La fábula forestal de Gerard Depardieu, tráiler de «The End»

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Presentada en la pasada edición del festival de Berlín dentro de la sección Forum la nueva colaboración entre el director francés Guillaume Nicloux y el actor Gerard Depardieu titulada «The End» nos presenta un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes. Rodada en tan solo nueve días la película parte de la premisa de un sueño que él mismo director tuvo hace unos meses y que de forma inmediata pensó que debía llevar a la gran pantalla, una película que parece estar dotada de un claro tono y corte introspectivo y experimental con la metáfora de la soledad como principal eje. «The End» tiene previsto su estreno en tierras francesas para el próximo 8 de abril.

«The End» nos cuenta como un solitario cazador va con su perro a dar una vuelta por el bosque y se pierde por completo entre la inmensidad del paraje iniciando una extraña y angustiosa aventura que le llevara a experimentar al cabo de unas horas extraños encuentros con enigmáticas criaturas.

La película está interpretada por Gérard Depardieu,  Audrey Bonnet,  Swann Arlaud,  Xavier Beauvois y Didier Abot.

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Nocturna 2016 homenajea a H.P. Lovecraft y Nirvana a través de su cartel oficial

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Ya tenemos cartel oficial de la que será la cuarta edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2016 que se celebrará el próximo mes de mayo del 23 al 29, un cartel realizado un año más por el artista Manuel Bejarano. Sobre una idea de José Luis Alemán, el cartel nos muestra a un profundo emergiendo desde la sumergida ciudad de R’Lyeh, atraído por un curioso anzuelo. La imagen sirve de doble homenaje tanto a la obra del escritor norteamericano H.P. Lovecraft como al grupo Nirvana, del que se recrea la celebrada portada de su álbum «Nevermind», publicado en 1991, que lanzó al estrellato a la banda de Seattle y que mostraba a un bebé buceando hacia un billete de un dólar prendido de un anzuelo.

Desde el pasado mes de diciembre, el equipo de NOCTURNA se encuentra trabajando en la próxima edición del festival, de la que os iremos informando durante estos meses de las actividades, invitados y programación de lo que esperamos sea la mejor edición de NOCTURNA.

NOCTURNA 2015 contó con la visita de Robert Englund, Lamberto Bava, o Alexandre Aja entre otros, México como país invitado, además de numerosas premieres internacionales  y actividades paralelas.

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El universo de Orson Welles

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Orson Welles creó a lo largo de su vida un universo realmente fascinador. Muy rico y variado, aquel mundo mezclaba su esencia estadounidense con su alma hispana, sus elevadas ambiciones artísticas con la absoluta despreocupación por acometer proyectos infames… Este libro se zambulle a placer en la vida y obra del hombre que dirigió la mejor película de la Historia del Cine y que se casó con la mujer que todos deseaban pero que también fue repudiado por Hollywood, que no pudo realizar ni mucho menos todo aquello que pretendió y que, muy al contrario, accedió a hacer casi de todo por dinero. Veintidós prestigiosos críticos analizan en “El universo de Orson Welles” sus películas buenas, sus películas malas, sus proyectos inacabados, sus films recuperados, sus amigos, sus fobias…

Autor; Ramón Alfonso, David Felipe Arranz, Victor Arribas, Guillermo Balmori, Joan Bassa, Quim Casas, Luis Alberto de Cuenca, Ramón Freixas, Fernando R, Lafuente, Juan Carlos Laviana, Miguel Marías, Alejandro Melero, Diego Moldes, Israel Paredes, Moisés Rodríguez, Oti Rodriguez Marchante, Enric Ros, Adrián Sánchez, Gerardo Sánchez, Eduardo Torres-Dulce, Joaquin Vallet, Juan Carlos Vizcaino Prólogo: Jose Luis Garci.; Editorial; Notorious Ediciones. Páginas; 432

Primer tráiler de la ganadora del Oso de Oro en la pasada Berlinale «Fuocoammare» de Gianfranco Rosi

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Con el triste drama de los refugiados en plena actualidad nos llega un primer tráiler que podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes del último trabajo del documentalista italiano Gianfranco Rosi «Fuocoammare«, film que obtuvo el Oso de Oro a la mejor película en la pasada edición del festival de Berlín junto al premio del Jurado Ecuménico tras conseguir en el pasado 2013 el León de Oro en Venecia por su anterior «Sacro-GRA«. «Fuocoammare«
 deviene como un documental comprometido que evita el sensacionalismo y en donde vemos como la isla de Lampedusa es el punto geográficamente más meridional de Italia, que a partir de 1990 se ha convertido en el enclave más masivo de desembarco de inmigrantes ilegales procedentes de tierras africanas. En poco más de 20 años, más de 20.000 personas se han ahogado durante la travesía para alcanzar lo que para muchos supone la principal vía de entrada a Europa, y que les debería permitir escapar tanto de la guerra como del hambre pero que de la misma manera se convierten en el objetivo idóneo para las mafias que se aprovechan sus  imperiosas necesidades.

En «Fuocoammare» vemos como Samuel vive en la isla, tiene 12 años, va a la escuela, le gusta tirar con la honda e ir de caza. Le gustan los juegos de tierra, pese a que todo a su alrededor habla del mar y de los hombres, mujeres y niños que intentan cruzarlo para llegar allí. La película aún sin fecha de estreno en territorio español será distribuida por Caramel Films.

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Spanish Horror Icons

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Volvemos a la algo abandonada sección de merchandising para hacernos eco de la nueva línea de bustos y figuras sacada al mercado por los compañeros de
 Scifiworld con el nombre de «Spanish Horror Icons«, una serie que rinden homenaje a los monstruos del cine español fantástico en una colección de bustos de edición limitada y numerada ya disponibles en la web al precio de 160 euros la pieza, los seis bustos a la venta son los siguientes: La Criatura: La criatura de Pánico en el Transiberiano, Conde Drácula: Narciso Ibáñez Menta en La Saga de los Drácula, Amenhotep: El personaje de La Venganza de la Momia, Espectro Templario v.1 y v.2: Las míticas creaciones de Amando de Ossorio y Waldemar Daninsky: El legendario hombre lobo interpretado por Paul Naschy.

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Pánico en el transiberiano


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La Venganza de la Momia


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La Saga de los Drácula


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La Noche del Terror Ciego


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El Retorno de Walpurgis

Primer tráiler del nuevo film de Na Hong-jin «The Wailing»

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Se ha hecho esperar más de la cuenta pero ya está aquí un primer teaser tráiler que podéis ver a final de página junto a tres de sus posters del nuevo trabajo tras las cámaras de Na Hong-jin titulado «Gokseong» (The Wailing). El film que se estrenará este próximo mes de mayo en Corea del Sur y que muy posiblemente esté presente en el inminente festival de Cannes
  parece seguir vistas sus primeras imágenes esa característica senda que la sitúan a medio camino entre cine comercial y el de un trazado claramente de autor que su director ya supo plasmar en sus dos anteriores y extraordinarias películas «The Chaser» y «The Yellow Sea«.

«Gokseong» es un thriller ambientado en un pequeño pueblo al  que acude un equipo de investigación formado por un detective junto a  un chamán para intentar averiguar una serie de misteriosos asesinatos cometidos en una aldea en donde aparece un misterioso rumor va propagándose poco a poco. 

La película está interpretada por Woo-hee Chun, Jeong-min Hwang, So-yeon Jang, Han-Cheol Jo y Do Won Kwak.

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TerrorMolins 2016 presenta su cartel

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Si hace unas semanas se informaba de las fechas y las bases de la XXXV edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, hoy se ha dado a conocer el cartel para la edición de este año. Como ya sabéis el leitmotiv de esta edición son las mutaciones y no cabe duda de que La Mosca (The Fly, 1986) es una película referencia en el género. Este año se cumplen 30 años de su estreno y el Festival homenajea el famoso filme de David Cronemberg que ya proyectamos el año 1987 en la 14a edición del Festival. Por quinto año consecutivo Maite Pascual se ha encargado del diseño del poster de Festival. La diseñadora nos confesó que recibió el encargo con ganas de sorprendernos:

Este año ha sido todo un reto. La intención ha sido darle un aire diferente e innovador a los que estamos acostumbrados a ver cómo imagen en un festival de cine de terror. Y sobre todo creo que deja claro que el Festival de Molins de Rei no es un festival más.

Maite Pascual

Las fechas oficiales para la que será la 35a Edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei serán del 11 al 20 de noviembre de 2016. El TerrorMolins ha ampliado su duración a nueve días en la edición de este año en un nuevo paso hacia ofrecer la mejor experiencia para nuestro público. Nueve días de gloria para todo fan del terror que no os podéis perder.

Recordad pues que la XXXV Edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei arrancará el viernes 11 de noviembre. A modo de curiosidad acerca de la fecha de arranque del Festival de este año señalar que un 11 de noviembre de 2005 muere el veterano productor de cine Moustapha Akkad, responsable de ocho películas de la saga “Halloween”, y también un 11 de noviembre de 2007, domingo, dábamos por concluida la XXVIa Edición de nuestro Festival tras las famosas 12 horas de terror que acabaron ese año con la película “Black Sheep” de Jonathan King.

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«10 Cloverfield Lane» review

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Una joven sufre un accidente de coche. Cuando despierta se encuentra encerrada en una celda bajo tierra, secuestrada por un hombre extraño (John Goodman) que dice haberla salvado del día del juicio final. El excéntrico captor asegura que el exterior es inhabitable por culpa de un terrible ataque químico, algo que no sabe si creer. Es así como comienza su pesadilla, en una espiral de desconocimiento. La mente del criminal es infranqueable, y ella tendrá que intentar analizar a su enemigo para conseguir sobrevivir.

«10 Cloverfield Lane» viene a ser otra muestra muy palpable de que J.J. Abrams es mucho más brillante y funcional como productor que como director, el debut en la dirección de Dan Trachtenberg (ojo a su anterior corto «Portal: No Escape«) nos propone un escenario en donde la ciencia ficción de claro tono minimalista y el concepto post apocalíptico de supervivencia están vistos desde una perspectiva  en donde el suspense y la tensión se erigen como uno de sus principales activos en un producto que termina por resultar de lo más disfrutable, un film que aparte de estar plagado de múltiples referencias cinéfilas conviene enfrentarse a él lo más virgen posible, pues otro de sus máximos activos residen en uno de esos argumentos ( guion obra de Josh Campbell , Matthew Stuecken y Damien Chazelle) repletos de vaivenes y vueltas de tuerca, algunos coherentes con la propia naturaleza del producto, otros encorsetados de una manera algo forzada especialmente en lo referente a su final.

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Catalogar «10 Cloverfield Lane» como un spin-off de aquel esplendido disfrute mainstream cámara en mano que era «Cloverfield» demuestra lo hábil que es J.J. Abrams como productor a la hora de vender el producto en cuestión, nada más lejos de la realidad, en el fondo si nos ponemos a pensar y no hace falta llegar a ser muy ingenioso en lo relativo a dicha tesitura el ochenta por ciento de producciones actuales de ciencia ficción podrían considerarse como claras hereditarias del concepto Cloverfield, la habilidad de J.J. Abrams reside en rescatar un film a través de su compañía Bad Robot direccionado en un principio a una vía completamente diferente a la que al final toma, anteriormente titulado en un primer lugar «Valencia» y más tarde «The Cellar«, un film en principio con una clara vocación de producto destinado a festivales de género que consigue
 revestirlo de engañoso blockbuster adaptando un nuevo final ante lo que es su nuevo status, una operación de marketing inmaculada que nos hace el llegar a preguntarnos qué habría sido si «10 Cloverfield Lane» hubiera coexistido en esa primera vida asignada, ¿una serie B con cierto sabor a culto?, quien sabe, lo cierto es que estamos sin lugar a dudas ante una película que sabe jugar sus bazas de una manera bastante inteligente.

