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Coincidiendo con el estreno del documental Landa (Gracia Querejeta y Miguel Olid, 2026) se recuperan las memorias de Alfredo Landa, brillantemente escritas por Marcos Ordóñez, que desgraciadamente estaban descatalogadas desde hacía mucho tiempo La reedición de Alfredo el Grande y el documental llegan justamente 50 años después del rodaje de El puente, la película de Juan Antonio Bardem, que cambió por completo su trayectoria y dos décadas desde su última actuación, en Luz de domingo, de José Luis Garci.
Tras las miniseries Too Old to Die Young (20199 y Copenhagen Cowboy (2023), y diez años después de su última incursión en ámbito cinematográfico con The Neon Demon (2026), Nicolas Winding Refn tiene listo su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Her Private Hell, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Tras su estreno mundial en el pasado Festival de Cannes, la película se estrenará comercialmente en los Estados Unidos el próximo 24 de julio, en España de la mano de Mubi llegará a los cines el 23 de octubre con el título Su Propio Infierno.
En Her Private Hell vemos como a través de una misteriosa niebla que envuelve una metrópolis futurista, una atormentada joven se lanza a la búsqueda de su padre. Su búsqueda se cruza con la de un soldado estadounidense inmerso en una angustiosa odisea para rescatar a su hija del infierno.
La película, con guion a cargo del propio Nicolas Winding Refn junto a Esti Giordani, está protagonizada por Sophie Thatcher, Charles Melton, Havana Rose Liu, Kristine Froseth, Diego Calva, Shioli Kutsuna, Aoi Yamada, Hidetoshi Nishijima, Parker Sawyers, Lola Winding Refn, Boy Ewald y Jason Hendil-Forssell.
«Un gran poder conlleva una gran responsabilidad», pero ¿y si la heroína es solo una gallina? Escapando de una granja de pollos, la gallina encuentra refugio en el patio de un restaurante que se cae a pedazos. Allí descubre el amor, se enfrenta al orden jerárquico y lucha para proteger sus huevos de un dueño codicioso. Su divertida pero conmovedora búsqueda de la maternidad refleja las complejas concesiones y las luchas silenciosas de las vidas humanas.
La mirada animal al mundo humano y la colisión que se produce entre ambos imaginarios esta muy presente en Kota de György Pálfi, autor que hace unos años se dio a conocer con trabajos de una clara vocación transgresora con tendencia a lo grotesco: Taxidermia (2006) o Final Cut: Ladies and Gentlemen (2012). Curiosamente, en Kota, el realizador húngaro ofrece su película más lineal a nivel narrativo, relatando las peripecias de una gallina que, al igual que hizo Jerzy Skolimowski en EO, equipara su mirada subjetiva con la del espectador.
A partir de dicha premisa, situada a medio camino entre la comedia y el drama, las metáforas sobre la gran tragedia humana son tan variadas como en ocasiones previsibles, por ejemplo, equiparar el tráfico de inmigrantes con el encarcelamiento animal o el instinto maternal de la gallina en contraposición con las relaciones decadentes entre los seres humanos. Posiblemente, la gran valía de la película de György Pálfi resida en poder comprobar cómo el cine sigue siendo un medio eficaz a la hora de contemplar el mundo a través de un prisma distinto.
La editorial Hermenaute, dentro de su colección Mikro, y la Semana de Terror repiten colaboración con la publicación este año del libro El cuerpo como abismo. Exploración sobre el body horror cinematográfico, dedicado a este subgénero tan de actualidad y escrito por el periodista e historiador cinematográfico Antonio José Navarro.
“Somos un cuerpo. No tenemos un cuerpo, esa reconfortante ficción cartesiana que dos milenios de metafísica occidental han intentado sostener con escasa fortuna. Somos ese organismo que suda, sangra, enferma, envejece y que, en algún momento terrible, puede mutar, rebelarse contra nosotros. La frontera entre el yo y la carne es una ilusión, una fantasía, y cuando la carne falla, el yo se va con ella sin apenas dejar rastro. El cine de terror de body horror, desde Vinieron de dentro de… (1975) hastaLa sustancia (2024), ha comprendido esta verdad con una lucidez que ningún otro arte ha alcanzado: sin anestesias, sin moralismos.
Una forma de cine físico y perturbador que arrancó con David Cronenberg y John Carpenter, y que ha sido prolongada con furia visceral por Brian Yuzna, Frank Henenlotter y Clive Barker, y llevada a sus consecuencias más radicales por Julia Ducournau, Tom Six o Coralie Fargeat. A través de su obra y la de otros realizadores no menos inquietantes, este ensayo examina ese vasto corpus fílmico como síntoma: la abyección y la metamorfosis monstruosa, la fabricación científica y biopolítica del cuerpo, su invasión parasitaria, la disolución del yo”.
Antonio José Navarro
Samantha Hudson protagoniza el cartel de la Semana de Terror 2026
La cantante Samantha Hudson convertida en una criatura marina mutante es la protagonista del cartel oficial de la Semana de Terror de 2026 (30 octubre – 6 noviembre), una edición que estará atravesada desde su propia imagen por el leitmotiv del subgénero del body horror.
El póster oficial de la Semana quiere hacer un guiño al festival donostiarra Cimasub (Ciclo Internacional de Cine Submarino), que celebrará su 50º aniversario entre el 12 y el 14 de noviembre en el Teatro Principal, siete días después de acabar la Semana de Terror. La programación de esta tendrá alguna referencia más al Cimasub.
Cantante, compositora, productora, guionista y actriz, Samantha Hudson es una de las figuras más emblemáticas de la contracultura contemporánea, categoría que ha alcanzado gracias a un discurso crítico y vanguardista y a una trayectoria musical que juega con los paradigmas del género y la libertad de expresión que tiene su fuerte en sus impactantes espectáculos en vivo. Hudson es uno de los grandes fenómenos pop de la actualidad y un referente para la Generación Z, ha emergido del panorama queer más underground y ha conquistado los circuitos más estandarizados a golpe de melodías pegadizas, letras descaradas y una visión crítica que desafía y transgrede el orden establecido.
Ha publicado discos como Liquidación total (2021), AOVE Black Label (2023) o Música para muñecas (2025), protagoniza giras de gran éxito y suma multitud de premios, como el MTV EMA 2023 a Mejor Artista Española o el Reconocimiento Arcoíris 2022 del Ministerio de Igualdad por su labor en favor del colectivo LGTBIQ+.
La coordinación de la fotografía ha sido de Pedro Mambrú. La foto ha sido realizada por Javier Bermejo y Chus Feijóo. El maquillaje ha sido creado por ND Studio FX y los efectos especiales son obra de Alive VFX & Design. El diseño del cartel lo ha realizado Ytantos.
La Semana de Terror organizará la exposición “Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios”
La exposición Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios, perteneciente a la programación de la 37ª Semana de Cine Fantástico y de Terror, estará abierta entre el 30 de octubre y el 15 de noviembre en la Sala de Actividades de la Biblioteca Central (c/San Jerónimo).
Adéntrate en el mundo sobrenatural japonés a través del trabajo de Fuego Fatuo Art. En la exposición Hyakki yagyō: El desfile nocturno de los cien demonios realizaremos un viaje por el folclore japonés a través de más de 20 esculturas y fotografías de yōkai, monstruos y seres sobrenaturales que pueblan el arte, la literatura y la tradición oral de Japón, de la mano del artista Álvaro Herranz, creador de Fuego Fatuo Art. Con la colaboración de la Fundación Japón, Madrid.
Nueve años después de Tombstone-Rashomon (2017), el veterano Alex Cox regresa a la dirección y al western con Dead Souls, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, una fábula fronteriza sobre la codicia estadounidense, es una adaptación libre de la novela homónima de 1842 a cargo de Nikolai Gogol.
En 1890, el año del censo estadounidense, estalla el caos cuando un hombre llamado Strindler llega a un pueblo de Arizona y pide dinero por proporcionar los nombres de los jornaleros mexicanos muertos.
La película, con guion adaptado a cargo de Alex Cox junto a Gianni Garko, está protagonizada por Zander Schloss, Merritt Crocker, Maria Robles, Eric Schumacher, Brendan Guy Murphy, Ted Falagan, Ed Pansullo, Dick Rude, Karen E. Wright, Felix Cetera, Gus Cetera, Sarah Vista y el propio Alex Cox.
Sala 1 y Sala de verano, julio-agosto | Filmoteca Española
A mediados del siglo pasado, las fuerzas del mal abandonaron las sombras y la humedad de los castillos centroeuropeos para extenderse bajo una luz que les permitía ampliar y actualizar su campo de batalla. En este nuevo contexto estival y chic, las mansiones polvorientas y las telarañas fueron sustituidas por villas de lujo, piscinas celestes, yates y horizontes deslumbrantes que, tras una imagen de postal, escondían jaulas de cristal donde la perversión, el deseo y la angustia existencial se fundían.
Los viejos tropos del cine gótico se iban de turismo, pero no se tratabasolo de una mudanza geográfica o de un cambio de vestuario. Tomaba forma un subgénero con su propia metafísica meridional, apoyada en códigos renovados tan afines a las plazas vacías de Giorgio de Chirico como a las fotografías de Bernard Plossu o a las siestas de la cuchara de Dalí. La inquietud ya no partía de la oscuridad sino exactamente de lo contrario: una claridad excesiva que, en lugar de esclarecer, enturbia y provoca una especie de amnesia. Es este desvío —el sol como agente de extrañamiento y no de revelación— el que opera en todas las películas de este ciclo.
La etiqueta no es caprichosa: llega inspirada por el concepto de Gótico Tropical que Carlos Mayolo y Luis Ospina formularon en los setenta para catalogar un cine colombiano que hacía suyas las obsesiones del gótico clásico —el horror, la podredumbre, el deseo y la muerte— situándolas en el trópico húmedo en lugar de los parajes brumosos. En el Mediterráneo, el mecanismo es análogo pero el clima contiene otras peculiares características. El tiempo se estira y se vuelve lánguido, como el sol del verano que nunca termina y se torna amenaza. Las motivaciones de los personajes se enrarecen, perdiendo la claridad moral del gótico victoriano. Los roles de género se desestabilizan y abrazan una ambigüedad que se ya presume queer. La herencia y la memoria pierden su certeza: el pasado mediterráneo es tan antiguo, tan mitológico, que ya no aplasta sino que hipnotiza como un sueño que no se sabe del todo si es propio o compartido.
