Una historia existencialista, tráiler para «L’Étranger» de François Ozon

Coincidiendo con su inminente estreno mundial en el Festival de Venecia acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del francés François Ozon L’Étranger. Adaptación de la célebre novela de Albert Camus, llevada al cine por Luchino Visconti en 1967, que tiene previsto su estreno comercial en nuestro país, previo paso por el Zinemaldia dentro de la sección Perlas, para el próximo 29 de octubre de la mano de Bteam.     

L’Étranger nos sitúa en Argel, 1938. Meursault, un empleado tranquilo y reservado de unos treinta años, asiste al funeral de su madre sin derramar una lágrima. Al día siguiente, inicia una relación casual con Marie, una compañera de trabajo. Pronto vuelve a su rutina habitual. Sin embargo, su vida diaria está a punto de verse alterada por su vecino, Raymond Sintès, quien lo involucra en sus turbios asuntos, hasta que un día abrasador ocurre un trágico suceso en una playa…

La película, con guion adaptado a cargo del propio François Ozon, está protagonizada por Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Pierre Lottin, Denis Lavant, Swann Arlaud, Benjamin Hicquel, Jean-Charles Clichet y Jean-Benoît Ugeux.  

El Festival de San Sebastián reconocerá a Jennifer Lawrence con el Premio Donostia

La actriz ganadora de un Oscar recibirá la distinción honorífica el 26 de septiembre en una gala que acogerá el Kursaal, donde se proyectará su última película, ‘Die My Love’, de Lynne Ramsay

El Festival de San Sebastián dedicará uno de los Premios Donostia en su 73ª edición a reconocer el talento de Jennifer Lawrence, una de las actrices más influyentes de nuestro tiempo. La intérprete ganadora de un Oscar recibirá el galardón honorífico en una gala que tendrá lugar el viernes 26 de septiembre en el Auditorio Kursaal. A continuación tendrá lugar la proyección de su última película, Die My Love, un trabajo que es un punto de inflexión en su carrera y en el que Lawrence participa también como productora. El filme está dirigido por Lynne Ramsay y tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes. 

Jennifer Lawrence es una actriz, productora y activista ganadora de un Oscar. Ha protagonizado películas tan aclamadas como Silver Linings Playbook (El lado bueno de las cosas), que le valió el Oscar a la mejor actriz en 2012, o American Hustle (La gran estafa americana), Don’t Look Up (No mires arriba), Joy y la trilogía de The Hunger Games (Los juegos del hambre). En 2018, Lawrence amplió su influencia detrás de la cámara al cofundar Excellent Cadaver, una productora dedicada a contar historias arriesgadas y que invitan a la reflexión. Junto con Justine Ciarrocchi, su socia en la productora, Lawrence ha desarrollado una dinámica lista de proyectos con muy buena acogida por parte de la crítica, incluidos Causeway, No Hard Feelings (Sin malos rollos) y los aclamados documentales Zurawski v. Texas y Bread & Roses, este último reconocido con el prestigioso premio Peabody. El último proyecto de Excellent Cadaver, protagonizado y producido por Lawrence y dirigido por Lynne Ramsay, es una apasionante adaptación de Die My Love, que se estrenó en el Festival de Cannes de 2025 y que se estrenará el 7 de noviembre.

Die My Love, programada como Proyección Premio Donostia, la protagonizan también Robert Pattinson, LaKeith Stanfield, Nick Nolte y Sissy Spacek. 

La ópera prima de Lynne Ramsay (Glasgow, 1969), Ratcatcher (1999) se presentó en Un Certain Regard en Cannes y luego se programó en Perlak. Tras su paso por la Quincena de Cinéastes, Morvern (2002) ganó el Premio FIPRESCI en San Sebastián. Regresó a Cannes con We Need to Talk About Kevin (Tenemos que hablar de Kevin, 2011) y con You Were Never Really Here (En realidad nunca estuviste aquí, 2017), lo que le valió el Premio al Mejor Guion, mientras que el Premio al Mejor Actor fue para Joaquin Phoenix.

Die My Love

Lynne Ramsay (Reino Unido)

País(es) de producción: Canadá

Intérpretes: Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, Lakeith Stanfield, Sissy Spacek, Nick Nolte

Ambientada en la América rural, Die My Love es el retrato de una mujer atrapada en el amor y la locura. Grace, escritora y joven madre, se va sumiendo poco a poco en la locura. Encerrada en una vieja casa en Montana y sus alrededores, la vemos cada vez más agitada y errática, dejando a su compañero Jackson cada vez más preocupado e impotente

El cine de los hermanos Coen

Ethan y Joel Coen han cultivado una voz sombríamente cómica y reconocible en el cine estadounidense contemporáneo, regalando a los aficionados al celuloide clásicos de muy variada factura: comedia, historia, drama, romance… El tratamiento que este par de doctos cinéfilos imprime a sus películas, a caballo, diríase, entre la celebración
y la parodia, es un tributo sin fin al séptimo arte en todas sus vertientes y géneros. Su obra contiene un amplio abanico de historias hilarantes, tristes, reflexivas, iconoclastas, románticas y críticas, y no son pocas las obras de su filmografía en las que se dan cita todos esos atributos. Cuando alguien proclama que una película «es de los Coen», todo amante del cine sabe exactamente a qué atenerse. Con su extravagante estética visual, sus no menos desconcertantes personajes, desopilantes diálogos y acompañándose siempre de un gran reparto, sus largometrajes son objeto de culto por parte de propios y extraños. A pesar de que sus películas han sido financiadas y distribuidas por grandes estudios, los Coen han logrado seguir trabajando como cineastas independientes sin renunciar nunca a su modo de entender este oficio.

Esta antología de semblanzas biográficas, textos críticos, análisis cinematográficos y reveladoras entrevistas con sus colaboradores de confianza —ilustrada con una selección de imágenes de su ya extensa filmografía y otras curiosidades—, es el resultado de años de consagración al apasionado estudio de la obra de tan prolífica
hermandad. El crítico de cine Adam Nayman, además de celebrar y diseccionar los logros de este singular contubernio, nos acerca a su obra para trazar, como él mismo proclama con la pompa que la ocasión merece, una gran teoría unificada de lo que el propio Nayman ha dado en llamar «coentáneo».

SOBRE EL AUTOR

Adam Nayman es crítico de cine, guionista, autor y editor de Cinema Scope, y escribe sobre cine para The Ringer, Sight and Sound, Reverse Shot y Little White Lies.

Es profesor del Instituto de Estudios Cinematográficos de la Universidad de Toronto y también da clases sobre cine y periodismo en la Universidad de Ryerson.

Colabora, además, con The Toronto Star, The New Republic, y también escribe para The New York Times, The New Yorker y The Walrus.

Autor: Adam Nayman, (Traducción: Juan Trejo), Editorial: LIBROS DEL KULTRUM, Páginas: 336

Proyecciones Xcèntric: Crater-Lab / Spectral: un programa de cine expandido

Concebida en colaboración con Crater-Lab, esta sesión presenta tres obras recientes de miembros del colectivo, junto a otra de la mexicana Elena Pardo, una de las artistas que participaron en SCREEN, el programa de residencias internacionales del proyecto Spectral. Cuatro performances con múltiples proyectores de 16 mm, diapositivas y otros artefactos de creación de imágenes y efectos artesanales que dan muestra del tipo de trabajos que viene desarrollando este colectivo independiente en nuestra ciudad.

Fundado en Barcelona en 2014, Crater-Lab es un laboratorio de creación independiente, autogestionado por artistas y cineastas, que tiene por objetivo impulsar la producción de un cine artesanal en soporte fílmico y enfocado en generar las bases materiales para crear y experimentar en todos sus procesos (filmación, revelado, copiado, animación, intervención plástica, proyección, etc.). Sus actividades, así como las investigaciones de sus socias, socios y residentes, están mayoritariamente relacionadas con las prácticas de cine expandido y performativo, de las que esta sesión incluirá una muestra reciente y representativa.

Desterra, Yago Alcover, 2022, 16 mm, 15 min, sonido directo

Esta pieza trata la descentralización del aparato de proyección en la que la emulsión, la película, el bucle, la proyección y la amplificación de sonido se conciben como un inmenso diagrama de ondas y vibraciones. Una invitación a retrotraerse a las bases de la proyección y la conformación de la imagen y el sonido.

In-Out-Around, Luis Macias, 2024, 16 mm (x3) y diapositivas de 35 mm, 25 min aprox

En el intersticio entre la vigilia y el sueño, un bosque incorpóreo emerge de la oscuridad. Una pieza compuesta por una compleja arquitectura de proyecciones en 16 mm y diapositivas impulsadas por loopers, motores y obturadores externos, y una composición sonora ejecutada en directo por Tomás Novoa.

Por dentro somos color, Elena Pardo, México, 2024, 16 mm (x3), 30 min aprox., sonido digital de Valeria Jonard y Abderrahman Anzaldua

En Santa María Tlahuitoltepec, Oaxaca, la organización de mujeres Poj Kaa sostiene un herbario comunitario. Sus recorridos en busca de plantas son una manera de compartir conocimiento con parteras, sanadoras y xëmaapyë. En Teotitlán del Valle, la familia Ruiz utiliza plantas e insectos para teñir la lana con la que tejen tapetes. En esta película se entretejen los dos poderes de las plantas: curar y dar color.

Morfologías fluctuantes, Barbara Ghidini y Antonio Bértolo, 2024, 16 mm (x4), 25 min aprox., sonido digital de Alfredo Costa Monteiro

Esta obra parte de un material rodado en una antigua zona industrial de Barcelona y otro en el desierto de los Monegros, donde se encuentran los «tozales», unas peculiares formaciones geológicas. El primer material se derrumbará para dar lugar al segundo, como un acontecimiento inevitable. Imágenes en blanco y negro de alto contraste, tanto negativas como positivas, forman los 21 loops que componen la pieza, que es desarrollada desde cuatro proyectores.

Esta actividad es una colaboración entre Xcèntric, Crater-Lab y Spectral.

Fecha: 9 octubre 2025

Horario: 19.00

Espacio: Sala Raval

Precio: Entradas a la venta a partir del 1 de septiembre

4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

La violencia de una generación a otra, primer tráiler para «Vieja loca» de Martín Mauregui

Tras su participación en la colectiva El amor (primera parte) (2005), el argentino Martín Mauregui debuta en solitario tras las cámaras con Vieja loca, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, descrita por sus responsables como una fábula de terror y suspense, tendrá su estreno mundial en la próxima edición del Fantastic Fest de Austin, llegando a las salas comerciales de España el 10 de octubre de la mano de DeAPlaneta.

En Vieja loca vemos como en una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre, Alicia. Inquieta por la reacción que ha tenido y sin poder localizar a la cuidadora, Laura pide ayuda a su exnovio Pedro, para que cuide de Alicia esa noche. Cuando Pedro llega a la casa se enfrenta a una noche aterradora en la que Alicia le propone practicar un sádico juego.

La película, con guion del propio Martín Mauregui y producción a cargo de JA Bayona, está protagonizada por Carmen Maura, Daniel Hendler y Olivia Nuss.

Vieja loca es una coproducción España- Argentina – EE.UU entre las productoras Películas La Trini, Primo Content, Mr Field and Friends, Bambu Producciones y La Unión De Los Ríos, con la participación de Amazon España.

Edward Berger, Claire Denis y Joachim Lafosse se unen al concurso de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián

Edward Berger, Claire Denis, Dolores Fonzi, Joachim Lafosse, Olmo Omerzu, Xiaoyu Qin y James Vanderbilt se unen al concurso de la Sección Oficial. El debut de Juliette Binoche como directora y la nueva película de Junji Sakamoto participarán en las Proyecciones Especiales fuera de competición

 Los nuevos largometrajes de Edward Berger, Claire Denis, Dolores Fonzi, Joachim Lafosse, Olmo Omerzu, Xiaoyu Qin y James Vanderbilt se sumarán al concurso por la Concha de Oro en la Sección Oficial, que incluirá como Proyecciones Especiales fuera de competición la primera película de la actriz Juliette Binoche como directora y el nuevo trabajo de Junji Sakamoto.

Tras optar el año pasado a la Concha de Oro con Conclave (Cónclave, 2024), que entre otros premios ganó el Oscar al mejor guion adaptado y el BAFTA a la mejor película, Edward Berger (Wolfsburg, 1970) vuelve a la competición con Ballad of a Small Player, una producción de Reino Unido protagonizada por Colin Farrell en el papel de jugador empedernido en Macao cuyo pasado y deudas comienzan a pasarle factura. La película también cuenta con la participación de Fala Chen, Tilda Swinton y Alex Jennings. Berger consiguió el Oscar al mejor filme internacional con Im Westen nichts Neues (Sin novedad en el frente, 2022), que también logró las estatuillas de mejor fotografía, mejor banda sonora y mejor diseño de producción.

Claire Denis (París, 1946), que se alzó con el Premio FIPRESCI en San Sebastián con High Life (2018), competirá por segunda vez por la Concha de Oro con Le Cri des Gardes / The Fence, adaptación de la obra de Bernard-Marie Koltès Combat de nègre et de chiens (Combate de negro y de perros). El filme está ambientado en los barracones de una obra en África Occidental y protagonizado por Isaach de Bankolé, Matt Dillon, Mia McKenna-Bruce y Tom Blyth. Autora de títulos tan celebrados como Nénette et Boni (Leopardo de Oro de Locarno, 1996), Beau travail (1999), Trouble Every Day (retrospectiva La contraola: novísimo cine francés, 2001) o White Material (Una mujer en África, 2010), Denis ha concursado y ha sido premiada en festivales como Cannes o Berlín, donde obtuvo respectivamente el Gran Premio del Jurado por Stars at Noon (2022) y el Oso de Plata a la mejor dirección por Avec amour et acharnement (Fuego, 2022). Esta última fue la Proyección Premio Donostia con motivo del galardón honorífico entregado a la actriz Juliette Binoche. En 2023 presidió el jurado oficial del Festival de San Sebastián.

La actriz, guionista y directora argentina Dolores Fonzi (Buenos Aires, 1978), quien debutó tras la cámara con Blondi (2023), presentada en Horizontes Latinos tras su estreno en BAFICI, concursará en la Sección Oficial con su segundo trabajo como directora. Protagonizada por ella misma junto a Camila Plaate y Laura Paredes, Belén recrea una historia real en la que Fonzi encarna a una abogada tucumana que lidera la lucha por la libertad de una joven encarcelada tras sufrir un aborto espontáneo. Como prolífica actriz, Fonzi ha participado en el Festival de San Sebastián en numerosas ocasiones; sólo en la Sección Oficial ha estado con El aura (Fabián Bielinsky, 2005), Truman (Cesc Gay, 2015) y Distancia de rescate (Claudia Llosa, 2021). En 2017 fue miembro del jurado oficial del Festival de San Sebastián.

Six jours ce printemps-là / Six Days in Spring es el título del nuevo largometraje de Joachim Lafosse (Uccle, 1975), una coproducción de Bélgica, Francia y Luxemburgo en la que Eye Haïdara interpreta a una madre desesperada que toma prestada la casa de sus exsuegros en la Costa Azul para pasar unos días de vacaciones con sus hijos. Será la tercera participación del realizador belga en la Sección Oficial, donde obtuvo la Concha de Plata a la mejor dirección con Les chevaliers blancs / The White Knights (Los caballeros blancos, 2015) y a donde regresó con Un silence / A Silence (2023). Lafosse, que participó en Un Certain Regard de Cannes con À perdre la raison / Our Children (Perder la razón, 2012), ha competido con Nue propriété /Private Property (Propiedad privada, 2006) en Venecia y con Elève libre / Private Lessons (2008) en la Quincena de Cineastas, a donde regresó con L’économie du couple / After Love (Después de nosotros, Perlak, 2016). Además, presentó Continuer (2018) en las Giornate degli Autori de Venecia y Les intranquilles /The Restless (Un amor intranquilo, 2021, Perlak) en el Festival de Cannes.

Un padre recién divorciado y sus dos hijos adolescentes disfrutan en un camping de lo que parecen unas apacibles vacaciones en Ungrateful Beings, producción de República Checa con Eslovenia, Polonia, Eslovaquia, Croacia y Francia. Se trata de la primera participación en la Sección Oficial del esloveno Olmo Omerzu (Ljubljana, 1984), que estuvo en New Directors con su segundo largometraje, Rodinny Film / Family Film (2015). Con su primera película, A Night Too Young (2012), fue seleccionado en Forum de la Berlinale, y con la tercera, Winter Flies (2018), ganó el premio al mejor director en Karlovy Vary, donde estrenó su siguiente trabajo, Bird Atlas (2021).

