesta del cine.

El autor

Jordi Batlle Caminal (Barcelona, 1956) es crítico de cine y actualmente escribe en La Vanguardia, en Fotogramas y en su blog de cine Sopa de ganso. Es autor de varios libros sobre cine y coordinador de la colección de libros «Películas clave de…» (Editorial Robinbook). Además, entre los años 1982 y 2002 fue responsable de las publicaciones del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya

Autor; Jordi Batlle Caminal; Editorial; Minotauro. Páginas; 224

Hasta finales de los años 50 los personajes femeninos más emblemáticos en el cine eran madres y esposas que se entregaban a su familia con devoción. Como excepción estaban las femmes fatales del cine negro y las heroínas de comedia tipo «batalla de sexos», salvadas por el espectacular beso final y un «y vivieron felices» como anuncio inminente de un matrimonio para siempre y una familia feliz. ¿Cómo ha cambiado, desde los revolucionarios 60, el personaje femenino en el cine?

En tierra de hombres. Mujeres y feminismo en el cine contemporáneo presenta un análisis profundo y sin prejuicios de las claves de la «nueva mujer» del cine de hoy. La autora posa su mirada en películas y personajes tan populares como los de Pretty Woman, Bridget Jones, Kill Bill, Juno, Todo sobre mi madre, las superheroínas de Marvel o las princesas de Disney, llegando hasta las emblemáticas protagonistas de Sexo en Nueva York. Mujeres sumergidas en el mundo laboral urbano, desinhibidas sexualmente e inmersas en una cultura donde la ideología de género está en la base de todo.

El autor

Belén Ester Casas (Madrid, 1979) es periodista y crítico de cine. Durante más de diez años ha trabajado en diferentes medios de comunicación, desde Radio Nacional de España a 13TV, siempre vinculada a la información cultural. Durante cuatro años fue crítico de cine de La Gaceta y de Intereconomía TV, donde dirigió y presentó el programa de actualidad cinematográfica `El Acomodador` y en la actualidad colabora en la web Pantalla 90 y en la revista Esquire. Es vocal de la Junta Directiva del Círculo de Escritores Cinematográficos y miembro de Signis España, en cuya representación ha sido jurado en dos ocasiones del Festival de Cine de San Sebastián.

Autor; Belén Ester Casas; Editorial; ENCUENTRO. Páginas; 248

Lost, Star Wars, Star Trek, Súper 8, Fringe, Misión Imposible… Todos estos títulos tienen algo en común: el nombre de J. J. Abrams. El joven creador de la serie que puso patas arriba el mundo de la televisión se ha convertido en una figura clave en el desarrollo de las nuevas ficciones y ha revalorizado sagas del calibre de Star Wars o Star Trek. En este ensayo, el crítico de series Toni de la Torre da las claves para entender al guionista a la vez que hace un retrato sobre un hombre apasionado que ha sabido transmitir al gran público su amor por las historias y por el misterio como motor artístico.

Biografía del autor

Toni de la Torre (Barcelona, 1981) se dedica a la crítica de series de televisión desde hace más de diez años y está considerado un veterano y reconocido experto en la ficción seriada. Ha escrito diversos libros sobre series y ofrece periódicamente conferencias sobre el tema en el ámbito académico. También participa en cursos universitarios y mesas redondas sobre televisión, y colabora en diversos medios de comunicación como crítico de series.

Autor; Toni de la Torre; Editorial; Minotauro. Páginas; 224

Anthony Mann, de verdadero nombre Emil Anton Bundsman, fue hijo de emigrantes judíos alemanes en los Estados Unidos dedicados a la enseñanza. Formado en los ideales del trascendentalismo germano, va trasplantando ese bagaje a la dirección de cine de forma espontánea, casi irreflexiva, cuando vencidos todos los desafíos técnicos y profesionales, se convierte en un director de éxito durante la década de los cincuenta. Su valoración de los espacios en los encuadres y las dialécticas de ocupación y desocupación del vacío, casi constantemente ligadas a una concepción en vistas amplias de sus escenografías (ya interiores, ya exteriores), le convierten en uno de los grandes referentes audiovisuales del siglo XX. Una dramaturgia seca y concisa, desencantada y muy crítica, aflora de sus mejores películas. Incómodo con una sociedad en la que los valores más apreciados se alejan del «trascender para renunciar a lo negativo en uno y alcanzar la plenitud del ser», Mann se decanta por la tragedia y por la denuncia de la insolidaridad que el capitalismo abyecto deja caer sobre el individuo.

Autor; Francisco Javier Urkijo; Editorial; Ediciones Cátedra. Páginas; 496

Fantasmas y reflejos del cine del siglo XXI’. Próximamente en la colección de cine Rosebud, de la editorial Innisfree. “Fantasmas y reflejos del cine del siglo XXI”, está escrito por el crítico Alexander Zárate, en el que se abordan obras cinematográficas que plantean la realidad como escenario y ‘el otro’ como pantalla. El libro habla de los espectros de la mente, de las proyecciones y transferencias, de las figuras del doble, la sombra y lo siniestro, de la mirada del abismo, y de espejos que nos conectan con la multiplicidad de otras realidades de límites difusos, como las de la serie de culto Twin Peaks.