La piedra angular de todo esto es Méditerranée(Jean-Daniel Pollet, 1963), que funciona como un códice secreto para desentrañar el significado del sueño. Pollet nos invita a un viaje entre ruinas desérticas, banquetes de bodas griegas, corridas de toros, mareas que van y vienen. Una corriente subterránea que recorre toda la cuenca del Mare Nostrum con la belleza de una máscara mortuoria egipcia. Las costas mediterráneas, mitad sólidas mitad líquidas, invitan a partir de aquí a la mezcla de subgéneros: el thriller, el terror, la ciencia ficción, el polar francés, el giallo italiano, la serie B con el arte y ensayo, cruces imposibles con la bravura natural de un ser mitológico.
Arrancamos por donde arranca toda genealogía: con el vampiro, quizá la figura más emblemática del cine gótico tradicional. Drácula en Estambul (Mehmet Muhtar, 1953) es la más clásica en su forma, pero la más radical en su operación: traslada el mito de Transilvania a las calles y cementerios de Estambul, sustituyendo los elementos cristianos por el Corán. De ahí la figura vampírica muta en este ciclo hacia formas menos reconocibles pero igualmente letales. En La isla de la muerte (Mel Welles, 1967), rodada en la Costa Brava, el monstruo aristocrático es un botánico que cultiva plantas chupasangre. En Traitement de choc (1973), Alain Jessua lleva la lógica vampírica más allá: un balneario aséptico en la costa, con pacientes ricos y trabajadores inmigrantes que desaparecen uno a uno.
Del horror con filiación reconocible nos desplazaremos hacia intrigas sensuales inexplicables y misteriosas. La route de Salina (Georges Lautner, 1970) adquiere hechuras casi fantásticas: en un desierto rocoso y soleado, la llegada de un joven desencadena una turbadora tensión erótica con Mimsy Farmer y Rita Hayworth como protagonistas. El ojo del huracán (José María Forqué, 1971) opera en similares frecuencias pero con acento español: un giallo de alta costura que baña cada superficie en un resplandor que nos sugiere unas vacaciones eternas junto a Jean Sorel y Analía Gadé.
Con Jess Franco, este programa se vuelve más salvaje y primitivo. Su Eugéniede 1980, rodada en la Muralla Roja de Calpe, cita El sueño de Dalí y convierte la arquitectura en personaje: el laberinto rosa de Bofill, que promete el paraíso y encierra, planteando la metáfora más delirante del Gótico Mediterráneo. Franco es el auténtico maestro del subgénero, el que más consciente y sistemáticamente ha explorado esta metafísica playera y plagada de femmes fatales. En este lado salvaje juega también otro Frank (Hubert), el director austríaco de Desnuda ante el espejo (1978), que apoyándose en los cuerpos de Patricia Adriani y Bárbara Rey, no vacila al saltar del melodrama sexploit al cine de acción más macarra, casi quinqui.
La autodestrucción en el paraíso es el tema central de More(Barbet Schroeder, 1969). Al igual que Ícaro, el protagonista vuela demasiado cerca del sol de Ibiza, para encontrar su ruina a través de la heroína. Viajamos a otras islas, con su lógica de encierro sin muros visibles, con Iguana(1988) de Monte Hellman, que ofrece una variante exótica del subgénero. La desolación volcánica de Lanzarote sirve de escenario a una revisión del monstruo romántico, entre un fantasma de la ópera y una bestia enamorada de la belleza. Las localizaciones de Iguananos sirven para confirmar que el Gótico Mediterráneo es en realidad un estado de ánimo, más que una estricta orientación geográfica.
Kinetta(Yorgos Lanthimos, 2005) cierra y a la vez abre este ciclo hacia otros tiempos. En un hotel turístico desolado fuera de temporada, tres personajes recrean escenas de crímenes sin motivaciones claras, obsesionados con la repetición y con la mentira de la representación. El Lanthimos anterior a su consagración internacional construye ya ese mundo de rituales incomprensibles donde el hombre contemporáneo ha perdido su identidad en medio de una realidad vacía de sentido. Es la demostración de que el Gótico Mediterráneo no fue un fenómeno circunscrito a los sesenta y setenta: es una sensibilidad que el cine sigue destilando cada vez que alguien sitúa el horror donde el horror no debería poder ocurrir, bajo un cielo despejado, a la vista de todos.
La ciencia ficción distópica ha sido un subgénero habitual a la hora de recurrir a la denuncia social, a tal respecto, la cinta independiente brasileña Futuro futuro, cuyo teaser tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página junto a su póster oficial, deviene como un nuevo acercamiento a temas como la desigualdad social o la adicción al mundo digital. Tras estar presente el pasado año por festivales como Tribeca o Karlovy Vary, la película supone el tercer trabajo tras las cámaras de Davi Pretto tras Rifle (2016) y Continente (2024).
Futuro futuro nos sitúa en una lluviosa ciudad brasileña de un futuro cercano, un hombre amnésico se embarca en un viaje trágico y absurdo para encontrar a dónde pertenece realmente después de usar un dispositivo de inteligencia artificial creado para ayudar a las personas con un extraño síndrome neurológico.
La película, con guion a cargo del propio Davi Pretto, está protagonizada por José Maria Alves, João Carlos Castanha, Carlota Joaquina, Clara Choveaux, Higor Campagnaro y Olívia Torres.
¿Qué tienen en común los universos extraños, incómodos y fascinantes de Yorgos Lanthimos? Este libro propone un recorrido por la filmografía del director griego, figura clave de la llamada Nueva Extraña Ola Griega, con el objetivo de explorar las constantes temáticas, estéticas y narrativas que atraviesan su obra. A través del análisis textual de sus películas, se abordan cuestiones como la violencia estructural, la vacuidad del lenguaje, la búsqueda de una identidad propia y el sinsentido de las normas sociales. Con un enfoque riguroso pero accesible, el libro ofrece claves para comprender la complejidad del universo lanthimiano y su capacidad para interpelar al espectador desde lo más profundo del desconcierto. Una invitación a adentrarse en un cine que no ofrece respuestas, pero plantea preguntas urgentes.
El autor
Mikel Peña Sarrionandia es profesor en la Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea. Licenciado en Comunicación Audiovisual por dicha universidad, cuenta además con un Máster en Edición y Postproducción de Vídeo y es doctor en Comunicación Social. Antes de iniciar su carrera como investigador y docente, trabajó como editor y postproductor en una productora audiovisual, actividad que sigue compaginando en la actualidad con la participación en obras audiovisuales de diversa índole.
Autor: Mikel Peña Sarrionandia, Editorial: UNIVERSIDAD DEL PAIS VASCO; Páginas: 350
Creador del inolvidable Monsieur Hulot, el cineasta francés revolucionó el lenguaje del cine con una obra tan divertida como profundamente moderna. La colección se completa con el documental «Jacques Tati, caído de la luna
El viernes 3 de julio, Filmin incorporará por primera vez la filmografía completa de Jacques Tati, uno de los grandes autores del cine francés y una figura imprescindible para entender la evolución de la comedia en el cine del siglo XX. Sus películas llegan en nuevas ediciones remasterizadas que permiten redescubrir el meticuloso trabajo visual y sonoro de un cineasta que convirtió lo cotidiano en un espectáculo lleno de humor e ingenio.
Desde “Día de fiesta” (1949) hasta “Zafarrancho en el circo” (1974), pasando por clásicos como “Las vacaciones del Sr. Hulot” (1953), “Mi tío” (1958), “Playtime” (1967) o “Tráfico” (1971), la obra de Tati retrató con ironía la transformación de la sociedad europea de posguerra. La modernidad, el urbanismo, la tecnología, el consumo o las nuevas formas de relacionarnos se convirtieron en el escenario perfecto para una de las filmografías más singulares e influyentes de la historia del cine.
La colección se completa con el documental “Jacques Tati, caído de la luna” (2021), un recorrido por la vida y la obra del cineasta francés que explora su monumental auge y caída. A través de imágenes de archivo, entrevistas y testimonios de colaboradores y cineastas contemporáneos, el documental se adentra en su proceso creativo, su obsesión por la puesta en escena y el legado que dejó en varias generaciones de directores.
El arquitecto de la comedia moderna
Pocos cineastas se enfrentaron a la comedia con tanta libertad como Jacques Tati. Heredero del cine mudo y del legado de Charles Chaplin o Buster Keaton, desarrolló un lenguaje propio en el que el humor nacía más del gesto que del diálogo. Cada encuadre, cada sonido y cada movimiento de los personajes estaban cuidadosamente coreografiados para que el espectador descubriera el gag por sí mismo, convirtiendo cada plano en un espacio de juego.
A través de su inolvidable alter ego, Monsieur Hulot, Tati retrató con una mezcla de ironía y ternura la sociedad europea de la posguerra, fascinada por el progreso, la tecnología y el consumo. La célebre cocina ultramoderna de “Mi tío”, un espacio lleno de ingeniosos automatismos que, lejos de facilitar la vida, acaban complicando lo cotidiano, resume a la perfección su mirada. Sus películas cuestionaban la deshumanización de las ciudades modernas, la uniformidad de la arquitectura y la absurda dependencia de las máquinas, demostrando que la comedia podía ser también una herramienta para pensar el mundo.
Su influencia atraviesa buena parte del cine contemporáneo. Directores como Wes Anderson o Roy Andersson, o el cómico Rowan Atkinson, han reconocido su legado, mientras que David Lynch le citó en numerosas ocasiones entre sus cineastas favoritos de todos los tiempos.
La ambición de un perfeccionista
Aunque dirigió únicamente seis largometrajes, Jacques Tati ocupa un lugar privilegiado en la historia del cine. Con “Mi tío” obtuvo el Óscar a la mejor película en lengua extranjera y el Premio Especial del Jurado en Cannes, mientras que “Las vacaciones del Sr. Hulot” consolidó su prestigio internacional y presentó al personaje que marcaría el resto de su carrera.
Su proyecto más ambicioso fue «Playtime» (1967), considerada hoy una de las grandes obras maestras del cine moderno. Para rodarla, Tati levantó a las afueras de París una ciudad entera de cristal y acero –llamada «Tativille»– y filmó en 70 mm una sátira monumental sobre la arquitectura, el consumo y la uniformización de la vida moderna. La desmesura de la producción lo llevó a hipotecar su patrimonio y endeudarse personalmente para terminar la película. El fracaso comercial de «Playtime» provocó la quiebra de su productora, la pérdida de su casa y de los derechos sobre buena parte de su obra y una larga crisis económica de la que nunca llegó a recuperarse del todo.
Con el paso del tiempo, sin embargo, «Playtime» ha sido reivindicada como una de las grandes películas del siglo XX. François Truffaut llegó a describirla como «llegada de otro planeta, donde las películas se hacen de forma diferente» y afirmó que «Tati, como Bresson, reinventa el cine en cada película». Francis Ford Coppola, por su parte, lo definió como «un cineasta maravilloso» que «gastó toda su fortuna para hacer la película en la que creía». Hoy, Jacques Tati sigue siendo una referencia imprescindible para entender la evolución del cine moderno.