El cineasta chino Xiaoyu Qin (Hohhot, 1974) presentará su primer largometraje de ficción, Jianyu Laide Mama / Her Heart Beats in Its Cage, que recrea con sus protagonistas originales la historia verídica de una mujer que tras pasar una década en prisión por matar a su marido se reencuentra con su hijo de diez años. El director es autor de dos obras de no ficción, Wo de shi pian / The Verse of Us (2015), que ganó el premio al mejor documental en el festival de Shanghái y compitió en el IDFA Festival de Amsterdam, y One More Day (2021).

Tras su debut con Truth (La verdad, 2003) que protagonizaron Robert Redford y Cate Blanchett, James Vanderbilt (Connecticut, 1975) participará con la película Nuremberg, en la que Rami Malek da vida al personaje real de Douglas Kelley, un psiquiatra estadounidense que en vísperas de los juicios de Nuremberg estudió a 22 nazis, entre ellos la mano derecha de Hitler, Hermann Göring, encarnado por Russell Crowe. Vanderbilt, que ha adaptado el libro El nazi y el psiquiatra del periodista y escritor Jack El-Hai, es también productor y ha coescrito los guiones de películas como Zodiac (David Fincher, 2007), The Amazing Spider-Man (Marc Webb, 2012) o Scream (Neve Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, 2022).

Estos títulos se suman a las otras películas a concurso ya anunciadas en la Sección Oficial: Deux pianos / Two Pianos, de Arnaud Desplechin; Maspalomas, de Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi; Historias del buen valle / Good Valley Stories, de José Luis Guerin; Franz (Franz Kafka), de Agnieszka Holland; Las corrientes / The Currents, de Milagros Mumenthaler; Los tigres, de Alberto Rodríguez; Los domingos / Sundays, de Alauda Ruiz de Azúa; SAI / SAI: Disaster, de Yutaro Seki y Kentaro Hirase, y Couture, de Alice Winocour.

Proyecciones Especiales fuera de competición

En el apartado de Proyecciones Especiales figura el primer largometraje de Juliette Binoche (París, 1964) como directora, IN-I In Motion, una no ficción que revisita su experiencia en In-I, el espectáculo híbrido de danza y teatro que la actriz realizó en 2007 junto al bailarín y coreógrafo Akram Khan. Durante más de 40 años de carrera, Binoche ha participado en unas 70 películas de cineastas de renombre y, entre muchas otras distinciones, ha obtenido el Óscar a la mejor actriz de reparto por su papel en The English Patient (El paciente inglés, 1996), así como distintos galardones de interpretación en festivales como Cannes, Berlín o Venecia, así como el Premio Donostia a toda su carrera recibido en 2022.

También figura fuera de competición Teppen no mukou ni anata ga iru / Climbing for Life, basada en la historia real de la gran alpinista japonesa Junko Tabei, que fue la primera mujer en alcanzar la cima del monte Everest. Su director, Junji Sakamoto (Osaka, 1958) es autor de películas como Kao / Face (2000), que ganó el Premio al mejor director de la Academia japonesa tras competir en la Sección Oficial de San Sebastián y ganar el Premio de la Juventud, o Yami no kodomo-tachi / Children of the Dark (2008), Kita no kanaria-tachi / A Chorus of Angels (2012), Fuyu Soubi / A Winter Rose (2022) o Sekai no Okiku / Okiku and the World (2023).

SECCIÓN OFICIAL – A competición

Ballad of a Small Player

Edward Berger (Alemania)

País(es) de producción: Reino Unido

Intérpretes: Colin Farrell, Fala Chen, Tilda Swinton, Deanie Ip, Alex Jennings

Cuando el pasado y las deudas comienzan a pasarle factura, un jugador empedernido que se refugia en Macao se encuentra con un alma gemela que podría tener la clave de su salvación.

Le Cri des Gardes / The Fence

Claire Denis (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Isaach de Bankolé, Matt Dillon, Mia McKenna-Bruce

Un gran proyecto de obras públicas en África Occidental. Horn, el jefe de obra, y Cal, un joven ingeniero, comparten alojamiento tras la doble puerta de sus instalaciones. Leone, la nueva esposa de Horn, llega para reunirse con ellos la misma noche en que un hombre aparece junto a la valla. Su nombre es Alboury. Como un espectro en la oscuridad, exige el cuerpo de su hermano, que murió ese mismo día en la obra. Acosará a los dos hombres durante toda la noche hasta que se lo entreguen, mientras Leone observa cómo el desastre crece ante sus ojos.

Belén

Dolores Fonzi (Argentina)

País(es) de producción: Argentina

Intérpretes: Dolores Fonzi, Camila Plaate, Laura Paredes, Julieta Cardinali, Luis Machín, César Troncoso, Sergio Prina, Ruth Plaate, Lili Juárez

Tucumán, Argentina, 2014; una joven ingresa a un hospital con un severo dolor abdominal, sin saber que está embarazada. Despierta esposada a la camilla y rodeada de policías. Es acusada de haberse provocado un aborto y, luego de dos años en prisión preventiva, es sentenciada a ocho años de prisión por homicidio agravado por el vínculo. Una abogada tucumana luchará por su libertad junto al apoyo de miles de mujeres y organizaciones, quienes se unirán para cambiar el curso de la historia.

Six jours ce printemps-là / Six Days in Spring

Joachim Lafosse (Bélgica)

País(es) de producción: Bélgica – Francia – Luxemburgo

Intérpretes: Eye Haïdara, Leonis Pinero Müller, Teodor Pinero Müller, Jules Waring

Pese a la mala racha que atraviesa, Sana quiere que sus gemelos tengan unas vacaciones de primavera, pero todos sus planes fracasan. Juntos, deciden quedarse en una villa de lujo en la Riviera, propiedad de los exsuegros de Sana. Sin decírselo a nadie. Seis días de sol que marcan el fin de la inocencia.

Ungrateful Beings

Olmo Omerzu (Eslovenia)

País(es) de producción: República Checa – Eslovenia – Polonia – Eslovaquia – Croacia – Francia

Intérpretes: Barry Ward, Barbora Bobulova

David lleva a sus dos hijos de vacaciones al mar Adriático, con la esperanza de mantener unida a su dividida familia bilingüe. Su hija de 17 años, Klára, que lucha contra un trastorno alimentario, se enamora de un chico local, Denis. Cuando lo acusan de asesinato, David se apresura a llevarse a los niños de regreso a casa. La dolencia de Klára se agrava y acaba en el hospital. Lo único que une a sus padres es su necesidad de salvarla. Y los tiempos desesperados requieren medidas desesperadas.

Jianyu Laide Mama / Her Heart Beats in Its Cage

Xiaoyu Qin (China)

País(es) de producción: China

Intérpretes: Xiaohong Zhao, Jingqi Zhang, Junyan Wang

Hong ha pasado diez años en prisión por matar a su esposo. Gracias a su contribución al taller de arte de la cárcel, recibe la inesperada oportunidad de reducir su condena. Su hijo, Lele, ha sido criado por su abuela y nunca ha estado preparado para convivir con su madre. Tras su reencuentro, Lele siempre la trata con frialdad. Ante una abuela solitaria que desea que Lele regrese con ella y una sociedad que no trata bien a los exconvictos, ¿podrá Hong escapar de su prisión invisible y recuperar la felicidad? 

Nuremberg

James Vanderbilt (EEUU)

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Russell Crowe, Rami Malek, Leo Woodall, Michael Shannon, Richard E. Grant, John Slattery

Nuremberg nos sitúa de pleno en los juicios celebrados hace 80 años por los Aliados tras la derrota del régimen nazi. El psiquiatra estadounidense Douglas Kelley es designado como responsable de evaluar la salud mental de los prisioneros nazis y determinar si son aptos para ser juzgados por sus crímenes de guerra. De la noche a la mañana, Kelley se verá inmerso en una compleja batalla de ingenio contra Hermann Göring, mano derecha de Hitler y uno de los hombres más temibles que ha visto el mundo.

SECCIÓN OFICIAL – Proyecciones Especiales

In-I In Motion

Juliette Binoche (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Juliette Binoche, Akram Kahn

Proyecciones especiales – Fuera de concurso

En 2007, Juliette Binoche y Akram Khan hicieron una pausa en sus carreras para crear juntos In-I, una original performance que giró por todo el mundo. Hoy, Juliette Binoche revisita aquel estimulante viaje. A través de imágenes inéditas, reflexiona como cineasta sobre la creación, los retos que conlleva y la transformación personal que supone.

Teppen no mukou ni anata ga iru / Climbing for Life

Junji Sakamoto (Japón)

País(es) de producción: Japón

Intérpretes: Sayuri Yoshinaga, Non , Yuki Amami, Koichi Sato

Proyecciones especiales – Fuera de concurso

En 1975 una mujer alcanzó la cima del monte Everest. Su nombre era Junko. Se convirtió en la primera mujer en la historia en conquistar la cumbre más alta del mundo. Su memorable gesta asombró al mundo, poniendo el foco pero también proyectando una gran sombra sobre sus amigos y familiares. En sus últimos años, a pesar de haberle sido diagnosticada una enfermedad terminal, Junko siguió desafiando a las montañas. ¿Qué fue lo último que vio más allá de las cimas?

«Bonjour tristesse»: Una nueva adaptación de la novela de Sagan estrenada en Toronto llega a Filmin el 22 de agosto

El 22 de agosto Filmin estrena esta película veraniega en la que la debutante directora Durga Chew-Bose da un giro contemporáneo al clásico francés. El film, que inaugurará el Atlàntida Mallorca Film Fest, también cuenta en el reparto con Claes Bang (“The Square”) y Aliocha Schneider.

«Bonjour Tristesse (Buenos días, tristeza)», el impactante debut como directora y guionista de la reconocida ensayista Durga Chew-Bose, llegará a Filmin en exclusiva el 22 de agosto, tras su estreno español como inauguración del Atlàntida Mallorca Film Fest, el 27 de julio. Esta adaptación contemporánea del clásico homónimo de Françoise Sagan tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Protagonizan el filme Lily McInerny («Nunca llueve en California»), Claes Bang («The Square») y Chloë Sevigny («Kids», «Dogville»).

Ambientada en la luminosa costa francesa, «Bonjour Tristesse» narra el verano de Cécile, una adolescente ingeniosa y provocadora que languidece con su padre, Raymond, y la novia de éste, Elsa. La armonía entre ambos se rompe con la llegada de Anne, una amiga de su difunta madre, que revolucionará la relación, generando un juego de deseos, inseguridades y conflictos inesperados. En medio del esplendor bañado por el sol, el mundo de Cécile se ve amenazado y, desesperada por recuperar el control, pone en marcha un plan para alejar a Anne. Es una película pensada para quienes disfrutaron de “Cegados por el sol” o entusiastas de la filmografía de Luca Guadagnino y Éric Rohmer.

¿Qué hay de nuevo?

En 1954, con solo 18 años, Françoise Sagan revolucionó el panorama literario francés con la publicación de “Bonjour tristesse”. La novela, que retrataba la vida hedonista y amoral de la juventud burguesa francesa, causó un escándalo inmediato al abordar temas tabú como el despertar sexual adolescente, el rechazo de la moral tradicional y la manipulación emocional, hasta el punto de ser prohibida por el Vaticano y censurada en varios países europeos. Su éxito fue tan arrollador que apenas cuatro años después, Otto Preminger la adaptó al cine con Jean Seberg de protagonista. Esta adaptación sufrió el mismo destino que la novela, un clásico instantáneo seguido de una polémica arrolladora, siendo prohibida en Estados Unidos por su “inmoralidad”.

Setenta años después, Durga Chew-Bose asume el reto de volver a adaptar la novela, apartándose deliberadamente de la icónica película de Preminger. La directora pretende reinterpretar la historia pero aportando puntos novedosos y una visión muy personal: “Crecí leyendo y releyendo a Sagan, pero nunca intenté recrear la estética ni la estructura de Preminger. Quise realmente revisitar la novela desde mi propio prisma, escribir desde mi intuición y memoria. ‘Traducir’ a Sagan quiere decir traerla a mi mundo, con mi manera de ver y escribir las cosas”. Así, Chew-Bose convierte la adaptación en una prolongación natural de sus ensayos: un ejercicio de observación íntima y emocional, donde lo visual tiene el mismo peso que la palabra, con una puesta en escena contemplativa, llena de detalles, silencios y atmósferas que revelan tanto como los diálogos.

En detalle

·  Elsa se aleja radicalmente del retrato superficial y caprichoso de la novela original y la película de Preminger. Aquí es una bailarina profesional, segura y amiga íntima de Cécile, uno de los personajes más sabios y empáticos de la película.

·  La película traslada la acción a la actualidad y pone el foco en las dinámicas entre mujeres, alejándose del tono moralista y melodramático de las versiones clásicas.

·  La directora aporta varios guiños autobiográficos: las pesadillas durante las siestas y tumbarse entre abrigos en fiestas, detalles muy personales tomados de la propia experiencia de la cineasta y presentes también en sus ensayos.

·  La secuencia de créditos iniciales presenta una serie de baldosas cerámicas coloreadas a mano, diseñadas junto al ceramista Shane Gabier, que plasman los tonos mediterráneos y la delicadeza artesanal del film. Sobre ellas, aparece una tipografía sobria mientras suena “Blue Skies”, marcando el tono íntimo y contemplativo que atraviesa toda la película.

·  Chloë Sevigny dudó inicialmente en aceptar el papel de Anne, porque no quería perpetuar el cliché de la mujer madura y despechada, fue la visión de Chew-Bose lo que la convenció finalmente

El Sitges del futuro pasa por Noves Visions y Anima’t

Ángel Sala, Director Artístico del Festival, Mònica Garcia i Massagué, Directora de la Fundación y Jordi Sànchez-Navarro, miembro del Comité de Programación, han anunciado la incorporación de más títulos en dos de las secciones más populares del Festival de Sitges: Noves Visions, dedicada a las apuestasque retan las convenciones del fantástico y del propio medio cinematográfico, y Anima’t, que reúne propuestas de animación que en la edición de  este año demostrará la capacidad de transgresión de este lenguaje cinematográfico, tanto temáticamente como desde una perspectiva formal. 

Noves Visions: ambición formal y temática mirando hacia el futuro del fantástico 

La identidad, los afectos y las posibilidades (y límites) de lo humano son ejes fundamentales en esta edición de Noves Visions. De todo ello hablará, a modo de introducción de la sección, en una sesión especial, About a Hero, del polonès Piotr Winiewicz, que se sumerge de lleno en el debate contemporáneo sobre la inteligencia artificial y lo hace con una audaz mezcla de tecnología, ironía y cinefilia. Con un guion generado por IA y referencias explícitas al cine de Werner Herzog, Winiewicz convierte su película en una reflexión que apunta hacia el futuro del cine y las posibilidades de la IA.

The Things You Kill, producción turca del director iraní Alireza Khatami, será la encargada de abrir una amplia selección de títulos que sirve como premonición del futuro del género. La película de Khatami tuvo un exitoso paso por el Festival de Sundance, conquistando el premio a la mejor dirección en la sección World Cinema. Absorbente, inquietante e imprevisible, The Things You Kill explora la identidad (y la fragilidad) masculina con una violencia que pasa de generación a generación.

En un año en que la comedia de terror es parte importante del leitmotiv del Festival, en Noves Visions se encuentran algunas de las propuestas más interesantes al respecto. A las ya anunciadas Dead Lover de Grace Glowicki y Fucktoys de Annapurna Sriram, se le suman Every Heavy Thing de Mickey Reece, un thriller cargado de humor negro y absurdo que empuja los límites del género mezclando arte digital de inspiración vaporwave con formatos clásicos analógicos. La película está protagonizada por un icono del cine fantástico (y una de las invitadas a esta edición del Festival) como es Barbara Crampton.

El humor negro tiene una importancia clave en Anything That Moves, de Alex Philips, una película sobre un repartidor de comida que, después de tener sexo por dinero, se ve involucrado en una serie de asesinatos que se remontan a alguien que pasó por su cama.Otro filme que apuesta por un lenguaje cinematográfico innovador con grandes dosis de humor es Buffet Infinity de Simon Glassman, una historia de desapariciones contada desde el punto de vista de un espectador anónimo que está viendo un canal de televisión local.