A la hora que centrarnos en esas referencias antes comentadas «10 Cloverfield Lane» bebe mucho de unas coordenadas bastantes reconocibles, amparándose en el thriller psicológico que se apoya principalmente en la duda el film parte desde un punto de partida angustioso y enigmático apoyado en base a un buen desarrollo en lo concerniente a su tensión narrativa (apoyada esta de forma acertada por la banda sonora de Bear McCreary), pocos y carismáticos personajes (esencial la muy notable caracterización a cargo de John Goodman y Mary Elizabeth Winstead), todo ello remite tanto a seriales clásicos tales como «The Twilight Zone» o «The Outer Limits» como a al «Signs» de M. Night Shyamalan como una fiel escenificación a modo de obra de teatro de claro tono intimista e índole paranoico.

«10 Cloverfield Lane» finalmente se vale de su nada disimulada ambivalencia genérica de una manera ejemplar, un muy disfrutable ejercicio de narrativa fluida perfectamente consciente de su estructura de historia reducida pero ingeniosamente tramposa, de alguna manera estamos solo ante un buen entretenimiento sin demasiadas pretensiones y que al mismo tiempo le viene a la perfección al fiel seguidor de la ciencia ficción que quiera alejarse de la aparatosidad del blockbuster de turno o del duro y ceñido relato de género, justo en medio de estas dos corrientes se sitúa «10 Cloverfield Lane«, un film en definitiva que entretiene desde una visión digamos algo alternativa, el problema puede venir dado cuando sea juzgada por un sector de la audiencia como si fuera un producto de gran estudio se tratase cuando en realidad es todo lo contrario.

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Valoración 0/5:3’5

Tim Burton y los niños extraordinarios, tráiler de «Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children»

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20th Century Fox acaba de lanzar un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto algunas de sus imágenes, de «Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children» (El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares) adaptación al cine a cargo de Tim Burton de la novela homónima del escritor norteamericano Ranson Riggs publicada en 2011. En un principio el material que le sirve de base a Tim Burton para la película parece bastante propicio para que este vuelva por una buena senda que abandono hace ya un tiempo, el film tiene previsto su estreno el próximo 30 de septiembre.

«Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children» nos cuenta la historia comienza cuando una horrible tragedia familiar deja a Jacob, de 16 años, viajando por la costa de Gales, donde descubre las ruinas del hogar para niños peculiares de Miss Peregrine. Mientras Jacob explora los abandonados cuartos y pasillos, se da cuenta que los niños que allí vivieron (uno de los cuales fue su propio abuelo) eran algo fuera de lo habitual. Pueden haber sido peligrosos. Pueden haber sido puestos en cuarentena en una isla desierta por una buena razón. Y, de algún modo, (imposible, al parecer) pueden estar aún con vida.

La película está protagonizada por Eva Green,  Asa Butterfield,  Samuel L. Jackson,  Judi Dench,  Ella Purnell,  Allison Janney,  Rupert Everett,  Terence Stamp,  Kim Dickens,  Chris O’Dowd,  Finlay MacMillan,  Cameron Greco,  O-Lan Jones,  Justin Davies,  Bomber Hurley-Smith,  George Vricos,  Andrew Fibkins,  Bryson Powers y Jack Fibkins.

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La Pantalla Distópica: Pesadillas del Sueño Americano en el Cine Post 11-S

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El 11-S marcó el comienzo del siglo XXI y, desde aquel “martes negro” de 2001, las distopías de Hollywood, las antiutopías de un futuro más o menos cercano, reflejaron en clave metafórica muchos de los miedos y conflictos que ha experimentado la sociedad estadounidense en el nuevo milenio. Este libro nos invita a un viaje apasionante a través de la historia de las distopías desde el siglo XIX hasta nuestros días; una odisea que se detiene en el análisis de diez películas estadounidenses de ciencia ficción, estrenadas en la década posterior a la caída de las Torres Gemelas. Son relatos futuristas que recrean sistemas totalitarios y sociedades alienadas, ciudades al borde del caos y la destrucción, o mundos apocalípticos, y nos desvelan las pesadillas del sueño americano a lo largo de una década especialmente convulsa: desde la Guerra contra el Terror y el recorte de libertades de la Ley Patriota, durante los dos mandatos de George W. Bush, hasta la llegada de Barack Obama con su “Yes We Can” y el estallido de la crisis económica de 2008.

Autor; Lucia Salvador; Editorial; UNIVERSIDAD DE VALLADOLID. SECRETARIADO DE PUBLICACIONES E I; Páginas; 188

Póster y tráiler de «Hush», lo último de Mike Flanagan

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Aún pendiente de estrenar de su anterior «Before I Wake» Mike Flanagan («Oculus«, «Absentia«) tiene ya lista su última incursión tras las cámaras, «Hush«, una cinta que parece alejarse de la temática sobrenatural vista en sus anteriores trabajos para adentrarse en el
 subgénero de la home invasión y cuyo tráiler junto a su póster podéis ver a final de página. El film ha tenido estos días su premiere mundial en el SXSW de Austin, certamen en donde se hizo público que la cadena Netflix adquirió sus derechos de distribución mundial teniendo previsto estrenarla a través de su plataforma el próximo 12 de abril. Mike Flanagan que está ultimando «Ouija 2» rodará próximamente la adaptación al cine de la novela de Stephen King «Gerald’s Game«.

«Hush» nos cuenta la historia de una joven escritora que se quedó sorda en su adolescencia y vive aislada en una casa en medio de la nada. Una noche comienza a ser acosada por un misterioso hombre enmascarado y sin la posibilidad de pedir ayuda, por lo que tendrá que ingeniárselas para salir airosa de su acosador.

La película está protagonizada por Kate Siegel,  Samantha Sloyan, Michael Trucco, John Gallagher Jr y Emma Graves.

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Primeras imágenes de «Oro», lo nuevo de Agustín Díaz Yanes

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El equipo de «Oro» la nueva película del director Agustín Díaz Yanes, basada en un relato corto del novelista de gran éxito de ventas Arturo Pérez-Reverte, ya está embarcado en el rodaje. Inspirada en la expedición de los conquistadores españoles del siglo XVI, Lope de Aguirre y Núñez de Balboa, esta aventura de época sigue los pasos de su épica expedición por la selva amazónica en busca de una mítica ciudad que, según se creía, estaba hecha completamente de oro. El rodaje, que actualmente se encuentra en Canarias, transcurrirá también entre Andalucía, Panamá y Madrid. El reparto de «Oro» lo forman Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada, José Coronado, Antonio Dechent, José Manuel Cervino, Luis Callejo, Juan José Ballesta, Andrés Gertrúdix, Diego París, Ana Castillo y Juan Carlos Aduviri, con la colaboración especial de Juan Diego.

«Oro» reúne al director ganador de dos Goyas Díaz Yanes (guion original y dirección novel por «Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto«) con el autor superventas Pérez-Reverte, cuya obra se ha traducido a más de 40 idiomas y ha vendido más de 15 millones de ejemplares. Díaz Yanes y Pérez-Reverte colaboraron por última vez en el gran éxito de taquilla «Alatriste«, protagonizado por Viggo Mortensen. «Oro» es una producción de Apache Films, Atresmedia Cine, Telefónica Studios y Sony Pictures España. Sony Pictures además se encargará de su distribución en España, Latinoamérica y los Estados Unidos.

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Crónica OffsideFest 2016

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Del 9 al 13 de marzo se celebró la tercera edición del Offsidefest, un modesto y voluntarioso festival que tiene la particularidad de sustentarse en dos especializaciones dentro de una misma, por una parte el auténtico e indiscutible leitmotiv de la cita, el futbol expuesto a través del documental, pero la propuesta no se queda ahí y se incide especialmente en la particularidad de aquellas producciones que reflejan el deporte rey en una mayor o menor medida desde una perspectiva claramente social, su influencia como fenómeno de masas ya sea a un nivel histórico, político, metafórico o incluso desde una base puramente cultural. Un festival que va dando pequeños pasos en su crecimiento en lo referente a lo que es su infraestructura, se dispuso de una necesaria sala de cine para las proyecciones, se incorporó a la programación de forma acertada un cortometrajes previo pase de cada documental (quizás incluidos de manera algo encorsetada en la parrilla y con poco tiempo para poder tomarse un respiro entre proyecciones).

A la hora de hacer un balance general con respecto de los trabajos vistos en esta edición hubo tres documentales muy por encima de la media, «I Believe in Miracles«, «Una meravigliosa stagione fallimentare» y «Gascoigne» destacaron dentro de un nivel general algo por debajo con respecto al pasado año, una edición no exenta de propuestas de lo más interesantes pero algo inferior si llegamos a diseccionar su calidad global a la hora de compararla con la inusual y extraordinaria cosecha que pudimos visionar en la edición del 2015.

14 largometrajes y otros 14 cortometrajes vistos durante cuatro días en el cine Maldà de Barcelona y la Antiga Fàbrica Estrella Damm, a continuación todo lo que dio de sí un festival muy válido, algo diferente en lo referente a lo que es su propuesta y de ahí posiblemente su máximo activo, una cita casi obligada para lo que entendemos el futbol como algo más, un certamen que da la oportunidad de poder visionar trabajos de una difícil difusión fuera de unos circuitos muy específicos, una en definitiva mirada privilegiada de esa otra cara del futbol la que nos ofrece el Offsidefest. 


Miércoles 9 y Jueves 10

Una de las iniciativas más acertadas vistas en esta edición del Offsidefest fue la de recuperar clásicos del futbol documentado, una mirada hacia atrás sobre trabajos que en cierta manera abrieron una nueva vía dentro del documental futbolístico, en la sección inaugural se pudo ver «El profeta del Gol» documental realizado sobre la figura de Johan Cruyff en uno de los puntos más álgidos de su carrera como jugador (copa de Europa con el Ajax, la liga del Barcelona en 73-74 y el mundial de Alemania en ese mismo año) a cargo del italiano Sandro Ciotti en 1976, un trabajo de claras connotaciones hereditarias ubicadas dentro de un contexto específico que termina reflejando un cierto sabor a nodo, una radiografía la expuesta quizás algo desprovista de una reflexión más íntima acerca de la propia figura del jugador pero poseedor de un estilo casi primigenio acerca del documental del día a día de un deportista que devino clave en el futbol moderno.

«Llegando a casa» de Fernando Kalife es ese tipo de documental que cada propio equipo quisiéramos tener en nuestro poder, la historia sobre las siete décadas del cuadro mexicano en un elaborado trabajo recopilatorio en base a imágenes de archivo y entrevistas a implicados, un vasto nivel informativo de la historia del Club de Fútbol Monterrey mexicano desde sus inicios hasta el día de hoy el que nos ofrece un documental puede llegar a resultar tan detallado, laborioso e impoluto en lo referente a su cometido como algo extenuante al no vinculado emocionalmente con los denominados Rayados, sobretodo dada su muy larga (127 minutos de duración) exposición.

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La simpática «Gol de Cuba» transita a medio camino entre el anecdotario histórico y un fanatismo visto de una perspectiva de lo más peculiar, utilizando ambas herramientas a la hora de presentarnos al pueblo cubano de Zulueta, cuna del futbol de dicho país, en su exclusivo día a día durante la celebración del mundial de 2010 a través de cinco testimonios expuestos en base a su empatización en donde se nos cuenta su curiosa historia de amor hacia el fútbol y la reivindicación-orgullo que sienten hacia la tradición futbolera de su modesto pueblo. Quizás la mayor virtud de «Gol de Cuba» aparte de su complicidad venga dada en parte en su posterior reflexión, y en como el futbol como fenómeno social es utilizado como un ente esperanzador para contrarrestar la precariedad.

La laureada «Return to Homs» (Gran Premio del Jurado de documentales del Festival de Sundance 2013) de Talal Derki nos transporta a la crudeza el conflicto bélico de Siria contado en primera persona y en modo casi mockumentary, el asedio de Bashar al Assad hacia la ciudad de Homs vivido en primera persona en un documento que se aparta del relato de lo que los medios informativos difunden como supuesta información veraz. Posiblemente la excusa del futbol en «Return to Homs» este cogido algo con pinzas (el protagonista fue integrante de la selección nacional de fútbol y en el documental hay apenas algunas esporádicas referencias hacia ello) en un documento que pese a rozar peligrosamente su más que evidente naturaleza de índole propagandística deviene como un estremecedor relato en donde la esperanza del cambio queda crudamente radiografiada  en forma de los últimos suspiros en una cada vez más utópica revolución.

