La Semana de Terror de Donostia y TerrorMolins dedican sus ediciones de 2023 a las brujas

La Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia / San Sebastián y TerrorMolins – Festival de Cine de Terror de Molins de Rei unen fuerzas este año para presentar actividades conjuntas centradas en el mundo de las brujas, protagonistas de las ediciones de 2023 de ambos festivales, que tendrán lugar entre octubre y noviembre. El leitmotiv se denomina Sorginak-Bruixes. Una exposición de 24 ilustradoras y un libro escrito por Elisa McCausland y Diego Salgado forman parte del leitmotiv compartido.
La figura de la bruja ha sido una fuente de inspiración para el cine de terror desde sus orígenes, pero ha adquirido una especial relevancia en el contexto vasco y catalán, donde el cine y la literatura han explorado historia, cultura e identidad bajo ese prisma.
La bruja, en todas sus dimensiones, es un personaje que sigue fascinando y aterrorizando al público del cine de terror, pero también ha experimentado una resignificación en los últimos años, convirtiéndose en un símbolo de empoderamiento femenino y de resistencia frente a la opresión patriarcal y religiosa –The Lords of Salem (2012), The Love Witch (2016), Akelarre (2020)–.
Las brujas vascas se designan como sorgin o sorguiña, que podría ser “hacedora de suerte” o “creadora”. Las brujas catalanas usaban el término bruixa, que proviene del latín bruxa o brutia (“mordedora” o “chupadora”). Ambas han dejado una huella profunda en la cultura popular plasmada en leyendas, lugares y fiestas. En Euskal Herria se encuentra la Cueva de Zugarramurdi o Sorginen Leizea, ubicación para aquelarres. En Catalunya nos topamos con el castillo de Montsoriu, Sant Feliu de Sasserra o la plaça de les Bruixes de Molins de Rei, donde al parecer habitaban o se reunían las brujas.
La Semana de Cine Fantástico y de Terror y TerrorMolins recogen esta herencia cultural común y la celebrarán con una exposición de ilustradoras y un libro oficial compartido, además de otras actividades que se anunciarán más adelante. Las citas serán del 27 de octubre al 3 de noviembre en Donostia y del 3 al 12 de noviembre en Molins de Rei.
Bruixes – Sorginak – Brujas. Aquelarre ilustrado
La exposición Bruixes – Sorginak – Brujas. Aquelarre ilustrado reúne a 24 hechiceras de trayectoria vinculada al cómic, el diseño y la ilustración, reunidas para rendir pleitesía a una representación esencial en la ficción, literaria y audiovisual, que atraviesa nuestros sueños y pesadillas.
Esta muestra ritual, comisariada por Borja Crespo, cuenta con una importante presencia de autoras vascas (Ane Pikaza, Raquel Alzate, Higinia Garay, Josune Urrutia) y catalanas (Genie Espinosa, Sandra Uve, Susanna Martin, Nadia Hafid). Hemos invocado a esta selección de artistas para homenajear, con la magia de su talento, la importancia y el atractivo de un símbolo que protagoniza fábulas y está presente en algunos pasajes espeluznantes de nuestra historia.
Listado completo de ilustradoras participantes: Raquel Alzate, Sara Bea, Carla Berrocal, Natacha Bustos, Olga de Castro, Genie Espinosa, Mabel Esteban, Ana Galvañ, Higinia Garay, Nadia Hafid, Irene Márquez, Susanna Martín, Mermelada de Sesos, Ana Oncina, Laura Pérez, Mireia Pérez, Miriampersand, Ane Pikaza, Sara Soler, Clara Soriano, Josune Urrutia. Sandra Uve, Teresa Valero y Roberta Vázquez.

 

Beso negro: Brujería, cine y cultura pop
Elisa McCausland y Diego Salgado
Como sabe todo aficionado a las artes prohibidas, el osculum infame o beso en el ano del diablo, su otra boca, sella la rendición de un ser humano a los hechizos del mal. Beso negro: Brujería, cine y cultura pop recoge esa imagen en su título para arrojar luz oscura sobre un fenómeno que no ha dejado de manifestarse de una u otra forma en la cultura popular desde los inicios mismos de la Era de la Razón: la brujería.
Tras una introducción en la que se repasa el impacto de la misma en la esfera cultural y artística de los dos últimos siglos como manifestación de un descontento soterrado hacia los valores de la Modernidad, el ensayo pasa a contrastar en dos secciones bien definidas los personajes del brujo y la bruja, omnipresentes en la ficción audiovisual. El brujo y la bruja son figuras complementarias pero también antagónicas, si atendemos a los medios y los fines que persiguen a la hora de subvertir los valores dominantes.
Beso negro: Brujería, cine y cultura pop analiza las estrategias de uno y otra para transformar la realidad a través de un recorrido que tiene su epicentro en el cine pero no olvida la pequeña pantalla, el cómic y otras expresiones plásticas y audiovisuales en las que brujo y bruja han pugnado por materializar otra forma de ser y estar en el mundo. De Dion Fortune (1890-1946) y Häxan: La brujería a través de los tiempos (1922) hasta La bruja (2015) y los nigromantes de TikTok, un viaje en el que parece todo dicho y en el que todo está aún por invocar.
El libro será publicado con la Editorial Hermenaute.

El pasajero inesperado, tráiler para «Sympathy for the Devil» de Yuval Adler

Sympathy for the Devil vendría a ser una nueva muestra de ese subgénero que parece haberse convertido en estos últimos años Nicolas Cage, a medio camino entre The Hitcher (1986) y Collateral (2004), el film presenta un primer tráiler, que podéis ver a fina de página junto a su póster oficial. Dirigida por Yuval Adler, The Operative (2019), The Secrets We Keep (2020), la película tendrá un estreno simultáneo en cines y VOD de Estados Unidos el próximo 28 de julio.
En Sympathy for the Devil vemos como después de verse obligado a conducir a un misterioso pasajero a punta de pistola, un hombre se ve envuelto en un juego de alto riesgo del gato y el ratón en el que queda claro que no todo es lo que parece.
La película, con guion a cargo Luke Paradise, está protagonizada por Nicolas Cage, Joel Kinnaman y Kaiwi Lyman.

«Viejos» review

Manuel tiene que mudarse a la casa de su hijo Mario (y la familia de éste después de que un terrible suceso acabe con la vida de su anciana mujer. Poco a poco, la realidad se impone: algo incomprensible ocurre con Manuel. Las voces que dice escuchar, las presencias con las que dice hablar. Lena, la mujer de Mario, quiere echarle de la casa: está segura de que algo espantoso puede ocurrir. Solo Naia, la hija adolescente, está de su parte, pero incluso ella empieza a dudar a medida que los fenómenos extraños se suceden en torno a su abuelo, cada vez más perturbado. Es el verano más caluroso de la historia, ha empezado una cuenta atrás y ya es demasiado tarde para pararla.
Convertido en estos últimos años casi en un subgénero en sí mismo con películas como Relic (Natalie Erika James 2020), La abuela (Paco Plaza 2021) o incluso ese slasher camuflado que es  X (Ti West 2022), aunque años antes ya hubo incursiones algo más derivativas como la interesante The Skeleton Key (Iain Softley 2005) o el cortometraje del propio Plaza Abuelitos (1999), la vejez y la decrepitud derivada de ella como estigma social se ha convertido últimamente en un recurso narrativo bastante recurrente a la hora de articular historias que orbitan a través del terror. Viejos, el segundo trabajo tras las cámaras del dúo formado por Raúl Cerezo y Fernando González Gómez, tras su desprejuiciada La pasajera (2021), se adentra en dicha temática, partiendo de postulados casi universales con relación a mostrar un oscuro orden social, ubicado dentro de un entorno familiar que es percibido como campo de batalla, a través de un relato que es lo suficientemente inteligente como para intuir sus propias carencias a la hora de delimitar según que barreras adyacentes al fantástico.
A tal respecto, la discursiva social queda afortunadamente en un solo enunciado que da paso a un entretenimiento de género que se dirige hacia una narrativa que va in crescendo, en algunos momentos canalizado en un calculado, y poco favorecedor, histrionismo, en otros, con ideas y conceptos sugerentes, como por ejemplo la magnífica escena que da inicio a la película. Todo ello refrendado con una revelación final, que podría beber perfectamente de la idea argumental vista en Village of the Damned, llevado al terreno de la senectud, concepto genérico que pese a ser manido, no deja de ser consecuente, especialmente en su función de mostrar una alegoría, los ancianos rebelándose, gracias al elemento fantástico, contra una sociedad que los denigra, en lo concerniente a un clímax que abraza sin complejos retazos propios del relato pulp.