No solo el terror recibirá un tratamiento diferente en Noves Visions, sino también la ciencia ficción, el otro gran estandarte genérico del Festival.  The Infinite Husk, debut en el largometraje de Aaron Silverstein, trata sobre una conciencia alienígena que es enviada a la Tierra para espiar a una persona y, en el camino, aprenderá lo que significa ser humano. En un terreno más experimental juega OBEX de Albert Birney, una cinta que arranca cuando su protagonista, Conor Marsh, empieza a jugar a un videojuego de última generación que pone título a la historia. Cuando su perra Sandy desaparece, la línea entre realidad y ficción empieza a difuminarse y el director se adentra en saltos dimensionales y tonales radicales.

Otros trabajos también nos llevarán a otros mundos que no estarán a años luz de distancia ni promovidos por tecnologías de última generación, sino por el lado oscuro del propio individuo. Así lucirá A Grand Mockery, de Adam C. Briggsy Sam Dixon, que explica la historia de un hombre que vive una vida impasible hasta que sus enfermedades psíquicas le deformen y le hagan acabar en una selva tropical. En esta misma línea, en la que van a faltar palabras para describir qué estamos viendo, trabajará Patrik Syversen en Dawning, un experimento perturbador en forma de terror psicológico. También juega con los límites de la realidad Lucid de Ramsey Fendall y Deanna Milligan, la historia de una estudiante de arte que empieza a usar un elixir para romper su bloqueo creativo, lo que la llevará a un viaje surrealista por su inconsciente, en el que se enfrentará a sus demonios internos. En ocasiones, esos viajes íntimos deconstruirán esferas tan próximas como la familiar, como ocurre en Crocodile Tears de Tumpal Tampubolon, la cual nos trasladará a una granja de cocodrilos tan apartada como la mente de su protagonista. Allí conoceremos a una madre autoritaria cuya obsesión por controlar a su hijo se convierte en una inquietante y delirante manifestación de un amor extremo. Otro asunto de familia es Feels Like Home de Gábor Holtai, un thriller que narra la historia de una mujer que es secuestrada por una familia que afirma que ella es su hija desaparecida. Para intentar sobrevivir mientras trata de escapar, deberá hacerse pasar por esta otra persona.

Noves Visions presentará propuestas que dan giros imprevistos a contenedores clásicos del género fantástico como la distopía que veremos en The Fin del surcoreano Park Syeyoung (una de las selecciones previas de Fantastic 7), la cual reimagina la figura fantástica de la sirena en clave distópica, en una historia donde el viaje hacia lo humano está lleno de dolor, burocracia y violencia poética. Texturas más propias del terror serán en cierta manera deconstruidas o reinterpretadas en propuestas como Forte de Kim Kimbo, una película que transforma un estudio musical en un enclave de terror psicológico, o  Be a Good Girl, de Louiza Zouzias, un retrato perturbador de dinámicas de poder, dependencia emocional y control masculino donde una mujer sumisa deberá enfrentarse a su propia oscuridad cuando el hombre al que ama secuestra a una adolescente para sustituirla. Por otra parte, The Home, del sueco Mattias J. Skoglund, realiza una aproximación serena pero profundamente inquietante al terror emocional y existencial, a través de una historia sobre la pérdida y la desintegración de la identidad. Mientras, en The True Beauty of Being Bitten by a Tick de Pete Ohs, seremos testigos de un encuentro entre amigos en el campo que, tras la mordida de una garrapata, se convierte en una pesadilla kafkiana.

Otro tema recurrente en el cine de terror, tanto clásico como contemporáneo, y que no podía faltar en esta sección, es el del terror religioso. En Astrid’s Saints, el cineasta y artista visual Mariano Baino (conocido especialmente por su inquietante Dark Waters, convertida en película de culto con el tiempo) nos transporta a un limbo entre la fe y la desesperación, donde una madre se aferra al poder de los santos en un intento imposible por revertir la muerte. Una espiritualidad más oscura recorre Camp, el inquietante segundo largometraje de Avalon Fast: una historia de redención imposible, brujería moderna y duelos que se repiten como ciclos malditos. En esta línea, Noves Visions tendrá como película de cierre de la sección The Holy Boy, de Paolo Strippoli, fábula rural impregnada de religiosidad malsana, en la que la felicidad colectiva esconde un sacrificio escalofriante que explotará en uno de los climax finales más aterradores que podremos ver en el Festival de este año.

Desde Algeria, y directamente llegada del Festival de Venecia, recibiremos Roqia, de Yanis Koussim, una inquietante historia de posesiones. Para concluir el bloque religioso con un estallido de imaginación, Transcending Dimensions, lo nuevo del japonés Toshiaki Toyoda, combina misticismo y ciencia ficción: un asesino y su amante llegan a un santuario en busca de un monje desaparecido y, en su búsqueda, atraviesan las fronteras del espacio hasta otro planeta, donde les espera una batalla mágica.

Como en ediciones anteriores, Noves Visions tendrá un epílogo desde Japón con Tengosei – Shaman Star de Hidenori Inoue, un autor que reivindica el teatro kabuki mediante el geki cine (obras de teatro japonesas grabadas con gran presupuesto). Inoue mezcla humor con un género como el jidaigeki (dramas históricos nipones), dotando a lo clásico de un toque novedoso. En el apartado documental tendremos El último arrebato, de Marta Medina y Enrique López Lavigne, un desbordante ejercicio de meta-ficción en sintonía con su legendario objeto de estudio: la película con la que Iván Zulueta entraría (y se consumiría-en) la historia del cine.

Por otra parte, este año, la animación en Sitges cobra una importancia especial por la calidad y la cantidad de obras que nos regala la sección Anima’t. Además de que en Noves Visions podremos gozar de algunas de las obras de animación más novedosas e irreverentes del año, con una selección de tres películas que ya anunciamos en la rueda de prensa en la Fàbrica Moritz el pasado día 16 de julio: Heart of Darkness de Rogério Nunes (que abrirá propiamente la sección Anima’t), Lesbian Space Princess de Emma Hough y Leela Varghesey The Great History of Western Philosophy de Aria Covamonas, todas ellas a competición en ambas secciones. 

Anima’t o el largometraje animado como una de las grandes tendencias del fantástico actual 

Este año la animación tendrá un protagonismo capital en el Festival de Sitges. Animación de una calidad espectacular, de todo tipo de géneros y de todos los rincones del planeta. A las tres películas ya mencionadas que también formarán parte de Noves Visionsse le suman una gran selección que ya anunciamos en la última rueda de prensa (y que podéis recuperar con más detalle a través de este enlace): ALL YOU NEED IS KILL de Kenichiro Akimoto, Another World de Tommy Kai Chung Ng, Arco de Ugo Bienvenu, ChaO de Yasuhiro Aoki y Decorado deAlberto Vázquez.

Además, tenemos buenas noticias para los fans de la animación clásica como son la participación de la versión remasterizada en 4K de Angel’s Egg  (1985), de Mamoru Oshii, primer trabajo original de OVA del realizador de Ghost in the Shell y en colaboración con el ilustrador Yoshitaka Amano. Obra vanguardista basada en el libro del Génesis tiene como protagonista a una joven que sostiene un huevo en sus brazos en una ciudad sumergida. Otra recuperación es la del clásico de la animación húngara Willy, el gorrión (1989) de József Gémes, así como una extensa retrospectiva que se le dedicará al director de animación italiano Bruno Bozzetto, que abarcará una selección de cortometrajes así como sus largometrajes Vip, mi hermano superhombre (Vip, mio fratello superuomo, 1968), parodia de las historias de superhéroes o Allegro non troppo (1976), homenaje/parodia de Fantasía, el famoso musical de Disney de 1940.

La sección Anima’t se completa con una serie de propuestas que, desde distintos rincones del mundo, elevan el lenguaje de la animación a nuevas cotas narrativas y estéticas. Como novedad, la sección tendrá una serie de proyecciones late night con propuestas muy especiales y perturbadoras. Dog of God, de Lauris y Raitis Abele (otra joya que previamente pusimos en el radar a través de la iniciativa Fantastic 7) nos traslada a una aldea medieval en Livonia donde se unen la superstición, la brujería y las leyendas licántropas en un relato tan oscuro y húmedo como su paisaje. La animación en stop-motion brilla en Memory Hotel de Heinrich Sabl, una pieza gestada durante más de dos décadas, que parte del final de la Segunda Guerra Mundial para atrapar a cuatro personajes en un tiempo suspendido, tan real como onírico. Nightmare Bugs, de los japoneses Osamu Fukutani y Saku Sakamoto, se adentra en una historia de fantasmas y leyendas urbanas que brotan de un viejo complejo de apartamentos. El espíritu punk y el caos cósmico regresan en Tamala 2030: A Punk Cat in Dark de t.o.L,continuación del clásico de culto japonés de 2002, donde su protagonista se sumerge en una oscura conspiración felina en el corazón de Cat Tokyo.

En la línea habitual de Anima’t tendremos propuestas como la más lúdica y desbordante en su forma, Endless Cookie de Peter y Seth Scriver, un viaje a través del tiempo y el espacio protagonizado por dos hermanastros en busca de conexión, identidad y libertad. Por su parte, Soy Frankelda, de Arturo y Roy Ambriz, es una potente fábula mexicana sobre la imaginación, el miedo y la reconciliación entre los mundos que habitamos y los que creamos. La animación china volverá a sorprendernos con The Girl that Stole Time, de Ao Yu y Zhou Tienan, historia de viajes temporales en clave romántica y emocional que ha triunfado en festivales como Annecy y Fantasia. Por su parte, The Square, primer largometraje de Kim Bo-sol es una obra animada de belleza contenida y perturbadora que combina la melancolía del amor imposible con las tensiones políticas de un entorno hermético como Corea del Norte.

Una batería de nuevas incorporaciones para dos secciones que redefinen el género y consolidan al Festival de Sitges como buque insignia del Fantástico. 

Listado de películas 

 Noves Visions  

A Grand Mockery – Adam C. Briggs & Sam Dixon (2024) 

About a Hero – Piotr Winiewicz (2024) 

Anything that Moves – Alex Phillips (2025) 

Astrid’s Saints – Mariano Baino (2024) 

Be a Good Girl – Louiza Zouzias (2024) 

Buffet Infinity – Simon Glassman (2025) 

Camp – Avalon Fast (2025) 

Crocodile Tears – Tumpal Tampubolon (2024) 

Dawning –  Patrik Syversen (2025) 

*Dead Lover – Grace Glowicki (2025)  

El último arrebato – Marta Medina & Enrique López Lavigne (2025) 

Every Heavy Thing – Mickey Reece (2025) 

Feels Like Home – Gábor Holtai (2025) 

Forte – Kimbo Kim (2025) 

*Fucktoys – Annapurna Sriram (2025) 

Lucid – Ramsey Fendall & Deanna Milligan (2025) 

OBEX – Albert Birney (2025) 

Roqia – Yanis Koussim (2025) 

Tengosei: Shaman Star – Hidenori Inoue (2025) 

The Fin – Syeyoung Park (2025) 

The Holy Boy – Paolo Strippoli (2025) 

The Home – Mattias J. Skoglund (2025) 

The Infinite Husk – Aaron Silverstein (2025) 

The Things You Kill Alireza Khatami (2025) 

The True Beauty of Being Bitten by a Tick – Pete Ohs (2025) 

Transcending Dimensions – Toshiaki Toyoda (2025) 

Anima’t  

*ALL YOU NEED IS KILL – Kenichiro Akimoto (2025) 

*Another World – Tommy Kai Chung Ng (2025) 

*Arco – Ugo Bienvenu (2025) 

*ChaO – Yasuhiro Aoki (2025) 

*Decorado – Alberto Vázquez (2025) 

Dog of God – Lauris Abele & Raitis Abele (2025) 

Endless Cookie – Peter Scriver & Seth Scriver (2025) 

Memory Hotel – Heinrich Sabl (2024) 

Nightmare Bugs – Osamu Fukutani & Saku Sakamoto (2024) 

Soy Frankelda – Arturo Ambriz & Roy Ambriz (2025) 

Tamala 2030: A Punk Cat in Dark – t.o.L. (2025) 
 
The Girl Who Stole Time – Ao Yu & Zhou Tienan (2025) 

The Square – Kim Bo-sol (2025) 

Noves Visions + Anima’t 

*Heart of Darkness – Rogério Nunes (2025) 

*Lesbian Space Princess – Emma Hough & Leela Varghese (2025) 

*The Great History of Western Philosophy – Aria Covamonas (2025) 

Anima’t / Sitges Clàssics 

*Angel’s Egg – Mamoru Oshii (1985) 

*Willy the Sparrow – József Gémes (1989) 

*Títulos ya anunciados anteriormente 

Primer tráiler para «Bulk», lo nuevo de Ben Wheatley

No es la primera vez que el británico Ben Wheatley alterna trabajos de un claro índole comercial, como sus recientes Rebeca (2020) o Meg 2: The Trench (2023), con otros de un talante más personal. Su nueva película titulada Bulk, comedia de tono surrealista cuyo primer tráiler oficial acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página, supone una nueva incursión de Ben Wheatley en ese terreno experimental ya transitado con anterioridad con su lisérgica A Field in England (2013).  

Bulk nos cuenta como el experimento de teoría de cuerdas de un científico sale mal cuando su brana explota. Corey Harlan debe encontrarlo a él y al núcleo de la brana en una misteriosa casa donde las puertas conducen a otros mundos, guiado por el ser dimensional llamado Aclima.

La película, que tendrá su estreno mundial en el próximo Festival de Edinburgh, está protagonizada por Noah Taylor, Sam Riley, Alexandra Maria Lara y Mark Monero.

Stanley Kubrick: Un cineasta al servicio de la NASA

La inesperada y prematura muerte de Stanley Kubrick en marzo de 1999 (pocos meses antes del estreno de su último film) avivó las sospechas existentes entre los teóricos de la conspiración sobre los vínculos del cineasta con la Élite mundialista. Tales sospechas fueron rápidamente neutralizadas y ridiculizadas por los altavoces mediáticos… Este libro ofrece contra-información valiosa sobre uno de aquellos nexos: el que existió entre Kubrick y la NASA. ¿Fue nuestro hombre uno de los agentes creativos en la configuración de la carrera espacial? ¿Hasta qué punto se sirvió la CIA de los departamentos técnicos de Hollywood para cerrar triunfalmente la «Guerra Fría»? ¿Hemos sido sometidos a maniobras de distracción social a gran escala en torno a la narrativa espacial? ¿Cuál fue la responsabilidad de Stanley Kubrick en semejante empresa? ¿Actuó acaso bajo presión, o lo hizo por mera ambición personal? José Antonio Bielsa Arbiol es historiador del arte, locutor radiofónico (Cine a reacción), crítico cinematográfico, profesor de Filosofía y escritor. Licenciado en Historia del Arte y graduado en Filosofía por la Universidad de Zaragoza, inicia su trayectoria literaria en 2003 como guionista. Articulista en revistas y diarios digitales, nacionales y extranjeros, es autor de una veintena de libros, medio centenar de opúsculos y un largo millar de artículos sobre temas diversos.

Autor: José Antonio Bielsa Arbiol, Editorial: Independently published, Páginas: 59

La retrospectiva del Zinemaldia 2025 dedicada a la guionista Lillian Hellman ofrecerá 16 títulos

Las autoras del libro monográfico ‘Lillian Hellman. Ficción, memoria y compromiso’ son María Adell, Hanna McGill y Nuria Vidal

Un total de 16 largometrajes estrenados entre 1935 y 1999 integrarán la retrospectiva dedicada a la guionista estadounidense Lillian Hellman en la 73ª edición del Festival de San Sebastián. Organizado por el Festival y la Filmoteca Vasca en colaboración con Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación del libro monográfico Lillian Hellman. Ficción, memoria y compromiso, escrito por María Adell, Hannah McGill y Nuria Vidal y editado por Quim Casas, crítico y miembro del comité de Selección del Festival.

El libro, editado en castellano e inglés, es el cuarto de la colección impulsada por el Festival y la Filmoteca Vasca tras los dedicados a Claude Sautet, Hiroshi Teshigahara y el cine policíaco italiano. Dividido en tres capítulos autónomos escritos por otras tantas autoras, se centra en la notoria actividad cinematográfica de Hellman, pero la complementa con el análisis de su obra teatral, los conflictivos libros de memorias, la representación de la realidad, el sustrato político de casi toda su obra y el posicionamiento de la autora en el periodo de la caza de brujas macarthista.