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Viernes 11

«Tanger Gool» vista tras su paso en la pasada edición de la Seminci de Valladolid es un documental financiado a través del crowdfunding que nos ofrece una visión de la juventud árabe expuesta a través de los esfuerzos de los integrantes de una asociación ubicada en uno de los barrios más conflictivos de Tánger a la hora de organizar un partido de fútbol femenino con el equipo local (Al Boughaz) y uno español (Atlético de Madrid). Un esforzado documento friccionado con el fútbol como elemento percutor especialmente direccionado hacia las mujeres de Marruecos en lo referente a su modernización social.

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Por otra parte Pedro Asbeg ganador al mejor documental en la pasada edición del Offsidefest con la extraordinaria «Democracia me preto e branco» junto a Renato Martins vuelve a incidir en la problemática social vista a través del futbol en Brasil, en esta ocasión con «Geraldinos«, un breve documental que nos habla de las consecuencias político-sociales de la remodelación del mítico estadio Maracaná para el Mundial de 2014 que acarreo la desaparición de la denominada Geral, una zona del estadio destinada a las clases más populares por lo económico de sus precios. Un trabajo algo inferior al anterior documental de su director pero que encuentra su algo dispersa validez en su propia función de relato-denuncia del proceso
  de sustitución del futbol como expresión de entretenimiento cultural popular por algo meramente comercial con fines lucrativos. Una de las joyas que se pudo ver este año en el festival sin lugar a dudas «I Believe in Miracles«, los amantes del futbol británico y de la figura de Brian Clough estamos últimamente de enhorabuena, si el pasado año tuvimos la fortuna de poder disfrutar de la publicación en castellano de la mítica novela de David Peace «Maldito United» en donde se relataba los infernales 44 días de Brian Clough al frente del Leeds United el documental que aquí nos ocupa nos explica su posterior e increíble trayectoria al mando del Nottingham Forest, un documental de manual que puede servir al mismo tiempo como una fluida narración e inmejorable anexo documentado a la notable «The Damned United» de Tom Hooper, pues cronológicamente donde termina una empieza la otra, una historia la aquí contada que a un sector determinado de seguidores nos resulta muy complicado el no llegar a empatizar con ella.

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Otro de los documentales vistos este año en el Offsidefest en modo de retrospectiva fue la valiosa «Profis» de Christian Weisenborn y Michael Wulf ambos presentes en el certamen, un documental que 37 años después de su realización deviene como una muestra adelantada a su tiempo, génesis casi perfecta del documento intimo futbolístico en donde asistimos al rígido seguimiento efectuado a Paul Breitner y Uli Hoeness a lo largo de una temporada en el Bayern Múnich, una valiosa pieza de connotaciones casi arqueológicas en donde prima la visión personal por encima de la más meramente futbolística.


Sábado 12

La premisa que nos ofrece «Calabash» es hasta cierto punto muy obvia, quizás demasiada aunque no exenta de un cierto interés, una visión alrededor del primer mundial de fútbol celebrado en África con el trasfondo de la supuesta corrupción institucional de los organizadores y como esto va en detrimento de los más desfavorecidos, volvemos a toparnos al igual que en «Geraldinos» en como la asignación de fondos públicos a un evento deportivo a gran escala deviene como arma arrojadiza en contra del bienestar social de una nación en un estado muy precario, una visión anexionado al mismo tiempo a través de historias explicadas por diferentes personajes que sirven como un fiel reflejo a la actual desigualdad existente entre personas (especialmente personificada en la familia acomodada mexicana que asiste al evento en contraposición  a los lugareños), un retrato que sirve como una fiel metáfora hiriente de la actual situación económica existente en el mundo.

En «Gascoigne» (ganador como mejor documental) la directora Jane Preston vuelve a incidir en la figura del ex futbolista británico, si en el 2013 nos ofrecía en «Being Paul Gascoigne» una visión más dirigida al retrato más puramente familiar, tortuoso y extradeportivo del personaje aquí somos testigos de una sincera confesión en primera persona de connotaciones casi catárticas centrada exclusivamente en su trayectoria deportiva, una carrera plagada de excesos a cargo de una figura atípica dentro del imaginario del futbol inglés, las vicisitudes de un héroe nacional a principios de los 90 documentado dentro de un recorrido plenamente dominado por un vaivén de luces y sombras que es plasmado en un trabajo con una clara vocación de índole claramente futbolística y en donde los escasos testimonios ajenos (Gary Lineker, José Mourinho y Wayne Rooney) pasan a un segundo término para dar lugar a la historia que hay detrás de su ascensión y caída contada desde dentro, como buen documental este a su finalización nos invita a su posterior reflexión y a preguntarnos  si es la prensa la encargada de crea ciertos mitos de cara a la sociedad, unos mitos creados más en función de la indisiocrancia del personaje que a la de sus logros deportivos.

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Uno de los mejores documentales vistos este año en el festival fue «Una meravigliosa stagione fallimentare«, uno de esos film en donde de una manera incuestionable prima más su recorrido a lo que su finalidad, el retrato del entusiasmo de una ciudad entera que vuelve a creer de nuevo en su equipo de fútbol, una historia que sigue la evolución de Bari desde su trágica situación económica a principios de temporada hasta su milagrosa participación en los playoffs de ascenso a la primera división, un documental que aparte posee la virtud y el encanto de apoyarse dentro de unas coordenadas que la direccionan a una cierta tradición e idiosincrasia del prototípico cine clásico Italiano, su música, la particularidad de esa voz en off y personajes como la mascota o la niña son arquetipos muy característicos dentro de una índole perfectamente reconocible, dotado todo ello al mismo tiempo de un innegable encanto cinéfilo. La amena «The Art of Football» por su parte es una divertida y algo despreocupada guía futbolística de la A a la Z conducido por John Cleese, a medio camino entre el testimonio de superestrellas tales como Platini, Pelé, Ronaldo y Beckenbauer o de celebridades Dennis Hopper, Henry Kissinger o Wim Wenders
 y el material de archivo, curiosamente el documental  tiene sus mejores momentos en lo concerniente a los gags a cargo del ex Monty Python, unos intervalos cómicos que tienen la virtud de poseer ese inconfundible tono de humor británico.


Domingo 13

El último día de festival  nos dio la oportunidad de visionar tres mediometrajes, posiblemente el más interesante de largo fue «White, Blue & White«, un acertado documental a cargo del canal ESPN acerca la figura de Ossie Ardiles, su presencia en el mundial del 1978 y su posterior traspaso al Tottenham Hotspur junto a su compatriota Ricky Villa cuando la posibilidad de que jugadores extranjeros jugarán en la liga Inglés era cuanto menos novedosa, una trayectoria que se vio repentinamente interrumpida por la guerra de las Malvinas, un testimonio ofrecido en primera persona a cargo de Ardiles a medio camino entre la tragedia familiar y su difícil situación coyuntural como jugador argentino en la Premier, es a partir de ahí cuando «White, Blue & White» gana enteros y  nos es presentada como una ceñida obra dramática que termina convirtiéndose en un acertado ejemplo de lo que debería ser un documento televisivo que trasciende más allá de lo meramente futbolístico.

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Por otra parte la visión ofrecida en «Looking For Barcelona» de la rivalidad existente los dos grandes rivales deportivos de la ciudad, RCD Espanyol y FC Barcelona con la algo fantasmal presencia de Eric Cantona de por medio aporta bien poco más allá de lo puramente anecdótico a los que nos toca vivir dicha tesitura, un documento algo difuso y de desarrollo irregular en lo referente a su exposición, la carencia de una voz en off y un discurso político por parte de algunos entrevistados algo confuso y en parte discutible hacen del documental una muestra
  fallida en el desarrollo de un tema que da para una exploración mucho más amplia y profunda. Como colofón final del OffsideFest 2016 y aprovechando la presencia como jurado del director Manuel Huerga se tuvo la ocasión de visionar su último trabajo, «371. Thiago Alcantara«, una producción a cargo de Mediapro que es la unión de 4 breves capítulos en donde se nos cuenta la dura vivencia de Thiago durante esos fatídicos días, desde su lesión hasta su recuperación, un documento provisto de entrevistas a compañeros y familiares en un conseguido relato cotidiano a través la dureza del día a día en la recuperación una grave lesión.

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“Hay quien dice que el futbol no tiene nada que ver en la vida de un hombre con las cosas más esenciales. Desconozco cuanto sabe esta gente de la vida. Pero de una cosa estoy seguro; no saben nada del futbol”.

Edurado Sacheri

Primer avance del festival Cinema d’Autor de Barcelona D’A 2016

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El D’A – Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona anuncia los veinte primeros nombres de los más de setenta filmes que formarán parte de la sexta edición del festival, que se celebrará del 21 de abril al 1 de mayo. Entre las secciones Direccions, Talents, Transicions y Retrospectiva, dentro del D’A 2016 se podrán ver películas de 23 países, con doce obras de directores debutantes, diez filmes españoles y diez obras dirigidas por mujeres, que abarcan todo tipo de géneros, desde las nuevas formulaciones del documental al género, reuniendo un año más el mejor cine que se hace en el mundo, los nombres más destacados del momento y las películas que redefinen continuamente la autoría contemporánea. El D’A 2016 empezará el día 21 de abril con la presentación de Cegados por el sol, la nueva película del director italiano LUCA GUADAGNINO (Yo soy el amor) protagonizada por Tilda Swinton, Ralph Fiennes, Dakota Johnson y Matthias Schoenaerts. La propera pell, la nueva película de ISAKI LACUESTA, codirigida con ISA CAMPO y protagonizada por Sergi López, Emma Suárez y Àlex Monner, clausurará el festival.

DIRECCIONS

La sección Direccions está dedicada a los autores de referencia sin los cuales no se puede entender la creación cinematográfica contemporánea y nombres habituales de los principales festivales del mundo. Año tras año, el D’A se hace eco de las nuevas películas de los clásicos del cine de autor, y en la sexta edición del festival se proyectarán las nuevas obras de directores como HONG SANG-SOO (Ahora sí, antes no), BRILLANTE MENDOZA (Taklub), TERENCE DAVIES (Sunset Song), ARNAUD DESPLECHIN (Trois souvenirs de ma jeunesse), ALEXANDER SOKUROV (Francofonia), PHILIPPE GARREL (L’ombre des femmes), ANDRÉS DUQUE (Oleg y las raras artes) o MARCO BELLOCCHIO (Sangue del mio sangue), entre otros.

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PANORAMA DE LA MEJOR AUTORIA EN TRANSICIONS

El D’A no puede dejar pasar las mejores películas de cine de autor que se ha presentado en los festivales internacionales y han despertado el interés de la crítica y la cinefilia de todo el mundo. Así dentro de la sección Transicions algunas de las películas más sorprendentes del año, un radar de la mejor producción del momento, con películas como Dead Slow Ahead del español MAURO HERCE (ganador en Locarno 2015 del premio especial del jurado a Cineastas del Presente), Happy Hour de RYUSUKE HAMAGUCHI, quizá una de las mejores películas que nos han llegado desde el Japón en los últimos años, la producción indie norteamericana Nasty Baby de SEBASTIÁN SILVA con Kristen Wiig como protagonista, El nome de los árboles del asturiano RAMÓN LLUÍS BANDE o la revelación mexicana Te prometo anarquía de JULIO HERNÁNDEZ CORDÓN.

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SANGRE FRESCA EN LA SECCIÓN TALENTS

Talents, la sección competitiva del festival, acoge una selección de películas de directores con un máximo de tres filmes en su filmografía -con doce directores que presentan su primera película- en un viaje que nos lleva por los caminos más nuevos y las voces más frescas de la creación cinematográfica, con visiones osadas, riesgo creativo y diversidad de temáticas y puntos de vista. Se podrán ver la mejor película debutante de Locarno, la china Kaili Blues de GAN BI o una de las revelaciones del año, Bang Gang (Une histoire de amour modern) de la directora EVA HUSSON. Fuera de competición, 600 millas de GABRIEL RIPSTEIN (premio a la mejor película de un director debutante en la Berlinale 2015), Demon del tristemente desaparecido MARCIN WRONA y el primer largometraje como director de LOUIS GARREL, Les deux amis.

