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Con la vida hicieron fuego´ y ´Un hombre llamado Flor de Otoño´ serán restauradas por Filmoteca Española gracias a la colaboración con la Academia de Cine
Las películas dirigidas por Ana Mariscal y Pedro Olea han sido los largometrajes elegidos en esta nueva línea de ayudas a la restauración fílmica
A esta primera edición de la convocatoria han concurrido 46 títulos
La Academia de Cine, en colaboración con el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Cultura, y a través de Filmoteca Española han resuelto la primera convocatoria de ayudas para la restauración de obras cinematográficas. Esta iniciativa, fruto del acuerdo entre ambas instituciones, busca la preservación del patrimonio cinematográfico de España, tanto en el ámbito de los largometrajes y cortometrajes, como en otras piezas audiovisuales relevantes.
En esta primera edición se han recibido 46 solicitudes, una cifra que tanto la Academia como Filmoteca Española y el comité de selección celebran por su volumen y diversidad, especialmente al tratarse de una convocatoria inaugural. Las propuestas reflejan una amplia variedad de perfiles de beneficiarios y, con ello, «una riqueza notable en cuanto a las tipologías de obras presentadas”, tal y como ha destacado el comité de selección, que, tras el proceso de evaluación, ha acordado restaurar dos títulos clave del cine español: Con la vida hicieron fuego, dirigida por Ana Mariscal, y Un hombre llamado Flor de Otoño, dirigida por Pedro Olea.
Con la vida hicieron fuego (Ana Mariscal, 1959)
La recuperación de esta película supone también un ejercicio de reconocimiento a la figura de Ana Mariscal, una de las pocas directoras en activo durante esa época. El comité ha subrayado el valor singular de este título, realizado en una etapa en la que historias como la que narra habían sido más frecuentes en décadas anteriores y comenzaban a desaparecer del cine español del tardofranquismo. Además, se ha señalado la relevancia histórica de recuperar esta obra que cuenta con un corte de censura actualmente depositado en Filmoteca Española.
Un hombre llamado Flor de Otoño (Pedro Olea, 1978)
El Comité ha valorado el reto técnico y artístico que supone la restauración de una película en color rodada en la España de los años 70, cuyo proceso exige recuperar con precisión el esplendor visual y la apariencia original de la obra. Se ha destacado también la relevancia del guion y el momento histórico de su estreno, al tratarse de una de las primeras películas en abordar abiertamente la homosexualidad durante la Transición democrática. El comité también ha destacado la posibilidad de contar con el acompañamiento del propio director, Pedro Olea, así como con miembros del equipo artístico como José Sacristán.
Comité de selección
El comité de selección estuvo integrado por el presidente de la Academia de Cine, Fernando Méndez-Leite; la directora de Filmoteca Española, Valeria Camporesi; el restaurador Ferrán Alberich; la directora de fotografía y miembro de la Junta Directiva de la Academia, Teresa Medina; y la directora del Centro de Conservación y Restauración de Fondos Fílmicos de Filmoteca Española, Marián del Egido.
Alpha, de Julia Ducournau, será la encargada de inaugurar la 58ª edición de SITGES -Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya tras el impacto en el certamen de Crudo (2017) y Titane (2022), los trabajos previos de la directora francesa que se llevó la Palma de Oro de Cannes por ésta última. La proyección contará con la presencia de la directora francesa y marca la tercera ocasión que el festival estará inaugurado por una película dirigida por una mujer (las dos primeras fueron American Psycho (2000) de Mary Harron y Mona Lisa and the Blood Moon (2021) de Ana Lily Amirpour). En Alpha, Julia Ducournau nos presenta un drama familiar en un contexto de distopía social que aborda temas como el desastre climático, la transformación del cuerpo y las tensiones familiares en un fascinante viaje visual y sensorial que juega constantemente con la percepción del espectador.
Alpha abrirá una amplia selección de títulos que se desplegarán por las diferentes secciones del festival que demostrarán la heterodoxia de temáticas, enfoques y estilos visuales del género en la actualidad. Precisamente una de esas temáticas recurrentes en el género es la de la maternidad. Mother’s Baby, de Johanna Moder es un título que expone los miedos de una madre en torno al extraño comportamiento de su bebé mientras que If I Had Legs I’d Kick You, de Mary Bronstein, ejemplifica en clave de relato paranoico la ansiedad derivada del nacimiento de un hijo en una mujer en crisis emocional brillantemente interpretada por Rose Byrne. De crisis emocionales, en este caso referidas a la pérdida, habla The Thing with Feathers, dirigida por Dylan Southern y protagonizada por un Benedict Cumberbatch que lucha contra sus propios fantasmas y otras presencias invisibles que habitan los silencios. Y esas mismas amenazas serán las que afrontará el protagonista de Good Boy, de Ben Leonberg, aterradora historia de fantasmas contada desde la mirada del fiel perro que convive con su dueño en una apartada casa de campo.
Mike Flanagan adapta a Stephen King en La vida de Chuck, una fábula moderna que nos cuenta la vida de Charles Krantz, interpretado por Tom Hiddleston en su versión adulta, en orden inverso, desde su muerte hasta su infancia en una casa encantada. En plena campiña británica nos encontraremos con una peculiar venganza con katanas en Tornado, la nueva película de John Mclean (Slow West) con Tim Roth como protagonista.
El terror más canónico, aunque reformulado desde puntos de vistas visuales contemporáneos estará representado por Eye for an Eye, de Colin Tilley, que construye un universo de terror fascinante con algunas de las imágenes más impactantes del año mientras que The Home, el esperado retorno de James DeMonaco (responsable de la saga The Purge), convierte una residencia de ancianos en un espacio donde lo cotidiano se vuelve retorcido. Por otra parte, el aterrador psycho-thriller Dolly, de Rod Blackhurst, propone un cuento de terror retorcido sobre infancia secuestrada y crianza monstruosa.
También habrá espacio para la ciencia ficción y la fantasía en Sitges. Redux Redux, de Kevin y Matthew McMAnus, es una experiencia metacinematográfica que desafía los límites del lenguaje audiovisual a través de la repetición, la reescritura y la memoria, mientras que Orang Ikan, de Mike Wiluan, convierte una isla perdida en el Pacífico en un campo de batalla donde la guerra entre hombres queda eclipsada por el acecho de una criatura implacable.
Y como todo buen Sitges necesita su dosis de espada y brujería, llega Deathstalker, la reimaginacióndel clásico de culto homónimo de los 80, con la firma de Steven Kostanski y todos los ingredientes que amamos: bárbaros, hechiceros malvados y monstruos. Más poética pero igual de épica es The Legend of Ochi de Isaiah Saxon, que nos transporta a un universo de fantasía en el que una joven protagonista se lanza a explorar un mundo desconocido habitado por criaturas asombrosas.
El cine de terror japonés regresa a Sitges con tres propuestas que demuestran la vigencia y capacidad de reinvención del género. Exit 8, de Genki Kawamura, convierte un trayecto en metro en una pesadilla psicológica de primer nivel inspirada en el videojuego homónimo. New Group, de Yuta Shimotsu (Best Wishes to All) encierra al espectador en una atmósfera claustrofóbica de un instituto donde los alumnos se comportan de pronto de manera inquietante en un filme que recoge las texturas del horror de Junji Ito así como las dinámicas narrativas del género en las redes sociales. Por su parte, The Curse, de Kenichi Ugana, de recupera el espíritu de la maldición tradicional taiwanesa para llevarla a nuevas cotas de tensión y renovar el estilo del J-Horror de comienzos del milenio. También desde Asia, en este caso de Tailandia, llega A Useful Ghost deRatchapoom Boonbunchachoke, una fantasía poética sobre la pérdida en la que el espectro de un ser querido regresa poseyendo a un aspirador, en una de las películas más sorprendentes y originales del género en 2025, ganadora de la Semana de la Crítica del último Festival de Cannes.
Otros títulos de Sitges 2025 explorarán nuevas temáticas o renovarán las viejas historias en clave contemporánea. La hermanastra fea, de Emilie Blichfeldt, reimagina el cuento clásico de La cenicienta desde una óptica feminista, oscura, sarcástica y muy dolorosa mientras Fucktoys, de Annapurna Sriram, es otra odisea femenina donde una joven maldita recorre los suburbios de Trashtown intentando reunir mil dólares para librarse de una maldición. Uno de los títulos más celebrados del año está siendo Dead Lover, de Grace Glowicki una comedia de terror gótico donde una sepulturera que se ve atrapada en un romance imposible. Touch Me, de Addison Heimann, por su parte, apuesta por una mezcla de sci-fi, relaciones poliamorosas con visitantes de otros planetas y estética camp mientras que Mermaid, de Tyler Cornack, ofrece un cuento oscuro sobre la marginalidad, que arranca cuando un adicto encuentra una sirena herida en la costa de Florida.
El cine español de género busca nuevos caminos
La producción española de este año vuelve a destacar por su personalidad arrolladora y su capacidad para explorar lo fantástico desde perspectivas únicas. Gaua, el nuevo trabajo de Paul Urkijo, nos sumerge en una oscuridad ancestral inspirada en el folclore vasco; en un viaje hipnótico y aterrador hacia las raíces del mito y la naturaleza. También conectada con el territorio, pero desde una óptica femenina y radical, La virgen de la tosquera de Laura Casabé, a partir de la obra literaria de Mariana Enriquez, ofrece una experiencia sensorial que promete sacudir los límites de lo real. Más contemporánea y provocadora, Silencio encumbra el universo estético y emocional de Eduardo Casanova, con una propuesta tan incómoda como hipnótica que derriba tabúes y cuestiona nuestra relación con el cuerpo, el dolor y la belleza en una sorprendente historia de vampiros queer.
Decorado apuesta por una crítica existencial cargada de sarcasmo y con la estética inconfundible de un conocido del festival como es Alberto Vázquez, que tras el éxito de Unicorn Wars vuelve a poner en un listón altísimo el nivel del cine de animación español. Con su ópera prima Luger, Bruno Martín aborda las segundas oportunidades a través de un violento y trepidante thriller que se desarrolla a tiempo real en un vasto y laberíntico polígono industrial, cine desacomplejado y de impacto donde volveremos a encontrarnos con parte del elenco de Os reviento, el filme de acción que sorprendió al público de Sitges en 2023.
Protagonismo de la animación en Sitges2025
La animación cobra este año un gran protagonismo en el festival, con una selección que demuestra la fuerza creativa y la versatilidad del formato para explorar universos fantásticos. Heart of Darkness de Rogério Nunes ofrece una adaptación visualmente arrolladora de la obra de Joseph Conrad, mientras que The Great History of Western Philosophy plantea un viaje tan ácido como brillante por las grandes ideas de la civilización occidental, su proyección dará testimonio, por desgracia de manera póstuma, del gran talento de su directora, Aria Covamonas.
El festival también acoge propuestas valientes que juegan con el lenguaje y el tono: Lesbian Space Princess de Emma Hough y Leela Varghese mezcla ciencia ficción e identidades disidentes con humor pop y espíritu punk, y ChaO, dirigida por Yasuhiro Aoki,explora los límites de la percepción en una propuesta experimental hipnótica. El lado más emocional llega con Arco, una tierna y esperanzadora cinta de animación dirigida por Ugo Bienvenu y premiada en Annecy, y Another World de Tommy Kai Chung Ng, que aborda el duelo y el afecto con una gran delicadeza visual. Otra cinta que podrá verse es ALL YOU NEED IS KILL, una explosiva cinta de acción y ciencia ficción con sello japonés que adapta la novela gráfica homónima (también fue adaptado al live-action con Al filo del mañana) y que firma Kenichiro Akimoto. Para los nostálgicos del anime clásico, Angel’s Egg (1985) brindará una experiencia mística e hipnótica, una auténtica obra de culto a manos de Mamoru Oshii, que sigue fascinando. Otra obra que va a recuperarse en la gran pantalla es Willy, el gorrión (1989), una joya de animación húngara que firma József Gémes.
Siguiendo en el apartado de clásicos, Sitges2025 ofrecerá una oportunidad única con la retrospectiva dedicada al director de animación e historietista italiano Bruno Bozzetto, conocido en Italia sobre todo por la creación del famoso personaje de Señor Rossi (Signor Rossi). Se podrán ver obras que recorren toda su carrera, desde los largometrajes The SuperVips (1968) y Allegro non troppo (1976) hasta cortometrajes como Tapum! La storia delle armi (1958), Opera (1973), Rapsodeus (2011) o Cavallette (1991), por el que estuvo nominado al Oscar.
Recuperando y reivindicando clásicos de culto
El Festival de Sitges siempre ha sido un lugar de recuperación y reivindicación de clásicos del cine fantástico. En este sentido, podemos encontrar dos documentales que reivindican el cine de género que tanto nos gusta: Strange Journey: The Story of Rocky Horror de Linus O’Brien es una mirada afectuosa al fenómeno del cine de culto y Hammer: Heroes, Legends and Monsters de Benjamin Field nos cuenta la historia de la productora Hammer Films a través de los ojos de sus actores, cineastas y aficionados.
Por otro lado, tendremos la recuperación de algunos hitos del cine de género como Vera, un cuento cruel (1973) un clásico a reivindicar del cine español que protagoniza Fernando Fernán Gómez y dirige Josefina Molina. Siguiendo en el terreno del cine clásico nacional, se podrán ver Atolladero (1995), western futurista de Óscar Aibar y Memoria (1976), cinta de ciencia-ficción de Francisco Macián, ambos títulos gracias a una ambiciosa restauración por parte de la Filmoteca de Catalunya y que formarán parte de nuestro sello Catalunya Imaginaria.
Seven Chances, la Semana de la Crítica del Festival, proyectará Lo spettro (1963), clásico del terror italiano que firma Riccardo Freda con Barbara Steele y Peter Baldwin como pareja protagonista, en una espectacular restauración en 4K por parte de Severin Films. Por su parte, Jigoku (1960) la aterradora visión del infierno de Nobuo Nakagawa también se podrá disfrutar en su restauración en 4K auspiciada por Toho Co.
Por último, celebraremos el cuadragésimo aniversario de una cinta de culto que aúna a la perfección terror y comedia, el leitmotiv de la edición: Re-Animator (1985). En este sentido, se realizará una proyección especial de la película que contará con las presencias estelares de la actriz Barbara Crampton, el compositor Richard Band y parte del equipo. Una oportunidad única de revivir el clásico con algunos de sus grandes protagonistas. Además de Re-Animator, tendrá lugar una retrospectiva sobre el género de la comedia de terror, con títulos que anunciaremos en la próxima rueda de prensa.
Brigadoon
Este año, la sección Brigadoon vuelve a convertirse, como ya es tradición, en un punto de encuentro para los amantes del cine más outsider. Clásicos por redescubrir, joyas ocultas del género y una selección de documentales que celebran la pasión cinéfila y la resistencia creativa conforman una programación rica y sin complejos.
En cuanto a los largometrajes de ficción, este año podrán verse Test Screening, de Clark Baker, una deliciosa carta de amor al cine de género ambientada en un pequeño pueblo de Oregon; The Devil’s Teardrop, de Gonzalo Otero, que nos traslada a los Andes, donde un grupo de documentalistas ignora las advertencias sobre un espíritu demoníaco ancestral; Thinestra, de Nathan Hertz, una inquietante distopía sobre una droga milagrosa capaz de darte el cuerpo de tus sueños; y Death Cycle, de Gabriel Carrer, que ofrece un intenso thriller slasher en el que un misterioso asesino en moto pone patas arriba la vida de una mujer y de un investigador obsesionado con detenerlo.
En el apartado documental, Brigadoon acoge Occupy Cannes, de Lily Hayes Kaufman, un viaje irrepetible entre bastidores del Festival de Cannes de la mano de Lloyd Kaufman, mítico creador de The Toxic Avenger y figura clave de la contracultura cinematográfica. También podrá verse Masters of the Grind, de Jason Rutherford, una celebración visceral del cine más extremo, barato y excesivo, y un homenaje a los directores que, sin dinero ni permisos, hicieron historia desde la marginalidad.
Premios y presencias de grandes nombres del fantástico
En nuestro primer gran avance de la 58ª edición ya anunciamos el Premio Honorífico Màquina del Temps para Sean S. Cunningham, el legendario director y productor de la saga Viernes 13; también que Joe Dante, talento fundamental en la mezcla entre terror y comedia, volvería a Sitges en calidad de Padrino del Leitmotiv… pero por supuesto, ahí no iba a terminar nuestra particular colección de talentos.
Con una filmografía que transita entre el melodrama, el cine histórico y el thriller, Peter Chan se ha consolidado como una de las figuras más versátiles e influyentes del panorama cinematográfico asiático. Con un papel destacado tanto como director, productor y guionista, Chan recibirá el Gran Premio Honorífico en Sitges2025.
Títulos como Comrades: Almost a Love Story (1996), The Warlords (2007) o Wu Xia (2011) demuestran su dominio de registros muy variados, siempre con una factura impecable y una mirada profundamente humanista. Como productor, ha sido también una figura crucial para muchos talentos emergentes y consolidados del cine chino. Sitges reconoce así una trayectoria que ha roto barreras culturales e industriales, aportando al cine de género una sensibilidad sofisticada y profundamente emocional.
Sitges también rendirá homenaje a una de las productoras más influyentes de los géneros de terror y fantasía con el premio WomanInFan. Desde su productora, Valhalla Entertainment, Gale Anne Hurd ha estado detrás de numerosas películas icónicas, como la trilogía de Terminator (1984, 1991, 2003), Aliens (1986), Alien Nation (1988), The Abyss (1989), The Relic (1997) o Armageddon (1998).
Hurd también es productora ejecutiva del universo The Walking Dead, un fenómeno mundial desde su primera temporada. Éxitos recientes como The Walking Dead: Dead City (2023), The Walking Dead: Daryl Dixon (2023) y la miniserie The Ones Who Live (2024) forman parte de su legado. Recientemente ha concluido la undécima y última temporada de la serie principal, así como la octava y última temporada de Fear The Walking Dead, para AMC. Más allá del mundo zombi, su filmografía también incluye películas como Hellfest (2018, Lionsgate) y Mankiller (2017, PBS), un biopic inspirador sobre Wilma Mankiller, la primera mujer elegida como jefa principal de la Nación Cherokee, así como el documental The YouTube Effect (2023), que arroja luz sobre la desinformación y los algoritmos que manipulan la percepción pública.
También podemos anunciar ya el receptor del Premio Méliès Career que se dará en la edición de este año del festival. El actor francés Dominique Pinon recibirá el reconocimiento por una trayectoria fundamental en el cine fantástico europeo de las últimas tres décadas. Colaborador estrecho de Jean-Pierre Jeunet, ha sido una figura clave en títulos emblemáticos como Delicatessen (1991), que le sirvió para llevarse el premio al mejor actor en el Festival de Sitges, La ciudad de los niños perdidos (1995), Alien: Resurrection (1997) o Amélie (2001).
Por último, Hugo Stiglitz recibirá el Premio Nosferatu en Sitges2025 como reconocimiento a una trayectoria legendaria en el cine de género. Con más de un centenar de películas, se ha consolidado como un rostro emblemático del terror y el fantástico mexicano en títulos de culto como La noche de los mil gatos (1972), Tintorera (1977) o La invasión de los zombies atómicos (1980). Su presencia inconfundible y su aportación al cine de culto internacional le han valido el reconocimiento de figuras como Quentin Tarantino, quien le rindió homenaje en Malditos bastardos (2009).
Jurados para Sitges 2025
Una de las conditio sine qua non de un buen festival es la de tener un jurado a la altura. Este año no podemos estar más orgulloso de los nuestros. En sección oficial tendremos al director, guionista y productor Peter Chan, a Mary Harron, directora de American Psycho (2000) en el vigésimo quinto aniversario de la película, a la supervisora de efectos especiales Laura Pedro, doble ganadora de un Goya, al director, productor y presidente de la Academia de Cine de Argentina Hernán Findling y a la directora canadiense Jovanka Vuckovic.
#Sitges2025 también puede leerse
Como viene siendo habitual estos últimos años, en el Festival de Sitges se presentarán dos publicaciones que harán las delicias de los aficionados al cine de terror. La primera de ellas, Horror Girls: Estados Unidos & Canadá, llega con el sello WomanInFan einvita a recorrer dos territorios clave donde lo monstruoso, lo sobrenatural y lo inquietante han sido moldeados por la mirada femenina. Desde los tiempos silentes de Lois Weber hasta el fenómeno global deThe Walking Dead producido por Gale Anne Hurd, este ensayo colectivo traza un mapa tenebroso y fascinante, celebrando el talento de la mujer creadora en la historia del género.
Escriben Ángel Sala, Heidi Honeycutt, Shelagh Rowan-Legg, Amanda Reyes, Alexandra West y Paul Corupe, bajo la batuta de Mònica García i Massagué.
El segundo será Risas y escalofríos, un ensayo colectivo que trata sobre dos pulsiones en principio antagónicas: el espanto y la carcajada, leitmotiv de esta edición. Y, sin embargo, ahí están, entrelazadas, desafiando categorías estéticas, contaminando géneros y poniendo en cuestión nuestras formas de mirar. La confluencia del horror y la risa ha generado no solo nuevas formas de narrar, sino también nuevas formas de sentir y pensar. El trayecto incluye a los clásicos, el exceso camp, el carnaval gore, la sátira lúcida y las reescrituras del monstruo irónico.
Escriben Violeta Kovacsics, Lluís Rueda, Guillermo Triguero, Víctor Matellano y Gerard Casau, bajo la coordinación de Jordi Sánchez-Navarro y Ángel Sala.