Un perro se muda a una casa rural con su joven dueño Todd. Allí percibe fuerzas sobrenaturales que acechan en las sombras. Mientras esas oscuras entidades amenazan a su compañero humano, el valiente perro debe luchar para proteger a quien más quiere.
Suele ser bastante habitual en el Festival de Sitges, un certamen proclive al hype, presentar propuestas precedidas de una inusitada expectación; en esta ocasión, uno de los supuestos platos fuertes de la pasada edición fue Good Boy, película que parte, en principio, de un concepto ciertamente inusual, la mirada subjetiva de un perro encerrado en un espacio espectral.
Su director, el novel Ben Leonberg, pese a reformular con cierta solvencia conceptos clásicos de la casa encantada y poner de manifiesto su afiliación al género a través de recursos tan trillados como proyectar imágenes televisivas de films: Carnival of Souls (Herk Harvey, 1962) o Mutant (John Cardos, 1984), en busca del guiño fácil del fan, no logra dotar al relato de una narrativa que disimule sus costuras de película doméstica. Que sus 72 minutos de duración se hagan relativamente largos, así como la dilación para desarrollar el conflicto debido a la falta de pulso narrativo, nos derivan, a diferencia de propuestas recientes más sólidas, como, por ejemplo, EO (Jerzy Skolimowski, 2022) o Kota (Gÿorgi Pálfi 2025), donde la mirada animal no va más allá de un caprichoso artificio, a un film obvio narrado desde una perspectiva supuestamente original.
El autor de El día de la bestia, La comunidad, Celda 211 o Las leyes de la frontera recibirá el Premio PUFA de Honor, otorgado con la colaboración de Fundación SGAE, durante la gala de clausura del festival
El guionista, ganador de dos premios Goya, mantendrá además un encuentro con el público el 11 de julio a las 16:30 horas en el Auditorio FUNDOS Fórum Valladolid
El cineasta sueco Carl Sundström, la francesa Caroline Favé y los españoles Manu Herrera, Víctor Matellano, Paco Campano, Rubén Guindo y Marino Darés, entre los invitados confirmados de PUFA 2026
El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid – PUFA (Pucela Fantástica) reconocerá la trayectoria de Jorge Guerricaechevarría, uno de los nombres más influyentes del guion cinematográfico español de las últimas décadas, con la concesión del Premio PUFA de Honor, reconocimiento otorgado con la colaboración de Fundación SGAE. El autor asturiano recogerá el galardón durante la gala de clausura del certamen, que se celebrará el próximo 11 de julio, y participará previamente en un encuentro abierto al público programado para las 16:30 horas en el Auditorio FUNDOS Fórum Valladolid.
Guionista imprescindible para entender la evolución del cine español desde los años noventa, Guerricaechevarría (Avilés, 1965) ha desarrollado una carrera ligada a algunos de los títulos más relevantes del fantástico, el thriller y la comedia negra producidos en nuestro país. Jorge Guerricaechevarría debutó en el cine con el guion del cortometraje Mirindas asesinas, dirigido por Álex de la Iglesia, cineasta con el que ha desarrollado una de las colaboraciones más fructíferas del cine español contemporáneo. Juntos han firmado títulos como Acción mutante, El día de la bestia, Perdita Durango, Muertos de risa, La comunidad, 800 balas, Las brujas de Zugarramurdi, Mi gran noche, Veneciafrenia o El bar, además de proyectos televisivos como La habitación del niño, Plutón BRB Nero y la serie 30 monedas.
A lo largo de su trayectoria también ha trabajado junto a otros nombres fundamentales del cine español. Participó con Pedro Almodóvar en el guion de Carne trémula y ha sido colaborador habitual de Daniel Monzón en películas como El robo más grande jamás contado, La caja Kovak, Celda 211 o El Niño. Su firma aparece igualmente en títulos como Platillos volantes, de Óscar Aibar; Fin, de Jorge Torregrossa; Cien años de perdón, de Daniel Calparsoro; Quién a hierro mata y Hermana muerte, de Paco Plaza; o la reciente serie 1992, nuevamente junto a Álex de la Iglesia.
Sus guiones han obtenido seis nominaciones a los Premios Goya, una nominación a los European Film Awards, otra a los Premios Gaudí y cuatro nominaciones del Círculo de Escritores Cinematográficos. En 2010 obtuvo el Goya al Mejor Guion Adaptado junto a Daniel Monzón por Celda 211 y volvió a recibir este galardón por Las leyes de la frontera, trabajo por el que también obtuvo la Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos al Mejor Guion Adaptado.
El homenaje a Guerricaechevarría cuenta con la colaboración de Fundación SGAE y completa la nómina de Premios de Honor de la tercera edición de PUFA, integrada también por Narciso Ibáñez Serrador, que recibirá un reconocimiento a título póstumo coincidiendo con el cincuenta aniversario de ¿Quién puede matar a un niño?, y por el cineasta Paco Plaza, director de títulos como [REC], Verónica o La abuela y una de las figuras esenciales del fantástico español de las últimas décadas.
Invitados confirmados
La tercera edición de PUFA contará con la presencia de numerosos invitados vinculados a las películas y actividades programadas durante el festival. Han confirmado ya su asistencia los equipos de dos de los largometrajes que podrán verse en el festival. Por parte de The Waiting Man asistirán su director, el cineasta sueco Carl Sundström; el coguionista y productor Nathaniel P. Erlandsson, y la actriz Mayuko Lindström. En representación de El ritual de Lily estarán presentes su director, Manu Herrera; el responsable de efectos de maquillaje Pedro de Diego; la productora Daiana Alina Miscu, y las actrices Maggie García, Elena Gallardo y Patricia Peñalver. También acudirán al festival Paco Campano, responsable de Cuántica Rave; la francesa Caroline Favé, directora de Toxic Underground, y Víctor Matellano, codirector junto a Ángel Sala del documental Aquel último tiburón.
Además de los homenajeados Paco Plaza, Jorge Guerricaechevarría y el productor y realizador Alejandro Ibáñez Nauta, hijo de Chicho Ibáñez Serrador, también visitarán Valladolid los equipos de numerosos cortometrajes programados en PUFA 2026: Nick Delgado, director de The One Minute Problem; Jandro, director de El revisor; Marino Darés, director de Rebel Storm: A Star Wars Collateral Story; Raquel Barrachina, directora de Ecos del silencio; Margo García y Pedro Tamames, directores del cortometraje vallisoletano Cenizas, mi amor; y Rubén Guindo, director de Montecarlo 67, gran triunfador en los recién celebrados Premios Fugaz con ocho galardones y que se proyectará fuera de concurso como parte del homenaje a la figura de ‘Chicho’ Ibáñez Serrador.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de Los Vampires, film, dirigido por Craig Mitchell, que recrea, de forma parecida a Shadow of the Vampire (E. Elias Merhige, 20009, el rodaje del Drácula de George Melford, película fue filmada simultáneamente con la versión homónima en inglés dirigida por Tod Browning. Los Vampires tendrá su estreno mundial en la próxima edición del Fantasia Film Festival, que se celebrará del 16 de julio al 2 de agosto.
Los Vampires, ambientada en el Hollywood del año 1930, sigue a un actor de habla hispana que es contratado para el rodaje nocturno de una película de vampiros que pronto se convertirá en leyenda. Obligado a imitar a la estrella angloparlante que interpreta el mismo papel durante el día. Los dos actores se encuentran regularmente en los horarios de rodaje, surgiendo una rivalidad entre ellos. Mientras tanto, una serie de asesinatos ocurren en el plató y sus alrededores.
La película, con guion a cargo del propio Craig Mitchell, está protagonizada por Henry Ian Cusick, Daniela Couso, Thomas Kretschmann, Jorge Diaz, Oscar Nuñez, Carol Abney, Jefferson Mays, Jake Regal, Andrew Baldwin, Roman Phillips y Melissa Falcone.
Filmoteca Española, la Cinémathèque Française, la Cineteca Nazionale italiana y el Filmmuseum München impulsan el proyecto
Esteve Riambau, historiador y cineasta, dirigirá la reconstrucción de la obra inacabada
Las filmotecas española, francesa e italiana, y el Filmmuseum München impulsan la reconstrucción de Don Quijote, la inacabada adaptación de Cervantes que Orson Welles emprendió en 1957 y dejó inacabada cuando murió en 1985. Oja Kodar, colaboradora artística de Welles durante los últimos años de su vida, ha dado su consentimiento a este proyecto, que utilizará los materiales originales que se conservan actualmente en la Filmoteca Española, la Cinémathèque Française, Cinecittà y el Filmmuseum München. El guion original de Welles servirá de punto de partida para la reconstrucción, que será dirigida por el historiador Esteve Riambau, autor de cuatro libros sobre Welles y antiguo director de la Filmoteca de Catalunya.
Welles inició el rodaje en México durante el verano de 1957 con Francisco Reiguera, exiliado español, como Don Quijote y Akim Tamiroff en el papel de Sancho Panza. La actriz infantil Patty McCormack interpretaba a una joven Dulcinea que contaba al propio Welles algunas anécdotas de estos personajes. Un año más tarde, Welles se instaló en Roma, prosiguió el rodaje con los mismos actores y se hizo traer las bobinas rodadas en México para iniciar el montaje. En 1961, consiguió que la RAI financiase una serie televisiva sobre España, Viaggio nel paese di Don Chisciotte, que aprovechó para rodar nuevas escenas de Don Quijote. Tras el rodaje de El proceso (1961) y durante el de Campanadas a medianoche (1964), Welles siguió el proceso de montaje y añadió nuevas escenas. En 1966, descartó las escenas con Patty McCormack y dio un giro al guion con nuevas escenas que no llegó a rodar pero, en 1969, de nuevo en Roma seguía trabajando en el proyecto y sonorizó algunos diálogos con su propia voz. La muerte de Reiguera y la de Tamiroff, en 1972, no impidieron que siguiera rodando escenas, ahora en color, para un proyecto que afirmaba que estaba casi acabado. En 1982, sin embargo, todavía aportaba nuevos matices de un proyecto que aproximaba su Don Quijote más cerca del ensayo que de la narración.
