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Proyecciones Xcèntric: Nitrato lírico. Experimentos con películas de archivo
Como punto final del Encuentro sobre archivos cinematográficos, la curadora en jefe del Eye Filmmuseum, Giovanna Fossati, propone una selección de tres películas de su catálogo que exploran la dimensión estética de los procesos de degradación y descomposición de los soportes fotoquímicos.
Esta sesión presenta una selección de cine experimental proveniente de la colección del Eye Filmmuseum de Ámsterdam. Desde la oda poética al cine mudo de Lyrisch Nitraat, obra maestra del found footage, hasta las exploraciones contemporáneas de la materialidad fílmica de Liquidator y Under Saturn (Act 1), esta proyección profundiza en la reutilización del archivo y explora la visualización de la materialidad, la descomposición y la manipulación digital.
En Lyrisch Nitraat (1991), el cineasta, escritor y antiguo director adjunto del Museo de Cine holandés Peter Delpeut se basa en la colección Desmet (1907-1916) para elaborar un homenaje visualmente impresionante al cine de los orígenes. Este clásico del metraje reencontrado muestra la riqueza de la fotografía, la puesta en escena, la actuación y el color del cine mudo de la Colección Desmet, un tesoro de la Memoria del Mundo de la UNESCO.
El estudio del cineasta experimental Karel Doing sobre la película de no ficción Haarlem (1922) se desarrolla como una exploración fascinante de la materialidad del cine. Concebida durante la restauración de la película original, Liquidator (2010) es un viaje experimental a la descomposición de nitratos dentro del dominio digital.
Creada durante la residencia artística de Alexandra Navratil en el Eye Filmmuseum, Under Saturn (Act 1) (2018) explora la materialidad de las primeras películas de no ficción (1895–1935). Centro en películas industriales relacionadas con el carbón o el petróleo, junto con imágenes microscópicas de células sanguíneas y microorganismos, Navratil utiliza herramientas digitales para proporcionar una perspectiva visual y sonora muy original del material de archivo.
Lyrisch Nitraat, Peter Delpeut, Países Bajos, 1991, 35mm, 50′. Liquidator, Karel Doing, Países Bajos, 2010, digital, 8′. Under Saturn (Act 1), Alexandra Navrtil, Países Bajos, 2018, digital, 10′.
Proyección en DCP, cortesía del Eye Filmmuseum.
Fecha: 21 enero 2024
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Béla Tarr visitará España para presentar un ciclo dedicado a su filmografía
El prestigioso cineasta húngaro, recientemente reconocido con el galardón honorífico de la Academia de Cine Europeo, introducirá las proyecciones de algunas de sus películas más conocidas: «Sátántangó» (1994), «El Caballo de Turín» (2011) o «El hombre de Londres» (2007), también disponibles en Filmin.
Filmin, la Filmoteca de Catalunya, l’Acadèmia del Cinema Català, la Escuela de Cine de Barcelona (ECIB) y Zumzeig rendirán un gran homenaje al cineasta húngaro Béla Tarr (1955), considerado uno de los directores más influyentes y visionarios del cine contemporáneo, el próximo mes de enero de 2024. El prestigioso realizador visitará España para presentar varias de las proyecciones programadas en la Filmoteca catalana y en Zumzeig (Barcelona), entre las cuales destacan «El Caballo de Turín» (2011), «Armonías de Werckmeister» (2000) o «Sátántangó» (1994), su monumental obra de culto de 450 minutos que adapta la novela de László Krasznahorkai y que está considerada como una de las mejores películas de la historia del cine.
Tarr, cuya última película fue «El Caballo de Turín» –Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín–, ha recibido este año el galardón honorífico concedido por la Academia del Cine Europeo, quienes destacan sus cualidades de director «legendario» y «excepcional«, así como la trascendencia de su cinematografía: «aclamada por espectadores a nivel internacional».
El cineasta también ofrecerá una rueda de prensa en la Filmoteca de Catalunya (9 de enero, 10.30h), dos clases magistrales para los alumnos de la ECIB y participará en un encuentro con los guionistas de la Residència de Guions de l’Acadèmia de Cinema Català. La visita de Tarr a España ha sido promovida por el cineasta Manel Raga, quien fue su alumno en la film.factory de Sarajevo.
Además de las sesiones que programarán la Filmoteca de Catalunya y Zumzeig, la plataforma Filmin ofrece un ciclo exclusivo que incluye las películas «Nido familiar» (1979), «The Outsider» (1981), «La Condena» (1988), «Sátántangó» (1994), «Armonías de Werckmeister» (2000), «El hombre de Londres» (2007) y «El Caballo de Turín» (2011).
Las proyecciones del ciclo programadas son las siguientes:
Martes 9 de enero, 20.00: Armonías de Werckmeister (Filmoteca)*
Miércoles 10 de enero, 19.00: Nido familiar (Zumzeig)*
Jueves 11 de enero, 20.00: El Caballo de Turín (Filmoteca)*
Viernes 12 de enero, 19.00: El intruso (Zumzeig)*
Sábado 13 de enero, 19.00: La condena (Zumzeig)*
Domingo 14 de enero, 16.00: Sátántangó (Filmoteca)
Miércoles 17 de enero, 21.00: Gente prefabricada (Filmoteca)
Viernes 19 de enero, 20.00: Almanaque de otoño (Filmoteca)
Sábado 20 de enero, 20.00: Armonías de Werckmeister (Filmoteca)
Miércoles 24 de enero, 20.00: Almanaque de otoño (Filmoteca)
Domingo 28 de enero, 18.00: Gente prefabricada (Filmoteca)
Miércoles 31 de enero, 20.00: El hombre de Londres (Filmoteca)
*Con presentación a cargo de Béla Tarr
Amor, mentiras y sangre, primer tráiler para «Love Lies Bleeding» de Rose Glass
Tras debutar hace tres años con Saint Maud, exploración psicológica de un alma atormentada colindante al fantástico, la realizadora Rose Glass se adentra en su segundo trabajo tras las cámaras en el thriller con Love Lies Bleeding, película cuyo primer tráiler vía A24 acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, que tendrá su premiere mundial en la próxima edición del Festival de Sundance que se celebra entre los días 18 y 28 de enero, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el 8 de marzo de 2024.
En Love Lies Bleeding vemos la relación que establece Lou, la solitaria directora de un gimnasio, con Jackie, una ambiciosa culturista que se dirige a Las Vegas en busca de su sueño. Su relación sentimental se verá enturbiada por la llama de la violencia, arrastrándolas al seno de la familia criminal de Lou.
La película, con guion a cargo de la propia Rose Glass junto a Weronika Tofilska, está protagonizada por Kristen Stewart, Katy O’Brian, Jena Malone, Anna Baryshnikov, Dave Franco, Ed Harris, Yvette Fazio-Delaney, Jerry G. Angelo y David DeLao.
El western contemporáneo, Marguerite Duras y Cine y Ciencia inauguran el cine de Tabakalera de 2024
La oferta de 2024 incidirá en impulsar el nuevo talento joven a través de la programación de la pantalla compartida.
El bono de cine y las entradas para las proyecciones estarán disponibles a partir del 15 de diciembre en la web y en el Punto de Información de Tabakalera.
Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2024, que dará comienzo el 11 de enero, de la mano de la propuesta elaborada por las entidades que programan en la pantalla compartida de Tabakalera: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.
Uno de los principales objetivos del programa de 2024 es atraer nuevos públicos a la sala de cine del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Para ello, se han diseñado propuestas de programación específicas que han contado con la participación de UPV/EHU y EQZE, entre otros.