Listado de películas
A Useful Ghost – Ratchapoom Boonbunchachoke (2025)
ALL YOU NEED IS KILL – Kenichiro Akimoto (2025)
Alpha – Julia Ducournau (2025)
Another World – Tommy Kai Chung Ng (2025)
Arco – Ugo Bienvenu (2025)
ChaO – Yasuhiro Aoki (2025)
Dead Lover – Grace Glowicki (2025)
Deathstalker – Steven Kostanski (2025)
Decorado – Alberto Vázquez (2025)
Dolly – Rod Blackhurst (2025)
Eye for an Eye – Colin Tilley (2025)
Exit 8 – Genki Kawamura (2025)
Fucktoys – Annapurna Sriram (2025)
Gaua – Paul Urkijo (2025)
Good Boy – Ben Leonberg (2025)
Hammer: Heroes, Legends and Monsters – Benjamin Field (2025)
Heart of Darkness – Rogério Nunes (2025)
If I Had Legs I’d Kick You – Mary Bronstein (2025)
La hermanastra fea – Emilie Blichfeldt (2025)
La virgen de la tosquera – Laura Casabé (2025)
Lesbian Space Princess – Emma Hough & Leela Varghese (2025)
Luger – Bruno Martín (2025)
Mermaid – Tyler Cornack (2025)
Mother’s Baby – Johanna Moder (2025)
New Group – Yuta Shimotsu (2025)
Orang Ikan – Mike Wiluan (2024)
Redux Redux – Kevin McManus & Matthew McManus (2025)
Silencio – Eduardo Casanova (2025)
Strange Journey: The Story of Rocky Horror – Linus O’Brien (2025)
The Curse – Kenichi Ugana (2025)
The Great History of Western Philosophy – Aria Covamonas (2025)
The Home – James DeMonaco (2025)
The Legend of Ochi – Isaiah Saxon (2025)
The Thing with Feathers – Dylan Southern (2025)
Tornado – John Maclean (2025)
Touch Me – Addison Heimann (2025)
Clásicos
Angel’s Egg – Mamoru Oshii (1985)
Atolladero – Óscar Aibar (1995)
Jigoku – Nobuo Nakagawa (1960)
Lo spettro – Riccardo Freda (1963)
Memoria – Francisco Macián (1976)
Re-Animator – Stuart Gordon (1985)
Vera, un cuento cruel – Josefina Molina (1973)
Willy, el gorrión – József Gémes (1989)
Retrospectiva Bruno Bozzetto
Largometrajes:
Allegro non troppo – Bruno Bozzetto (1976)
The SuperVips – Bruno Bozzetto (1968)
Cortometrajes:
Alfa Omega – Bruno Bozzetto (1962)
Baeus – Bruno Bozzetto (1987)
Big Bang – Bruno Bozzetto (1967)
Cavallette – Bruno Bozzetto (1990)
Dancing – Bruno Bozzetto (1991)
Ego – Bruno Bozzetto (1969)
Opera – Bruno Bozzetto (1973)
Piscina (La) – Bruno Bozzetto (1977)
Point of View – Bruno Bozzetto (1998)
Rapsodeus – Bruno Bozzetto (2011)
Self Service – Bruno Bozzetto (1974)
Tapum! La storia delle armi – Bruno Bozzetto (1958)
¿Cómo se han representado el deseo, el cuerpo y la disidencia sexual en el cine experimental? Este curso os invita a conocer y a adentraros en un cine radical que utiliza el lenguaje fílmico como espacio de expresión artística desde donde cuestionar la normatividad sexual y afectiva e imaginar otras maneras de relacionarnos, de representarnos y de vivir.
Proponemos un recorrido que pondrá el foco en la obra de cineastas con estéticas lesbianas y un fuerte compromiso artístico y personal: Barbara Hammer, Sandra Lahire, Chantal Akerman y Su Friedrich. Con ellas veremos cómo el cine puede convertirse en un espacio de contacto, de resistencia y de desafío a las normas heteropatriarcales, a través de la exploración fílmica de cuerpos, gestos y comunidades. Además, Juan Antonio Suárez nos hablará de las materialidades queer en el cine experimental, Marie Losier de sus retratos fílmicos y Paul B. Preciado sobre su proceso creativo en Orlando, mi biografía política, poniendo en diálogo teoría y práctica, e imaginando futuros posibles.
Este curso toma el relevo del encuentro sobre archivos queer y cine con el que se inauguró la temporada Xcèntric 2025, en el que se abordó la relación entre el cine de vanguardia y el pensamiento queer.
28.10.2025 El cine experimental y la materialidad queer. Juan Antonio Suárez
Durante la segunda mitad del siglo XX las culturas nor-atlánticas experimentaron una revolución en la cultura material y los objetos de consumo que consistió en la invasión de los plásticos y materiales sintéticos, la popularización de objetos desechables, el auge del diseño colorista, la amplia disponibilidad de medios caseros de reproducción visual y sonora, y la expansión del mercado de fármacos. Un gran número de cineastas contemporáneos caracterizados por su disidencia sexual y social —desde los hermanos George y Mike Kuchar hasta Andy Warhol, Jack Smith o Barbara Hammer, pasando por los artistas del cinéma corporel como Teo Hernández o Michel Nedjar— incorporaron en su trabajo materiales degradados, baratos, efímeros, efectistas, residuales (desde la basura a la purpurina o al ruido, entendido como desecho acústico) y psico-activos (como la anfetamina). De esta forma, anclaron la disidencia queer en el ámbito material y cotidiano y descubrieron, a la vez, en los materiales de la existencia ordinaria una potente latencia queer.
04.11.2025 Del tacto al contacto: los públicos de Barbara Hammer. Mireia Montané Guitart
Las imágenes de Barbara Hammer emergen de una práctica profundamente táctil y sensorial, donde el trabajo íntimo entre los elementos sirve a su voluntad de dar visibilidad a cuerpos, sexualidades, sensibilidades y luchas históricamente excluidas de la pantalla. Esta implicación física, sin embargo, atraviesa tanto la forma de hacer como la de mostrar las películas, haciendo de la sala de cine un espacio de acogida, de contacto y de resistencia para la comunidad queer. A partir de Audience (1981) pondremos la sala de cine en el centro para reflexionar sobre las formas de habitar el espacio público y la relación con la construcción de identidades disidentes, y hablaremos de la posibilidad de crear comunidades con y a través del cine.
11.11.2025 “Cuando descubrí el underground, encontré mi propio Hollywood”. Marie Losier
La cineasta francesa Marie Losier es autora de un conjunto de retratos fílmicos de artistas excéntricos y fuera de la norma, realizados sin prisas y desde el afecto mutuo, en los que logra captar el contraste entre persona y personaje, y donde la performance, el disfraz y la máscara dejan paso también a momentos de gran intimidad. En esta charla, Marie hablará de su periplo vital en el Nueva York de los 90 y primeros 2000, donde conoció y filmó con su Bolex a los hermanos Kuchar, Tony Conrad, Richard Foreman, Genesis P-Orridge o Alan Vega. Proyectará fragmentos de sus obras mientras explica su proceso de trabajo, siempre en colaboración con amigos o artistas admirados con quienes comparte una visión del mundo y de la vida (llena de humor y transgresión), que realiza desde el más puro espíritu DIY.
*Sesión en inglés con traducción simultánea al catalán.
18.11.2025 «Una especie de milagro errante, mi piel». Conciencia de cuerpo en el cine de Sandra Lahire. Carlos Saldaña
«Soy tan consciente de mi cuerpo», oímos decir a Sandra Lahire en su primera película, antes de que su voz dé paso a (y se confunda con) la de Sylvia Plath. Para Lahire, el cuerpo es un lugar de resistencia frente al capitalismo heteropatriarcal que lo anula, pero también la fuente irradiadora que conecta imágenes y sonidos. A través del collage, la refilmación y la fusión de formatos y disciplinas, su cine encarna una escritura musical que desafía, con belleza y furia, la violencia contra los cuerpos disidentes. La anorexia, la psiquiatrización y la contaminación nuclear son las enfermedades que atraviesan su cuerpo y a las que sus meditaciones líricas responden con una afirmación radical de la diferencia: «Esté donde esté y venga de donde venga, mi lengua es lesbiana».
25.11.2025 Gestos y fragmentos, una corriente de amor. El deseo en Chantal Akerman a partir de Toute une Nuit. Mònica Rovira
Una noche calurosa y húmeda de verano en Bruselas. Una noche oscura al ritmo de latidos y pasos. La ciudad como un escenario donde se muestran gestos y fragmentos de una pasión. Taxis, llamadas, diálogos sonámbulos, una canción que regresa. Personajes como sombras errantes: persiguiendo, esperando, huyendo, lanzándose a los brazos, abrazándose. El sentimiento fulgurante que irrumpe y quema, como un relámpago, no se ve: gravita, provoca las imágenes y las conecta. Sábanas, sudor, rastros. Una película como un cuerpo erótico, con intermitencias, que se mueve. En Toute une Nuit (1982), Chantal Akerman explora “el deseo, la fuerza del deseo, el deseo del amor”. En esta sesión, y a partir de la película*, veremos las claves de su articulación fílmica: la presencia y la experimentación en la relación entre cuerpos y espacios, que exprime a través del lenguaje, sustituyendo el amor por los gestos, tensionando y desestabilizando la norma, invitando al espectador a imaginar.
02.12.2025 El procés creatiu a Orlando, mi biografia política. Paul B. Preciado
Fecha: 28 octubre, 4, 11, 18 y 25 noviembre, 2 diciembre 2025
Horario: 18.30 – 20.00
Precio: 55 €. 40 € – Estudiantes, desempleados/as, pensionistas, mayores de 65, Amigos/as del CCCB
La película ‘Un fantasma en la batalla’ y la serie ‘Anatomía de un instante’ participarán fuera de concurso en la Sección Oficial
Los largometrajes ‘Karmele’ y ‘Flores para Antonio’ y las series ‘Zeru ahoak’ y ‘La suerte’ formarán parte de Proyecciones Especiales
Los debuts de Irati Gorostidi Agirretxe y José Alayón concursarán en la sección New Directors
La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha acogido hoy en Madrid el anuncio de 22 títulos de producción española (17 largometrajes, 2 cortometrajes y 3 series), que podrán verse entre el 19 y el 27 de septiembre en la Sección Oficial y en New Directors, Horizontes Latinos, Zabaltegi-Tabakalera, Perlak, Made in Spain y Velódromo, dentro de la 73ª edición del Festival de San Sebastián.
Sección Oficial a concurso
La Sección Oficial reunirá este año a cineastas que comenzaron sus carreras en San Sebastián, como es el caso de Alberto Rodríguez, Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi, a quienes el Festival ha ido acompañando en sucesivas películas como parte de su decidido apoyo al cine español. También regresará José Luis Guerin, que ganó el Premio Especial del Jurado con En construcción.
Jose Mari Goenaga (Ordizia, 1976) y Aitor Arregi (Oñati, 1977) vuelven a optar a la Concha de Oro con Maspalomas. El actor Jose Ramon Soroiz da vida a Vicente, quien a sus 77 años lleva la vida que le gusta en Maspalomas. Otras obras del colectivo Moriarti, tándem de cineastas en el que también participa Jon Garaño, son Lucio (Zabaltegi, 2007) y 80 egunean (Zinemira, 2010). En la Sección Oficial han estrenado Loreak (2014); Handia (2017), que obtuvo el Premio Especial del Jurado y el Premio Irizar, y La trinchera infinita (2019), Concha de Plata a la mejor dirección, Premio al mejor guion, Premio Irizar y Premio FIPRESCI. Por último, Marco (2024) clausuró Perlak tras estrenarse en la sección Orizzonti de Venecia.
Casi 25 años después de alzarse en San Sebastián con el Premio Especial del Jurado y el Premio FIPRESCI gracias a En construcción (2001), José Luis Guerin (Barcelona, 1960) regresa a la competición oficial con una nueva no ficción, Historias del buen valle / Good Valley Stories, rodada en Vallbona, barrio barcelonés con un importante porcentaje de población migrante. Guerin estrenó en el Festival de Berlín su primer largometraje, Los motivos de Berta (1984), programado después en Panorama del cine español del Festival, al que siguieron Innisfree (Zabaltegi, 1990) y Tren de sombras (1997), ambas presentadas en Cannes. Además, En la ciudad de Sylvia (2007) concursó en Venecia, en cuya sección Orizzonti participó también Guest (Zabaltegi-Especiales, 2010).
Alberto Rodríguez (Sevilla, 1971) presentará Los Tigres, escrita junto a Rafael Cobos, en la que Antonio de la Torre y Bárbara Lennie encarnan a dos hermanos que trabajan como buzos profesionales para el petróleo. Su vida cambia cuando Antonio tiene un accidente y descubren que no puede bucear más. Rodríguez, que mostró El factor Pilgrim (codirigida con Santi Amodeo, 2000) y El traje (2002) en New Directors, participa por séptima vez en la Sección Oficial, donde presentó 7 vírgenes (2005), con la que Juan José Ballesta obtuvo la Concha de Plata al mejor actor, y La isla mínima (2014), que brindó esa misma distinción a Javier Gutiérrez, además del galardón a la mejor fotografía y 10 premios Goya posteriores. Eduard Fernández consiguió otra Concha de Plata con El hombre de las mil caras (2016), tras la que Rodríguez inauguró el Festival fuera de concurso con Modelo 77 (2022). El cineasta, el primero en estrenar una serie en la Sección Oficial con La peste (2017), fue también uno de los directores de la serie Apagón (2022).
Un largometraje y una serie en la Sección Oficial fuera de concurso
Agustín Díaz Yanes (Madrid, 1950) regresa a la Sección Oficial, esta vez fuera de concurso, con Un fantasma en la batalla / She Walks in Darkness, un largometraje inspirado en la mayor operación encubierta contra ETA que cuenta la historia de una joven guardia civil que trabajó durante más de una década como agente encubierta en la organización terrorista. Susana Abaitua encabeza un reparto completado por Andrés Gertrudix, Iraia Elias, Raúl Arévalo y Ariadna Gil. Díaz Yanes ganó el Premio Especial del Jurado con su debut, Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (1995), que también granjeó a Victoria Abril la Concha de Plata a la mejor actriz. Otros títulos del director son Sin noticias de Dios (Made in Spain, 2001), Alatriste (2006), Sólo quiero caminar (2008) y Oro (2017).
En esta edición Alberto Rodríguez participará por partida doble y presentará fuera de competición Anatomía de un instante / The Anatomy of a Moment, una miniserie de tres episodios basada en el libro homónimo de Javier Cercas sobre el intento de golpe de estado que España sufrió el 23 de febrero de 1981. En el reparto figuran, entre otros, Álvaro Morte, que da vida al presidente Adolfo Suárez; Eduard Fernández, que interpreta al dirigente comunista Santiago Carrillo; Manolo Solo, que asume el papel del militar y político Gutiérrez Mellado y David Lorente, que encarna al teniente coronel golpista Antonio Tejero.
Una ficción, una no ficción y dos series en las Proyecciones Especiales de la Sección Oficial
La Sección Oficial incluirá en su apartado Proyecciones Especiales cuatro títulos fuera de concurso: un largometraje de ficción y otro de no ficción, y dos series.
En la serie Zeru ahoak / Sky Mouths (Bocas de cielo), de cuatro episodios, Koldo Almandoz (San Sebastián, 1973) recupera a los personajes de Hondar ahoak (2020) para urdir un nuevo thriller protagonizado por Nagore Aranburu, Josean Bengoetxea, Ramon Agirre, Miren Gaztañaga y Sara Cozar. El segundo largometraje de Almandoz, Oreina (New Directors, 2018), ganó el Premio Irizar al Cine Vasco, pero antes sus numerosos cortos participaron en secciones como Zabaltegi-Tabakalera, Zinemira-Kimuak o Velódromo, mientras que su debut en el largo, Sipo phantasma (2016), fue seleccionado en Zabaltegi-Tabakalera tras su paso por Rotterdam.
El drama histórico Karmele, dirigido por Asier Altuna (Bergara, 1969) e incluido en el Foro de Coproducción Europa-América Latina de 2019, es una adaptación de la novela de Kirmen Uribe Elkarrekin esnatzeko ordua (La hora de despertarnos juntos), protagonizada por Jone Laspiur, Eneko Sagardoy, Nagore Aranburu y Javier Barandiaran. Altuna ha codirigido con Telmo Esnal Aupa Etxebeste! (New Directors, 2005), que ganó el Premio de la Juventud, además de un episodio del filme colectivo Kalebegiak (Velódromo, 2016) y Agur Etxebeste! (Gala del Cine Vasco, 2019). En solitario, ha participado en la Sección Oficial con dos largometrajes, Bertsolari (2011), proyectado fuera de concurso, y Amama (2015), que ganó el Premio Irizar. También contribuyó con un episodio al largometraje Gure oroitzapenak (Zinemira, 2018) y estrenó en San Sebastián ARZAK since 1897 (Culinary Zinema, 2020) y Hondalea: abismo marino (Gala del Cine Vasco, 2021).
Flores para Antonio es el título de la película de no ficción con la que Isaki Lacuesta (Girona, 1975) y Elena Molina (Madrid, 1986) exploran la vida y el legado del músico Antonio Flores a través de abundante material de archivo y testimonios de su hija Alba Flores y sus hermanas Lolita y Rosario, así como de un buen número de artistas. Lacuesta es uno de los pocos cineastas que ha ganado dos veces la Concha de Oro con Los pasos dobles (2011) y Entre dos aguas (2018), y también ha participado en la Sección Oficial con Los condenados (Premio FIPRESCI, 2009) y, fuera de concurso, con Murieron por encima de sus posibilidades (2014) y un episodio de la serie Apagón (2022). Perlak programó Un año, una noche (2022) tras competir en Berlín, en Zabaltegi-Tabakalera mostró La noche que no acaba (2010) y El cuaderno de barro (2011), y en Made in Spain, Segundo premio (2024), codirigida con Pol Rodríguez y ganadora de la Biznaga de Oro y las Biznagas de Plata a la mejor dirección y el mejor montaje en Málaga. Molina, por su parte, es autora de películas de no ficción como Rêve de Mousse (2018) y Remember my name (2023), que logró la Biznaga de Plata Premio del Público en Málaga.
Óscar Jaenada y Ricardo Gómez protagonizan La suerte / Fate, una serie de seis episodios dirigidos por Paco Plaza (Valencia, 1973) y Pablo Guerrero (Lorca, 1975) sobre un taxista convertido súbitamente en chófer de un torero y su cuadrilla. Completan el reparto de La suerte Carlos Bernardino, Óscar Higares, Pedro Bachura, Jason Fernández, Óscar Reyes, Almudena Amor, Almudena Cid, Diana Peñalver, Aria Bedmar o Manuel Morón entre otros. Plaza concursó en la Sección Oficial con La abuela (2021) tras mostrar en Made in Spain [REC] (2008) y [REC]2 (2010), codirigidas con Jaume Balagueró, y Verónica (2017). El año pasado su película Mugaritz. Sin pan ni postre (2024) se alzó con el Premio Culinary Zinema.
Dos títulos en New Directors
Irati GorostidiAgirretxe (Eguesibar, 1988) estrenará su debut en el largometraje, Aro berria, que en su fase de proyecto participó en el programa de residencias Ikusmira Berriak, así como en otras importantes residencias como Locarno Residency o FidLab, y que plantea una mirada a la lucha obrera de los años 70 y las experiencias comunitarias surgidas en la época en el País Vasco. Varios de los trabajos de Gorostidi han sido mostrados en el Festival, como, por ejemplo, Unicornio (Zinemira Kimuak, 2021) o Contadores (Zabaltegi-Tabakalera, 2023), que fue parte del catálogo de Kimuak tras su estreno en la Semana de la Crítica de Cannes.
La lucha / Dance of the Living es el segundo largometraje como director del también productor y director de fotografía José Alayón (Tenerife, 1980), que debutó con Slimane (2013). En este nuevo filme, rodado en la isla de Fuerteventura, narra la relación de un padre y una hija, ambos practicantes de lucha canaria, tras la muerte de su esposa y madre.
Premio Ikusmira Berriak, Un Certain Regard y Oso de Plata Premio del Jurado, en Horizontes Latinos
Ganador del Premio Ikusmira Berriak 2020, La misteriosa mirada del flamenco / The Mysterious Gaze of the Flamingo es el debut en el largometraje que dio al alumni de Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE) Diego Céspedes (Santiago de Chile, 1995) el Premio Un Certain Regard de Cannes. Se trata de un western moderno en el que una niña busca venganza tras culpar a su familia de una extraña enfermedad ligada al amor entre hombres. El cineasta chileno ganó el Premio Nest con su primer cortometraje, El verano del león eléctrico (2018), y con el segundo, Las criaturas que se derriten bajo el sol (2022), participó en la Semana de la Crítica de Cannes y posteriormente en Zabaltegi-Tabakalera.
El argentino Iván Fund (San Cristóbal, 1984) mostrará El mensaje / The Message, largometraje ganador del Oso de Plata Premio del Jurado del pasado Festival de Berlín que fue seleccionado en el Foro de Coproducción Europa-América Latina de 2023 y en WIP Latam de 2024. El nuevo trabajo del autor de Piedra noche (Horizontes Latinos, 2021), estrenado en las Giornate degli Autori de Venecia tras ganar el Premio de la Industria WIP Latam de 2020, es una road movie emocional en la que una niña de nueve años y sus padres sobreviven como médiums de mascotas.
Tres largometrajes y un corto en Zabaltegi-Tabakalera
Schwesterherz / The Good Sister (La buena hermana), primer largometraje de SarahMiro Fischer (Stuttgart, 1993), cuenta la historia de una joven que descubre que su hermano está incriminado por violación. El filme, que al año pasado ganó el Premio de la Industria WIP Europa y el Premio WIP Europa con el título provisional de Blaue Flecken / Blue Marks, fue estrenado en la sección Panorama del Festival de Berlín.
La guionista y periodista Marta Medina (Valladolid, 1986) y el productor Enrique López Lavigne (Madrid, 1967) debutan en la dirección con El último arrebato / The Last Rapture, una no ficción centrada en la vida y obra de Iván Zulueta, autor de Arrebato (1980), película de culto del cine español. Medina ha escrito el guion de Asedio (Miguel Ángel Vivas, 2023) y López Lavigne lleva más de 30 años como productor de títulos que han dirigido cineastas como J.A. Bayona, Julio Medem, Isabel Coixet, Juan Carlos Fresnadillo, Nacho Vigalondo, Paco Plaza, Jacques Audiard o Javier Ambrossi y Javier Calvo.
Zabaltegi-Tabakalera acogerá el estreno del nuevo trabajo de Sergio Oksman (Sao Paulo, 1970), Una película de miedo / A Scary Movie, en la que un director de documentales y su hijo de doce años se alojan en un hotel abandonado de Lisboa. El autor de títulos como Goodbye, America (2006), O futebol (2015), que se estrenó en la competición de Locarno, o A Story for the Modlins (2012), que ganó el Premio Goya al mejor corto documental, ha participado antes en el Festival con A esteticista (2012), proyectada en el ciclo 4+1: Cine Brasileño Contemporáneo.
Lur Olaizola Lizarralde (San Sebastián, 1988) participará en la sección fuera de concurso con el cortometraje Bariazioak/ Variations (Variaciones), una reflexión sobre la vida, el duelo y sus distintas variaciones. La cineasta vasca ha dirigido los cortometrajes Xulia (2019), Zerua blu (2020) e Hirugarren koadernoa, que compitió en Cinéma du Réel y formó parte de la selección de Kimuak y de Zabaltegi-Tabakalera.