En 1992, Jesús Franco estrenó en la Exposición Universal de Sevilla un film llamado Don Qujote de Orson Welles, que conjugaba una parte de los materiales originales adquiridos por Filmoteca Española con escenas del documental Viaggio nel paese di Don Chisciotte e incluso otras de nuevo cuño. A las voces originales de Welles añadió dobladores que recitan fragmentos de la novela sin respetar las sincronías labiales. No pudo contar, en cambio, con las escenas custodiadas por el montador Mauro Bonanni en Cinecittà. Se trata de unos 50.000 metros de negativo que Oja Kodar recuperó en 2017 y Cineteca Nazionale digitalizará próximamente. La Cinémathèque Française conserva unos ochenta minutos de positivos en 35 mm que se exhibieron en el Festival de Cannes de 1986 y se presentaron en el marco de la retrospectiva que, a finales de 2025, acompañó la exposición My name is Orson Welles. Filmoteca Española conserva los 50.000 metros de película de 16mm y 35mm que adquirió en 1991, junto con los derechos de todos los materiales existentes, para fines culturales y de investigación. El Filmmuseum conserva en su colección dedicada a Orson Welles copias de trabajo, negativos, fragmentos, cintas, vídeos y documentos en papel de las últimas películas de Orson Welles, entre los que se incluyen también materiales relacionados con el proyecto de «Don Quijote».
La totalidad de estos materiales se reunirán próximamente en Madrid y Esteve Riambau procederá a su estudio y comparación con las más de mil páginas de secuencias del guion localizadas para proceder a la reconstrucción de una película que Welles no sólo dejó inacabada sino que fue modificando con el tiempo con la perspectiva de por lo menos, tres versiones distintas. El material resultante, absolutamente respetuoso con la voluntad del autor, será exhibido en festivales y cinematecas sin ningún ánimo de lucro. De todas las obras inacabadas de Welles, Don Quijote era aquella de la que se sentía más cercano. La llamaba “il mio bambino” y, sin otro productor que no fuese él mismo, la hizo evolucionar en el tiempo hasta que su muerte, en 1985, le impidió darla por definitivamente acabada. En sus imágenes, sin embargo, palpita toda la belleza estética de su cine y la relación de dos personajes míticos con los que el cineasta se sentía indistintamente identificado con el quimérico hidalgo que luchaba contra los molinos o el escudero bonachón y bon vivant, una réplica hispánica de Falstaff.
Acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del drama de época The Weight. Dirigido por Padraic McKinley e interpretada por Ethan Hawke, la película, tras su estreno mundial en el pasado Festival de Sundance, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 18 de septiembre, teniendo previsto el estreno en cines de España para el 11 de diciembre de la mano de DeAPlaneta.
The Weight nos sitúa en el Oregón del año1933. Samuel Murphy, un padre viudo es separado de su hija y obligado a ingresar en un brutal campo de trabajo, donde una proposición para realizar contrabando de oro a través de un peligroso y salvaje entorno natural pone a prueba su moralidad y sus posibilidades de poder volver a ver a su hija.
La película, con guion a cargo de Matt Booi, Matthew Chapman y Shelby Gaines, está protagonizada por Ethan Hawke, Russell Crowe, Julia Jones, Austin Amelio, Avi Nash, Lucas Lynggaard Tønnesen, Sam Hazeldine, George Burgess, Jeffrey Lee Hallman, Alec Newman, Avy Berry, Peter Lewys Preston y Dylan Page.
En el Museo del Holocausto de Washington DC no se entra con entrada sino con pasaporte. Puedes ser una mujer, un anciano, un joven, un niño o un hombre. Yo he sido Bertha Adler, Aron Dereczynski, Moishe Menyuk y Zalie Waldhorn. He leído sus vidas con detenimiento, siguiendo los pormenores antes de desembocar en las cámaras de gas o en una fosa común después de un fusilamiento. Nunca me dieron el pasaporte de un superviviente porque eso, según los trabajadores que te venden la entrada y te entregan el pasaporte, sería hacer trampa. Este libro quiere ser un recordatorio de todas las personas que puedes ser en el Museo del Holocausto de Washington DC, pero también de todos aquellos cuyo rastro se pierde en las páginas infames de la Historia, contra las que luchan y han luchado algunas de las mejores películas de la historia del cine.
Autor: Hilario J. Rodríguez, Editorial: SÍLEX EDICIONES, S.L., Páginas: 96
Tras un accidente, Diana sufre amnesia y dolores incapacitantes. Homer, su devoto marido, la lleva a una remota clínica de traumatología donde le prometen que se recuperará por completo con la ayuda de una innovadora terapia. Pronto volverá a ser la de antes. Homer está entusiasmado con los progresos de Diana, pero cuantos más tratamientos recibe, menos se parece a sí misma. Diana experimenta visiones inquietantes y nota extraños cambios en el comportamiento de su marido: conversaciones susurradas a puerta cerrada, largos periodos de ausencia y su insistencia en que ella se está recuperando aunque en realidad se siente peor. A medida que los recuerdos perturbadores de su relación comienzan a regresar vívidamente, Diana debe enfrentarse a la posibilidad de que su recuperación tenga un coste mucho mayor de lo que jamás podría haber imaginado, un coste que amenaza con desvelar la siniestra verdad sobre su matrimonio.
En Honey Bunch, al igual que ocurría en A Cure for Wellness (Gore Verbinski, 2006), nos sitúa en una apartada clínica donde maridos y padres de familia acuden con la esperanza de poder curar mediante una innovadora terapia los severos daños neurológicos de sus seres queridos. Tras su intento de reinvención del rape & revenge con su anterior Violation (2020), el dúo de realizadores formado por Madeleine Sims-Fewer y Dusty Mancinelli vuelve a fijar su mirada sobre la incomodidad femenina.
En Honey Bunch, se entrevé un ensalzable intento por recrear atmósferas propicias a la paranoia, situadas a medio camino entre una estética arty de tono retro y las historias televisivas británicas de fantasmas, aquí el referente sería el estupendo capítulo A Ghost Story for Christmas/The Ice House (Derek Lister, 1978). Sin embargo, una vez llegados a su resolución, cercano al concepto del Frankenstein de Mary Shelley, es donde el relato desvela sus carencias. Su interesante enunciado, que indaga en la difusa línea que separa los imperativos morales del compromiso de por vida con otra persona, es expuesto mediante una sobrexplicación que contradice la ambigua narrativa que la precede, agravado por digresiones postmodernas del mal querer, y por un tercer acto donde el slapstick hace acto de aparición de forma involuntaria.
La nueva película de Tarik Saleh, candidata sueca al Óscar a la mejor película internacional, explora los vínculos entre el poder político y la industria cinematográfica egipcia.
El próximo 3 de julio llega a Filmin “Águilas de El Cairo”, la nueva película de Tarik Saleh, presentada en la Sección Oficial del Festival de Cannes, candidata sueca al Óscar a la mejor película internacional y ganadora de 6 premios Guldbagge (Academia sueca), incluyendo mejor película, actor y guion. El filme supone el cierre de la trilogía ambientada en la capital egipcia que comenzó con “El Cairo confidencial” y continuó con “Conspiración en El Cairo”, con la que obtuvo el premio al mejor guion en Cannes.
Protagonizada por Fares Fares, colaborador habitual del cineasta, la película combina thriller político, sátira y drama para adentrarse en las relaciones entre el poder y la industria cinematográfica egipcia. Una nueva incursión de Saleh en los mecanismos de influencia y control que atraviesan buena parte de su filmografía.
Sinopsis
George Fahmy (Fares Fares), el actor más querido de Egipto se ve presionado a protagonizar una película encargada por las más altas autoridades del país. Aceptando a regañadientes, este papel será la puerta que le permitirá acceder al círculo de las personas más poderosas de la nación. Como una polilla atraída por la luz, inicia además un romance con la misteriosa esposa del general que supervisa el proyecto.
El cierre de la Trilogía de El Cairo
Con “Águilas de El Cairo”, Tarik Saleh culmina una trilogía que ha explorado distintas estructuras de poder de la sociedad egipcia contemporánea. Tras la corrupción policial de “El Cairo confidencial” y las luchas de influencia que articulaban “Conspiración en El Cairo”, esta nueva película dirige su mirada hacia la relación entre el Estado y la industria cinematográfica.
Saleh suele insistir en que el verdadero centro de sus historias no son las instituciones, sino las personas que viven bajo su influencia. “Mis películas hablan de seres humanos sometidos a la presión de sistemas de poder”, ha explicado el director. Una idea que vuelve a estar en el corazón de este thriller, donde la trayectoria de una gran estrella del cine sirve para explorar las tensiones entre la ambición individual y las estructuras de poder que condicionan su destino.
Una alianza creativa consolidada
“Águilas de El Cairo” supone una nueva colaboración entre Tarik Saleh y Fares Fares, protagonista también de “El Cairo confidencial” y “Conspiración en El Cairo”. Más allá de la relación entre director y actor, ambos mantienen desde hace años una estrecha amistad y una colaboración creativa basada en la confianza mutua. “Sería un loco si no escuchara sus ideas”, ha afirmado Saleh sobre un intérprete que ha trabajado también detrás de las cámaras.
Para construir el personaje de George Fahmy, actor y director coincidieron en que debía existir algo que permitiera al espectador conectar con él más allá de su ego o de sus contradicciones. “Decidimos que tenía que ser un buen actor, alguien orgulloso de su profesión”, explicaba Fares. “Cuando pierde eso, su libertad para realizar un buen trabajo se vuelve más humano”. Esa idea fue fundamental para dar forma a un protagonista que, pese a ocupar una posición privilegiada, se ve progresivamente atrapado por las dinámicas de poder que lo rodean.
Siguiendo la estela de películas como la reciente Dracula de Radu Jude, The Blood Countess (Die Blutgräfin), cuyo primer teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, traslada el mito del vampiro a un contexto de sátira contemporánea. Dirigida por la veterana realizadora Ulrike Ottinger, la película, tras su estreno mundial en el pasado Festival de Berlín, llegará a las salas comerciales de Alemania el próximo 29 de octubre de 2026.
The Blood Countess nos cuenta como décadas después de su misteriosa desaparición, la Condesa Sangrienta, Elizabeth Báthory reaparece en la Viena actual, donde se reúne con su devota asistenta, Hermine, para encontrar un peligroso libro con el poder de destruir todo mal, incluyendo a todos los vampiros como ellos. La pareja se embarca en una búsqueda por los magníficos lugares históricos de la ciudad y recluta al melancólico sobrino de la condesa, un vampiro vegetariano y a su psicoterapeuta para expandir su búsqueda a Bohemia. Mientras tanto, un par de vampirólogos y un inspector de policía les siguen la pista.
La película, con guion a cargo de la propia Ulrike Ottinger junto a Elfriede Jelinek, está protagonizada por Isabelle Huppert, Birgit Minichmayr, Thomas Schubert, Lars Eidinger, André Jung, Karl Markovics, Burghart Klaußner, Conchita Wurst, Christine Urspruch, Noah Saavedra, Johannes Silberschneider, Karl Fischer y Inge Maux.