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FlixOlé restaura una versión en 4K de «Me siento extraña»: el clásico lésbico de Rocío Dúrcal y Bárbara Rey

La plataforma presentará también en la Academia de Cine la nueva versión restaurada en 4K de Me siento extraña el 29 de junio, inaugurando así su ciclo ‘Recuperando el celuloide’
La sexualidad era todavía tratada como un tema tabú en España, ni qué decir tiene la homosexualidad, cuando en 1977 llegó a la gran pantalla Me siento extraña. Considerada como la primera en relatar abiertamente una relación lésbica en el cine del país, la película supuso un auténtico escándalo. FlixOlé recupera esta obra de culto, protagonizada por Bárbara Rey y Rocío Dúrcal, con el estreno el próximo 30 de junio de una copia restaurada en la mejor calidad de imagen y sonido.
En una sociedad que emprendía el camino hacia la mayoría de edad, Me siento extraña presentaba un drama erótico en el que dos mujeres con malsanas experiencias sentimentales encuentran consuelo entre ellas. Laura, una pianista que huye de su marido maltratador y de su autoritario suegro, conoce a Marta, una vedette que no termina de entenderse con los hombres en la cama. Ambas construyen una estrecha amistad que despierta la pasión, y las habladurías de los vecinos.

Dos divas, al desnudo
Para esta película, repleta de escenas subidas de tono y desnudos integrales, el director del largometraje, Enrique Martí Maqueda, eligió a dos populares figuras del momento. Por un lado, el papel de Laura recayó en Rocío Dúrcal: niña prodigio, adolescente ye-ye y ‘reina de las rancheras’, su rostro adquirió un nuevo registro al ejercer de coprotagonista en el amorío lésbico que significó Me siento extraña.
Al torso sin ropa de Dúrcal se le unió el de la ‘reina del Destape’: Bárbara Rey. La belleza y sensualidad de ésta le abrió las puertas del espectáculo, tanto encima de los escenarios como delante de la cámara. Convertida en una ‘sex symbol’ del cine, sobre ella recayó el papel de Marta, la vedette que conquista a la pianista. Junto a las divas, completan el elenco otros nombres igual de conocidos como Laly Soldevila, Francisco Algora y Eva León, entre otros.
El ‘pipazo’, como definió en su momento Lola Flores el roce cariñoso entre amigas, de Rocío Dúrcal y Bárbara Rey hizo de la película una de las más taquilleras del año. Después de ésta, Bárbara Rey sumó nuevos proyectos que alimentaron el sobrenombre de ‘reina del Destape’. Por su parte, Rocío Dúrcal decidió no hacer ningún largometraje más, reduciéndose su participación en la gran pantalla a apariciones puntuales.
Pase de Me siento extraña en la Academia de Cine, el 29 de junio
A pesar de permanecer en el olvido durante años, Me siento extraña se ha erigido como un clásico del cine lésbico y en una película reivindicada por parte de la propia Bárbara Rey y el colectivo LGTBIQ+. Una obra de culto, pionera en la cinematografía nacional, que muestra explícitamente el amorío entre dos mujeres como nunca antes había visto el espectador español.
Un filme de no fácil acceso que FlixOlé, en su compromiso de recuperar aquellos títulos imprescindibles del patrimonio audiovisual, ha restaurado en sus instalaciones (en los laboratorios Cherry Towers). En esta línea, la plataforma estrenará el 30 de junio esta versión remasterizada de Me siento extraña junto a una colección especial con la que celebrará el Orgullo.
Previamente, el servicio especializado en cine español presentará el 29 de junio la copia restaurada en 4K de la película en la Academia de Cine, evento abierto al público que tendrá lugar en la sala de proyecciones de la institución (c/Zurbano, 3), y cuyas entradas se podrán adquirir a través de su portal web. Con este acto, la Academia inaugurará así el ciclo ‘Recuperando el celuloide’, una iniciativa en la que colaborará también FlixOlé en próximas ediciones con títulos restaurados en sus instalaciones.

Primer tráiler para «Coup de Chance», lo nuevo de Woody Allen

Acaba de ver la luz de la mano de Metropolitan Filmexport un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto al cartel francés, del último trabajo tras las cámaras del veterano Woody Allen titulado Coup de Chance. Película numero cincuenta del director norteamericano rodada en francés y ambientada en la ciudad París, aún sin fecha de estreno en nuestro país, que llegará a las salas comerciales de Francia el próximo 27 de septiembre.
Coup de Chance, que nos muestra una historia de romance, pasión y violencia ambientada en un París contemporáneo, cuenta con un guion a cargo del propio Woody Allen estando protagonizada entre otros por Lou de Laâge, Niels Schneider, Melvil Poupaud, Elsa Zylberstein, Valerie Lemercier, Grégory Gadebois, Guillaume de Tonquedec, Jeanne Bournaud, Anne Loiret y Bárbara Goenaga.

Cine-Bis Nº 10 ya a la venta

Ya se encuentra disponible el número diez de Cine-Bis, la revista dirigida con su habituado buen hacer por Javier G. Romero, en la que se ofrece un nuevo repaso al cine de género alrededor del mundo, en esta ocasión formado por 210 páginas a todo color ilustradas con 510 fotografías, en las que se ofrecen entrevistas y artículos firmados por contrastados profesionales como José Abad, Carlos Aguilar, Daniel Aguilar, Ángel Comas, Adrián Encinas, Roberto García-Ochoa Peces, Anita Haas, David Pizarro, Fernando Rodríguez Tapia y el propio Javier. Todo ello por 12,95 € más gastos de envío.
La portada la protagoniza una imagen del póster de El justiciero de la ciudad, clásico de una modalidad a la que se dedica un amplio artículo: el thriller de acción y crítica social donde ladrones, proxenetas, pandilleros y asesinos son el objetivo del justiciero urbano, erigido en juez, jurado y ejecutor. Entre los contenidos también figuran extensas entrevistas exclusivas a la desaparecida actriz argentina afincada en España Analía Gadé –La vida por delante, Las melancólicas, La mansión de la niebla, Cartas de amor de una monja–, especializada en la comedia pero asimismo brillante en cualquier otro género (terror, thriller, drama…) y al también finado prolífico actor alemán Dan Van Husen –El Cóndor, Cañones para Córdoba, El blanco, el amarillo y el negro, Salón Kitty, El Casanova de Federico Fellini, Nosferatu, vampiro de la noche–, una de las más singulares y carismáticas presencias de la época dorada de la coproducción europea e internacional.

De igual modo resalta la primera parte del dossier dedicado a los inquietantes Yokai, modalidad del cine fantástico y de terror japonés que refleja estos seres sobrenaturales (duendes, demonios y espectros) propios su ubérrimo folclore nacional. Constan, igualmente, un acercamiento a las cuatro trepidantes películas que el director George Pollock dedicó en los años 60 a la simpar Miss Marple, creación de Agatha Christie encarnada por la gran Margaret Rutherfod; un estudio consagrado al inolvidable maestro del cine de animación checo Jirí Trnka, cuyas maravillosas obras crearon escuela en su campo; la segunda parte del dossier “Cine y toros”, centrado en la era dorada de la modalidad, con la eclosión de su particular star system, la nueva espectacularidad, el realismo social…; la apreciada cult movie del fantástico europeo de los 70 La terrificante notte del demonio, donde confluyen satanismo, sexo, maldiciones seculares, castillos siniestros y la sugerente Erika Blanc, entre otros contenidos.

Más información y pedidos en: quatermass@hotmail.com.

Dos únicos supervivientes, tráiler de «Biosphere» de Mel Eslyn

Acaba de ver la luz un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la cinta independiente de ciencia ficción Biosphere, debut tras las cámaras del hasta ahora productor Mel Eslyn, que tras su premiere mundial el pasado año en el Festival de Toronto tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo  7 de julio.
En Biosphere vemos como Ray es un científico que diseñó una estructura en forma de bóveda con todos los sistemas necesarios para poder mantener la vida en un planeta que ya no podía soportarla. Allí se encuentran Billy y el propio Ray, en una biosfera personalizada y equipada con las necesidades básicas que hace posible conservar un concepto de cómo solía ser la vida, principalmente a través de un jardín hidropónico que proporciona verduras frescas y un estanque de peces que proporciona las proteínas esenciales. Sin embargo, recientemente los peces han comenzado a morir a un ritmo alarmante. Con tan solo tres peces con vida, Billy y Ray se enfrentan a un siniestro futuro, pero la vida todavía puede encontrar una vía en donde los dos últimos hombres sobre la tierra deberán adaptarse y evolucionar para salvar a la humanidad.
La película, cuenta con un guion a cargo del propio Mel Eslyn y Mark Duplass, que protagoniza el film junto a Sterling K. Brown.