‘Ciudad sin sueño’, en Perlak
Guillermo Galoe (Madrid, 1986) ganó el Prix SACD de la Semana de la Crítica de Cannes con Ciudad sin sueño / Sleepless City, un debut en el largometraje rodado con intérpretes no profesionales en la Cañada Real de Madrid. En ese mismo escenario y con los mismos personajes filmó Galoe Aunque es de noche (2023), que formó parte de la selección oficial de cortometrajes de Cannes y después fue programada en Zabaltegi-Tabakalera.
Un largometraje de Fernando Colomo y un corto de Mabel Lozano, inauguración de Made in Spain
La sección Made in Spain se inaugurará con una sesión formada por el largometraje Las delicias del jardín, de Fernando Colomo (Madrid, 1946), y el cortometraje Abril, hoy no es invierno, de Mabel Lozano (Toledo, 1967).
Las delicias del jardín / The Delights of the Garden, dirigida y protagonizada por FernandoColomo (Madrid, 1946), incluye también en su elenco a Pablo Colomo, Carmen Machi, Antonio Resines, Brays Efe y María Hervás. En este filme, el cineasta retoma el tono autobiográfico y humorístico que remite a La línea del cielo (Sección Oficial, 1983) e Isla bonita (Zabaltegi, 2015). Su autor participó en la sección Nuevos Creadores con su ópera prima, Tigres de papel (1977), y ha mostrado en distintos apartados del Festival obras como La mano negra (Sección Oficial, 1980) o El efecto mariposa (Made in Spain, 1996).
El corto Abril, hoy no es invierno / Abril, It’s Not Winter Today comienza cuando una abogada de una asociación que asiste a personas con parálisis cerebral recibe un mensaje de SOS en su teléfono. Es el nuevo trabajo de Mabel Lozano (Toledo, 1967), directora y productora cuyas películas abordan cuestiones relacionadas con los derechos humanos y de la mujer. Con Chicas nuevas 24 horas (2015) estuvo nominada al Goya al Mejor documental, y Biografía del cadáver de una mujer (2020) y Ava (2023) ganaron el Premio Goya al Mejor cortometraje documental. Lola, Lolita, Lolaza (2024), su primera incursión en el mundo del cortometraje de animación participó en la primera edición de la sección Cortometrajes Loterías.
Daniel Sánchez Arévalo y una no ficción sobre Leiva en el Velódromo
Entre los títulos programados en el Velódromo figura Rondallas / Band Together, nuevo trabajo de Daniel Sánchez Arévalo (Madrid, 1970), que participó en la Sección Oficial fuera de concurso con Diecisiete (2019) y mostró Azuloscurocasinegro (2006) y Primos (2011) en Made in Spain. Javier Gutiérrez, María Vázquez, Judith Fernández y Tamar Novas protagonizan este nuevo largometraje sobre un municipio gallego que decide recuperar la rondalla (agrupación musical tradicional) del pueblo.
También se proyectará en la pantalla gigante del velódromo la no ficción Hasta que me quede sin voz, una película que retrata en primera persona el momento vital del músico Leiva, su vorágine y la delicada situación que atraviesa debido a una lesión irreversible en una de sus cuerdas vocales. El filme es el resultado de un trabajo colectivo entre Mario Forniés (Madrid, 1976), quien ha producido, entre muchos otros proyectos, videoclips del cantautor madrileño; Lucas Nolla (Madrid, 1978), montador en numerosas películas, y Sepia (Ushuaia, 1980), fotógrafo y director de vídeos musicales.
En un barrio periférico, entre el mundo rural y el urbano, coexisten las casas de los primeros migrantes, quienes llegaron tras la posguerra, y los nuevos bloques de la ciudad dormitorio, donde se concentra la nueva migración, convirtiendo este humilde rincón en una auténtica aldea global. Historias del buen valle es una suma de imaginarios, de conflictos sociales, generacionales e identitarios, urbanísticos y ecológicos; pero también una mirada reposada y humanista sobre el mundo actual.
Antonio y Estrella son hermanos. Su padre era buzo. Llevan toda la vida en el mar. Antonio es el Tigre, un buzo imbatible, el compañero que todos quieren ahí abajo, cuando en unos segundos te juegas la vida y lo haces todos los días. Estrella asiste a su hermano en la barcaza en la que trabajan. Ella le mantiene unido a tierra, fuera del agua Antonio es un auténtico desastre. Ha vivido siempre hoy, sin pensar nunca en mañana, su situación económica es delicada. Antonio tiene un accidente y le comunican que sus días de buceo van a acabar pronto. El futuro se les presenta oscuro y complicado. Una situación que puede cambiar cuando dan con un alijo de cocaína escondido en el casco de un petrolero. Antonio no ve otra posibilidad, su hermana Estrella no lo ve claro. Como siempre
Intérpretes: Jose Ramon Soroiz, Nagore Aranburu, Kandido Uranga
Tras romper con su pareja, Vicente, de 76 años, lleva la vida que le gusta en Maspalomas: su día a día lo pasa tumbado al sol, de fiesta y buscando el placer. Un accidente inesperado le obliga a regresar a San Sebastián y a reencontrarse con su hija, a quien abandonó años atrás. Vicente tendrá que vivir en una residencia donde se verá empujado a volver al armario y a ocultar una parte de sí mismo que creía resuelta. En este nuevo entorno, Vicente deberá preguntarse si aún está a tiempo de reconciliarse con los demás… y consigo mismo.
Intérpretes: Álvaro Morte, Eduard Fernández, Manolo Solo, David Lorente
Fuera de concurso
Cuando Tejero entró en el Congreso pistola en mano, sólo tres hombres se mantuvieron sentados en sus asientos mientras el resto se agachaba para ponerse a salvo: Adolfo Suárez, Santiago Carrillo y Gutiérrez Mellado. A través de estos tres hombres que lideraron el paso a la democracia y de los tres principales cabecillas del Golpe de Estado, Tejero, Milans y Armada, la serie relata la cadena de eventos y de tensiones que llevaron al país a estar a punto de volver al régimen militar anterior.
Un fantasma en la batalla está inspirada en la mayor operación encubierta contra ETA, que supuso un antes y un después en la lucha antiterrorista en España. Cimentada en el contexto histórico, político y social de los años 90 y los 2000, la película cuenta la historia de Amaia (Susana Abaitua), una joven guardia civil que permanece más de una década trabajando como agente encubierta dentro de la banda terrorista, con el objetivo de localizar los zulos que tenían escondidos en el sur de Francia.
Una hija se dispone a buscar la verdad sobre quién fue su padre, un músico legendario, fallecido cuando ella tenía 8 años. Él es Antonio Flores, ella la también célebre actriz Alba Flores. Alba dejó de cantar al perder a Antonio y ahora se dispone a recuperar su voz y su historia, preguntando por primera vez a sus familiares y amigos.
Intérpretes: Jone Laspiur, Eneko Sagardoy, Nagore Aranburu, Javier Barandiaran
Proyecciones especiales – Fuera de concurso
Foro de Coproducción Europa-América Latina 2019
1937. Karmele y su familia se refugian en Francia tras ser expulsados de su hogar a causa de la guerra. Allí, Karmele es contactada por la embajada cultural vasca en el exilio, que trata de luchar contra la guerra a través de la música y el baile, y conoce a Txomin, trompetista profesional del que se enamora. Después de vivir un tiempo en Venezuela, la pareja vuelve a casa con la esperanza de recuperar todo aquello que les fue arrebatado.
Intérpretes:Óscar Jaenada, Ricardo Gómez, Carlos Bernardino, Óscar Higares, Pedro Bachura, Ramón Moya, Jairo Sánchez, Almudena Cid
Proyecciones especiales – Fuera de concurso
En La suerte, un tímido taxista y joven opositor, David (Ricardo Gómez) se convierte inesperadamente en el chófer del Maestro (Óscar Jaenada) una figura del toreo que sale de su retiro para recuperar el prestigio perdido. El Maestro está de capa caída y David y su taxi le traen suerte, o eso cree…
El gran director surcoreano presenta sus obras 29 y 30: «In Water» llegará a la plataforma el 11 de julio y «Nuestro día» el 18 de julio.
Filmin presenta el estreno de dos de las películas más interesantes del cine de autor asiático de la temporada: «In Water» (11 de julio) y «Nuestro día» (18 de julio), ambas del aclamado director coreano Hong Sang-soo y estrenadas de la mano de Atalante en España en julio de 2024. Las dos películas, que fueron seleccionadas respectivamente en la Berlinale y la Quincena de Realizadores de Cannes, siguen el camino de uno de los cineastas más prolíficos y reconocidos del siglo XXI. Con más de 30 largometrajes en tres décadas de carrera, Hong Sang-soo ha conquistado los festivales internacionales más prestigiosos, acumulando cinco Osos de Plata en Berlín, galardones en Cannes, San Sebastián y Locarno, y consolidándose como una voz esencial del cine asiático contemporáneo.
«In Water»: La primera película deliberadamente desenfocada de la historia
En «In Water» seguimos a un joven actor que decide probar suerte como director, viajando a la isla de Jeju (Corea del Sur) con dos antiguos compañeros de clase para rodar un cortometraje con su propio dinero. Sin guion definido, el trío vaga por la isla hasta que un encuentro casual con una mujer que recoge basura en la costa inspira finalmente al protagonista. La película se caracteriza por estar rodada deliberadamente desenfocada, una decisión que, según el director, se tomó en el último momento y que refleja tanto el bloqueo creativo del protagonista como la propia exploración artística del realizador. «Quiero descubrir si tengo alguna creatividad en mí», es la frase que resume el espíritu de esta obra que, como señaló el propio Hong, busca explorar «la naturaleza a menudo consumidora de la búsqueda de significado artístico«
«Nuestro día»: Dos miradas, un mismo día
«Nuestro día» construye un díptico que retrata un mismo día desde dos perspectivas completamente diferentes. La primera historia sigue a Sangwon (Kim Min-hee), una actriz de unos cuarenta años que, recién regresada a Corea del Sur tras una experiencia traumática rodando en el extranjero, se refugia en casa de una amiga junto a su gato. Paralelamente, al otro lado de la ciudad, un poeta está intentando dejar, con mucha dificultad, el alcohol y el tabaco, al tiempo que recibe la visita de dos estudiantes que tienen preguntas muy serias sobre la vida y el arte. Para el director, como expresó el poeta Uiju en la película: «Todas las grandes preguntas irresolubles sobre la verdad, el amor y el arte son, en realidad, la misma», convirtiendo esta obra en una reflexión sobre «el pesimismo del arte y la naturaleza, en cierto modo absurda, de la vida»
El maestro del minimalismo contemporáneo
Hong Sang-soo es uno de los cineastas más originales y reconocibles del cine asiático contemporáneo. Sus películas suelen estar realizadas con presupuestos muy bajos, a menudo inferiores a los 100.000 dólares, y se caracterizan por una gran austeridad en la puesta en escena: pocos personajes, localizaciones sencillas y una duración que raramente supera los 90 minutos. Lejos de considerarlo una limitación, Hong convierte esta sencillez en su mayor virtud. Sus historias giran en torno a situaciones cotidianas, aparentemente triviales, que en sus manos se transforman en material dramático lleno de matices, donde cada pequeño gesto, silencio o repetición revela algo sobre las relaciones humanas y las emociones más profundas.
Una de las características más llamativas de su cine es el uso de estructuras narrativas poco convencionales: a menudo juega con repeticiones, bifurcaciones y variaciones mínimas entre escenas, como si nos invitara a mirar la misma situación desde diferentes puntos de vista o a través de recuerdos poco fiables. Esta técnica, lejos de resultar confusa, invita al espectador a reflexionar sobre cómo percibimos y recordamos nuestra propia vida.
El director Marcus O. Rosenmüller viajará a Palma para acompañar la proyección de su nueva película.
La película Münter y Kandinsky, dirigida por el cineasta alemán Marcus O. Rosenmüller, participará en la próxima edición del Atlàntida Mallorca Film Fest, que se celebrará del 25 de julio al 3 de agosto. Con motivo de su presentación en el festival, el director acudirá a Palma de Mallorca para presentar personalmente la película ante el público y los medios.
Münter y Kandinsky ha sido todo un fenómeno en Alemania y llegará a los cines españoles el próximo 26 de septiembre, distribuida por Surtsey Films y 12 Oaks. Se trata de una poderosa historia sobre arte, deseo, traición y redención, centrada en la figura de Gabriele Münter, artista clave del expresionismo alemán y cofundadora, junto a Wassily Kandinsky, del legendario movimiento Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).
Lejos de ser un simple biopic artístico, la película reivindica la figura de Münter como mujer moderna, libre y silenciada por la historia del arte. Desde la perspectiva de ella —no desde la de Kandinsky—, el filme reconstruye una relación desigual en la que Münter fue compañera, musa, protectora… y, finalmente, olvidada. Mientras Kandinsky alcanzó fama internacional, ella custodió en secreto las obras del grupo durante el nazismo, sin reconocimiento alguno.
SINOPSIS
Gabriele Münter y Wassily Kandinsky fueron amantes y pioneros del arte moderno. Ambos fundaron el influyente movimiento expresionista El Jinete Azul, pero mientras él alcanzó la fama, ella quedó relegada a su sombra. Por primera vez, esta historia se narra desde el punto de vista de Münter: una artista brillante, silenciada y clave en la revolución artística del siglo XX.
El director de «El desconocido del lago» ganó la última edición del Festival de Valladolid con este rocambolesco thriller rural. Fue la mejor película de 2024 según la prestigiosa Cahiers du Cinéma.
El próximo viernes 4 de julio, Filmin estrena en exclusiva «Misericordia», el nuevo largometraje de Alain Guiraudie («El desconocido del lago»). Tras su estreno en cines españoles en marzo de 2025, distribuida por Karma, la película desembarca en la plataforma tras obtener la Espiga de Oro y el premio al Mejor Guion en la 69ª Semana Internacional de Cine de Valladolid, y recibir ocho nominaciones a los Premios César, incluyendo Mejor Película y Dirección. Además, la revista francesa Cahiers du Cinéma la eligió como la mejor película de 2024. Protagonizada por Félix Kysyl,Catherine Frot y Jacques Develay, «Misericordia» es una coproducción entre Francia, España y Portugal, con la participación de Andergraun Films, la productora de Albert Serra y Montse Triola.
Jérémie regresa a su pueblo natal, Saint-Martial, para asistir al funeral de Jean-Pierre, antiguo jefe y panadero del lugar. Decide quedarse unos días en casa de Martine, la viuda, pero lo que parecía una breve y tranquila estancia se complica por la misteriosa desaparición de un vecino, la presencia amenazante de otro y la irrupción de un sacerdote de intenciones ambiguas. En este entorno rural, los secretos del pasado, los deseos ocultos y las tensiones latentes transforman la visita en una experiencia inquietante, donde nada es lo que parece y la moralidad se pone a prueba.
El deseo como motor
El cine de Alain Guiraudie se ha caracterizado siempre por situar el deseo sexual —y, en particular, el deseo homosexual— en el centro de sus relatos, utilizándolo como fuerza motriz de lo inesperado y lo misterioso, catalizador de tensiones y desencadenante de situaciones absurdas y peligrosas: “El deseo es el gran misterio de la vida. Te das cuenta bastante rápido de que el protagonista se queda en el pueblo porque desea a alguien. Él mismo es objeto de deseo. Y también me interesa mucho la confusión que este personaje y sus intenciones poco claras pueden provocar”, explica Guiraudie.
A diferencia de «El desconocido del lago», donde el deseo se resolvía en lo carnal, en «Misericordia» Guiraudie cultiva el misterio y la ambigüedad: “Tal vez ya era hora de que el deseo no terminara en sexo”. El director reconoce que juega con las expectativas del público: “Casi siempre planteo las mismas cuestiones, los mismos motivos, y juego con eso, con lo que se espera de mí. Pero también quiero sorprender, sorprenderme a mí mismo, renovarme”.
Iglesia y moralidad
La figura del sacerdote interpretado por Jacques Develay y el peso de la institución eclesiástica ocupan un lugar central en la película. El propio título remite a una noción religiosa que el director resignifica: “Para mí, la misericordia trasciende el perdón. Tiene que ver con la empatía, con entender a los demás más allá de cualquier moralidad. Se trata de tender la mano a los demás. Es una palabra anticuada que ya no usamos mucho y que encaja bien con la película por su atemporalidad y, sobre todo, con el sacerdote, que resulta ser uno de los ejes principales de la película”.
Guiraudie aborda la religión no desde la parodia, sino como un elemento que condiciona las relaciones y la moral del pueblo. “He elegido cuestionar o sacudir algunas reglas morales establecidas, particularmente en la cuestión de la culpa, el remordimiento, el perdón y, por supuesto, hasta dónde puede o debe llegar el amor al prójimo”.
Sexo y cuerpos no normativos: una mirada sin tabúes
Uno de los sellos de Guiraudie es la representación explícita y naturalista de cuerpos y sexualidades no normativos. En «Misericordia», como en «El desconocido del lago» o «Un héroe anónimo», el director muestra cuerpos desnudos de diferentes edades, géneros y complexiones, alejados de los cánones convencionales.
Guiraudie lo reivindica abiertamente: “Desde siempre he tenido la tentación de erotizar cuerpos que se salen de los estándares convencionales. Me refiero a personas gordas, viejas, poco agraciadas… Mi vida sentimental —también la erótica y la sexual— ha tenido lugar en el entorno obrero y rural, mucho más con personas del campo que con gente de ciudad. Por eso, y acaso también como postura política, intento aunar mi universo personal con mi ejercicio profesional cinematográfico. Quiero reflejar que la pulsión sexual también sucede fuera de los circuitos urbanos, lejos de personas pudientes con cuerpos perfectos. Me interesa mostrar la diversidad de los cuerpos y las formas del deseo, porque ahí reside la verdadera humanidad”.
Los dos filmes llegan al catálogo de la plataforma junto a otras películas del director de culto: Bésame, monstruo (1969), El conde Drácula (1970), El diablo que vino de Akasawa (1971) y El muerto hace las maletas (1972)
FlixOlé se adentra en el universo de Jesús Franco y lo expande con el estreno, el próximo 11 de julio, de seis títulos del director de culto, entre los que se encuentran Gritos en la noche (1962), una de las primeras producciones de terror gótico en el cine español, y Las vampiras (1971), el sueño erótico protagonizado por su musa, Soledad Miranda. Junto a ambos filmes, la plataforma incorporará al catálogo la versión de la criatura de la noche creada por Bram Stoker, El conde Drácula (1970), y tres thrillers de serie B que le granjearon un nombre: Bésame, monstruo (1969), El diablo que vino de Akasawa (1971) y El muerto hace las maletas (1972).
Con motivo de los estrenos, Filmoteca Española, institución dependiente del Ministerio de Cultura dedicada a la conservación, investigación y difusión del patrimonio cinematográfico y audiovisual, ha programado un ciclo dedicado a Jess Franco, uno de los numerosos pseudónimos con los que se dio a conocer en la gran pantalla de todo el mundo. El programa consistirá en la proyección de los mencionados seis largometrajes en la Sala 1 de Cine Doré durante los meses de julio y agosto, comenzando el 9 de julio. La exhibición de las películas contará además con la participación de expertos en la filmografía del realizador y personalidades que vivieron de primera mano su frenético ritmo de trabajo, y el talento con el que lo desempeñó.
Precisamente, el ingenio y capacidad para desenvolverse en presupuestos y medios limitados llevó a Jess Franco a ser uno de los directores más reivindicados. Al menos en el panorama internacional, teniendo la historia del audiovisual español una deuda pendiente con este apasionado cineasta que construyó un inabarcable imaginario, con más de 200 películas, rodajes en distintos países y una cámara por la que pasaron rostros como Christopher Lee, María Schell, Klaus Kinski, Shirley Eaton, Howard Vernon y Fernando Fernán-Gómez.
La cinefilia de Gritos en la noche
Los primeros años de Jess Franco en el séptimo arte estuvieron marcados por sus labores de compositor, director de segunda unidad y ayudante de producción para algunos de los grandes realizadores del cine español: Juan Antonio Bardem, Luis Gª Berlanga, Pedro Lazaga y León Klimovsky, entre otros. Esta experiencia lo animó a lanzarse a rodar. Ya en sus primeras películas muestra su pulsión por el cine policíaco, fantástico y de terror, géneros a través de los cuales canalizó su cinefilia con numerosas referencias a los clásicos estadounidenses y monstruos de la Universal, exhibió sus influencias expresionistas y surrealistas, así como sus obsesiones en torno al deseo y la muerte.
Y entre intrigantes propuestas llegó Gritos en la noche. Considerada una de las primeras películas de terror gótico en la industria cinematográfica del país, también abrió el camino al denominado fantaterror español y presentó ante el público al siniestro personaje Orlof (interpretado por Howard Vernon). Éste es un doctor que intenta reconstruir el rostro de su hija, quemado tras un accidente. Para ello, trasplanta la piel de mujeres jóvenes que secuestra su ayudante ciego, Morpho. El inspector Tanner (Conrado San Martín) y su novia (Diana Lorys) intentarán desvelar quien está detrás de las extrañas desapariciones.
Jess Franco adaptó el terror europeo y americano en esta cinta que se convirtió en uno de sus primeros éxitos, dejando una huella indeleble entre los amantes del género. El propio director Orson Welles quedó tan impresionado con la película que propuso a su homólogo español participar en Campanadas a medianoche (1965), iniciándose así una fructífera relación profesional y personal.
Las vampiras, zoom al cine más icónico de Jess Franco
La irrefrenable necesidad de rodar llevó al cineasta natural de Málaga a crear un serial cinematográfico con tramas, personajes y experiencias visuales comunes. Pero la libertad creativa que necesitaba como el respirar para hacer sus películas se topó de frente con la censura franquista. Su desdén por los convencionalismos y moralinas del régimen, sumado a la temática subversiva y al alto componente sexual de sus filmes, hizo que tuviese que probar suerte en la industria extranjera. Desde el exilio voluntario, Jess Franco forjó durante décadas su reputación internacional como maestro del cine de género, serie B, exploitation y erótico.
Dicha fama la cimentaron títulos fundamentales en su carrera como Las vampiras. Esta versión feminizada de la historia de Drácula popularizó el arquetipo lésbico y sensual de las criaturas que chupan la sangre. Nadine es la última descendiente del conde Drácula. Única heredera de la mansión, recibe la visita de Linda, quien se encarga del testamento. La huésped siente un extraño vínculo con su anfitriona, la cual se le había presentado anteriormente en tórridos sueños. Durante la noche, Nadine la muerde, despertando Linda en un psiquiátrico a la mañana siguiente.