El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid celebrará del 4 al 11 de julio una edición marcada por los estrenos, los homenajes, los invitados y las actividades paralelas
Insaciable, de Natalie Erika James, inaugurará PUFA tras su paso por Sundance y Berlín y llegará a los cines españoles de la mano de Diamond Films
La programación reunirá 26 largometrajes, 27 cortometrajes y 19 estrenos internacionales, entre ellos dos premieres mundiales, seis europeas y once españolas
El certamen rendirá homenaje a Narciso Ibáñez Serrador y concederá uno de sus Premios de Honor al cineasta Paco Plaza
Valladolid volverá a convertirse este verano en punto de encuentro para los aficionados al cine fantástico y de terror con la celebración de la tercera edición del Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid – PUFA (Pucela Fantástica), que tendrá lugar del 4 al 11 de julio.
Durante ocho días, el festival reunirá una programación integrada por 26 largometrajes -20 de ellos en competición-, 27 cortometrajes, encuentros con invitados nacionales e internacionales, proyecciones especiales, exposiciones y actividades paralelas que consolidan al certamen como una de las citas emergentes más destacadas del género en España.
La programación de largometrajes contará con 19 estrenos internacionales, entre ellos dos premieres mundiales, seis europeas y once españolas. El dato refuerza la apuesta de PUFA por acercar a Valladolid algunas de las producciones más relevantes del fantástico contemporáneo antes de su llegada a salas comerciales o plataformas, con películas procedentes de Europa, Asia, América y Oceanía que han pasado por festivales de referencia como Sundance, Berlinale, Toronto, Venecia, Rotterdam, Fantastic Fest, FrightFest, Fantaspoa, Panic Fest o BIFFF.
Insaciable (Saccharine) abrirá la tercera edición de PUFA
La encargada de inaugurar la tercera edición de PUFA será Insaciable, el nuevo largometraje de Natalie Erika James, una de las cineastas más destacadas de la nueva generación del terror australiano. Tras llamar la atención de la crítica internacional con Relic y consolidar su trayectoria con Apartment 7A, la directora regresa al body horror con una inquietante historia –Saccharine en su título original- sobre la obsesión por la imagen corporal y los límites de la transformación física.
La película, presentada en los festivales de Sundance y Berlín, celebrará en Valladolid su premier española y se convertirá además en la primera obra dirigida por una mujer que inaugura PUFA desde la creación del certamen. Tras su presentación en el festival, Insaciable llegará a los cines españoles el próximo 24 de julio, distribuida por Diamond Films.
‘Insaciable’ (Saccharine), de Natalie Erika James
Un homenaje al legado de Chicho Ibáñez Serrador
La tercera edición de PUFA estará dedicada a la figura de Narciso “Chicho” Ibáñez Serrador, creador fundamental en la historia del fantástico español y referente para varias generaciones de cineastas. El festival le concederá un Premio de Honor a título póstumo que será recogido por su hijo, Alejandro Ibáñez Nauta.
Coincidiendo con el 50 aniversario de ¿Quién puede matar a un niño?, el certamen proyectará una de las obras fundamentales del cine fantástico español y desarrollará diversas actividades vinculadas al legado del creador de Historias para no dormir.
En este contexto, PUFA reconocerá también la trayectoria de Paco Plaza, uno de los grandes nombres del fantástico español contemporáneo y heredero confeso de la influencia creativa de Ibáñez Serrador. El director valenciano recibirá el Premio de Honor PUFA 2026 y participará en un encuentro con el público en torno a La abuela.
Veinte largometrajes de cuatro continentes
La Sección Oficial volverá a reunir algunas de las producciones más destacadas del panorama internacional reciente. Junto a la película inaugural, competirán Appofeniacs, del neoyorquino Chris Marrs Piliero, una provocadora incursión en el tecno-terror contemporáneo que utiliza las deepfakes y la cultura cosplay para construir un relato coral de violencia extrema que ha pasado por festivales como FrightFest, Fantastic Fest y Screamfest; y Bad Haircut, de Kyle Misak, una sorprendente combinación de comedia negra, thriller psicológico y terror adolescente que ha destacado por su recorrido por certámenes como Fantastic Fest, Grimmfest y FilmQuest.
La competición oficial incluirá también IAI, del japonés Zenzo Sakai, una inquietante historia de horror psicológico y conflictos familiares presentada en festivales como Rotterdam y Fantaspoa; Went Up the Hill, de Samuel Van Grinsven, un elegante drama sobrenatural protagonizado por Vicky Krieps y Dacre Montgomery que ha podido verse en Toronto y Thessaloniki; Samakdo, de Ki-Jun Chae, una propuesta de terror folk ambientada en una remota isla surcoreana marcada por el legado de una antigua secta; Buffet Libre, de Zoe Berriatúa, una singular combinación de humor negro, violencia y elementos fantásticos protagonizada por una pareja de restauradores al borde de la ruina; Janur Ireng, del indonesio Kimo Stamboel, uno de los grandes referentes actuales del terror asiático; Capture, de Bruce Wemple, una historia de terror analógico y secretos familiares que remite a clásicos contemporáneos como Ringu o Sinister; y Cruel Hands, de Al Kalyk, un intenso thriller psicológico australiano construido sobre los códigos del survival y el terror doméstico.
‘Appofeniacs’, de Chris Marrs Piliero
Aquelarres reunirá las propuestas más arriesgadas
Por su parte, Aquelarres volverá a reunir algunas de las propuestas más libres, arriesgadas y difíciles de clasificar del fantástico contemporáneo. Entre ellas figuran Grand Ciel (The Site), de Akihiro Hata, estrenada en la sección Orizzonti del Festival de Venecia y concebida como una poderosa reflexión sobre la inmigración ilegal y la explotación laboral a través del terror atmosférico; The Red Mask, de Ritesh Gupta, una divertida y autorreferencial combinación de slasher y home invasion que actualiza los códigos de películas como Scream y que ya ha pasado por FrightFest, Screamfest, Fantaspoa o BIFFF; y Babybacks, de Geno Marx, una combinación de terror, humor negro y violencia extrema ambientada en la América profunda que llegará a PUFA tras su paso por Panic Fest y el International Horror & Sci-Fi Film Festival de Phoenix y celebrará en Valladolid su premier europea.
La sección incluirá además Lenore, de David Ward, thriller psicológico con componentes de horror tecnológico galardonado con el Premio del Público en Fantaspoa; Yesterday Island, de Sam Voutas, una ingeniosa comedia de ciencia ficción ambientada en un bucle temporal que obtuvo el Premio de la Crítica en el BIFFF de Bruselas; El ritual de Lily, de Manu Herrera, una producción española de horror sobrenatural que ha recorrido festivales como Grimmfest, Panic Fest, Feratum y Mórbido; Cuántica Rave, de Paco Campano, una inclasificable comedia musical de ciencia ficción premiada en el Miami International Science Fiction Film Festival; The Waiting Man, de Carl Sundström, una perturbadora incursión en el universo de los creepypastas que celebrará en Valladolid su premiere mundial; El llanto del perro, de Jano Piccardo y Federico Venzi, una inquietante propuesta argentina situada entre el drama, la fantasía y el terror que llegará a PUFA tras su paso por Buenos Aires Rojo Sangre; y Killing Time, de Jang Jun-yeop, una frenética producción surcoreana que mezcla humor negro, suspense y cultura digital y que tendrá en Valladolid su estreno mundial.
‘The Red Mask’, de Ritesh Gupta
El cortometraje vuelve a ser protagonista
PUFA volverá a reservar un espacio destacado para el cortometraje con una selección oficial integrada por 27 trabajos procedentes de España, Francia, Estados Unidos, Australia, Finlandia, Argentina y Ecuador. Repartidas en cuatro sesiones competitivas, las obras seleccionadas ofrecerán una amplia panorámica de las tendencias actuales del fantástico, el terror, la ciencia ficción, la animación y la fantasía contemporánea.
Maratón de terror y proyección especial
La tradicional maratón nocturna del festival volverá a celebrarse el viernes 10 de julio con dos propuestas especialmente dirigidas a los aficionados al terror más extremo. Frankie, Maniac Woman, de Pierre Tsigaridis, combina gore, sátira social y estética grindhouse para narrar la deriva psicótica de una mujer marcada por los traumas y la obsesión por la imagen; y Pinocchio Unstrung, dirigida por Rhys Frake-Waterfield, ofrece una relectura macabra del clásico personaje dentro del universo cinematográfico iniciado por Winnie the Pooh: Miel y sangre, con abundantes efectos prácticos y una marcada vocación gamberra y que celebrará en PUFA su premier española. La sesión contará además con promociones especiales para los asistentes y diversas acciones de animación en sala que convertirán la noche del viernes en una de las citas más festivas y participativas de la programación.
PUFA incluirá además en esta edición dos proyecciones especiales fuera de concurso con Aquel último tiburón, documental dirigido por Víctor Matellano y Ángel Sala que recupera una de las historias más insólitas de la distribución cinematográfica en España a través del caso de la película italiana L’ultimo squalo y su estreno en nuestro país como una falsa continuación de la saga Tiburón. También se proyectará Horror and Love, documental dirigido por Joaquín Oristrell que narra la singular historia de amor de Cristina y David, dos intérpretes de pasajes del terror que acabaron convirtiendo su pasión por el género en Horrorland, uno de los parques temáticos de terror más reconocidos de Europa.
‘Pinocchio Unstrung’, de Rhys Frake-Waterfield
Exposición de Tesoros de Hollywood
Como complemento a la programación cinematográfica, PUFA organizará durante el mes de julio la exposición Tesoros de Hollywood en la Sala de Exposiciones de San Benito. La muestra reunirá cerca de cincuenta piezas vinculadas a algunas de las franquicias y títulos más populares de la historia del cine fantástico, de aventuras y de terror.
La Academia de Cine otorga su Premio de Comunicación 2026 a Koro Santesteban, responsable de prensa española del Festival de San Sebastián
Koro Santesteban, responsable de prensa española del Festival de San Sebastián, recibirá el Premio de Comunicación Alfonso Sánchez 2026 que otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. Ligada al certamen desde 1988, Santesteban recogerá la distinción en un acto que se celebrará en Madrid el 15 de julio.
El Premio de Comunicación Alfonso Sánchez es la distinción con la que la Junta Directiva de la Academia de Cine destaca la labor de los medios y sus profesionales para divulgar y promocionar el cine español. Santesteban recibe el galardón “en representación del extraordinario equipo de comunicación y prensa del certamen donostiarra, gestionando la relación con los medios, periodistas y personas acreditadas en el festival más importante de cuantos se celebran en España”, según apunta la Academia.
El departamento de Prensa del Festival es el escenario en el que Koro Santesteban ha desarrollado su trayectoria profesional, tanto en labores de gestión y coordinación como de relaciones públicas. Tras unos primeros años vinculada a la atención a la prensa extranjera, en 1997 fue nombrada responsable de prensa española, labor que sigue desempeñando a día de hoy.