Sumario:

 A La imagen incierta, La imagen interrogante: Extrañezas, perturbaciones, escenarios, reflejos. 1. A través del espejo: Entre la realidad y la mente. Multiplicidad, fracturas, escisiones, fusiones. 2. La mirada incierta: Entre la realidad, el sueño, la sugestión, la enajenación. 3. Perturbaciones. La trama de lo aleatorio. La realidad como intemperie, incógnita, deriva maraña. La verdad escurridiza, la mirada insuficiente, figuras en tránsito, las identidades como espectros y el relato descentrado. 4. La imagen incierta, la realidad distorsionada: Manipulaciones, pantallas, proyecciones, imposturas 5. Sombras de la realidad, funambulismos de la vida. Escenarios, artificios, enigmas, espejos. 6. Réplicas, reconstrucciones, simulaciones, sustituciones 7. Reflejos, fantasmas de la mente, pantallas emocionales. Proyecciones y transferencias. El doble, la sombra, El otro, lo siniestro, la mirada del abismo, otros mundos. 8. Transfiguraciones: Entre la ilusión, la invención, la evocación y lo real.

B. Escenarios y trayectos del sentimiento y del deseo. La incógnita del amor. Fantasmas y reflejos. 1. Ruinas, desconexiones, rupturas, perturbaciones 2. Desenfoques, penumbras 3. Extrañezas, Intemperies. Donde la emoción perdió su centro 4. Reinicios, despertares, gestaciones y alquimias de amor.

En septiembre se publica de la mano de Ediciones T & B el libro Cine fantástico y de terror español: De los orígenes a la edad de oro (1912-1983), coordinado por Rubén Higueras.

 El libro pretende dar cuenta de las particularidades concretas de una amplia selección de largometrajes pertenecientes al cine fantástico y de terror español con el objeto de reflejar las tensiones y contradicciones presentes en el seno de una producción de capital importancia para la industria fílmica española y el legado cultural de nuestro país. Al mismo tiempo, se aspira a dilucidar cuáles han sido las aportaciones de la cinematografía española al imaginario y la poética fantástica universal. Para ello, más de cuarenta autores examinan más de trescientos cincuenta títulos representativos de nuestro cine fantástico y de terror de manera individual, ubicando cada obra en su contexto histórico y pronunciándose sobre su valor artístico. Este volumen inicial abarca desde 1912 a 1983, fecha de irrupción de la conocida como “Ley Miró”. El segundo volumen, que debería aparecer en navidades de este año, comenzará a partir de 1984 y finalizará en 2015.

Autores: José Abad, Manuel Aguilar, Roberto Alcover Oti, Ramón Alfonso, Gerard Alonso i Cassadó, Daniel Ausente, Carlos Benítez Serrano, Óscar Brox, Gerard Casau, Juan Manuel Corral, Carlos A. Cuéllar Alejandro, Carlos Díaz Maroto, José Ángel de Dios, Albert Galera, Roberto García-Ochoa Peces, Sergi Grau, Pablo Herranz, Rubén Higueras Flores, Montserrat Hormigos Vaquero, Diego L., Ramón Monedero, José Francisco Montero, Carlos Morcillo Mira, Marco Antonio Núñez Cantos, Rubén Pajarón Pereira, David G. Panadero, Israel Paredes Badía, Pilar Pedraza, Luis Pérez Ochando, Juan Andrés Pedrero Santos, David Pizarro, Javier Pulido, Hilario J. Rodríguez, Javier G. Romero, Montse Rovira Centellas, Ángel Sala, Diego Salgado, José Luis Salvador Estébenez, Adrián Sánchez, Jordi Sánchez-Navarro, Rubén Sánchez-Trigos, José Manuel Serrano Cueto, Carlos Tejeda, John Tones, Javier G. Trigales, Joaquín Vallet Rodrigo.

Luis Buñuel (Calanda, 1900-México, 1983) es el aragonés más célebre del mundo después de Goya y está considerado como uno de los grandes creadores del siglo XX. En Luis Buñuel. La forja de un cineasta universal el hispanista Ian Gibson profundiza en las raíces de una obra cinematográfica del calandino, transida de resonancia s personales, cada vez más valorada internacionalmente. Con una revisión minuciosa de la ingente bibliografía acumulada en torno a la figura de Buñuel en distintos idiomas, y una rigurosa investigación personal de siete años llevada a cabo en Calanda, Zaragoza, Madrid y París, el hispanista ha salido airoso del reto. La infancia del cineasta, la intensa relación con la madre, su larga temporada con los jesuitas, los años universitarios en Madrid al lado de Lorca y de Dalí, el traslado a París en 1925 donde encuentra pronto su vocación y participa en la apasionante aventura del surrealismo—, Un Chien andalou y el escándalo de L’Âge d or, la vuelta a España bajo la República, su trabajo con la productora Filmófono, el compromiso antifascista y, empezada la contienda, su actuación semisecreta a órdenes de la embajada española en París… he aquí un relato magistral que se lee como una novela. A finales de 1938 Buñuel embarcó con su mujer y su hijo hacia Estados Unidos, encargado de una misión republicana en Hollywood. A los pocos meses los sublevados ganaron la guerra. No volvería a pisar tierra española hasta 1960, ya ciudadano mexicano, para rodar Viridiana. Pero esto es otra historia.

