Un trayecto musical, tráiler para «La estrella azul» de Javier Macipe

Una de las producciones patrias más interesante que se pudieron ver por el circuito de festivales del pasado año es el nuevo trabajo tras las cámaras del director zaragozano Javier Macipe (Los inconvenientes de no ser Dios 2014) La estrella azul, película cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, un relato a medio camino entre el biopic documental y la ficción, que reflexiona sobre la escena musical de nuestro país, llegará a las salas comerciales de la mano de Wanda Vision el próximo 23 de febrero.
La estrella azul nos sitúa en los años 90. Mauricio, un famoso rockero español recorre Latinoamérica buscando reencontrarse con su vocación dejando atrás el fantasma de la adicción. Allí conoce a Don Carlos, un anciano músico en horas bajas que, a pesar de ser autor de algunas de las canciones más famosas del folclore de su país, apenas consigue pagar sus facturas. Carlos acoge con generosidad al extraño visitante haciendo las veces de maestro Miyagi musical. De su encuentro nace un extravagante dúo quijotesco, con todos los visos de ser un absoluto fracaso comercial.
La película, con guion a cargo del propio Javier Macipe, está protagonizada por Pepe Lorente, Cuti Carabajal, Bruna Cusí, Marc Rodríguez, Catalina Sopelana, Mariela Carabajal, Noelia Verenice Díaz, Pablo Álvarez, Josh Climent y Manuel Chacón.
La estrella azul se rodó entre marzo de 2020 y febrero de 2023 en localizaciones de Zaragoza y en Argentina. La producción corre a cargo de Simón de Santiago, Amelia Hernández y Hernán Musaluppi, con Fernando Bovaira, Diego Rodríguez, Antonio Pita y Santiago López, como coproductores. La película es una producción hispano-argentina de MOD Producciones, El Pez Amarillo y Cimarrón, en coproducción con La Charito Films y Prisma que cuenta con la participación de RTVE, Movistar Plus+ y Aragón TV, con la financiación de ICAA – Gobierno de España y el INCAA y el apoyo de Gobierno de Aragón, Diputación Provincial de Zaragoza, Ayuntamiento de Zaragoza, Gobierno de Santiago del Estero y el apoyo internacional de Eurimages e Ibermedia.

Filmin estrena el 19 de febrero el drama de Richie Adams «The Road Dance»

La actriz Hermione Corfield («Contagio en alta mar«) protagoniza este drama ambientado en los albores de la I Guerra Mundial y basado en hechos reales.
El próximo 19 de enero, Filmin estrenará «The Road Dance«, segundo largometraje del director estadounidense Richie AdamsOf Mind and Music«), La película adapta una novela del periodista John MacKay, quien estudió la historia real de su pueblo, en la escocesa Isla de Lewis, y que documenta un trágico suceso ocurrido en la zona a principios del siglo XX.

La actriz Hermione Corfield, vista en películas como «Nacido Rey«, de Agustí Villaronga, o «Contagio en alta mar» interpreta a Kirsty Macleod, una joven aldeana que, en una noche de fiesta y baile para despedir a los jóvenes que van a alistarse en el ejército para combatir en la Primera Guerra Mundial, es víctima de un trágico y misterioso asalto. La película relata los días previos y los meses posteriores a la fatídica noche, y analiza hábilmente temas como el abuso, el trauma, la sororidad y lo que significaba ser mujer a principios del siglo XX.

«The Road Dance» se rodó íntegramente en la ciudad real de Garenin (o Gearrannan en gaélico escocés) en la hermosa isla de Lewis. Fue posible porque sus habitantes abrieron las puertas de sus casas para que se filmaran las escenas. «Era una especie de set cerrado. Todo se rodó en exteriores. Creo que por eso resulta tan auténtica«, afirma Richie Adams.

Aunque los temas que aborda la película (el abuso, el patriarcado, la vergüenza…) resuenan en 2024, la película es muy consciente histórica y culturalmente. Como explica Hermione Corfield, «lo genial del guion es que no intenta decir que las mujeres piensan de la misma manera ahora que entonces. Pero creo que, aunque está ambientada en esa época, hay muchas cosas que siguen siendo extremadamente relevantes hoy en día«. La actriz añade: «Queríamos que el público se quedara con un sentido de resiliencia y de esperanza: incluso en una época y un lugar donde había tanta presión por ser mujer, y después de ser vapuleada, todavía hay una salida para la protagonista«.

La película se estrenó internacionalmente en el Festival de Edinburgo, donde se llevó el Premio del Público, y posteriormente fue también premiada en los festivales de Manchester y Sedona.

Adam Sandler y la ciencia ficción intimista, primer tráiler de «Spaceman»

Vía Netflix acaba de aparecer un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Spaceman, cinta de ciencia ficción protagonizada por Adam Sandler que adapta la novela Spaceman of Bohemia del escritor checo Jaroslav Kalfař. Dirigida por Johan Renck (Bates Motel, Halt and Catch Fire, Bloodline, Chernobyl), la película tendrá un estreno limitado en cines de Estados Unidos el próximo 23 de febrero, estando disponible en la plataforma de forma global a partir del 1 de marzo.
En Spaceman vemos como un astronauta es enviado a los confines de la galaxia para recoger un misterioso polvo, descubriendo que su vida se desmorona al darse cuenta de que su matrimonio podría romperse antes de su regreso a la Tierra, acudiendo a una única voz que puede ayudarle a intentar recomponerla en ese momento. Pero resulta que esa voz pertenece a una criatura del principio de los tiempos que acecha en las sombras de su nave.
La película, con guion adaptado a cargo de Colby Day, está protagonizada por Adam Sandler, Carey Mulligan, Kunal Nayyar, Lena Olin, Isabella Rossellini, Paul Dano, Sinead Phelps, Petr Papánek y John Flanders.

«Deprisa, deprisa» regresa al Festival de Berlín en una versión restaurada en 4K por FlixOlé y Mercury Films

Galardonada con el Oso de Oro en 1981, será la primera película española en participar en la sección Berlinale Classics
Transcurridos más de 40 años desde que Carlos Saura recogió el Oso de Oro por Deprisa, deprisa (1981), el Festival de Berlín presentará en su 74ª edición el estreno mundial de la versión 4K de esta obra maestra del cine quinqui. Será la primera película española en participar en Berlinale Classics, sección que desde su inauguración en 2013 dedica su programación a los grandes títulos del séptimo arte que han sido restaurados, y que el próximo mes de febrero proyectará una copia de Deprisa, deprisa remasterizada por la plataforma FlixOlé y la distribuidora Mercury Films.
Regresa así al festival esta historia de amor a flor de piel surgida en las barriadas del Madrid de principios de los ochenta y que, envuelta en atracos, drogas y la emblemática canción ‘Me quedo contigo’ de Los Chunguitos, conquistó al público y a la crítica internacional. La presentación servirá también de homenaje a su autor, Carlos Saura, cuando se cumple un año de su fallecimiento.
La restauración del filme se ha realizado a partir del negativo original de 35mm, logrando como resultado la inédita versión en 4K de Deprisa, deprisa que se estrenará en la capital alemana. Dicho proceso de remasterización ha corrido a cargo de FlixOlé y Mercury Films, en el marco de las labores que desempeñan para la conservación y recuperación del patrimonio audiovisual del país, así como en la promoción de los clásicos del cine español en los circuitos cinematográficos internacionales más prestigiosos.
La poética película de cine quinqui con la que Saura se reinventó

Pablo, Meca y Sebas son tres amigos de los suburbios de Madrid que se dedican a robar coches y a atracar bancos. El primero de ellos se enamora de Ángela, una camarera de bar con la que comienza una relación. Ésta se unirá al grupo y participará en los golpes para dejar atrás el ambiente marginal en el que viven. Entre la ficción y el documental, Carlos Saura transcribió en Deprisa, deprisa los relatos de aquella juventud perdida de los descampados que, absorbida por la violencia y la drogadicción, intentaba salir a flote -de la peor manera posible- en la España de los 80.
Para entonces, el conocido como cine quinqui había asaltado la cartelera del país con exitosos títulos repletos de peleas callejeras, sexo, persecuciones y chutes de heroína. El realizador aragonés prefirió adentrarse en la cotidianidad de los bajos fondos y ofrecer un retrato lo más veraz posible sobre el fenómeno social.
A la verosimilitud de lo narrado en Deprisa, deprisa contribuyó el elenco, formado por actores no profesionales cuyas vidas se asemejaban a la de los delincuentes que interpretaban: José Antonio Valdelomar (Pablo), Jesús Arias (Meca) y José Mª Hervás (Sebas). Asimismo, cobró especial importancia el papel de Berta Socuéllamos (Ángela): los personajes femeninos apenas tenían peso en la trama de las películas del cine quinqui; sin embargo, en el caso de la cinta de Carlos Saura, el protagonismo recayó en la figura de Ángela.
Un nuevo cartel para la renovada versión
Con rigor y una cuidada estética, Saura construyó un romance que se alejó del exploitation al que acostumbraba el cine quinqui, pero que transmitía de igual manera la cruda verdad que se vivía en la periferia de las grandes ciudades. La mezcla de lirismo y objetividad hizo de Deprisa, deprisa una exitosa obra maestra dentro de ese género de sobredosis, navajeros y música de Los Chunguitos. También en un punto de inflexión en la carrera del director, quien pasó del cine críptico y metafórico desarrollado durante el franquismo al realismo.
El estreno mundial de la copia en 4K de Deprisa, deprisa en el Festival de Berlín irá acompañado de un nuevo cartel de la película. Basándose en el póster original realizado en su día por Cruz Novillo, los miembros del proyecto ‘La Residencia’, David Rodríguez Losada y Jorge Luengo, han elaborado un diseño alternativo a partir de una icónica escena de sus protagonistas. Además del cartel, ‘La Residencia’ ha creado un nuevo tráiler del filme expresamente para el evento, el cual se lanzará en próximas fechas.