Grupo de programación UPV/EHU
A partir del 25 de enero, jueves,y hasta junio un grupo de estudiantes de la UPV/EHU programará la sala de cine de Tabakalera una vez al mes. El hilo conductor del ciclo será la banda sonora de las películas y la primera que han elegido es Blade Runner de Ridley Scott (1982). El objetivo de abrir la pantalla al gusto de los estudiantes de la UPV/EHU es generar nuevos públicos para la sala de cine.
Por otro lado, el grupo de estudiantes de la especialidad de Comisariado del Curso 2023-2024 de EQZE está trabajando de forma colectiva en la definición de un programa público de cine que se concentrará en la semana que comienza el 8 de abril. Este programa, organizado junto con Tabakalera, será el resultado de un trabajo de reflexión y debate en torno a la curadoría cinematográfica y la programación de cine.
Asimismo, la pantalla de cine de Tabakalera servirá para promover y poner en relación con el público de la sala el talento audiovisual que llega al centro a través de sus diversos programas de residencias y de convocatorias, promovidas por las entidades que conforman la pantalla compartida, y que ha ido articulando progresivamente un sistema de apoyo a la creación, con iniciativas como NEST, Noka e Ikusmira Berriak.
Nosferatu: Western USA contemporáneo
El próximo 17 de enero comenzará el ciclo Nosferatu, Western USA contemporáneo 1962-2021, con la proyección de Duelo en la Alta Sierra (Ride the High Country, 1962), dirigida por Sam Peckinpah. El ciclo, organizado por Donostia Kultura y la Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – Filmoteca de la Generalitat Valenciana, se desarrollará entre enero y diciembre de 2024.
El ciclo atraviesa seis décadas de westerns crepusculares, dirty westerns con influencias europeas, la aproximación de los cineastas de la “generación de la violencia” (Richard Brooks, Don Siegel) o el “nuevo Hollywood” (Robert Altman, Michael Cimino), los diferentes intentos por revitalizar el género en las décadas de los 80 –Silverado (Lawrence Kasdan, 1985)– y 90 –Bailando con lobos (Dances with Wolves; Kevin Costner, 1990)–, el impulso que supuso el gran éxito crítico y comercial de Sin perdón (Unforgiven; Clint Eastwood, 1992)… hasta los trabajos más recientes de Kelly Reichardt –First Cow (2019)– o Jane Campion –El poder del perro (The Power of the Dog, 2021)–.
En el primer trimestre del año se han programado filmes dirigidos por cineastas como John Ford, Henry Hathaway, Richard Mulligan, John Sturges, Richard Brooks o Sam Peckinpah por partida doble con las fundamentales Duelo en la Alta Sierra y Grupo salvaje.
El ciclo se acompañará de la edición de dos libros, uno en castellano y otro en euskera. El primero, Western USA 1962-1992, nº 20, de la Colección Nosferatu, ha sido coordinado por Carlos Aguilar y Pablo Fernández, y se publicará a principios de año. El segundo, coordinado por Iñigo Marzabal, nº 12 de la Nosferatu Bilduma, se editará a finales de 2024.
Séptima edición de Cine y ciencia
La Filmoteca Vasca comenzará el año con la séptima edición del ciclo Cine y ciencia, que organiza en colaboración con el DIPC (Donostia International Physics Center) y el Festival de San Sebastián. Esta edición comenzará con la proyección de Oppenheimer (Christopher Nolan, 2023). La cita tendrá lugar el 11 de enero (jueves) y contará con la presentación del físico y presidente del DIPC, Pedro Miguel Etxenike, un gran conocedor de la figura de Robert Oppenheimer. La charla comenzará a las 18:00, mientras que la proyección será a las 19:00.
Un ciclo que se sirve de la universalidad del lenguaje cinematográfico para mostrar la profundidad del pensamiento científico; y cuyo objetivo sigue siendo la transmisión de cultura cinematográfica y científica. Las diez películas que conformarán el ciclo serán anunciadas a principios de enero.
En primavera tendrá lugar el ciclo Klasikoak, que rescatará obras maestras de la historia del cine; y en julio, la séptima edición de Jazzinema. El 2024 finalizará con Cineastas Vascas IV, un encuentro para poner de relieve el trabajo de las realizadoras vascas.
Marguerite Duras y Bas Devos
Tabakalera se ha caracterizado desde sus inicios por impulsar el cruce entre distintas disciplinas creativas. Hace varios años dio comienzo el primer ciclo de estas características Banda Sonora Original, en el que son protagonistas la música y el cine. A partir de enero comenzará un nuevo cruce, cine y literatura que se centrará en la figura de la escritora y cineasta Marguerite Duras. El ciclo se compondrá de una sesión de cine mensual relacionada con la escritora y cineasta, junto con una presentación a cargo de un escritor o escritora. Miren Agur Meabe será la primera invitada del ciclo, que ofrecerá el día 12 de enero de 2024 una sesión sobre la película Le Camion, de 1977.
Otra de las características de la programación de cine de la pantalla compartida de Tabakalera es la de ofrecer espacio al cine contemporáneo que se presenta en el circuito de festivales internacionales. Por ello, desde el 13 de enero al 24 de febrero se ofrecerá toda la filmografía del director y guionista belga Bas Devos. Sus primeros dos largometrajes, Violet y Hellhole, se estrenaron en la Berlinale. Su tercera película, Ghost Tropic, se proyectó como película de clausura en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes de 2019. Su último largometraje, Here ganó la sección Encounters de la Berlinale y estuvo en la sección Zabaltegi-Tabakalera del último festival de San Sebastián.
Además, Tabakalera continuará promoviendo el acercamiento entre cineastas y público, y lo hará gracias a proyectos como Cine hablado, que propone un espacio de encuentro para que directores/as charlen en la sala de cine sobre el proceso de creación de sus películas. El ciclo contará con Fermin Muguruza el próximo domingo, 17 de diciembre, con la proyección de Bidasoa 2018-2023 y continuará en 2024 con Jaione Camborda, Isabel Herguera, Ion de Sosa, Celia Rico y Alberto Martín Menacho, entre otros.
Por último, se sucederán nuevas ediciones de cine familiar con Kameleoiak Gara! y el ciclo de Cine contemporáneo.
Sostenibilidad, el cortometraje, Artxiboa y Premios Donostia: cuarto año de “Zinemaldia + Plus”
Por cuarto año consecutivo, el Festival de San Sebastián programará en la pantalla compartida a través del ciclo Zinemaldia + Plus, un foco anual vinculado a los programas y contenidos de Z365, el Festival de todo el año del Festival de San Sebastián. El 10 de febrero habrá una sesión relacionada con el proyecto de sostenibilidad, organizada en colaboración con el European Climate Foundation, que reflexionará sobre las narrativas alternativas relacionadas con el cambio climático. La sesión del 6 de abril estará ligada al cortometraje, mientras que el 15 de junio se dedicará a Artxiboa y en particular a la presentación de algunas de las investigaciones resultado de la primera edición de las becas José Ángel Herrero-Velarde. Por último, en septiembre, tendrán lugar las tradicionales proyecciones conectadas a la filmografía de los Premios Donostia de la edición.
Bono de cine 2024 y venta de entradas
El bono de cine de Tabakalera se renueva por otro año, y ofrecerá a las personas usuarias la entrada por 120€ a 40 películas de entre todas las programadas por las instituciones socias de la pantalla compartida a lo largo de 2024: Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera, a excepción de las películas programadas durante el Festival de San Sebastián 2024.
Un año más, la compra del bono incluye una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: Polar frantziarra o Western USA 1962-1992.