Lillian Hellman (1905-1984) ha sido durante años un absoluto enigma. Su obra, aun resultando misteriosa, también ha sido muy reivindicada, sobre todo en su vertiente cinematográfica. El Festival de San Sebastián se propone celebrar su trabajo con esta retrospectiva que incluye toda su obra para cine, esencial para entender evoluciones estilísticas, temáticas e ideológicas en el Hollywood desde los años 30 hasta los 60.

Con solo enumerar tres de las películas en las que estuvo implicada, ya sea como guionista de textos ajenos o adaptando sus propias piezas teatrales, está todo dicho: The Little Foxes (La loba, 1941), filme de William Wyler con guion de Hellman a partir de su propia obra teatral y con Bette Davis como protagonista; The Children’s Hour (La calumnia, 1961), otro trabajo de Wyler que parte de una compleja pieza de la escritora sobre los rumores falsos que atañen a dos profesoras de escuela (Audrey Hepburn y Shirley MacLaine), en el que ella también participó como guionista; y The Chase (La jauría humana, 1966) de Arthur Penn, notable radiografía de la violencia y el racismo extendidos en la sociedad del sur estadounidense, que Hellman escribió a partir de la novela de Horton Foote con Marlon Brando, Jane Fonda y Robert Redford en el reparto.

Con William Wyler estableció una buena relación, ya que además de los dos filmes citados, dirigió These Three (Esos tres, 1936), la primera versión de la pieza The Children’s Hour que director y escritora volverían a acometer en La calumnia: es un insospechado, por moderno, estudio de caracteres en el que la calumnia se ceba en dos profesoras a las que una niña acusa de tener relaciones. Hellman y Wyler también colaboraron en Dead End (1937), película que combina drama social con cine negro, y en The Westerner (El forastero, 1940), western en el que la guionista trabajó sin ser acreditada.

Hellman había debutado en el cine como guionista en 1935 con The Dark Angel(El ángel de las tinieblas), de Sidney Franklin, un melodrama romántico apuntalado en los efectos emocionales de la posguerra. Su trayectoria en el cine corrió en paralelo a la teatral y a la escritura de varios libros de memorias donde alternó ficción y realidad. Situada en el centro de varios debates, inventó nuevos conceptos en la dramaturgia estadounidense, tuvo una bien aireada rivalidad con la novelista Mary McCarthy y mantuvo siempre posturas de izquierdas.

En la vertiente ideológica fue crucial su relación con Dashiell Hammett, con quien colaboró en el guion del drama Watch on the Rhine (Herman Shumlin, 1943). El autor de novelas fundamentales del género negro como Cosecha roja o El halcón maltés, comprometido con la izquierda y con el Partido Comunista americano, está bien presente en uno de los libros de memorias de Hellman, Pentimento (1973). Fue llevado al cine por Fred Zinnemann en Julia(1977), con Jane Fonda como Hellman, Jason Robards en el papel de Hammett y Vanessa Redgrave como Julia, la amiga de infancia de la escritora con la que retoma su amistad en Viena durante los tiempos inclementes del auge del nazismo. Su tercer libro autobiográfico, Scoundrel Time (Tiempo de canallas, 1976), se centra en el periodo de la caza de brujas y el comité de actividades antiamericanas. La actriz Kathy Bates dirigió en 1999 el telefilme Dash and Lilly, centrado en la relación entre Hammett y Hellman.

Participó, como adaptadora o como adaptada, en películas de Lewis Milestone –The North Star (1943)–, William Dieterle –The Searching Wind (1946)–, Michael Gordon –Another Part of the Forest(1948)– y George Roy Hill – Toys in the Attic (Cariño amargo, 1963)–, y también colaboró, aunque sin acreditar, en The Cowboy and the Lady (El vaquero y la dama, H.C. Potter, 1938), y en una de las películas fundamentales de la izquierda cinematográfica: The Spanish Earth (Tierra de España, 1937), documental de Joris Ivens sobre la Guerra Civil española en cuya escritura participaron igualmente Ernest Hemingway y John Dos Passos.


Un festival de cine clásico

Desde 2024, la retrospectiva del Festival de San Sebastián se enmarca dentro del programa Klasikoak, impulsado por el Festival y la Filmoteca Vasca a modo de festival de cine clásico expandido en el tiempo y en el espacio. Así, Klasikoak agrupa tres ciclos bajo el mismo sello: las películas de la retrospectiva, los títulos de la sección Klasikoak que se proyectan durante el Festival en septiembre y la docena de filmes restaurados que la Filmoteca programará en el ciclo homónimo del último trimestre del año en distintas instituciones culturales de la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y el País Vasco francés.

Klasikoak es heredero de la tradición histórica del Festival de San Sebastián por recuperar la obra de cineastas, épocas, temáticas o lenguajes cinematográficos que activó prácticamente desde sus inicios, con la retrospectiva dedicada a René Clair en 1959, y de la decidida apuesta de la Filmoteca Vasca tanto por la restauración de películas como por su divulgación.

The Dark Angel (El ángel de las tinieblas)

Sidney Franklin (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1935

Intérpretes: Fredric March, Merle Oberon, Herbert Marshall, Janet Beecher, John Halliday

Kitty (Merle Oberon) y Alan (Fredric March) se conocen desde niños. Ya adultos, siguen enamorados. Alan es llamado a filas y antes de partir deciden casarse. Como no encuentran un sacerdote, sellan la alianza a su manera. Pero cuando Alan vuelve de la guerra, la relación ya no será la misma.

These Three (Esos tres)

William Wyler (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1936

Intérpretes: Miriam Hopkins, Merle Oberon, Joel McCrea, Catherine Doucet, Alma Kruger

Karen y Marta, compañeras de la universidad y ya graduadas, convierten una granja que ha heredado Karen de su abuela en un colegio para chicas. Pero un día las dos profesoras y el doctor Joe Cardin, el médico que las animó a construir la escuela, se ven envueltos en un escándalo cuando una alumna perversa se dedica a difamarlos. 

Dead End

William Wyler (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1937

Intérpretes: Sylvia Sidney, Joel McCrea, Humphrey Bogart, Wendy Barrie, Claire Trevor

La acción acontece en el East Side de Nueva York, un barrio de clase humilde al que se ha mudado gente de clase alta dado el reclamo pintoresco que ha adquirido la zona. También regresa al lugar el gánster Baby Face Martin (Humphrey Bogart), que se reencuentra con su madre y una antigua novia.

The Spanish Earth (Tierra de España)

Joris Ivens (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1937

Financiada con 2.000 dólares y realizada por Joris Ivens, el documental muestra el conflicto de la Guerra Civil española desde el punto de vista de los milicianos y el del movimiento de los campesinos. Contó con la participación de Lillian Hellman (sin acreditar), Ernest Hemingway, John Dos Passos, Orson Welles y Jean Renoir.

The Cowboy and the Lady (El vaquero y la dama)

H.C. Potter (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1938

Intérpretes: Gary Cooper, Merle Oberon, Patsy Kelly, Walter Brennan, Fuzzy Knight

Stretch Willoughby (Gary Cooper) es un cowboy rudo pero con buenos sentimientos. Aunque no tiene nada que ver con su forma de ser, acaba enamorándose de Mary Smith (Merle Oberon), una joven adinerada. Ella no soporta que nadie le diga lo que tiene que hacer. Participación sin acreditar de Hellman.

The Westerner (El forastero)

William Wyler (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1940

Intérpretes: Gary Cooper, Walter Brennan, Doris Davenport, Fred Stone, Forrest Tucker

Western sobre las relaciones que se establecen entre Cole Harden (Gary Cooper), un vaquero honesto, y Roy Bean (Walter Brennan, recompensado con un Oscar al mejor actor secundario por este trabajo), personaje caprichoso y de singular moralidad, conocido históricamente como el juez de la horca. Hellman colaboró en el guion sin acreditar

The Little Foxes (La Loba)

William Wyler (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1941

Intérpretes: Bette Davis, Herbert Marshall, Teresa Wright, Richard Carlson, Dan Duryea

A finales del siglo XIX, en una población sureña, la calculadora y despiadada Regina Giddens (Bette Davis) entabla una lucha sin cuartel contra sus hermanos para quedarse con la herencia familiar. En sus planes no tienen cabida los sentimientos, ni siquiera hacia su marido (Herbert Marshall), un hombre honrado que regresa a casa después de sufrir una grave enfermedad. En medio de la asfixiante atmósfera creada por la desmedida ambición de su esposa, sólo encontrará calor humano en el amor de su hija

The North Star

Lewis Milestone (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1943

Intérpretes: Anne Baxter, Dana Andrews, Walter Huston, Walter Brennan, Ann Harding

Segunda Guerra Mundial. En el verano de 1941, los alemanes invaden las poblaciones fronterizas de la Rusia comunista. Un grupo de jóvenes abandonan uno de estos pueblos, llamado Estrella del Norte, y emprenden un viaje que estará lleno de dificultades.

Watch on the Rhine

Herman Shumlin (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1943

Intérpretes: Bette Davis, Paul Lukas, Geraldine Fitzgerald, Lucile Watson, Beulah Bondi

Un ingeniero alemán comprometido con la causa antinazi (Paul Lukas) y su esposa estadounidense (Bette Davis) se instalan con sus tres hijos en la casa familiar de ella, donde coinciden con un aristócrata rumano que simpatiza con los nazis.

The searching wind

William Dieterle (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1946

Intérpretes: Robert Young, Sylvia Sidney, Ann Richards, Dudley Digges, Douglas Dick

Europa, década de 1920. Alex Hazen (Robert Young) es un embajador a quien no le resulta fácil tomar partido. Molesta con él, Cassie Bowman (Sylvia Sidney) le deja en Roma, justo antes de que Mussolini tome el poder. Concluida la II Guerra Mundial, Emily (Ann Richards), esposa de Hazen, invita a cenar a Cassie, convertida en una periodista reputada.

Another Part of the Forest

Michael Gordon (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1948

Intérpretes: Fredric March, Dan Duryea, Edmond O’Brien, Ann Blyth, Florence Eldridge

Precuela de The Little Foxes. El relato está ambientado dos décadas antes de los hechos narrados en aquel filme y muestran las complejas y conflictivas relaciones de los miembros de la familia Hubbard. La figura central de The Little Foxes está interpretada aquí por Ann Blyth, enfrentada con sus padres porque quiere casarse con un miembro de la confederación.

The Children’s Hour (La calumnia)

William Wyler (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1961

Intérpretes: Audrey Hepburn, Shirley MacLaine, James Garner, Miriam Hopkins, Fay Bainter

Karen (Audrey Hepburn) y Martha (Shirley MacLaine) son maestras en una escuela para niñas. Una alumna maliciosa y vengativa, despechada por un castigo que ha recibido, escucha por casualidad un comentario y lo utiliza, distorsionándolo, para acusar a sus profesoras de una conducta reprobable. Los escandalosos rumores sobre la relación sentimental de las dos profesoras se extienden velozmente por la comunidad escolar, con repercusiones inmediatas y devastadoras.

Toys in the Attic (Cariño amargo)

George Roy Hill (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1963

Intérpretes: Dean Martin, Geraldine Page, Yvette Mimieux, Wendy Hiller, Gene Tierney

Julian Berniers (Dean Martin) lleva a su esposa Lily (Yvette Mimieux) a Nueva Orleáns para que conozca a su familia. Llevan espléndidos regalos para Carrie (Geraldine Page) y Anne (Wendy Hiller), las hermanas de Julian, que albergan la esperanza de que su hermano las ayude económicamente; lo que ignoran es que Julian se ha visto obligado a cerrar su fábrica y tiene también problemas económicos.

The Chase (La jauría humana)

Arthur Penn (EEUU)

País(es) de producción: EEUU – 1966

Intérpretes: Marlon Brando, Jane Fonda, Robert Redford, E.G. Marshall, Angie Dickinson

Un convicto (Robert Redford) que ha escapado de la cárcel vuelve a su pueblo, pero sus vecinos, gentes absolutamente degradadas, emprenden contra él una auténtica cacería como si se tratara de una diversión más. Solo el sheriff (Marlon

Un oscuro cuento de hadas, tráiler para «La Tour de glace» de Lucile Hadzihalilovic

Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora Lucile Hadzihalilovic La Tour de glace. La película, una turbia fabula que mezcla el cuento de hadas moderno y una historia de madurez, tras pasar por el pasado Festival de Berlín (Oso de oro a la Mejor contribución artística), se estrenará comercialmente en Francia el próximo 17 de septiembre.

La Tour de glace nos sitúa en los años 70. Atraída por las luces de la ciudad, Jeanne, de 16 años, huye de un orfanato situado en lo alto de las montañas. Se refugia en un estudio de cine que explora en secreto por las noches. Durante el día se rueda allí la película La Reina de las Nieves, protagonizada por la enigmática Cristina. Jeanne cae inmediatamente bajo el hechizo de la bella y atormentada estrella. Entre la actriz y la chica surge una fascinación mutua. Poco a poco, Jeanne empieza a desempeñar un papel cada vez más importante en el rodaje. A medida que crece su obsesión por el reino de la Reina de las Nieves, entre el plató y la pantalla, el cine y la realidad se funden en un juego mágico y laberíntico. Pero hay un precio que pagar. ¿Ama Jeanne a la Reina de las Nieves lo suficiente como para hacer el sacrificio que ella exige?

La película con guion a cargo de la propia Lucile Hadzihalilovic junto a Geoff Cox, está protagonizada por Marion Cotillard, Clara Pacini, August Diehl, Gaspar Noé, Marine Gesbert, Lila-Rose Gilberti, Raphael Reboul, Carmen Haidacher y Wilhelm Bonnelle.  

Revisitando el juego mortal, tráiler para «Witchboard» de Chuck Russell

Tras tener una trayectoria prolífica en los 80 y 90 dentro del género fantástico con trabajos como A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors (1987), The Blob (1988), The Mask (1994) o Bless the Child (2000), Chuck Russell vuelve al terror con Witchboard, film cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página. La película, remake del título dirigido en 1986 por Kevin Tenney, se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 15 de agosto de 2025.     

En Witchboard vemos como Emily, una drogadicta en recuperación, su prometido Christian y un grupo de amigos abren un café orgánico, renovando una antigua cochera en el Barrio Francés de Nueva Orleans. La oscuridad desciende sobre Emily cuando descubre un antiguo tablero de péndulo, que una vez se usó para invocar espíritus, y Christian busca ayuda para Emily del experto en ocultismo Alexander Babtiste. Babtiste, sin embargo, tiene sus propios secretos, ya que conoce las fatídicas líneas de sangre que los unen a todos con Witchboard.

La película, con guion a cargo del propio Chuck Russell junto a Greg McKay, está protagonizada por Madison Iseman, Aaron Dominguez, Antonia Desplat, Charlie Tahan, Mel Jarnson, Jamie Campbell Bower, Renee Herbert, Kaden Vu, Noah Parker, David La Haye, Elisha Herbert, Kerrin Cochrane y Laura Paolillo.

 

«Your Monster» review

Una joven descubre que no está sola en su habitación: un extraño y aterrador ser vive en su armario. Pero a medida que lo conoce, lo que parecía una amenaza se convierte en algo más complejo.

Más discutible con relación a una supuesta exploración trasgresora, Your Monster, película que nos remite a la entonada A Different Man de Aaron Schimberg, ambas presentes en la pasada edición del Festival de Sitges, por aquello de comprobar cómo gran parte del cine independiente norteamericano actual abraza de forma habitual el concepto weird como motor narrativo a la hora de abordar diversos traumas. A tal respecto, en Your Monster existe un componente autobiográfico, la realizadora Caroline Lindy tuvo que lidiar con muchos de los problemas que padece la protagonista, incluido el diagnóstico y tratamiento de un cáncer y un novio que la abandonó durante la dura experiencia.

La intención de Caroline Lindy parece ser la de exponer una especie de ejercicio de carácter autoexculpatorio en el que se atisba un deseo de transformar una historia triste en algo aparentemente liviano y divertido, con la aparición de un elemento fantástico, un amigo imaginario de la infancia que nos remite a estilemas propios de La Belle et la Bête, y, en especial, al Ron Perlman de la serie televisiva que actúa como una manifestación de la rabia claramente destinada a ser una metáfora de los lugares oscuros a los que va la mente del personaje principal.