 

Cine Asia curso online: Asia Fantástica

El género fantástico mueve al año un gran número de aficionados. Y Asia se encuentra colocado en uno de los lugares preferenciales. En el Festival de cine de Sitges es un hecho claro: en la pasada edición, 50 películas de la programación oficial procedían de Asia. ¿Qué es lo que hace al cine de género fantástico y de terror en Asia tan atractivo? ¿Procede de su folclore… de su historia…? A lo largo de este curso, que consta de 10 sesiones de dos horas cada una, intentaremos responder a esta y a otras preguntas para que el alumno tenga una idea de cómo ha evolucionado el género fantástico en los diferentes países asiáticos.
Un curso realizado en colaboración con Sitges – Festival Internacional de cinema Fantàstic de Catalunya.
Ficha técnica
Fechas: miércoles 24 de enero a 27 de marzo de 2024
Sesiones: 10 sesiones de 2 horas, desde el miércoles 24 de enero al 27 de marzo, de 19h a 21h
Online: A través de la plataforma Zoom. 24 horas antes del acto las personas inscritas recibirán la información necesaria para acceder.
Precio: 120€ (público general) 100 € (alumnos que han realizado un curso en CineAsia en 2023)
Certificado del curso: CineAsia entregará por correo electrónico un certificado de asistencia al curso a quien lo solicite y que haya asistido al 80% de las clases.
Sumario del curso (conferencias) 
  1. Japón: del folclore y el kaiju-eiga al fantástico de la Nueva Ola
Miércoles 24 de enero de 19 a 21h
En Occidente, el aliado más poderoso de la belleza siempre fue la luz; en la estética tradicional japonesa, lo esencial está en captar el enigma de la sombra. En Japón, la fantasía es real. Los espectros acechan en cualquier esquina y sus apariciones son tema frecuente de conversación entre compañeros de trabajo o estudio. Bienvenidos al fantástico nipón.
  1. Japón: El terror y el fantástico japonés llega la ciudad
Miércoles 31 de enero de 19 a 21h
El estreno de Ringu (Hideo Nakata, 2000) supuso un antes y un después dentro del terror y el fantástico asiático: los espectros inicialmente desde Japón van a saltar a las carteleras occidentales. El miedo a los terremotos y a los tsunamis sigue produciendo un sinfín de películas. La animación también es fantástica. Y el terror y fantástico actual.
  1. Corea del Sur: el reino ermitaño y los terrores cotidianos

Miércoles 7 de febrero de 19 a 21h.
El cine de terror (de evasión) fue una gran constante durante los primeros años de la dictadura militar de Park Chung-gee, tras la Guerra de Corea. Directores como Sin Sang-ok (con Pulgasari, el primer kaiju del proletariado), Lee Man-hee (con su espléndida The Devil’s Stairs) o el llamado padre del fantástico y terror coreano Kim Ki-young con su obra maestra The Housemaid (1960), marcaron una época del fantástico coreano. Prácticamente desconocida.
  1. Corea del Sur: una cinematografía a la búsqueda de su identidad
Miércoles 14 de enero de 19 a 21h.
Se apagan las luces. Los tráilers anuncian el último drama romántico de la temporada… pero no, esa es otra historia. Ahora toca pasar miedo. Asustarse. Corea, a pesar de no ser un género muy apreciado por su público, ha mostrado desde tiempo inmemorial una pasión hacia las películas de terror, incrementada en la última década gracias a la renovación que el género ha vivido en Asia, con los realizadores japoneses Hideo Nakata o Takashi Shimizu como estandartes. Llega el turno de la Nueva Ola y de directores como Park Chan-wook, Bong Joon-ho, Kim Kee-woon o Na Hong-jing.
  1. China: los fantasmas del gigante asiático

Miércoles 21 de enero de 19 a 21h.
La primera película de terror china la encontramos en la era muda, Song at Midnight (1937), el remake del clásico de la Universal, El fantasma de la ópera (1925). Con la subida al poder de Mao tras su victoria sobre los nacionalistas, el cine va a servir al Partido durante dos generaciones. A principios de los 90 se vislumbran los primeros cambios, aunque estos no llegarán hasta que China descubra que la ciencia ficción, el terror, y el cine fantástico dan dinero: The Wandering Earth acabó recaudando en 2018 700 millones de dólares.
  1. Hong Kong y Taiwán: el cine de evasión vs el cine identitario
Miércoles 28 de enero de 19 a 21h
Comparadas con las películas de terror o fantásticas de Japón y Corea del Sur, el cine de género de Hong Kong tiende a suavizar la magnitud del horror. Esto es debido principalmente a la profunda influencia de la cultura tradicional china y a los límites asignados por la censura del continente. En lugar de enfatizar su parte terrorífica, las películas incorporan importantes elementos sobre la relación entre vivos y muertos. Aunque en los últimos años esto ha cambiado y mucho… Desde Una historia china de fantasmas a Rigor Mortis, se pueden ver estas diferencias.
En cuanto a Taiwán, la Nueva Ola de los años 90 tiende a cuestionarse más problemas de identidad (soy taiwanés o soy chino) que genéricas. Aunque desde el siglo XXI, el cine fantástico tiene una importancia vital tanto dentro como en el exterior: De Detention (2019), que tiene serie en Netflix, a la terrorífica Incantation (2022), han cambiado mucho las cosas en la antigua isla de Formosa.
  1. India: el cine de terror más exótico y desconocido 
Miércoles 6 de marzo de 19 a 21h
Una de las características más simpáticas del cine indio de horror es su mala fama entre su público nacional. La mayoría de los propietarios de videoclubs especializados en films de la India o Pakistán establecidos en Europa se reirán en tu cara si les preguntas por películas indias de terror. Otros te dirán directamente que tal cosa no existe, o te explicarán lo malas que son. Aun así, no todo lo que se dice… es cierto. Y hay claros ejemplos para demostrarlo.
  1. El Sudeste Asiático: Filipinas e Indonesia: el folk horror 
Miércoles 13 de marzo de 19 a 21h 
El cine de terror en el Sudeste Asiático ha sido tradicionalmente uno de los géneros comerciales que más ha gozado del favor del público, entregado y ávido de historias mitológicas, monstruos, fantasmas, vampiros y superhéroes. Fantasmas de niños de color azul observan al espectador desde debajo de las mesas. Fogonazos de cámara revelan presencias invisibles a simple vista. Y el folkhorror que ha sido uno de sus grandes éxitos en los últimos tiempos.
  1. El Sudeste Asiático: Tailandia: criaturas espectrales y folclore 
Miércoles 20 de marzo de 19 a 21h 
De todos los cines del Sudeste Asiático puede que sea Tailandia una de las cinematografías orientales que mejor ha sabido extraer de su tradición la materia constitutiva con la que poblar el universo de la mayor parte de productos fantásticos que ha producido.  La leyenda de los krasues (mujeres que llevan colgando el corazón y las vísceras) ha dado films en los 70, 80, 80 y en los 2000, como Ghost of Valentine (2006). También hay que tener en cuenta las historias de fantasmas, como la de Nang Nak (1999) con la que debutaron en España o la más reciente Shutter (2004)
  1. El fantástico asiático: reflexiones finales 
Miércoles 27 de marzo de 19 a 21h 
Ejercicio: confeccionar una lista por parte de los alumnos con 10 de las películas imprescindibles fantásticas asiáticas que han conocido a lo largo del curso. En la última clase la comentaremos. Así como también hablaremos del papel que están teniendo tanto los festivales de cine de género, y las plataformas digitales en el boom que estamos viviendo estos días.
Profesores del curso:
(Próximamente) Estará compuesto por parte del equipo de CineAsa y del Festival de cine de Sitges.
Inscripción en el curso ‘Asia Fantástica’

Infancia vampírica, primer tráiler de «Abigail»

Acaba de presentarse vía Universal Pictures un primer adelanto, en forma de tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta Abigail, una nueva variante del cine de vampiros trasladado a la actualidad que cuenta tras las cámaras con el dueto formado por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, (Ready or Not 2019), (Scream, Scream VI 2022-2023). La película tiene prevista su llegada a los cines de Estados Unidos para el próximo 19 de abril de 2024.
En Abigail vemos como a una banda de delincuentes se les ha encargado secuestrar a Abigail, una bailarina de doce años hija de una poderosa figura del inframundo. Su misión requiere también vigilarla durante la noche para poder cobrar un rescate de 50 millones de dólares. En una mansión aislada, los captores comienzan a desaparecer, uno por uno, y descubren, para su creciente horror, que la pequeña niña con la que están encerrados no es normal y está mostrando su verdadera naturaleza.
La película, con guion a cargo de Guy Busick y Stephen Shields, está protagonizada por Melissa Barrera, Dan Stevens, Alisha Weir, Kathryn Newton, William Catlett, Kevin Durand, Angus Cloud y Giancarlo Esposito.

Primer tráiler para lo nuevo de Quentin Dupieux «Daaaaaalí!»

Si hace pocos días la plataforma Filmin estrenaba en nuestro país Yannick ahora es turno para un primer avance en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Daaaaaalí!, el otro trabajo rodado en 2023 por parte del peculiar realizador galo Quentin Dupieux. La película, que tuvo su premiere mundial en el pasado Festival de Venecia, llegará a las carteleras francesas el próximo 7 de febrero de 2024.
Daaaaaali! nos cuenta como una joven periodista francesa se encuentra en varias ocasiones con el icónico artista surrealista Salvador Dalí para un proyecto documental que nunca llegó a realizarse.
La película, con guion como suele ser habitual a cargo del propio Quentin Dupieux, está protagonizada por Anaïs Demoustier, Gilles Lellouche, Édouard Baer, Jonathan Cohen, Pio Marmai, Didier Flamand, Romain Duris, Pierre Niney, Alain Chabat, Jérôme Niel, Hakim Jemili, Agnès Hurstel, Marc Fraize, Nicolas Carpentier y Tom Dingler.

El Festival de San Sebastián estrenará un documental sobre Eduardo Chillida

La productora guipuzcoana Bixagu Entertainment se suma a la celebración del centenario del escultor donostiarra Eduardo Chillida —del que precisamente hoy, miércoles 10 de enero, se cumplen cien años de su nacimiento (10 de enero de 1924)— con el largometraje documental CIENTO VOLANDO, cuyo estreno mundial tendrá lugar en la 72.ª edición del Festival de San Sebastián, antes de llegar a las salas de cine el próximo 4 de octubre con distribución de A Contracorriente Films.

La cineasta Arantxa Aguirre dirige este film sobre uno de los artistas más universales e influyentes del siglo XX. Eduardo Chillida fue un creador que dejó una huella imborrable en el arte contemporáneo. Con una vida dedicada a forjar, tallar, esculpir y modelar la materia para resolver cuestiones fundamentales que le surgían durante su proceso creativo relacionadas con el espacio, el tiempo, la materia o el espíritu. También fue un defensor de los derechos humanos y la justicia social.

CIENTO VOLANDO se enmarca en la celebración de Eduardo Chillida 100 años. Lugar de encuentro, un programa multidisciplinar compuesto por exposiciones, publicaciones, proyectos audiovisuales, educativos y académicos con el objetivo de reivindicar el legado de la obra de Chillida. 

El documental, producido por Bixagu Entertainment y A Contracorriente Films, asume el reto de llevar al lenguaje audiovisual la experiencia única de visitar, de sentir y de vivir el museo Chillida Leku. El estreno busca conseguir que las texturas, olores, temperaturas y el mismo peso de las inmensas y eternas masas, se amalgamen con el color, la luz y el sonido en un fragmento de tiempo.