El bono se podrá adquirir a partir del 15 de diciembre de 2023 a las 12:00 del mediodía, hasta el 31 de enero de 2024 a las 12:00, tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro. También se abrirá en esa misma fecha y hora y en los mismos espacios la venta de entradas ordinarias correspondientes a las proyecciones del mes de enero.
El consumo del bono podrá realizarse desde el 1 de enero de 2024 hasta el 31 de diciembre de 2024 (ambos incluídos), y todas las gestiones vinculadas al bono podrán realizarse tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro: comprar el bono, enviarlo como regalo a otra persona, adquirir entradas para películas con el descuento del bono o consultar el saldo disponible.
Toda la información relacionada con el bono de cine 2024 y las proyecciones previstas para el mes de enero se podrán consultar en la web de Tabakalera.
Relaciones peligrosas, primer tráiler para «Miller’s Girl» de Jade Halley Bartlett
Acaba de ver la luz vía Lionsgate un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del thriller psicológico Miller’s Girl, debut en el largometraje de la realizadora Jade Halley Bartlett que explora las complejas relaciones que se establece entre un profesor y una estudiante. La película, que tendrá su premier mundial en el marco del festival de Palm Springs, se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 26 de enero de 2024.
En Miller’s Girl vemos como una escritora joven y talentosa inicia un viaje creativo cuando su profesor le asigna un proyecto que los sumerge a ambos en una trama cada vez más complicada. A medida que se confunden los límites y sus vidas se entrelazan, el profesor y su alumna deberán enfrentar sus propios miedos y deseos, mientras tratan de preservar sus objetivos personales y aquello que más desean.
La película, con guion a cargo del propia Jade Halley Bartlett, está protagonizada por Martin Freeman, Jenna Ortega, Gideon Adlon, Bashir Salahuddin, Dagmara Domińczyk y Christine Adams.
«Power Play», la última ganadora del Festival de Cannes de Series, llega a Filmin el 19 de diciembre
Esta ácida comedia política, creada por Johan Fasting («Home Ground»), narra la historia de Gro Harlem Brundtland, la primera mujer que llegó al poder en Noruega en los años 80.
Filmin estrena el próximo martes 19 de diciembre, en exclusiva en España, la serie noruega Power Play, creada por Johan Fasting («Home Ground») y dirigida por Yngvild Sve Flikke («Ninjababy»). Fue la ganadora del premio a la Mejor Serie en la última edición del Cannes International Series Festival, donde además se llevó el premio a la Mejor Música; y se presentó en España en la primera edición del South International Series Festival de Cádiz.
«Power Play» es una ficción basada en hechos reales que narra, en tono de sátira política, la historia de Gro Harlem Brundtland, figura muy conocida en Noruega por ser la primera mujer proclamada Primera Ministra del país, cargo que ostentó hasta en tres legislaturas distintas. Con 35 años, esta doctora y madre de cuatro hijos entró en la esfera pública sin conocer las reglas del juego que imperan en los pasillos del poder. A pesar de ser contratada como un rostro femenino que sirviera de bálsamo para las reivindicaciones feministas, y de ser relegada a un ministerio de Medio Ambiente prácticamente simbólico, Bruntland mantuvo a salvo su carrera trabajando más que nadie. Llegó al cargo de Primera Ministra, pero no sin pagar un alto precio por ello. De la noche a la mañana perdió su popularidad y fue insultada y ridiculizada en las portadas de los medios de comunicación. Sus hijos sufrieron abuso en la escuela y el matrimonio con su marido, el político conservador Arne Olev, estuvo siempre en la cuerda floja.
La serie, rodada en 16 mm y con un gran diseño de producción, nos hace viajar hasta los años 70 con una estética definida por los productores como «una única y anárquica energía visual» que incluye rupturas abruptas de la cuarta pared y un grafismo que nos remite al mundo del cómic. El objetivo es que una serie ambientada en el pasado resulte fresca y pueda interesar a una audiencia joven y moderna.
En palabras de la productora Camilla Brusdal, «vivimos un momento decisivo. La solidaridad de posguerra es cosa del pasado y soplan los vientos del capitalismo. Esta serie es una panorámica que retrata cómo el juego político ha llevado a la socialdemocracia a la ruina y ha abierto la puerta a una nueva era política donde la democracia ya no reside en el pueblo, sino en una élite que se ha instalado en el poder«. Partiendo de esta premisa, «Power Play» recupera y reivindica la figura de Gro Harlem Brundtland, afirmando que hubo un antes y un después en Noruega tras su paso por el gobierno. «Actualmente, seis de cada diez personas con educación superior en Noruega son mujeres. El aborto es un derecho reconocido, los hombres cuentan con una baja de paternidad y tenemos un sistema público de guarderías gratuitas. Todo esto era impensable antes. ¿Cómo una mujer pudo cambiar una nación y toda la estructura social en tan poco tiempo? ¿Fue simplemente una mujer que llegó en el momento y el lugar adecuados?«, se pregunta Brusdal.
La actriz Kathrine Thorborg Johansen, vista en series como «Home Ground» o «El gran fondo», encabeza un reparto en el que también encontramos a Jan Gunnar Røise («Perni») y Anders Baasmo Christiansen («Exit»).
Los muertos caminan, primer tráiler para «Handling the Undead»
La esperada adaptación al cine de la novela de John Ajvide Lindqvist (Let the Right One In) Handling the Undead acaba de estrenar un primer tráiler subtitulado al inglés vía Neon, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Dirigida por la debutante Thea Hvistendahl, Handling the Undead, que tendrá su premiere mundial en el próximo Festival de Sundance, nos cuenta una historia de terror psicológico que parece estar situada a medio camino entre Les revenants de Robin Campillo y el Pet Sematary de Stephen King.
Handling the Undead, que en nuestro país se conocerá con el título de Descansa en paz, nos sitúa en un caluroso día de verano en la ciudad de Oslo, en donde vemos como la gente no puede apagar la luz ni los aparatos eléctricos. De forma repentina los muertos despiertan misteriosamente, y tres familias se ven sumidas en el caos cuando sus seres queridos fallecidos vuelven a ellos. ¿Quiénes son y qué quieren?
La película, que se estrenará en su país de origen el próximo 9 de febrero de 2024, cuenta con un guion adaptado a cargo de los propios John Ajvide Lindqvist y Thea Hvistendahl, estando protagonizada por Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Bahar Pars, Bjørn Sundquist y Bente Børsum.
FlixOlé las primeras películas de Manuel Summers: Del rosa…al amarillo y La niña de luto
La plataforma estrena ambos títulos junto a una colección con las películas del realizador sevillano, desde el documental de culto ‘Juguetes rotos’ hasta las rodadas con cámara oculta.
Ingenioso a la par que chistoso, Manuel Summers desarrolló una inusual trayectoria como humorista gráfico. También como director de cine, siendo uno de los autores de cabecera del audiovisual español por la originalidad y no menos comicidad con la que retrató a todo un país y sus gentes. La plataforma FlixOlé reivindica las viñetas cinematográficas de este creador, a menudo olvidado, con el estreno el próximo jueves 7 de diciembre de su ópera prima, Del rosa…al amarillo (1963), y su siguiente filme La niña de luto (1964).
La carta de presentación de este realizador recién salido del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC) fue un romance narrado desde una perspectiva distinta a la que acostumbraba verse en la gran pantalla de la época. A través de inocentes dibujos de corazones dibujados en un pupitre de escuela y las misivas de amor intercambiadas en una residencia, Manuel Summers reflejó en Del rosa…al amarillo el despertar del enamoramiento en una pareja de preadolescentes, y el amor que se profesaban a escondidas dos ancianos en un asilo de monjas.