El problema posiblemente tenga su origen en el confuso desarrollo en lo concerniente a su hibridación genérica, también de una evidente dificultad a la hora de expandir un concepto que vaya más allá de la premisa básica, aquí saldada con una comedia romántica con números musicales que la acercan en su tramo final a un discutible tono naif, lo que nos lleva a preguntarnos qué nos está diciendo realmente Your Monster, y lo más importante, qué clase de cuento de hadas nos ha querido contar Caroline Lindy.

   

El Festival de San Sebastián rinde homenaje a Marisa Paredes con el cartel de su 73ª edición

La fallecida actriz protagoniza la imagen del póster oficial de este año y la productora Esther García recibirá el galardón honorífico al cumplirse cuatro décadas de la creación de la compañía El Deseo

El Festival de San Sebastián reconocerá con un Premio Donostia la trayectoria de la productora Esther García, figura clave en la internacionalización del cine español y latinoamericano, justo cuando se cumplen cuatro décadas de la creación de la compañía El Deseo. Además, el cartel oficial de la 73ª edición será un homenaje a la actriz Marisa Paredes, una de las estrellas más queridas del Festival desde su primera visita en 1977 y hasta su fallecimiento el pasado año.

El Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera ha acogido hoy el acto de presentación de carteles, durante el cual el director del Festival, José Luis Rebordinos, y la responsable de Comunicación, Ruth Pérez de Anucita, han desvelado la concesión del Premio Donostia a Esther García, productora de El Deseo con más de un centenar de títulos a sus espaldas.

Por octavo año consecutivo, una gran figura de la cinematografía contemporánea protagoniza un cartel que desde 2018 ha estado presidido por los retratos de Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche, Javier Bardem y Cate Blanchett. El póster de este año con la imagen de Marisa Paredes ha sido diseñado por el estudio donostiarra Wallijai a partir de una instantánea tomada por el fotógrafo Manuel Outumuro en Madrid en el año 2000.

Wallijai también ha confeccionado los carteles del resto de secciones, que como es habitual, mezclan fotografía e ilustración, y esta vez juegan con la idea de que todas y todos llevamos distintas películas en nuestro interior. Asimismo, cada póster incluye referencias más o menos expresas a diferentes géneros: al drama (New Directors), al cine bélico (Horizontes Latinos), al romántico y al musical (Zabaltegi-Tabakalera), a la ciencia ficción (Perlak), al anime (Nest), al terror (Culinary Zinema), a las historias de aventuras (Zinemira) y al western (Made in Spain).

A estos carteles se sumarán próximamente los tres de la iniciativa Klasikoak, que desde 2024 agrupa bajo la misma marca tres propuestas: la retrospectiva Klasikoak, que este año estará dedicada a la guionista estadounidense Lillian Hellman; la sección Klasikoak del Festival, y el ciclo de la Filmoteca Vasca que se desarrolla entre octubre y diciembre en Bilbao, Donostia, Pamplona, San Juan de Luz y Vitoria.

Esther García, independencia, riesgo y excelencia en la producción

Siempre con la independencia, el riesgo y la excelencia como señas de identidad, Esther García (Cedillo de la Torre, Segovia, 1956) ha trabajado en más de un centenar de producciones. En 1986 se enroló en la productora El Deseo, creada un año antes por los hermanos Pedro y Agustín Almodóvar, pero antes había participado como secretaria, ayudante o jefa de producción en películas como Pim, pam, pum… ¡Fuego! (Pedro Olea, 1975), que compitió en la Sección Oficial de San Sebastián; Siete chicas peligrosas (Pedro Lazaga, 1979), Sé infiel y no mires con quién (Fernando Trueba, 1985), El año de las luces (Fernando Trueba, 1986), La vida alegre (Fernando Colomo, 1987) o El juego más divertido (Emilio Martínez Lázaro, 1988). También colaboró en series como Curro Jiménez, que contó con directores como Mario Camus, Pilar Miró o los hermanos Romero Marchent, y Los pazos de Ulloa (Gonzalo Suárez), además de en gran parte de la obra de Mariano Ozores.

Pero a partir de su primera colaboración con Pedro Almodóvar en la película Matador (1986) ha sido una pieza fundamental en todos los proyectos posteriores del director manchego, que en la pasada edición del Festival de San Sebastián recibió también el Premio Donostia. Su nombre aparece asociado al de los Almodóvar en películas como La ley del deseo (1987), que dio nombre a la productora, o Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), que optó al Oscar a la mejor película extranjera; un galardón que logró una década después con Todo sobre mi madre (1999). Además de La flor de mi secreto (1995), proyectada en la Sección Oficial de San Sebastián fuera de concurso, otros títulos en común son Hable con ella (2002), que brindó a Pedro Almodóvar el Oscar al mejor guion original; La mala educación (2004), que inauguró Cannes; y Volver (2006), que consiguió en el festival galo los premios al mejor guion y a la mejor interpretación femenina para todo el reparto antes de conseguir cerca de un centenar de galardones, entre ellos el FIPRESCI en San Sebastián.

Regresaron a Cannes con Los abrazos rotos (2009), La piel que habito (2011), Julieta (2016) y Dolor y gloria (2019), con la que Antonio Banderas conquistó el Premio al mejor actor. Penélope Cruz ganó el galardón a la mejor actriz con Madres paralelas (2021) en Venecia, donde La habitación de al lado (2024) se hizo con el León de Oro, máximo galardón del festival italiano. Tras esta película, que fue la Proyección Premio Donostia programada tras la gala dedicada el año pasado a Almodóvar, llegará Amarga navidad, actualmente en desarrollo y que será el vigésimo largometraje producido por Esther García para Pedro Almodóvar. También ha producido sus cortometrajes La voz humana (2020) y Extraña forma de vida (2023).

El Deseo se ha caracterizado siempre por dar oportunidad a cineastas en su día emergentes como Álex de la Iglesia, Isabel Coixet, Daniel Calparsoro, Mónica Laguna, Dunia Ayaso y Félix Sabroso o Belén Macías. Además, también ha apoyado las carreras de importantes nombres del cine iberoamericano como Guillermo del Toro, Lucrecia Martel, Damián Szifron, Pablo Trapero, Julia Solomonoff, Luis Ortega, Andrés Wood o Miguel Gonçalves Mendes. Entre sus últimas producciones destaca Sirāt (2025), con la que Oliver Laxe obtuvo el Premio del Jurado en Cannes.

Entre los numerosos galardones conseguidos por García se cuentan el Premio Nacional de Cinematografía, recogido en San Sebastián en 2018, el Fotogramas de Plata 2019 y seis Premios Goya: tres como directora de producción por Acción mutante (Álex de la Iglesia, 1993), Todo sobre mi madre (Pedro Almodóvar, 1999) La vida secreta de las palabras (Isabel Coixet, 2005), y tres como productora por Volver (Pedro Almodóvar, 2006), Relatos salvajes (Damián Szifron, 2014) y Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019).

También se ha destacado por su compromiso feminista: es integrante de CIMA (Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales), impulsó junto a un amplio grupo de realizadoras españolas el documental colectivo Yo decido. El tren de la libertad (Made in Spain, 2014) y produjo, entre otras, no ficciones como Con la pata quebrada (Made in Spain, 2013) y Manda huevos (Sección Oficial Proyecciones especiales, 2016), ambas dirigidas por Diego Galán, o El silencio de los otros (2018), de Almudena Carracedo y Robert Bahar.

Marisa Paredes, medio siglo de vínculo con el Festival de San Sebastián

Dotada de una singular elegancia y presencia escénica, Marisa Paredes (Madrid, 1946-2024) trabajó en más de 75 largometrajes durante una carrera repleta de personajes complejos y de gran fuerza dramática. Su carrera está asociada a directores como Fernando Trueba, Montxo Armendáriz, Jaime Chávarri, Agustí Villaronga y, sobre todo, Pedro Almodóvar, para quien trabajó en Entre tinieblas (1983), Tacones lejanos (1991), La flor de mi secreto (1995), Todo sobre mi madre (1999), Hable con ella (2002) y La piel que habito (2011). Fuera del ámbito español, Paredes también actuó a las órdenes de cineastas como los mexicanos Arturo Ripstein y Guillermo del Toro, el chileno Raúl Ruiz, el italiano Roberto Benigni y el portugués Manoel de Oliveira.

Forjada en el teatro y la televisión de los años 60 y 70, la actriz estableció un sólido vínculo con el Festival de San Sebastián desde que en 1977 visitó el certamen por vez primera como parte del elenco de El perro, un filme de Antonio Isasi-Isasmendi, que concursó en la Sección Oficial. Posteriormente visitó el certamen con Tras el cristal (Zabaltegi, 1986), de Agustí Villaronga; Mientras haya luz (New Directors, 1987), de Felipe Vega, y Trois vies et une seule mort (Tres vidas y una sola muerte, 1996), obra de Raúl Ruiz incluida en Perlak, igual que Profundo carmesí (1996), de Arturo Ripstein.

Con el director mexicano repitió en El coronel no tiene quien le escriba (Made in Spanish, 1999), a la que siguieron Salvajes (New Directors, 2001), de Carlos Molinero; El espinazo del diablo (Made in Spanish, 2001), de Guillermo del Toro; Una preciosa puesta de sol (Made in Spain, 2003), de Álvaro del Amo; Dans le rouge du couchant / Red Dusk (Crepúsculo rojo, Sección Oficial, 2003), de Edgardo Cozarinsky; Frío sol de invierno (New Directors, 2004), de Pablo Malo, y Reinas (Made in Spain, 2005), de Manuel Gómez Pereira.

En la segunda década del siglo XXI visitó San Sebastián con As linhas de torres (Zabaltegi-Especiales, 2012), de Raúl Ruiz y Valeria Sarmiento; Querido Fotogramas (Made in Spain, 2018), de Sergio Oksman, y Petra (Perlak, 2018), de Jaime Rosales. Su última participación en el Festival tuvo lugar el año pasado, meses antes de fallecer a los 78 años, cuando participó en Made in Spain como parte del reparto del documental Mucha mierda (2024), de Alba Sotorra.

Premio Nacional de Cinematografía en 1996, Goya de Honor en 2018 y presidenta de la Academia de Cine entre 2000 y 2003, Marisa Paredes fue una de las grandes damas del cine español y, como tal, sus paseos por la alfombra roja del Festival o sus apariciones en las galas fueron frecuentes. En 1994, por ejemplo, entregó la Concha de Plata al mejor actor a Javier Bardem, y cinco años después recogió en nombre de Almodóvar el Premio FIPRESCI para Todo sobre mi madre. También otorgó los Premios Donostia a Ben Gazzara en 2005 y a Liv Ullmann en 2007, y entre ambas ediciones, en 2006, su imagen quedó asociada de por vida al Festival al protagonizar el cartel de su 54ª edición, caracterizada como el personaje de Rita Hayworth en el clásico The Lady From Shangai (La dama de Shanghai, 1947), de Orson Welles.

Por tanto, tal y como ha señalado José Luis Rebordinos, será la segunda vez que Marisa Paredes protagonice el cartel del Festival. “En 2006 fue representada como La dama de Shanghai y ahora, 19 años después, en una imagen bellísima que nos recuerda su grandeza como actriz y como persona. Y todo ello en una edición en la que uno de los Premios Donostia será para una mujer igualmente talentosa y valiente con quien Marisa trabajó en varias ocasiones, Esther García, una productora sin la que no se puede entender el cine español y latinoamericano de los últimos 40 años. Por ambos motivos, por este cartel y por este galardón, no podemos estar hoy más felices”, ha concluido.

Recuperación de carteles de 1959 y 1971

El Festival de San Sebastián continúa alimentando su archivo histórico con nuevas incorporaciones a su fondo. Entre los carteles que faltaban por recuperar en condiciones óptimas figuraban los de 1959 y 1971, correspondientes a la séptima y decimonovena edición, respectivamente. El Festival ha adquirido ambos posters de colecciones privadas de Londres y Madrid, respectivamente, y los ha restaurado digitalmente tras haber superado la fase de conservación curativa e instalación.

El primero de los carteles es obra de Alfredo Tienda y se lanzó en la imprenta Valverde de San Sebastián en el año en que ganó la Concha de Oro The Nun’s Story (Historia de una monja, 1959), de Fred Zinnemann, y el segundo, creado por Navarro y editado en la imprenta madrileña Edicolor, es el de la edición en que triunfó Le genou de Claire (La rodilla de Claire, 1971), de Éric Rohmer.

Primer tráiler para «Deux pianos», lo nuevo de Arnaud Desplechin

Acaba de ser presentado en sociedad un primer adelanto, en forma de tráiler oficial que podéis ver a final de página, del nuevo trabajo tras las cámaras del realizador francés Arnaud Desplechin Deux pianos. La película, un drama romántico sobre ausencias y reencuentros, se estrenará comercialmente en Francia el próximo 15 de octubre previo paso por los Festivales de Toronto y San Sebastián, donde competirá por la Concha de Oro.  

En Deux pianos vemos como al regresar a Francia tras una larga ausencia, el pianista Mathias Vogler retoma el contacto con su mentora, Elena, para preparar un concierto. En un parque, el encuentro con un niño idéntico a él le conducirá a Claude, la mujer a la que una vez amó.

La película, con guion a cargo del propio Arnaud Desplechin junto a Kamen Velkovsky está protagonizada por François Civil, Nadia Tereszkiewicz, Charlotte Rampling y Hippolyte Girardot.

Shoah

Cuando en 1985 Claude Lanzmann estrenó su documental Shoah, la percepción sobre el exterminio de los judíos en Europa a manos del nazismo cambió radicalmente. En su documental de más de nueve horas de duración, Lanzmann evitó toda recreación, archivo o documentación visual de los hechos, y se basó en las palabras de testigos judíos, polacos y alemanes, incluidos algunos perpetradores, para describir con implacable detalle la maquinaria burocrática de la Solución Final, de modo que las remotas experiencias del Holocausto se convirtieron en algo fresco e inmediato.

Este libro presenta el texto integral del film Shoah, que se convierte así en una historia oral del Holocausto sin parangón, un viaje de intensa lectura a través del mayor horror del siglo XX, que aún hoy sigue marcando la historia contemporánea.

«Después de la guerra, hemos leído gran cantidad de testimonios sobre los guetos y sobre los campos de exterminio; hemos quedado conmocionados. Pero, al ver ahora la extraordinaria película de Claude Lanzmann, caemos realmente en la cuenta de que no sabíamos nada. A pesar de todos nuestros conocimientos, la experiencia, con todo su espanto, permanecía a considerable distancia de nosotros. Por primera vez, podemos vivirla dentro de nuestra cabeza, en nuestro corazón, en nuestra carne. Se convierte en algo nuestro.» (Del prólogo de Simone de Beauvoir.)

Autor: Claude Lanzmann. Traducción del francés de Federico de Carlos Otto, Editorial:  Galaxia Gutenberg, S.L., Colección: Narrativa, Páginas: 248

La nueva película de David Cronenberg, «Profanación», se estrena en exclusiva en Filmin

Vincent Cassel («El odio») y Diane Kruger («Malditos bastardos») protagonizan esta historia personal del director sobre el duelo y la tecnología, que se estrenó en el Festival de Cannes.

El próximo 19 de septiembre, Filmin estrenará en exclusiva “Profanación” («The Shrouds» en su título original), la última obra del aclamado director canadiense David Cronenberg, padre del body horror, reconocido mundialmente por títulos icónicos como “La mosca” (1986) o “Crash” (1996). El cineasta se basa en una historia de duelo personal, la muerte de su mujer, para indagar en la relación entre tecnología y muerte y preguntarse sobre el más allá del fallecimiento. Vincent Cassel («El Odio»), protagonista de la cinta, interpreta a un empresario multimillonario y viudo obsesionado con una tecnología que permita observar en tiempo real la descomposición de su mujer fallecida (Diane Kruger, «Malditos bastardos»). 

La película tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de Cannes, donde compitió por la Palma de Oro y dividió a la crítica cinematográfica, y el 2 de agosto se proyectará en el Atlàntida Mallorca Film Fest. Además, la prestigiosa revista Variety la eligió como la segunda mejor película de género del año.

Cuenta la historia de Karsh (Cassel), un importante gurú tecnológico y hombre de negocios de 50 años. A raíz de la muerte de su esposa y del insoportable duelo por el que pasa, inventa GraveTech, una tecnología revolucionaria y controvertida que permite a los vivos vigilar los cadáveres de sus seres queridos en sus mortajas. Una noche, varias tumbas, incluida la de la esposa de Karsh (Krueger), son profanadas. Karsh se propone localizar a los autores.