Máxima expresión del cine de Jess Franco, Las vampiras (Vampyros Lesbos, en su versión extranjera) conjugó de manera explosiva el terror y el mundo onírico con el erotismo integral. El director desata toda su imaginación e inventiva narrativa mediante atrevidos planos en los que el zoom marca el estilo, donde el jazz baila con la psicodelia y la improvisación fluye sobre una película entregada a los deseos y obsesiones de su autor, proyectados sobre su musa, Soledad Miranda (quien falleció en un accidente antes de verse estrenado el largometraje).
La vanguardista y radical Vampyros Lesbos ha influido en numerosos directores. El último, Sean Baker, quien en los créditos de su oscarizada Anora (2024) incluyó una dedicatoria de agradecimiento a Jess Franco y a Soledad Miranda, además de emular en la carátula de dicho filme el cartel de Las vampiras. Igualmente, Quentin Tarantino, reconocido devoto de las películas del realizador español, introdujo uno de los temas de la película en su filme Jackie Brown (1997).
El conde Drácula en una colección dedicada al maestro de serie B
Un año antes del estreno de Las vampiras, el cineasta había llevado a la gran pantalla la que hasta la fecha es una de las adaptaciones más fieles de la novela de Bram Stoker, El conde Drácula. Jess Franco se adentró por primera vez en la historia del príncipe de las tinieblas y construyó una fantasía gótica a la altura del popular personaje y de las películas de la Hammer, aun contando con un presupuesto irrisorio en comparación con los manejados por la compañía británica. Al destacable vestuario y escenografía, firmados bajo pseudónimo por Jack Taylor (también presente en el reparto), se sumaron la sobresaliente fotografía, los reencuadres y angulaciones, así como el juego de superposiciones al que recurre el director. Sin olvidar la interpretación de Drácula por parte de Christopher Lee (el rey vampiro que ese mismo año había encarnado dicho personaje hasta en cuatro películas más) y el memorable papel de Klaus Kinski, quien dio vida al demencial Renfield.
Además de Gritos en la noche, El conde Drácula y Las vampiras, FlixOlé incorporará también el 11 de julio a su catálogo tres títulos de serie B en los que el director jugó y descompuso con altas dosis de humor los distintos géneros: Bésame, monstruo (1969), comedia que gira en torno al contenido de una extraña caja roja que dos atractivas aventureras consiguen del Dr. Bertrán; El diablo que vino de Akasawa (1971), parodia de las películas de espías; y El muerto hace las maletas (1972), baratísima coproducción con inspectores de Scotland Yard y un extravagante asesino.
Las películas se incluirán en una colección especial compuesta por que recorre la filmografía de Jess Franco, desde sus inicios vinculados con el género de terror y policíacas (La muerte silba un blues, Rififí en la ciudad, Al otro lado del espejo y Un silencio de tumba), incursiones en el cine de exploitation y proyectos eróticos (Camino solitario, Macumba sexual, Mil sexos tiene la noche y Killer Barbys, entre otras), así como documentales (A ritmo de Jess y La última película de Jess Franco) de esta figura irrepetible y libre del cine español.
José Miguel Monzón, más conocido como El Gran Wyoming, es el protagonista del cartel oficial de la 36ª Semana de Cine Fantástico y de Terror, que tendrá lugar entre el 31 de octubre y el 7 de noviembre. Presentador de televisión, humorista, actor, músico y comunicador, El Gran Wyoming es uno de los personajes más carismáticos de la televisión española de los últimos años, donde desde 2006 presenta en La Sexta el informativo El intermedio.
También ha trabajado en un gran número de series y películas, entre otras Muertos de risa (1999), Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001), Vivancos 3 (2002) e Isi/Disi: Alto voltaje (2006).
El cartel de la Semana quiere rendir homenaje a uno de los cineastas más importantes de la historia del género fantástico, David Lynch (1946-2025), fallecido a comienzos de este año. Y lo hace con una reconstrucción del mítico cartel de su primer largometraje, Cabeza borradora (1977), en el que El Gran Wyoming se ha convertido en el protagonista de la película, interpretado por el actor Jack Nance (1943-1996).
Título de culto desde el momento de su estreno e inicio de la carrera de uno de los cineastas que han marcado las últimas cinco décadas del cine mundial con títulos como Terciopelo azul (1986), Corazón salvaje (1990) o Carretera perdida (1991), el fantástico siempre atravesó la mayor parte de su obra. En un año en que sin duda sus películas volverán a las pantallas de todo el mundo, la Semana quiere rendir homenaje a un cineasta imprescindible a través de su imagen de esta edición.
La fotografía ha sido realizada por Pedro Mambrú y Javier Bermejo. El diseño del cartel lo ha realizado Ytantos.
Fresnadillo, ganador del Goya y nominado al Óscar, ha revolucionado el cine fantástico español con obras como Intacto y 28 Weeks Later.
Tomás Hijo, referente del arte fantástico y colaborador de Guillermo del Toro, HBO y Netflix en La Casa del Dragón o Stranger Things, recogerá el premio de manos del cineasta Rodrigo Cortés.
Paul Naschy, pionero del cine de terror nacional, fue el rostro legendario del hombre lobo español y uno de los grandes mitos del fantástico.
El Festival de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid, PUFA (Pucela Fantástica), concede sus Premios de Honor 2025 a tres figuras imprescindibles del cine y la ilustración fantástica: el cineasta Juan Carlos Fresnadillo, el ilustrador Tomás Hijo y, a título póstumo, el actor y director Paul Naschy. Estos creadores, cada uno desde su ámbito, han dejado una huella indeleble en el género fantástico, renovando sus códigos, ampliando su impacto cultural y consolidando un legado que sigue vigente.
PUFA reconoce con este homenaje no solo la excelencia artística de sus trayectorias, sino también la capacidad de sus obras para inspirar nuevas generaciones, dialogar con el público y fortalecer el fantástico como un espacio de innovación y libertad creativa.
Juan Carlos Fresnadillo: director y narrador clave del cine fantástico español
Juan Carlos Fresnadillo, nacido en Tenerife en 1967, es una de las figuras más destacadas del cine fantástico y de terror contemporáneo en España. Su talento quedó patente desde sus primeros trabajos, especialmente con el cortometraje Esposados (1996), que fue nominado al Óscar y se alzó con más de 40 premios internacionales, entre ellos el Premio del Público en el Festival Ibérico y el Premio Canal+. Este trabajo inicial reveló su capacidad para construir atmósferas intensas y tramas tensas que capturan al espectador.
Fresnadillo recogerá el Premio PUFA de Honor el jueves 3 de julio a las 18:45 horas en el Auditorio FUNDOS Fórum de manos del director Andrés Koppel (La niebla y la doncella), con quien ha colaborado, entre otros proyectos, en el largometraje Intacto, que se proyectará tras la entrega del premio. Previamente, ambos protagonizarán un encuentro con el público del festival el mismo jueves a partir de las 12:30 horas en Espacio Seminci.
En 2001 debutó en el largometraje con Intacto, una película que se ha convertido en un referente del cine de género nacional. El filme explora el azar como fuerza sobrenatural y atrajo la atención de la crítica y el público, consiguiendo ocho nominaciones en los Premios Goya, incluyendo Mejor Película y Mejor Director Novel, galardón que Fresnadillo ganó. Intacto fue además reconocido con el Premio Especial del Jurado en el prestigioso Festival de Sitges, consolidando su reputación internacional.
En 2007 Fresnadillo dio el salto al cine internacional con 28 Weeks Later, secuela de la aclamada 28 Days Later. En esta película, el director imprimió su sello personal explorando la violencia social y el miedo colectivo, logrando un éxito comercial y crítico. La película fue premiada con el Empire Award a la Mejor Película de Terror, y confirmó a Fresnadillo como uno de los directores más sólidos y reconocidos en el género a nivel global.
“Otros de sus trabajos destacados son Intruders (2011), protagonizada por Clive Owen, Daniel Brühl y Pilar López de Ayala, con la que inauguró el Festival de San Sebastián de aquel año, y Damsel (2024), producida por Netflix y protagonizada por Millie Bobby Brown, Ray Winstone, Robin Wright y Angela Bassett, que obtuvo el récord de reproducciones y visionados en la plataforma a nivel mundial. Actualmente se encuentra desarrollando un nuevo proyecto para Netflix.”.
Tomás Hijo: ilustrador que redefine el arte fantástico internacional
El ilustrador Tomás Hijo (Salamanca, 1974) es una figura fundamental para comprender la evolución del arte fantástico contemporáneo. Su obra ha traspasado fronteras y géneros, dotando al fantástico de un lenguaje visual que mezcla tradición y modernidad con maestría. Ha trabajado para editoriales de España, Estados Unidos, Reino Unido, Francia y otros países, creando imágenes que dialogan con la mitología, el simbolismo y la cultura popular, entre ellas, el cartel anunciador de la primera edición de PUFA.
Entre sus colaboraciones más reconocidas destacan el Tarot del Toro, desarrollado junto a Guillermo del Toro; el Labyrinth Tarot y The Dark Crystal Tarot, supervisados por The Jim Henson Company; el House of the Dragon Tarot para HBO, y el The Lord of the Rings Tarot, con licencia oficial. Su trabajo reciente incluye la ilustración de una serie de clásicos del terror para la editorial Minotauro y la fábula gráfica La piedra blanda, en colaboración con el cineasta Rodrigo Cortés.
Tomás Hijo ha formado parte del equipo de diseño artístico en producciones audiovisuales como Nightmare Alley y en la serie Les portes du temps, así como en campañas promocionales para compañías como Netflix, Valve y Bethesda. Además, es colaborador habitual en programas como Cuarto Milenio, divulgador del folclore y doctor en Comunicación, con casi dos décadas de docencia en diseño y guion.
Su trayectoria ha sido reconocida con premios internacionales, incluyendo el Best Artwork Award de la Tolkien Society en 2015. Rodrigo Cortés entregará el Premio de Honor a Tomás Hijo el día 30 de junio en la Gala de Inauguración, en un gesto que subraya la colaboración y el reconocimiento mutuo entre dos creadores destacados. Además, Tomás Hijo y Rodrigo Cortés protagonizarán un encuentro con el público de PUFA ese mismo lunes 30 de junio a partir de las 12:30 en Espacio Seminci, donde además firmarán ejemplares de La piedra blanda, actividad realizada en colaboración con la editorial Random House y la librería Oletvm.
Paul Naschy: mito y pionero del cine de terror español
El Premio de Honor a título póstumo distingue la figura de Paul Naschy (Jacinto Molina, Madrid 1934-2009), leyenda del cine fantástico español y un pionero indiscutible del género. Actor, guionista y director, Naschy protagonizó y dirigió más de un centenar de películas, creando personajes icónicos como Waldemar Daninsky, el hombre lobo español, y encarnando a vampiros, momias, zombis y otros monstruos clásicos.
Desde su debut en La marca del hombre lobo (1968), Naschy fue una figura clave que dignificó el cine de terror nacional, ganándose fama internacional gracias a títulos como La noche de Walpurgis (1971), El espanto surge de la tumba (1973) y El retorno del hombre lobo (1981). Su estilo, marcado por un barroquismo personal y un compromiso con la artesanía del género, lo ha comparado con leyendas como Lon Chaney y Boris Karloff.
Naschy fue reconocido en festivales internacionales de prestigio como Sitges, París, Nueva York y Tokio, y su legado sigue vigente en la cultura popular y en la memoria de los aficionados. Sergio Molina, su hijo y director del Festival Nocturna Madrid, recogerá el galardón en una gala especial que incluirá la proyección del largometraje documental Call Me Paul, dedicado a la vida y obra de Paul Naschy, dirigido por Víctor Matellano, quien participará en el homenaje junto a Sergio Molina.
El film, a medio camino entre el romance colonial y el documental etnográfico, fue galardonado con el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cannes 2024.
El próximo viernes 27 de junio se estrena en exclusiva en Filmin «Grand Tour», la esperada nueva película del director portugués Miguel Gomes («Las mil y una noches»). Tras su estreno en cines españoles el pasado mes de marzo, distribuida por Avalon, y su paso por festivales como la SEMINCI de Valladolid, donde obtuvo el Premio al Mejor Montaje, la película aterriza en la plataforma tras conquistar el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cannes 2024. Gomes, uno de los cineastas más reconocidos de la cinematografía europea contemporánea, vuelve a explorar los límites entre la ficción y el documental en esta ambiciosa coproducción entre Portugal, Italia y Francia.
Rangún, 1918. Edward, funcionario británico, decide dejar plantada a su prometida Molly justo antes de su boda, huyendo a través de Asia y sometiéndola al mayor ghosting jamás filmado por el cine. Pero Molly, lejos de quedarse llorando en casa, se lanza a la aventura y le sigue la pista por medio continente, convertida en una detective romántica que no teme cruzar fronteras, idiomas ni épocas para encontrar a su esquivo novio. Entre trenes que descarrilan, karaokes imposibles y marionetas que parecen salidas de un TikTok imperial, «Grand Tour» convierte el drama colonial en una screwball comedy de persecuciones, desencuentros y anacronismos felices, donde el pasado y el presente se cruzan sin pedir permiso.
Anacronismos en movimiento: el proceso creativo de «Grand Tour»
«Grand Tour» es el resultado de un proceso creativo singular: la película se rodó en dos fases diferenciadas. Por un lado, Gomes y un pequeño equipo viajaron por Asia en 2020, grabando imágenes y sonidos en localizaciones reales de Birmania, Tailandia, Vietnam, Filipinas, Japón, China y Singapur, sin un guion previo. Este material, registrado en 16 mm, constituye el archivo contemporáneo del film.
Posteriormente, el grueso de la ficción se rodó en estudios de Lisboa y Roma en 2023, ya con los actores y un equipo de más de cien personas, recreando la Asia de 1918. La película, pues, está supuestamente ambientada en la segunda década del siglo XX, pero en ella podemos ver coches modernos, aires acondicionados, teléfonos móviles y otros elementos fuera de contexto.
Sobre el sentido de los anacronismos y el diálogo entre realidad e imaginación, el propio Gomes señala: “Me parece muy productivo contraponer el mundo real que compartimos todos a un mundo falso que es el que el cine creó y que no existe. Para mí existen los dos y lo que me parece interesante es ponerlos en contacto para ver qué le da el uno al otro”.
Curiosidades de la producción, rodaje y montaje
Inspiración en la literatura de Somerset Maugham: La historia parte de un episodio del libro “The Gentleman in the Parlour” de Somerset Maugham, donde un funcionario británico huye de su prometida por Asia. Miguel Gomes leyó este pasaje la víspera de su propia boda, lo que añade un guiño autobiográfico y humorístico al proyecto.
Lengua portuguesa como acto de subversión: Aunque los personajes principales son británicos y la historia transcurre en Asia colonial, Gomes decidió que no se hablara inglés en la película. El portugués se impone como lengua vehicular, en un gesto deliberadamente anticolonialista y de reivindicación cultural.
El “acaso embaraçoso”: Gomes ha declarado que buscaba en el rodaje el “acaso embaraçoso”, es decir, situaciones inesperadas y espontáneas que pudieran ser incorporadas a la película. El director es conocido en Portugal por su afán de capturar estos momentos fortuitos, lo que aporta autenticidad y frescura a la obra.
Marionetas y espectáculos tradicionales asiáticos: La película incorpora marionetas y otros espectáculos populares de Asia, como norias movidas manualmente y karaokes locales. Estas imágenes, captadas durante el rodaje documental, buscan recuperar el espíritu de fascinación de los primeros espectadores de cine, evocando la mirada infantil y el asombro ante lo desconocido.
Primera cine-fotonovela portuguesa: El Batalha Centro de Cinema de Oporto ha editado una cine-fotonovela basada en «Grand Tour», considerada “probablemente la primera cine-fotonovela de origen portugués de que hay registro”. Este formato adapta la película al papel mediante fotogramas y diálogos impresos, y se distribuye en librerías especializadas y la Cinemateca Portuguesa. Gomes dio carta blanca a los editores, quienes trasladaron fielmente los diálogos y escenas de la película a 56 páginas ilustradas.
Este programa reúne piezas de artistas que utilizan diversas técnicas para explorar, por un lado, el juego con las proporciones y los diferentes tamaños y, por otro, las relaciones entre especies. Los sábados de verano podéis disfrutar de estas películas en el espacio familiar «Pequeñas, medianas y grandes». La entrada es gratuita.
Gargantuan [Gigantesco], John Smith, Reino Unido, 1992, 1 min 30 s
Una película asombrosa y divertida que juega con las palabras y las ilusiones perceptivas. Lo que parece un dinosaurio se revela, al abrirse el plano, como un pequeño anfibio sobre la almohada del cineasta.
Matrioska [Muñeca rusa], Co Hoedeman, Canadá, 1970, 5 min
Las protagonistas de esta película son muñecas rusas de madera pintadas a mano que bailan, giran y se arremolinan al ritmo de melodías tradicionales.
The Animal Movie [La película animal], Grant Munro, Canadá, 1966, 9 min
Un niño intenta imitar los movimientos de los animales, pero descubre que no puede igualarlos. Solo al subir con un amigo a una especie de nave espacial logra superarlos, y nos muestra cómo la tecnología transforma nuestra relación con el mundo.
The Bead Game [Juego de cuentas], Ishu Patel, Canadá, 1977, 5 min
En esta animación del cineasta indio Ishu Patel, una bolita para hacer collares se multiplica y se transforma en criaturas que se devoran y mutan constantemente, hasta eclosionar en una explosión de colores.
Un niño acostumbrado a tratar sus juguetes sin cuidado trata igual de mal a su mejor amigo, un gato naranja. Buscando nuevas formas de entretenerse, el niño termina molestando a un mago que, enfadado, lo convierte en un pequeño muñeco. Ahora tendrá que pagar las consecuencias de lo que ha hecho y escapar del inmenso gato que le persigue.
Who am I [Quién soy yo], Faith Hubley, Estados Unidos, 1988, 3 min 30 s
Esta película hace visible el emocionante descubrimiento de los cinco sentidos por parte de un niño, que ocurre sobre todo en relación con otros animales. Una película de animación artesanal que celebra la curiosidad y conexión sensorial con el entorno.
Fecha: 21 y 28 junio, 5, 12, 19 y 26 julio, 2, 9, 16, 23 y 30 agosto, 6 septiembre 2025
El leitmotiv del 44º Festival de Cine de Terror de Molins de Rei será “J-Horror, más allá del susto”, y con él celebraremos el legado del terror japonés, del 7 al 16 de noviembre de 2025.
En el año 2000, el cineasta japonés Takashi Shimizu presentaba Ju-on, primera entrega de una emblemática y prolífica saga cinematográfica. Este año se celebra el 25 aniversario de su estreno y el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei 2025 se suma a la conmemoración dedicando esta edición al J-Horror —terror japonés—, que tanto marcó la entrada al nuevo milenio. En este género, el folclore japonés y la tecnología moderna (cintas de vídeo, teléfonos y ordenadores) se daban la mano. Este cine apostaba por la atmósfera y el malestar psicológico, con fantasmas como elonryō —figuras femeninas del más allá en busca de venganza— convertidos en iconos muy populares. A pesar de los presupuestos ajustados, el J-Horror genera inquietud aún hoy día, gracias a una estética depurada, su simbolismo, el ritmo pausado y la capacidad de hablarnos de la absurdidad de la vida moderna a través de traumas, historias de soledad y terror existencial.
J-Horror, más allá del susto es el leitmotiv que acompañará esta 44ª edición del festival, que tendrá lugar del 7 al 16 de noviembre, con el Teatro de La Peni como sede principal.
Ponemos en marcha la cuenta atrás para el inicio del TerrorMolins 2025 con este texto:
“En los años noventa había reinado el slasher desacomplejado y un punto paródico de Chucky, Scream, I Still Know What You Did Last Summer…. Pero la entrada al nuevo milenio coincidió con el boom del J-Horroruna bocanada de aire fresco que revitalizó el género con películas (y videojuegos) en los que fantasmas vengativos asustaban al personal. Ju-on y Ju-on 2 son del año 2000 y se distribuyeron directamente en vídeo, pero su éxito boca a boca permitió a Takashi Shimizu rodar dos años después, con más medios, Ju-on: The Grudge, más secuela que remake.
La terrible historia tiene su origen en una casa de Tokio, cuando Takeo Saeki, convencido de que su esposa le es infiel, la asesina brutalmente y hace lo mismo con su hijo Toshio (y con el gato). En Ju-on encontramos la temática clásica de casa encantada (personaje central del filme) y un fantasma vengativo o onryō. La mayoría de los onryō son mujeres que habían sido maltratadas en vida por sus padres, maridos o amantes y tienen una apariencia inconfundible con raíces en el teatro Kabuki: cabellos negros despeinados y larguísimos, maquillaje ultrapálido y quimono blanco de luto. Según la creencia popular, cuando alguien muere víctima de la ira engendra una maldición que se instala en los lugares por donde se movía y donde murió. Si entras en uno de estos lugares o contactas con alguien maldito, serás víctima y pasarás a propagarla como si fuera un virus.
Dos años antes, Sadako saliendo del televisor en Ringu (Hideo Nakata, 1998), J-horror came onto stage with archetypal ghost in the well and the symbolism of death-connected still waters, which we will also find in Dark Water (Hideo Nakata, 2002). Cineastas de culto como el prolífico Takashi Miike se subieron al carro con Chakushin ari (Llamada perdida) en 2003, donde repetía los efectivos clichés del subgénero, lejos de la densa e inclasificable Ôdishon (Audition) con la que nos maravilló en 1999 (ambas las pudimos disfrutar en TerrorMolins). En los últimos años, la fiebre por el J-Horror parece haberse apaciguado, después de jugosos crossovers como Sadako vs. Kayako (2016), que mezcla sin complejos las mitologías de Ringu y Ju-on. Pero, por ejemplo, el año pasado Kôji Shiraishi firmó House of Sayuri, también con casa encantada, y en 2022 se estrenó Kisaragi Station, de Jirô Nagae, sobre una estación de tren maldita. ¡Agárrate fuerte a la butaca, la chica de rostro blanquísimo y melena negra interminable puede aparecer cuando menos te lo esperes!”