La casa de cine. Escuela de verano: Tendencias del cine contemporáneo

La reformulación de los géneros, el cuestionamiento de las autorías o la influencia de las nuevas tecnologías, por poner algunos ejemplos, son cuestiones que atraviesan, determinan y condicionan la producción cinematográfica actual. Es necesario, por tanto, tenerlas en cuenta a la hora de abordar cualquier texto fílmico. En este sentido, el curso de verano sobre Tendencias del cine contemporáneo, organizado conjuntamente por LCDC y la Asociación Catalana de la Crítica y la Escritura Cinematográfica (ACCEC), tiene por objetivo dotar al alumnado de las herramientas para identificar las posibles mutaciones del cine y desarrollar un discurso crítico propio.
Este curso tiene un carácter teórico-práctico que se organiza a través de un itinerario doble. Por un lado, habrá una serie de sesiones dedicadas a distintos cineastas cuya obra se situará dentro de una tendencia concreta del cine contemporáneo, en las que también veremos cómo se ha acercado la crítica a cada autor. Luego, a lo largo de varias sesiones en forma de taller, el alumnado podrá desarrollar su propia capacidad crítica mediante la escritura.
Semana 1: Zack Snyder, Dennis Villeneuve, Todd Haynes. Taller práctico 1 y 2. Cada día una projección.
Semana 2: Julia Ducorneau, David Lynch, Joanna Hogg. Taller práctico 3 y 4. Cada día una projección.
Semana 3: Tsai Ming-Liang, Neus Ballús, Ramon Lluis Bande-Carolina Astudillo. Taller práctico 5 y 6. Cada día una projección.
Semana 4: Guy Maddin, Adam Curtis Stephen Broomer. Taller práctico 7 y 8. Cada día una projección.
Docentes
Fco. Javier Millán, Antonio José Navarro, Ramón Alfonso, Daniel Pérez Pamies, Jesús González Notario, Eulàlia Iglesias, Marla Jacarilla, Ignasi Franch, Mariana Freijomil, Mireia Iniesta, Guillermo Triguero, Paula A. Ruiz, Vanessa Agudo, Esteve Plantada.

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La prostitución en primera persona, tráiler para «La Maison» de Anissa Bonnefont

Tras realizar dos documentales, Wonder Boy, Olivier Rousteing, né sous X (2019) y Nadia (2021), la joven directora francesa Anissa Bonnefont debuta en la ficción con la adaptación de la novela homónima de Emma Becker La Maison, película cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Vértigo Films el próximo 23 de junio.
La Maison nos cuenta como Emma, una novelista de 27 años quiere escribir un libro que hable de las trabajadoras del sexo y del mundo de la prostitución. Para entender ese mundo consigue que la elijan para trabajar como prostituta en La Maison, un famoso burdel de Berlín. Su intención era pasar allí no más de dos semanas, pero acaba quedándose dos años.
La película, con guion adaptado a cargo de la propia Anissa Bonnefont, está protagonizada por  Ana Girardot, Aure Atika, Yannick Renier, Philippe Rebbot, Gina Jimenez, Nikita Bellucci y Rossy de Palma.

El ciclo «Paulo Rocha Esencial» llega a Filmin el próximo 9 de junio

Filmin añade a su catálogo cinco películas de uno de los cineastas portugueses más relevantes de todos los tiempos, padre del Novo Cinema Portugués.
Siguiendo con su periódica reivindicación de cineastas clásicos y modernos tal vez menos conocidos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de directoras como Marta Mészáros, Chantal Akerman, Seijun Suzuki o Shohei Imamura, Filmin añadirá a su catálogo el próximo 9 de junio cinco películas, en nuevas restauraciones digitales, que recorren tres de las diversas etapas de la filmografía de Paulo Rocha, padre del Novo Cinema Portugués y uno de los grandes referentes de la cinematografía lusa y mundial.

Nacido en 1935, Rocha es uno de los directores esenciales de la modernidad cinematográfica. Entusiasta de la Nouvelle Vague y de autores como Kenji Mizoguchi, en sus inicios fue ayudante de dirección de cineastas de la trascendencia de Jean Renoir («El cabo atrapado», 1962) o Manoel de Oliveira («Acto de primavera», 1963). Sus dos primeros largometrajes, «Los verdes años» (1963) y «Mudar de vida» (1966), son piedra angular del llamado Cinema Novo portugués y obras maestras del cine europeo.

Aunque poco conocida en nuestro país, su filmografía es tan apasionante como compleja, y aborda temas como la identidad, las raíces culturales o las clases populares del país luso. Reivindicado por las nuevas generaciones, su influencia es palpable en la obra de sus compatriotas contemporáneos, desde João Pedro Rodrigues a Miguel Gomes, pasando por Pedro Costa o João Salaviza.

Títulos que integran el ciclo:
– «Los verdes años» (1963)
– «Mudar de vida! (1965)
– «La isla de los amores» (1982)
– «La isla de Moraes» (1988)
– «El río de oro» (1998)

 

El otro cine español

En la actualidad, el cine español goza de gran reconocimiento por todo el mundo. Sin embargo, no todas las películas de nuestra cinematografía han contribuido a alcanzar ese estatus. Este libro ofrece un extenso repaso a todo nuestro cine. Con todo lo bueno… y lo menos bueno, que ello pueda conllevar. Desde las películas de Los hermanos Calatrava, Chiquito de la Calzada o Martes y Trece, hasta cualquier explotación para aprovechar la fama del famoso de turno, pasando por las inusuales obras convertidas en títulos de culto y asomándonos al cine maldito, ignoto o simplemente olvidado. Clásicos de Berlanga, Fernán Gómez, Zulueta o Edgar Neville, compartiendo espacio con las películas de Jesús Franco, Manuel Esteba, Eloy de la Iglesia y Mariano Ozores, entre muchos otros, para ofrecer el mayor y más completo repaso a todo tipo de películas perdidas, escondidas, desastrosas, memorables y olvidadas de nuestro cine.
Autor: José Fernandez Riveiro, Prólogo: Jesús Palacios. Epílogos: Toni McGinty y Paco Fox. Editorial: Independently published. Páginas: 233

Póster y tráiler de «Citas Barcelona», la serie dirigida por Pau Freixas

Acaba de ver la luz el póster y tráiler oficial de Citas Barcelona. La serie, dirigida por Pau Freixas y producida por Filmax, tendrá estreno semanal en TV3 a partir del lunes 12 de junio con la emisión de los episodios 1 y 2. Todos los episodios estarán disponibles en Prime Video en España el martes 13 de junio.
En Citas Barcelona los personajes se encuentran cara a cara después de conocerse en internet; buscan amor, sexo o simplemente alguien que les aleje de la soledad. El formato es también una cita romántica con la Ciudad Condal, que será el escenario a través del cual los espectadores visitarán los lugares más icónicos de la ciudad como la Sagrada Familia, el puerto o la Rambla, conectando también con la vida cotidiana barcelonesa a través de otros rincones menos conocidos.
La serie narra encuentros entre desconocidos, historias sobre lo que ocurre cuando la tecnología desaparece y lo único que queda son dos personas con sus propias necesidades y contradicciones. Cómo es la primera cita, cuando entran en juego los miedos, los secretos y las expectativas serán algunos de los hilos conductores del guion de Citas Barcelona donde, en un marco muy urbano, cada capítulo narrará la historia de dos citas. A lo largo de la temporada, los personajes se mezclan y entrelazan, cruzándose algunas de las historias y ofreciendo una mirada elegante, natural y entretenida de las relaciones de pareja actuales, de su diversidad y complejidad.
Citas Barcelona cuenta con un reparto compuesto por Carmen Machi, Belén Cuesta, Ivan Massagué, Laia Costa, Nausicaa Bonnín, Carolina Yuste, Pablo Rivero, Manuela Vellés, Betsy Túrnez, Eduard Buch, Aida Oset, Ricard Sales, Jordi Llovet, Carlos Cuevas, Gonzalo de Castro, Miguel Ángel Muñoz, Aina Clotet, Ajay Kumar, Andrea Álvarez, Pol López, Pep Ambrós, Alejo Sauras, Albert Ausellé, David Verdaguer, Berta Castañé, Berta Bayarri, Joana Vilapuig, Vito Sanz, Eva Santolaria, Antonio Hortelano, Carme Balagué y Dulceida.
La serie es una producción de Filmax y Citas La Serie, AIE que cuenta con la participación de Prime Video y TV3. Pau Freixas y Èric Navarro son sus productores ejecutivos creativos. A su vez el también creador de ‘Todos mienten‘ (y de su esperada continuación) es uno de sus directores junto a David Selvas, Paco Caballero, Patricia Font y Carles Torrens.