Muy emocionada e ilusionada «por esta inesperada sorpresa», Santesteban dice sentirse «muy querida» y recibe «como un abrazo» este homenaje que llega en un momento muy especial de su vida y que desea compartir con todas y todos los compañeros del Festival.
«Año tras año pongo en valor las relaciones humanas. Mi esfuerzo e interés está en que todas las personas –equipo, periodistas, instituciones, patrocinadores, agentes de prensa…– se sientan bienvenidas y puedan trabajar cómodamente. Este premio también es una prueba de que el trato cercano sigue valorándose, y de que la tecnología nunca podrá reemplazarlo»
Koro Santesteban El próximo 15 de julio Koro Santesteban recibirá en la sede de la Academia de Cine en Madrid un reconocimiento que en anteriores ediciones ha recaído en Diego Galán y el espacio de TVE Versión Española, Antonio Gasset, Oti Rodríguez Marchante, Conxita Casanovas, la revista Cartelera Turia, Yolanda Flores, Nuria Vidal, Carles Francino, Begoña Piña, Anton Merikaetxebarria, Chusa L. Monjas, Elisenda Nadal, Jaume Figueras y Ma
Tras una de las trayectorias mas interesantes y radicales del cine japones de los últimos cuarenta años, Shinya Tsukamoto se embarca en su primer proyecto hablado en inglés titulado Mr. Nelson, Did You Kill People?, film cuyo primer teaser tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página. Tras sus anteriores Nobi (Fires on the Plain) (2014) y Hokage (2023), el responsable de la saga Tetsuo finaliza su trilogía sobre la guerra en una película que indaga en las heridas sufridas por el conflicto bélico a través de la figura de un soldado estadounidense cuya experiencia en Vietnam le hizo viajar por todo Japón y dar más de 1200 conferencias sobre las consecuencias de la guerra real. Experiencias que fueron plasmadas en un libro publicado 2003.
La sinopsis de Mr. Nelson, Did You Kill People? nos cuenta como Allen Nelson, se alista en el ejército a los dieciocho años para escapar de la pobreza y la discriminación. En la guerra de Vietnam, aprendió una sola cosa: cómo matar a tantas personas como fuera posible. Despojado de la capacidad de pensar por sí mismo, lo único que obtuvo a cambio fue un salario miserable y un trastorno de estrés postraumático. Incluso ahora, la sola presencia de personas y el sonido de los petardos le provocan recuerdos traumáticos. Tras ser desalojado y quedarse sin hogar a los veintitrés años, la persona que lo mantuvo conectado con el mundo fue el Dr. Daniels, un consejero de un hospital de veteranos.
La película, que se estrenará comercialmente en Japón el próximo 11 de septiembre, con guion a cargo del propio Shinya Tsukamoto, está protagonizada por Rodney Hicks, Geoffrey Rush, Mark Merphy, Tatyana Ali, Joshua Léger, Malak Lunsford, Ian MacGillivray, Nathan Lawrence, Pichapob Ratchaprom y Natalie Jacobs.
Pedro del Rey del Val (Madrid, 1931), es uno de los montadores de cine con una de las trayectorias más largas en el cine español: medio siglo de oficio en el montaje cinematográfico y más de una década como docente en la ECAM. Fue, además, maestro de montadores que empezaron como ayudantes suyos y luego tuvieron una carrera muy larga, como es el caso de José Luis Peláez o José Salcedo. En 2024 recibió el homenaje de la Academia del Cine en reconocimiento a todos sus años de oficio y en este 2026 recibirá la Medalla de Oro de la Academia del Cine por ser uno de sus miembros fundadores en 1986.
Más de ciento sesenta películas, varias series y numerosos trabajos para publicidad y televisión dan fe de una de las trayectorias más singulares de la historia del cine español. A lo largo de todos sus años de montador, Pedro trabajó con más de sesenta directores, entre los cuales figuran nombres fundamentales para entender la cinematografía de nuestro país. Es, además, el responsable del montaje de títulos como Viridiana, Carmen, Atraco a las tres, Las cosas del querer, La gran familia, El anacoreta, El Dorado o de series como Los gozos y las sombras o Proceso a Mariana Pineda. En este libro de conversaciones, Manuel López Villegas y Luis Esquinas Chanes repasan con Pedro del Rey gran parte de su trayectoria profesional y personal, una gran ocasión para acercarse al arte del montaje cinematográfico de la mano de un gran maestro y mejor conversador. En el primer día la conversación versa sobre sus inicios en el mundo del cine, su forma de entender su trabajo y sus primeras películas como Río Guadalquivir, El cochecito o Los golfos. En la segunda sesión, la charla se centra en su experiencia con directores como Vicente Escrivá, Mariano Ozores, Francisco Regueiro, Manuel Summers o Jorge Grau, entre otros. Y en el tercer día de conversación se adentran en detalles sobre el rodaje y el montaje de películas de directores míticos del cine español como Luis Buñuel, Carlos Saura, Jaime Chávarri.
Autor: Manuel López Villegas, Luis Esquinas Chanes; Editorial: Anexo Editorial, Páginas: 160
Remis es un pequeño pueblo enclavado en un valle aislado en las montañas. Sus habitantes son excepcionalmente felices. Parece el destino perfecto para el nuevo profesor de educación física Sergio Rossetti, atormentado por un pasado misterioso. Al poco tiempo de llegar, el profesor descubre que tras esta aparente serenidad se esconde un ritual inquietante: una noche a la semana, los aldeanos se reúnen para abrazar a Matteo Corbin, un adolescente capaz de absorber el dolor ajeno. El intento de Sergio por salvar al joven despertará el lado oscuro de la comunidad.
Presente en el pasado Festival de Sitges, The Holy Boy, se erige como un nuevo ejemplo de cómo el actual cine de género italiano sigue sin encontrar unas pautas genéricas que en el pasado fueron sus sólidas señas de identidad. La película de Paolo Strippoli nos sitúa en una comunidad rural, que pese a haber sufrido una catástrofe en el pasado, es extrañamente feliz gracias a un joven con poderes, cuyo abrazo absorbe tristezas y malos pensamientos.
Premisa sugerente, de un marcado tono de fábula, provista de un collage de referencias que van desde la literatura de Stephen King a películas de cine nórdico recientes como por ejemplo Let the Right One In (Tomas Alfredson, 2009) o The Innocents (Eskil Vogt, 2021), que, sin embargo, adolece de un desequilibrio narrativo, visible de forma alarmante en los giros argumentales de su tramo final que juega en detrimento de la supuesta ambivalencia que requería el tratado sobre el sufrimiento personal que intenta exponer la película del italiano Paolo Strippoli.
Estrenado en el Festival de San Sebastián en 1988, el largometraje de la directora navarra Ana Díez ha sido restaurado en los laboratorios L’immagine Ritrovata de Bolonia
La película Ander eta Yul (Ander y Yul, 1988) de Ana Díez ha sido restaurada por la Filmoteca Vasca y EITB en los laboratorios L’immagine Ritrovata, dependientes de la Cinemateca de Bolonia (Italia). Esta obra destacada de la cinematografía vasca se proyectará en 4K en septiembre en la sección Klasikoak del Festival de San Sebastián, certamen donde se estrenó hace 38 años, concretamente, en Zabaltegi-New Directors.
La restauración ha sido presentada hoy en Tabakalera, en un acto al que han asistido la directora Ana Díez; el viceconsejero de Cultura del Gobierno Vasco, Andoni Iturbe; la directora de Cultura y Euskera de EITB, Vanesa Fernández; el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y el director de la Filmoteca Vasca, Joxean Fernández.
El negativo original, conservado en la Filmoteca Española, fue trasladado a Bolonia a finales de septiembre de 2025. En los laboratorios fue revisado y reparado manualmente y se limpió con ultrasonidos. Una vez escaneado fue restaurado digitalmente, se estabilizó la imagen, se eliminaron las rayas y la suciedad. Finalmente, se acometió la fase de corrección de color y restauración de sonido, trabajos que a principios de año supervisaron en la ciudad italiana Ana Díez y el director de fotografía de la película, Gonzalo Fernández Berridi. Además de estos trabajos, el conjunto del proceso ha sido controlado por la directora navarra y por el personal técnico de la Filmoteca Vasca.
Esta misma copia restaurada participará en el Budapest Classics Film Marathon, que tendrá lugar en la capital húngara entre el 15 y el 20 de septiembre y que organiza el National Film Institute Hungary, y en el Film Restored – The Film Heritage Festival de Berlín (octubre), que impulsa la Cinemateca de Alemania. Ana Díez presentará la película en ambos festivales. La Filmoteca Vasca tratará de que Ander eta Yul se proyecte también en otras citas de referencia en el campo del cine clásico.
El proyecto ha sido financiado por EITB y la Filmoteca Vasca y ha contado con el auspicio del Gobierno Vasco.
Premio de la Filmoteca Vasca
Asimismo, en el marco del Festival de San Sebastián, la Filmoteca Vasca entregará su premio a Ana Díez, en reconocimiento a su trayectoria. Este galardón, que distingue a figuras clave de la cinematografía vasca, ha recaído anteriormente en directores como Pedro Olea, Montxo Armendáriz, Anjel Lertxundi, Xabier Elorriaga, Alfonso Ungría y José Julián Bakedano.
Intérpretes: Miguel Munárriz, Isidoro Fernández, Carmen Pardo, Joseba Apaolaza, Ramón Barea, Ramón Agirre, Aizpea Goenaga, Eneko Olasagasti, Mikel Garmendia
Ander vuelve a casa después de haber pasado unos años en la cárcel por tráfico de drogas. Se encuentra con una familia que ya no existe, todo ha cambiado. Volverá a toparse con Yul, un antiguo compañero de seminario.
El director nominado al Óscar por “I Am Not Your Negro” revisita la figura de George Orwell en este documental, presentado en Cannes y San Sebastián, para reflexionar sobre la vigencia de “1984” en un mundo marcado por el auge de los extremismos y la erosión de la democracia.
El próximo 19 de junio llega a Filmin “Orwell: 2+2=5”, el nuevo documental de Raoul Peck, uno de los grandes nombres del cine documental contemporáneo. Nominado al Óscar por “I Am Not Your Negro”, Peck vuelve a combinar historia, pensamiento político y ensayo cinematográfico en una obra quese presentó en Cannes Premiere, estuvo en la sección Perlak del Festival de San Sebastián y fue seleccionada por la National Board of Review comouno de los cinco mejores documentales del año.
Narrado por Damian Lewis, el film toma como punto de partida los últimos años de vida de George Orwell y la escritura de “1984” para establecer un diálogo entre las advertencias formuladas por el autor británico y algunas de las grandes tensiones políticas y sociales de nuestro tiempo. El resultado es una reflexión sobre la manipulación del lenguaje, la construcción de la verdad y la fragilidad de las democracias contemporáneas.