El Festival de San Sebastián incluirá en su sección Klasikoak los mediometrajes ‘Ehun metro’, ‘Zergatik panpox’, ‘Hamaseigarrenean aidanez’ y ‘Oraingoz izen gabe’, restaurados por la Filmoteca Vasca y EITB
El Gobierno Vasco ha invertido 80.000 euros en la rehabilitación de estas películas; las tres primeras fueron el primer proyecto íntegramente financiado por el ejecutivo autonómico para promocionar el cine en euskera
El Gobierno Vasco, con un presupuesto de 80.000 euros, financia a través de la Filmoteca Vasca y EITB la restauración de los mediometrajes Hamaseigarrenean aidanez (Anjel Lertxundi, 1985), Ehun metro (Alfonso Ungría, 1985), Zergatik panpox (Xabier Elorriaga, 1985) y Oraingoz izen gabe (José Julián Bakedano, 1986). Los trabajos de rehabilitación se están llevando a cabo en los laboratorios L’Immagine Ritrovata de Bolonia y se proyectarán en septiembre en la sección Klasikoak del Festival de San Sebastián. Las tres primeras películas fueron en 1985 el primer proyecto íntegramente financiado por el Gobierno Vasco para promocionar el cine en euskera.
La presentación de este proyecto ha tenido lugar en Tabakalera y ha contado con la presencia de Ibone Bengoetxea (consejera de Cultura y Política Lingüística y vicelehendakari primera del Gobierno Vasco), Joxean Fernández (director de la Filmoteca Vasca), Vanesa Fernández (directora de Cultura y Euskera de EITB), José Luis Rebordinos (director del Festival de San Sebastián) y los directores de las películas Anjel Lertxundi, Alfonso Ungría, Xabier Elorriaga y José Julián Bakedano.
La vicelehendakari primera y consejera de Cultura y Política Lingüística, Ibone Bengoetxea, ha sido la encargada de abrir la presentación. En su intervención ha destacado «la importancia de la colaboración institucional y las apuestas firmes por el patrimonio cultural vasco y el cine vasco». «El euskera y la cultura vasca necesitan el impulso de todos y todas, necesita apuestas sólidas. Porque el euskera y el cine vasco forman parte y son reflejo de nuestra identidad colectiva. Proyectos como el de hoy dan futuro a nuestro pasado, dan futuro al patrimonio cultural cinematográfico vasco».
En palabras de Joxean Fernández, “este proyecto de estrecha colaboración interinstitucional, que marca el camino para el futuro, supone cuatro nuevos trabajos de restauración al más alto nivel para traer a la era digital el patrimonio cinematográfico vasco”. “Es también un reconocimiento a algunos de nuestros cineastas pioneros en el ámbito del euskera, una puesta en valor de nuestra literatura como fuente de inspiración del cine vasco y, finalmente, un nuevo intento de internacionalizar nuestros clásicos cinematográficos”, ha subrayado el director de la Filmoteca Vasca.
Por su parte, Vanesa Fernandez ha señalado que esta colaboración “reafirma nuestro compromiso con la difusión del patrimonio cinematográfico vasco y la transmisión del euskera como pilares de nuestra identidad cultural”. Además de participar en la restauración, EITB recogerá el proceso de rehabilitación de las películas en el documental Itzalak Argitzen (Berde Produkzioak y Koldo Almandoz): “Casi 40 años después de su estreno, los cuatro directores viajarán a Bolonia para ser testigos directos del trabajo que se está llevando a cabo en los laboratorios italianos. Asimismo, el documental recorrerá con ellos los espacios reales y ficticios en los que transcurrieron las historias y documentará también el proceso de restauración de la mano de responsables de la Filmoteca”.
Por último, Jose Luis Rebordinos ha asegurado que la situación actual del cine en euskera es “bien distinta a la de hace 40 años y hoy las películas rodadas en nuestro idioma son cada vez más habituales y numerosas en festivales como el de San Sebastián, donde compiten con producciones de todo el mundo”. Por eso, ha añadido, el Festival ha querido “honrar la labor de aquella iniciativa pionera y programar estos cuatro títulos en la sección Klasikoak”.
Los directores de las películas, que viajarán a Bolonia la primera semana de julio para supervisar el trabajo de restauración, se han mostrado ilusionados. A juicio de Alfonso Ungría, “la recuperación” es la “gran labor” de las filmotecas, que son “la casa madre donde el público puede encontrar cualquier película”.
Por su parte, Anjel Lertxundi ha recordado que en aquella época se dieron “grandes pasos” en la literatura, la música y el teatro. “En un momento dado, conseguimos también traer el cine a los ojos del euskera”, dijo.
Asimismo, Xabier Elorriaga ha recalcado que la restauración de Zergatik panpox supone para él “regresar a un proyecto” al que llegó con “casi ninguna formación como guionista o realizador. Y las consecuencias de esto, unas espléndidas, otras regulares y algunas no deseadas son las que seguro me estarán esperando en Bolonia”. “Disfrutaré viendo a los intérpretes, oyendo los textos de Urretabizkaia y la música de Pascal Gaigne y Amaia Zubiria, con las localizaciones, el paisaje y la fotografía de Hans Burmann”, añadió.
Por último, José Julián Bakedano ha explicado que Oraingoz izen gabe fue “el esfuerzo de un equipo euskaldun para rodar una ficción en euskera con sonido directo y un equipo técnico británico, y el resultado fue un éxito”
Los cuatro mediometrajes y su restauración
Hamaseigarrenean aidanez, Ehun metro y Zergatik panpox están respectivamente basadas en novelas homónimas de Anjel Lertxundi, Ramón Saizarbitoria y Arantxa Urretabizkaia, y fueron producidas por Irati Filmak con un presupuesto de 100 millones de pesetas aportados íntegramente por el departamento de Cultura del Gobierno Vasco. En lo referido al mediometraje dirigido y producido por Bakedano, el guion de Oraingoz izen gabe fue escrito por Bernardo Atxaga, quien se inspiró en un cuento de Jorge Luis Borges. El filme se estrenó en la sección Zabaltegi del Festival de San Sebastián de 1987.
La restauración de las cuatro cintas ha partido de los negativos originales en 35 mm conservados en la Filmoteca Española y la Filmoteca Vasca. El material fotoquímico se limpiará y se preparará mecánicamente para su digitalización. En una segunda fase se eliminarán las imperfecciones derivadas del paso del tiempo, siempre con el objetivo de conservar la autenticidad del archivo original. Después se corregirá el color y el sonido. Los trabajos finalizarán en agosto y han contado con la supervisión del personal técnico de la Filmoteca y el auspicio del Gobierno Vasco.
Intérpretes: Patxi Bisquert, Carlos Zabala, Klara Badiola, Aritz Sarria, Paco Sagarzazu, Joseba Apaolaza, Ramón Aguirre, Enrique Salaberria, Ramón Barea, Santiago Burutxaga, Ramón Balenciaga, Luis A. García, José María Txukarro, Gabriel Begiristáin
Son las ocho de la mañana en un verano de los primeros años setenta. Ion, un militante de ETA, corre desesperadamente por la parte vieja de San Sebastián perseguido por la policía. La ciudad se está despertando y vive su rutina con normalidad. Mientras Ion huye recorre también la historia de su vida. Los recuerdos de la escuela, donde le exigen que renuncie a su identidad, se alternan con la mirada de su padre y con la figura de Madeleine.
Intérpretes: Felipe Barandiaran, Kontxu Odriozola, Mikel Garmendia, Esther Remiro, Pilar Lerma, Xabier Auzmendi, Kontxa Carmona, José L. Castañares, Federico Santalla, Ana Miranda, Mikel Aizpurua, Lourdes González
Domingo vive para las apuestas. Es corredor en regatas de traineras, frontones y plazas donde se celebran diferentes pruebas. Pero es también una obsesión que le impulsa a tomar muchos riesgos, siempre en colaboración con Kornelio, un personaje cobarde y cínico. La soledad de su mujer, Marcelina, sirve de contrapunto en una historia en la que la tragedia puede estallar en cualquier momento.
Intérpretes: Arantza Rentería, Juan María Segues, Igor Mendoza, Aizpea Goenaga, Elena Irureta, Idoia Arrizabalaga, Arantxa Urretavizcaya, Zuriñe Uriarte
La película, basada en la novela homónima de Arantxa Urretabizkaia, narra la vida de una mujer de treinta años casada y con un hijo. La protagonista reflexiona sobre los motivos que pudieron empujar a su marido, Txema, a dejarla sola con su hijo. A través de monólogos internos se exploran temas como la maternidad, la soledad y la rutina diaria en la sociedad vasca de finales de los años 70.
Intérpretes: Iro Landaluze, Félix Arkarazo, Elene Lizarralde, Luis Iriondo, Eskarne Aroma, Eguzki
Manuel relata su tranquila vida con su hermano Ramón hasta la llegada de una prostituta que altera su convivencia. La presencia de Esther desencadena tensiones y conflictos entre los hermanos hasta llegar a un desenlace trágico. La película explora las relaciones familiares y las emociones reprimidas en un entorno rural.
Un retrato cinematográfico sobre uno de los compositores más importantes del siglo XX y su icónica obra.
El próximo viernes 13 de junio, Filmin estrena “Boléro”, una delicada propuesta musical que recrea la gestación de una de las obras más emblemáticas del siglo XX y la vida de su compositor, Maurice Ravel. Se trata de un drama que, según la directora Anne Fontaine (“Coco avant Chanel”), no llega a ser biográfico, sino que es una forma de soñar a través de la música. El compositor cobra vida a través de la interpretación de Raphaël Personnaz, conocido por títulos como “Una nueva amiga” y “Crónicas diplomáticas”.
En el París vibrante y contradictorio de los años veinte, Maurice Ravel, uno de los compositores más influyentes del siglo XX, se enfrenta a una inesperada propuesta: Ida Rubinstein, una coreógrafa audaz y seductora, le encarga la música para su próximo ballet. Desconcertado y sin una idea clara, Ravel se adentra en un viaje íntimo a través de sus recuerdos y de las mujeres que marcaron su vida, en busca de una inspiración que parece esquiva. Es en esa lucha interna, marcada por sus inseguridades, es donde comienza a tomar forma su creación más célebre: el Boléro.
Anne Fontaine y el ritmo implacable de Ravel
Al igual que la icónica música que le da nombre, “Boléro” se desarrolla como un crescendo gradual. Anne Fontaine estructura la película de modo que cada secuencia se construye sobre la tensión de la anterior, reflejando la repetición hipnótica de la célebre composición: “El ritmo pegadizo y la música no te sueltan; te sacuden, te dejan sin aliento. Es una experiencia muy física, donde la razón desaparece por completo. En este caso, la música no es bella; es brutal. Y la película se construye sobre esa misma crueldad”, comenta la directora.
Verdadero maestro de la orquestación, Ravel fue capaz de combinar tradición y modernidad, integrando influencias del jazz, la música española y popular, y experimentando con nuevas formas y armonías, lo que le permitió desarrollar un lenguaje musical propio: “Creo que tiene que ver con el hecho de que mi padre, músico, me dio formación musical y yo tocaba muchos instrumentos desde pequeña. Un día, mientras estaba en la playa, se me ocurrió la idea de hacer una película sobre él”, recuerda Fontaine.
La magnífica interpretación de Raphaël Personnaz demuestra que la mejor manera de acercarse al compositor es a través de su música: “Así que estudié piano durante un año y aprendí a dirigir una orquesta”, explica el actor. En la película, además del Boléro, se pueden descubrir otras obras magistrales de Ravel interpretadas por el virtuoso pianista Alexandre Tharaud, como Pavane pour une infante défunte, La Valse, Concierto para piano en sol mayor, o Ma Mère l’Oye.
5 curiosidades del Boléro de Ravel
· El Boléro fue compuesto en 1928 por encargo de la bailarina rusa Ida Rubinstein, quien deseaba una pieza original para su compañía de ballet.
· Ravel demostró su virtuosismo como orquestador al construir una obra monumental a partir de un único tema melódico y un ritmo invariable. La magia del Boléro reside en la variación progresiva de timbres y en el crescendo implacable que sostiene el interés durante toda la pieza.
· Algunos estudiosos han planteado que la estructura repetitiva y casi obsesiva del Boléro podría reflejar los primeros síntomas de los trastornos neurológicos que Ravel padeció en sus últimos años.
· Originalmente, Ravel planeaba orquestar obras de Isaac Albéniz, pero problemas con los derechos de autor lo llevaron a componer una pieza completamente nueva, inspirada en ritmos y colores de la música española.
· Más allá del mundo de la música clásica, el Boléro ha trascendido su contexto original para convertirse en un fenómeno cultural. Ha sido reinterpretado en el cine, la danza y múltiples expresiones artísticas a lo largo del siglo XXI
Pasiva y bien dotada (Dana Montana, 1996). España. DCP. 35mm. 35´
Las colocadas (Dana Montana, 1996). España. DCP. Color. 33´
La tercera puerta (Álvaro Forqué, 1976). Int: Yolanda Farr, José María Montez, Alfredo Amestoy. España. 35mm. Color. 102´
Pocas veces en «Sala:B» ha sido tan literal lo de “cine underground”: rodado en vídeo doméstico, con personajes de la noche madrileña, en casas prestadas y bares de ambiente. Descubre la sesión más queer del año.
Daniel Gómez, alias Dana Montana, realizó en la segunda mitad de los 90 una filmografía tan desconocida como reveladora, con una combinación única de transgresión y ternura. Entre sus obras destacan dos mediometrajes: Pasiva y bien dotada y Las colocadas, piezas de culto del cine marginal español, que se anticiparon sin quererlo al fenómeno drag y al (escaso) panorama queer del audiovisual español. Pasiva y bien dotada surgió como sátira del cine X y S con un guion escrito del tirón y una escena homenaje a Divine. Su inesperado éxito mediático llevó a preparar una secuela que no llegó a rodarse. En su lugar nacería Las colocadas, interpretada por mujeres “muy maricas” del cabaret alternativo: Mariola Fuentes, Lina Mira y Antonia San Juan. Un trío de lujo que, poco después, daría el salto al cine de Almodóvar. Daniel Gómez dedica esta proyección “a Java, todo un personaje con un sentido del humor fuera de serie y principal motor y artífice de estos mediometrajes. Besos al cielo y forever, Java.»
Completamos la sesión con La tercera puerta, insólito documental con recreaciones que mezcla la memoria oral de José María Montez, exboy de los años treinta, con los ensayos de un espectáculo en el club Topless de Madrid. Presentada por el mítico Alfredo Amestoy, causó revuelo en su estreno en Barcelona cuando varios espectadores detuvieron la proyección entre gritos. La policía tuvo que intervenir. El director Álvaro Forqué, con solo 23 años, firmaba así una de las primeras películas españolas que abordaban la homosexualidad sin moralina ni censura, y lo hacía desde la verdad y la memoria. Una rareza pionera que merece ser recuperada.
Presentan la sesión el director Daniel Gómez y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10´ (Total sesión: 180´).
El próximo viernes 6 de junio llega a Filmin “Bodegón con fantasmas”, el debut en el largometraje del director Enrique Buleo. La película ha recorrido con éxito festivales como Sitges, Varsovia y Gijón, donde ha sido destacada por su originalidad y sensibilidad. Esta propuesta fresca y profundamente humana combina comedia negra, costumbrismo rural y elementos paranormales en el corazón de Castilla-La Mancha.
Crucifijos, mesas camilla con braseros, patios típicos manchegos y fantasmas vestidos con sábanas blancas. En un pequeño pueblo castellano conviven los vivos con los muertos sin demasiados aspavientos. Dividida en cinco historias independientes pero conectadas, la película retrata con humor y delicadeza las vidas (y muertes) de personajes enfrentados a la soledad, la fe o el amor: una mujer harta de su marido, un cura visitado por fantasmas, o vecinos que encuentran consuelo en lo sobrenatural.
La muerte como vecina
“Bodegón con fantasmas” es una obra singular que conjuga con elegancia lo insólito y lo cotidiano en el marco de un pueblo castellano donde la muerte ha dejado de ser un tabú. Enrique Buleo retrata con ironía, cariño y un punto de delirio las rutinas, frustraciones y anhelos de personajes atrapados entre el pasado y la costumbre. El escenario rural no es solo fondo, sino motor emocional: señoras mayores, rituales olvidados y silencios largos conviven con presencias espectrales que parecen más humanas que los vivos. Y la muerte, así, se convierte en una vecina más del pueblo.
Surrealismo al servicio de una comedia negra que emociona
Inspirada en la tradición del esperpento español y en el estilo visual y narrativo de cineastas como Roy Andersson y Aki Kaurismäki, «Bodegón con fantasmas» se vale de ese surrealismo y costumbrismo para abordar temas como la muerte y la soledad. La película funciona como una olla en la que se mezclan los ingredientes más reconocibles del paisaje rural español con una fantasía absurda que no ridiculiza, sino que humaniza. Lo que podría haber sido una comedia grotesca se convierte, gracias al cariño y la sensibilidad del autor, en una obra que deja el corazón muy calentito, haciendo reír mientras lanza un pequeño pellizco en el pecho.
Dirigida por Fernando Colomo, y protagonizada por Miguel Bosé, Harvey Keitel y Klaus Kinski, El caballero del dragón combinó el cine de extraterrestres con las novelas caballerescas y un humor próximo a los Monty Phyton.
Llega a FlixOléuna de las películas más ambiciosas e inclasificables del cine español de los 80’s: El caballero del dragón (1985). El estreno en la plataforma, el próximo viernes 30 de mayo, coincide con los 40 años de la proyección en salas de esta superproducción con estrellas internacionales que intentó hacer historia en el género de ciencia ficción y fantasía con una trama de naves espaciales en la Europa medieval. Sin embargo, el destino le depararía la etiqueta de película maldita al no poder recuperar en taquilla su astronómico presupuesto.
En la dirección y guion se encontraba Fernando Colomo, quien dos años antes había rodado en New York, La línea del cielo (1983). Dispuesto a cambiar de registro y abrir el cine español al mercado extranjero, el que fuera uno de los creadores de la comedia madrileña se encontró dando órdenes al cantante Miguel Bosé y a los actores Harvey Keitel y Klaus Kinski en una versión sideralmente libre de la leyenda sobre Sant Jordi y el dragón.
El relato transcurre en la Edad Media. En una de sus habituales escapadas, la hija del conde de Ruk, Alba (María Lemor), es abducida por un platillo volante, al cual confunden los lugareños con un dragón. El padre ofrece una recompensa a quien la rescate y dé muerte al monstruo, ofreciéndose para ello el jefe de la guardia, Clever (Harvey Keitel), quien a su vez conspira con Fray Lupo (Fernando Rey) para hacerse con el reino. La joven reaparece, enamorada del extraterrestre que la secuestró (Miguel Bosé). El consejero alquimista del conde (Klaus Kinski) intentará ayudar a que el amor entre Alba y el marciano triunfe frente a las tretas de Clever y el sacerdote.
La película más cara del cine español
Colomo pretendía emular en El corazón del dragón los éxitos hollywoodienses fusionando los filmes de ovniscon el cine caballeresco, introduciendo guiños quijotescos y toques de humor a lo Monty Phyton. La película tuvo que superar innumerables obstáculos: las dificultades de rodar en el inaccesible castillo de Olot, los retrasos por las lluvias, un extra que casi se ahoga y los continuos problemas con Kinski. Según el director, el intérprete alemán vinculado a Werner Herzog quiso boicotear la película desde el primer momento.
A los problemas del rodaje se sumaron los contratiempos con las fechas de estreno y los conflictos con las distribuidoras estadounidenses. Aunque fue una de las cintas más vistas el año de su proyección, la taquilla no fue suficiente para afrontar el coste de la que fue hasta la fecha la película más cara del cine español (más de 300 millones de pesetas de presupuesto). La aventura casi arruinó a Colomo, quien se pudo recuperar con su siguiente proyecto: La vida alegre (1987).
Adelantado a su época, con una fotografía a cargo del laureado José Luis Alcaine y unos efectos especiales insólitos en la industria audiovisual nacional de la época, el tono del largometraje no se entendió y el filme no acabó de funcionar. Convertida en una película maldita, tanto por su ambiciosa producción como por la intrahistoria que la envuelve, El caballero del dragón marcó un estilo que sería explotado después con gran éxito en títulos como Dentro del laberinto (1986) o La princesa prometida (1987). El filme de Colomo llegará a FlixOlé en una versión restaurada en sus laboratorios, facilitando el visionado de la misma en una calidad de imagen y sonido inmejorables.
Ciencia ficción a la española
Además del estreno de El caballero del dragón, la plataforma también incorporará otros dos títulos del género de ciencia ficción a su catálogo: Misterio en la isla de los monstruos(Juan Piquer Simón, 1981) y Fuera del cuerpo (Vicente Peñarrocha, 2004). En la primera, el pionero director del cine fantástico en el cine español adaptó la aventura escrita por Julio Verne con un elenco en el que comparten encuadre Terence Stamp y Peter Cushing con Ana Obregón. Por lo que respecta a Fuera del cuerpo, Peñarrocha introduce al espectador en un caleidoscopio narrativo con numerosas trampas de personajes y escenarios.
Dichas películas se incluirán el próximo viernes, 30 de mayo, en una colección con la que la plataforma recorre las otras realidades que el cine español imaginó y con las que alimentó el género de la ciencia ficción en la gran pantalla del país. El especial abarca desde hibridaciones castizas, como La torre de los siete jorobados (Edgar Neville, 1944); rarezas hipnóticas como Fata Morgana (Vicente Aranda, 1965); viajes ‘espaciales’ caseros como El astronauta (Javier Aguirre, 1970); relatos extraídos de la literatura pulp, como La isla misteriosa y La grieta (Juan Piquer Simón, 1973 y 1989, respectivamente); reivindicados Platillos volantes (Óscar Aibar, 2003) y monumentos al disparate como El milagro de P. Tinto (Javier Fesser, 1998). Así hasta alcanzar casi la treintena de filmes distópicos del séptimo arte español.
En un mes dedicado a la música, el ciclo ‘Cine y videoclip: un cruce de lenguajes’ explora la influencia del videoclip en el cine contemporáneo
Los ciclos ‘Vanguardia musical’ y ‘Punto y Raya, visual music’, completan la propuesta de Cineteca Madrid con motivo de la celebración del Día Europeo de la Música en Matadero Madrid (DEMM25)
También el equipo de CineZeta convierte el sonido en protagonista en su ciclo ‘Total Sound Machine’
Una selección de filmes celebra los 30 años de la trilogía de Richard Linklater Antes del amanecer
Un foco sobre el director francés Bertrand Bonello incluye tres proyecciones y una masterclass
El homenaje al 80º aniversario de Fassbinder continúa con un segundo episodio que explora su legado a través de películas que escribió, inspiró o en las que participó
Grandes clásicos familiares para la matinal de los domingos y los últimos estrenos completan una programación en la que no faltarán las secciones habituales
Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento, dedica el mes de junio a los cruces entre imagen y música, coincidiendo con la celebración del Día Europeo de la Música en Matadero Madrid (DEMM25). Una programación que pone el foco en el videoclip como forma artística (visual music), la música como herramienta narrativa y la escucha como forma de presencia. Completan la programación un homenaje a Fassbinder, una selección de películas de los directores Richard Linklater y Bertrand Bonello, y la proyección de filmes que celebran la diversidad con motivo del mes del Orgullo.