Retrospectiva completa de la Filmoteca Española a José Luis Garci

El cineasta inaugurará la retrospectiva el 1 de junio en el Cine Doré con la presentación de ‘Volver a empezar’ y un coloquio posterior con el público
El ciclo se realiza en coordinación con Centro de Cultura Contemporánea Condeduque del Ayuntamiento de Madrid, que inaugura el 29 de junio la exposición ‘Garcine’
El homenaje en Filmoteca Española incluye una carta blanca de títulos escogidos por el propio Garci para el Doré, así como presentaciones de diversos colaboradores de su filmografía
Cuando se cumplen 40 años del Oscar a José Luis Garci por ‘Volver a empezar’, el primero otorgado a una obra española como Mejor Película de Habla No Inglesa, Filmoteca Española homenajea al director español. A lo largo de los próximos meses, el programa ofrecerá un recorrido por la filmografía del director que más veces ha sido nominado al Premio de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood. El ciclo, titulado ‘Vidas de repuesto’, reúne toda su obra cinematográfica como director, así como una selección de sus trabajos como guionista, productor e incluso intérprete.
El ciclo de Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación del patrimonio cinematográfico español, se realiza en coordinación con el Ayuntamiento de Madrid, a través del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, organizador de la exposición ‘Garcine. 40 años del primer Oscar a una película en lengua española’, que tendrá lugar del 29 de junio al 15 de octubre en el Centro Condeduque de Madrid.
Para inaugurar este ciclo, el propio José Luis Garci acudirá el día 1 de junio al Cine Doré, sala de proyecciones de Filmoteca Española, para presentar ‘Volver a empezar’ y mantener un coloquio con el director de Programación, Carlos Reviriego, y con el público. También contará con la presencia de varios de sus colaboradores más habituales, como José Sacristán el día 2 de junio para la sesión de ‘Solos en la madrugada’, así como Miguel Ángel Muñoz o Carlos Santos los días 21 y 22 para hablar de sus personajes en la trilogía de ‘El crack’.
José Luis Garci se ha convertido en icono de la cinefilia no solo por su obra, cargada de amor al séptimo arte, sino también por su labor como divulgador y crítico cinematográfico al frente de publicaciones como ‘Nickelodeon’ y espacios televisivos como el mítico ‘¡Qué grande es el cine!’. El homenaje en Filmoteca Española incluye una carta blanca de títulos escogidos por el propio Garci para el Cine Doré.

 

Calendario de sesiones
1 de junio – 20.30h
‘Volver a empezar’
Presentación a cargo del director, José Luis Garci
2 de junio – 17.30h
‘Solos en la madrugada’
Presentación a cargo del actor José Sacristán
3 de junio – 21.30h
‘Asignatura pendiente’
4 de junio – 17.00h
‘Viva la clase media’
7 de junio – 17.30h
‘Cortometrajes de José Luis Garci’
11 de junio – 17.00h
‘Las verdes praderas’
14 de junio – 17.30h
‘La herida luminosa’
16 de junio – 21.30h
‘Sesión continua’
20 de junio – 20.30h
‘El crack’
21 de junio – 20.30h
‘El crack dos’
Presentación a cargo del actor Miguel Ángel Muñoz.
22 de junio-20.30h
‘El crack cero’
Presentación a cargo del actor Carlos Santos
23 de junio – 17.30h
‘El abuelo’
24 de junio – 21.30h
‘Una gota de sangre para morir amando’
27 de junio – 18h
‘Canción de cuna’
29 de junio – 21.30h
‘Extramuros’
30 de junio – 17.30h
‘Asignatura aprobada’
 

El mito de Frankenstein según Yorgos Lanthimos, primer avance para «Poor Things»

Cinco años después de The Favourite (2018) el realizador griego Yorgos Lanthimos tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Poor Things, adaptación de la novela escrita por Alasdair Gray de igual título cuyo primer avance en forma de teaser tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página. El film, aún sin fecha de estreno en nuestro país, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 8 de septiembre.
En Poor Things vemos como Bella Baxter es una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan Wedderburn, un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.
La película, con guion adaptado a cargo de Tony McNamara, está protagonizada por Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Jerrod Carmichael, Wayne Brett, Christopher Abbott, Margaret Qualley, Kathryn Hunter y Suzy Bemba.

El cine de Shōhei Imamura, emblema de la Nouvelle Vague japonesa, llega a Filmin el 2 de junio

Conocido por retratar la sociedad nipona mediante su visión inconformista y subversiva, Imamura es considerado uno de los cineastas más importantes del siglo XX.
El próximo 2 de junio, Filmin añadirá a su catálogo un ciclo dedicado al director Shōhei Imamura (1926-2006), uno de los máximos exponentes de la Nouvelle Vague japonesa conocido por su audacia, inconformismo y crítica social. La colección está formada por cinco títulos indispensables de su filmografía: «Cerdos y acorazados» (1961), «La mujer insecto» (1963), «Intento de asesinato» (1964), «Los pornógrafos» (1966) y «El profundo deseo de los dioses» (1968). Estas películas se suman a las que ya estaban disponibles en la plataforma: «La anguila» (1997) y «Agua tibia bajo un puente rojo» (2001).

Considerado uno de los cineastas japoneses más importantes del siglo XX, Imamura usó el cine para poner el foco en las personas marginadas por la sociedad, a la vez que cuestionó las normas y valores tradicionales. Asimismo, su obra se alejó de la visión «turístico-occidental» del su país y, en su lugar, mostró en la gran pantalla un mundo formado por prostitutas, proxenetas, campesinos, ladrones y chamanes. En definitiva, buscó respuestas a sus curiosidades antropológicas y arrojó luz sobre los problemas socioculturales de la comunidad nipona, ante los que la clase alta giraba la cara, desafiando las convenciones tanto cinematográficas como culturales.

Imamura, que se inició en el cine como ayudante de Yasujirō Ozu («Cuentos de Tokio») y más tarde siguió en los estudios Nikkatsu, es el único director japonés al que se le ha otorgado la Palma de Oro del Festival de Cannes en dos ocasiones: «La balada de Narayama» (1983) y «La anguila» (1997).

El ciclo de Shōhei Imamura se suma a la periódica reivindicación de Filmin de directores clásicos y modernos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de cineastas como Marta Mészáros, Chantal Akerman, Frederick Wiseman o Seijun Suzuki.

https://youtu.be/Cwr0fFZVHNc

 

«Sala:B» y el Orgullo

«Celebramos el Orgullo con un peculiar programa doble: un docudrama y una comedia LGTBIQ+ procedentes de los inicios de la democracia. Dos películas aparentemente muy alejadas, pero que comparten una actitud favorable con las primeras reivindicaciones del colectivo. El transexual parte de una tragedia real que llamó la atención de Paul Naschy y el guionista Juan José Porto: la muerte de una vedette brasileña durante una operación clandestina de cambio de sexo. Junto a Antonio Fos, guionista de Eloy de la Iglesia, dieron forma a un melodrama donde un reportero (Naschy) investiga la desaparición de Ágata Lys como mujer trans; pero lo más interesante es el elemento documental que discurre paralelo a la ficción. Conducidos por Yeda Brown, también vedette brasileña y de gran popularidad entonces, estos interludios ofrecen un testimonio personal, médico y legal de enorme interés y osadía formal. Incluye además números musicales rodados en el mítico Gay Club del Paseo del Prado de Madrid y hasta una boda con el transformista Paco España como novio. A pesar del regusto exploitation, la colorida actuación final de Yeda dice mucho de la postura del film. Así lo reconoce nuestra invitada La Caneli: “hecho con la mejor intención, hoy en día sería calificado de tránsfobo ya desde el título, pero debemos recordar cómo ha ido evolucionando el lenguaje y cómo términos han ido cayendo en desuso o cambiando su sentido.”