El director logró tocar la fibra de público y crítica mediante dos historias independientes que representaban los nervios del primer amor y el poder rejuvenecedor del sentimiento en la senectud. Asimismo, conectaba al espectador con ese niño que un día fue y le hacía olvidarse del mundo adulto recordándole cuando pasaba las tardes con las chapas o se dejaba pillar al ‘rescatao’ para coger la mano de la chica que le gustaba.
Cristina Galbó y Pedro Díez del Corral, protagonistas en ‘Del rosa…al amarillo’
Concha de Plata en el Festival de San Sebastián
El director logró tocar la fibra de público y crítica mediante dos historias independientes que representaban los nervios del primer amor y el poder rejuvenecedor del sentimiento en la senectud. Asimismo, conectaba al espectador con ese niño que un día fue y le hacía olvidarse del mundo adulto recordándole cuando pasaba las tardes con las chapas o se dejaba pillar al ‘rescatao’ para coger la mano de la chica que le gustaba.
La cinta obtuvo la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián, y supuso la primera conquista comercial del denominado ‘Nuevo Cine Español’. En su debut como realizador, Summers contribuyó a que el séptimo arte nacional abrazase la modernidad con una película sencilla en apariencia, que no dejaba de lado la crítica, y que combinaba elementos propios del neorrealismo italiano y la nouvelle vague.
El peso de la tradición en La niña de luto
Junto la ópera prima de Manuel Summers, la plataforma también estrenará en su catálogo La niña de luto (1964). Nominada a la Palma de Oro en Cannes, este episodio sobre el amor durante la madurez se incluía en un principio en Del rosa…al amarillo, pero finalmente se convirtió en una película independiente. La misma presentaba a Rocío (Mª José Alfonso) y Rafael (Alfredo Landa), una pareja de un pueblo andaluz que se ve obligada a aplazar su boda debido al luto que ella debe guardar por la muerte de su abuela. Cuando por fin puede contraer matrimonio, fallece su abuelo, teniendo que vestir de nuevo el negro. Cansado de la situación, Rafael le propone a Rocío huir y vivir lejos de allí.
Mientras que en Del rosa…al amarillo, los obstáculos que evitaban el triunfo del amor eran institucionales -el profesor en el caso de los adolescentes, las monjas en el de los ancianos-, en La niña de luto son los puritanos convencionalismos de la sociedad. Con estos mimbres, y buenas dosis de humor negro, Summers perfiló un tierno y a la vez amargo testimonio social y político de la España de entonces.
María José Alfonso y Alfredo Landa, compartiendo plano en ‘La niña de luto’
Colección Manuel Summers
Una práctica que continuó desarrollando en películas sucesivas: ya fuese abordando el tema del adulterio en plena dictadura del nacionalcatolicismo, El juego de la oca (1965); rindiendo homenaje a viejas glorias en Juguetes rotos (1967), documental que sufrió numerosos cortes por parte de la censura; o sumándose a la fiebre de comedias erótico-festivas como No somos de piedra (1968).
Estos títulos estarán disponibles en la colección que FlixOlé estrenará el próximo 7 de diciembre para recordar al cineasta sevillano, y que incluyen las dos nuevas incorporaciones de la plataforma. En dicho especial se podrán encontrar también otros largometrajes con los que Summers demostró la facilidad que tenía en innovar: Adiós, cigüeña, adiós (1971), exitoso filme sobre el descubrimiento sexual en la adolescencia; la secuela de ésta, El niño es nuestro (1973); la famosa trilogía de cámara oculta, formada por ¡To er mundo e güeno! (1981), To er mundo e… ¡mejó! (1982) y To er mundo e… ¡Demasiao! (1985); así como el retrato autobiográfico que filmó en Me hace falta un bigote (1986).
Una oscura estabilidad familiar, tráiler para «Best Wishes to All» de Yûta Shimotsu
Fue una de las sorpresas de la última edición del Festival de Sitges, la ópera prima de Yûta Shimotsu Best Wishes to All, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone la adaptación al largometraje del corto homónimo del mismo director. Película situada a medio camino entre lo extraño del cine de Kiyoshi Kurosawa y un trazo bizarro digno de un Hitoshi Matsumoto o Junji Ito, Best Wishes to All cuestiona, a modo de cuento de terror, la estabilidad familiar y el sacrificio generacional que conduce a una supuesta armonía social.
En Best Wishes to All vemos como una joven estudiante de enfermería visita a sus abuelos en el campo. La reunión familiar se inicia de forma placentera, pero poco a poco el reencuentro se convierte en algo extraño e incómodo. ¿El motivo? Hay algo en la casa de los abuelos. Tras descubrir ese secreto, su vida feliz se convertirá en un infierno.
La película, producida por Takashi Shimizu y guion adaptado a cargo de Rumi Tsunoda, está protagonizada por Kotone Furukawa y Kôya Matsudai.
«Sala:B». Las aventuras de Enrique y Ana/Las aventuras de Zipi y Zape
Las aventuras de Enrique y Ana (Ramón Fernández, 1981). Int: Enrique del Pozo, Ana Anguita, Amparo Soler Leal, Luis Escobar. España. 35 mm. Color. 91’
Las aventuras de Zipi y Zape (Enrique Guevara, 1981). Int: Francisco Javier Valtuille, Luis María Valtuille, Mary Santpere, Alfredo Luchetti. España. BSP. Color. 93’
Como todos los años por estas fechas, «Sala:B» recurre al cine para niños que no pone límites a su imaginación, aunque se adentre en terrenos tan extravagantes y caóticos como los de la serie B más insobornable.
Las aventuras de Enrique y Ana fue dirigida con no pocos medios por Tito Fernández, responsable de comedias tan populares como No desearás al vecino del 5º o Sor Ye-ye, pero eso no impidió que la película conservara la heterodoxia pop del grupo original. En la creación del dúo de Enrique y Ana, las influencias de artistas como Miguel Bosé, Rafaella Carrá o Rafael Trabucchelli de Hispavox (productor de Raphael, Jeanette, Perales, María Ostiz…) aportaron una visión y una solidez poco frecuente en los productos infantiles prefabricados por casas de discos. Y a pesar del repentino éxito y del tamaño considerable de esta producción, se supo conservar ese tono insolente que se apartaba de la tradición infantil ñoña de Los Payasos de la Tele o de las rancias películas de Parchís. Sin duda, el que más experiencia tenía en la serie B más desvergonzada es el guionista Luis Revenga, que venía de dirigir Caperucita y roja (1976, «Sala:B» 4) y de colaborar ni más ni menos que con Jess Franco en Bésame monstruo y El caso de las dos bellezas, con las que comparte ese sano anarquismo juvenil. Así, Revenga convertía la clásica trama del concurso musical en una fantasía delirante que bebía desde Flash Gordon o Pipi Calzaslargas hasta el punk de la movida madrileña (los Punkitos) o The Rocky Horror Picture Show.
Las aventuras de Zipi y Zape, estrenada unos meses después, no oculta que es una exploitation del cine infantil de la época, parida en este caso por dos insubordinados como Ricard Reguant y Enrique Guevara, entrenados en el cine del destape y las clasificadas “S” barcelonesas. De nuevo, esa rebeldía permite que los personajes de Escobar mantengan su frescura sin edulcorar. Incluso más, porque la película de Guevara parece abrazar la incorrección que anida en la pareja de Don Pantuflo y la sumisa Jaimita, la sirvienta con blackface o la misoginia del gángster. Al final, lo mejor es ese atroz mundo adulto que rodea a los traviesos hermanos y las surrealistas parodias de personajes de moda como la Masa (Hulk) o los Ángeles de Charlie.