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EL DIRECTOR SHARUNAS BARTAS, PROTAGONISTA DE LA RETROSPECTIVA D’A 2016

El director lituano SHARUNAS BARTAS será objeto de la retrospectiva del D’A 2016, aprovechando la presentación de su nueva película después de seis años de inactividad, Peace to Us in Our Dreams. Su obra, formada hasta hoy por doce largometrajes y cortometrajes, dibuja perfectamente el mundo contemporáneo: la miseria, la soledad, los problemas de comunicación, la búsqueda de un futuro mejor que parece inalcanzable. Cineasta de los límites, Bartas confronta los hombres a los espacios y a menudo se pierde en largas expediciones. Su cine se vive como una experiencia física en la cual los lugares y su naturaleza resultan determinantes, dictando una ley que no se puede desobedecer. En colaboración con la Filmoteca de Catalunya se presentará su obra completa, una oportunidad única para descubrir a un cineasta inédito en nuestras pantallas, con obras de impacto como Indigène de Eurasie o The House (protagonizada por Valeria Bruni-Tedeshi y Alex Descas).

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Nicolas Cage y Elijah Wood bajo sospecha, póster y tráiler de «The Trust»

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Acaba de ver la luz un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster del nuevo film protagonizado por el últimamente pluriempleado Nicolas Cage y Elijah Wood, «The Trust«, un thriller criminal a modo de buddy movie que está dirigido por los hermanos
 Alex y Benjamin Brewer, el film tiene la particularidad de contar en su reparto con el mítico Jerry Lewis en un papel secundario. La película tendrá el próximo 13 de mayo un estreno simultáneo en VOD y cines.

«The Trust» nos narra la historia de dos policías que descubren por casualidad el lugar donde está escondida una gran suma de dinero relacionada con el tráfico de drogas. La codicia de los dos agentes les llevara a apropiarse del botín, viéndose obligados a partir de ese momento a luchar por su propia supervivencia y cuestionarse cada uno de los movimientos que realizan a partir de ese instante.

La película está interpretada por Nicolas Cage, Elijah Wood, Kevin Weisman, Jerry Lewis,  Steven Williams, Sky Ferreira, Keston John, Tom Bonello, Christie Beran, Tommie Vegas, Jay Hieron, Lisa Gardner, Phillip Allen Hall III, Frank Parrillo, Mark Roman y Vanessa Christelle.

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Arranca el Offside Fest 2016

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En su tercera edición, que comienza hoy y se alargará hasta el 13 de marzo en Barcelona, el festival internacional de documentales de fútbol proyectará hasta 14 largometrajes y 14 cortometrajes que explican apasionantes historias alrededor del fútbol desde un punto de vista social, cultural, histórico y deportivo.
 La Sesión Inaugural de esta noche en la Antiga Fàbrica Estrella Damm, a partir de las 20:15h, contará con la proyección del clásico El Profeta del Gol de 1976, sobre Johan Cruyff. Después habrá un coloquio con David Carabén (líder de Mishima) y Jordi Marcos (director de L’Últim Partit).

EL CINE MALDÀ, NUEVA SEDE

A partir de mañana el festival estrenará sede en el Cine Maldà de Barcelona, donde hasta el sábado se podrán vivir historias como el emotivo repaso a la carrera de Paul Gascoigne (Gascoigne), el ejemplar lucha de un equipo de fútbol femenino de Tánger para visibiliizar su día a día (Tanger Gool), las repercusiones sociales de la reconstrucción del mítico Estadio Maracaná de Río de Janeiro (Geraldinos), y la particularísima guía futbolística teorizada con mucho humor por el Monty Python John Cleese (The Art Of Football).

Además, habrá espacio para la brutal historia de Return To Homs y su cruda visión de la guerra civil siria, y las historias esperanzadoras, cada una a su manera, de Gol de Cuba, I Believe In Miracles, Una Meravigliosa Stagione Fallimentare y 70 años llegando a casa.

INVITADOS DE LUJO

Frank Clark, ex-jugador, ex-entrenador y ex-presidente del Nottingham Forest, asistirá a la proyección del documental I Believe In Miracles (viernes 11 a las 20:30h). Además, nos visitarán los directores de films como Gascoigne, Profis, y Llegando a casa.

MATINAL GRATUITA Y CLAUSURA EN LA ANTIGA FÀBRICA ESTRELLA DAMM

La tradicional sesión matinal gratuita de cortometrajes tendrá lugar el domingo por la mañana, a partir de las 12:30h, en la Antiga Fàbrica Estrella Damm,  con documentales de Copa 90 También se celebrará un torneo de Pro Evolution Soccer 2016.

El Offside Fest 2016 celebrará su sesión de clausura el domingo 13, de nuevo en la Antiga Fàbrica Estrella Damm, con la proyección de los documentales White, Blue & White, Looking For Barcelona de Eric Cantona, y 371. Thaigo, corto dirigido por Manuel Huerga sobre la recuperación del futbolista actualmente en el Bayern de Múnich.

 

PROGRAMACIÓN OFFSIDE FEST 2016

 – Miércoles 9 de marzo: Sesión inaugural en la Antiga Fàbrica Estrella Damm

 – Del jueves 10 al sábado 12 de marzo: Proyecciones en el Cine Maldà

 – Domingo 13 de marzo (matinal gratuita): Torneo de Pro Evolution Soccer 2016 y matinal de cortos de Copa 90 en la Antiga Fàbrica Estrella Damm

 – Domingo 13 de marzo (tarde): Sesión de clausura y entrega de premios en la Antiga Fàbrica Estrella Damm

PROGRAMA DE MANO CON LOS HORARIOS

 

Crónica festival Americana 2016. Día 3

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Trumbo

Dalton Trumbo fue uno de los más importantes guionistas del Hollywood clásico. Pero era militante comunista. Y además valiente. Y se vio encarcelado, marginado y apartado de su carrera por una sociedad manipulada y unos dirigentes que no querían sentirse amenazados por la lucha de clases o por tener que ceder derechos a los más desprotegidos. La paranoia de la Guerra Fría por parte de algunos y el miedo por parte de otros conducirán a Trumbo al exilio dentro de su propio país, al olvido y al anonimato, justo después de que se hubiera convertido en el guionista mejor pagado del mundo. Su lucha, su resistencia, la relación con su familia y las distintas actitudes de las personas que le rodean servirán para trazar un vivo retrato de aquel Hollywood tan lejano y de aquella etapa triste de los EEUU, además de un relato humano de quien todavía a día de hoy es considerado uno de los guionistas más brillantes de la historia.

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«Trumbo» fue la encargada de clausurar la tercera edición del Americana 2016, un biopic interpretado por el gran Bryan Cranston y realizado por Jay Roach partiendo de la obra “Dalton Trumbo” de Bruce Cook, un retrato que posiblemente  huya  o no acierte a dotar convenientemente de la profundidad requerida al personaje principal, por el contrario el film nos ofrece una exposición a medio camino entre lo más puramente académico y la visión amena y correctamente cronológica de los lamentables hechos que tuvo que sufrir el guionista norteamericano en aquellos años. Hay dos maneras a la hora de enfrentarse a un film de las características de «Trumbo«, por un lado los más conocedores de una de las páginas más negras de la historia de Hollywood seguramente sentirán una cierta decepción ante la falta de sutileza del relato o de una visión más personal e incisiva en el retrato expuesto de Dalton Trumbo, por contra los no tan versados en la materia encontraran en la película una perfecta herramienta didáctico-histórica que funciona como un fluido entretenimiento al  mezcla el drama con toques de comedia al más puro estilo clásico, básicamente porque «Trumbo» consigue funcionar de manera solvente como un profuso catalogo-anecdotario que se apoya en su propia cinefilia, ahí es donde gracias a un ceñido y acertado casting (especialmente brillantes Bryan Cranston y Helen Mirren) el film exhibe sus puntuales aciertos, las referencia y las apariciones de multitud de estrellas de aquellos años y que posturas decidieron tomar muchos de ellos reinan por completo en una función que no quiere o no puede sentar cátedra en la materia, su resultado terminan asemejándose más a una pieza de connotaciones tan efectivas como funcionales.

Valoración 0/5: 2’5

 

Wildlike

Mackenzie es una hermosa adolescente a quien su madre envía a vivir un tiempo a Alaska con su tío, después de la muerte del padre. Pero la relación entre ambos se nos antoja extraña y pronto descubriremos que turbia. Así que la chica huye con destino a Seattle, improvisando sobre la marcha la forma de llegar. El destino la cruzará con Rene, un hombre maduro y viudo con quien vivirá una aventura por las fascinantes tierras de Alaska y con quién iniciará una relación de amistad basada sobre todo en los silencios y la mutua compañía. Pero el tío de Mackenzie no se dará por vencido y la buscará por toda Alaska, para mantener en secreto aquello que les une, pero que también los separa.

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El debut en la dirección de Frank Hall Green fue una de las propuestas presentadas este año dentro
 del festival más fallidas, un film de ritmo excesivamente lento que no termina de encontrar el tono en prácticamente ningún momento de su metraje, a medio camino entre la road movie de poder curativo en lo emocional y el drama de problemática adolescente más una suerte de thriller final, «Wildlike» termina por no sabe encausar adecuadamente un nivel narrativo que fracasa tanto en lo concerniente a su retrato intimista, el de dos personas heridas que tienen que compartir travesía, como a la hora de saber detallar con solvencia su supuesta ambigüedad genérica respecto a lo que es su núcleo narrativo, la descripción de personajes esta radiografiada de forma tan entrecortada que se hace por momentos casi  imposible poder otorgarles la solidez  que se requería en un principio. Al final los únicos activos que podemos destacar de «Wildlike» los vemos únicamente en la solvencia actoral de Bruce Greenwood (un extraordinario secundario de lujo a lo largo de prácticamente toda su carrera) y los paisajes naturales de Alaska que vamos viendo durante el metraje, algo que como resultado final sabe a bien poco la verdad.

Valoración 0/5:2

 

Prophet’s Prey

Warren Jeffs es el líder de la “Iglesia de los santos de los últimos días”. Esta secta evangelista y poligámica de tradición centenaria. Esconde muchos secretos. Viven en pueblos inexpugnables y tienen su propia ley. Las cosas cambian cuando Jeffs, heredero de un linaje de líderes de la iglesia, es acusado de abuso de menores. La investigación llevará a revelar las partes más oscuras de una organización enorme, llena de paranoia, intereses, idolatrías, mentiras y miedo.

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Prophet’s Prey fue uno de los documentales vistos dentro de la nueva sección Americana DOCS, dirigido por la últimamente pluriempleada Amy Berg («West of Memphis«, «Deliver Us from Evil» y la recientemente estrenada «Janis: Little Girl Blue«), el film se adentra en la figura de Warren Jeffs, líder de la secta Fundamentalista SUD y de los abusos que fue cometiendo como “profeta” de la organización. «Prophet’s Prey» podríamos catalogarla como una pieza de corte algo tradicional en lo referente a su desarrollo, su narrativa camina a medias entre los testimonios (algo escuetos) y una investigación estructurada cronológicamente, es en la parte final cuando «Prophet’s Prey» gana atributos al adquirir las connotaciones de un documento de terror amparado en su no ficción.

Si hasta ese momento habíamos seguido la deleznable figura de Warren Jeffs (cerrada de forma escalofriante con una escena en la que la pantalla se pone negra mientras oímos el audio de una ceremonia ritual en el templo donde Warren Jeffs mantiene relaciones sexuales con una niña de 12 años) Amy Berg consigue dar un acertado golpe de timón en esa parte final cambiando el rumbo e introduciéndonos en el sistema de creencias utilizado por un líder encarcelado de por vida hacia sus acólitos, porque al final nos damos cuenta que el auténtico horror no recae en un solo individuo sino en el poder de manipulación de este hacia sus seguidores, es ahí cuando ese reino de terror mental adquiere un status de máxima perturbación hacia el espectador, un retrato en donde su escalofriante veracidad rompe esa barrera de seguridad que suele coexistir dentro de los parámetros de la ficción.