La actriz ganadora del Goya por Ane, Jone Laspiur, es la conductora de esta producción de Bixagu Entertainment y A Contracorriente Films,  Con guion y dirección de Arantxa Aguirre —cineasta de reconocido prestigio en els mundo de los documentales sobre arte—, este film, que se rodará en castellano y euskera y tendrá una duración de 70 minutos, cuenta con varios directores de fotografía entre los que se encuentran Gaizka Bourgeaud o Rafael Reparaz. Aitor Vitoria es ayudante de dirección. El sonido corre a cargo de Carlos De Hita. Leire Zurdo se encarga del maquillaje y la peluquería. Sergio Deustua se ocupa del montaje y posproducción de la imagen. Mikel Huércanos es el director de producción. Iñaki Gómez y Fernando Riera son los productores ejecutivos.

CIENTO VOLANDO cuenta con el apoyo de la Fundación Chillida y de Pilar Belzunce, viuda del artista.

Sinopsis

Jone, una joven estudiante de Bellas Artes, se dirige al Peine del Viento en San Sebastián para encontrarse con la obra más emblemática de Eduardo Chillida. Se cumplen 100 años del nacimiento del escultor y ella se propone conocerlo a fondo. Intuye que va a descubrir cosas que la tocan de cerca, que tienen que ver no sólo con la historia del arte sino también con su propia identidad.

Más que llegar lejos, quiere llegar hondo. Por eso se encamina hacia el jardín del artista en Hernani, Chillida Leku, que atesora decenas de esculturas al aire libre. Allí volverá sin prisa a lo largo de las cuatro estaciones del año y lo observará vestido de distintos colores. Lugar de encuentro, a Chillida Leku acuden los que mejor conocen al escultor: el arquitecto Joaquín Montero, el historiador Kosme de Barañano, sus familiares o quienes desde hace muchos años trabajan allí. También están presentes las obras de otros artistas que fueron importantes para Chillida, como Julio González, Palazuelo, Braque, Calder o Giacometti, junto a los árboles del jardín, el canto de los pájaros o los relinchos de la yeguada vecina…

La directora

Nacida en Madrid de padre donostiarra, Arantxa Aguirre es doctora cum laude en Literatura y ha publicado dos libros: Buñuel, lector de Galdós (Premio de Investigación Pérez Galdós 2003) y 34 actores hablan de su oficio (Ed. Cátedra, 2008), este último secuela de su documental Hécuba, un sueño de pasión, nominado al Goya en 2006. Antes de dirigir sus propias películas ha sido ayudante de Mario Camus, Basilio Martín Patino, Pedro Almodóvar o Carlos Saura, entre otros. Desde 2020 es miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. 
Arantxa Aguirre a propósito del documental «Para entender a alguien hay que tener muy en cuenta su tempo particular. Chillida era un hombre reposado y dedicaba a cada cosa el tiempo que merecía. Esta película buscará ese mismo ritmo tranquilo y constante, que es el de las olas del mar.  No nos podían faltar la costa  atlántica y su peculiar “luz oscura” en esta película. “Yo soy un discípulo de la mar”, escribió  Chillida. Y también: “La inmensidad del horizonte es la patria de todos.” Iremos en busca de ese  maestro y de esa inmensidad.

No vamos a recorrer el mundo en busca de las obras de Eduardo Chillida, sino que permaneceremos en Chillida Leku, ese espacio que el artista primero concibió en su  cabeza y que después, junto a su mujer, buscó cuidadosamente, estudió en profundidad y  acondicionó sin prisas durante catorce años, para que sus esculturas tuvieran siempre un lugar donde volver.

Esta película hablará de  arte, por supuesto -es algo que llevo haciendo en todos mis trabajos- pero también de  patrimonio, de la conciencia de un bien común que hay que preservar porque viene de nuestros antepasados y será para nuestros hijos. La conciencia de que formamos parte de algo mucho más grande que nosotros. Formamos parte del camino que otros recorrerán».

Nace Sombra Madrid, Festival de Cine Fantástico que se celebrará del 13 al 17 del próximo mes de marzo

El pasado mes de diciembre la organización de Sombra – Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia, anunciaba el nacimiento de Sombra Madrid, que convierte a la capital en un segundo hogar para el festival. Este nuevo evento se llevará a cabo simultáneamente con Sombra en Murcia, ofreciendo una programación e invitados similares. La colaboración y apoyo del equipo de Nocturna, junto con numerosos amigos del festival en Madrid, añaden un toque especial a este proyecto. Sombra Madrid no sólo revive la escena del cine fantástico en la ciudad, sino que también promete ser un evento imperdible.
En la octava edición de Sombra el certamen organizó una exposición sobre el legendario Paul Naschy, gracias a la colaboración de su hijo, y gestor de su legado, Sergio Molina. La conexión resultante llevó a que los dirigentes de Sombra y Nocturna, el Festival de Cine Fantástico de Madrid, comenzaran desde entonces a reunirse anualmente. La pandemia afectó a muchos eventos, incluido Nocturna, que no pudo volver a celebrarse desde 2019. Sin embargo, el 2023 trajo la posibilidad de trasladar Sombra a Madrid junto con la edición en Murcia. En un esfuerzo conjunto, Sombra buscó la aprobación y participación del equipo de Nocturna, quienes brindaron su apoyo incondicional y entusiasmo.
Con la colaboración de A.D.J. Proyectos Audiovisuales y la Asociación Pop Culture España, la idea se hizo realidad. Sombra Madrid nace para infundir nuevos aires fantásticos en la comunidad del género en Madrid, recogiendo el testigo del festival Nocturna. La capital recupera así su Festival de Cine Fantástico.
Y como primera confirmación oficial Claudio Simonetti visitará Madrid y Murcia al frente de su banda, Goblin, para ofrecer dos actuaciones en directo interpretando la banda sonora de Rojo Oscuro (Dario Argento, 1975) durante la proyección de la película. La doble cita tendrá lugar el viernes, 15 de marzo, en el Teatro Sanpol de Madrid, y el sábado, 16 de marzo, en el Teatro Circo de Murcia. Dos oportunidades únicas de disfrutar de una experiencia que sirve como ejemplo y carta de presentación de un formato de evento que nace con la ilusión de traer buenas noticias al mayor número de aficionados posible.

La criatura distorsionada, primer tráiler para «Lisa Frankenstein» de Zelda Williams

Numerosas han sido las ocasiones en donde la clásica novela Mary Shelley Frankenstein ha sido en mayor o menor medida readaptada al cine, versiones como Young Frankenstein (1974), Frankenhooker (1990) o la reciente Poor Things (2023), por poner solo tres ejemplos, nos ofrecían desde diferentes miradas una versión bastante desprejuiciada del mito. Lisa Frankenstein, cuyo primer tráiler vía Focus Features acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone una nueva incursión en la novela a modo de comedia romántica. La película, ópera prima de la hasta ahora actriz Zelda Williams, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 9 de febrero de 2024.
Lisa Frankenstein nos sitúa en 1989, una impopular chica de secundaria llamada Lisa reanima accidentalmente un apuesto cadáver victoriano durante una tormenta eléctrica y comienza a reconstruirlo para convertirlo en el hombre de sus sueños usando la cama de rayos uva estropeada que tiene en el garaje de su casa.
La película, con guion a cargo de Diablo Cody, está protagonizada por Carla Gugino, Liza Soberano, Joe Chrest, Henry Eikenberry, Kathryn Newton, Cole Sprouse,  Jenna Davis, Joshua Montes, Summer Selby, Lacey Dover, Sylvia Grace Crim, Geraldine Singer y Donna Duplantier.

Proyecciones Xcèntric: Encuentro sobre archivos cinematográficos

Nitrato argentino. Museo del Cine «Pablo Ducrós Hicken»