Presentación a cargo de la podcaster y escritora Beatriz Cepeda (Perra de Satán) y Álex Mendibil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 204’).
El comienzo de una odisea, primer tráiler de «Furiosa: A Mad Max Saga»
Será indiscutiblemente uno de los platos fuertes del próximo año, el veterano George Miller vuelve con una nueva entrega de la saga del mundo distópico que creó hace más de 40 años con Furiosa: A Mad Max Saga, película cuyo primer tráiler de la mano de Warner Bros. acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster promocional. El film, que nos situará varias décadas antes de los hechos narrados en Mad Max: Fury Road, tiene previsto un estreno mundial para el próximo 24 de mayo de 2024.
La película nos muestra como al caer el mundo, la joven Furiosa es arrebatada del Lugar Verde de Muchas Madres y cae en manos de una gran Horda de Motoristas liderada por el Señor de la Guerra Dementus. Arrasando el Páramo, se topan con la Ciudadela presidida por El Inmortan Joe. Mientras los dos Tiranos luchan por el dominio, Furiosa debe sobrevivir a muchas pruebas mientras reúne los medios para encontrar el camino de vuelta a casa.
Furiosa: A Mad Max Saga, con guion a cargo del propio George Miller junto a Nick Lathouris, está protagonizada por Anya Taylor-Joy, Chris Hemsworth, Tom Burke, Angus Sampson, Daniel Webber, Nathan Jones, Goran D. Kleut, Lachy Hulme, CJ. Bloomfield, Rahel Romahn, Robert McFarlane y David Collins.
Proyecciones Xcèntric: Tom Chomont / Robert Beavers. Un jardín de espejos
Spiracle (Robert Beavers, 1966)
La intimidad, los afectos y los intercambios creativos entre Tom Chomont y Robert Beavers quedan materializados en estas películas en las que ambos cineastas desarrollan paralelamente la posibilidad de un cine lírico en la frontera entre el retrato y el drama psicológico, el erotismo y la estilización formal. Sus frenéticas meditaciones nos ofrecen visiones complementarias de la escisión del sujeto y la exploración de la sexualidad.
La complejidad rítmica y las narraciones elípticas de las películas de Gregory J. Markopoulos inspiraron a los jóvenes Chomont y Beavers para realizar un cine personal en el que la musicalidad del montaje expresa el flujo psíquico de sus personajes. Partiendo de una premisa retratística y a veces vagamente narrativa, ambos sitúan a sus sujetos (en varias ocasiones, el propio Beavers en las películas de Chomont y Chomont en las de Beavers) en un tiempo suspendido vertebrado por la repetición de instantes y el entrecruzamiento de gestos y motivos, confiriendo a cada imagen una gravedad carnal y metafísica.
Durante el periodo recogido en este programa, ambos cineastas desplegaron su riqueza formal reflejando estados anímicos sombríos relacionados con traumas personales. En el caso de Chomont, mediante su uso intenso de las superposiciones, las imágenes en espejo, la alternancia entre el material en positivo y negativo y la intervención directa sobre la película, multiplicando las simetrías en la superficie del plano, convertido en un mandala. Por su parte, Beavers articula frecuentes referencias musicales, pictóricas y literarias con el empleo de ligeros movimientos de cámara, variaciones de enfoque y el uso reiterado de las máscaras geométricas y los filtros de múltiples colores, que convergen en una imagen de la alienación con el propio cuerpo y con el espacio urbano.
Tom Chomont: Ophelia/The Cat Lady, 1969, 2’; Love Objects, 1971, sin sonido, 16’; The Mirror Garden, 1967, sin sonido, 4’; Epilog/Siam, 1968, sin sonido, 5’; Jabook, 1967, sin sonido, 3’; Phases of the Moon, 1968, sin sonido, 3’; Oblivion, 1969, sin sonido, 4’. Robert Beavers: Spiracle, 1966, 12’; The Count of Days, 1969, 21’; Palinode, 1970, 21’.
Proyección en 16 mm.
Copias de Tom Chomont procedentes de The Film-Makers’ Cooperative. Copia de Spiracle de Filmarchiv Schönecker. Copias de The Count of Days y Palinode procedentes de The Temenos Archives, con agradecimientos al artista.
Fecha: 28 enero 2024
Horario: 18.30
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB y Carnet Docente (educación obligatoria): gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.
Primer tráiler para «La Bête» de Bertrand Bonello
No es la primera vez en este 2023 a punto de finalizar que la novela de Henry James La bête dans la jungle es libremente adaptada al cine. Si hace pocos días nos deteníamos en el film de Patric Chiha, ahora es turno para La Bête, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Mezcla de drama de época, thriller y ciencia-ficción, La Bête supone una nueva incursión en el fantástico por parte de Bertrand Bonello tras la notable Zombi Child. La película, aún sin fecha de estreno, llegará el próximo año a nuestro país de la mano de Caramel Films y YouPlanet.
La Bête nos sitúa en un futuro cercano, donde la inteligencia artificial reina, las emociones se han convertido en una amenaza. Para librarse de ellas, la joven Gabrielle decide purificar su ADN en una máquina que la sumergirá en sus vidas pasadas. Allí se reencuentra con Louis, su gran amor. Pero está abrumada por el miedo y por la sensación de que la catástrofe se avecina. Una historia ambientada en tres períodos distintos: 1910, 2014 y 2044.
La película, con guion a cargo del propio Bertrand Bonello, está protagonizada por Léa Seydoux, George MacKay, Dasha Nekrasova, Julia Faure, Guslagie Malanda, Tiffany Hofstetter, Lukas Ionesco, Parker Henry, Martin Scali, Lottie Andersen y Kester Lovelace.
Filmoteca Española se suma a las celebraciones del centenario Semprún en el cine Doré
El ciclo `Jorge Semprún. Miradas del exilio´ se incluye en el programa de actividades culturales impulsado por el Ministerio de Cultura. La efeméride enlaza valores de democracia, libertad y respeto a los derechos humanos
Las sesiones incluidas en el ciclo se celebrarán en el cine Doré durante los meses de diciembre y enero e incluirán, además de sus obras como guionista cinematográfico, el documental ´Les deux mémoires´, único título dirigido por el escritor y uno de los documentales más destacados sobre la guerra civil española
Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación y difusión del patrimonio cinematográfico español, se suma a la celebración del centenario de Jorge Semprún (1923 – 2011), uno de los intelectuales europeos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.
La relevancia de su vida y obra se ve claramente reflejada en su trayectoria como intelectual, político, escritor, guionista y cineasta, facetas estas últimas que articularán el ciclo ´Miradas del exilio’ con el objetivo de profundizar en el conocimiento de su legado cinematográfico, así como de la época que le tocó vivir, abordando aspectos como el exilio español, la oposición al franquismo, el compromiso político de los intelectuales o la relación entre historia y memoria.
Entre los títulos elegidos, podrán verse los guiones en el exilio de Jorge Semprún para directores de relevancia internacional como Costa Gavras, Alain Resnais o Joseph Losey, Yves Boiset, Hugo Santiago o Alexander Arcady; así como el documental ´Les deux mémoires´, único título dirigido por Semprún, y uno de los documentales más destacados sobre la guerra civil española.
El ciclo, que se celebrará en el cine Doré entre los meses de diciembre y enero, comenzará el 27 de noviembre (19:00 h) con la proyección de ´La guerra ha terminado´ (Alain Resnais, 1966). La entrada será libre hasta completar el aforo y contará en su presentación con Felipe Nieto, Doctor en Historia Contemporánea por la UNED y autor de diferentes estudios sobre la figura de Semprún, y con Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española.