‘Cine y videoclip: un cruce de lenguajes’
Desde su aparición en los años ochenta con la explosión de MTV y el icónico lema ‘Video killed the radio star’, el videoclip ha transformado radicalmente nuestra manera de entender la música, mirar imágenes y narrar emociones. Contra el escepticismo de la crítica tradicional, el videoclip se consolidó como un formato de experimentación estética y emocional, mezclando lenguajes del cine, la publicidad, la moda y el arte contemporáneo. Su influencia, lejos de limitarse a lo musical, ha sido decisiva para una generación de cineastas que hallaron en su dinámica visual inspiración para innovar en el montaje, la narrativa y la composición.
El ciclo ‘Cine y videoclip: un cruce de lenguajes’, ideado y presentado por Felipe Rodríguez Torres, propone una inmersión profunda en esta revolución audiovisual a través de una selección de películas que encarnan ese cruce de formas. Títulos como Purple Rain (EE.UU., 1984), de Albert Magnoli; Calles de fuego (EE.UU., 1984), de Walter Hill, o Romeo + Juliet (EE.UU.-México-Australia-Canadá, 1996), de Baz Luhrmann, revelan cómo el videoclip ha infundido al cine una nueva energía narrativa, emocional y estética. A ellos se suma ¡Olvídate de mí! (EE.UU., 2004), de Michel Gondry, pionero de la transición del videoclip al cine de autor. Además, dos seminarios teóricos complementan las proyecciones para reflexionar sobre los orígenes del videoclip, sus mutaciones y su impacto en el cine contemporáneo.
‘Vanguardia musical’ y visual music
El ciclo ‘Vanguardia musical’ y el programa ‘Punto y Raya, visual music’ recogen obras que exploran el ritmo, la melodía y la armonía en lo visual; filmes de animación abstracta, experimentación sonora y exploraciones poéticas. Títulos como Sinestesias, Evanescencias o Ritmos algebraicos convierten la pantalla en partitura.
CineZeta: Total Sound Machine
En este ciclo el sonido toma el centro de la experiencia cinematográfica. Desde el clásico de Sistiaga …ere erera baleibu izik subua aruaren… (España, 1970) hasta las piezas más radicales de Nam June Paik o William Basinski, las sesiones proponen un viaje del trance a la contemplación, de la psicodelia al silencio. Son imágenes que suenan y sonidos que se ven.
30 años de Antes del amanecer
En 1995, Richard Linklater estrenó Antes del amanecer, una película que, con una premisa sencilla —dos jóvenes se conocen en un tren y pasan una noche juntos caminando por Viena—, consiguió marcar a toda una generación de espectadores. La intimidad de los diálogos, la honestidad emocional y la atención minuciosa a los gestos cotidianos convirtieron esta historia en un hito del cine romántico contemporáneo. Pero Antes del amanecer no fue solo una historia de amor: fue una reflexión lúcida sobre el tiempo, el azar y la conexión humana.
Para celebrar el 30º aniversario de este clásico, Cineteca Madrid proyecta la trilogía completa, que se prolonga a lo largo de 18 años: Antes del amanecer (EE.UU.-Austria, 1995), Antes del atardecer (EE.UU.-Francia, 2004) y Antes del anochecer (EE.UU.-Grecia, 2013). Cada entrega acompaña a Jesse y Céline en una etapa distinta de sus vidas, revelando cómo el paso del tiempo transforma las relaciones, los deseos y las certezas. La evolución de los personajes y del propio lenguaje cinematográfico de Linklater convierte esta trilogía en un experimento narrativo sin precedentes, donde el cine actúa como un espejo emocional del crecimiento personal.
Cinema Pride 2025
En el marco de las celebraciones del Orgullo 2025, Cineteca Madrid vuelve a ser punto de encuentro para las narrativas LGTBIQ+ con una nueva edición de Cinema Pride, un ciclo organizado junto a Fundación Triángulo y LesGaiCineMad. Esta cita anual, ya consolidada en la programación cultural de la ciudad, celebra la diversidad y la visibilidad desde el cine como espacio de representación, memoria y transformación. Las películas seleccionadas, que van desde los grandes estrenos recientes hasta cortometrajes de autor o clásicos contemporáneos, construyen un retrato plural de las identidades y afectividades queer, apostando por miradas comprometidas, libres y necesarias.
La edición de este año propone una travesía por historias de amor no normativas, luchas cotidianas, comunidades resilientes y expresiones artísticas que desbordan las etiquetas. Títulos como National Anthem (Luke Gilford, EE.UU., 2023) o The Wedding Banquet (Andrew Ahn, EE.UU., 2025) coexisten con propuestas como los cortos palestinos, que acercan la experiencia queer en territorios en conflicto. Además, en la misma semana Cineteca Madrid presenta el programa doble Esta ciudad es mágica / Solo cuando tú eres mágica, una selección del archivo Hamaca que recorre las disidencias sexuales desde el cuerpo, el deseo y la creación digital.
El mito y el deseo en Bertrand Bonello
Filmadrid y ECAM Forum presentan un foco sobre Bertrand Bonello, figura clave del cine francés contemporáneo. Con tres de sus películas más significativas, Tiresia (Francia, 2003), Casa de tolerancia (Francia, 2011) y Zombi Child (Francia, 2019), y una masterclass el 12 de junio, el programa invita a explorar los pilares de su cine: el mito, la historia y el deseo como detonantes del presente.
Fassbinder y compañía (episodio 2)
El homenaje al 80º aniversario de Fassbinder continúa con un segundo episodio que explora su legado a través de películas que escribió, inspiró o en las que participó. Desde La ternura de los lobos (Ulli Lommel, Alemania, 1973) hasta Mysterious Skin (Gregg Araki, EE.UU.-Países Bajos, 2004), pasando por La ley del deseo (Pedro Almodóvar, España, 1987) o Happy Together (Wong Kar-wai, Hong Kong, 1997), el ciclo muestra la proyección de su estilo en cinematografías diversas.
Sesiones matinales en familia, estrenos y secciones habituales
Las mañanas de domingo están dedicadas a toda la familia con clásicos como Shrek (Andrew Adamson, Vicky Jenson, EE.UU., 2001), Los Cazafantasmas (Ivan Reitman, EE.UU., 1984), Top Gun (Tony Scott, EE.UU., 1986) y Donde viven los monstruos (Spike Jonze, EE.UU., 2009), películas que conectan generaciones y emociones.
En junio llegan también a Cineteca Madrid nuevos estrenos que abarcan la experimentación sonora, el thriller, la memoria o la intimidad: Rider (España, 2024), de Ignacio Estaregui; SinÉl (España, 2024), de Emilio Martínez-Borso; Canciones de verano (España-Japón, 2024), de Jorge Suárez-Quiñones (ganadora del Premio Fugas de Documenta Madrid en 2024); Gloria Fuertes (España, 2024), de Francisco Rodríguez, y Cenizas y diamantes, la película de Don Cornelio y La Zona (Ricky Piterbarg, Argentina, 2024).
Además, durante el mes de junio se celebrará ECAM Forum en las instalaciones de Matadero Madrid, el foro de coproducción que busca convertirse en una plataforma esencial para el impulso del sector audiovisual español. En este marco destaca el ciclo de charlas titulado El estado de las cosas, que propone una revisión no nostálgica de la crianza, la vida, la cultura y el entretenimiento. También Cineteca Madrid acogerá sesiones de Filmadrid, XI Festival Internacional de Cine, el pase especial de Sanatorium Under the Sign of the Hourglass (Stephen Quay, Timothy Quay, Reino Unido, 2024), película que se pudo ver en la pasada edición de Animario, y una sesión de cortometrajes de cine peruano. No faltarán a su cita las sesiones de los ciclos ‘Confesionario’, ‘Así son las cosas’, ‘Relatos del ruido’, ‘Docma’ o Foro CIMA.
El viernes 23 de mayo llega a Filmin el debut visceral de Zarrar Kahn, que retrata, entre lo sobrenatural y lo cotidiano, la opresión estructural que viven las mujeres en Pakistán.
El próximo viernes, 23 de mayo, Filmin estrena “En llamas”, el primer largometraje del cineasta paquistaní-canadiense Zarrar Kahn. Aclamada en festivales como Cannes(Quincena de Realizadores), Toronto o Sitges, y seleccionada como la candidata de Pakistán a los Premios Óscar 2023, la película se erige como uno de los títulos más potentes del cine independiente reciente, un debut audaz que conjuga terror psicológico y realismo social.
“En llamas” narra la historia de Mariam y Fariha, una madre y una hija cuya ya frágil estabilidad se derrumba tras la muerte del patriarca familiar. Atrapadas en un entorno cada vez más hostil y opresivo, madre e hija deben enfrentarse a fuerzas amenazantes que se manifiestan tanto en lo sobrenatural como en lo estructural, en una sociedad donde el miedo se convierte en parte de la vida cotidiana. La película despliega así una crítica feroz al patriarcado, que se enciende desde las primeras escenas como una brasa latente y termina ardiendo con furia devastadora.
Kahn, nacido en Karachi en 1991 y criado en Canadá, regresó de adulto a su país natal, Pakistán. Un reencuentro quelo confrontó con la dura realidad de las mujeres que le rodeaban: “Cuando volví, vi cómo la vida de las mujeres de mi círculo inmediato cambiaba drásticamente, mientras la mía seguía igual”, afirma. Ese contraste marcó el origen de esta historia, que se nutre de las experiencias reales de las actrices —unas brillantes Ramesha Nawal y Bakhtawar Mazhar—, familiares y mujeres cercanas al director.
Valerse del género de terror
Kahn, que ya había abordado temas de pérdida y trauma en su premiado cortometraje «Dia» (2018), encuentra en el terror un lenguaje cinematográfico ideal para eludir la censura en Pakistán y hablar desde lo simbólico: «El género siempre se deja de lado y se infravalora. Pero eso lo convierte en un caballo de Troya: nos permite hablar de lo que realmente importa«, explica.
“En llamas” construye una atmósfera de amenaza constante y desprotección institucional, pero más allá del miedo, la película también muestra la resistencia silenciosa y poderosa de sus protagonistas. Como señala su director, el film es incendiario no solo por lo que denuncia, sino por cómo sugiere que, pese a todo, “las mujeres contienen una fuerza que, como una ola, nunca será sofocada”.
«En llamas» en cinco datos
La película contiene escenas y aborda temas que han generado debate y controversia en contextos conservadores, pero Kahn se mantuvo firme en su visión de mostrar la realidad sin suavizar el impacto de la opresión de género.
Muchas escenas se grabaron en complejos de apartamentos de clase media en Karachi, espacios raramente mostrados en el cine pakistaní, que suele centrarse en entornos de clases muy altas o muy bajas. El director quiso reflejar la “belleza polvorienta y dura” de la ciudad y mostrar una Karachi cotidiana y realista, alejada de los estereotipos visuales habituales.
Ramesha Nawal, que interpreta a Mariam, es una reconocida actriz de teatro en Pakistán y «En llamas» marca su primer papel protagonista en el cine. Bakhtawar Mazhar, quien da vida a Fariha, ya había trabajado con Kahn en su corto «Dia».
La película fue rodada en solo 25 días y contó con un presupuesto muy ajustado, apoyándose en fondos del Canada Council for the Arts y Telefilm Canada. La búsqueda de financiación se completó tras mostrar un clip de 10 minutos en el Marché du Film de Cannes.
Zarrar Kahn ha citado como influencias a cineastas como Julia Ducournau, Mati Diop y Jordan Peele, por su capacidad para desafiar las convenciones del género y explorar temas sociales a través del terror y el realismo mágico.
En un acto en el Festival de Cannes, el certamen da el pistoletazo de salida a su 58ª edición, que contará con invitados especiales como Joe Dante, director de Gremlins, y buena parte del equipo del icónico film Re-Animator. También rendirá homenaje a la trayectoria de Sean S. Cunningham, director de Viernes 13.
Hoy, el Fantastic Pavilion del Marché du Film del Festival de Cannes ha acogido el pistoletazo de salida oficial de la 58ª edición de SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
Ángel Sala, director artístico del Festival, y Mònica Garcia i Massagué, directora de la Fundación Sitges, han presentado, ante medios de comunicación, profesionales del sector audiovisual y representantes institucionales, el cartel oficial de esta edición —uno de los momentos más esperados por los seguidores del Festival—, así como un avance de los primeros premiados e invitados de este año.
La presentación ha incluido también una conversación entre Ángel Sala y el cineasta Pablo Berger, como antesala de Fantastic 7, un proyecto liderado por el Festival de Sitges (del cual Berger es el padrino este año), que mañana celebrará su 7ª edición en un acto en la Sala Palais K del Palais des Festivals, con la participación de más de 150 profesionales de la industria.
El horror-comedy, el gran protagonista
La 58ª edición del Festival se celebrará del 9 al 19 de octubre y pondrá el foco en la comedia dentro del cine de terror y ciencia ficción.
La imagen de este año invita al público a jugar, siguiendo el leitmotiv de una edición que quiere reivindicar el placer de reír con las películas de terror, así como el estimulante goce de recordar que el humor puede ser el mejor catalizador de nuestros miedos. Celebraremos una de las combinaciones que mejor ha sabido reinventar, renovar, subvertir y desmontar los motivos recurrentes que, históricamente, han definido el cine fantástico.
Un año más, la identidad surge de la colaboración con la agencia CHINA, parte de LLYC. “El cartel de esta edición parte de la pregunta más directa posible: ¿qué pasa cuando el universo Sitges se cruza con la comedia? Y nos ha salido responderla con dos elementos deliberadamente obvios que conviven en un punto intermedio entre lo inquietante y lo lúdico. Y que dejan una lectura tan abierta como lo es el propio cine nacido de ese cruce de géneros”, dicen desde la agencia, que ha confiado, como ya hizo en la edición de 2023, para su elaboración en el fotógrafo Nacho Alegre.
Reanimando el género 40 años después
Para rendir homenaje al género, el Festival contará con la presencia de uno de sus grandes maestros: Joe Dante. El cineasta estadounidense revolucionó el humor macabro con Gremlins (1984) y Gremlins 2: La nueva generación (1990), producidas por Steven Spielberg, consolidando así el subgénero del horror-comedy; y con películas como Piraña (1978), una parodia salvaje del clásico Tiburón; o Hollywood Boulevard (1976), su ópera prima codirigida con Allan Arkush. Su visión única —que combina terror, ironía y un impecable sentido del ritmo— lo llevó a dirigir muchos otros títulos emblemáticos, entre los que destacan Aullidos (1981), La dimensión desconocida (1983), Exploradores (1985), Vecinos invasores (1989), Matinee (1993) y The Hole (2009).
También visitará Sitges buena parte del equipo de Re-Animator, de Stuart Gordon, una de las películas más emblemáticas y cómicas del cine de terror y ciencia ficción. Nos pondremos nostálgicos y reuniremos al equipo para recordar su premio a Mejor Película del Festival de Sitges, hace ahora 40 años, en 1985, un reconocimiento que consolidó su estatus de obra de culto. Además, proyectaremos una espectacular versión restaurada del filme en 4K, producida especialmente para celebrar su 40 aniversario. Basada en el relato corto de H. P. Lovecraft, la película es una excelente muestra del terror de los años ochenta que, como proclamaba Sam Raimi, concebía los baños de vísceras como una irresistible disolución donde “la risa y el escalofrío” se presentan como dos caras de la misma moneda.
Sean S. Cunningham, padre de Viernes 13, Premio Máquina del Tiempo
El Festival de Sitges reconoce este año la trayectoria de Sean S. Cunningham, creador de la legendaria franquicia de terror Viernes 13, que dio vida al icónico Jason Voorhees y se convirtió en una de las sagas más influyentes del género slasher. Con el estreno de la primera película en 1980, asentó las bases de una nueva corriente de cine de terror adolescente, convirtiendo el miedo en un fenómeno de masas para toda una generación.
Con más de una decena de secuelas, un remake, adaptaciones en cómics y videojuegos, y una comunidad de fans fiel en todo el mundo, podemos afirmar que Cunningham ha influido en cineastas de todo el planeta y ha dejado una huella imborrable en el imaginario popular. A lo largo de su carrera, también ha producido otras películas de terror, entre las que destacan House(1985) y House II: The Second Story(1987), que consolidaron su reputación como productor de referencia en el género.
El director chino culmina su trilogía iniciada con “Deseando amar” y “2046” con esta serie cuyos primeros 15 episodios estarán disponibles en Filmin a partir del 17 de junio. España será el primer país europeo en el que podrá verse la serie después de su exitoso estreno en China.
Filmin estrenará el próximo 17 de junio“Blossoms Shanghai”, la primera serie creada y dirigida por Wong Kar Wai. Auténtico fenómeno social en China, cuya emisión se produjo a finales de 2023, la serie es un verdadero regalo para los fans del director de “Deseando amar” y “2046”, dos de las películas más importantes del cine de autor contemporáneo, junto a las que “Blossoms Shanghai” completa una singular trilogía centrada en el amor, la nostalgia, la soledad y el paso del tiempo. La serie consta de 30 episodios, y los 15 primeros se estrenarán a Filmin en junio, a razón de cinco nuevos episodios cada semana, los martes 17 y 24 de junio, y el 1 de julio.
Una novela de éxito“Blossoms Shanghai” es una adaptación de “Blossoms”, novela escrita por Jin Yucheng y publicada en 2013 en China, que se ha convertido en un referente de la literatura contemporánea del país. Se considera una obra fundamental sobre la vida en Shanghái que abarca desde la década de 1960 hasta principios del siglo XXI, y ha sido la materia prima idónea para que Wong Kar Wai realice su particular homenaje a su ciudad natal en su momento más fascinante de la historia reciente. Es, en palabras del propio director, su «In the Mood for Shanghai».
“Blossoms”, que no ha sido editada en España, ha sido reconocida desde su primera publicación con numerosos premios, entre los que destaca el Premio Mao Dun de Literatura, el galardón literario más prestigioso de China para novelas escritas en chino.
El Gran Gatsby de Shanghai
Ambientada principalmente en el Shanghái de los años 90, “Blossoms Shanghai” narra el ascenso de Ah Bao, un joven de origen humilde que, tras perder la fortuna familiar durante la Revolución Cultural, se reinventa y se convierte en un carismático millonario en la ciudad más vibrante de China. Ah Bao es visto como el “Gatsby” de Shanghái: elegante, ambicioso y siempre en el centro de la vida social y empresarial de la ciudad.
La serie comienza el 19 de diciembre de 1990, cuando abre la Bolsa de Shanghái, marcando el inicio de un boom económico sin precedentes. En este contexto de oportunidades y riesgos, Ah Bao aprovecha el auge para construir su fortuna, enfrentándose a desafíos, traiciones y rivalidades en un entorno donde la riqueza puede surgir y desaparecer de la noche a la mañana.
A lo largo de 30 episodios, la historia sigue a Ah Bao en su camino de autoinvención, mostrando sus relaciones con tres mujeres clave, quienes representan los grandes ideales de su vida: el amor, la aventura, el honor y la inocencia. Estas mujeres y sus historias personales se entrelazan con la de Ah Bao, reflejando las transformaciones de la ciudad y de sus habitantes.
El Gregory Peck de China
El protagonista de “Blossoms Shanghai” es el actor de 42 años Hu Ge, nacido en Shanghái y embajador turístico de la ciudad protagonista de la serie. Visto en películas como la candidata a la Palma de Oro del Festival de Cannes, “El lago del ganso salvaje” (2019), es conocido por su elegancia, versatilidad y profundidad interpretativa, lo que le ha valido el apodo de “el Gregory Peck de China”.
Hu Ge es además de actor, un reconocido cantante en China. Ha lanzado varios álbumes y sencillos a lo largo de su carrera, incluyendo discos como “Start” (2006), “Treasure” (2008) y “Blue Ray” (2013), e interpreta en un vídeo “Steal Your Heart”, el tema principal de la banda sonora de “Blossoms Shanghai”, que originalmente fue un éxito de la estrella pop de Hong Kong, Jacky Cheung.
Hu Ge es acompañado en el reparto por actrices como Ma Yili (“My People, My Country”), Tang Yan (“Chinese Paladin”) y Xin Zhilei (“The Rescue, equipo de rescate”).
Un enorme éxito en China
La serie ha sido un fenómeno en China desde su estreno en diciembre de 2023, consolidándose como uno de los mayores éxitos televisivos recientes del país:
Fue la serie número 1 en China durante 14 de los 15 días que duró su emisión, manteniéndose en la cima de las audiencias hasta su final el 9 de enero de 2024.
Ocupó el primer puesto en Tencent Video (la mayor plataforma de streaming del país) y lideró la audiencia en los cuatro principales canales de televisión de China: CCTV 1, CCTV 8, Dragon TV de Shanghái y Jiangsu TV.
En la red social Douban, equivalente a IMDB en China, la serie alcanzó una puntuación de 8,5 sobre 10, inusualmente alta para una serie china.
En redes sociales, el impacto fue masivo: más de 10.000 millones de visualizaciones de temas relacionados en Weibo y Douyin, 234 tendencias número 1 y más de 7,9 millones de publicaciones sobre la serie solo en Weibo.
La canción principal de la serie, “Steal Your Heart”, de Jacky Cheung, volvió a ponerse de moda y lideró las listas musicales en China durante varias semanas, 30 años después de su lanzamiento.
FlixOlé rinde homenaje a Eugenio Martín en su centenario con el estreno de dos versiones restauradas de sus filmes: Duelo en el Amazonas (1964) y La última señora Anderson (1971). Ambos títulos llegarán a la plataforma el próximo viernes, 9 de mayo, junto a una colección que recorre la obra del conocido como cineasta de todos los géneros.
El 15 de mayo se cumplen 100 años del nacimiento de este inclasificable autor con numerosos pseudónimos —Herbert Martin, Martin Herbert o Gene Martin— que firmó una de las filmografías más variadas del cine español. Así se recoge en el especial programado por FlixOlé, que incluye desde el spaghetti western que fascinó a Quentin Tarantino, El precio de un hombre (1967), hasta la recordada Pánico en el Transiberiano (1972).