Una historia personal

El origen tan personal de “Profanación” convierte a esta película en una de las obras más confesionales de Cronenberg. El dolor tras la pérdida de su esposa Carolyn en 2017 fue el principal motor emocional del guion, generando en el director un impulso genuino de explorar los límites entre la tecnología, el cuerpo y el duelo. Cronenberg ha contado cómo el deseo casi irracional de no perder el contacto físico con su ser querido fallecido lo inspiró a idear la tecnología ficticia que aparece en la película, una forma de vigilancia obsesiva que canaliza su propia necesidad de conexión más allá de la muerte. Si bien el filme evoluciona hacia la ficción, mantiene esa carga autobiográfica en su núcleo, incluso en la apariencia física del protagonista, fusionando la visión característica del director sobre el cuerpo y la tecnología con una sinceridad y vulnerabilidad inéditas en su filmografía. 

El director ha decidido añadir más guiños autobiográficos, como una de las frases de las primeras escenas de la película. Alguien pregunta al protagonista cómo está llevando el duelo de su esposa, a lo que Karsh responde “¿Hasta dónde estás dispuesto a llegar en la oscuridad?”. Cronenberg cuenta de dónde sacó esa cita: «Después de que mi esposa muriera, la gente me preguntaba cómo me sentía, y me di cuenta de que me respondía a mí mismo con esa misma pregunta».

El padre del body horror

David Cronenberg es universalmente reconocido como el padre del body horror, un subgénero del terror que explora la vulnerabilidad, transformación y mutación del cuerpo humano. Su apodo de «Baron of Blood» pone de manifiesto esa influencia transgresora con la que ha marcado el cine fantástico mundial. Desde sus primeras películas, como “Rabia” (1977) y “Videodrome” (1983), y obras maestras como “La mosca” (1986) o “Crash” (1996), Cronenberg ha revolucionado cómo se representa el cuerpo en el cine, convirtiendo lo orgánico y lo visceral en metáforas complejas sobre la identidad, la sociedad y el deseo.

“Profanación” recoge y culmina todas estas obsesiones y logros: fusiona la perturbadora imaginería corporal característica del director con reflexiones íntimas sobre la muerte, el duelo y la tecnología. Así explica el director su visión sobre la tecnología que aparece en la película: «Sin duda es perversa, mórbida, grotesca, pero para alguien que está de duelo como él, en realidad no lo es. De hecho, es bastante saludable, una manera de salir de la desesperación, del dolor. Pero, básicamente, todo se reduce al cuerpo, como en muchas de mis películas; «el cuerpo es la realidad», y si aceptas eso, el cuerpo de una persona muerta continúa siendo una especie de realidad, y es ahí donde vive Karsh». En esta película, Cronenberg no solo reafirma su legado como maestro del cine de género, sino que también alcanza una de sus obras más personales, sincopando todo su legado temático y estético en esta historia tan intensa y perfilada.

Una herencia maldita, teaser tráiler para «Welcome Home Baby» de Andreas Prochaska

Aunque con una trayectoria más centrada en la televisión, el austriaco Andreas Prochaska ha sido en los últimos años unos de los realizadores de su país más prolíficos a la hora de indagar en el cine de género, tras trabajos como Dead in Three Days 1,2 (2006-2008) o el western Das finstere Tal (2014), Andreas Prochaska se adentra en el terror psicológico con la cinta Welcome Home Baby, film cuyo primer adelanto en forma de teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial.

La película, que tuvo su estreno mundial en el pasado Festival de Berlín dentro de la sección Panorama, nos presenta a Judith, una joven doctora de urgencias que hereda una casa rural de su familia biológica, que la abandonó siendo niña. Su búsqueda de respuestas sobre el trauma de sus orígenes se convierte en una angustiosa confrontación con su pasado.

Welcome Home Baby, con guion a cargo del propio Andreas Prochaska junto a Daniela Baumgärtl y Constantin Lieb, está protagonizada por Julia Franz Richter, Reinout Scholten van Aschat, Gerhard Liebmann, Maria Hofstätter y Gerti Drassl.   

Arnaud Desplechin, Kentaro Hirase y Yutaro Seki, Agnieszka Holland, Milagros Mumenthaler y Alice Winocour concursarán en la Sección Oficial del Zinemaldia 2025

Sus nuevos largometrajes se suman a las cuatro producciones españolas que también competirán por la Concha de Oro

Los nuevos largometrajes de Arnaud Desplechin, Kentaro Hirase y Yutaro Seki, Agnieszka Holland, Milagros Mumenthaler y Alice Winocour competirán en la Sección Oficial de la 73ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 19 al 27 de septiembre.

Arnaud Desplechin (Roubaix, 1960) participará por primera vez en la Sección Oficial con Deux pianos / Two Pianos, en la que tras una larga ausencia un virtuoso pianista regresa a Lyon, su ciudad natal, para vivir una historia de amor imposible. El reparto del filme incluye a François Civil, Nadia Tereszkiewicz, Charlotte Rampling e Hippolyte Girardot. Desde su debut con La sentinelle / The Sentinel (1992), el cineasta galo ha competido en numerosas ocasiones en Cannes y en otros festivales internacionales. En 2009 San Sebastián programó Rois et reine / Kings and Queen (Reyes y reina, 2004) en la retrospectiva La contraola: novísimo cine francés, Perlak recuperó Trois souvenirs de ma jeunesse / My Golden Days (Tres recuerdos de mi juventud, 2015) tras su paso por la Quincena de Cineastas y Spectateurs! / Filmlovers (2024) formó parte de Zabaltegi-Tabakalera, programada antes en Cannes fuera de concurso.

El tándem formado por Kentaro Hirase (San Francisco, 1986) y Yutaro Seki (Kanagawa, 1987), que codirigieron Miyamatsu to Yamashita / Roleless (New Directors, 2022) con Masahiko Sato, concursarán en la Sección Oficial con su segundo largometraje, la producción japonesa SAI / SAI: disaster. El actor Teruyuki Kagawa vuelve a ejercer de protagonista en este oscuro relato en el que un hombre misterioso irrumpe trágicamente en las vidas de distintas personas a las que se aparece adoptando diferentes identidades.

Agnieszka Holland (Varsovia, 1948) concursará por tercera vez en la Sección Oficial con Franz (Franz Kafka), una coproducción de la República Checa, Alemania y Polonia que narra la vida del escritor Franz Kafka desde su nacimiento hasta su muerte. Holland, que ya optó a la Concha de Oro con Total Eclipse (Vidas al límite,1995) y Copying Beethoven (2006), dio sus primeros pasos en el Festival de San Sebastián, en cuya sección Nuevos Creadores participó con el filme colectivo Zdjecia próbne / Screen Tests (1978). Entre sus películas más reconocidas figuran también Bittere Ernte / Angry Harvest (Amarga cosecha, 1986) y Europa Europa (Zabaltegi, 1990), candidatas al Oscar a la Mejor película extranjera y al Mejor guion adaptado respectivamente, además de otras como Olivier, Olivier (1992), The Secret Garden (El jardín secreto, 1993) o Green Border (2023), que ganó el Premio Especial del Jurado en Venecia. 

La cineasta argentina Milagros Mumenthaler (Córdoba, 1977) debutará en la competición donostiarra con su tercer trabajo, Las corrientes / The Currents, una coproducción de Suiza con Argentina protagonizada por Isabel Aimé González Sola en el papel de una mujer enfrentada a un pasado que creía haber dejado atrás. El Festival de Locarno acogió los estrenos de sus dos primeras películas, Abrir puertas y ventanas / Back to Stay (2011), que ganó el Leopardo de Oro, y La idea de un lago / The Idea of a Lake (2016), que en 2013 fue uno de los proyectos del Foro de Coproducción Europa-América Latina. Ambas formaron parte de la programación de Horizontes Latinos.

La cineasta Alice Winocour (París, 1976), que ganó el Premio Especial del Jurado en San Sebastián con Proxima (Próxima, 2019), regresará a la competición con su quinta película, Couture, coproducción franco-estadounidense ambientada en el mundo de la moda con Angelina Jolie y Louis Garrel como protagonistas. Con su debut, Augustine (2012), la directora gala concursó en la Semana de la Crítica de Cannes. Volvió al mismo Festival con Maryland (Disorder: El protector, 2015), que participó en Un Certain Regard, y con Revoir Paris / Paris Memories (Memorias de París, 2022), que hizo lo propio en la Quincena de Cineastas.

Estos títulos se suman a las cuatro producciones españolas anunciadas anteriormente y que también competirán en la Sección Oficial: Maspalomas, de Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi; Historias del buen valle / Good Valley Stories, de José Luis Guerin; Los Tigres, de Alberto Rodríguez, y Los domingos / Sundays, de Alauda Ruiz de Azúa. En las próximas semanas se anunciará el resto de los largometrajes incluidos en la competición.

SECCIÓN OFICIAL – A competición

Deux pianos / Two Pianos

Arnaud Desplechin (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: François Civil, Nadia Tereszkiewicz, Charlotte Rampling, Hippolyte Girardot

Al regresar a Francia tras una larga ausencia, el pianista Mathias Vogler retoma el contacto con su mentora, Elena, para preparar un concierto. En un parque, el encuentro con un niño idéntico a él le conducirá a Claude, la mujer a la que una vez amó.

SAI / SAI: disaster

Yutaro Seki (Japón), Kentaro Hirase (EEUU)

País(es) de producción: Japón

Intérpretes: Teruyuki Kagawa, Anne Nakamura, Kaito Miyachika, Pistol Takehara

Cuatro personas llevan vidas normales en lugares distintos sin que sus caminos se crucen nunca. Un hombre misterioso aparece en cada historia, siempre bajo la apariencia de otra persona: un profesor de guardería en un momento, un camionero al siguiente y después un barbero; su identidad cambia constantemente. Entonces llega la muerte. Un detective busca la verdad, acercándose a una revelación…

Franz (Franz Kafka)

Agnieszka Holland (Polonia)

País(es) de producción: República Checa – Alemania – Polonia

Intérpretes: Idan Weiss, Peter Kurth, Jenovéfa Boková, Ivan Trojan, Sandra Korzeniak

La reconocida directora Agnieszka Holland se embarca en su proyecto más ambicioso hasta la fecha: un biopic del emblemático escritor checo del siglo XX Franz Kafka. Concebida como un mosaico caleidoscópico, la película sigue la huella que Kafka dejó en el mundo desde su nacimiento en la Praga del siglo XIX hasta su muerte en la Viena posterior a la I Guerra Mundial. Franz (Franz Kafka) ofrece al público una nueva mirada sobre la vida del hombre detrás del genio literario.

Las corrientes / The Currents

Milagros Mumenthaler (Argentina)

País(es) de producción: Suiza – Argentina

Intérpretes: Isabel Aimé González Sola, Esteban Bigliardi

En la cima de su carrera, Lina, una estilista argentina de 34 años, se deja llevar por un impulso repentino tras una entrega de premios en Suiza. De regreso a Buenos Aires, no dice nada, pero algo ha cambiado en ella; algo que, silencioso e invisible, desentraña sutilmente un pasado que creía haber dejado atrás.

Couture

Alice Winocour (Francia)

País(es) de producción: Francia – EEUU

Intérpretes: Angelina Jolie, Anyier Anei, Ella Rumpf, Louis Garrel

En plena vorágine de la Semana de la Moda de París, se entrecruzan los caminos de tres mujeres, que lidian con las tragedias del mundo y los interrogantes de sus vidas: a Maxime, una directora de cine estadounidense en la cuarentena, le diagnostican cáncer; Ada, una joven modelo de Sudán del Sur, escapa de un futuro marcado para terminar en un entorno frívolo, y Angèle, maquilladora francesa que trabaja entre bambalinas en los desfiles, sueña con cambiar de vida.

«Chain Reactions» review

Cincuenta años después de que The Texas Chain Saw Massacre de Tobe Hooper conmocionara al mundo y cambiara para siempre la faz del cine mundial y la cultura popular, Chain Reactions traza el profundo impacto de la película y su duradera influencia en cinco grandes artistas -Patton Oswalt, Takashi Miike, Alexandra Heller-Nicholas, Stephen King y Karyn Kusama- a través de sus primeros recuerdos, experiencias sensoriales y traumas infantiles.

La no ficción ha tenido en estos últimos años un significativo papel en el festival de Sitges, especialmente en lo concerniente a trabajos que en su gran mayoría suelen ofrecer una faceta de análisis sobre autorías, géneros y cinematografías diversas. Alexandre O. Philippe, director habitual en Sitges cuya filmografía ha sido presentada en su totalidad en el certamen, presentó en la pasada edición Chain Reactions, documental que aprovechando el quincuagésimo aniversario de la fundamental The Texas Chain Saw Massacre, analiza a través de cinco testimonios a cargo de Patton Oswalt, Takashi Miike, Alexandra Heller-Nicholas, Stephen King y Karyn Kusama el impacto que tuvo en el imaginario propio y popular la película de Tobe Hooper.

 Chain Reactions vuelve a insistir en unos formulismos ya frecuentados por Alexandre O. Philippe en anteriores trabajos suyos como The Taking (2021) y Lynch/Oz (2022), consistente en dar paso a varios interlocutores a través de una serie de monólogos que, si bien la mayoría de ellos comienzan citando elementos específicos de la película, la narrativa rápidamente deriva en puntos de vista relativamente fluidos donde reflexionan a un nivel personal sobre el período de sus vidas en que vieron el largometraje. El problema posiblemente reside en lo poco novedoso que resulta el documental, más allá del carácter empático que pueda tener el fan con el interlocutor.

En este sentido, en Chain Reactions se producen ciertas irregularidades según el interés subjetivo que pueda tener la tesis ofrecida, también esporádicas reiteraciones y sobreexplicaciones en determinados apartados, aunque posiblemente el principal lastre se pueda percibir con relación a unas formas supuestamente didácticas que palidecen ante una serie de imágenes totémicas que dejan en evidencia cualquier tipo de definición o reflexión que se haga sobre ellas.

Avance de programación de la 70ª edición de Seminci

Los hermanos Dardenne, Sergei Loznitsa, Bi Gan, Lav Díaz y Gabriel Mascaro competirán por la Espiga de Oro en la 70ª edición de Seminci

La Sección Oficial acogerá también las películas de tres prometedoras cineastas revelación: Shih-Ching Tsou, Eva Victor y Mascha Schilinski

En Punto de Encuentro coinciden jóvenes realizadores que retratan los dilemas de la adolescencia en sus óperas primas

Realizadores consagrados como Luc y Jean-Pierre Dardenne, Sergei Loznitsa, Bi Gan, Lav Díaz y Gabriel Mascaro, junto con representantes de una nueva generación de cineastas, participarán en la Sección Oficial de la 70ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci).

Estos autores, más los que se anunciarán próximamente, competirán por la Espiga de Oro en la edición de 2025, que se celebrará del 24 de octubre al 1 de noviembre. El avance de la programación del festival incluye también en la pujante sección competitiva Punto de Encuentro seis óperas primas de autores noveles que coinciden, en su mayoría, en centrar sus historias en la mirada adolescente.

La selección oficial reúne títulos que no solo están triunfado en los certámenes más importantes del mundo, sino que además dialogan entre sí, explorando temas universales como la familia, la superación del trauma y la transformación social desde lenguajes cinematográficos diversos.

Autores con voz y estilo propio

Los hermanos Luc y Jean-Pierre Dardenne (Palma de Oro por Rosetta en 1999 y El niño en 2005) aspiran en 2025 a repetir la Espiga de Oro que ya obtuvieron en Seminci en 1996 con La promesa. Los directores belgas ofrecen en Recién nacidas una mirada optimista sobre la vida de cinco madres adolescentes en un centro de acogida y las tensiones familiares y sociales a las que se enfrentan. Esta película obtuvo el premio al mejor guion y el premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cannes 2025.

Otro realizador premiado en festivales internacionales, sobre todo por su revisión documental de la historia de Europa del Este, y que comparte con los Dardenne un fuerte compromiso político y social, es Sergei Loznitsa (Funeral de estado, Donbass). En Dos fiscales, el director bielorruso de nacimiento y ucraniano de adopción dibuja una lectura política contemporánea del estalinismo a partir de una obra del poco conocido escritor, físico e ingeniero soviético Georgy Demidov, víctima del régimen de terror soviético. Maestro del uso de material de archivo para la confección de documentales, Loznitsa vuelve su mirada en su tercera película de ficción a los juicios impulsados por Stalin que ya documentó en The Trial (2018). 