Gay Club (que toma prestado solo el nombre del famoso local) cuenta otra historia muy de verdad, pero en clave de comedia costumbrista. Las peripecias para montar un bar gay en un pueblo andaluz, cargadas de chistes y tópicos mariquitas, pero con una mirada desenfadada y acogedora. Desde el cartel se subrayaba que era una película sin complejos, donde los malos eran los caciques pueblerinos y no los gays. Tito Fernández, veterano del género, contaba con estrellas como Josele Román, Manuel Alexandre, Carlos Larrañaga, Florinda Chico, y también Paco España, que vuelve cual garantía gay-friendly. La Caneli lo tiene claro: “desde el punto de vista historiográfico del colectivo LGTBIQ+ en España, estas películas se convierten en dos joyas que encapsulan un momento muy particular de nuestra historia y, por tanto, su valor como testimonio de una época es indiscutible.”». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de La Caneli y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 185’).

LUGAR Y FECHAS

Cine Doré

Viernes  30/06/2023      20:00

 

La estructura del tiempo, tráiler para «Perfect Days» de Wim Wenders

Tras unos últimos años dedicados al documental y trabajos televisivos el veterano realizador alemán Wim Wenders vuelve a la ficción, seis años después de Submergence (2017), con Perfect Days, film que estos días compite por la Palma de Oro en el Festival de Cannes cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película supone el regreso a Tokio de Wim Wenders tras Tokyo-Ga (1985), documental que nos acercaba al universo de Yasujiro Ozu.
En Perfect Days vemos como Hirayama parece totalmente satisfecho con su sencilla vida de limpiador de retretes en Tokio. Fuera de su estructurada rutina diaria, disfruta de su pasión por la música y los libros. Le encantan los árboles y les hace fotos. Una serie de encuentros inesperados revelan poco a poco más de su pasado.
La película, con guion a cargo del propio Wim Wenders junto a Takuma Takasaki, está protagonizada por Koji Yakusho, Min Tanaka, Arisa Nakano, Tokio Emoto, Tomokazu Miura, Yumi Asô, Aoi Yamada y Sayuri Ishikawa.

Creaciones (in)humanas. Alteraciones y suplantaciones del ser humano en el cine español

El libro de Débora Madrid explora, analiza, y cuestiona la extraña historia (reciente) de la ciencia ficción cinematográfica en España navegando con pulso firme en un mar agitado por esas dos perspectivas. Y allí hay que colocar el primero de sus aciertos: nos ayuda a comprender por qué es importante seguir estudiando los aconteceres del pasado, explorar nuevas fuentes, mirar con lupa casos concretos, y dar voz a pequeñas circunstancias. Es allí donde se encuentra la complejidad de la historia social de la cultura, son esos detalles los que desafían nuestros esquemas, y nos permiten comprender cómo avanzar en el conocimiento, y aportar nuevas ideas al análisis de nuestro entorno. Pero hay más. En su relato, descubrimos, o re-visitamos, muchos protagonistas olvidados, películas a las que no se había dado importancia, hechos, y circunstancias que se pensaban irrelevantes por no responder a ningún canon aceptado. Y eso, en sí, aunque no tuviera las implicaciones mencionadas arriba, ya es otro mérito. Hace falta rigor, apego al detalle, capacidad de escucha para hacerlo. No parece descabellado pensar que es solo en el marco de una tesis doctoral que es posible concebir algo parecido: un trabajo de años, en el que la determinación de la curiosidad intelectual se mezcla con la paciencia y el respeto hacia lo que ya se ha hecho, el espíritu de aventura con las pausas de reflexión, la convicción con las dudas. Todo esto, ya pulido, repensado y asentado es lo que se encuentra encerrado en las páginas de este libro. Dicho en pocas palabras, es un libro del que se aprende mucho, que divierte, y que hace pensar. No creo que se pueda pedir más. Valeria Camporesi
Autor: Débora Madrid Brito. Editorial: ‎ Ediciones de la Universidad de Castilla-La Mancha. Páginas: 208

Primer tráiler para lo nuevo de Nuri Bilge «About Dry Grasses»

Presente estos días en la Sección Oficial del Festival de Cannes, About Dry Grasses (Kuru Otlar Üstüne), el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador turco Nuri Bilge estrena un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La nueva película del responsable de Once Upon a Time in Anatolia llegará a nuestro país, aún sin fecha de estreno, de la mano de Caramel Films.
En About Dry Grasses vemos como un joven maestro espera ser designado para Estambul después de su servicio obligatorio en un pequeño pueblo. Después de mucho tiempo de espera, pierde toda esperanza de escapar de su vida sombría. Sin embargo, su colega Nuray le ayuda a recuperar la perspectiva.
La película, con guion a cargo del propio Nuri Bilge Ceylan junto a Akin Aksu y Ebru Ceylan, está protagonizada por Merve Dizdar, Deniz Celiloglu y Musab Ekici.

«The Origin» review

En la antigua Edad de Piedra, un grupo dispar de humanos primitivos se une en busca de una nueva tierra. Pero cuando sospechan que un ser malévolo y místico los está persiguiendo, el clan se ve obligado a enfrentar un peligro que nunca imaginaron.
Aunque desde ópticas distintas, The Origin, al igual que muchas de las cintas presentes en la pasada edición del Festival de Sitges, parte y se fundamenta a través de una aniquilación sistemática, lo hace en referencia a una premisa que nos muestra a un grupo de personas asediadas y eliminadas por parte de un enemigo intuido como invisible. La particularidad del film de Andrew Cumming viene dada por personajes y escenario, al estar ubicada en el 45.000 a. C. y está concebida como una suerte de survival prehistórico de narrativa minimalista, ésa que supuestamente intenta aprovechar un máximo rédito posible de un concepto narrativo y escénico en apariencia mínimo, posicionamiento loable que sin embargo, carece del algo tan básico como es el rigor, a tal respecto alejada de una cinta coetánea, como, por ejemplo, La Guerre du feu del francés Jean-Jacques Annaud.
De alguna manera esa carencia de verosimilitud, en especial según que dialécticas y comportamiento poco creíbles para la Edad de Piedra, no es el principal problema que atesora The Origin, principalmente lo es con relación a su no adscripción, o dubitación, a la hora de abrazar sin ningún tipo de reservas el relato de género, en este caso el de terror, corriente del que da la sensación de estar fundamentado. De este modo, al igual que muchas películas que hibridan géneros sin mucha convicción, sin ir más lejos los también en un principio antagónicos, bélico que muta en fantástico, visto en películas como por ejemplo The Bunker (2001) o Deathwatch (2002), el film de Andrew Cumming se queda genéricamente en tierra de nadie, especialmente a la hora de querer trascender en una revelación final, que nos muestra una visión muy oscura de la naturaleza humana, y que en parte viene a ser un preludio de las divisiones, miedo al diferente, que están por aparecer en futuras sociedades. Tesis que pone de manifiesto cómo gran parte del fantástico actual termina siendo bastante deudor de una serie de tendencias percibidas como líquidas, déficit cada vez más endémico del cual no se atisba solución, y del que no parecen librarse ni los relatos provenientes de lo supuestamente ancestral.

Valoración 0/5:2

«Hermana Muerte» de Paca Plaza, película inaugural del Sitges 2023

Hermana Muerte de Paco Plaza será la encargada de inaugurar la próxima edición del Festival de Sitges, rodada casi íntegramente en el Real Monasterio de San Jerónimo de Cotalba, en una localidad cercana a Gandía, la película recupera el universo Verónica; se trata de un cuento de terror en clave femenina, que nos llevará a la España de posguerra, tomando como punto de referencia un convento sacudido por la llegada de Narcisa, una joven novicia con poderes sobrenaturales.
Hermana Muerte nos sitúa en la España de la posguerra, Narcisa, una joven novicia con poderes sobrenaturales, llega a un antiguo convento, ahora colegio para niñas, para incorporarse como maestra. Conforme pasan los días, los extraños acontecimientos y las situaciones cada vez más inquietantes que la atormentan terminarán por conducirla a desentrañar la terrible madeja de secretos que rodean al convento y acechan a sus habitantes.
En palabras del director, Paco Plaza: «Llevo asistiendo al festival de Sitges desde 1991, por lo que es fácil adivinar el privilegio que supone para mí participar un año más, y especialmente con la película inaugural. Sitges es el Wimbledon del terror, el centro del mundo para toda la comunidad cinéfila de terror a nivel planetario, y que “Hermana muerte» sea la película de apertura es un honor que me llena de felicidad. Es una película muy especial para mí en muchos sentidos, una expansión del universo de “Verónica”, con el que guarda muchas conexiones, pero es una película con una naturaleza propia y muy diferente a su predecesora, una película de una luminosidad tenebrosa en torno a un personaje muy querido para mí».
Con producción de El Estudio para Netflix la película, con guion a cargo de Jorge Guerricaechevarría, está protagonizada por Aria Bedmar, Almudena Amor, Maru Valdivielso, Luisa Merelas, Chelo Vivares y Consuelo Trujillo.