La labor de programación y difusión del cine experimental que realizamos en Xcèntric es inseparable de otra labor: la de todos aquellos profesionales que preservan, restauran e investigan el legado cinematográfico. Los cambios sociales y tecnológicos recientes, como la adopción masiva de los soportes digitales o el imperativo de revisar los cánones heredados, han puesto de manifiesto la necesidad de no dar por descontado la importancia del trabajo con el archivo. Por este motivo, Xcèntric inaugura la programación de 2024 con unas jornadas coorganizadas con Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), centro de referencia en el Estado español que ofrece un programa especializado en archivo cinematográfico. Recogiendo el espíritu interdisciplinar y expandido de la actividad de programación de Xcèntric y del modelo pedagógico de EQZE, estas jornadas quieren poner en diálogo las reflexiones y experiencias de restauradores, archivistas, investigadores y programadores.
Jueves 18 enero
11:30 Presentación del programa y los participantes Gloria Vilches, responsable de Xcèntric.
11:45 Estado de la cuestión con Giovanna Fossati (Eye Filmmuseum)
Giovanna Fossati es autora del libro Del grano al píxel, recientemente traducido al castellano, una obra que se ha convertido en indispensable para entender el estado de los archivos cinematográficos en la era digital. En esta conferencia inaugural, profundizará en el panorama cambiante del discurso sobre el patrimonio cinematográfico en la era digital, explorando aspectos relacionados con la restauración, investigación y reutilización de películas. Reconociendo las relaciones dinámicas entre los factores culturales, técnicos, estéticos y económicos en las prácticas de archivo cinematográfico, esta presentación enfatizará la necesidad urgente de una perspectiva más participativa e inclusiva del patrimonio audiovisual.
12:30 Conversación entre Giovanna Fossati y Pablo La Parra, responsable del departamento de investigación en Elías Querejeta Zine Eskola.
17:30 Cine-Performance: Archivos no-alineados Léa Morin (Investigadora independiente/EQZE)
Los gestos de edición, investigación, restauración, archivo y programación cinematográfica, sobre todo cuando se hacen desde la militancia y en colectivos, nos permiten adentrarnos en los vacíos, las rendijas y las ausencias, para cuidar de las múltiples y estropeadas narraciones del cine. Debatiremos varios proyectos (libros, proyecciones de cine, restauraciones cinematográficas, investigaciones) que contribuyen a problematizar las formas clásicas de aproximarse a la historia del cine, iluminando películas olvidadas, devolviendo a la centralidad escritos esenciales sobre el cine y con ellos un pensamiento cinematográfico más allá de las geografías dominantes, reactivando anhelos por el cine y sueños de revolución siempre necesarios para nuestras sociedades.
19:00 De quelques évènements sans signification (1975)
Primer largometraje del director marroquí Mostafa Derkaoui, considerado perdido hasta que fue localizado y restaurado en la Filmoteca de Catalunya. La sesión estará presentada por Rosa Cardona, responsable del proceso de restauración.
Viernes 19 enero
11:30 Cines pequeños y preservación desigual Carolina Cappa (archivista independiente/ EQZE)
En esta presentación, analizaremos las condiciones tecnológicas y materiales que determinan la preservación cinematográfica, poniendo el foco en los cines menores o aquellos que no pertenecen al régimen de la imagen-mercancía. A partir de algunos proyectos de preservación recientes realizados en España y América Latina, debatiremos sobre cómo estas condiciones intervienen para ofrecer un acceso desigual a determinados cines. Porque existe una enorme brecha entre las películas que reciben financiamiento, se digitalizan o se preservan fotoquímicamente, y se vuelven accesibles, frente a aquellos cines menores que permanecen sumergidos en la opacidad de los archivos (cine amateur, militante, experimental, no comercial, de países pobres). Al abrir la caja negra de la preservación, intentaremos plantear algunas ideas sobre por qué tenemos acceso a ciertas imágenes y no a otras.
12:15 Conversaciones con Mnemósine, el arconte y Dracón: aventuras y desventuras de una investigadora en el archivo Sonia García López (Universidad Carlos III de Madrid)
 La investigación sobre cine en los archivos es apasionante. Permite no solo conocer y estudiar los pormenores de las películas conocidas y admiradas por el público, sino también imaginar y hacer realidad otras historias del cine posibles, aquellas que nunca se contaron. Reconstruir esas historias requiere acercarse no solo a los filmes que se conservan, sino también a otros vestigios en forma de expedientes, fotografías, guiones o planes de rodaje. Sin embargo, las y los cineastas anónimos y las películas huérfanas, desconocidas o invisibilizadas a menudo son objeto de una doble invisibilización: la que produce la dificultad o imposibilidad de acceder a los materiales que permiten contar su historia.
13:00 Mesa redonda entre Carolina Cappa, Sonia García López y Enrique Fibla (UAB), investigador especializado en la relación entre archivo visual y memoria histórica.
17:30 Problemas en la imagen: conservación y restauración de películas experimentales. Mark Toscano (Academy Film Archive)
Incluso para los cinéfilos más acostumbrados, los procesos y las filosofías en torno al archivo de películas pueden ser desconocidas o crípticas. Cuando se trata de cine experimental, esto puede aumentar exponencialmente. Mark Toscano es un conservador de cine en el Academy Film Archive de Los Ángeles, donde se ha especializado en el cuidado, comisariado y restauración de cine experimental durante veinte años. En esta presentación compartirá generalidades, particularidades, anécdotas, excepciones y detalles insólitos sobre su práctica, ampliamente ilustrados con imágenes de su trabajo sobre el cine de artista. Los temas incluirán grano, suciedad, rayas, color, bandas sonoras analógicas, digitales, dibujadas a mano, películas enviadas en contenedores de alimentos y qué ocurre cuando un artista procesa Ektachrome mientras tiene un viaje con LSD.
19:00 There is Something on Your Mind
Mark Toscano presenta un programa de películas experimentales restauradas en Academy Film Archive con la ciudad de Los Ángeles como protagonista.
Domingo 21 enero
18:30 Nitrato lírico. Experimentos con películas de archivo
Como punto final de este Encuentro sobre archivos cinematográficos, Giovanna Fossati propone tres películas de su catálogo que exploran la dimensión estética de los procesos de degradación y descomposición de los soportes fotoquímicos.
Fecha: 18 y 19 enero 2024
Horario: 11.30 – 21.00
Espacio: Auditorio
Precio: Gratuito con reserva

Una comunidad rota, tráiler para «Sala de profesores» de Ilker Çatak

Acaba de ver la luz de la mano de A Contracorriente Films un primer tráiler subtitulada al castellano, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta alemana Sala de profesores (Das Lehrerzimmer). Drama social, con tintes autobiográficos a cargo de Ilker Çatak, I Was, I Am, I Will Be (2019) Stambul Garden (2021), que estuvo presente en la pasada edición del festival de Valladolid y que llegará a los cines de nuestro país el próximo 2 de febrero de 2024.
En Sala de profesores vemos como Carla Nowak, una idealista profesora de matemáticas y deportes, comienza su primer trabajo en una escuela de secundaria. Cuando se producen una serie de robos en la escuela y se sospecha de uno de sus alumnos, decide llegar al fondo del asunto por su cuenta. Carla intenta mediar entre padres indignados, colegas obstinados y estudiantes agresivos, pero se enfrenta a las implacables estructuras del sistema escolar.
La película, con guion a cargo del propio Ilker Çatak junto a Johannes Duncker, está protagonizada por Leonie Benesch, Eva Löbau, Leonard Stettnisch, Michael Klammer, Anne-Kathrin Gummich, Kathrin Wehlisch, Sarah Bauerett, Rafael Stachowiak, Uygar Tamer y Özgür Karadeniz.

Filmin estrenará en 2024 las comedias británicas «Such Brave Girls» y «Dreaming Whilst Black»

Filmin estrenará en 2024 dos series coproducidas y distribuidas por A24, una de las empresas audiovisuales más prestigiosas del mundo, reconocida por su mirada fresca y alternativa y el sello detrás de series como «Euphoria» y de películas como la última ganadora del Oscar a la Mejor Película, «Todo a la vez en todas partes». Se trata de dos comedias británicas que han marcado el año seriéfilo en el Reino Unido: «Such Brave Girls», protagonizada y creada por Kat Sadler, y «Dreaming Whilst Black», escrita y protagonizada por Adjani Salmon.

«Such Brave Girls», emitida en noviembre en BBC Three y estrenada recientemente en Estados Unidos de la mano de Hulu, es una comedia familiar que sigue la vida de dos hermanas, Josie y Billy, que viven junto a su madre soltera y transitan por la vida con poco juicio y cargadas de un peculiar sentido del humor mientras se relacionan con personas que no son de fiar y que no se preocupan demasiado por ellas. La actriz y cómica Kate Sadler, con una amplia experiencia como guionista en diversos programas de humor, tanto televisivos como radiofónicos, firma una serie que además protagoniza junto a su hermana en la vida real, la debutante Lizzie Davidson. Por su parte, la actriz Louise Brealey («Sherlock») interpreta a Deb, la madre de ambas. Tras su estreno en Gran Bretaña y Estados Unidos, la serie ha recibido excelentes críticas. The Hollywood Reporter habla de «un nuevo giro en la comedia británica traumática» y señala a Sadler como «una de las revelaciones del año»; por su parte, The Guardian la define como «adecuadamente brutal y adecuadamente divertida… singular, fresca, escabrosa, insobornable e hilarante».

«Dreaming Whilst Black» ha sido una de las grandes sorpresas de la temporada tras su estreno en verano en BBC Three y su posterior llegada a Estados Unidos de la mano de Paramount+. La serie ha sido nominada a dos Independent Spirit Awards en las categorías de Mejor Nueva Serie y Mejor Nuevo Intérprete, candidatura que ha recaído en la figura de su creador y protagonista, Adjani Salmon («Chivalry»). «Dreaming Whilst Black» es la adaptación de la premiada web-serie homónima que Salmon y Ali Hughes estrenaron en 2018. Inspirada en sus propias vivencias, la serie de Salmon narra la historia de un aspirante a cineasta llamado Kwabena, que sueña con triunfar junto a su amiga de la escuela de cine y productora Amy (Dani Moseley). El problema es que está arruinado, es negro y nació en una familia jamaicana que preferiría que fuese contable. Partiendo del humor, la serie reflexiona sobre asuntos serios como la discriminación, la desigualdad o la historia, y se ha ganado el favor de la crítica a los dos lados del charco: Para The Guardian, «[Dreaming Whilst Black] está rompiendo las reglas de la comedia; mientras que en USA The Daily Best la define como «una de las series más gratificantes del año».

Las dos series llegarán a España, de la mano de Filmin, durante el primer cuatrimestre del 2024.

Invasión arácnida, tráiler y póster español para «Vermin: La plaga»

Uno de los estrenos más esperados en este recién empezado 2024 por parte del aficionado al fantástico es el debut en el largometraje del francés Sébastien Vanicek Vermin: La plaga, película cuyo primer tráiler en español acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que se alzó con el Premio Especial del Jurado en la pasada edición del Festival de Sitges, transita, con un ligero trasfondo social, por la temática de las arañas letales, vista anteriormente en cintas como por ejemplo Kingdom of the Spiders (1977) o Aracnofobia (1990).
En Vermin vemos como Kaleb está a punto de cumplir 30 años y nunca ha estado más solo. Está peleando con su hermana por un asunto de herencia y ha cortado los lazos con su mejor amigo. Apasionado por los animales exóticos, un día llega a casa con una araña muy venenosa que accidentalmente escapa. Estas rápidamente se reproducen y los habitantes del edificio intentarán sobrevivir a una plaga que se sale de control.
La película, con guion a cargo del propio Sébastien Vanicek junto a Florent Bernard, esta protagonizada por Finnegan Oldfield, Sofia Lesaffre, Jérôme Niel, Théo Christine, Lisa Nyarko, Marie-Philomène Nga, Mahamadou Sangaré, Abdellah Moundy, Ike Zacsongo, Emmanuel Bonami, Xing Xing Cheng, Samir Nait y Malik Amraoui.

«Sala:B». Perla Cristal

El comisario G. (en el caso del cabaret) (Fernando Merino, 1975). Int.: Emilio Rodríguez, Tina Sainz, Marisa Medina, Ramón Lillo. España. 35 mm. VO Color. 94’
Emma, puertas oscuras (José Ramón Larraz, 1974). Int.: Susanna East, Perla Cristal, Ángel Menéndez, Marina Ferri. España. DCP. VO Color. 75’
Sesión de homenaje a la veterana actriz Perla Cristal, desenterrando dos “perlas” de su filmografía llenas de crímenes, sangre y mujeres muy perturbadas.
Descubierta por Jess Franco en el circo Price, la argentina Perla Cristal es uno de los nombres más icónicos del cine de género español de los años 60 y 70, dedicándose al terror, el western, el noir, el cine de aventuras, la comedia y hasta el giallo a la española. El comisario G (el caso del cabaret) es una de esas tramas de psicópatas y policías que tanto explotaron los italianos en la época, con montones de asesinatos, chicas de moda como Tina Sainz, Rosa Valenty o Marisa Medina y un misterio por resolver. Perla es la Cobra, una vedette con muchos enemigos que representa la decadencia de ese mundo del cabaret y la noche ante los tiempos de cambio que se veían venir en el país. Además del humor que impregna el guionista José María Palacio (Miedo a salir de noche, Un vampiro para dos…), la película de Merino cuenta con una bombástica banda sonora de funk setentero, cortesía del gran Adolfo Santisteban.
Seguimos con Emma, puertas oscuras de José Ramón Larraz, que continúa la senda de su etapa británica de terror psicológico y jóvenes descarriados (Whirlpool, Deviation, Symptoms), pero esta vez producida aquí por los Estudios Balcázar. Eso sí, sin renunciar a sus mansiones góticas, marca de la casa. Perla Cristal es la madre de Emma (Susanna East), una chica con problemas psiquiátricos que haría buenas migas con la Deneuve de Repulsión. Los personajes femeninos complejos y atormentados siguen siendo la especialidad del director. Larraz acomete una vez más el género centrándose más todavía en el suspense y el manejo de la tensión alrededor de dos o tres set-pieces, logrando un minimalismo muy peculiar que divide la película en dos partes muy diferenciadas, casi dos géneros en sí mismos.” (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de la actriz Perla Cristal y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 190’).