Valoración 0/5: 3’5

 

The Invitation

Will y Eden perdieron a su hijo años atrás. La tragedia afectó su relación de forma irreversible, hasta el punto de que ella desapareció de la noche a la mañana. Un día, Eden regresa a la ciudad; se ha vuelto a casar y en ella parece haber cambiado algo, convirtiéndola en una presencia inquietante e irreconocible incluso para Will.

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«The Invitation» es indiscutiblemente una de las sorpresas más positivas del pasado 2015, aunque en un principio pueda llegar a descolocarnos en algo dado los antecedentes de sus responsables, su directora Karyn Kusama se resarce aquí de anteriores trabajos suyos como eran las horrendas «Aeon Flux» o «Jennifer´s Body» para presentarnos un producto de premisa modesta pero de resultado enriquecedor, ubicado en un escenario claramente minimalista «The Invitation» se presenta en forma de un drama psicológico que va mutando hacia el horror conforme avanza su recorrido argumental, que sabe alejarse de manera consiente del consabido relato de tono críptico usado de forma algo habitual en productos de trazado indie para ofrecernos lo diametralmente opuesto, una historia cocinada a fuego lento en base a un tempo narrativo bien llevado, de estructura sencilla en apariencia, una interpretación de ciertos comportamientos sociales bajo la apariencia de un drama profundamente dialogado y expuesto en cómo el dolor asumido de forma personal ante un hecho luctuoso puede llegar a convertirse en algo realmente espeluznante según como sea aceptado, a partir de dicha premisa el film va jugando en lo concerniente a una serie de continuas sospechas que nos van siendo mostradas y dosificadas en forma de pistas, para dar paso a un continuo tour de force en lo referente a una tensión muy bien direccionada y que termina derivándola en su tramo final a un twist-ending en el que cambia por completo de registro, algo que posiblemente rompa el tono exhibido hasta ese momento.

Seguramente «The Invitation» expuesto en términos plurales no sea un grandioso film, de echo la propuesta presentada por Karyn Kusama es tan sencilla de como efectiva en resultados, pero no deja de ser un notable ejercicio de cómo saber ejecutar el recurso de la tensión psicológica a un relato, en donde su mejor virtud es la de lograr reclutar por completo la atención del espectador durante prácticamente todo su metraje, algo hoy en día digno de resaltarse.

Valoración 0/5: 4

Pantalla espectral. Las 50 películas básicas de fantasmas

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Si existe algún lugar donde el fantasma tiene una verdadera razón de ser, ese es sin lugar a dudas el cine. Las películas son las verdaderas casas encantadas, lugares donde los muertos viven eternamente y donde las tragedias se repiten sin fin, siempre prestas a aparecer ante los ojos inocentes (impresionables, objeto de posesión) de nuevos espectadores. Este libro no sólo se aproxima al concepto de fantasma o espectro con metodología pragmáticamente romántica vinculada a las diversas formas culturales y sociales, sino que se sienta alrededor de una mesa, atenúa las luces y convoca a algunos de ellos. Quedan ustedes invitados a unirse a esta sesión sobrenatural y a adentrarse en una selección de los 50 títulos cinematográficos que consideramos imprescindibles sobre la temática fantasmal. Comedia, romance, terror, experimentación, acción, drama, fantasía… Un viaje hacia lo desconocido y hacia lo inexplicable. Un viaje hacia ese Más Allá atrapado en celuloide.

Autor; Fausto Fernández; Editorial; UOC. Páginas; 182

Crónica festival Americana 2016. Día 2

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Digging for Fire

Tim (Jake Johnson) y Lee (Rosemarie DeWitt) son una de esas parejas atrapadas en su rutina. Con un bebé y las circunstancias sociales de su clase, se sienten obligados a hacer de su amor, una apariencia indispensable en el círculo en que se mueven. Pero una visita familiar y un descubrimiento harán que la pareja opte por dividirse y salir de la claustrofóbica relación durante un fin de semana. La aventura de cada uno por separado en busca de la felicidad y de sus miedos y de sus razones nos acercará a temas trascendentales siempre a través de la mirada ligera de su director.

La nueva película de Joe Swanberg vuelve a incidir en esas pequeñas taras emocionales que subyacen dentro de las parejas que aparentan una felicidad carente de una estabilidad emocional, una crisis matrimonial en donde se sigue a unos personajes a partir de una supuesta búsqueda de la felicidad por separados y durante el trascurso de un breve fin de semana, ya sea a través de una excusa meramente escapista, el descubrimiento de restos humanos en el jardín de la casa donde pasan unos días de relax (el) o bien a través del intento de pequeños escarceos románticos (ella).   

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Un tránsito el que recorre «Digging for Fire» que empieza a partir del cuestionamiento dentro de la propia
 pareja para acabar en una amable parábola sobre el compromiso, en este aspecto queda claro que lo mejor del nuevo film de Joe Swanberg reside parcialmente en lo referente a su trayecto y no en su finalidad (algo pueril), la narrativa de ese microcosmos del descontento llega a funcionar de manera algo dispersa y abrupta, una premisa la expuesta que incluso podríamos catalogarla como una versión alternativa y de claro calado indie del «Eyes Wide Shut» de Stanley Kubrick.

Valoración 0/5: 2


Blood Brother

Rocky Braat no tiene la estabilidad emocional que necesita. Siempre ha querido formar una familia, quizás porque la suya de tan desestructurada es casi inexistente y vive con su amigo del alma, Steve. Buscando encontrarse a sí mismo, comienza un viaje por la India sin destino concreto. Una vez allí, el azar le hará cruzarse con un orfanato de niños con SIDA y su vida cambiará radicalmente. Enganchado a sus afectos, sintiéndose útil y pleno por una vez en su vida, Rocky luchará para sacar a los niños adelante. Pero la pobreza y la enfermedad que sufren harán que la situación sea cruda y desesperada en muchos momentos. Una película dura y tierna que nos acerca a aquellos que sin haberlo planificado destina su vida a ayudar a los demás.

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Dentro de la nueva sección (Americana DOCS) y en la jornada solidaria del festival se rescató «Blood Brother«, opera prima de Steve Hoover, presentada en el Festival de Sundance de 2013 en donde ganó los premios al mejor documental y el premio del público. Difícil el poder discernir de un forma ecuánime los atributos de un film en donde la propia naturaleza del producto va más allá de lo que es su calidad, un retrato crudo y desgarrador, de los que a priori ya esperas que te conmuevan desde un principio. «Blood Brother» huye del prototípico film-denuncia, básicamente nos encontramos ante un diario personal de alguien que decide abandonar su vida acomodada en Estados Unidos para establecerse en la India, donde conoce a un grupo de niños infectados con el VIH Sida. «Blood Brother» funciona como un perfecto retrato de la muestra del poder del amor desinteresado hacia las personas más desfavorecidas, la pregunta viene dada en saber si el retrato que nos ofrece el documental de su protagonista resulta acertado o no, y aquí me remito a lo arriba comentado, en cierta manera el personaje de Rocky Braat convive dentro de una especie de anonimato autoimpuesto, sus motivaciones parecen alejarse por completo del idealismo o la rebeldía, y posiblemente aquí resida la grandeza del documental, en la falta de un discurso propio de tono reivindicativo, una exposición está que los héroes anónimos no suelen necesitar.

Valoración 0/5: 3


People Places Things

Will está absorto en la fiesta de aniversario de sus hijas cuando descubre a su mujer poniéndole los cuernos con un invitado. Ella decide dejarlo, ya que las expectativas en su vida no se han cumplido a su lado. Él, tan aburrido como buena persona, mirará de rehacerse, volverse a enamorar, tener la capacidad de perdonarla y sobre todo encontrar el tiempo y la dedicación suficientes para poder disfrutar más y mejor de sus dos hijas.

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«People, Places, Things» fue la encargada de inaugurar el festival, una película que podríamos catalogarla como un claro y definido prototipo o exponente de la comedia indie norteamericana más actual, un tipo de film de tono sobradamente amable, alejada de tesis transcendentales a la hora de discernir el desarrollo de sus personajes, una tesitura esta que en cierta manera le obliga a transitar hacia una argumentación algo despreocupada pero que suele dar como resultado el contentar a prácticamente a todos tras su visionado. La película de James C. Strouse versa en un principio sobre las relaciones humanas de pareja, sus rupturas, el comienzo de una nueva pero de una manera algo dispersa, pues «People, Places, Things» no es solo un film de relaciones sentimentales, básicamente asistimos a como un hombre ha de afrontar una nueva situación vital, paternidad, trabajo y por supuesto las relaciones románticas a las que se enfrenta, en este aspecto el principal activo del film recae sobre Jemaine Clement, uno de los creadores de «Flight of the Conchords«, actor y director que hemos visto recientemente en la sátira vampírica «What We Do in the Shadows«, sin su empatía actoral sería prácticamente imposible que «People, Places, Things» llegara a funcionar en lo referente a
 su cometido, un film en definitiva que es plenamente consciente de sus propias limitaciones, una simplicidad desarrollada en base a ingeniosos diálogos que la deriva a un producto tan liviano por momentos como ingenioso en su finalidad.

Valoración 0/5: 3


The Overnight

The Overnight nos explica la historia de una pareja recién llegada a Los Ángeles junto a su hijo. Obsesionados con disponer lo más rápidamente posible de una vida social de la que enorgullecerse y de conocer a nuevos amigos, no dudarán en aceptar la invitación de su nuevo vecino, Jason Schwartzmann, a una velada en su lujosa casa. Pero lo que en principio parecía una invitación inocente les llevará a pasar una noche de lo más bizarra con el matrimonio vecino.

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«The Overnight» de Patrick Brice (autor del curioso y estimulante found-footage «Creep» con la que comparte muchos puntos de semejanza a pesar del cambio de registro genérico) se mueve dentro del terreno de la comedia sexual de equívocos, un humor que orbita a través de la sutileza y muy especialmente de la incomodidad, una incomodidad aunque en clave de terror que ya estaba presente en el anterior trabajo de Patrick Brice, en «The Overnight»se contextualiza desde su inicio su hasta cierto punto esquemática
 historia de una forma muy rápida, sin embargo puede llegar a resultar algo complicado que un film de estas características permanezca con nosotros mucho más tiempo después de lo que es su visionado, pues estamos ante un producto que se rige en función básicamente de sus gags y de la comicidad que se le quiera otorgar por parte del espectador a sus personajes.

La inseguridad de la pareja con el trasfondo del tema swinger como supuesta terapia de choque y elemento solucionador, o la necesidad imperiosa de establecer un lazo de comunicación con personas en un principio no muy afines a tu propia personalidad, son solo algunas cuestiones que lanza al aire «The Overnight«, un film que termina teniendo como principal virtud el huir de una manera consiente de ese humor zafio o fácilmente frívolo que dada la premisa de la película era bastante fácil en incurrir, a favor de un tono más liviano o sugerido, algo que le da un cierto sentido a lo que es su propia narrativa, colocando a Patrick Brice como un director aun en desarrollo pero poseedor de un discurso lo suficientemente interesante como para seguirle la pista en un futuro.

Valoración 0/5: 2’5

Una triple historia criminal, tráiler del thriller producido por Johnnie To «Trivisa»

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Fue uno de los títulos vistos en el pasado festival de Berlín dentro de la sección Forum, «Trivisa» (Shu Dai Jiu Fung) película proveniente de Hong Kong supone el debut tras las cámaras del trio de directores noveles Frank Hui, Jevons Au y Vicky Wong, en un film producido por Johnnie To y cuyo primer tráiler junto algunas de sus imágenes podéis ver a final de página. «Trivisa» es un thriller de acción contado a tres bandas, cada director se ocupa de un personaje diferente en una historia que converge y que integra el cine de gangsters dentro un contexto histórico determinado.

«Trivisa» nos sitúa en el verano del año 1997, Hong Kong prepara para el traspaso de soberanía a China y el crimen organizado tiene la necesidad imperiosa de reconvertirse ante la nueva situación política que implicará obligatoriamente nuevos códigos de conducta. «Trivisa» nos cuenta la historia de tres conocidos delincuentes que con la apertura de la frontera a China desean cruzar la frontera y hacer fortuna en un Hong Kong en pleno auge económico. El título del film hace referencia a los «tres venenos«, que según la tradición budista conducen al sufrimiento: la ilusión, el deseo y la furia. Cada personaje representa uno de esos estados.