El avance del listado de reputados autores internacionales que competirán por la Espiga de Oro en 2025 incluye, además, al cineasta filipino Lav Díaz (León de Oro en 2016 por The Woman Who Left). El realizador independiente más reconocido de su país, y el más premiado en festivales internacionales, retrocede hasta el siglo XVI en Magallanes, una coproducción en la que participa Albert Serra a través de su productora Andergraun Films. Protagonizada por Gael García Bernal, Díaz construye un relato visualmente épico sobre las expediciones marítimas coloniales y la degradación moral del protagonista.

El director chino Bi Gan (Largo viaje hacia la noche) se ha consolidado como una de las voces más singulares y visionarias del cine contemporáneo, especialmente dentro del panorama del cine de autor asiático, por su capacidad para crear ambientes oníricos y surrealistas. La película con la que competirá en Seminci, Resurrection (Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes), es una fábula cinematográfica sobre un mundo distópico donde la humanidad ha perdido la capacidad de soñar, filmada en seis episodios que unen lo onírico con lo histórico.

Gabriel Mascaro (Neon Bull, Divine Love) no se queda atrás como uno de los cineastas más originales del cine brasileño contemporáneo. En la distopía futurista The Blue Trail, Gran Premio del Jurado en la Berlinale 2025, firma un viaje por el Amazonas protagonizado por una mujer de 77 años (Denise Weinberg) que se enfrenta a las autoridades cuando estas deciden aislar a las personas de su edad en colonias remotas.

Una nueva generación de cineastas independientes

Junto a estos maestros, los títulos avanzados de la Sección Oficial de la 70ª edición de Seminci integran asimismo a tres cineastas revelación representantes de una nueva generación con un marcado sello personal, tanto en temáticas como en tono visual, que abordan cuestiones humanas desde la perspectiva de género y emocional.

Shih-Ching Tsou, productora de títulos del director de Anora, Sean Baker, como Tangerine o The Florida Project, debuta en solitario con La chica zurda, tras haber codirigido con Baker Take Out en 2004. La película, coescrita, producida y montada por Sean Baker, explora temas como la adaptación de la vida en el Taipéi actual y la tensión entre tradición y modernidad en el seno de una familia marcada por los secretos y las tradiciones.

También debutante en la realización, pero con experiencia como intérprete (Billions), Eva Victor logró el premio el mejor guion en Sundance la tragicomedia Sorry, Baby, avalada por Barry Jenkins (Moonlight) como productor. Victor escribe, dirige y protagoniza con sensibilidad y humor este título, que narra desde una perspectiva fresca y personal cómo una profesora universitaria se enfrenta al trauma y a la sanación tras vivir un abuso sexual en el ámbito laboral.

Completa el trío la cineasta alemana Mascha Schilinski, quien presentará a competición en Seminci Sound of Falling, precedida del Premio del Jurado, ex aequo con Sirat, en el Festival de Cannes. En su segunda película tras la también premiada Dark Blue Girl, Schilinski hilvana las historias de cuatro jóvenes a lo largo de casi cien años en un entramado temporal en el que los traumas y la violencia vivida en otras épocas reverberan en el presente. Aunque la trama está fuertemente enraizada en una granja alemana, refleja temas universales como la memoria, la pérdida, la condición femenina y la fragilidad de la infancia.

Punto de Encuentro, la sección más joven

Dedicada a autores de ficción que buscan reinventar la manera de contar historias y ampliar el lenguaje cinematográfico, en Punto de Encuentro participarán seis óperas primas que revelan las nuevas tendencias del cine independiente contemporáneo. Coinciden en aportar una perspectiva personal sobre historias íntimas de transformación y crecimiento de personajes adolescentes o jóvenes adultos que se enfrentan a momentos cruciales de cambio, filmadas en estilo realista con un enfoque íntimo y social.

Rebuilding, de Max Walker-Silverman (A Love Song) procede de la cosecha de cine independiente estadounidense estrenado este año en Sundance. El largometraje, premio del Jurado Ecuménico en el festival de Karlovy Vary, explora temas como la pérdida, la comunidad y la reconstrucción emocional en el marco de un campamento de personas que han perdido sus casas tras un incendio forestal. Josh O’Connor (Rivales, La quimera) encarna a un vaquero al que el incendio da la oportunidad de reconectar con su exesposa e hija.

Otro estreno destacado este año ha sido el de la directora eslovena Urška Djukić con Little Trouble Girls, premio Fipresci en la sección Perspectivas del Festival de Berlín. Una historia de descubrimiento de la sexualidad en el contexto del coro femenino de una escuela católica. Con sus precedentes trabajos como cortometrajista (Granny’s Sexual Life), Djukić ya había logrado galardones como el premio al mejor cortometraje de la Academia de Cine Europeo en 2022 y el César al mejor corto de animación en 2023.

Por su parte, Wild Foxes, ópera prima del belga Valéry Carnoy, obtuvo el premio Europa Cinemas Label a la mejor película europea en Cannes 2025. Esta película se centra en una joven promesa del boxeo (Samuel Kircher, hijo de la actriz Irène Jacob) que, tras sobrevivir a un accidente mortal, desarrolla un dolor inexplicable que amenaza su carrera deportiva. Carnoy supera los clichés de los dramas deportivos para centrarse en la salud mental y las relaciones de amistad masculina.

Estrenadas asimismo en Cannes, Nino, de Pauline Loqués y Kika, de Alexe Poukine retratan a dos personas ante momentos cruciales de su vida. En el caso de Nino, se trata de un joven desorientado ante un diagnóstico médico que afecta a su futuro y a la posibilidad de ser padre. La película ha sido comparada con actualización de Cléo de 5 a 7, de Agnès Varda, en clave masculina, nocturna y juvenil. El personaje principal está interpretado por Théodore Pellerin, premio al actor revelación en Cannes 2025 por este trabajo y al mejor actor en Seminci 2018 por Génesis. Loqués había dirigido anteriormente el mediometraje La Vie de jeune fille.

Kika aborda con sensibilidad y humor la maternidad en solitario y la muerte repentina de su pareja, a las que se enfrenta una mujer (Manon Clavel) que pasa de asistente social a trabajadora sexual en busca de estabilidad económica. Su directora, Alexe Poukine, ya participó en 2024 en Seminci con su documental sobre la salud mental de los trabajadores de la sanidad Who cares. Y alcanzó reconocimiento internacional con Lo que no te mata (2019), sobre la violencia sexual en entornos de confianza.

Por último, Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo), del estadounidense de origen dominicano Joel Alfonso Vargas, ha sido una de las grandes sorpresas de Sundance 2025, ganando el Premio Especial del Jurado NEXT al mejor reparto. Vargas comenzó como cineasta autodidacta influenciado por la cultura del hip-hop y colaborando con comunidades marginadas para contar historias llenas de matices en torno a temas de identidad en la diáspora y justicia social. Tras rodar cortos como Que te vaya bonito, Rico, premio Pardi di Domani al mejor director en el Festival de Locarno, con su primer largometraje ha logrado el respaldo de la productora Christine Vachon, la madrina del cine independiente y productora de Todd Haynes.

AVANCE SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN 70ª EDICIÓN SEMINCI

The Blue Trail (O Último Azul). Gabriel Mascaro (Brasil, México, Países Bajos, Chile, 2025)

Sorry, Baby. Eva Victor (Estados Unidos, 2025)

Recién nacidas (Young Mothers). Luc y Jean-Pierre Dardenne (Bélgica, Francia, 2025)

La chica zurda (Left-Handed Girl). Shih-Ching Tsou (Taiwán, EE.UU., Reino Unido, Francia, 2025)

Sound of Falling (In die Sonne schauen). Mascha Schilinski (Alemania, 2025)

Dos fiscales (Two Prosecutors). Sergei Loznitsa (Ucrania, 2025)

Resurrection. Bi Gan (China, 2025)

Magallanes (Magellan). Lav Díaz (Portugal, España, Francia, Filipinas, Taiwán)

AVANCE PUNTO DE ENCUENTRO 70ª EDICIÓN SEMINCI

Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo). Joel Alfonso Vargas (Estados Unidos, 2025)

Wild Foxes. Valery Carnoy (Francia, Bélgica, 2025)

Little Trouble Girls. Urška Djukić (Eslovenia, Italia, Croacia, Serbia, 2025)

Rebuilding. Max Walker-Silverman (Estados Unidos, 2025)

Nino. Pauline Loqués (Francia, 2025)

Kika. Alexe Poukine (Bélgica, Francia, 2025)

Tráiler final para «The Long Walk» de Francis Lawrence

Coincidiendo con la Comic-Con de San Diego, Lionsgate acaba de presentar en sociedad el tráiler final, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de The Long Walk, esperada adaptación de la novela de Stephen King que fue publicada en 1979 bajo el seudónimo de Richard Bachman. Dirigida por Francis Lawrence, Constantine (2006), I Am Legend (2007), The Hunger Games: Catching Fire (2013) o Slumberland (2022), la película se estrenará en los cines de Estados Unidos el próximo 12 de septiembre, mientras que en España lo hará previo paso por el Festival de Sitges el 21 de noviembre.

The Long Walk nos sitúa en un futuro distópico en el cual Estados Unidos se ha convertido en un estado policial. Cada año, cien chicos son seleccionados para participar en una brutal competición conocida como «La larga marcha«, donde deben caminar sin descanso: si se detienen o reducen la velocidad de la marcha, mueren. Solo uno sobrevivirá.

La película, con guion adaptado a cargo de J.T. Mollner, está protagonizada por Cooper Hoffman, David Jonsson, Judy Greer, Mark Hamill, Garrett Wareing, Tut Nyuot, Charlie Plummer, Ben Wang, Roman Griffin Davis, Jordan Gonzalez y Joshua Odjick.

Las trayectorias de la puñalada: 50 películas del giallo

Desde el análisis teórico y práctico de los géneros, el giallo se revela tan fascinante como difícil de encasillar, ya que su identidad surge de una mezcla única de componentes temático-narrativos (en la confluencia del suspense, el terror y el erotismo), expresivo-formales (como su distintiva utilización del color), discursivos (oscilando entre una ideología radical y el sensacionalismo propio de la explotación) y estilísticos (caracterizados por la inverosimilitud, un voyerismo con tintes sádico-misóginos, virtuosismo técnico, referencias cinéfilas autorreflexivas y una buena dosis de ironía). Este estudio busca abordar preguntas clave para delimitar su esencia: ¿en qué momento el giallo adquiere su identidad propia y, por el contrario, cuándo la pierde para transformarse en algo diferente?

El autor

Agustín Rubio Alcover (Valencia, 1978) ha dirigido los cortos Rellano, Embolcall y L’estat del cel, y el largometraje La desvida. Imparte asignaturas relacionadas con la producción audiovisual y la historia y el análisis cinematográficos en la Universitat Jaume I de Castellón. Ha publicado monográficos sobre Se7en (David Fincher, 1995) y Dos en la carretera (Two for the Road, Stanley Donen, 1967) en la colección «Guías para ver y analizar cine» de Nau Llibres, el libro El don de la imagen. Un concepto del cine contemporáneo. Volumen 1: Esperantistas en Ediciones Shangrila, y Vicente Escrivá. Película de una España para el Institut Valencià de Cultura, cuya revista, Archivos de la Filmoteca, dirigió entre 2017 y 2020.

Antonio Loriguillo-López Profesor titular de universidad en el Departamento de Ciencias de la Comunicación de la Universitat Jaume I (UJI), imparte docencia en dicha universidad en los grados de Comunicación Audiovisual y Diseño y Desarrollo de Videojuegos, y en el máster de Nuevas Tendencias y Procesos de Innovación en Comunicación. Miembro del grupo de investigación ITACA de la UJI y colaborador del grupo de investigación GREGAL de la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB). Premio Extraordinario de Doctorado en la rama de Ciencias Sociales y Jurídicas por la UJI y egresado de la primera edición del Kadokawa Media Mix Summer Program organizado por la Universidad de Tokio. Sus intereses se centran en la narración posclásica en el audiovisual contemporáneo y en la animación comercial japonesa. Al respecto, es autor del libro Anime complejo. La ambigüedad narrativa en la animación japonesa (Universitat de València, 2021) y de la monografía Perfect Blue (Satoshi Kon, 1997) (Nau Llibres, 2020).

Autor: Agustín Rubio Alcover, Antonio Loriguillo-López, Editorial: ‎ EDITORIAL UOC S.L, Col·lecció: Filmografías esenciales, Páginas: 184

FlixOlé y Video Mercury estrenan en el Festival de Venecia la versión en 4K de «Matador», de Pedro Almodóvar

Matador será la segunda película de ficción española en participar en Venice Classics desde que el certamen cinematográfico creó la sección dedicada a las mejores restauraciones del audiovisual

Fue en el Festival de Venecia donde un joven manchego comenzó a escribir su fama mundial como director. Al debut internacional de Pedro Almodóvar en La Biennale con Entre tinieblas (1983), le siguieron otros grandes momentos en el certamen italiano: obtuvo el premio a Mejor Guion por Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), el León de Oro honorífico y consiguió el primer León de Oro para una película española con La habitación de al lado (2024). Cumplido un año de este último acontecimiento, la Mostra ha incluido dentro de su programación uno de los clásicos almodovarianos, Matador (1986). Este provocador giallo taurino que marcó una nueva etapa en la carrera del manchego se proyectará en una renovada versión 4K, remasterización llevada a cabo por FlixOlé y Video Mercury.

El largometraje participará en Venice Classics, siendo la segunda película de ficción española en incluirse en esta sección que, desde su creación en 2012, dedica su programación a las mejores restauraciones del séptimo arte. La primera no documental en acudir a este circuito clásico fue La caza (Carlos Saura, 1966), presentada hace dos ediciones por la misma plataforma y distribuidora. En el marco de sus labores de recuperación y difusión del audiovisual nacional, ambas vuelven a La Biennale con una copia 4K de Matador realizada en sus laboratorios a partir del negativo original de 35mm, y bajo la supervisión del productor y hermano del director, Agustín Almodóvar.

El Festival de Venecia reestrenará así el quinto largometraje rodado por Pedro Almodóvar. A menudo olvidado entre su extensa obra, el título tomó la forma de thriller erótico con el que el autor se alejó de cuanto había hecho hasta la fecha. Llevó al límite la búsqueda del placer por medio de distintos fetichismos fílmicos, temáticos y estéticos que impactaron en cineastas de todo el mundo. Entre ellos, Quentin Tarantino, quien confesó que Matador le inspiró e influyó para lanzarse a la dirección: “Quiero hacer cosas así”.  

Placer y muerte

Entre las imágenes de Matador que generaron tanto asombro se encontraban las incluidas en los créditos iniciales. En éstos, el personaje de Diego Montes, interpretado por el actor Nacho Martínez, aparece masturbándose mientras contempla escenas de mujeres siendo asesinadas en películas slasher. Ya en los primeros compases del filme, Almodóvar introduce la sexualidad como un instinto violento, estableciendo una relación entre el sexo y la muerte.

La idea la irá desarrollando a lo largo del filme a través de Diego Montes, un torero retirado tras una cogida y cuya obsesión por matar lo llevará a cambiar los astados por las mujeres. Dicha pulsión la comparte con María Cardenal (Assumpta Serna), una abogada admiradora del diestro que sacia su excitación terminando con la vida de los hombres con los que se acuesta. Después de conocerse, ambos están dispuestos a expresar su amor de la única manera que puede satisfacerles, arrebatándole el control de sus destinos a la parca.

En esta vorágine de sexo y muerte los acompañan Ángel (Antonio Banderas), un joven con poderes psíquicos, discípulo del torero, que intenta demostrar su virilidad intentando violar a la novia de su maestro, Eva (Eva Cobo). Ésta hará todo lo posible por mantener a su lado a Diego Montes, hasta el punto de encubrir sus crímenes. Completan el elenco Eusebio Poncela, quien encarna al comisario que intenta dilucidar quién está detrás de los asesinatos, y Carmen Maura, que interpreta a una psiquiatra que bebe los vientos por el investigador.

Un giallo a la española: serial killers entre toros y gazpacho

Considerada por el propio director como una raras avis dentro de su filmografía, Matador marcó un antes y un después en su carrera. Con esta película, producida el mismo año en el que creó la productora El Deseo junto a su hermano, cerró la etapa experimental e inició una nueva que daba paso a una elegante puesta en escena de lo escatológico, provocador y reivindicativo.