Centenario Semprún
El ciclo programado por Filmoteca Española se enmarca dentro del programa de actividades culturales impulsado por el Ministerio de Cultura con motivo de la conmemoración del centenario de su nacimiento. Este programa, que ha arrancado en noviembre, está aglutinando diferentes actividades y propuestas en torno a su vida en instituciones como el Centro Documental de la Memoria Histórica, el Centro Dramático Nacional o el Archivo Histórico Nacional.
Además de la profundización y la difusión del conocimiento de su biografía y su creación, el Centenario Semprún tratará de poner de manifiesto la plena actualidad de muchos de los valores que su legado representa: la solidaridad, la defensa de la democracia y la libertad contra pulsiones totalitarias, la denuncia de la barbarie de la guerra o la reivindicación de la fraternidad y la solidaridad. Igualmente, se destacará la vinculación de la trayectoria y el pensamiento de Semprún con los principios que dan sentido al proyecto de Europa, coincidiendo con la Presidencia española del Consejo de la Unión Europea.
Sesiones noviembre / diciembre
27 de noviembre – 19.00 h. `La guerra ha terminado´ (Alain Resnais, 1966)
3 de diciembre – 17:30 h. ` Z ´ (Costa-Gavras, 1969)
5 de diciembre – 19:30 h. `Las dos memorias´ (Jorge Semprún, 1974)
10 de diciembre – 17:30 `Sección especial´ (Costa-Gavras, 1975)
12 de diciembre – 19:00 ` Stavisky´ (Alain Resnais, 1974)
15 de diciembre – 17:30 `La guerra ha terminado´ (Alain Resnais, 1966)
16 de diciembre – 20:30 `Las dos memorias´ (Jorge Semprún, 1974)
17 de diciembre – 20:30 `La confesión´ (Costa-Gavras, 1970)
20 de diciembre – 21:00 `Las rutas del sur´ (Joseph Losey, 1978)
27 de diciembre – 20:30 `El atentado´ (Yves Boiset, 1972)
29 de noviembre – 17:30 `Z´ (Costa-Gavras, 1969)
El viaje distorsionado, tráiler para «The Sweet East» de Sean Price Williams
Es una de las sensaciones del cine indie estadounidense de este 2023, el debut en el largometraje, del hasta ahora reconocido director de fotografía Sean Price Williams, The Sweet East, estrena un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, una road movie que anida sobre el imaginario norteamericano, rodada cámara al hombro y en 16 milímetros, que nos puede retrotraer a los primeros trabajos de cineastas como Gus van Sant y Sean Baker, después de su paso por el Festival de Cannes, dentro de la Quincena de Cineastas, y la Seminci, llegará a las salas comerciales de nuestro país, aún sin fecha de estreno, de la mano de Caramel Films.
The Sweet East nos sitúa en un picaresco viaje a través de las ciudades y los bosques de la costa este de EE.UU. emprendido por Lillian, una joven estudiante de último curso de secundaria de Carolina del Sur que tiene su primera visión del mundo en un viaje de estudios a Washington, D.C.
La película, con guion a cargo de Nick Pinkerton, está protagonizada por Talia Ryder, Earl Cave, Simon Rex, Ayo Edebiri, Jeremy O. Harris, Jacob Elordi y Rish Shah.
La Casa del Cine. «Historia y Análisis Fílmico: Fuera de Canon»
Las formas subversivas, las fugas del clasicismo, el cine moderno no francés, el cine del este y latinoamericano, el cine africano de los 60, el cine experimental y/o underground americano, el giallo y el blaxplotation, la serie B japonesa, los cines periféricos o el cine heterodoxo español. Así se planeta este curso anual para estudiar, analizar y reflexionar sobre las cinematografías olvidadas. Una historia que incluya temas, voces y territorios tradicionalmente ignorados ya sea por género, clase, raza o nación.
BLOQUE 1: El clasicismo y sus fugas
▪ La comedia como agente del caos. El slapstick más allá de Chaplin y Keaton: Harold Lloyd, Laurel & Hardy, Mabel Normand y otras heroínas del slapstick, etc.
▪ Autores fuera de canon en el Hollywood clásico: Erich vonStroheim, Josef von Sternberg, F.W. Murnau…
▪ El Hollywood del “Pre-Code”: sexo, moral y censura en el inicio del sonoro. Mae West, actriz-autora.
▪ Directoras del Hollywood clásico: Dorothy Arzner e Ida Lupino
▪ La producción de serie B: géneros, subgéneros y autoría en el Hollywood clásico. El caso de Monogram Pictures. Val Lewton,productor-autor
BLOQUE 2: Los otros cines modernos. Más allá de la nouvelle vague
▪ El Nuevo Cine de los países del Este: Polonia (el primer Polanski, Andrzej Wajda, Jerzy Skolimowski), Checoslovaquia (el primer Milos Forman, Vera Chytilova), Hungría (Miklos Jancso, Laszlo Kovàcs), etc.
▪ El Nuevo Cine Alemán. Más allá de Schlondorff o Fassbinder: Straub & Huillet, Alexander Kluge, el primer Werner Herzog.
▪ Nuevo Cine Latinoamericano. El Cinema Novo (Brasil): Glauber Rocha, Nelson Pereira Dos Santos, etc. El nuevo cine argentino (Fernando Birri, Fernando Solanas, etc.). El nuevo cine cubano (Tomás Gutiérrez Alea, Santiago Álvarez, etc.). El caso de Sara Gómez, la primera cineasta cubana.
▪ El nacimiento del cine africano en los 60: el cine de Ousmane Sembene (Senegal), Med Hondo (Mauritania) y Djibril Diop Mambety (Senegal).
▪ El cine de la India: de Satyajit Ray al “nuevo cine”. El star system en la India y Bollywood.
BLOQUE 3: Breve recorrido por el experimental y/o underground
▪ Inicios del cine experimental en EE.UU.: Maya Deren, Kenneth Anger, Curtis Harrington y su “cine del psico-drama”.
▪ El New American Cinema: Jonas Mekas, Marie Menken, Stan Brakhage, Bruce Conner, Gregory Markopoulos, etc.
▪ El cine estructural: Peter Kubelka, Hollis Frampton, Michael Snow, Paul Sharits, etc.
▪ El cine militante. Cine y mayo’68. Tercer Cine.
BLOQUE 4: Géneros y subgéneros populares entre los 60 y los 70
▪ Italia: giallo (Dario Argento, Mario Bava, Lucio Fulci, etc.) y spaguetti western (Sergio Leone, Sergio Corbucci, Enzo G. Castellari)
▪ España: la edad dorada del fantaterror (Jess Franco, Paul Naschy, León Klimovsky, Armando de Ossorio…)
▪ EE.UU.: el Blaxploitation y sus estrellas, Pam Grier y Richard Roundtree. Los inicios del gore: el cine de Herschell Gordon Lewis.
▪ Japón: la serie B y los pinku eigas (cine erótico) de Nikkatsu. El caso de Seijun Suzuki (Youth of the Beast, Tokyo Drifter, Branded to Kill)
▪ Hong Kong: los wuxia de los Shaw Brothers. El cine de acción hongkonés.
BLOQUE 5: Cine e identidad(es)
▪ Cine(s) feminista(s). Las pioneras: Agnès Varda, Chantal Akerman. El contracine de Laura Mulvey y Peter Wollen. Born in Flames, de Lizzie Borden. Un caso de estudio: el colectivo de vídeo feminista “Las insumusas” (Delphine Seyrig & Carole Roussopoulos). Otro caso de estudio: Cecilia Bartolomé (España).