La película está interpretada por Richie Jen, Jordan Chan, Ka Tung Lam, Kwong Leung Wong y  Fung Woo.

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El espíritu de Sitges sobrevuela el Phenomena

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«Bone Tomahawk» y «We are Still Here» son las propuestas que se podrán ver este mes en el ciclo Sitges Highlights. Durante el mes de marzo, Phenomena Experience incluye dentro de su programación dos títulos de Sitges 2015. Se trata de «Bone Tomahawk», un western caníbal doblemente premiado en el Festival, y «We are Still Here«, el film de terror sobrenatural que hizo temblar el Auditori del Meliá. Las sesiones de «Bone Tomahawk» tendrán lugar el jueves 10 de marzo, a las 22.30 horas; el sábado 12, a las 13 horas, y el martes 15, a las 17.20 horas. La proyección del jueves será el preestreno del film, que llega a los cines el viernes 11. La película consiguió dos premios en Sitges 2015: a la mejor dirección para el debutante S. Craig Zahler y el premio José Luis Guarner de la crítica. Kurt Russell interpreta al sheriff que guiará a un grupo que persigue el rastro de un fugitivo que pertece a una tribu de caníbales.

El 22 de marzo, a las 22.30 horas, será el turno de «We are Still Here«, de Ted Geoghegan. Un film que remite a los primeros años ochenta y que conecta con el alma de Lucio Fulci. Un matrimonio se traslada a un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra después de la muerte de uno de sus hijos. Una serie de hechos extraños convencerán a la mujer de que el espíritu de su hijo habita en la casa. Para tratar con los fantasmas, invitarán a una excéntrica pareja.

Sitges Highlights es un ciclo que surge de la colaboración entre Phenomena y el Festival, con el objetivo de recuperar, en sesiones especiales cada mes, algunos de los títulos más interesantes de Sitges 2015. Anteriormente, se han proyectado las cintas «High Rise«, de Ben Wheatley, y «The Final Girls«, de Todd Strauss-Schulson.

Más información y venta de entradas aquí.

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Crónica festival Americana 2016. Día 1

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Del 3 al 6 de marzo se celebró la tercera edición del festival de cine independiente norteamericano de Barcelona (Americana 2016), un certamen pequeño en lo referente a su estructura pero rico en propuestas e intenciones y sobre todo en ilusión por parte de los que lo organizan, quien sabe si en un futuro, esperemos que no muy lejano, el festival vaya creciendo, de momento hay un público que responde plenamente a lo que se le ofrece y lo que es más importante desde mi punto de vista, la especialización en la que se sustenta el certamen es ahora mismo muy vasta y amplia en lo concerniente a lo que es su oferta actual, hay muchísimo cine independiente proveniente de Estados Unidos interesante, posiblemente dado las limitaciones del propio festival no se llegue a abarcar esta tendencia de una forma más amplificada en lo concerniente a dicho sector, sin embargo si ya en la pasada edición se creó la sección NEXT (dedicada a propuestas de índole más arriesgadas) este año se inauguró una sección exclusivamente dedicada al cine documental (Americana DOCS), una temática que ya de por si da suficiente material interesante como para hacer un festival solo dedicado a ello. A continuación un resumen de lo más destacado visto en estos tres días en un festival que tuvo como denominador común las reuniones familiares o de amistad, expuestas desde diferentes ópticas y conceptos, y que tuvo como principal punto de referencia en el publico dos films vistos en Sitges y que obtuvieron un sold out en sus diversos pases, «The Invitation» y «Tangerine«, film que contó con la presencia de su director de fotografía Radium Cheung.


King Jack

Jack tiene 15 años, un hermano mayor que pasa de él y una madre demasiado ocupada trabajando como para darse cuenta de sus problemas. Su vida tiende al drama adolescente: Las chicas se ríen de él, la escuela es un palo y sólo falta un grupo de chicos mayores, capitaneados por Shean, que lo persiguen y abusan de él día tras día. No parece que su situación vaya a mejorar con la llegada de su primo pequeño, Ben, de quien se tendrá que ocupar unos días. De hecho las cosas todavía pueden empeorar.

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Uno de los muchos debuts en la dirección que se pudieron ver en esta edición fue el de Felix Thompson y su «King Jack«, un film correcto en base a su empatía formal pero algo desprovisto en cómo saber utilizar de una forma más arriesgada la garra emocional, una película que transita por tendencias y caminos bastantes reconocibles dentro de un cierto tipo de cine independiente norteamericano, en «King Jack» asistimos
  a las vivencias y al intento de supervivencia de un problemático joven adolescente ubicado dentro de un entorno claramente hostil, desarraigo emocional familiar + acoso con el bullying de trasfondo + primeros escarceos sentimentales, elementos estos muy reconocibles dentro de un contexto habitual muy determinado.

Posiblemente «King Jack» llegue a abusar por momentos de ciertos tópicos e inherentes clichés temáticos, sin embargo su gran baza y en donde consigue ganar algunos enteros en lo referente a su narrativa está en cómo saber exponer esa naturalidad de tono idealista en clave teen, ese aprendizaje emocional expuesto de forma algo fluida en la trama del film en apenas 48 horas de vivencias, un enclave temporal en donde nuestro protagonista tendrá que dilucidar qué camino a seguir tiene que ser el correcto, de sus decisiones estar el recuperar ese reinado emocional al que hace referencia el título y que por circunstancias de la vida perdió tiempo atrás.

Valoración 0/5:2’5


Take me to the River

Ryder es un adolescente inocente y ensimismado de California. Se ve obligado a asistir a una reunión de familia en el centro rural de los Estados Unidos e intenta pasar desapercibido. Enseguida se convierte en el ídolo de su prima pequeña, Molly, que le sigue a todas partes. Pero un pequeño accidente hace que Molly acabe con el vestido manchado de sangre. Esta anécdota enrarece el encuentro y las sospechas caen sobre Ryder. Un ambiente enrarecido y peligroso plana sobre todos los asistentes con consecuencias imprevisibles.

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Otros de los films que basculaban en un principio alrededor de la problemática adolecente fue «Take me to the River» del también debutante Matt Sobel, aunque expuesto desde una perspectiva muy poco convencional y muy diferente de por ejemplo «King Jack«, el film que reseñamos más arriba.

«Take me to the River» es de esos films que sin saber muy bien si lo hacen de una forma voluntaria o no juegan constantemente a la confusión y al despiste de tono incomodo tanto a nivel narrativo como temático, hasta llegar a una conclusión final que invita a una cierta reflexión nada complaciente, un descontrol  conceptual que abarca desde la comedia negra de equívocos de tono esperpéntico hasta un cierto costumbrismo dramático-familiar para acabar presentándose en forma de agria fábula moralista acerca de los abusos sexuales, todo ello sustentado en lo referente a su ambigüedad genérica, un curioso y algo deslavazado catálogo de comportamientos que terminan convirtiéndose en reversibles, los de una familia dividida entre los que habitan en la urbe y los que han tenido que subsistir dentro de esa América profunda. «Take me to the River» posiblemente no llegue a conceptuar de una manera sólida lo que es su propio tono, principalmente debido a una naturaleza que la deriva hacia una diversidad algo tosca, sin embargo si logra funcionar como atípico vehículo en el que a través de un festín humorístico de contornos incomodos termina por esbozar un servicio de cierta denuncia social, un esquema este que aunque expuesto desde unas diferentes coordenadas la llegan a emparentar por momentos a la notable «The Hunt» de Thomas Vinterberg.

Valoración 0/5:3’5


Krisha

Krisha lleva años sin hablar con su familia. La vida no ha sido fácil. Pero sus problemas parecen controlados, se siente en paz y es el momento ideal para reencontrarse con su familia y agradecer el apoyo a hermanos y sobrinos. Nadie parece tenerle en cuenta la ausencia ni los malos momentos pasados. Y Krisha lo quiere celebrar preparando ella misma la mejor comida de Acción de gracias de sus vidas. Por desgracia en pocas horas de convivencia todo empieza a enrarecerse. ¿Será o no el día de Acción de gracias soñado por todos ellos? Krisha tendrá que hacer frente a sus temores, debilidades y sentimiento de culpa delante de toda su familia.

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«Krisha» fue indudablemente la apuesta más arriesgada presentada este año dentro del festival y la más interesante con diferencia desde mi punto de vista, Trey Edward Shults en una nueva opera prima nos ofrece un impactante y demoledor retrato contado en primera persona (extraordinariamente interpretado por Krisha Fairchild) acerca del doloroso proceso mental que ocurre en el trascurso de una cena de acción de gracias visto a modo de fracaso emocional-coyuntural dentro de los lazos familiares, visto y vivido a través de una mente perturbada que paulatinamente ya cayendo en una asfixia emocional que por momentos hace que el film llegue a bordear el terror psicológico.

«Krisha» no es presentada a modo de puzle argumental dentro del arco evolutivo pasado-presente de la protagonista, lejos de un tono críptico su narrativa es hasta cierto punto bastante adivinable, pero este es un recurso necesario pues estamos ante un viaje paulatino y nada complaciente en donde la combinación de elementos técnicos deviene como algo primordial, ejemplar plano secuencia inicial, montaje, fotografía y sonido que ayudan a crear una atmósfera desquiciada en donde prima lo irreal y lo onírico. Pocas veces se ha visto en una pantalla una experimentación del dolor y sobre todo de la indefensión de manera tan aguda e hiriente a la hora de intentar reparar unos vínculos rotos sin ningún tipo de posibilidad de llegar a ser restaurados, el gran mérito de Trey Edward Shults que aparte de saber jugar con todos los elementos de los que dispone es huir de cualquier juicio de valor en lo referente a comportamientos, hasta cierto punto da igual el porqué de la situación, lo importante es hacernos partícipes de ese desasosiego y esa confusión mental, una experimentación que transcurre a través  de una deconstrucción de miedos internos expuestos de forma muy dolorosa, unos atributos estos que termina validando una propuesta autoral totalmente llena de riesgos, huyendo y situándose al mismo tiempo en las antípodas de cualquier tipo de convencionalismos.  

Valoración 0/5:4


They Look like People

Wyatt ya no tiene pareja, ni trabajo, ni esperanza. Con este panorama se refugia en casa de su único amigo, Christian. Éste intentará ayudarlo sacándolo de fiesta, recordando buenos tiempos pasados, presentándole gente, en definitiva, haciendo de amigo. Lo que Christian no sabe es que Wyatt oye voces y recibe llamadas nocturnas que le advierten de un ataque zombie. Unas voces que le advierten de que el fin está cerca. Que nadie es quien él piensa que es y que van a por él. Wyatt sabe que no puede ser verdad. Que quizás se está volviendo loco. Pero todo es demasiado real. No puede parar de pensar en ello. Y mientras se prepara para lo peor pondrá a prueba su amistad con su mejor amigo.

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«They Look Like People» debut en la dirección de Perry Blackshear se presentaba a modo de un producto de claro empaque low-cost que intenta adentrarse en los laberintos del llamado terror psicológico a través de una historia que transitar alrededor de un viaje a la parte más oscura de la mente del ser humano, posiblemente estemos ante una de las películas presentadas este año en el festival (la única propiamente de género) que desaproveche de una manera muy notoria su en un principio brillante premisa.

Básicamente podríamos definir a «They Look Like People» como una propuesta fallida por más de un motivo, ese supuesto terror genérico del que intenta hacer gala brilla claramente por su ausencia, tal como está planteado el film seguramente la única vía en su narrativa valida la direccionaba hacia un ámbito completamente diferente al que finalmente toma, el elemento fantástico podríamos decir que aquí queda prácticamente diluido o relegado a un plano invisible a favor de una suerte de metáfora nada sutil y con un final de claro tono naif acerca de la confianza-desconfianza del individuo en sí mismo y de las personas más cercanas que lo rodean, utilizada aquí como herramienta disyuntiva de autodestrucción. Cuando un producto de estas características hace aguas los medios (ínfimo en este caso y rozando casi lo amateur) en lo que se sustenta juegan muy en su contra, del mismo modo vemos como sus escasos ochenta minutos de duración por momentos se hacen largos, esos intervalos un tanto absurdos de comedia en teoría ubicados a modo de respiro ante una supuesta e incómoda tensión dramática acumulada terminan por empeorar el conjunto, seguramente debido a que «They Look Like People» llega a inquietar muy poco, por no decir prácticamente nada, demostrándonos que a veces no vale solo con huir de lo explicito sino que hay que saber manejar lo sugerido con bastante más tino.