Una terrible cotidianidad, tráiler para «Youth (Spring)» de Wang Bing

Figura fundamental dentro de la no ficción con trabajos tan determinantes como por ejemplo Man with No Name (2009) o Mrs. Fang (2017) el realizador chino Wang Bing vuelve a ponerse en primera línea de la palestra con su nuevo trabajo tras las cámarasShanghai Qingn Youth (Spring) Shanghai Qingnian, película cuyo primer tráiler subtitulado al francés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película de tres horas y media de duración, presente estos días a competición en el Festival de Cannes, vuelve a indagar a través de la observación en la actual sociedad china.
Youth (Spring) nos sitúa en Liming, un distrito de trabajadores cerca de Shanghai, la ciudad más rica de China. Cada año, muchos jóvenes abandonan sus aldeas y se trasladan allí. Tienen entre 17 y 20 años, todos de la provincia rural de Yunnan, a 2.500 km al oeste, donde el río Yangtze tiene su origen. Estos jóvenes a menudo viven en su lugar de trabajo, en dormitorios y habitaciones insalubres o en pequeños estudios. Viven como adultos pero son adolescentes, y su situación es inestable; las presiones económicas, la dispersión geográfica, queman su inocencia y su juventud. Wang Bing pasará un año con ellos en Liming: en el trabajo, en casa, en Internet, todos los días de sus relaciones profesionales, románticas y amistosas. Al final del año, los seguirá en dirección opuesta a su provincia de origen, para estar con su familia y celebrar el Año Nuevo Chino.

El broche de oro del genio: FlixOlé estrena las películas de la etapa francesa de Buñuel

Desde Diario de una camarera hasta Ese oscuro objeto del deseo, pasando por la provocativa Bella de día (Belle de jour) y la oscarizada El discreto encanto de la burguesía. FlixOlé estrena el próximo 12 de mayo los grandes títulos de Buñuel en su etapa francesa.
Muchos son los nombres que han contribuido a engrandecer el lema ‘Aragón, tierra de cine’, pero hay uno que sobresale por encima de todos: Luis Buñuel. Maestro del surrealismo y lo onírico, levantó un puente entre el séptimo arte español y el mundo entero. Se convirtió en el director más importante de la historia filmográfica del país. De su extensa y estudiada obra, FlixOlé estrena en su catálogo, el próximo viernes 12 de mayo, los grandes clásicos con los que el autor puso el broche de oro a su carrera en la gran pantalla.
La plataforma especializada en cine español presenta una colección que incluye como novedades algunos de los títulos de Buñuel en su etapa francesa. Desde Diario de una camarera (1964) hasta su último largometraje: Ese oscuro objeto del deseo (1977). Una antología de películas que llevaron al realizador natural de Calanda a lo más alto del panorama audiovisual; en clave nacional e internacional, siendo el primer director español en alzarse con la estatuilla en los Oscar.
Afincado en la industria francesa, Luis Buñuel dio rienda suelta a su creatividad gracias a que contó con mayores recursos y libertad en los rodajes. La ácida sátira social Diario de una camarera fue la primera película realizada en este último ciclo cinematográfico. El filme no escondía el desdén del aragonés por la burguesía. Dicho sentimiento quedó reflejado en las bajas y excéntricas pasiones que despertaba la joven protagonista entre los varones de la casa donde ejercía de doncella.

Catherine Deneuve, en ‘Belle de jour’

Belle de jour y la oscarizada El discreto encanto de la burguesía
Ya en 1967 se estrenaría Bella de día (Belle de jour). Las perversiones sexuales con las que Buñuel gustaba representar la hipocresía de las clases acomodadas se volvieron todavía más palmarias en el personaje de Séverine Serizy (Catherine Deneuve), una aristócrata convertida en prostituta. Erotismo y surrealismo acompañan a este juego fílmico de realidad y ficción que supuso un gran éxito de taquilla; y con el que el realizador obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia.
Con La Vía Láctea (1969), el realizador plantearía un complejo y herético viaje espacio-temporal que cargaba contra la fe ciega y el fanatismo religioso. Valiéndose de la rocambolesca peregrinación a Santiago de Compostela que inician dos trotamundos franceses, el cineasta desahogó sus ganas de adaptar la vida de Cristo a la gran pantalla.
Después vendría El discreto encanto de la burguesía (1972). Una revisión de El ángel exterminador (1962) con la que Buñuel hizo desfilar a seis personajes de alta casta por distintos escenarios; a cada cual más surrealista. El filme llevaría a su autor a recoger el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa. Y a codearse con lo más granado de la meca del cine en el recibimiento que le organizó George Cukor en su mansión con motivo de la nominación.
También se pasearía por la alfombra roja hollywoodiense la última película del director español: Ese oscuro objeto del deseo. A través del humor, Buñuel narró las peculiares relaciones que mantiene un hombre maduro con una joven de 19 años.

Ángela Molina y Fernando Rey en la última película de Luis Buñuel, ‘Ese oscuro objeto del deseo’

La colección de Buñuel
Todas estas películas estarán disponibles en la colección que estrenará FlixOlé el próximo 12 de mayo. El especial incorporará además La muerte en este jardín (1956), de producción francesa, aunque adscrita a una etapa cinematográfica anterior del calandino. Igualmente se podrán encontrar títulos tan emblemáticos como Viridiana (1961), Simón del desierto (1965) y Tristana (1970); así como los documentales dedicados al más importante de los directores españoles. Entre éstos se encuentran Buñuel (Rafael Cortés, 1984) y Buñuel, un cineasta surrealista (Javier Espada, 2021).

 

 

Primer tráiler para «Five Nights at Freddy’s» de Emma Tammi

Después de la buena impresión cosechada por su opera prima The Wind (2018) la realizadora Emma Tammi dirige la adaptación cinematográfica del popular videojuego de terror Five Nights at Freddy’s, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ver la luz de la mano de Universal Pictures y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, producida por Blumhouse y animatrónicos creados por Jim Henson’s Creature Shop, mítica compañía de efectos especiales fundada en el año 1979 por Jim Henson, tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 27 de octubre.
Five Nights at Freddy’s nos cuenta como un hombre comienza un trabajo como guardia de seguridad nocturno en el restaurante Freddy Fazbear’s Pizza, lugar donde descubre que los animatrónicos se mueven por la noche y matan a cualquiera que vean.
La película, con guion a cargo de la propia Emma Tammi junto a Scott Cawthon y Seth Cuddeback, está protagonizada por Josh Hutcherson, Matthew Lillard, Piper Rubio, Elizabeth Lail, Mary Stuart Masterson, Lucas Grant, Kat Conner Sterling y Jessica Blackmore.

 

Hollywood antes de la censura. «Las películas pre-code.»

Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. A pesar de que el código Hays de censura se aprobó en 1930, no fue hasta cuatro años después que se instauró de un modo férreo. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años.
Este libro se centra en ese fascinante periodo de la Historia de Hollywood, analizando una a una las películas más características de aquellos años. Aquellas que a la postre han hecho honor a esta terminología moderna, pre-code, y que hoy día nos resultan verdaderamente impactantes.
El autor
Guillermo Balmori nació en Burgos en 7974. Es licenciado en Derecho por la Universidad de Burgos y Máster en Abogacía por el Instituto Superior de Derecho y Economía (ISDE) de Barcelona. Actualmente ejerce como abogado en Madrid. Escribe como articulista en revistas jurídicas y económicas, así como en páginas web de contenido cinematográfico. Es autor del libro «La comedia clásica norteamericana» publicado en esta misma editorial.
Autor: Guillermo Balmori. Editorial: NOTORIOUS EDICIONES, S.L. Páginas: 421

The Final Cut, primer tráiler para «Cobweb» de Kim Jee-woon

Otra de las películas que tendrán su premiere mundial estos días en el marco del Festival de Cannes es el nuevo trabajo tras las cámaras, cinco años después de In-rang (2018), del coreano Kim Jee-woon titulado Cobweb, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Cobweb, comedia negra que se enmarca en la categoría de cine dentro de cine, vuelve a reunir a Kim Jee-woon junto al actor Song Kang-ho.
Cobweb nos sitúa en los años 70, el director Kim está obsesionado por el deseo de volver a rodar el final de su película recién terminada ‘Cobweb’, pero el caos y la confusión se apoderan del plató con la interferencia de los censores y las quejas de los actores y productores que no pueden entender la reescritura del final. ¿Será Kim capaz de encontrar un camino a través de este caos para cumplir sus ambiciones artísticas y completar su obra maestra?
La película, con guion a cargo de Shin Yeon-shick, está protagonizada por Song Kang-ho, Lim Soo-jung, Oh Jung-se, Jeon Yeo-been, Krystal Jung, Park Jeong-su y Jung Woo-sung.