▪ Antes del New Queer Cinema: Flaming Creatures de Jack Smith, Derek Jarman. New Queer Cinema: Todd Haynes, Gregg Araki, Rose Troche. El caso de Bruce LaBruce.
BLOQUE 6: Los cines periféricos desde los 80 a la actualidad
▪ El cine iraní desde los años 80 a la actualidad. El cine de Abbas
Kiarostami.
▪ La nueva ola rumana: Cristian Mungiu, Cristi Puiu, Radu Muntean, etc.
▪ El nuevo cine filipino: Lav Diaz, Raya Martin, Brillante Mendoza, etc.
▪ La “nueva” generación de cineastas mejicanos: Carlos Reygadas, Amat Escalante, etc. La “nueva” generación de cineastas argentinos: Lucrecia Martel, Lisandro Alondo, etc.
▪ Corea del Sur y su cine: Bong Jong-hoo, Lee Chang-dong, Na Hong-jing, etc
BLOQUE 7: Breve recorrido por el cine español heterodoxo
▪ Pioneros heterodoxos: Nemesio Sobrevila, Manuel Noriega, Luis Buñuel…
▪ La corriente de “cine telúrico”: Carlos Serrano de Osma. Llorenç Llobet Gràcia y un título de culto: Vida en sombras
▪ José Val del Omar y el Tríptico elemental de España
▪ La Escuela de Barcelona: Joaquim Jordà, Jacinto Esteva, José María Nunes, Gonzalo Suárez, Vicente Aranda…El caso de Pere Portabella y Vampir Cuadecuc.
▪ El cine clandestino catalán: Antoni Padrós, Llorenç Soler, etc. Cine a contracorriente en España: Adolfo Arrieta, Antonio Maenza. Paulino Viota y Contactos.
▪ Cine underground: los cortometrajes (y largometrajes) de Iván Zulueta.
DOCENTES
María Adell, Miquel Echarri, Violeta Kovacsics, Antonio José Navarro, Víctor Esquirol, Mariona Borrull, Adrián Sánchez, Andreu Marves, Bet Giravent, Mar Canet.
Fechas: 9 de enero al 20 de junio 2024
Horario: 19h a 21h (martes y miércoles)
Precio: 700€ (reserva de plaza 300€)
Un hombre decente, tráiler para «Perfect Days» de Wim Wenders
Después de algunos años de capa caída, la vuelta del mejor Wim Wenders ha supuesto la aparición de Perfect Days, una de las mejores película de este 2023 que está a punto de finalizar, cuyo primer tráiler norteamericano acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Tras un largo periplo por festivales de cine, Premio a la Mejor Interpretación Masculina para Kôji Yakusho en la pasado edición de Cannes, la película se estrenará en nuestro país de la mano de A Contracorriente Films el próximo 12 de enero de 2024.
En Perfect Days vemos como Hirayama parece totalmente satisfecho con su sencilla vida de limpiador de retretes en Tokio. Fuera de su estructurada rutina diaria, disfruta de su pasión por la música y los libros. Le encantan los árboles y les hace fotos. Una serie de encuentros inesperados revelan poco a poco más de su pasado.
La película, candidata japonesa a los Oscar de este año, cuenta con un guion a cargo del propio Wim Wenders junyo a Takuma Takasaki, estando protagonizada por Kôji Yakusho, Tokio Emoto, Arisa Nakano, Aoi Yamada, Yumi Asou, Tomokazu Miura, Min Tanaka y Sayuri Ishikawa.
Filmin estrena la versión restaurada en 4K de «Let’s Get Lost», de Bruce Weber
El próximo 24 de noviembre llega a Filmin el documental sobre Chet Baker nominado al Oscar, junto a otros cinco títulos del gran fotógrafo y director estadounidense.
35 años después de su celebrado estreno en el Festival de Venecia, donde se llevó el Premio de la Crítica, llega a Filmin el documental de Bruce Weber «Let’s Get Lost», esta vez en una versión restaurada en 4K. Una copia prodigiosa que se estrenó el pasado mes de octubre en el Lumiére Film Festival de Lyon y que ha sido realizada por la empresa neoyorquina Cineric y distribuida internacionalmente por HanWay Films.
Muchos consideran «Let’s Get Lost» como el mejor documental musical de todos los tiempos. Nominado al Oscar en 1988, el film es un retrato del último año de vida del genial trompetista, cantante y músico de jazz Chet Baker, valiéndose de material rodado durante la última gira del músico, con entrevistas con el propio Baker, sus esposas, hijos, amigos y novias, así como extractos de antiguas películas italianas de serie B. La película es un documento explícito que presenta, a modo de advertencia, las trampas en las que pueden caer los personajes famosos y llenos de talento, y adquirió una dimensión adicional cuando, durante la etapa de montaje, el artista murió al precipitarse por la ventana de un hotel en Ámsterdam.
«Let’s Get Lost» llegará a Filmin junto a otros títulos de Bruce Weber, uno de los fotógrafos de moda más importantes del mundo gracias a su trabajo con firmas como Calvin Klein, Abercrombie & Fitch y Ralph Lauren. En su faceta como cineasta encontramos títulos como «Nice Girls Don’t Stay for Breakfast», un retrato del actor Robert Mitchum; «Chop Suey», en el que documenta el paso de la niñez a la edad adulta de un joven llamado Peter Johnson; o «Broken Noses», su ópera prima, en la que sigue al boxeador profesional Andy Minsker y a sus jóvenes pupilos en un pequeño club de boxeo en Portland, Oregon.
Títulos que integran el ciclo:
– «Let’s Get Lost (4K)» (1988)
– «Broken Noses» (1987)
– «The Beauty Brothers» (1987)
– «Chop Suey» (2001)
– «Nice Girls Don’t Stay for Breakfast» (2018)
– «Las fotografías de Paolo di Paolo, el tesoro de su juventud» (2021). Ya disponible en Filmin.
La maldición Von Erich, primer tráiler para «The Iron Claw» de Sean Durkin
Con tan solo dos largometrajes en su haber, Martha Marcy May Marlene (2011) y The Nest (2020), Sean Durkin se ha convertido en uno de los realizadores más interesantes del momento. Con su tercer trabajo tras las cámaras titulado The Iron Claw, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz de la mano de A24 y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, Sean Durkin se adentra en el biopic de la legendaria familia de lucha libre Von Erich, dinastía que revolucionó dicho deporte a partir de la década de los sesenta con una trágica historia personal a sus espaldas. La película llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 22 de diciembre, teniendo previsto su estreno en España para febrero de 2024.
The Iron Claw nos cuenta la vida de los inseparables hermanos Von Erich, que hicieron historia en el competitivo mundo de la lucha libre profesional a principios de la década de los 80. A través de la tragedia y el triunfo, y bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, los hermanos buscan el éxito en el escenario de dicho deporte.
La película, con guion a cargo del propio Sean Durkin, está protagonizada por Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson, Maura Tierney, Stanley Simons, Holt McCallany, Lily James, Kevin Anton y Cazzey Louis Cereghino.
Proyecciones Xcèntric: Proyecto para un texto
Conjunto de películas para pensar la relación entre la escritura y el cine, dos ámbitos que en este programa no se contraponen, sino todo lo contrario. Muchos de estos trabajos muestran el espacio y los gestos propios de la creación de un texto en analogía con los procedimientos cinematográficos. Plantean así la palabra escrita como una forma de imagen fílmica, entrelazando las tareas del escritor y del cineasta.