Valoración 0/5:1’5

AMC da luz verde a la adaptación televisiva de la novela «El Terror» de Dan Simmons

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Que las televisiones presenten futuros proyectos de género fantástico cada vez más ambiciosos viene siendo una tónica últimamente bastante habitual,
 la cadena AMC acaba de dar luz verde a la adaptación televisiva de «The Terror«, basada en la novela de Dan Simmons, la serie estará compuesta por una primera temporada de diez episodios de una hora de duración cada uno y con vistas a su estreno en 2017 estando producida por Ridley Scott, David Zucker, Alexandra Milchan y Scott Lambert y escrita por David Kajganich («True Story«, «A Bigger Splashla«) que hará también las funciones de showrunner junto a Soo Hugh («Invisibles«).

La novela publicada en el 2007, nos sitúa en el año 1847, dos barcos de la Armada británica, el HMS Erebus y el HMS Terror, que navegan bajo el mando del capitán Sir John Franklin quedaran atrapados en pleno Ártico a consecuencia del hielo. Sin posibilidad de hacer nada para poder continuar su marcha, rodeados del frío polar y de inminentes peligros, sólo pueden esperar a que llegue el deshielo que les permita escapar de su precaria situación. Poco a poco, los días van pasando y las condiciones de supervivencia se vuelven cada vez más extremas, temperaturas que superan los cincuenta grados bajo cero, provisiones de comida escasas, el deterioro de los barcos o la llegada de enfermedades van mellando la moral de la tripulación. Por si fuera poco, un extraña presencia de una criatura bestial y misteriosa hace que los hombres crean que se enfrentan no sólo a las condiciones más adversas, sino también a fuerzas sobrenaturales que superan sus propias creencias. Con el tiempo y la llegada de las primeras muertes, fantasmas como el de la rebelión, el motín o el canibalismo hacen del escenario un panorama totalmente desolador.

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El poder religioso al servicio de la corrupción, tráiler de «Prophet’s Prey»

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«Prophet’s Prey» es el nuevo documental dirigido por Amy Berg («West of Memphis«, «An Open Secret «
 y la recientemente estrenada «Janis: Little Girl Blue«) y que anteriormente ya había documentado la cara más oscura en este caso de la iglesia católica norteamericana en «Deliver us from evil» (candidata al Oscar al mejor documental en 2006). El film se mueve a modo de thriller real que nos hace descubrir un mundo bastante oscuro. La voz del propio Warren Jeffs obtenida a partir de grabaciones secretas nos desgrana sin pretenderlo los rincones más inconfesables de su organización y los abusos que cometió como su profeta. A este cóctel explosivo hay que sumarle la colaboración en la narración y la música de Nick Cave. «Prophet’s Prey» cuyo tráiler podéis ver a final de página se podrá ver en el inminente Festival Americana de Barcelona dentro de la sección Docs.

«Prophet’s Prey« nos cuenta como Warren Jeffs es el líder de la “Iglesia de los santos de los últimos días”. Esta secta evangelista y poligámica de tradición centenaria esconde muchos secretos. Viven en pueblos inexpugnables y tienen su propia ley. Las cosas cambian cuando Jeffs, heredero de un linaje de líderes de la iglesia, es acusado de abuso de menores. La investigación llevará a revelar las partes más oscuras de una organización enorme, llena de paranoia, intereses, idolatrías, mentiras y miedo.

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James Horner. El don de la inmortalidad

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La inmortalidad es vuestra, cogedla…!”. De esta forma arengaba el héroe griego Aquiles a sus mirmidones momentos antes de arribar a las costas de Ilión, la legendaria ciudad amurallada, patria de los príncipes Héctor y parís, que el maestro conquistó a golpe de timbal y trompeta en troy, una de las obras más polémicas de la historia de la música cinematográfica. Entre las páginas de “el don de la inmortalidad”, los autores muestran la senda que Horner siguió para alcanzar la tan anhelada inmortalidad a través de una obra tan prolífica como genial. Con un exhaustivo repaso a toda su obra los autores homenajean la carrera del compositor que más expectación y debate despierta en la actualidad. Como sí de una misma moneda se tratara los textos recogidos en esta obra muestran las dos formas de ver, sentir y expresar que los escritores tienen sobre la misma realidad.

 Los autores, Antonio Piñera («Aliens», «Flightplan», «Casper») y Antonio Pardo Larrosa («Willow», «Searching for Bobby Fischer», «Troy») muestran la senda que Horner siguió para alcanzar la tan anhelada inmortalidad a través de una obra tan prolífica como genial. Con un exhaustivo repaso a toda su obra los autores homenajean la carrera del compositor que más expectación y debate despierta en la actualidad.

Autor; Antonio Piñera y Antonio Pardo Larrosa; Editorial; T&B Editores. Páginas; 272

«Green Room» review

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Los miembros de una banda punk, tras perderse en una zona aislada, se topan con un horrendo acto de violencia. Debido a que son los únicos testigos, se convierten en el blanco de una pandilla aterradora de skinheads.

Después de su presencia en los pasados festivales de Cannes, Toronto y Sitges entre otros la nueva película de Jeremy Saulnier «Green Room» ha estado precedida por una gran expectación (a mi modo de ver bastante justificada), si en el anterior film de su director (Blue Ruin) este nos ofrecía una conseguida y notable pieza de cine independiente que recurría con esmerado acierto a un discurso acerca del recurso de la venganza ejecutada como tal y su aplicación de la violencia dentro de un contexto trágico-familiar, en «Green Room» pese a mantener ciertas constantes temáticas ya existentes de su anterior trabajo, se es de una forma clara menos profundo y sutil en lo referente a su mensaje, cambia ligeramente de registro para ofrecernos un admirable y casi perfecto ejercicio de estilo, un trabajo de tensión fílmica que orbita alrededor de como la propia violencia coexistente en la vidas de las personas de una forma casi natural por muy abrupto que pueda parecer este concepto, un trabajo y un ritmo narrativo admirablemente bien llevado que no llega a decaer en prácticamente ningún momento de su metraje.

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Podríamos decir que estamos ante uno de esos films de una tendencia algo escueta
 en lo referente a su diversidad ya sea argumental o a nivel de temática, algo que le acerca y le permite erigirse como su principal activo a un tipo de minimalismo de contornos muy potentes especialmente en lo visual, aunque eso sí.. la unitaria vía que opta por desarrollar esta mostrada de una manera admirable en lo que se refiere a sus postulados, unos esquemas estos que beben claramente de un cierto tipo de cine de acción orquestado en los setenta, un cine de serie B que la direcciona al disfrute algo estilizado (las referencias a «Assault on Precinct 13» de John Carpenter o al «The Warriors» Walter Hill son muy evidentes), ofreciéndonos una violencia real y creíble, apartándose de una manera consciente ya sea de una estilización formal impuesta por modas con fecha de caducidad o de un postureo que le aleje del tono hiperrealista y crudo en el que se mueve, algo bastante frecuente en un tipo de cine independiente USA con un sello autoral bastante reconocible últimamente, en este aspecto su apuesta por cierto clasicismo fílmico del cine de acción es muy claro, «Green Room» bajo la excusa del enfrentamiento de dos ramificaciones urbanas tradicionalmente enemistadas por naturaleza entre si sirve al mismo tiempo como un fiel y real espejo virulento y retrato nada complaciente de esa América profunda de extrarradio ubicado en el film dentro de un definido contexto cultural por el que se mueven esas tribus urbanas representadas en el film por punks y skins, perfectamente reflejados en unos interpretes (Patrick Stewart, Imogen Poots, Anton Yelchin) en verdadero estado de gracia.

«Green Room» pese a ser un ejercicio de tensión ubicado dentro de una historia de claustrofóbico suspense con un excelente uso de los espacios cerrados, y moviéndose dentro del ámbito del thriller o el cine negro como hemos comentado más arriba el director entiende a la perfección como funciona los resortes tan característicos del género de terror, Jeremy Saulnier los maneja y expone con sobrada habilidad y solvencia dentro de la película, de manera palpable y muy realista, su tratamiento descarnado y crudo de la violencia utilizando el recurso escénico es digno de cualquier tipo de elogio, ahí es donde vemos que la inteligencia que dota Saulnier al conjunto prima antes cualquier posible tipo de exceso formal.  «Green Room» termina convirtiéndose de forma clara en la confirmación casi definitiva del talento que posee Jeremy Saulnier como director, un autor que siempre parece estar vinculado de una manera u otra al cine de género de una forma clara y cuya carrera habrá que seguir con lupa a partir de ahora.

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Valoración 0/5: 4

Primer tráiler de la adaptación a cargo de Fatih Akin de la novela de culto «Tschick»

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El laureado cineasta turco-alemán Fatih Akin («Contra la pared«, «Soul Kitchen«) después de su algo decepcionante último film «The Cut» vuelve por todo lo alto adaptando a la gran pantalla la exitosa novela (más de dos millones de copias y publicado en más de 30 países)
Goodbye Berlín (Tschick) del fallecido prematuramente en 2013 a la edad de 48 años escritor alemán Wolfgang Herrndorfs. La cinta cuyo primer teaser tráiler podéis ver a final de página se estrenará posiblemente previo paso por Cannes o Venecia el próximo 16 de septiembre en tierras alemanas.

«Tschick» nos cuenta la historia de Maik Klingenberg, un chico marginado de 14 años que crece en el seno de una familia rica y disfuncional en Berlín. Durante las vacaciones de verano, la madre de Maik ingresa en rehabilitación mientras su padre se va con su joven asistenta en un “viaje de negocios”. El adolescente está solo en casa, en su piscina, hasta que su compañero de clase, Tschick, un joven inmigrante ruso, aparece con un coche robado. Juntos toman la carretera sin plan o inquietud alguna.

La película está interpretada por Anand Batbileg, Tristan Göbel, Nicole Mercedes Müller, Sammy Scheuritzel, Max Kluge, Bella Bading y Florian Wihstutz.

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Primeras imágenes y breve making of de «El Bar», lo nuevo de Álex de la Iglesia

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Álex de la Iglesia después de estrenar el pasado año «Mi Gran Noche» ya se encuentra rodando el que será su nuevo film, «El Bar«, un thriller ambientado en un solo escenario enclavado en un entorno bastante cotidiano, el film que cuenta con un guión del propio director y Jorge Guerricaechevarría nos presenta sus primeras imágenes junto a un breve video de rodaje que podéis ver a final de página. La película que espera finalizar en marzo su rodaje esta producida por Pokeepsie Films y Nadie es Perfecto con la colaboración de Atresmedia Cine. Aún sin fecha de estreno el film será distribuido comercialmente por Sony Pictures teniendo previsto ver la luz a finales de este año.

«El Bar» nos sitúa un día cualquiera a las nueve de la mañana: un grupo de personas absolutamente heterogéneo desayuna en un bar en el centro de Madrid. Uno de ellos tiene prisa: Al salir por la puerta, recibe un disparo en la cabeza. Nadie se atreve a socorrerle. Están atrapados.

La película está interpretada por Mario Casas,  Blanca Suárez,  Secun de la Rosa,  Terele Pávez,  José Sacristán,  Carmen Machi,  Jaime Ordóñez,  Joaquín Climent,  Alejandro Awada,  Jordi Aguilar,  Diego Braguinsky y Mamen García.

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Red band tráiler de la restauración 4K del clásico de animación «Belladonna of Sadness»

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Los seguidores más inquietos de la animación japonesa menos convencional están de enhorabuena, «Belladonna of Sadness» (Kanamishi no Belladonna), anime indiscutible de culto producido por Osamu Tezuka a través de su estudio Mushi Production y dirigido por Eiichi Yamamoto («Astro Boy«) en 1973 estrena un primer tráiler de su restauración en 4K a partir de su negativo original con vistas a su distribución domestica este mismo año. Dicha restauración ira acompañada de una nueva banda sonora completamente remasterizada
que incluye ocho minutos adicionales que no aparecían en su metraje original. Un film nunca estrenada en EEUU y que en su día un sonoro fracaso comercial en su país de origen. «Belladonna of Sadness» es un anime poseedor de una imaginería erótica y fantástica bastante compleja, con una estética que se mueve entre la psicodelia, la fantasía medieval, un erotismo de tono oscuro y el art nouveau.