Ciclo CBA. La noche bizarra. Folk Horror: Terrores paganos

Cada sábado noche, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.
A principios de los 70, coincidiendo con el auge de la psicodelia y los movimientos New Age, se acuña el término Folk Horror para referirse a una corriente del cine terror  que se alejaba de lo sobrenatural para mostrarnos los terrores que se encuentran enterrados bajo nuestra propia civilización: rituales paganos, naturalezas salvajes e indomables, tradiciones ancestrales, sociedades que se resisten a ser colonizadas; explorando los miedos del mundo occidental moderno a una versión pre-cristiana y salvaje de sí mismo.
Presentamos una selección ecléctica de cinco películas recientemente restauradas, incluyendo el estreno en España de dos títulos a descubrir y reivindicar: Eyes of Fire (Avery Crounse, 1983) y Alison’s Birthday (Ian Coughlan, 1981). Ambas rodadas en 16mm y restauradas desde los negativos originales. Proyectaremos también dos clásicos indiscutibles del género como son las inglesas El hombre de mimbre (Robin Hardy, 1973), influencia directa de Midsommar, y La garra de satán (Piers Haggard, 1971), película que dio origen al término Folk Horror. La programación se completa con la película italiana Il demonio (Brunello Rondi, 1963), una fascinante película a medio camino entre el cine etnográfico y el terror estilo Possession fotografiada en un impecable blanco y negro.

Eyes of fire

Avery Crounse, EEUU, 1983, 1h30 VOSE [Archivo digital]
Un predicador del siglo XVIII y sus seguidores se adentran en una zona inexplorada de los bosques de Norte-América con la intención de establecer un asentamiento, pero pronto descubrirán que algo habita los bosques. Definida como “si Werner Herzog hubiera dirigido una película de A24 en 1983” y “el santo grial del cine Folk Horror”, Eyes of Fire es una alucinación onírica que combina surrealismo de autor, criaturas extrañas y un ambicioso simbolismo para construir una experiencia verdaderamente inquietante.
Sábado 20.05.23 · 22:00 + presentación de Alberto Sedano (programador de La noche bizarra)

El hombre de mimbre

Robin Hardy, Reino Unido, 1973, 1h34 VOSE [Archivo digital]
El Sargento Howie es llamado a una remota isla escocesa para investigar la desaparición de una niña. A su llegada, Howie se encuentra cada vez más aislado y humillado por las acciones de la comunidad de la isla, que pertenece a un extraño culto pagano dirigido por el encantador Lord Summerisle (Christopher Lee). A medida que los preparativos para una siniestra celebración ritual alcanzan su punto álgido, Howie empieza a sospechar qué papel pretenden que desempeñe los isleños. Presentamos el recientemente recuperado Montaje Final, aprobado por el director, de este clásico indiscutible del Folk Horror y del cine de terror en general, influencia directa de Midsommar.
Sábado 27.05.23 · 22:00

 

La garra de Satán

Piers Haggard, Reino Unido, 1971, 1h37 VOSE [Archivo digital]
En un remoto pueblo de la Inglaterra del siglo XVII, el labrador Ralph Gower tropieza accidentalmente con una diabólica calavera mientras ara un campo. Ralph informa de su hallazgo al juez pero cuando regresan, la calavera ha desaparecido. Muy pronto, los niños del pueblo empiezan a actuar de forma extraña y forman un aquelarre de asesinos. Cuando unos misteriosos pelos (llamados Piel del Diablo) empiezan a aparecer en sus cuerpos, se desata el infierno.
Sábado 03.06.23 · 22:00

 

Il demonio

Brunello Rondi, Italia, 1963, 1h38 VOSE [Archivo digital]
En un pueblo rural del sur de Italia, donde el cristianismo ha integrado muchas de las antiguas creencias supersticiosas, una joven campesina es considerada bruja por los lugareños, hasta el punto de ser condenada a una terrible sentencia como castigo a sus supuestas malas acciones. Una fascinante película a medio camino entre el cine etnográfico y el de terror, fotografiada en un impecable blanco y negro.
Sábado 10.06.23 · 22:00

 

Allison’s Birthday

Ian Coughlan, Australia, 1981, 1h34 VOSE [Archivo digital]
Durante una sesión de ouija con sus amigas, Alison, de 16 años, recibe un mensaje del más allá para que no vaya a casa a celebrar su 19 cumpleaños. Tres años más tarde, la semana de su 19 cumpleaños, recibe una llamada de su madre diciéndole que van a celebrar una fiesta y que la quieren allí… sola. Película de culto australiana que ha permanecido perdida desde la era del VHS, recuperada ahora en una nueva restauración desde el negativo 16mm original.
Viernes 16.06.23 · 22:00

Un romance a tres, teaser tráiler para «Passages» de Ira Sachs

Tras su paso por los festivales de Sundance y Berlín acaba de ver la luz un primer teaser tráiler subtitulado al inglés, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de Ira Sachs titulado Passages. Drama en torno a un triángulo amoroso que se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Caramel Films el próximo 1 de septiembre.
Passages nos cuenta como durante su último día de rodaje en París, el director de cine Tomas se acuesta con Agathe, una chica que conoce en una discoteca. Cuando Tomas se lo cuenta orgulloso a su marido Martin, surge una relación apasionada entre los tres marcada por la pasión, los celos y el narcisismo.
La película, con guion a cargo del propio Ira Sachs junto a Mauricio Zacharias, está protagonizada por Ben Whishaw, Franz Rogowski, Adèle Exarchopoulos, Caroline Chaniolleau, Radostina Rogliano, William Nadylam, Léa Boublil, Thibaut Carterot, Théo Cholbi, Tony Daoud, Theo Gabilloux, Erwan Fale, Sarah Lisbonis, Arcadi Radeff y Anton Salachas.

El iconoclasta Seijun Suzuki llega a Filmin con 12 de sus películas remasterizadas

Reivindicado por cineastas como Quentin Tarantino o Jim Jarmusch, el prolífico director japonés convirtió su cine de serie B en un estallido de color, surrealismo y abstracción pop. 
Siguiendo con su periódica reivindicación de cineastas clásicos y modernos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de directoras como Marta Mészáros, Chantal Akerman o Frederick Wiseman, Filmin añadirá a su catálogo el próximo 19 de mayo una docena de largometrajes dirigidos por el japonés Seijun Suzuki, coincidiendo con el centenario de su nacimiento, sin duda una de las personalidades más singulares de la historia del cine japonés.

Reivindicado por cineastas como Quentin Tarantino (quien en el clímax de «Kill Bill vol. 1» se apropiaba de la brillante idea del japonés de rodar el combate final de «La vida de un hombre tatuado» colocando la cámara bajo un suelo de cristal), Jim Jarmusch (su «Ghost Dog» imitaba casi plano a plano una célebre escena de «Branded to Kill») o Nicolas Winding Refn (que considera «Tokyo Drifter» su película favorita de todos los tiempos), Suzuki logró hacer un cine personal, libre y arrebatado bajo el corsé que le imponía ser director de películas de serie B en plantilla de un gran estudio como Nikkatsu.

El ciclo que estrena Filmin ofrece una amplia panorámica de los distintos géneros que, siempre con su estilo personalísimo, abordó un cineasta al que con demasiada facilidad se le ha relegado al subgénero de mafias y yakuzas. Así, junto a su trilogía de películas más conocidas («Branded to Kill», «Tokyo Drifter» y «Gate of Flesh») se recuperan títulos más heterodoxos de su filmografía, como el drama de envoltura clásica «La historia de una prostituta», su sátira antimperialista de tintes autobiográficos «The Born Fighter» e incluso una película de boxeo: «Million Dollar Smash-and-Grab».

Todas las películas del género se ofrecen en su versión remasterizada, con una excelente calidad de imagen y sonido que alcanza su cénit con la edición en 4K de «Branded to Kill». La película de 1967 es posiblemente la mejor puerta de acceso al fervor pop de un director que supo conjugar la mejor tradición del cine de género japonés con las nuevas olas que llegaban de otros continentes en los años 60: del Godard juguetón de «Bande à Part» al Antonioni febril de «El desierto rojo» o francotiradores de la serie B estadounidense como Edgar Ulmer, Joseph H. Lewis y Samuel Fuller.