Revisitar fantasmas, tráiler para «Nightwatch: Demons are Forever» de Ole Bornedal

Fue en el año 1994 cuando el realizador danés Ole Bornedal se dio a conocer al gran público con su ópera prima Nightwatch, thriller de terror psicológico que cosecho un gran éxito comercial, lo cual propicio que el propio director tres años más tarde se encargara de remake norteamericano, protagonizado por Ewan McGregor, Patricia Arquette y Nick Nolte.
Tras una trayectoria desarrollada básicamente en su país de origen, solo interrumpida con una nueva incursión en Estados Unidos con la cinta de terror The Possession (2012), Ole Bornedal treinta años después se encarga de la secuela de su primer trabajo tras la cámaras, Nightwatch: Demons are Forever, película cuyo primer tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
En Nightwatch: Demons are Forever vemos como la hija de Martin, Emma, se encuentra con Wörmer en su celda de aislamiento, y esto saca al comisario convicto de su coma y pone en marcha una cadena de fatídicos acontecimientos.
La película, con guion a cargo del propio Ole Bornedal, está protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau, Alex Høgh Andersen,  Kim Bodnia, Sonja Richter, Fanny Bornedal, Paprika Steen, Christopher Læssø y Ulf Pilgaard.

El mal heredado, primer tráiler para «Le Successeur» de Xavier Legrand

No es la primera vez que el francés Xavier Legrand indaga en complejas derivas paternofiliales, si en su anterior Jusqu’à la garde abordaba dicha temática casi a modo de un relato de terror, en Le Successeur, film cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, lo hace a través de una historia que nos deriva en un oscuro thriller. La película, que estuvo presente en la Sección Oficial del pasado Festival de San Sebastián, se estrenará comercialmente en Francia el próximo 22 de marzo de 2024. A España, aún sin fecha de salida, nos llegará de la mano de Bteam.
En Le Successeur vemos como Ellias Barnès, de 30 años, acaba de ser nombrado nuevo director artístico de una famosa casa de moda parisina. Pero cuando las expectativas son altas, empieza a sentir dolores en el pecho. De repente, le reclaman en Montreal para organizar el funeral de su padre, del que está distanciado, y descubre que puede haber heredado algo mucho peor que su débil corazón.
La película, con guion a cargo de Alexandre Postel, está protagonizada por Marc-André Grondin, Yves Jacques, Louis Champagne, Anne-Elisabeth Bossém y Blandine Bury.

Reinterpretando a Robert E. Howard, tráiler para «She is Conann» de Bertrand Mandico

Tras debutar en 2021 con Les garçons sauvages Bertrand Mandico demostró ser uno de esos autores que devienen como sofisticados, y hoy por hoy inimitables, que aúna lo indefinido y lo kitsch. Siguiendo los pasos de su anterior After Blue, Mandico reincide en imaginarios que subvierten géneros en She is Conann, película cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Film, demencial parábola Faustiana de tono glam que reinterpreta al famoso personaje creado por Robert E. Howard, que tuvo su premiere mundial en el pasado Festival de Cannes dentro de la Quincena de Realizadores para meses después estar presente en el Festival de Sitges.
She is Conann nos cuenta como viajando a través del abismo, Rainer, el perro del inframundo, relata las seis vidas de Conann, perpetuamente condenada a muerte por su propio futuro, a través de eras, mitos y edades. Desde su infancia, como esclava de Sanja y su horda bárbara, hasta su ascenso a las cumbres de la crueldad a las puertas de nuestro mundo.
La película, con guion a cargo del propio Bertrand Mandico, está protagonizada por Elina Löwensohn, Agata Buzek, Christa Theret, Nathalie Richard, Yuming Hey, Françoise Brion, Claire Duburcq, Marie Drion, Michaël Erpeling, Audrey Bonnet y Anne Lise Maulin.

FlixOlé y Barreira A+D trabajarán juntos para promover las enseñanzas artísticas y el cine español

La plataforma y el centro valenciano han firmado un convenio de colaboración que permitirá acercar el audiovisual español a los estudiantes de los másteres de cine que ofrece Barreira A+D
FlixOlé y Barreira A+D aúnan esfuerzos para el fomento de las enseñanzas artísticas y la promoción del cine español. La plataforma y el centro han firmado un convenio de colaboración que permitirá dar a conocer la oferta de estudios superiores relacionados con el séptimo arte de la escuela de arte y diseño con el aprendizaje y puesta en valor del audiovisual del país a través de distintas líneas de acción.
Mediante dicho acuerdo, FlixOlé se compromete a apoyar los planes de estudio desarrollados por Barreira A+D en sus másteres de: Guion para cine y nuevos medios, encaminado a que el alumnado conozca a fondo la narrativa audiovisual; Filmmaker, cuyo programa da voz a una de las profesiones emergentes con más futuro; Diseño de Vestuario, enfocado tanto a cine como a teatro y televisión; Dirección de Arte  y  Producción Creativa Digital, centrado este último en las nuevas tecnologías.
“Desde FlixOlé estamos entusiasmados con poder contribuir a la formación que desde hace décadas imparte Barreira A+D. Junto con la escuela, trabajaremos para acercar el cine español a sus alumnos de máster, permitiendo así que las nuevas generaciones de cineastas, guionistas y demás profesionales conozcan nuestro rico y variado patrimonio audiovisual”, han indicado desde la plataforma.

El tejido cinematográfico y el mundo académico
A este respecto, el acuerdo alcanzado por ambas partes contempla un descuento para los estudiantes del centro en la suscripción de FlixOlé. De esta manera, los alumnos podrán acceder a los más de 4.000 títulos del servicio de vídeo bajo demanda. El mismo cuenta con el mayor listado de películas españolas de todos los tiempos, el cual incluye parte de la filmografía de directores como Luis Buñuel, Luis Gª Berlanga, Carlos Saura, Mariano Ozores, Álex de la Iglesia, Icíar Bollaín, Isabel Coixet, Alejandro Amenábar y Fernando León de Aranoa, entre otros. Además, la plataforma dispone de clásicos del cine americano y europeo, pudiéndose visualizar largometrajes de la RKO y westerns.
Los contenidos disponibles en FlixOlé se ponen de este modo al alcance de la labor pedagógica que lleva a cabo el equipo docente de Barreira A+D, integrado por nombres de reconocida trayectoria en la pequeña y gran pantalla del país: como el director de la premiada película de animación Robot Dreams, Pablo Berger; el guionista y realizador, Paco Cabezas; la diseñadora y ganadora de tres premios Goya, Clara Bilbao; el director de series como Mujeres desesperadas y Gossip Girl, David Warren; o la responsable de producción ajena de Movistar Plus+, Leticia Pérez.
Igualmente, la experiencia formativa en clave internacional con la que cuenta la escuela de arte y diseño, a través del Centro Sperimentale di Cinematografia romano, favorece el aprendizaje y promoción del séptimo arte en el exterior.  “Nos satisface enormemente esta colaboración que pone en contacto a los másteres de cine con las referencias del tejido cinematográfico español más actuales, como es el caso de FlixOlé”, concluye por su parte Barreira A+D.

El nacimiento del miedo, tráiler para «Out of Darkness» de Andrew Cumming

Conocida anteriormente con el título de The Origin, el debut en el largometraje del británico Andrew Cumming Out of Darkness, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, nos sitúa en una violenta historia de supervivencia ubicada en el 45.000 a. C. La película, que se pudo ver el pasado año en el London Film Festival o Sitges (critica aquí) entre otros certámenes, tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 9 de febrero de 2024.
Out of Darkness nos sitúa en la antigua Edad de Piedra, un grupo dispar de humanos primitivos se une en busca de una nueva tierra. Durante la travesía, al caer la noche, se darán cuenta de que no están solos, sospechando que un ser malévolo y místico los está persiguiendo. Algo monstruoso anda suelto viéndose obligados a enfrentarse a un peligro que nunca pudieron imaginar.
La película, con guion a cargo del propio Andrew Cumming junto a Ruth Greenberg y Oliver Kassman, está protagonizada por Safia Oakley-Green, Kit Young, Chuku Modu, Iola Evans, Arno Lüning y Luna Mwezi.

Proyecciones Xcèntric: Nitrato lírico. Experimentos con películas de archivo

Como punto final del Encuentro sobre archivos cinematográficos, la curadora en jefe del Eye Filmmuseum, Giovanna Fossati, propone una selección de tres películas de su catálogo que exploran la dimensión estética de los procesos de degradación y descomposición de los soportes fotoquímicos.
Esta sesión presenta una selección de cine experimental proveniente de la colección del Eye Filmmuseum de Ámsterdam. Desde la oda poética al cine mudo de Lyrisch Nitraat, obra maestra del found footage, hasta las exploraciones contemporáneas de la materialidad fílmica de Liquidator y Under Saturn (Act 1), esta proyección profundiza en la reutilización del archivo y explora la visualización de la materialidad, la descomposición y la manipulación digital.
En Lyrisch Nitraat (1991), el cineasta, escritor y antiguo director adjunto del Museo de Cine holandés Peter Delpeut se basa en la colección Desmet (1907-1916) para elaborar un homenaje visualmente impresionante al cine de los orígenes. Este clásico del metraje reencontrado muestra la riqueza de la fotografía, la puesta en escena, la actuación y el color del cine mudo de la Colección Desmet, un tesoro de la Memoria del Mundo de la UNESCO.
El estudio del cineasta experimental Karel Doing sobre la película de no ficción Haarlem (1922) se desarrolla como una exploración fascinante de la materialidad del cine. Concebida durante la restauración de la película original, Liquidator (2010) es un viaje experimental a la descomposición de nitratos dentro del dominio digital.
Creada durante la residencia artística de Alexandra Navratil en el Eye Filmmuseum, Under Saturn (Act 1) (2018) explora la materialidad de las primeras películas de no ficción (1895–1935). Centro en películas industriales relacionadas con el carbón o el petróleo, junto con imágenes microscópicas de células sanguíneas y microorganismos, Navratil utiliza herramientas digitales para proporcionar una perspectiva visual y sonora muy original del material de archivo.
Lyrisch Nitraat, Peter Delpeut, Países Bajos, 1991, 35mm, 50′. Liquidator, Karel Doing, Países Bajos, 2010, digital, 8′. Under Saturn (Act 1), Alexandra Navrtil, Países Bajos, 2018, digital, 10′.
Proyección en DCP, cortesía del Eye Filmmuseum.
Fecha: 21 enero 2024
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

 

Béla Tarr visitará España para presentar un ciclo dedicado a su filmografía

El prestigioso cineasta húngaro, recientemente reconocido con el galardón honorífico de la Academia de Cine Europeo, introducirá las proyecciones de algunas de sus películas más conocidas: «Sátántangó» (1994), «El Caballo de Turín» (2011) o «El hombre de Londres» (2007), también disponibles en Filmin.
Filmin, la Filmoteca de Catalunya, l’Acadèmia del Cinema Català, la Escuela de Cine de Barcelona (ECIB) y Zumzeig rendirán un gran homenaje al cineasta húngaro Béla Tarr (1955), considerado uno de los directores más influyentes y visionarios del cine contemporáneo, el próximo mes de enero de 2024. El prestigioso realizador visitará España para presentar varias de las proyecciones programadas en la Filmoteca catalana y en Zumzeig (Barcelona), entre las cuales destacan «El Caballo de Turín» (2011), «Armonías de Werckmeister» (2000) o «Sátántangó» (1994), su monumental obra de culto de 450 minutos que adapta la novela de László Krasznahorkai y que está considerada como una de las mejores películas de la historia del cine.