«Belladonna of Sadness» supone una reinvención de la historia de Juana de Arco, con bastantes elementos del libro «La Sorcière«, de Jules Michelet. Forma parte de la trilogía «Animerama«, formada por «Las mil y una noches» (1969), «Cleopatra» (1970) y «Belladonna of Sadness» (1973), la película que se pudo ver en un pase especial en el pasado festival de Sitges nos narra la historia de Jeanne, una joven recién casada que tras ser ultrajada por un señor feudal hace un pacto con el diablo para obtener habilidades mágicas.

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En busca de un lugar en el mundo, tráiler de «Baden Baden»

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Una de las películas que mejores sensaciones dieron a parte de la prensa en el reciente festival de Berlín fue «Baden Baden«, comedia de tono cotidiano vista en la sección Forum, el film que supone el debut en la dirección de la francesa Rachel Lang que también se ocupa de su guion nos muestra un ameno retrato costumbrista del paso de la adolescencia a esa edad adulta donde uno tiene que empezar a tomar ciertas responsabilidades. Con
 fecha de estreno prevista para el próximo 30 de marzo en Francia a final de página podéis ver un primer tráiler junto a dos de sus pósters.

«Baden Baden» nos cuenta como Ana de 24 años de edad acaba de terminar un trabajo que odia como auxiliar en un rodaje que acontece en Bélgica, de repente toma una decisión impulsiva para intentar cambiar sus planes de vida, en vez de volver a Londres se dirige a Estrasburgo, la ciudad donde creció para visitar a su abuela. Una vez allí se propone una curiosa misión: reemplazar el baño de su abuela por un plato de ducha, algo más adaptado para alguien de su edad. Durante el verano, entre una historia de desamor  y con su abuela en un hospital por una fractura de cadera, Ana hará lo posible para afrontar la vida de la mejor manera posible.

La película está interpretada por Salomé Richard, Claude Gensac, Lazare Gousseau, Swann Arlaud, Olivier Chantreau, Jorijn Vriesendorp, Noémie Rosset, Zabou Breitman, Thomas Silberstein, Kris Portier de Bellair y Régis Lang.

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«The Invitation» abre la 13ª Muestra Syfy de Cine Fantástico, que se cierra con «High Rise»

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La décimo tercera Muestra Syfy de Cine Fantástico se inaugurará el próximo jueves 3 de marzo con la proyección de la cinta The Invitation, premio a la mejor película en el pasado Festival de Sitges. El evento, que mueve su sede al Cine de la Prensa de Madrid, se cerrará el domingo 6 con la película británica High Rise.
Más de 20 sesiones de una selección del mejor cine de género se podrán ver en Madrid durante los cuatro días de la Muestra, un cartel que se completa con títulos como Bone Tomahawk, Absolutamente Todo, The Green Inferno, The Piper o la española Vulcania.

La actriz Leticia Dolera, presentadora de la Muestra, dará el pistoletazo de salida a cuatro días intensos de cine el jueves con The invitation, un inquietante thriller dirigido por Karyn Kusama y protagonizado por Logan Marshall-Green, Tammy Blanchard, Michiel Huisman y John Carroll Lynch. La película, aclamada por la crítica, se alzó con el máximo galardón de la más reciente edición del Festival de Sitges.

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El viernes, la jornada arrancará a primera hora de la tarde con Villmark Asylum, secuela de la cinta noruega de 2003 que marcó un hito en el género de terror proveniente del norte de Europa. Le seguirán Nina Forever, con su peculiar trío amoroso que combina vísceras y humor, y The Green Inferno, la incursión del actor y director Eli Roth en el mundo del canibalismo.

Buena parte del equipo de la española Vulcania estará en la Muestra el viernes por la noche para presentar su película, que ese mismo fin de semana se estrena en cines. Ópera prima del director José Skaf, cuenta con un reparto encabezado por Aura Garrido, en el que también aparecen Jose Sacristán, Rubén Ochandiano, Ginés García Millán y Silvia Abril.

El sábado, el mito del flautista de Hamelín en versión coreana The Piper abre la jornada de tarde, que se completa con Listening, debut en la dirección del italiano Giacomo Martelli que fantasea sobre la posibilidad de crear un dispositivo que lea las mentes humanas, y The Mind’s Eye, que bucea en la infinita capacidad del cerebro humano y el peligro de su manipulación. El plato fuerte de la noche será Bone Tomahawk, un western de terror sin prejuicios protagonizado por Kurt Russell y Matthew Fox.

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Tanto el viernes como el sábado, la Muestra amplía horario hasta la madrugada. Parasyte, la primera parte de este díptico de ciencia ficción japonesa, y Generation Z, o cómo mezclar zombies y dinosaurios, son las propuestas para las sesiones golfas.

El domingo, Demon, moderna adaptación de la leyenda del dybbuk judío, Jeruzalem, que también da una vuelta de tuerca a pesadillas bíblicas, y la comedia fantástica de origen británico Absolutamente Todo cierran la edición de este año, que tendrá como título de clausura la muy esperada  High Rise, un brillante relato post apocalíptico con un espectacular reparto encabezado por Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons, Luke Evans, Elisabeth Moss y James Purefoy.

 

Syfy Kids

El niño y el mundo, nominada a mejor película de animación en la próxima edición de los Oscar, es el título más destacado de Syfy Kids, la sección que acoge películas para los más pequeños y que este año ampliará sesiones. A esta matinal se unirá una sesión de tarde el mismo sábado con la película La chica satélite y el chico vaca, premio a la mejor película de animación en la edición de 2014 del Festival de Sitges. El domingo, la matinal acogerá la proyección de Nicky, la aprendiz de bruja, una historia de imagen real basada en la novela que inspiró el clásico de Miyazaki.

 

Homenaje a Bowie

Como ya hizo el canal semanas atrás, la Muestra Syfy también rendirá su pequeño homenaje al recientemente fallecido David Bowie, con la proyección de la película Dentro del laberinto (V.O.S.), en una sesión gratuita de tarde el viernes 4.

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El domingo a las seis, también con entrada libre hasta completar aforo, la Muestra proyectará Dark Star, un exhaustivo documental sobre el trabajo del ilustrador suizo Hansruedi Giger, que abrió las puertas de su taller poco antes de morir para mostrar cómo su desbordante imaginación creó algunas de las criaturas más temibles del cine, incluido el Alien.

 

Buffy Cazavampiros en pantalla grande

La Muestra acogerá también una proyección muy especial, la del capítulo musical de la serie Buffy Cazavampiros Una vez más, con sentimiento (Once More, with Feeling). Los fans de la serie, que se está reponiendo al completo y en HD de lunes a viernes en las tardes del canal Syfy, podrán disfrutar en pantalla grande de este popular episodio el sábado 5 a las 20 horas. La entrada será gratuita hasta completar aforo.

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La serie, considerada en su inicio como un mero entretenimiento para adolescentes, fue ganando con sus episodios hasta convertirse en un título imprescindible del género, adorado por los fans y respetada por la crítica. Su creador, Joss Whedon, es otra de las estrellas más rutilantes del género, responsable de títulos como las series Ángel o Firefly, y director y guionista de la película Los Vengadores y su secuela, Vengadores: La era de Ultrón.

 

Platillos Volantes, las tapas según la Muestra Syfy

La Muestra Syfy también ha llegado este año a un acuerdo con AMER (Asociación Madrileña de Empresas de Restauración) para inundar los bares y restaurantes de fantasía y ciencia ficción en estos días de cine. Los establecimientos que se han sumado a la iniciativa propondrán a sus clientes tapas creadas para la ocasión, inspiradas en los personajes y las películas que han hecho historia en el cine de género. La lista de establecimientos participantes podrá consultarse en la página web oficial de la Muestra (www.syfy.es/muestra).

 

Bonos y entradas

En esta edición, al igual que en la anterior, los bonos para todas las sesiones tendrán un precio de 40 euros, y 4 euros las entradas individuales, con la única excepción de la sesión inaugural, a la que sólo se podrá acceder por invitación o con el bono. Una parte del aforo de la sesión infantil de Syfy Kids se pondrá también a la venta, por un precio de 3 euros por persona.

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«Entertainment» review

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Con la intención de reencontrarse con su hija, a la que abandonó tiempo atrás, y al mismo tiempo tratando de revivir su menguante carrera actuando en cutres locales por California, un triste y viejo cómico en decadencia (Gregg Turkington) se ve envuelto en lo que parece un callejón sin salida en el desierto de Mojave.

Con una corta trayectoria tras las cámaras («The Builder«, «New Jerusalem» y «The Comedy«) el cine de Rick Alverson ha ido mostrado indicios de un discurso bastante propio y claramente definido, básicamente partiendo a partir de un humor de tono absurdo que termina derivando en una sensación de  incomodidad, «Entertainment«, su último film interpretado por Gregg Turkington, que también participa en el guion así como el propio Alverson y Tim Heidecker, se presenta como una utópica pieza de humor sin gracia aparente, y que posiblemente sea unos de los retratos más amargos vistos en mucho tiempo en una gran pantalla, un desolador tratado acerca del colapso emocional por parte del individuo con la soledad como ente finalizador a cualquier lazo emocional posible, una odisea que se mueve entre lo absurdo y la road movie existencial de contornos oscuros y homogéneos, un viaje a esa ‘ninguna parte’ de la polvorienta América que nos sirve al mismo tiempo como una lucida reflexión acerca del papel que ocupa ese supuesto entretenimiento en la cultura popular de la norteamericana de hoy en día, una película que nos descubre a Rick Alverson como un autor con voz propia y unos de los directores más incisivos de ese tipo de cine alternativo e independiente estadounidense que indaga en la desolación del ser humano de forma tan compleja como transversal.

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En «Entertainment» vemos como un comediante (una suerte de
 monologuista inspirado en el personaje de Neil Hamburger, con el que el propio protagonista (Gregg Turkington) ha actuado durante más de una década) se embarcará en una travesía sin fin en el desierto de Mojave en dirección a California con actuaciones programadas en bares y clubs de carretera a cada cual más deprimente y con un público cada vez menos receptivo ante el atípico repertorio de sus chistes, en este lánguido periplo asistimos a un catálogo surrealista y errático de cortos capítulos vividos por parte del protagonista, la única interacción con otras personas consisten básicamente y de una forma muy escueta con su compañero de función, un joven mimo tan patético como él, y un adinerado primo lejano interpretado por el siempre excelente  John C. Reilly que parece moverse más que nada por compasión hacia él, entre medio nuestro protagonista asiste a fantasmales y deprimentes tours turísticos. Conforme avanza la narración nos adentramos en la psique del personaje en forma de una serie de encuentros (los referentes al joven solitario que pide compañía y la joven embarazada que está a punto de dar a luz situados en un baño público
o las monolagas conversaciones telefónicas con una supuesta hija suya) que parecen estar completamente descontextualizados de cualquier tipo de realidad y que funcionan como elemento disuasorio y metafísico que ejemplariza esa bajada a los infiernos por parte del protagonista que queda finalmente anclado-atrapado o incluso mutado dentro de su propia pesadilla, visualizada en forma de una sitcom surreal de muy mala calidad (y en donde su blanco y negro e ininteligibles diálogos la remiten de una forma clara al David Lynch de «Inland Empire«).

Rick Alverson y su «Entertainment» retrata a la perfección  la extenuación y desolación existencial del individuo visualizado aquí a través de un  viaje ensoñatorio en forma de pesadilla, un film arriesgado en su concepción, nada fácil de digerir para un determinado tipo de público, poseedor de unas coordenadas autorales muy a tener en cuenta  que colocan a Rick Alverson como uno de los directores más interesantes del actual panorama cinematográfico norteamericanoentertainment-poster.jpg
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