Javier Bardem protagonista del cartel de la 71ª edición del Festival de San Sebastián y Premio Donostia

Javier Bardem recibirá un Premio Donostia en la 71ª edición del Festival de San Sebastián. El actor español será protagonista por partida doble: además de recibir el galardón honorífico más importante del Festival, que desde 1986 reconoce la trayectoria y aportación de grandes figuras del mundo del cine, será la imagen del cartel oficial de la próxima edición.
La ceremonia de entrega del galardón tendrá lugar durante la gala de inauguración de la 71ª edición, el viernes 22 de septiembre en el Auditorio Kursaal, treinta años después de la primera visita de Bardem al Festival, con motivo de la proyección de Huevos de oro (Bigas Luna) en la Sección Oficial, en 1993.

Javier Bardem (Las Palmas de Gran Canaria, 1969) es el actor español de mayor reconocimiento internacional en la actualidad con más de un centenar de galardones, entre los que figuran el Óscar, el Globo de Oro y el BAFTA por No Country for Old Men (No es país para viejos, 2007), los Goyas por sus actuaciones en Días Contados (1994), Boca a boca (1995), Los lunes al sol (2002), Mar adentro (2004), Biutiful (2010) y El buen patrón (2021), además de a la mejor película documental como productor de Hijos de las nubes, la última colonia (2012), así como los reconocimientos de la Academia del Cine Europeo, de los Premios Platino y de los principales festivales: el premio al mejor actor en Cannes (Biutiful, 2010), la Copa Volpi en Venecia (Before Night Falls / Antes que anochezca, 2000 y Mar adentro, 2004) y la Concha de Plata (por Días Contados y El detective y la muerte) en 1994.

San Sebastián ha seguido la evolución de la trayectoria del actor en las tres últimas décadas a través de su veintena de visitas: desde la primera con Huevos de oro (Bigas Luna, Sección Oficial, 1993) hasta la última con El buen patrón (Fernando León de Aranoa, Sección oficial, 2021), pasando por su Concha de Plata al mejor actor por Días contados (Imanol Uribe) y El detective y la muerte (Gonzalo Suárez), en 1994, sus colaboraciones con Pedro Almodóvar y Álex de la Iglesia (Perdita Durango -Velódromo- y Carne trémula -Made in Spain-, en 1997 y 1998) y la entrega del Premio Donostia a John Malkovich (1998). El Festival ha sido testigo del inicio de su carrera internacional con la proyección de Before Night Falls (Antes que anochezca, Julian Schnabel, Zabaltegi-Perlas) y la entrega del Premio Donostia a Robert de Niro en 2000 y la presentación, dos años después, de The Dancer Upstairs (Pasos de baile, John Malkovich, Zabaltegi-Perlas). Asimismo, ha asistido a la consolidación de su carrera con Los lunes al sol (Fernando León de Aranoa, Sección Oficial, 2002), Vicky Cristina Barcelona (Woody Allen, Zabaltegi-Perlas) en 2008, el reconocimiento del Premio Nacional de Cinematografía ese mismo año, y la entrega del Premio Donostia a Julia Roberts y la presentación de Eat Pray Love (Come reza ama, Ryan Murphy, Sección Oficial fuera de concurso, 2010). Y ha acogido también su faceta como productor en Hijos de las nubes, la última colonia (Made in Spain, 2012), Bigas x Bigas (Proyección especial Sección Oficial, 2016), Loving Pablo (Perlas, 2017) y Sanctuary (2019).

Javier Bardem es el sexto intérprete español en recibir el premio honorífico más importante del Festival, tras Fernando Fernán Gómez (1999), Paco Rabal (2001), Antonio Banderas (2008), Carmen Maura (2013) y Penélope Cruz (2019).
El Festival instauró en 2018 una nueva línea de carteles, presidida por una figura de la cinematografía contemporánea. Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver y Juliette Binoche han precedido a Bardem como imagen oficial, que este año ha sido elaborada por la agencia de publicidad Dimensión a partir de dos fotografías realizadas por el fotógrafo Nico Bustos. La superposición de las imágenes, a través del recurso de la maculatura, homenajea la capacidad camaleónica de Javier Bardem, su transformación en los personajes que encarna.

Dimensión también ha realizado los carteles del resto de secciones. Junto al fotógrafo José Luis López de Zubiria, han recurrido a la retórica visual para crear asociaciones no evidentes entre algunos objetos y los atributos específicos que definen a cada sección: el atrevimiento en el caso de New Directors, la energía de Horizontes Latinos, lo imprevisible en Zabaltegi-Tabakalera, lo selecto en Perlak, la osadía en Nest, el legado en Culinary Zinema y la identidad en Zinemira.

 

Primer tráiler para «Perdidos en la noche», lo nuevo de Amat Escalante

Siguiendo con el repaso de los primeros avances de algunas de las películas presentes en la inminente edición del Festival de Cannes nos llega un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, del esperado nuevo trabajo tras las cámaras, siete años después de su estupenda La región salvaje, del realizador mejicano Amat Escalante Perdidos en la noche.
Perdidos en la noche nos presenta a Paloma, profesora y activista, protesta contra la industria minera local. Poco después, desaparece sin dejar rastro. Cinco años después, su hijo Emiliano busca al culpable. El joven de 20 años tiene un gran sentido de la justicia. Debido a la incompetencia del sistema judicial, él toma el asunto en sus propias manos. Una nota lo lleva a la casa de verano de la rica y excéntrica familia Aldama. El clan está encabezado por la destacada matriarca Carmen Aldama. En busca de la verdad, Emiliano se sumerge en un mundo oscuro lleno de secretos, mentiras y venganzas.
La película, con guion a cargo del propio Amat Escalante, está protagonizada por Ester Expósito, Bárbara Mori, Juan Daniel Garcia, Jero Medina y Fernando Bonilla.

El polar francés 1931-1982

El libro El polar francés 1931-1982, nueva publicación de la Colección Nosferatu, acaba de ver la luz. El libro, número 19 de la serie, editado por Donostia Kultura y Filmoteca Vasca y coordinado por Antonio José Navarro, se acerca al cine negro francés, el llamado polar.
El cine negro nació en Francia en los primeros años 10 con los seriales de Louis Feuillade –Fantômas(1913-14), Les Vampires(1914-15)–y en el siglo XXI se siguen produciendo un buen número de títulos cada temporada, pero a la hora de abordar el libro se ha optado por circunscribirlo a los considerados años dorados del género.
En palabras de Antonio José Navarro: El polar, término que nace del apócope de las palabras policier (policíaco) y noir(negro), engloba las diferentes representaciones cinematográficas y literarias de lo criminal, de lo policíaco, según la cultura francesa. Representaciones que van mucho más allá de la simple antropología del delito y del delincuente, del enfrentamiento entre el Bien y el Mal. El polar fílmico es, probablemente, una de las mayores aportaciones europeas al cine de género de la historia, pues es el punto de encuentro entre las vanguardias europeas, las películas de Hollywood y la poética trágica, tremendista, sobre la marginación, sobre les bas-fonds, que nace de la novela naturalista francesa de finales del siglo XIX. Todo ello ligado a la fascinación por unas imágenes metafóricas, líricas o ferozmente realistas. 
De este modo, el polar se define como un cine ideológicamente diverso y estéticamente poliédrico. Un fenómeno transcultural, transhistórico y transgenérico, cuyo estilo visual definido pero, a la vez, dúctil en función de las inquietudes de sus autores, se convierte en miradas, pensamientos, emociones, alrededor del lado oscuro de la sociedad y, sobre todo, de sus individuos. Un género, el polar, dentro del cual encontraremos las mejores obras de cineastas de la categoría de Jacques Becker, Marcel Carné, Pierre Chenal, Claude Chabrol, Alain Corneau, Julien Duvivier, José Giovanni, Jean Grémillon, Jean-Pierre Melville, Jean Renoir o Henri Verneuil, entre otros.
Autor: Coordinado por Antonio José Navarro. Carlos Aguilar, Tonio L. Alarcón, Ricardo Aldarondo, Quim Casas, Mar Corrales, Roberto Cueto, Roberto Curti, Tomás Fernández Valentí, Pablo Fernández Vegas, Jorge Gorostiza, Eduardo Guillot, Elisa McCausland, Antonio José Navarro, Luis Pérez Ochando, Jesús Palacios, Juan Andrés Pedrero Santos, Àngel Quintana, Aarón Rodríguez y Diego Salgado, Editorial: Donostia Kultura y Filmoteca Vasca, Colección Nosferatu, Páginas: 231