Luis Buñuel es uno de los grandes cineastas españoles reconocido mundialmente. A la manera de las grandes biografías clásicas Gibson comienza por presentarlo en el espacio y en el tiempo, después los antecedentes familiares hasta llegar al nacimiento de Buñuel. Y poco a poco vamos viendo crecer a Buñuel, dónde estudia, con quién se relaciona, sus amores, sus pasiones, su peculiar relación amor-odio con Lorca, su fructífera relación con Dalí… Vida y obra se entrelazan en esta magnífica biografía que termina con la Guerra Civil. El hispanista Ian Gibson nos ofrece los primeros años de uno de los grandes hombres del siglo xx. Una investigación exhaustiva en la que ha trabajado a fondo durante más de seis años. Con fotografías inéditas que han aportado los herederos de Buñuel gracias al archivo personal del cineasta.

Autor; Ian Gibson; Editorial; AGUILAR. Páginas; 960

“Miklós Rózsa: Una vida, dos pasiones” es un pormenorizado estudio sobre la extensa obra de este genial compositor húngaro, que ayudó sobremanera a dignificar la música de cine, a través de sus increíbles y majestuosas partituras. Aquí el lector podrá encontrar información sobre la discografía completa del maestro.

Rózsa contribuyó a engrandecer tanto títulos del cine negro como epopeyas bíblicas o estupendos dramas románticos. Suyos son los scores de Ben- Hur (1959), Recuerda (1945) o El Cid (1961). A su vez, fue un gran compositor de música de concierto, que también se analiza, composición a composición. Este autor es base fundamental para entender la música de cine actual, influyendo como profesor o como inspiración, en compositores posteriores como Jerry Goldsmith o John Williams.

Prólogo

Introducción

Biografía

PRIMERA PARTE. MÚSICA CINEMATOGRÁFICA

Capítulo 1. 1937-1949

Capítulo 2. 1949-1961

Capítulo 3. 1961-1981

SEGUNDA PARTE. MÚSICA DE CONCIERTO

 Capítulo 4. Música de cámara

Capítulo 5. Trabajos para orquesta

Capítulo 6. Obras para solo de instrumento y orquesta

Capítulo 7. Trabajos para solo de instrumento

Capítulo 8. Trabajos para voces

Capítulo 9. Obras para piano solo

Capítulo 10. Música sinfónica con variaciones de música de cine a música de concierto

ANEXOS. DISCOGRAFÍA COMPLETA DE LA MÚSICA DE CONCIERTO

Discografía completa de la música de cine

Catálogo completo de scores

Catálogo completo de obras de concierto

Epílogo. El mito Rózsa

Bibliografía 

Autor; Antonio Piñera García; Editorial;T&B Editores. Páginas; 368

StarWars, o La Guerra de las Galaxias en España, es posiblemente la saga cinematográfica más importante de la historia. Más allá de su calidad artística o de su éxito comercial, esta obra marcó profundamente no solo a la industria del séptimo arte- que vio como la forma de hacer cine cambiaba de la noche a la mañana gracias a estas películas- sino a toda una generación de espectadores que adoptaron las aventuras de LukeSkywalkery compañía como parte intrínseca de sus propias vidas. Y es que ninguna otra serie de films ha impactado en la cultura popular de la forma en que lo hizo la creación de George Lucas.

Hoy, casi 40 años después y con todo un aluvión de nuevas entregas a la vista podría parecer que la franquicia lo ha tenido siempre todo de su parte, pero nada más lejos de la realidad. Los inicios, como casi siempre, fueron muy duros y la crónica de como StarWars llegó a hacerse realidad está repleta de matices. StarWars. La creación de la Trilogía Original adentra al lector en el corazón de esa apasionante historia que se esconde tras la realización de aquellas películas clásicas distinguiendo entre el mito y la realidad: Las motivaciones tras la visión de George Lucas, la concepción de los guiones, el desarrollo de toda una serie de nuevas técnicas cinematográficas, las anécdotas y curiosidades de los diversos rodajes…todo eso y mucho más en un relato indispensable para entender porque StarWars sigue siendo hoy, más que nunca, un hito de la historia del cine.

 http://creaciondelatrilogiaoriginal.blogspot.com.es/

Autor; Francisco Javier Martínez García. Editorial; ASOCIACIÓN CULTURAL DEL CÓMIC. Páginas; 216