Eugenio Martín hizo sus primeros pinitos como ayudante de importantes realizadores extranjeros, entre los que se encontraban Michael Anderson, Terence Young y Nicholas Ray. Ya como director, se sumergió en cosmos cinematográficos tan dispares como el fantaterror, el suspense, el western, la ciencia ficción e, incluso, el musical. A su facilidad de encarar cualquier registro se sumó el abanico de nombres que desfilaron delante de su cámara, y que abarcaba tanto estrellas españolas —Aurora Bautista, Alfredo Landa, José Sacristán, Lola Flores, Ángela Molina, Julio Iglesias, Emma Penella y Rocío Dúrcal— como leyendas del star system europeo y hollywoodiense —Peter Cushing, Carroll Baker, Gina Lollobrigida, James Mason, Judy Geeson, Gillian Hills y Telly Savalas—.
Eugenio Martín fue una de esas voces que predicaron en el desierto y que terminaron por convertirse en autorizadas dentro de un cine de género que él mismo contribuyó a engrandecer, construyendo con un estilo propio todo un imaginario que alimentó la taquilla y sirvió de inspiración a los cineastas que le siguieron —Álex de la Iglesia, Víctor Matellano y el productor Enrique Lavigne, entre otros—. A pesar de la importancia que guarda en la historia del séptimo arte del país, su figura no ha contado con el reconocimiento que se merece; sí en clave internacional, donde se le considera un autor de culto.
Estrenos remasterizados, Duelo en el Amazonas
En una época marcada por la estrechez presupuestaria, los atropellados rodajes y la falta de interés en la producción de este tipo de películas, Eugenio Martín se desenvolvió con soltura en el mercado internacional. Recurrió a la coproducción con otros países para sacar adelante proyectos como Duelo en el Amazonas, codirigido con Franz Eichhorn y protagonizado por el francés Pierre Brice y la actriz británica Gillian Hills. En el largometraje, dos amigos de un piloto desaparecido en la selva brasileña organizan una expedición para encontrarlo. En este peligroso viaje los acompañan tres individuos que intentan hacerse con una escultura de oro.
Serpientes, tribus aborígenes, paisajes arrebatadores, escenas de acción y romance se fusionan en una de las aventuras más entretenidas y emocionantes de los años 60 en la gran pantalla. Filmada con artesanía por Eugenio Martín, esta olvidada película, que en su estreno atrajo a más de un millón de espectadores a las salas, llega en exclusiva a FlixOlé tras haber sido remasterizada en sus laboratorios.
Incorporación La última señora Anderson
Y del cine de aventuras al suspense. La plataforma ampliará su listado de títulos dirigidos por Eugenio Martín con la incorporación a su catálogo de La última señora Anderson. Thriller psicológico con un reparto encabezado también por rostros internacionales, Carroll Baker y Michael Craig, junto a un José Luis López Vázquez que se pasea por Londres con un tupé y bigote de tono oxigenado.
La historia presenta a Arthur Anderson, un adinerado hombre que encuentra el cadáver de su esposa flotando en la piscina. Todo indica que ha sido un accidente. Sin embargo, con ésta ya son cuatro las mujeres que fallecieron en trágicas circunstancias después de contraer matrimonio con Arthur, quien ha cobrado grandes sumas de dinero de la aseguradora tras las defunciones. Mientras un inspector intenta esclarecer los hechos, una misteriosa y bella Julie Spencer aparece en la vida de Arthur.
La última señora Anderson demuestra la sofisticación del director con la puesta en escena, su trabajo con los actores y su habilidad para jugar con los códigos del terror y el suspense en una película con tintes de giallo italiano; no exenta de episodios humorísticos protagonizados por López Vázquez.
Colección Centenario Eugenio Martín
Los dos estrenos se incluirán dentro de la colección que FlixOlé ha programado para homenajear y reivindicar el legado del maestro del cine de género español. Un especial que recorre las diversas facetas e iconografías cinematográficas de Eugenio Martín. Comenzando por Pánico en el Transiberiano, un clásico del fantaterror español protagonizado por Christopher Lee y Peter Cushing donde la vida extraterrestre y los zombis coinciden en un mismo vagón.
Cuesta creer que su obra más celebrada surgiese de la necesidad de amortizar la maqueta de la locomotora que el propio director empleó en su rodaje anterior: El desafío de Pancho Villa (1971), un ejemplo de los spaghetti western que firmó. Experto en las películas de vaqueros, rodó auténticos clásicos, ya disponibles en la plataforma: El hombre de río Malo (1971), con James Mason, Gina Lollobrigida y un Lee Van Cleef convertido en líder de una banda de forajidos; y El precio de un hombre (1967), una de las mejores películas del Oeste, según Quentin Tarantino, que dio a conocer a Tomas Milian por su papel de forajido.
Completan la colección el inquietante thriller Hipnosis(1962), en el que Eugenio Martín hizo gala de su sobresaliente narrativa visual al tiempo que se adentró en los misticismos de la ventriloquía; así como dos musicales producidos para aprovechar el tirón de dos estrellas del momento: Julio Iglesias, en La vida sigue igual (1969); y Rocío Dúrcal, con Las Leandras (1969).
La autora estadounidense trabajó junto a William Wyler, Arthur Penn, William Dieterle y George Roy Hill, entre otros cineastas
La guionista Lillian Hellman, nombre esencial del Hollywood clásico que trabajó junto a cineastas como William Wyler, Arthur Penn, William Dieterle o George Roy Hill, protagonizará la retrospectiva de la 73ª edición del Festival de San Sebastián. Organizado por el Festival y la Filmoteca Vasca, en colaboración con Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación de un libro sobre Hellman escrito por tres autoras y centrado en todas las vertientes de su carrera.
Lillian Hellman (1905-1984) ha sido durante años un absoluto enigma. La dramaturga, novelista y guionista estadounidense vivió épocas convulsas, de la Gran Depresión a la caza de brujas macarthista, tiempos reflejados a lo largo de una obra que, aun resultando misteriosa, también ha sido muy reivindicada, sobre todo en su vertiente cinematográfica. El Festival de San Sebastián se propone celebrar su trabajo con esta retrospectiva que incluye toda su obra para cine, esencial para entender evoluciones estilísticas, temáticas e ideológicas en el Hollywood desde los años 30 hasta los 60.
Con solo enumerar tres de las películas en las que estuvo implicada, ya sea como guionista de textos ajenos o adaptando sus propias piezas teatrales, está todo dicho: The Little Foxes (La loba, 1941), film de William Wyler con guion de Hellman a partir de su propia obra teatral y con Bette Davis como protagonista; The Children’s Hour (La calumnia, 1961), otro trabajo de Wyler que parte de una compleja pieza de la escritora sobre los rumores falsos que atañen a dos profesoras de escuela (Audrey Hepburn y Shirley MacLaine), en el que ella también participó como guionista; y The Chase (La jauría humana, 1966) de Arthur Penn, notable radiografía de la violencia y racismo extendidos en la sociedad del sur estadounidense, que Hellman escribió a partir de la novela de Horton Foote con Marlon Brando, Jane Fonda y Robert Redford en el reparto.
Con William Wyler estableció una buena relación, ya que además de los dos filmes citados, dirigió These Three (Esos tres, 1936), la primera versión de la pieza The Children’s Hour que director y escritora volverían a acometer en La calumnia: es un insospechado, por moderno, estudio de caracteres en el que la calumnia se ceba en dos profesoras a las que una niña acusa de tener relaciones. La loba, como La jauría humana, está ambientada en un sur déspota y esgrime otro espléndido retrato de personajes arribistas. Hellman y Wyler también colaboraron en Dead End (1937), película que combina drama social con cine negro.
Hellman había debutado en el cine como guionista en 1935 con The Dark Angel (El ángel de las tinieblas), de Sidney Franklin, un melodrama romántico apuntalado en los efectos emocionales de la posguerra. Su trayectoria en el cine corrió en paralelo a la teatral y a la escritura de varios libros de memorias donde alternó ficción y realidad. Situada en el centro de varios debates, inventó nuevos conceptos en la dramaturgia estadounidense, tuvo una bien aireada rivalidad con la novelista Mary McCarthy y mantuvo siempre posturas de izquierdas.
En la vertiente ideológica fue crucial su relación con Dashiell Hammett. El autor de novelas fundamentales del género negro como Cosecha roja o El halcón maltés, comprometido con la izquierda y con el Partido Comunista americano, está bien presente en uno de los libros de memorias de Hellman, Pentimento (1973). Fue llevado al cine por Fred Zinnemann en Julia (1977), con Jane Fonda como Hellman, Jason Robards en el papel de Hammett y Vanessa Redgrave como Julia, la amiga de infancia de la escritora con la que retoma su amistad en Viena durante los tiempos inclementes del auge del nazismo. Su tercer libro autobiográfico, Scoundrel Time (Tiempo de canallas, 1976), se centra en el periodo de la caza de brujas y el comité de actividades antiamericanas. La actriz Kathy Bates dirigió en 1999 el telefilme Dash and Lilly, centrado en la relación entre Hammett y Hellman.
Participó, como adaptadora o como adaptada, en películas de Lewis Milestone –The North Star (1943)–, William Dieterle –The Searching Wind (1946)–, Michael Gordon –Another Part of the Forest (1948)– y George Roy Hill – Toys in the Attic (Cariño amargo, 1963)–, y también colaboró, aunque sin acreditar, en una de las películas fundamentales de la izquierda cinematográfica: The Spanish Earth (Tierra de España, 1937), documental de Joris Ivens sobre la Guerra Civil española en cuya escritura participaron igualmente Ernest Hemingway y John Dos Passos.
Un festival de cine clásico
Desde 2024, la retrospectiva del Festival de San Sebastián se enmarca dentro del programa Klasikoak, impulsado por el Festival y la Filmoteca Vasca a modo de festival de cine clásico expandido en el tiempo y en el espacio. Así, Klasikoak agrupa tres ciclos bajo el mismo sello: las películas de la retrospectiva, los títulos de la sección Klasikoak que se proyectan durante el Festival en septiembre y la docena de filmes restaurados que la Filmoteca programará en el ciclo homónimo del último trimestre del año en distintas instituciones culturales de la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y el País Vasco francés.
Klasikoak es heredero de la tradición histórica del Festival de San Sebastián por recuperar la obra de cineastas, épocas, temáticas o lenguajes cinematográficos que activó prácticamente desde sus inicios, con la retrospectiva dedicada a René Clair en 1959, y de la decidida apuesta de la Filmoteca Vasca tanto por la restauración de películas como por su divulgación.
Tú solo (Teo Escamilla, 1984). España. 35mm. Color. 94´
El primer torero porno (Antoni Ribas, 1986). España. 35mm. Color. 91´
En plena feria de San Isidro aprovechamos para organzizar una sesión que torea el cine convencional muy al estilo «Sala:B», irreverente y fascinado, porque, como dice nuestro invitado el escritor Rubén Lardín, “la tauromaquia es una de esas cosas de verdad, una de esas cosas puras que no sirven para nada”.
En El primer torero porno, una activista feminista y un torero catalán independentista ven cómo sus ideales políticos complican su existencia con múltiples contradicciones, hasta el punto de plantearse representar un número porno en un cabaret de Barcelona. Esta comedia tan política como desvergonzada de Antoni Ribas (La ciutat cremada) se rodó a la vez que Matador de Almodóvar, aunque podría estar más conectada con el espíritu punk de las primeras películas del manchego. Lo que interesa a Ribas es sacarle punta a estas situaciones absurdas que generan personajes posiblemente caricaturizados, pero tan reconocibles en la sociedad de entonces como en la actual. Si el humor puede resultar hoy grotesco y de brocha gorda, el trasfondo no parece tan anacrónico y algunos chistes recobran una vigencia que da que pensar. Quizá por eso, en el momento de su estreno, Ribas denunció el veto de TVE a su película, a la que retiraron toda promoción. Nuestro invitado, el escritor Rubén Lardín, la define así: “El primer torero porno entra al trapo de la comedia erótica, la de enredo y situación, el comentario social y hasta la sátira política, y si bien no cuaja una faena memorable, resuelve con admirable vergüenza torera su espectáculo local de variedades.”
Un par de años antes llegaba a las carteleras Tú solo, único largometraje del célebre director de fotografía Teo Escamilla (lo fue de Laciutat cremada de Ribas, entre otras), protagonizado por los jóvenes alumnos de la Escuela de Tauromaquia de Madrid que nos cuentan sus sueños y sus miedos a la hora de enfrentarse al toreo. Es decir, un contexto perfecto para entender el salto desde Los golfos de Carlos Saura (1960) hasta el cine quinqui de los ochenta. Dicen que Escamilla tuvo vocación torera y que fue cámara taurino en TVE, lo que explicaría la verdad que rezuma este semi-documental con futuras figuras como Joselito (José Miguel Arroyo), banderilleros como el Sevillita (Manuel Muñoz), o el inolvidable Cascorrito, que se mezclan con algún actor profesional, el Chino Torero (Gulliver) y música de Vainica Doble. Apunta Lardín que Tú solo es “un documental con fugas, singular ya en su día, y tal vez el eslabón perdido entre el cine taurino folclórico y las Tardes de soledad de Albert Serra.”
Presentan la sesión el escritor Rubén Lardín, autor de Las ocasiones, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10´. (Total sesión: 195´)
Llega a Filmin la última película del iraní Mohammad Rasoulof («La vida de los demás»), Premio Especial del Jurado en Cannes y nominada al Óscar a la Mejor Película Internacional.
Filmin estrena el próximo jueves 8 de mayo «La semilla de la higuera sagrada», una de las películas europeas más relevantes de la temporada tras una brillante temporada de festivales y premios cuya guinda fue la nominación al Óscar a la Mejor Película Internacional. El film vivió su estreno mundial en el Festival de Cannes, donde se llevó tres premios, entre ellos el Premio Especial del Jurado. Además, fue nominado en los Premios del Cine Europeo, en los Bafta y en los César, y obtuvo también la nominación al Globo de Oro a la Mejor Película de Habla no inglesa. La octava película del iraní Mohammad Rasoulof («La vida de los demás»), estrenada en España en enero de 2025 de la mano de BTeam, es, pues, la más relevante y trascendente de toda su filmografía.
«La semilla de la higuera sagrada» se ambienta en Irán durante las multitudinarias manifestaciones en protesta por el asesinato a manos de la policía de una joven kurda. Iman (Missagh Zareh) acaba de ser ascendido como juez de instrucción en el Tribunal de la Guardia Revolucionaria. Pero las mujeres de su familia no son ajenas a la indignación y al clima revolucionario que se vive en las calles. Cuando Iman descubre que su arma reglamentaria ha desaparecido, comienza a sospechar de los suyos. Temeroso de perder su reputación y su empleo, se vuelve cada vez más paranoico, iniciando una investigación dentro de su propio hogar en la que se quebrarán todos los límites.
Cuenta Mohammad Rasoulof que tras el éxito de «La vida de los demás», ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín en 2020, tardó cuatro años en iniciar un nuevo proyecto. Este vino muy marcado por el hecho de que el director fue de nuevo arrestado en verano de 2022. Desde la cárcel de Evin vivió el estallido del llamado «Levantamiento Jina» como consecuencia de la muerte de Jina Mahsa Amini, una joven kurda de 22 años, el 16 de septiembre de 2022, cuando se encontraba en custodia policial tras ser detenida por no llevar correctamente el velo islámico. Las manifestaciones, lideradas principalmente por mujeres jóvenes, se convirtieron en el mayor movimiento de protesta en Irán desde la revolución de 1979.
«Otros prisioneros políticos y yo seguíamos los cambios sociales desde dentro de la prisión. Mientras las protestas avanzaban en una dirección inesperada y de gran alcance, nos asombraba la magnitud de las manifestaciones y la valentía de las mujeres«, recuerda Rasoulof. Con todo, el detonante del guion fue la confesión que recibió de un alto funcionario de la prisión, muy afectado por tener que apoyar la represión contra la voluntad de su pueblo: «Me dijo que quería ahorcarse frente a la entrada de la prisión. Sufría una intensa punzada de conciencia, pero no tenía el valor de liberarse del odio que sentía por su trabajo«.
La película se filmó casi en clandestinidad bajo la inquisidora mirada del régimen iraní. Con un equipo de rodaje especialmente pequeño, intérpretes muy comprometidos con la causa, y mucha valentía, «La semilla de la higuera sagrada» se hizo posible. «Durante el rodaje, a veces el miedo a ser arrestados ensombrecía al grupo, pero al final, su valentía fue la fuerza motriz que nos permitió seguir trabajando«, recuerda Rasoulof, que afirma que a pesar de todas las dificultades, cuando hay voluntad siempre se encuentra el camino: «No puedo explicar cómo sorteamos el sistema de censura gubernamental, pero es posible. El gobierno no puede controlarlo todo. Intimidando y asustando a la gente, intentan inducir la sensación de que lo controlan todo, pero este método es como una granada aturdidora: su sonido puede intimidar, pero no pueden vigilarlo todo«. Actualmente, y desde mayo de 2024, Mohammad Rasoulof vive en el exilio en Hamburgo.
La sección Cuando América se atrevía a soñar reúne cuatro películas que reflexionan sobre la historia reciente de Norteamérica
Todos los filmes invocan al pasado mediante la imagen de archivo, desde el mítico Henry Fonda a la visita de los Beatles a New York, pasando por el gran fotógrafo Ernest Cole y la cantante de blues Caiti Lord
El ciclo se podrá ver del 6 al 9 de mayo en La Casa Encendida, dentro de la programación paralela de Documenta Madrid 2025
Documenta Madrid, el Festival Internacional de Cine Documental del Ayuntamiento de Madrid, y La Casa Encendida colaboran en esta 22ª edición con Cuando América se atrevía a soñar, un ciclo de cuatro películas que se proyectarán durante la semana del festival, del 6 al 9 de mayo. Esta propuesta forma parte del programa Cámaras lúcidas, dedicado a películas que ayudan a pensar el presente desde una mirada crítica, política y poética.
La sección plantea una reflexión sobre cómo las cámaras pueden crear memoria e incluso visiones del mundo. En un momento de saturación visual, se apuesta por películas que piensan: sobre la sociedad actual, sobre la historia y sobre lo que está por venir. Las Cámaras lúcidas acercaban el exterior a las habitaciones de los pintores. Por ello es necesario reivindicar películas que acercan lo remoto a nuestros días, ya sea la historia, ya sean las socializaciones perdidas.
En esta edición se muestra un conjunto de películas que reflejan momentos en que la lucha, el inconformismo en forma de arte y pensamiento, fue un motor que dinamizó la vida cultural y política de Estados Unidos. Este año Cámaras lúcidas recoge cuatro películas recientes que llevarán al público a épocas “en llamas”, en las que Norteamérica se veía envuelta en crisis severas, pero en las que surgían también voces clarividentes y armónicas, convencidas de que era posible cambiar la nación y el mundo.
Los autores de estas películas consagradas a seres creativos, socialmente implicados, son extranjeros reflexionando sobre América. Cuatro miradas foráneas que aportan luz a un territorio en penumbra. Todas ellas invocan el pasado mediante la imagen de archivo, desde el mítico Henry Fonda a la visita de los Beatles a New York, pasando por el gran fotógrafo Ernest Cole y la cantante de blues Caiti Lord.
El programa incluye, del 6 al 9 de mayo respectivamente, los títulos Henry Fonda for President (Alexander Horwath, 2024, Austria), Grand Theft Hamlet (Pinny Grylls, Sam Crane, 2024), Ernest Cole: Lost and Found (Raoul Peck, 2024, Francia) y Caiti Blues (Justine Harbonnier, 2023, Francia/Canadá). Todas las proyecciones irán precedidas de una presentación por parte del equipo de Documenta Madrid.
La Casa Encendida se suma así a las sedes principales de Documenta Madrid 2025 con un programa que reivindica el archivo como campo de creación estética y como vehículo de memoria política. Esta colaboración subraya el compromiso compartido entre ambas instituciones con el cine documental de autor, la experimentación formal y el pensamiento crítico.
Documenta Madrid 2025
El festival, organizado por Cineteca Madrid, vuelve a ser el punto de encuentro del cine contemporáneo documental y de no-ficción. En esta edición se mantienen las tres secciones competitivas —Internacional, Nacional y Corte Final— con 36.000€ en premios, además del premio de distribución gestionado por la Agencia Freak, así como una potente programación paralela con retrospectivas, sesiones especiales, encuentros profesionales y talleres. La sede principal será Cineteca Madrid, que acogerá íntegramente la sección Corte Final.
Además de Cineteca, Documenta Madrid 2025 se extiende a otras sedes clave de la ciudad como el Museo Reina Sofía, Filmoteca Española, La Casa Encendida y Fundación Casa de México. Cuenta con la colaboración de ECAM, Madrid Film Office, Acción Cultural Española (ACE), el Instituto Cultural Rumano, Centro de Estudios Mexicanos UNAM-España, Embajada de Suiza, Fundación Juan March y Ricardo Bofill Taller de Arquitectura, entre otras entidades culturales nacionales e internacionales.
Nace ‘animek2’, nuevo sello de programación de anime durante todo el año en las salas mk2.
El ciclo arranca con sesiones especiales en Madrid y Sevilla, que incluyen desde una retrospectiva dedicada a Satoshi Kon hasta una maratón de “One Piece” con regalos, presentaciones y sorpresas.
También se proyectarán dos de los estrenos de animación japonesa más esperados del momento: “Kaiju nº 8” y “Anzu, gato fantasma”.
Asimismo, el mk2 Cine Paz de Madrid acogerá una nueva proyección de “cine cutre” donde se proyectará la cinta de animación “Robot Taekwon V” (1976), una delirante copia coreana del clásico “Mazinger Z”.
La primavera trae una invasión de anime a las pantallas de mk2 con el nacimiento de ‘animek2‘, un nuevo sello con el que la cadena de cines se compromete a ofrecer durante todo el año una programación continuada de películas de animación japonesa, apostando por grandes títulos, rarezas y estrenos especiales en pantalla grande. El ciclo arrancará el domingo 4 de mayo de manera simultánea en mk2 Palacio de Hielo (C. de Silvano, 77, Madrid) y mk2 Nervión Plaza (C. Luis de Morales, 3, Sevilla), dando paso a un mes repleto de propuestas que van desde una retrospectiva completa dedicada al maestro Satoshi Kon, hasta una maratón de “One Piece” con presentaciones en directo, sorteos de regalos y muchas más sorpresas pensadas para los fans del género.