Tarr, cuya última película fue «El Caballo de Turín» –Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín–, ha recibido este año el galardón honorífico concedido por la Academia del Cine Europeo, quienes destacan sus cualidades de director «legendario» y «excepcional«, así como la trascendencia de su cinematografía: «aclamada por espectadores a nivel internacional».

El cineasta también ofrecerá una rueda de prensa en la Filmoteca de Catalunya (9 de enero, 10.30h), dos clases magistrales para los alumnos de la ECIB y participará en un encuentro con los guionistas de la Residència de Guions de l’Acadèmia de Cinema Català. La visita de Tarr a España ha sido promovida por el cineasta Manel Raga, quien fue su alumno en la film.factory de Sarajevo.

Además de las sesiones que programarán la Filmoteca de Catalunya y Zumzeig, la plataforma Filmin ofrece un ciclo exclusivo que incluye las películas «Nido familiar» (1979), «The Outsider» (1981), «La Condena» (1988), «Sátántangó» (1994), «Armonías de Werckmeister» (2000), «El hombre de Londres» (2007) y «El Caballo de Turín» (2011).

Las proyecciones del ciclo programadas son las siguientes:
Martes 9 de enero, 20.00: Armonías de Werckmeister (Filmoteca)*
Miércoles 10 de enero, 19.00: Nido familiar (Zumzeig)*
Jueves 11 de enero, 20.00: El Caballo de Turín (Filmoteca)*
Viernes 12 de enero, 19.00: El intruso (Zumzeig)*
Sábado 13 de enero, 19.00: La condena (Zumzeig)*
Domingo 14 de enero, 16.00: Sátántangó (Filmoteca)
Miércoles 17 de enero, 21.00: Gente prefabricada (Filmoteca)
Viernes 19 de enero, 20.00: Almanaque de otoño (Filmoteca)
Sábado 20 de enero, 20.00: Armonías de Werckmeister (Filmoteca)
Miércoles 24 de enero, 20.00: Almanaque de otoño (Filmoteca)
Domingo 28 de enero, 18.00: Gente prefabricada (Filmoteca)
Miércoles 31 de enero, 20.00: El hombre de Londres (Filmoteca)

*Con presentación a cargo de Béla Tarr

Amor, mentiras y sangre, primer tráiler para «Love Lies Bleeding» de Rose Glass

Tras debutar hace tres años con Saint Maud, exploración psicológica de un alma atormentada colindante al fantástico, la realizadora Rose Glass se adentra en su segundo trabajo tras las cámaras en el thriller con Love Lies Bleeding, película cuyo primer tráiler vía A24 acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, que tendrá su premiere mundial en la próxima edición del Festival de Sundance que se celebra entre los días 18 y 28 de enero, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el 8 de marzo de 2024.
En Love Lies Bleeding vemos la relación que establece Lou, la solitaria directora de un gimnasio, con Jackie, una ambiciosa culturista que se dirige a Las Vegas en busca de su sueño. Su relación sentimental se verá enturbiada por la llama de la violencia, arrastrándolas al seno de la familia criminal de Lou.
La película, con guion a cargo de la propia Rose Glass junto a Weronika Tofilska, está protagonizada por Kristen Stewart, Katy O’Brian, Jena Malone, Anna Baryshnikov, Dave Franco, Ed Harris, Yvette Fazio-Delaney, Jerry G. Angelo y David DeLao.

El western contemporáneo, Marguerite Duras y Cine y Ciencia inauguran el cine de Tabakalera de 2024

La oferta de 2024 incidirá en impulsar el nuevo talento joven a través de la programación de la pantalla compartida.
El bono de cine y las entradas para las proyecciones estarán disponibles a partir del 15 de diciembre en la web y en el Punto de Información de Tabakalera.
Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2024, que dará comienzo el 11 de enero, de la mano de la propuesta elaborada por las entidades que programan en la pantalla compartida de Tabakalera: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.
Uno de los principales objetivos del programa de 2024 es atraer nuevos públicos a la sala de cine del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Para ello, se han diseñado propuestas de programación específicas que han contado con la participación de UPV/EHU y EQZE, entre otros.
Grupo de programación UPV/EHU
A partir del 25 de enero, jueves,y  hasta junio un grupo de estudiantes de la UPV/EHU programará la sala de cine de Tabakalera una vez al mes. El hilo conductor del ciclo será la banda sonora de las películas y la primera que han elegido es Blade Runner de Ridley Scott (1982). El objetivo de abrir la pantalla al gusto de los estudiantes de la UPV/EHU es generar nuevos públicos para la sala de cine.
Por otro lado, el grupo de estudiantes de la especialidad de Comisariado del Curso 2023-2024 de EQZE está trabajando de forma colectiva en la definición de un programa público de cine que se concentrará en la semana que comienza el 8 de abril. Este programa, organizado junto con Tabakalera, será el resultado de un trabajo de reflexión y debate en torno a la curadoría cinematográfica y la programación de cine.
Asimismo, la pantalla de cine de Tabakalera servirá para promover y poner en relación con el público de la sala el talento audiovisual que llega al centro a través de sus diversos programas de residencias y de convocatorias, promovidas por las entidades que conforman la pantalla compartida, y que ha ido articulando progresivamente un sistema de apoyo a la creación, con iniciativas como NEST, Noka e Ikusmira Berriak.

Nosferatu: Western USA contemporáneo
El próximo 17 de enero comenzará el  ciclo Nosferatu, Western USA contemporáneo 1962-2021, con la proyección de Duelo en la Alta Sierra (Ride the High Country, 1962), dirigida por Sam Peckinpah. El ciclo, organizado por Donostia Kultura y la Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – Filmoteca de la Generalitat Valenciana, se desarrollará entre enero y diciembre de 2024.
El ciclo atraviesa seis décadas de westerns crepusculares, dirty westerns con influencias europeas, la aproximación de los cineastas de la “generación de la violencia” (Richard Brooks, Don Siegel) o el “nuevo Hollywood” (Robert Altman, Michael Cimino), los diferentes intentos por revitalizar el género en las décadas de los 80 –Silverado (Lawrence Kasdan, 1985)– y 90 –Bailando con lobos (Dances with Wolves; Kevin Costner, 1990)–, el impulso que supuso el gran éxito crítico y comercial de Sin perdón (Unforgiven; Clint Eastwood, 1992)… hasta los trabajos más recientes de Kelly Reichardt –First Cow (2019)– o Jane Campion –El poder del perro (The Power of the Dog, 2021)–.
En el primer trimestre del año se han programado filmes dirigidos por cineastas como John Ford, Henry Hathaway, Richard Mulligan, John Sturges, Richard Brooks o Sam Peckinpah por partida doble con las fundamentales Duelo en la Alta Sierra y Grupo salvaje.
El ciclo se acompañará de la edición de dos libros, uno en castellano y otro en euskera. El primero, Western USA 1962-1992, nº 20, de la Colección Nosferatu, ha sido coordinado por Carlos Aguilar y Pablo Fernández, y se publicará a principios de año. El segundo, coordinado por Iñigo Marzabal, nº 12 de la Nosferatu Bilduma, se editará a finales de 2024.

Séptima edición de Cine y ciencia
La Filmoteca Vasca comenzará el año con la séptima edición del ciclo Cine y ciencia, que organiza en colaboración con el DIPC (Donostia International Physics Center) y el Festival de San Sebastián. Esta edición comenzará con la proyección de Oppenheimer (Christopher Nolan, 2023). La cita tendrá lugar el 11 de enero (jueves) y contará con la presentación del físico y presidente del DIPC, Pedro Miguel Etxenike, un gran conocedor de la figura de Robert Oppenheimer. La charla comenzará a las 18:00, mientras que la proyección será a las 19:00.
Un ciclo que se sirve de la universalidad del lenguaje cinematográfico para mostrar la profundidad del pensamiento científico; y cuyo objetivo sigue siendo la transmisión de cultura cinematográfica y científica. Las diez películas que conformarán el ciclo serán anunciadas a principios de enero.
En primavera tendrá lugar el ciclo Klasikoak, que rescatará obras maestras de la historia del cine; y en julio, la séptima edición de Jazzinema. El 2024 finalizará con Cineastas Vascas IV, un encuentro para poner de relieve el trabajo de las realizadoras vascas.

Marguerite Duras y Bas Devos
Tabakalera se ha caracterizado desde sus inicios por impulsar el cruce entre distintas disciplinas creativas. Hace varios años dio comienzo el primer ciclo de estas características Banda Sonora Original, en el que son protagonistas la música y el cine. A partir de enero comenzará un nuevo cruce, cine y literatura que se centrará en la figura de la escritora y cineasta Marguerite Duras. El ciclo se compondrá de una sesión de cine mensual relacionada con la escritora y cineasta, junto con una presentación a cargo de un escritor o escritora. Miren Agur Meabe será la primera invitada del ciclo, que ofrecerá el día 12 de enero de 2024 una sesión sobre la película Le Camion, de 1977.
Otra de las características de la programación de cine de la pantalla compartida de Tabakalera es la de ofrecer espacio al cine contemporáneo que se presenta en el circuito de festivales internacionales. Por ello,  desde el 13 de enero al 24 de febrero se ofrecerá toda la filmografía del director y guionista belga Bas Devos. Sus primeros dos largometrajes, Violet y Hellhole, se estrenaron en la Berlinale. Su tercera película, Ghost Tropic, se proyectó como película de clausura en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes de 2019. Su último largometraje, Here ganó la sección Encounters de la Berlinale y estuvo en la sección Zabaltegi-Tabakalera del último festival de San Sebastián.
Además, Tabakalera continuará promoviendo el acercamiento entre cineastas y público, y lo hará gracias a proyectos como Cine hablado, que propone un espacio de encuentro para que directores/as charlen en la sala de cine sobre el proceso de creación de sus películas. El ciclo contará con Fermin Muguruza el próximo domingo, 17 de diciembre,  con la proyección de Bidasoa 2018-2023 y continuará en 2024 con Jaione Camborda, Isabel Herguera, Ion de Sosa, Celia Rico y Alberto Martín Menacho, entre otros.
Por último, se sucederán nuevas ediciones de cine familiar con Kameleoiak Gara! y el ciclo de Cine contemporáneo.