Sinopsis
George Orwell termina la que será su última y más influyente novela, “1984”. A través de sus últimos años de vida, marcados por la enfermedad y la escritura de su obra maestra, el documental explora el origen de conceptos como el doblepensar, la neolengua, el crimen de pensamiento o la figura omnipresente del Gran Hermano. Al mismo tiempo, conecta aquellas intuiciones con el presente para preguntarse hasta qué punto las advertencias de Orwell siguen resonando en el mundo actual.
Los últimos años de George Orwell
Lejos de recorrer toda la vida del autor, Peck concentra el relato en el periodo en que Orwell escribió “1984”, enfermo de tuberculosis y consciente de que se encontraba ante el final de su vida. Esa decisión permite convertir al escritor en el verdadero protagonista de la película y dotar al conjunto de una estructura dramática más cercana al cine narrativo que al documental biográfico tradicional.
“Mi primera decisión fue que Orwell contara su propia historia”, explicaba Peck. “No quería hacer una biografía. Necesitaba entender al personaje y construir una estructura dramática alrededor de los dos últimos años de su vida, mientras lucha por terminar ‘1984’”. A través de diarios, ensayos, cartas y extractos de sus obras (interpretados por Damian Lewis) emerge así un Orwell complejo y profundamente contemporáneo, marcado por su experiencia del colonialismo británico, su rechazo de los totalitarismos y su convicción de que la democracia nunca puede darse por garantizada. Como advierte Peck: “La democracia no es algo que se consigue de una vez para siempre”.
La vigencia de «1984»
“Orwell: 2+2=5” funciona como un diálogo entre el escritor británico y nuestro presente. Peck toma los tres lemas que articulan el universo de “1984” —”La guerra es paz”, “La libertad es esclavitud” y “La ignorancia es fuerza”— para analizar cómo los mecanismos de manipulación descritos por Orwell siguen operando hoy a través de la política, los medios de comunicación, las redes sociales y las nuevas tecnologías.
El director, que tuvo que abandonar Haití durante la dictadura de François Duvalier, mantiene desde hace décadas una preocupación constante por las formas contemporáneas del poder. “Siempre he creído que hacer cine es un acto político”, ha explicado. “Y descubrí que esa también fue la intención de Orwell desde el principio”. A partir de imágenes de archivo, fragmentos cinematográficos y acontecimientos recientes, Peck construye una obra que invita a mirar el presente desde la perspectiva de uno de los escritores más lúcidos y visionarios del siglo XX.
Acaba de ser presentada en sociedad de la mano de Netflix un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del film de terror The Last House. Película dirigida por Louis Leterrier, Transporter (2002), Danny the Dog (2005), Now You See Me (2013), con una premisa argumental que recuerda al episodio Child’s Play de la serie Hammer House Of Mystery And Suspense, que verá la luz a través de la plataforma el próximo 7 de agosto de 2026.
The Last House nos muestra una situación inexplicable, una familia de cuatro miembros se encuentra confinada en su casa, sin poder salir. A medida que las provisiones disminuyen, deben aprender a ser ingeniosos para sobrevivir y desentrañar la misteriosa fuerza que los atrapa.
La película, con guion a cargo Matthew Robinson, está protagonizada por Greta Lee, Wagner Moura, Gabriel Barbosa, Noah Alexander Sosnowski, Emma Ho, Riley Chung, Sid Edwards, Lewis Goody, Audrey Anderson, Nancy Baldwin, Tawny Fontana, Jed Aukin y Oliver Henry Arnold.
La iniciativa consistirá en la digitalización y etalonaje, así como en la restauración de imagen y sonido, para obtener una nueva copia digital en 4K en 2027. Se ha creado una página web destinada a conocer los entresijos del proceso de restauración y los detalles de un filme vanguardista y controvertido
Video Mercury Films, ECAM y FlixOlé han presentado, en el marco de ECAM Forum, el proyecto de restauración de Cabezas cortadas (1970), la película que Glauber Rocha rodó en España en la etapa más radical de su trayectoria. La iniciativa rescata del olvido un filme vanguardista y maldito que importó al cine europeo las luchas del Tercer Mundo y retrató la decadencia de los regímenes totalitarios en plena dictadura franquista por medio de una puesta en escena que en la actualidad continúa siendo objeto de investigación estética, política e histórica.
Las tres entidades han dado a conocer esta iniciativa, que apuesta por la recuperación y reivindicación del patrimonio cinematográfico español. Durante el acto de carácter internacional celebrado en Cineteca, el director de programación de FlixOlé, Miguel López, y el coordinador del Máster en Restauración y Preservación Fílmica de la ECAM, Javier Mosqueda, desgranaron las claves en torno a la recuperación de una película fascinante y olvidada a partes iguales. “Se trata de una película totalmente olvidada e inaccesible. Es una oportunidad perfecta para que vuelva a ser mostrada al público gracias a la nueva copia digital”, manifestó el representante de FlixOlé y Video Mercury Films. Por su parte, Mosqueda se centró en el proceso técnico y en los retos de enfrentarse a la restauración de la obra de Glauber Rocha: “Se va a trabajar para llegar al proyecto original y que se vea la película como era. En pantalla grande se va a ver increíble”.
El proyecto comprende la restauración del negativo de Cabezas cortadas. Video Mercury Films será la encargada de digitalizar todos los materiales originales de la película, incluyendo los negativos de imagen y sonido. Por su parte, la ECAM asume las labores de etalonaje, así como la limpieza digital de imagen y sonido. Este minucioso trabajo concluirá con la presentación de una copia digital restaurada en 4K, cuyo estreno está previsto para 2027. La nueva versión permitirá redescubrir una obra singular dentro de la filmografía de Glauber Rocha y del cine producido en España a finales del franquismo. Además, la copia irá acompañada de la restauración del tráiler original de la película.
La intrahistoria, el proceso de restauración y entrevistas inéditas
Los detalles del proceso serán accesibles al público a través de un especial publicado en la web de FlixOlé, un espacio digital concebido para seguir cada una de las etapas de la restauración. La sección incluirá las labores de digitalización, la recuperación de las tonalidades primigenias de la película y el trabajo de investigación llevado a cabo para disponer de todos los materiales del largometraje y que éste conserve la esencia del original en la nueva copia en 4K.
El espacio también desgranará la intrahistoria de Cabezas cortadas mediante un recorrido por los prolegómenos del largometraje, las vicisitudes que atravesó antes, durante y después del rodaje, y su incuestionable legado. Un viaje por las luces y sombras de la película que incluirá, además, un artículo firmado por el prestigioso historiador, Esteve Riambau, quien aborda cómo Glauber Rocha construyó su metáfora contra la dictadura en la España franquista.
Asimismo, la web incorporará entrevistas inéditas a personalidades vinculadas al filme, como el segundo ayudante de dirección, Manel Esteban, y los actores que formaron parte del elenco, Julián Navarro y José Lifante. Estas entrevistas fueron realizadas como parte del documental titulado El viaje de Glauber (Fermín Sales, 2013) —enmarcado en el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona—.
Germen de las luchas del Tercer Mundo en la España franquista
El origen de Cabezas cortadas se remonta a 1969, cuando Glauber Rocha, figura esencial del Cinema Novo brasileño, acababa de consolidar su prestigio internacional tras obtener en Cannes el premio a Mejor dirección por O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro, conocida internacionalmente como Antonio das Mortes. En ese contexto, el cineasta recibió, por parte de Ricardo Muñoz Suay —impulsor industrial de la Escuela de Barcelona— y Pere Ignasi Fages —inquieto crítico, distribuidor y productor—, un ofrecimiento de 100.000$ y completa libertad creativa para rodar en España la película que quisiera.
Las primeras ideas de Rocha pasaron por la literatura española —de Federico García Lorca a El Quijote de Cervantes— y por una libre reinterpretación de Shakespeare. Finalmente, la acción se situó en un castillo en ruinas, en un lugar indeterminado del Tercer Mundo. Allí, Díaz II (interpretado por Francisco Rabal), antiguo tirano de Eldorado, vive su exilio atormentado por sus acciones pasadas. Con el miedo y el delirio como únicos acompañantes, espera a que las víctimas se cobren su venganza.
Cabezas cortadas tendió un puente entre el cine español y el latinoamericano. Posicionándose frente al cine comercial e industrial hollywoodiense, y autoproclamándose como el “cineasta del Tercer Mundo”, Rocha importó a Europa una mirada revolucionaria en la que confluyeron las luchas de América Latina por medio de un filme “situado entre el teatro y la poesía”, en palabras del propio autor.
A la contestataria postura estética y narrativa de Cabezas cortadas se sumó el marcado carácter simbólico del largometraje, donde el personaje de Díaz II funcionaba como una alegoría del dictador en decadencia y remitía tanto a tiranos latinoamericanos como al propio Francisco Franco. De hecho, tras la muerte de este último, Rocha reivindicó la vigencia premonitoria de la película y su visión de la agonía de las dictaduras. Paradójicamente, el proyecto de Rocha no sólo logró sortear la censura franquista, sino que obtuvo el certificado de Interés Especial y fue financiado, en parte, por el propio régimen; un hito que difícilmente hubiese sido posible sin las dotes estrategas de Muñoz Suay.
Estreno y estrepitoso fracaso de la maldita Cabezas cortadas
Tras un caótico rodaje donde danzaron la improvisación extrema de Rocha, el azote del viento de la Tramontana y las fugas de Paco Rabal —episodios recogidos por Augusto M. Torres, director, crítico y novelista que ejerció de script y autor del diario de rodaje—, Cabezas cortadas logró estrenarse en la 18ª edición del Festival de San Sebastián, en 1970. La première estuvo marcada por la incomprensión de parte del público, desconcertado por el carácter vanguardista, críptico y fragmentario del filme, y la crítica conservadora, cuyas líneas reaccionaron con dureza. Sin embargo, la incomodidad que la película generó en algunos espectadores, despertó fascinación en otros: la crítica más joven e independiente defendió la propuesta y firmó una carta de protesta contra las reseñas insultantes.
Independientemente de la polémica generada en torno a la proyección en San Sebastián, la película se convirtió en un fracaso comercial. A la acerba recepción europea se sumó la censura por parte de la dictadura militar brasileña, no viendo la luz el filme en el propio país del director hasta casi diez años después de su estreno. Dichas circunstancias consolidaron la condición de obra maldita a Cabezas cortadas.
Más de medio siglo después, la restauración impulsada por Video Mercury Films, ECAM y FlixOlé supone una oportunidad para devolver Cabezas cortadas al lugar que le corresponde dentro de la historia del séptimo arte: una rara avis del audiovisual español que, hermanada con Latinoamérica y la vanguardia europea, conecta con un cine escénica, histórica y políticamente revolucionario.