Las constantes de la obra almodovariana saltan también a la arena en Matador: los personajes femeninos toman protagonismo en la faena, especialmente el de Assumpta Serna; la religión se cuela en la trama y, desde el respeto, el autor muestra su crítica a la rigidez eclesiástica por medio de la madre de Ángel (Julieta Serrano), miembro del Opus Dei que en todo ve pecado y culpa; sin olvidar la homosexualidad, representada por la ambigua orientación sexual del personaje interpretado por Antonio Banderas, y la atracción elíptica que el comisario siente por el joven. 

El natural de Calzada de Calatrava arquea estos temas, junto a sus obsesiones por plasmar el deseo y la muerte, en un poliédrico y afrodisiaco thriller con tintes melodramáticos y comedia negra que introduce guiños al giallo italiano —entre las violentas imágenes que estimulan a Diego Montes se cuelan escenas de Seis mujeres para un asesino (Mario Bava, 1964)— y referencias cinéfilas —la proyección de Duelo al sol (King Vidor, 1946) o fotografías enmarcadas de Ava Gardner, entre otras—. El director envuelve todos estos elementos en una atmósfera kitsch con la que cuestiona cualquier convencionalismo social o cultural, incluyendo el mundo de los toros, e incorpora recursos que se verán en películas posteriores, como el gazpacho.

Gira de clásicos españoles

Almodóvar construyó así un rompedor filme con el que animaba al espectador a tomar las riendas de su propia vida y a encontrar el placer sin importar los tabúes. Esas emociones llegarán nuevamente al público con el estreno de la versión 4K de Matador en Venice Classics, en el marco de La Biennale que se celebrará entre el 27 de agosto y el 6 de septiembre.

Dicha proyección ha sido posible gracias a la restauración del material original por parte de FlixOlé y Mercury Films. Estos trabajos de preservación y promoción del patrimonio audiovisual español han llevado a plataforma y distribuidora a participar con sus remasterizaciones en las secciones clásicas de los principales circuitos cinematográficos del globo. Gracias a esta iniciativa, obras maestras del cine nacional han viajado nuevamente al extranjero, completando la programación de los escaparates cinéfilos y acercando sus imágenes al público: al igual que la Mostra ha hecho con La caza y Matador, Cannes acogió la proyección de Carmen(Carlos Saura, 1983); Berlinale, Deprisa, deprisa (Carlos Saura, 1981) y Vestida de azul (Antonio Giménez Rico, 1983); Festival Lumière, Muerte de un ciclista (Juan A. Bardem, 1955) y Viridiana(Luis Buñuel, 1961); mientras que a San Sebastián acudió en la pasada edición Surcos(José Antonio Nieves Conde, 1951).

«Los domingos», de Ruiz de Azúa, competirá en la Sección Oficial de la 73ª edición del Festival de San Sebastián

Los domingos / Sundays, el nuevo largometraje de la cineasta vasca Alauda Ruiz de Azúa, se suma a los tres títulos con producción española que competirán en la Sección Oficial de la 73ª edición y que ya fueron anunciados: Maspalomas, de Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi; Historias del buen valle / Good Valley Stories, de José Luis Guerin, y Los Tigres, de Alberto Rodríguez.

Alauda Ruiz de Azúa (Barakaldo, 1978) optará por primera vez a la Concha de Oro con Los domingos, la historia de una joven brillante e idealista que siente una inesperada atracción por la vida contemplativa del convento de clausura. La debutante Blanca Soroa y Patricia López Arnaiz, que obtuvo la Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista por Los destellos / Glimmers (Pilar Palomero, 2024), encabezan el reparto del filme, en el que también figuran Miguel Garcés, Juan Minujín, Mabel Rivera y Nagore Aranburu.

Ruiz de Azúa debutó con Cinco lobitos (Zinemira, 2022), estrenada en la sección Panorama de la Berlinale y ganadora de ocho premios en el Festival de Málaga, incluida la Biznaga de Oro a la mejor película, y el Goya a la mejor dirección novel. También es autora de la miniserie Querer (2024), que formó parte de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián fuera de concurso y posteriormente ganó el Premio Forqué, el Premio Feroz y el galardón de la competición internacional del festival Séries Mania.

Los domingos / Sundays

Alauda Ruiz de Azúa (España)

País(es) de producción: España – Francia

Intérpretes: Blanca Soroa, Patricia López Arnaiz, Miguel Garcés, Juan Minujín, Mabel Rivera, Nagore Aranburu

Los domingos cuenta la historia de Ainara, una joven idealista y brillante de 17 años que ha de decidir qué carrera universitaria estudiará. O, al menos, eso espera su familia que haga. Sin embargo, la joven manifiesta que se siente cada vez más cerca de Dios y que se plantea abrazar la vida de monja de clausura. La noticia pilla por sorpresa a toda la familia provocando un abismo y una prueba de fuego para todos.

Los mecanismos del sufrimiento, tráiler para «La valle dei sorrisi» de Paolo Strippoli

Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del film de terror La valle dei sorrisi. Dirigida por el italiano Paolo Strippoli, A Classic Horror Story (2021) y Piove (2022), la película, que tendrá su estreno mundial en el Festival de Venecia, se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo mes de octubre con el título de Holy Boy.      

La valle dei sorrisi nos sitúa en el remoto y aparentemente idílico pueblo de Remis. En este atemporal lugar de montaña, reina la tranquilidad y sus habitantes parecen eternamente felices. Un sitio perfecto para Sergio Rossetti, un profesor de educación física con un pasado turbulento, que busca una nueva vida y un poco de paz. Pero algo, desde el principio, no cuadra. Todo parece demasiado perfecto. Gracias a su encuentro con Michela, la joven dueña de la posada del pueblo, Sergio comienza a intuir la verdad que se oculta en el idílico pueblo. Cada semana, por la noche, toda la comunidad se reúne en un ritual silencioso e inquietante, haciendo fila para abrazar a un adolescente. El chico posee un don que le permite absorber el dolor ajeno. Un gesto que alivia a otros, pero que a él lo consume lentamente. Conmocionado por este descubrimiento, Sergio decide enfrentarse a la locura colectiva y salvar al joven del destino que le aguarda. Pero su intervención desencadena reacciones inesperadas. Tras la aparente bondad del pueblo se esconde una oscura obsesión, e incluso el ángel de Remis, como llaman al chico, revelará un lado siniestro.

La película, con guion a cargo de Jacopo Del Giudice, Paolo Strippoli y Milo Tissone, está protagonizada por Michele Riondino, Romana Maggiora Vergano, Giulio Feltri, Paolo Pierobon y Roberto Citran.

    

Filmin estrena, el próximo 1 de agosto, «Riefenstahl», el documental definitivo sobre la cineasta oficial de la Alemania nazi

Andres Veiel («Si no nosotros, ¿quién?») nos ofrece un acceso sin precedentes a los archivos de la mujer que revolucionó el lenguaje cinematográfico mientras forjaba una obra inseparable del régimen nazi.

¿Quién es Leni Riefenstahl? ¿Qué significa su figura a día de hoy? ¿Se puede separar el arte del artista? El 1 de agosto llega a Filmin “Riefenstahl”, el incisivo documental de Andres Veiel (“Si no nosotros, ¿quién?”), que inauguró la última edición del festival DocsBarcelona y que revisita la vida y el legado de Leni Riefenstahl, la cineasta más polémica del siglo XX. 

Las imágenes que filmó de las imponentes marchas nazis y de los discursos de Adolf Hitler en «El triunfo de la voluntad» (1935) han quedado grabadas en la memoria colectiva. La planificación meticulosa de los desfiles, la composición de las escenas, el montaje y la música se integran con precisión para construir una puesta en escena de poder que transformó esos actos políticos en espectáculos visuales. Ese impacto, que aún hoy se estudia en escuelas de cine, fue obra de Leni Riefenstahl.

Entre el arte y la propaganda

Tras la caída del Tercer Reich, Riefenstahl pasó medio siglo defendiendo que su única lealtad era al arte. El director de este documental, Andres Veiel, comenta, en una entrevista a Cineuropa, que le sorprendió mucho esa negación permanente de la conexión entre estética y política, por parte de una cineasta que llegó a ser proclamada por Quentin Tarantino o Francis Ford Coppola como la artista femenina más importante del siglo XX. 

A través de grabaciones telefónicas, notas privadas que contradicen sus memorias, cartas personales y entrevistas televisivas en las que Riefenstahl defendía su inocencia, el documental enfrenta su innegable innovación técnica con su papel como propagandista nazi. Así, muestra cómo Riefenstahl creó lo que la filósofa Susan Sontag llamó “estética fascista”: una combinación de imágenes grandiosas, culto al cuerpo, espectáculos de masas y glorificación del poder, cuya influencia sigue presente hoy en el cine, la publicidad y la cultura visual.

El eco de Riefenstahl en la era actual 

Para Veiel, la importancia del documental va más allá del pasado y se convierte en una reflexión urgente sobre nuestro presente. Se pregunta cuál es la relevancia de la figura de Leni Riefenstahl en el contexto actual, especialmente en relación con temas como las noticias falsas, la manipulación de la narrativa y la construcción de su biografía. El director considera que la habilidad de Riefenstahl para reescribir su propia historia anticipa las estrategias de desinformación que vemos hoy en día. Pero quizás lo más inquietante de su legado no sea su obra en sí, sino su aparente normalidad: «Riefenstahl no es un monstruo ni una persona malvada extraordinaria. Viene de la clase media, y hay muchas personas como ella entre nosotros», señala Veiel.

El subsuelo y el individuo, tráiler para «Exit 8» de Genki Kawamura

La adaptación del videojuego de Kotake Create Exit 8, cuyo primer tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página junto a su póster oficial, es sin duda una de las películas de género fantástico mas esperadas de este 2025. El film, que indaga en el terror psicológico mediante una historia ubicada en un escenario claustrofóbico, tras su estreno mundial en el pasado Festival de Cannes dentro de la sección Midnight, se estrenará comercialmente en nuestro país, previo paso por el Festival de Sitges, el próximo 17 de octubre de la mano de Vértigo Films.

En Exit 8, dirigida por Genki Kawamura (Hyakka 2022), vemos como una persona anónima se encuentra en una estación de metro atrapada en un bucle en donde debe avanzar sólo cuando una anomalía no aparezca en su campo de visión… o volverá al inicio sin ser capaz de huir de ese lugar. ¿Llegará alguna vez a su objetivo y podrá escapar de este pasillo infinito?

La película, con guion adaptado a cargo del propio Genki Kawamura junto a Hirase Kentaro, está protagonizada por Kazunari Ninomiya, Yamato Kôchi, Nana Komatsu, Naru Asanuma y Kotone Hanase.  

Resolución ayudas a la restauración y digitalización de obras del patrimonio audiovisual

Con la vida hicieron fuego´ y ´Un hombre llamado Flor de Otoño´ serán restauradas por Filmoteca Española gracias a la colaboración con la Academia de Cine

  • Las películas dirigidas por Ana Mariscal y Pedro Olea han sido los largometrajes elegidos en esta nueva línea de ayudas a la restauración fílmica
  • A esta primera edición de la convocatoria han concurrido 46 títulos

La Academia de Cine, en colaboración con el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Cultura, y a través de Filmoteca Española han resuelto la primera convocatoria de ayudas para la restauración de obras cinematográficas. Esta iniciativa, fruto del acuerdo entre ambas instituciones, busca la preservación del patrimonio cinematográfico de España, tanto en el ámbito de los largometrajes y cortometrajes, como en otras piezas audiovisuales relevantes.

En esta primera edición se han recibido 46 solicitudes, una cifra que tanto la Academia como Filmoteca Española y el comité de selección celebran por su volumen y diversidad, especialmente al tratarse de una convocatoria inaugural. Las propuestas reflejan una amplia variedad de perfiles de beneficiarios y, con ello, «una riqueza notable en cuanto a las tipologías de obras presentadas”, tal y como ha destacado el comité de selección, que, tras el proceso de evaluación, ha acordado restaurar dos títulos clave del cine español: Con la vida hicieron fuego, dirigida por Ana Mariscal, y Un hombre llamado Flor de Otoño, dirigida por Pedro Olea.

Con la vida hicieron fuego (Ana Mariscal, 1959)

La recuperación de esta película supone también un ejercicio de reconocimiento a la figura de Ana Mariscal, una de las pocas directoras en activo durante esa época. El comité ha subrayado el valor singular de este título, realizado en una etapa en la que historias como la que narra habían sido más frecuentes en décadas anteriores y comenzaban a desaparecer del cine español del tardofranquismo. Además, se ha señalado la relevancia histórica de recuperar esta obra que cuenta con un corte de censura actualmente depositado en Filmoteca Española.

Un hombre llamado Flor de Otoño (Pedro Olea, 1978)

El Comité ha valorado el reto técnico y artístico que supone la restauración de una película en color rodada en la España de los años 70, cuyo proceso exige recuperar con precisión el esplendor visual y la apariencia original de la obra. Se ha destacado también la relevancia del guion y el momento histórico de su estreno, al tratarse de una de las primeras películas en abordar abiertamente la homosexualidad durante la Transición democrática. El comité también ha destacado la posibilidad de contar con el acompañamiento del propio director, Pedro Olea, así como con miembros del equipo artístico como José Sacristán.

Comité de selección

El comité de selección estuvo integrado por el presidente de la Academia de Cine, Fernando Méndez-Leite; la directora de Filmoteca Española, Valeria Camporesi; el restaurador Ferrán Alberich; la directora de fotografía y miembro de la Junta Directiva de la Academia, Teresa Medina; y la directora del Centro de Conservación y Restauración de Fondos Fílmicos de Filmoteca Española, Marián del Egido.

Vincente Minnelli. «Lo recuerdo bien». Autobiografía

En ‘Lo recuerdo bien’, Vincente Minnelli, uno de los grandes maestros del cine, abre las puertas de su memoria y nos invita a un recorrido por una era dorada de Hollywood que él mismo ayudó a construir. A través de estas páginas, el director de clásicos inmortales como ‘Un americano en París’ y ‘Gigi’ nos revela los secretos detrás de cámaras, las complejidades de la dirección artística y las relaciones con los gigantes del cine, desde Judy Garland hasta Gene Kelly. Vincente Minnelli narra con elegancia y sinceridad su ascenso desde sus humildes inicios hasta convertirse en un innovador del cine musical y un pionero del diseño visual: el teatro ambulante de su infancia, la juventud en Chicago, la aventura de Broadway y, finalmente, la de Hollywood. ¿Quién no conoce los musicales ‘Cita en St. Luis’, ‘Melodías de Broadway 1955’, ‘Brigadoon’, la comedia ‘El padre de la novia’ o los melodramas ‘Cautivos del mal’, ‘El loco del pelo rojo’, ‘Como un torrente’? En total treinta y nueve películas, una obra de una extraordinaria riqueza que marcó para siempre la estética de la pantalla grande. Pero este libro no es solo un homenaje a sus logros profesionales; también es un retrato íntimo de un hombre dividido entre su pasión por el arte y las tensiones de una vida personal bajo los reflectores. Lo recuerdo bien’ es más que una autobiografía: es una carta de amor al cine, una crónica de las luces y sombras de una industria que Minnelli transformó con su genio.

Autor; Vincente Minnelli, Editorial: Cult Boks, Páginas: 400

Reconstruyendo un clásico, tráiler para «L’homme qui rétrécit· de Jan Kounen

Llevada brillantemente a la gran pantalla en 1957 por Jack Arnold, el clásico literario The Incredible Shrinking Man de Richard Matheson vuelve a ser adaptado al cine con L’homme qui rétrécit, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, dirigida por Jan Kounen, que ya había abordado el cine de genero en trabajos como Dobermann (1997) o Blueberry: L’expérience secrète (2004), se estrenará comercialmente en Francia el próximo 29 de octubre de 2025.    

L’homme qui rétrécit nos cuenta la historia de un hombre común y corriente que divide su vida entre su empresa de construcción naval y su familia. Ante un extraño e inexplicable fenómeno meteorológico durante un viaje por mar, comienza a menguar inexorablemente, sin que la ciencia pueda explicarlo. Atrapado repentinamente en su propio sótano y midiendo apenas unos centímetros de altura, debe luchar por sobrevivir en este entorno cotidiano que se ha vuelto hostil.

La película, con guion adaptado a cargo del propio Jan Kounen junto a Christophe Deslandes, esta protagonizada por Jean Dujardin, Miranda Raison, Marie-Josée Croze, Stéphanie Van Vyve, Daphné Richard, Salim Talbi y Serge Swysen.