Sostenibilidad, el cortometraje, Artxiboa y Premios Donostia: cuarto año de “Zinemaldia + Plus”
Por cuarto año consecutivo, el Festival de San Sebastián programará en la pantalla compartida a través del ciclo Zinemaldia + Plus, un foco anual vinculado a los programas y contenidos de Z365, el Festival de todo el año del Festival de San Sebastián. El 10 de febrero habrá una sesión relacionada con el proyecto de sostenibilidad, organizada en colaboración con el European Climate Foundation, que reflexionará sobre las narrativas alternativas relacionadas con el cambio climático. La sesión del 6 de abril estará ligada al cortometraje, mientras que el 15 de junio se dedicará a Artxiboa y en particular a la presentación de algunas de las investigaciones resultado de la primera edición de las becas José Ángel Herrero-Velarde. Por último, en septiembre, tendrán lugar las tradicionales proyecciones conectadas a la filmografía de los Premios Donostia de la edición.

Bono de cine 2024 y venta de entradas
El bono de cine de Tabakalera se renueva por otro año, y ofrecerá a las personas usuarias la entrada por 120€ a 40 películas de entre todas las programadas por las instituciones socias de la pantalla compartida a lo largo de 2024: Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera, a excepción de las películas programadas durante el Festival de San Sebastián 2024.
Un año más, la compra del bono incluye una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: Polar frantziarra o Western USA 1962-1992.
El bono se podrá adquirir a partir del 15 de diciembre de 2023 a las 12:00 del mediodía, hasta el 31 de enero de 2024 a las 12:00, tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro. También se abrirá en esa misma fecha y hora y en los mismos espacios la venta de entradas ordinarias correspondientes a las proyecciones del mes de enero.
El consumo del bono podrá realizarse desde el 1 de enero de 2024 hasta el 31 de diciembre de 2024 (ambos incluídos), y todas las gestiones vinculadas al bono podrán realizarse tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro: comprar el bono, enviarlo como regalo a otra persona, adquirir entradas para películas con el descuento del bono o consultar el saldo disponible.
Toda la información relacionada con el bono de cine 2024 y las proyecciones previstas para el mes de enero se podrán consultar en la web de Tabakalera.

 

Relaciones peligrosas, primer tráiler para «Miller’s Girl» de Jade Halley Bartlett

Acaba de ver la luz vía Lionsgate un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del thriller psicológico Miller’s Girl, debut en el largometraje de la realizadora Jade Halley Bartlett que explora las complejas relaciones que se establece entre un profesor y una estudiante. La película, que tendrá su premier mundial en el marco del festival de Palm Springs, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 26 de enero de 2024.
En Miller’s Girl vemos como una escritora joven y talentosa inicia un viaje creativo cuando su profesor le asigna un proyecto que los sumerge a ambos en una trama cada vez más complicada. A medida que se confunden los límites y sus vidas se entrelazan, el profesor y su alumna deberán enfrentar sus propios miedos y deseos, mientras tratan de preservar sus objetivos personales y aquello que más desean.
La película, con guion a cargo del propia Jade Halley Bartlett, está protagonizada por Martin Freeman, Jenna Ortega, Gideon Adlon, Bashir Salahuddin, Dagmara Domińczyk y Christine Adams.

«Power Play», la última ganadora del Festival de Cannes de Series, llega a Filmin el 19 de diciembre

Esta ácida comedia política, creada por Johan Fasting («Home Ground»), narra la historia de Gro Harlem Brundtland, la primera mujer que llegó al poder en Noruega en los años 80.
Filmin estrena el próximo martes 19 de diciembre, en exclusiva en España, la serie noruega Power Play, creada por Johan Fasting («Home Ground») y dirigida por Yngvild Sve Flikke («Ninjababy»). Fue la ganadora del premio a la Mejor Serie en la última edición del Cannes International Series Festival, donde además se llevó el premio a la Mejor Música; y se presentó en España en la primera edición del  South International Series Festival de Cádiz.
«Power Play» es una ficción basada en hechos reales que narra, en tono de sátira política, la historia de Gro Harlem Brundtland, figura muy conocida en Noruega por ser la primera mujer proclamada Primera Ministra del país, cargo que ostentó hasta en tres legislaturas distintas. Con 35 años, esta doctora y madre de cuatro hijos entró en la esfera pública sin conocer las reglas del juego que imperan en los pasillos del poder. A pesar de ser contratada como un rostro femenino que sirviera de bálsamo para las reivindicaciones feministas, y de ser relegada a un ministerio de Medio Ambiente prácticamente simbólico, Bruntland mantuvo a salvo su carrera trabajando más que nadie. Llegó al cargo de Primera Ministra, pero no sin pagar un alto precio por ello. De la noche a la mañana perdió su popularidad y fue insultada y ridiculizada en las portadas de los medios de comunicación. Sus hijos sufrieron abuso en la escuela y el matrimonio con su marido, el político conservador Arne Olev, estuvo siempre en la cuerda floja.

La serie, rodada en 16 mm y con un gran diseño de producción, nos hace viajar hasta los años 70 con una estética definida por los productores como «una única y anárquica energía visual» que incluye rupturas abruptas de la cuarta pared y un grafismo que nos remite al mundo del cómic. El objetivo es que una serie ambientada en el pasado resulte fresca y pueda interesar a una audiencia joven y moderna.

En palabras de la productora Camilla Brusdal, «vivimos un momento decisivo. La solidaridad de posguerra es cosa del pasado y soplan los vientos del capitalismo. Esta serie es una panorámica que retrata cómo el juego político ha llevado a la socialdemocracia a la ruina y ha abierto la puerta a una nueva era política donde la democracia ya no reside en el pueblo, sino en una élite que se ha instalado en el poder«. Partiendo de esta premisa, «Power Play» recupera y reivindica la figura de Gro Harlem Brundtland, afirmando que hubo un antes y un después en Noruega tras su paso por el gobierno. «Actualmente, seis de cada diez personas con educación superior en Noruega son mujeres. El aborto es un derecho reconocido, los hombres cuentan con una baja de paternidad y tenemos un sistema público de guarderías gratuitas. Todo esto era impensable antes. ¿Cómo una mujer pudo cambiar una nación y toda la estructura social en tan poco tiempo? ¿Fue simplemente una mujer que llegó en el momento y el lugar adecuados?«, se pregunta Brusdal.

La actriz Kathrine Thorborg Johansen, vista en series como «Home Ground» o «El gran fondo», encabeza un reparto en el que también encontramos a Jan Gunnar Røise («Perni») y Anders Baasmo Christiansen («Exit»).

Los muertos caminan, primer tráiler para «Handling the Undead»

La esperada adaptación al cine de la novela de John Ajvide Lindqvist (Let the Right One In) Handling the Undead acaba de estrenar un primer tráiler subtitulado al inglés vía Neon, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Dirigida por la debutante Thea Hvistendahl, Handling the Undead, que tendrá su premiere mundial en el próximo Festival de Sundance, nos cuenta una historia de terror psicológico que parece estar situada a medio camino entre Les revenants de Robin Campillo y el Pet Sematary de Stephen King.
Handling the Undead, que en nuestro país se conocerá con el título de Descansa en paz, nos sitúa en un caluroso día de verano en la ciudad de Oslo, en donde vemos como la gente no puede apagar la luz ni los aparatos eléctricos. De forma repentina los muertos despiertan misteriosamente, y tres familias se ven sumidas en el caos cuando sus seres queridos fallecidos vuelven a ellos. ¿Quiénes son y qué quieren?
La película, que se estrenará en su país de origen el próximo 9 de febrero de 2024, cuenta con un guion adaptado a cargo de los propios John Ajvide Lindqvist y Thea Hvistendahl, estando protagonizada por Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Bahar Pars, Bjørn Sundquist y Bente Børsum.

FlixOlé las primeras películas de Manuel Summers: Del rosa…al amarillo y La niña de luto

La plataforma estrena ambos títulos junto a una colección con las películas del realizador sevillano, desde el documental de culto ‘Juguetes rotos’ hasta las rodadas con cámara oculta.
Ingenioso a la par que chistoso, Manuel Summers desarrolló una inusual trayectoria como humorista gráfico. También como director de cine, siendo uno de los autores de cabecera del audiovisual español por la originalidad y no menos comicidad con la que retrató a todo un país y sus gentes. La plataforma FlixOlé reivindica las viñetas cinematográficas de este creador, a menudo olvidado, con el estreno el próximo jueves 7 de diciembre de su ópera prima, Del rosa…al amarillo (1963), y su siguiente filme La niña de luto (1964).
La carta de presentación de este realizador recién salido del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC) fue un romance narrado desde una perspectiva distinta a la que acostumbraba verse en la gran pantalla de la época. A través de inocentes dibujos de corazones dibujados en un pupitre de escuela y las misivas de amor intercambiadas en una residencia, Manuel Summers reflejó en Del rosa…al amarillo el despertar del enamoramiento en una pareja de preadolescentes, y el amor que se profesaban a escondidas dos ancianos en un asilo de monjas.
El director logró tocar la fibra de público y crítica mediante dos historias independientes que representaban los nervios del primer amor y el poder rejuvenecedor del sentimiento en la senectud. Asimismo, conectaba al espectador con ese niño que un día fue y le hacía olvidarse del mundo adulto recordándole cuando pasaba las tardes con las chapas o se dejaba pillar al ‘rescatao’ para coger la mano de la chica que le gustaba.