Tras la incursión en el género de la ciencia ficción con No One Will Save You (2023), Brian Duffield se adentra en el terror marino con Whalefall, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Película, que adapta la novela del mismo título de Daniel Kraus, cuyo estreno comercial en Estados Unidos está previsto para el próximo 16 de octubre de 2026.
En Whalefall vemos como tras la muerte de su padre, el joven Jay Gardiner se sumerge en la costa central de California en busca de sus restos, pero es tragado por una ballena. Atrapado en su interior con solo una hora de oxígeno restante, Jay se da cuenta de que las lecciones que su padre le enseñó pueden ser la clave para poder escapar con vida de una peligrosa situación.
La película, con guion adaptado a cargo de los propios Brian Duffield y Daniel Kraus, esta protagonizada por Austin Abrams, Josh Brolin, Elisabeth Shue, John Ortiz, Jane Levy, Emily Rudd, Mark Meloro Jr., Sam Skolnik, Nicholas Gould, Sam Franich, Grayson Paul Solomine y Laurel Lane Bowen.
En este tercer volumen proseguirás el viaje dejando atrás los 70 y 80 con George A. Romero, Larry Cohen y algunas producciones de ciencia ficción surgidas a rebufo de los grandes éxitos de la década pasada, y entrarás en los 90 de la mano de Tim Burton, hasta llegar al apocalipsis zombi que se desencadenó a principios de este siglo. Por el camino, te sumergirás en los mundos virtuales de “Matrix”; te reencontrarás con el cine del más allá surgido a raíz del éxito de “Ghost”; te cruzarás con Brian De Palma, Sam Raimi o Guillermo del Toro, para terminar con M. Night Shyamalan y Rob Zombie; revivirás los primeros pasos del cine superheroico; recordarás los baños de sangre que llegaron desde Francia; tendrás tiempo de intimar con espectros japoneses y cruentos vengadores coreanos; te embarcarás en la ciencia ficción de Steven Spielberg de primeros 2000. Mononoke y Akira, Hannibal Lecter y John Doe, Frodo y Harry Potter, Buzz Lightyear y Alegría, Darren Aronofsky y Richard Kelly, las Tv Movies de los 70 y “Masters of Horror”, Found Footage y Torture Porn… Un viaje repleto de emociones y sorpresas que partirá de una entrañable criatura de cuento de hadas y nos llevará hasta un implacable ser que nos visita cada veintitrés primaveras ¿Te atreves a acompañarnos? Coordinado por Lluís Vilanova
Autor: Prólogo: Javier G. Romero; José Abad, Tonio L. Alarcón, Jordi Ardid, J.P. Bango, Álex Barba, Quim Casas, Tomás Fernández Valentí, Sergi Grau, Dario Lavia, Elisa McCausland,Ramón Monedero, Antonio José Navarro, Juan Andrés Pedrero Santos, Joan Renter, David Salgado, Diego Salgado, Álvaro San Martín, Adrián Sánchez, Rubén Sánchez Trigos, Javier Trigales, Joaquín Vallet Rodrigo, Lluís Vilanova; Editorial: Applehead Team, Páginas:
Acaba de ser presentado en sociedad de la mano de 20th Century Studios el tráiler final, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, del nuevo trabajo tras las cámaras del veterano Ridley Scott titulado The Dog Stars. Película, que adapta la novela de Peter Heller del mismo título, que se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 28 de agosto.
The Dog Stars nos sitúa en un mundo post-apocalíptico tras una pandemia que ha devastado a la población mundial. Hig, es un joven piloto que junto con un experto militar en supervivencia llamado Bangley ha construido un hogar aislado en un mundo post-apocalíptico. Hasta que una misteriosa transmisión de radio impulsa a Hig a aventurarse en lo desconocido en busca de la esperanza y la humanidad que aún cree que existen.
La película, con guion adaptado a cargo de Mark L. Smith y Christopher Wilkinson, está protagonizada por Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Allison Janney, Benedict Wong, Guy Pearce, Alara-Star Khan y Sebastian Rokison-Woodall.
El fondo reúne más de mil fotografías, guiones de títulos comoHistorias de la radio y Los ojos dejan huellas o correspondencia internacional inédita con figuras como Abel Gance, Jean Cocteau y Basilio Martín Patino
Conserva además la documentación completa del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas durante la etapa en que Sáenz de Heredia estuvo al frente de la institución
Con motivo de la finalización de la catalogación y la apertura a la consulta pública de este fondo, Filmoteca Española celebrará el Día Internacional de los Archivos —efeméride que promueve la importancia de los archivos en la investigación y en la conservación de la memoria histórica y cultural— con una visita guiada a cargo de su personal técnico, abierta al público previa reserva
Filmoteca Española ha finalizado la catalogación del archivo personal de José Luis Sáenz de Heredia (1911–1992), una de las trayectorias más extensas y populares del cine español del siglo XX. El fondo, procedente de cuatro ingresos sucesivos efectuados por la familia del cineasta, queda a partir de ahora accesible en régimen de consulta pública en la Biblioteca Dolores Devesa de la institución, en la c/Magdalena 10 de Madrid.
Este conjunto documental pone a disposición de investigadores, periodistas y personas interesadas un corpus que permite una relectura integral de la obra del autor, al tiempo que recupera la dimensión artística, técnica y profesional de un cineasta cuya trayectoria abarca la comedia popular, el melodrama clásico, la adaptación literaria, el ámbito teatral y la docencia institucional.
Un fondo público de alto valor patrimonial
El archivo se organiza en cinco grandes subfondos —actividad cinematográfica, teatral,docente e institucional, vida personal y proyección pública, y materiales recopilados— que abarca desde 1934, año del guion mecanografiado de ¡Qué suerte tienes, Patricio! (su primera incursión cinematográfica, en los Estudios Ballesteros), hasta 1992. Predomina la documentación de creación: guiones literarios, técnicos y de rodaje, borradores manuscritos, blocs de notas, fotografías fijas y de rodaje, correspondencia profesional y dosieres de prensa.
La filmografía documentada cubre títulos tan diversos como Raza (1942), El escándalo (1943), Bambú (1945), Mariona Rebull (1947), La mies es mucha (1948), Don Juan (1950), Los ojos dejan huellas (1952), Todo es posible en Granada (1954), Historias de la radio (1955), Faustina (1957), El indulto (1960), Franco, ese hombre (1964), Historias de la televisión (1964), Don erre que erre (1969), La decente (1971), Proceso a Jesús (1974) o Solo ante el streaking (1975), además de su intensa labor como adaptador teatral —Una chica en mi sopa, de Terence Frisby, estrenada por Concha Velasco en el Teatro de la Comedia—.
Entre las piezas de mayor valor patrimonial sobresalen, en primer lugar, los guiones técnicos. Destacan especialmente dos: el de Los ojos dejan huellas (1952); 333 hojas mecanografiadas con correcciones a varias tintas que conservan, en sus márgenes, un posible autorretrato a lápiz, un rostro caricaturizado en el que se leen los nombres de Emma Penella y de Dalí, y dos poemas manuscritos firmados a lápiz: una auténtica ventana al taller creativo del director; y el de Historias de la radio (1955), con firma autógrafa en la sobreportada, lista íntegra de personajes y decorados, y un acompañamiento fotográfico excepcional de 123 imágenes fijas numeradas en orden de rodaje en las que conviven Pepe Isbert, Paco Rabal, Tony Leblanc, Juan Calvo, José Luis Ozores o Alberto Romea. A estos se suman, dentro de la misma serie de guiones encuadernados, los guiones de Faustina, La mies es mucha, Todo es posible en Granada, Mariona Rebull, Diez fusiles esperan y El indulto.
Día Internacional de los Archivos
Con motivo de la finalización de la catalogación y la apertura a la consulta pública del archivo personal de José Luis Sáenz de Heredia, Filmoteca Española celebrará el Día Internacional de los Archivos —efeméride que promueve la importancia de los archivos en la investigación y en la conservación de la memoria histórica y cultural— con una visita temática guiada a cargo de su personal técnico.
La actividad, gratuita y abierta al público con reserva previa a través de su página web, se celebrará el 10 de junio a las 11:00h en la sede de la calle Magdalena de la institución. La visita permitirá conocer la estructura del fondo, sus principales series documentales y los criterios de organización y tratamiento archivístico aplicados en su descripción. Asimismo, se ofrecerá una aproximación a los materiales más representativos del conjunto y a su relevancia para la investigación de la historia del cine español.
Sobre Filmoteca Española
Filmoteca Española, organismo dependiente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Cultura, custodia, restaura y difunde el patrimonio cinematográfico español desde 1953. Su archivo documental conserva un conjunto de fondos esenciales para el estudio de la historia del cine en España, una memoria colectiva cuya preservación, protección y difusión constituye una de las principales misiones de la institución.
Actualmente, el archivo reúne más de 150 fondos personales de cineastas, guionistas, productores, empresas y profesionales clave del sector, además de los archivos del NO-DO y de la Escuela Oficial de Cinematografía. El Archivo de José Luis Sáenz de Heredia (A3075) pasa ahora a integrarse plenamente en este patrimonio documental y queda disponible para su consulta con cita previa en la Biblioteca Dolores Devesa de Filmoteca Española, en la c/ Magdalena 10 (Madrid).
El anhelo romántico desesperado de un chico por su amor platónico de toda la vida desencadena un siniestro hechizo: Niki se vuelve irracionalmente obsesiva hasta convertirse en la sombra de Bear. Una fantasía aparentemente inofensiva que se convertirá en una perturbadora pesadilla. Potente metáfora sobre la cosificación de las relaciones románticas y de los límites a los que estamos dispuestos a llegar movidos por el deseo de ser correspondidos.
Obsession, segundo trabajo como realizador de Curry Barker, parte de una premisa que extrapola el concepto de las relaciones románticas codependientes desde coordenadas próximas a la comedia adolescente de terror de los años ochenta. Como en gran parte de aquellas películas, el desencadenante fantástico, que toma como punto de partida el relato de W. W. Jacob, The Monkey’s Paw, es una mera excusa a la hora de exponer las trágicas consecuencias de convertir en realidad las fantasías románticas de un joven.
Más allá del evidente divertimento de la propuesta, se percibe un subtexto malsano, con relación al hecho de arrebatar el alma a una mujer y convertirla en una réplica psicótica de sí misma para poder tener sexo con ella y fingir que es su pareja, paradigma de un miedo masculino contemporáneo; ser un tipo de dudosa moral cuyo entorno social sospecha de sus intenciones en sus relaciones sentimentales. Película, que a su manera, no deja de ser un curioso tratado a favor de la soltería.