Durante los fines de semana de mayo, ambos cines desplegarán una cuidada selección de títulos que ofrece un punto de encuentro entre generaciones, desde el espectador veterano hasta quien descubra el anime por primera vez. Cada sesión estará acompañada de presentaciones especiales, sorteos de merchandising y un recorrido por distintas vertientes del género: del cine de autor más introspectivo al espectáculo visual más desatado, sin olvidar joyas poco vistas y estrenos muy esperados.
De hecho, el lanzamiento del sello coincide además con dos importantes estrenos de animación japonesa y que se integran dentro de la programación de ‘animek2‘: por un lado, “Kaiju nº 8: Misión de Reconocimiento”, una espectacular historia de monstruos y transformaciones basada en el manga superventas de Naoya Matsumoto; y por otro, “Anzu, gato fantasma”, una comedia sobrenatural con aroma costumbrista que promete conquistar al público más familiar.
Y para quienes busquen algo completamente fuera de lo común, el ciclo se atreve incluso con una proyección especial de anime coreano, “Robot Taekwon V” (1976), un delirante plagio surcoreano de “Mazinger Z” donde el clásico robot japonés es sustituido por una máquina que, en lugar de lanzar rayos, reparte patadas de taekwondo con entusiasmo nacionalista. Una joya trash animada que se podrá ver en pantalla grande gracias a la colaboración con el festival CUTRECON.
La magia, los sueños y los traumas de Satoshi Kon
Los domingos de mayo estarán dedicados a uno de los nombres más fascinantes e influyentes de la animación japonesa: Satoshi Kon, director y guionista cuya breve pero deslumbrante carrera marcó un antes y un después en el anime moderno. Colaborador del estudio Madhouse y autor de una obra profundamente personal, Kon falleció en 2010 a los 46 años, dejando tras de sí un legado que ha sido reivindicado por cineastas de la talla de Christopher Nolan o Darren Aronofsky, quienes han reconocido abiertamente su influencia.
A las 19:00h de cada domingo, se proyectará una de sus películas más emblemáticas, empezando por “Millenium Actress” (2001), una historia de amor y recuerdos que viaja por los géneros y las épocas del cine japonés, y que en Sevilla contará con la presentación de Viva Er Manga. A continuación llegará “Tokyo Godfathers” (2003), una comedia con espíritu navideño protagonizada por tres vagabundos que encuentran a un bebé abandonado en plena calle, una historia que equilibra el drama y la ternura con una sensibilidad poco habitual en el género.
En el tercer domingo será el turno de “Paprika” (2006), un torbellino psicodélico de ciencia ficción que explora los sueños compartidos y que muchos consideran una fuente de inspiración directa para “Inception” de Christopher Nolan. El ciclo se cerrará con “Perfect Blue” (1997), una joya del thriller psicológico que aborda la fragilidad de la identidad y los peligros de la fama, y que se ha convertido en una referencia ineludible del suspense animado.
“One Piece” a lo grande: maratón, regalos y presentaciones
El sábado 17 de mayo será el turno de “One Piece”, posiblemente el anime más popular del planeta, un auténtico fenómeno de masas nacido de la imaginación de Eiichirō Oda, que lleva más de veinte años conquistando generaciones con su mezcla explosiva de piratas, aventuras, humor y emociones desbordadas.
mk2 ha preparado una maratón especial con dos de las películas más recientes y espectaculares de la franquicia: “One Piece: Estampida” (2019), una aventura coral repleta de acción trepidante en la que decenas de personajes se lanzan a una carrera sin cuartel por hacerse con un tesoro legendario; y “One Piece: Red” (2022), centrada en la misteriosa cantante Uta y su vínculo con Luffy y Shanks, en una historia que combina drama, música y épica con una puesta en escena apabullante que la convirtió en un fenómeno global.
Las sesiones contarán con presentaciones en directo a cargo de expertos locales, con Viva Er Manga en Sevilla y el equipo de Impact Store —Juan Pérez y José Arce— en Madrid. Además, los asistentes podrán participar en sorteos de material exclusivo, pensados para que nadie se vaya a casa con las manos vacías.
“Kaiju nº 8: Misión de Reconocimiento” y “Anzu, gato fantasma”: estrenos del momento
El 9 de mayo se proyecta en exclusiva “Kaiju nº 8: Misión de Reconocimiento”, basada en el manga superventas de Naoya Matsumoto. La historia sigue a Kafka Hibino, un limpiador de cadáveres de monstruos gigantes que acaba convirtiéndose en uno de ellos. Acción, drama y criaturas colosales en una producción espectacular que tendrá sesiones especiales en Sevilla y Madrid, presentadas por Viva Er Manga y Aeterna Nova, respectivamente.
Una semana después, el 16 de mayo, llega a las salas “Anzu, gato fantasma”, una entrañable historia sobre una gata con poderes paranormales que ayuda a los humanos a resolver sus problemas emocionales… Aunque no siempre como ellos esperaban. Humor, ternura y un toque sobrenatural para un público más amplio, ideal para disfrutar en familia o simplemente para reconciliarse con el mundo.
Mazinger con patadas: el delirio coreano de Cinecutre
Y como opción inesperada de este mes de anime, la programación incluirá una joya inclasificable: “Robot Taekwon V” (1976), también conocido como el Mazinger coreano. Se proyectará el viernes 9 de mayo a las 22:30h en el mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral 125) de Madrid, dentro de una colaboración especial con el festival CUTRECON.
Esta película surcoreana es una copia desvergonzada de “Mazinger Z”, nacida del fervor nacionalista de los años 70 y realizada con entusiasmo, prisas y cero presupuesto. ¿El resultado? Un robot gigante que en lugar de lanzar rayos… reparte patadas de taekwondo. Una animación caótica, efectos rudimentarios, combates absurdos y una solemnidad mal entendida hacen de esta cinta un espectáculo hilarante.
PROGRAMACIÓN EN SEVILLA
mk2 Nervión Plaza
Domingo 4 de mayo – 19:00h MILLENIUM ACTRESS – Presentada por Viva Er Manga
Viernes 9 de mayo – 20:00h KAIJU Nº 8 – Presentación y sorteo
Domingo 11 de mayo – 19:00h TOKYO GODFATHERS
Viernes 16 de mayo ANZU, GATO FANTASMA (Estreno)
Sábado 17 de mayo – MARATÓN ONE PIECE 18:00h – ONE PIECE: ESTAMPIDA – Presentada por Viva Er Manga + sorteos 20:00h – ONE PIECE: RED
Domingo 18 de mayo – 19:00h PAPRIKA
Domingo 25 de mayo – 19:00h PERFECT BLUE
PROGRAMACIÓN EN MADRID
mk2 Palacio de Hielo + mk2 Cine Paz
Domingo 4 de mayo – 19:00h MILLENIUM ACTRESS
Viernes 9 de mayo – 20:00h KAIJU Nº 8 – Presentación a cargo de Aeterna Nova
Viernes 9 de mayo – 22:30h (Cine Paz) MAZINGER COREANO: ROBOT TAEKWON V
Domingo 11 de mayo – 19:00h TOKYO GODFATHERS
Viernes 16 de mayo ANZU, GATO FANTASMA (Estreno)
Sábado 17 de mayo – MARATÓN ONE PIECE 18:00h – ONE PIECE: ESTAMPIDA – Presentada por Impact Store (Juan Pérez y José Arce) 20:00h – ONE PIECE: RED
La plataforma también incorporará a su catálogo ocho adaptaciones de la literatura clásica y contemporánea, entre los que se encuentran títulos como La Celestina, Luces de bohemia, El misterio Galíndez y El coronel no tiene quien le escriba.
La plataforma FlixOlé estrenará el próximo miércoles, 16 de abril, la primera película española en recoger el Oso de Oro en el Festival de Berlín, El lazarillo de Tormes (1959). Considerada una de las obras más redondas de su director, César Fernández Ardavín planteó una adaptación literaria y emotiva que recibió la ovación del público internacional al tiempo que fue elevada a la categoría de Interés Nacional por un régimen franquista que, paradójicamente, tachaba de peligroso el texto original.
El también guionista del filme centró la narración en la infancia de Lázaro y en el deambular de ese pequeño de 8 años, aguijoneado por el hambre, en la sociedad española del siglo XVI. Para evitar que el engrasado aparato censor actuase, Fernández Ardavín suavizó el fuerte ataque institucional e ideológico de la novela anónima que inauguró el género de la picaresca, especialmente en el apartado que afectaba a la Iglesia. También los conflictos y percances del protagonista, interpretado por el niño prodigio Marco Paoletti, con cada uno de sus amos. Éstos tuvieron el rostro de populares actores de la época: Carlos Casaravilla (ciego), Juan José Menéndez (el escudero) y Memmo Carotenuto (buldero).
No por ello El lazarillo de Tormes de Fernández Ardavín dejó de ser una película que abordó las injusticias sociales e hipocresías presentes en una España imperial glorificada continuamente por la dictadura franquista. Asumidas de manera más amable, las escenas de miseria física y moral de las que era víctima Lázaro fueron plasmadas a través de una narrativa visual y una factura técnica (con Manuel Berenguer a cargo de la Fotografía) cuyas brillantes imágenes cautivaron a público, crítica y cineastas. “Es una película de la que todos podemos estar orgullosos en cualquier parte”, llegó a decir el director Luis García Berlanga tras la première oficial en Cines Callao.
Primer filme español en obtener el máximo reconocimiento en un festival extranjero, también se proyectó en la Sección Informativa del Festival de Venecia, mientras que en su tierra natal recibió cuatro medallas de Círculo de Escritores Cinematográficos (Película, Dirección, Fotografía y Música). El lazarillo de Tormes se podrá ver en FlixOlé en una restaurada versión de imagen y sonido, proceso llevado a cabo por la propia plataforma.
Nuevos clásicos de la literatura
Adelantándose a la celebración del Día del Libro, además del estreno de El lazarillo de Tormes, FlixOlé incorporará el próximo 16 de abril varias adaptaciones de la literatura clásica española a su catálogo. Comenzando con otro título firmado por Fernández Ardavín: La Celestina (1969), que reprodujo en la pantalla los distintos actos que componen la tragicomedia de Calisto y Melibea; personaje este último interpretado por Elisa Ramírez, quien protagonizó con dicho papel uno de los primeros destapes del cine español durante la dictadura.
Le seguirán los estrenos de El libro de buen amor (Tomás Aznar, 1975), acomodo de la obra clásica de Arcipreste de Hita que narra los escarceos amorosos del poeta burgués, Juan Ruiz; Luces de bohemia (Miguel Ángel Díez, 1985), que absorbió por medio de un reparto estelar (Paco Rabal, Agustín González y Fernán-Gómez, entre otros) el esperpento con el que Valle-Inclán reflejó el decadente Madrid de principios del siglo XX; y La dama boba (Juan Manuel Font, 1980), que recitó en verso el enredo sentimental de dos hermanas con sus respectivos amantes.
Todas estas películas, restauradas también en los laboratorios de FlixOlé, se incluirán en una colección especial que dispondrá igualmente la plataforma el 16 de abril: ‘Grandes clásicos de la literatura’. La misma recoge cerca de 50 versiones cinematográficas que revisitan desde las tragedias del Siglo de Oro hasta los pilares novelescos, líricos y dramáticos del siglo XIX y principios del XX: El perro del hortelano (Pilar Miró, 1996), El Quijote de Miguel de Cervantes (Manuel Gutiérrez Aragón, 1992), La casa de Bernarda Alba (Mario Camus, 1987), Nada(Edgar Neville, 1947), Tristana(Luis Buñuel, 1970), La tía Tula (Miguel Picazo, 1964), entre muchos otros.
Estrenos de las letras contemporáneas
Ya el viernes, 25 de abril, FlixOlé estrenará otros cuatro filmes que ampliarán el estante literario en la plataforma: El misterio Galíndez (Gerardo Herrero, 2003), thriller histórico de Vázquez Montalbán destinado a los amantes de la lectura sobre conspiraciones políticas; El coronel no tiene quien le escriba (Arturo Ripstein, 1999), versión de la novela de Gabriel García Márquez que optó a la Palma de Oro en Cannes; Los novios búlgaros (Eloy de la Iglesia, 2003), la última película del director fue la adaptación de este relato sobre la soledad, la homosexualidad y la inmigración; y Oro rojo (Alberto Vázquez Figueroa, 1978), cuyo autor dirigió su propia novela que conjuga drama y aventuras.
Estas nuevas incorporaciones estarán presentes en un segundo especial sobre literatura que FlixOlé ha programado para el 25 de abril, y que lleva por nombre: ‘El cine de la nueva literatura’. La colección reúne más de 60 adaptaciones de obras publicadas desde mediados del siglo XX y que permiten redescubrir la literatura moderna: El camino (Ana Mariscal, 1963), El maestro de esgrima (Pedro Olea, 1992), Las edades de Lulú (Bigas Luna, 1990), Historias del Kronen (Montxo Armendáriz, 1995), Manolito Gafotas(Miguel Albadalejo, 1999), Plenilunio(Imanol Uribe, 2000), El alquimista impaciente (Patricia Ferreira, 2002).
Kiril Serébrennikov («Leto») dirige esta película sobre el escritor y político Eduard Limónov en la adaptación de la novela homónima de Emmanuel Carrère que protagoniza Ben Whishaw.
El próximo viernes25 de abril llega al catálogo de Filmin, en exclusiva, «Limónov», la película con la que el director ruso Kiril Serébrennikov concursó en la última edición del Festival de Cannes y que adapta la novela homónima de Emmanuel Carrère (editada en España por Anagrama). Se trata del biopic del controvertido poeta y político ruso Eduard Limónov, fundador del ilegalizado Partido Nacional Bolchevique, un radical post-ideológico, ni fascista, ni comunista, ni liberal, ni conservador, sino todo a la vez; un poeta radical soviético que pasó de vagabundear en Nueva York a realizar trabajos forzosos en las cárceles de Siberia, para convertirse, finalmente, en un antihéroe en su propio país. El ganador del Bafta y el Emmy Ben Wishaw («El perfume: Historia de un asesino») es el encargado de dar vida al protagonista en esta película coescrita por el nominado al Óscar Pawel Pawlikowski («Cold War»).
Serébrennikov ha insistido en señalar que este no es un biopic al uso del Eduard Limónov real, sino una adaptación de la mirada de Emmanuel Carrère en su novela. «Sigo los pensamientos, las entonaciones, su enfoque y su búsqueda para desentrañar el misterio de Eddie, o Edditchka, este héroe lírico creado por Carrère». Aunque el escritor no colaboraba con la adaptación de una de sus novelas desde los tiempos de «La clase de nieve» (Claude Miller, 1998), en esta ocasión conversó sobre el proyecto con su amigo personal Pawel Pawlikowski, autor del guion inicial. «Kiril Serébrennikov, cuyo talento para dirigir admiro, se interesó en Limónov y me pareció lógico que él fuera el encargado de dirigirlo», afirma Carrère, que además protagoniza un sorprendente cameo en un gesto que podemos entender como una validación de esta adaptación de su libro.
El estallido de la guerra en Ucrania paralizó el rodaje de una película cuyo desarrollo se ha extendido a lo largo de cinco años. Tal y como recuerda el director: «En el momento en que comenzó la guerra se suponía que íbamos a comenzar a filmar las escenas ambientadas en Nueva York. Habíamos recreado dos barrios de la ciudad de Nueva York al aire libre, en Moscú. Los interiores debían ser filmados en el set, en Mosfilm. Luego comenzó la invasión. Las embajadas pidieron a los extranjeros que regresaran a sus países, y Ben Whishaw tuvo que irse». Medio año después los productores decidieron reconstruir estos sets de Nueva York en otro lugar de Europa y la filmación se reanudó.
Pero no es ese el único vínculo de «Limónov» con la actual situación que se vive en Rusia y Ucrania. De algún modo, el viraje político que Eduard Limónov experimentó a lo largo de su vida anticipa lo que ha terminado llegando a Rusia: «Todo lo que está sucediendo hoy proviene de lo que Limónov escribió. Él quería guerra, quería el regreso de la Unión Soviética. Es como si estuviéramos viviendo en el mundo que él soñó, como si el Kremlin se hubiera inspirado directamente en sus textos y en los de Alexandre Dugin (filósofo y miembro del Partido Nacional Bolchevique)». El director, que ha tenido diversos problemas con la justicia rusa por sus posturas liberales y favorables a la comunidad LGBT, reconoce que «dado el contexto actual, sentí una necesidad aún más fuerte de explorar los mecanismos que nos han llevado a esta violencia».
Junto a Ben Whishaw, en el reparto, destaca la presencia de Viktoria Miroshnichenko («Una gran mujer»), Sandrine Bonnaire («Las desapariciones») o el español Víctor Solé («No matarás»), entre otros. La extraordinaria banda sonora de la película lleva la firma del italiano Massimo Pupillo e incluye temas de la banda rusa Shortparis, que reinterpreta varias canciones conocidas de Tom Waits, Lou Reed y Velvet Underground.
Ambas instituciones firman un acuerdo para trabajar en la restauración de obra fílmica, con el objetivo de preservar piezas de relevancia histórica, artística y cultural
Las candidaturas de las obras a restaurar pueden presentarse desde hoy 10 de abril hasta el 23 de mayo en la web de la Academia de Cine
La Academia de Cine, en colaboración con el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), a través de Filmoteca Española -organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico- han firmado un acuerdo para la restauración y puesta en valor de obras fílmicas. Esta iniciativa tiene como objetivo colaborar en la preservación del patrimonio cinematográfico de España, tanto en el ámbito de los largometrajes, cortometrajes, como en otras piezas audiovisuales relevantes.
La Academia de Cine asumirá los gastos de la restauración, mientras que el ICAA pondrá a disposición las instalaciones y el proceso estará supervisado por el equipo técnico del Centro de Conservación y Restauración de fondo fílmicos “Carlos Saura” de Filmoteca Española. Como contraprestación, los propietarios de los derechos de las obras seleccionadas recibirán una copia restaurada y digitalizada en 4K.
El programa está dirigido a obras originales con al menos 20 años de antigüedad, que posean una relevancia histórica, artística y cultural significativa. Además, deberán encontrarse en un estado de conservación que requiera un proceso de restauración, con el fin de garantizar su preservación a largo plazo. El comité tendrá en cuenta que las piezas seleccionadas generen un impacto directo en la conservación del patrimonio audiovisual del país.
Las solicitudes podrán presentarse desde hoy 10 de abril y hasta el 23 de mayo a través de la web de la Academia: www.academiadecine.com. Para resolver cualquier duda, los interesados podrán contactar con la organización mediante el correo electrónico ayudasrestauracion@academiadecine.com.
Los propietarios de las obras candidatas deberán acreditar que al menos el 60% de su producción se realizó en España. Una vez finalizado el proceso de restauración, se comprometen a permitir que la institución y Filmoteca Española exhiban las piezas durante un período de un año y medio.
La selección de las obras a restaurar estará a cargo de un comité compuesto por cinco profesionales, de los cuales dos serán propuestos por la Academia, dos por el ICAA, y uno más será un experto de reconocido prestigio en la industria cinematográfica. Las obras candidatas deberán estar libres de compromisos legales que puedan obstaculizar el proceso de restauración y deberán justificar su necesidad de ser restauradas.
Del 6 al 11 de mayo, el Cine Doré acoge un ciclo dedicado al gran cineasta palestino Kamal Aljafari
Cuatro películas explorarán la memoria colectiva del pueblo palestino desde el cine de archivo
Entre estos títulos se encuentra su último largometraje, A Fidai Film, inédito en España
El ciclo forma parte de la programación paralela de Documenta Madrid 2025
Documenta Madrid, el Festival Internacional de Cine Documental del Ayuntamiento, en colaboración con Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, presenta en su 22ª edición una de las retrospectivas más intensas y necesarias del panorama cinematográfico actual: Kamal Aljafari: el archivo como territorio. Este ciclo podrá verse en el Cine Doré del 6 al 11 de mayo y forma parte de la programación paralela del festival.
Kamal Aljafari, cineasta palestino de referencia internacional, es un incansable recolector de imágenes que ha dedicado su filmografía a reconstruir la memoria amenazada de un pueblo, tanto de forma personal como colectiva. La selección, compuesta por cuatro largometrajes —Port of Memory (2009), Recollection (2015), An Unusual Summer (2020) y su reciente A Fidai Film (2024)—, se articula como un recorrido radical por su obra, que desafía las formas convencionales de abordar esta temática.
Con un lenguaje a caballo entre el documental y el cine ensayo, Aljafari compone desde la ausencia, revela lo que no está, y transforma el archivo en herramienta política y estética. Como señala el comité de programación de Documenta Madrid, “el cine de Aljafari no solo denuncia, también imagina; su trabajo nos enseña que otra narrativa es posible, una que resiste desde el montaje, desde la poesía, desde la persistencia de la memoria”.
Las proyecciones en Filmoteca Española se inscriben dentro del eje temático de esta edición del festival, que gira en torno a la imagen de archivo como detonante de nuevas formas de memoria, consolidando así el compromiso de Documenta Madrid con el pensamiento crítico, la experimentación formal y las prácticas cinematográficas más radicales.
Documenta Madrid 2025
Documenta Madrid, Festival Internacional de Cine del Ayuntamiento de Madrid, celebra su 22ª edición del 6 al 11 de mayo consolidando su apuesta por el cine documental de autor, la experimentación formal y el pensamiento crítico. La edición de este año pone el foco en la imagen de archivo como generadora de nuevas memorias y patrimonios, y en el potencial del cine como herramienta de resistencia, revisión histórica y creación colectiva.
El festival, organizado por Cineteca Madrid, vuelve a ser el punto de encuentro del cine contemporáneo documental y de no-ficción. En esta edición se mantienen las tres secciones competitivas —Internacional, Nacional y Corte Final— con 36.000 € en premios, así como una potente programación paralela con retrospectivas, sesiones especiales, encuentros profesionales y talleres. La sede principal será Cineteca Madrid, que acogerá íntegramente la sección Corte Final.
Además de Cineteca, Documenta Madrid 2025 se extiende a otras sedes clave de la ciudad como el Museo Reina Sofía, Filmoteca Española, La Casa Encendida y Fundación Casa de México. Cuenta con la colaboración de ECAM, Madrid Film Office, Acción Cultural Española (ACE), el Instituto Cultural Rumano, Centro de Estudios Mexicanos UNAM-España, Embajada de Suiza y Fundación Juan March, entre otras entidades culturales nacionales e internacionales.