Cristina Galbó y Pedro Díez del Corral, protagonistas en ‘Del rosa…al amarillo’

Concha de Plata en el Festival de San Sebastián
El director logró tocar la fibra de público y crítica mediante dos historias independientes que representaban los nervios del primer amor y el poder rejuvenecedor del sentimiento en la senectud. Asimismo, conectaba al espectador con ese niño que un día fue y le hacía olvidarse del mundo adulto recordándole cuando pasaba las tardes con las chapas o se dejaba pillar al ‘rescatao’ para coger la mano de la chica que le gustaba.
La cinta obtuvo la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián, y supuso la primera conquista comercial del denominado ‘Nuevo Cine Español’. En su debut como realizador, Summers contribuyó a que el séptimo arte nacional abrazase la modernidad con una película sencilla en apariencia, que no dejaba de lado la crítica, y que combinaba elementos propios del neorrealismo italiano y la nouvelle vague.
El peso de la tradición en La niña de luto
Junto la ópera prima de Manuel Summers, la plataforma también estrenará en su catálogo La niña de luto (1964). Nominada a la Palma de Oro en Cannes, este episodio sobre el amor durante la madurez se incluía en un principio en Del rosa…al amarillo, pero finalmente se convirtió en una película independiente. La misma presentaba a Rocío (Mª José Alfonso) y Rafael (Alfredo Landa), una pareja de un pueblo andaluz que se ve obligada a aplazar su boda debido al luto que ella debe guardar por la muerte de su abuela. Cuando por fin puede contraer matrimonio, fallece su abuelo, teniendo que vestir de nuevo el negro. Cansado de la situación, Rafael le propone a Rocío huir y vivir lejos de allí.
Mientras que en Del rosa…al amarillo, los obstáculos que evitaban el triunfo del amor eran institucionales -el profesor en el caso de los adolescentes, las monjas en el de los ancianos-, en La niña de luto son los puritanos convencionalismos de la sociedad. Con estos mimbres, y buenas dosis de humor negro, Summers perfiló un tierno y a la vez amargo testimonio social y político de la España de entonces.

María José Alfonso y Alfredo Landa, compartiendo plano en ‘La niña de luto’

Colección Manuel Summers
Una práctica que continuó desarrollando en películas sucesivas: ya fuese abordando el tema del adulterio en plena dictadura del nacionalcatolicismo,  El juego de la oca (1965); rindiendo homenaje a viejas glorias en Juguetes rotos (1967), documental que sufrió numerosos cortes por parte de la censura; o sumándose a la fiebre de comedias erótico-festivas como No somos de piedra (1968).
Estos títulos estarán disponibles en la colección que FlixOlé estrenará el próximo 7 de diciembre para recordar al cineasta sevillano, y que incluyen las dos nuevas incorporaciones de la plataforma. En dicho especial se podrán encontrar también otros largometrajes con los que Summers demostró la facilidad que tenía en innovar: Adiós, cigüeña, adiós (1971), exitoso filme sobre el descubrimiento sexual en la adolescencia; la secuela de ésta, El niño es nuestro (1973); la famosa trilogía de cámara oculta, formada por ¡To er mundo e güeno! (1981), To er mundo e… ¡mejó! (1982) y To er mundo e… ¡Demasiao! (1985); así como el retrato autobiográfico que filmó en Me hace falta un bigote (1986).

 

Una oscura estabilidad familiar, tráiler para «Best Wishes to All» de Yûta Shimotsu

Fue una de las sorpresas de la última edición del Festival de Sitges, la ópera prima de Yûta Shimotsu Best Wishes to All, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone la adaptación al largometraje del corto homónimo del  mismo director. Película situada a medio camino entre lo extraño del cine de Kiyoshi Kurosawa y un trazo bizarro digno de un Hitoshi Matsumoto o Junji Ito, Best Wishes to All cuestiona, a modo de cuento de terror, la estabilidad familiar y el sacrificio generacional que conduce a una supuesta armonía social.
 En Best Wishes to All vemos como una joven estudiante de enfermería visita a sus abuelos en el campo. La reunión familiar se inicia de forma placentera, pero poco a poco el reencuentro se convierte en algo extraño e incómodo. ¿El motivo? Hay algo en la casa de los abuelos. Tras descubrir ese secreto, su vida feliz se convertirá en un infierno.
La película, producida por Takashi Shimizu y guion adaptado a cargo de Rumi Tsunoda, está protagonizada por Kotone Furukawa y Kôya Matsudai.

«Sala:B». Las aventuras de Enrique y Ana/Las aventuras de Zipi y Zape

Las aventuras de Enrique y Ana (Ramón Fernández, 1981). Int: Enrique del Pozo, Ana Anguita, Amparo Soler Leal, Luis Escobar. España. 35 mm. Color. 91’
Las aventuras de Zipi y Zape (Enrique Guevara, 1981). Int: Francisco Javier Valtuille, Luis María Valtuille, Mary Santpere, Alfredo Luchetti. España. BSP. Color. 93’
Como todos los años por estas fechas, «Sala:B» recurre al cine para niños que no pone límites a su imaginación, aunque se adentre en terrenos tan extravagantes y caóticos como los de la serie B más insobornable.
Las aventuras de Enrique y Ana fue dirigida con no pocos medios por Tito Fernández, responsable de comedias tan populares como No desearás al vecino del 5º o Sor Ye-ye, pero eso no impidió que la película conservara la heterodoxia pop del grupo original. En la creación del dúo de Enrique y Ana, las influencias de artistas como Miguel Bosé, Rafaella Carrá o Rafael Trabucchelli de Hispavox (productor de Raphael, Jeanette, Perales, María Ostiz…) aportaron una visión y una solidez poco frecuente en los productos infantiles prefabricados por casas de discos. Y a pesar del repentino éxito y del tamaño considerable de esta producción, se supo conservar ese tono insolente que se apartaba de la tradición infantil ñoña de Los Payasos de la Tele o de las rancias películas de Parchís. Sin duda, el que más experiencia tenía en la serie B más desvergonzada es el guionista Luis Revenga, que venía de dirigir Caperucita y roja (1976, «Sala:B» 4) y de colaborar ni más ni menos que con Jess Franco en Bésame monstruo y El caso de las dos bellezas, con las que comparte ese sano anarquismo juvenil. Así, Revenga convertía la clásica trama del concurso musical en una fantasía delirante que bebía desde Flash Gordon o Pipi Calzaslargas hasta el punk de la movida madrileña (los Punkitos) o The Rocky Horror Picture Show.
Las aventuras de Zipi y Zape, estrenada unos meses después, no oculta que es una exploitation del cine infantil de la época, parida en este caso por dos insubordinados como Ricard Reguant y Enrique Guevara, entrenados en el cine del destape y las clasificadas “S” barcelonesas. De nuevo, esa rebeldía permite que los personajes de Escobar mantengan su frescura sin edulcorar. Incluso más, porque la película de Guevara parece abrazar la incorrección que anida en la pareja de Don Pantuflo y la sumisa Jaimita, la sirvienta con blackface o la misoginia del gángster. Al final, lo mejor es ese atroz mundo adulto que rodea a los traviesos hermanos y las surrealistas parodias de personajes de moda como la Masa (Hulk) o los Ángeles de Charlie.
Presentación a cargo de la podcaster y escritora Beatriz Cepeda (Perra de Satán) y Álex Mendibil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 204’).

 

El comienzo de una odisea, primer tráiler de «Furiosa: A Mad Max Saga»

Será indiscutiblemente uno de los platos fuertes del próximo año, el veterano George Miller vuelve con una nueva entrega de la saga del mundo distópico que creó hace más de 40 años con Furiosa: A Mad Max Saga, película cuyo primer tráiler de la mano de Warner Bros. acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster promocional. El film, que nos situará varias décadas antes de los hechos narrados en Mad Max: Fury Road, tiene previsto un estreno mundial para el próximo 24 de mayo de 2024.
La película nos muestra como al caer el mundo, la joven Furiosa es arrebatada del Lugar Verde de Muchas Madres y cae en manos de una gran Horda de Motoristas liderada por el Señor de la Guerra Dementus. Arrasando el Páramo, se topan con la Ciudadela presidida por El Inmortan Joe. Mientras los dos Tiranos luchan por el dominio, Furiosa debe sobrevivir a muchas pruebas mientras reúne los medios para encontrar el camino de vuelta a casa.
Furiosa: A Mad Max Saga, con guion a cargo del propio George Miller junto a Nick Lathouris, está protagonizada por Anya Taylor-Joy, Chris Hemsworth, Tom Burke, Angus Sampson, Daniel Webber, Nathan Jones, Goran D. Kleut, Lachy Hulme, CJ. Bloomfield, Rahel Romahn, Robert McFarlane y David Collins.

Proyecciones Xcèntric: Tom Chomont / Robert Beavers. Un jardín de espejos

Spiracle (Robert Beavers, 1966)

La intimidad, los afectos y los intercambios creativos entre Tom Chomont y Robert Beavers quedan materializados en estas películas en las que ambos cineastas desarrollan paralelamente la posibilidad de un cine lírico en la frontera entre el retrato y el drama psicológico, el erotismo y la estilización formal. Sus frenéticas meditaciones nos ofrecen visiones complementarias de la escisión del sujeto y la exploración de la sexualidad.
La complejidad rítmica y las narraciones elípticas de las películas de Gregory J. Markopoulos inspiraron a los jóvenes Chomont y Beavers para realizar un cine personal en el que la musicalidad del montaje expresa el flujo psíquico de sus personajes. Partiendo de una premisa retratística y a veces vagamente narrativa, ambos sitúan a sus sujetos (en varias ocasiones, el propio Beavers en las películas de Chomont y Chomont en las de Beavers) en un tiempo suspendido vertebrado por la repetición de instantes y el entrecruzamiento de gestos y motivos, confiriendo a cada imagen una gravedad carnal y metafísica.
Durante el periodo recogido en este programa, ambos cineastas desplegaron su riqueza formal reflejando estados anímicos sombríos relacionados con traumas personales. En el caso de Chomont, mediante su uso intenso de las superposiciones, las imágenes en espejo, la alternancia entre el material en positivo y negativo y la intervención directa sobre la película, multiplicando las simetrías en la superficie del plano, convertido en un mandala. Por su parte, Beavers articula frecuentes referencias musicales, pictóricas y literarias con el empleo de ligeros movimientos de cámara, variaciones de enfoque y el uso reiterado de las máscaras geométricas y los filtros de múltiples colores, que convergen en una imagen de la alienación con el propio cuerpo y con el espacio urbano.
Tom Chomont: Ophelia/The Cat Lady, 1969, 2’; Love Objects, 1971, sin sonido, 16’; The Mirror Garden, 1967, sin sonido, 4’; Epilog/Siam, 1968, sin sonido, 5’; Jabook, 1967, sin sonido, 3’; Phases of the Moon, 1968, sin sonido, 3’; Oblivion, 1969, sin sonido, 4’. Robert Beavers: Spiracle, 1966, 12’; The Count of Days, 1969, 21’; Palinode, 1970, 21’.
Proyección en 16 mm.
Copias de Tom Chomont procedentes de The Film-Makers’ Cooperative. Copia de Spiracle de Filmarchiv Schönecker. Copias de The Count of Days y Palinode procedentes de The Temenos Archives, con agradecimientos al artista.
Fecha: 28 enero 2024
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.