La película La pluie (Projet pour un texte), de Marcel Broodthaers, es una de las muchas obras del artista belga en las que la escritura se relaciona con otras formas artísticas. Este filme, en el que vemos al propio Broodthaers intentando escribir bajo la lluvia mientras el agua diluye constantemente la tinta, explicita que cualquier intento de recreación del gesto literario conduce el cine y el texto al límite.
Poetic Justice, la segunda película de la serie Hapax Legomena (1971-1972), de Hollis Frampton, investiga la naturaleza del cine a través de la relación entre la imagen y la palabra. En este trabajo nos acercamos al espacio que habitualmente se asocia a la escritura —una pila de papeles, una taza de café y una maceta con un cactus sobre una mesa—, y vemos una a una las hojas manuscritas que configuran una especie de guión de un filme que el espectador tiene que vislumbrar. Pero la verdadera acción del filme, la escritura del texto, fuera de campo, solo la podemos atisbar en el espacio minúsculo que existe entre fotogramas.
No es casual que la primera película de João César Monteiro sea un retrato de la escritora Sophia de Mello Breyner Andresen, vinculando así desde el inicio su cine con la creación literaria. Consciente de que la palabra poética no se puede filmar, el cineasta intenta acercarse a la poeta portuguesa mostrándola en el espacio de producción de su escritura, sentada en una mesa junto a una ventana, un vaso de agua y un cesto de fruta, con un lápiz y un cigarro en mano. La película se rodó en un verano con la ligereza y el humor propios de un filme diario, en el que vemos, asimismo, a la escritora con sus hijos junto al mar, elemento fundamental en su literatura y en la filmografía del cineasta.
Además de presentarse materialmente entre las imágenes, los libros condujeron a Robert Beavers a hacer algunas películas, como sucedió con From the Notebook of…, que parte de los cuadernos de notas de Leonardo da Vinci, del ensayo de Paul Valéry sobre el artista y también de las notas que el cineasta hizo para la preparación de este trabajo. En la película, el cineasta se retrata trabajando, en un espacio semejante al de un escritor: una mesa junto a una ventana, un cuaderno de notas, filtros y una cámara. Lo que le llevó a comparar, además del movimiento de las alas de los pájaros con la apertura de las persianas, el giro de las páginas de sus notas manuscritas con el movimiento del obturador y de las lentes de la cámara.
Por último, la película de Bruno Delgado Ramo intenta acercarse a la figura del pensador Baruch Spinoza y retratar la habitación en que trabajaba, donde aparte de escribir uno de sus principales tratados —la Ética—, que vemos fragmentado en tomos en el filme, pasaba los días dedicado al negocio familiar de importación de frutos secos y también puliendo lentes destinadas a la fabricación de instrumentos ópticos.
La Pluie (Projet pour un texte), Marcel Broodthaers, 1969, 16 mm, sin sonido, 2’; Poetic Justice (Hapax Legomena II), Hollis Frampton, 1972, 16 mm, sin sonido, 31’, VOSC; Sophia de Mello Breyner Andresen, João César Monteiro, 1969, 35 mm a DCP, 17’, VOSC; From the Notebook of…, Robert Beavers, 1971-1998, 16 mm a DCP, 48, VOSC’; Spinoza/Ongodist, Bruno Delgado Ramo, 2021, Súper-8, 11’
Copia de La pluie cortesía del MACBA. Copia de Poetic Justice procedente de Light Cone. Copia de Sophia de Mello Breyner Andresen procedente de la Cinemateca Portuguesa. Copias de From the Notebook of… y Spinoza/Ongodist cortesía de sus respectivos autores.
Fecha: 23 noviembre 2023
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía y presentan una retrospectiva de Peter Watkins, creador del falso documental
Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía y presentan una retrospectiva integral de Peter Watkins, creador del falso documental.
La retrospectiva `Peter Watkins: Imágenes en guerra´ se desarrollará del 2 de noviembre al 29 de diciembre.
Su obra plantea una crítica a la manipulación y uniformización de los medios y defiende que la experimentación narrativa y formal del documental nos conducirá a ser ciudadanos libres y autónomos.
Patrick Watkins, escenógrafo, colaborador en sus últimas películas e hijo del cineasta, presentará en Madrid las primeras sesiones del ciclo
El Museo Reina Sofía y Filmoteca Española presentan su ciclo anual conjunto dedicado en esta ocasión a Peter Watkins (Reino Unido, 1935), uno de los últimos cineastas rebeldes de nuestro tiempo. Su obra plantea una crítica a la manipulación y uniformización de los medios de masas según intereses creados y defiende una creencia en que la experimentación narrativa y formal del documental nos conducirá a ser ciudadanos libres y autónomos respecto a los poderes que gobiernan el mundo.
Comisariada por Chema González (Museo Reina Sofía) y Natalia Marín y Carlos Reviriego (Filmoteca Española), Imágenes en guerra es una retrospectiva integral que va a mostrar todas las películas del cineasta y que es la culminación de más de dos años de conversaciones entre Peter Watkins, el Museo Reina Sofía y Filmoteca Española, así como un extenso trabajo de búsqueda y negociación de los derechos de proyección, en muchas ocasiones propiedad de televisiones que muestran escaso interés, cuando no censura, en la obra de este cineasta a contracorriente.
El ciclo tiene lugar entre el cine Doré de Filmoteca Española y el Auditorio Sabatini del Museo Reina Sofía, e incluye hitos como una de las escasas proyecciones de La Commune, la primera proyección íntegra en nuestro país de The Journey, serie de más de 14 horas sobre el pacifismo global, la recuperación de las obras de juventud y la presentación comentada de Patrick Watkins, colaborador e hijo del cineasta, durante la primera semana. La mayor parte de las sinopsis de este programa, el orden de proyección de las películas, así como el formato de debate tras su proyección han sido decididos y elaborados por el propio autor.
Del docudrama al falso documental
Vivimos en un tiempo de posverdad, de fake news, de mentiras virales, en el que la representación de los conflictos y guerras a nuestro alrededor imita las convenciones del cine bélico, el lenguaje de los videojuegos o simplemente copia formatos de entretenimiento informativo. A comienzos de 1960, un joven realizador del departamento de documental de la BBC se planteó de qué manera podemos evitar esta “monoforma”, en su propia acepción, y cómo entender el documental como un proceso democrático, emancipatorio y profundamente escéptico con el statu quo. Ese joven, Peter Watkins, inventa así el docudrama o el falso documental; esto es, el uso de la ficción dentro de este género, en el que la re-escenificación teatral de los acontecimientos históricos, la dramatización de los recursos periodísticos —entrevistas, declaraciones—, el uso de actores amateurs y la implicación de un equipo no profesional conduce a un paradójico proceso en el que el artificio nos acerca a las distintas aristas de la verdad. Watkins ha persistido en una firme idea a lo largo de su trabajo: el totalitarismo, la sociedad con nulas libertades civiles y el camino a la aniquilación de la humanidad en una guerra nuclear es una probabilidad muy cercana. Así, su obra está plagada de distopías sobre la noción de un futuro policial y aterrador, Punishment Park, The Gladiator o The Trap que, en última instancia, aluden al potencial del cine político para despertar conciencias.
El relato especulativo, tráiler de «La última noche de Sandra M.» de Borja de la Vega
Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del segundo trabajo tras las cámaras de Borja de la Vega La última noche de Sandra M. Dramatización de las últimas horas de vida de Sandra Mozarowsky, trágica figura de culto del cine español de los setenta que tuvo una muerte misteriosa. El film, después de su paso por el Festival de Málaga y Sitges, dentro de la sección Noves Visions, llegará a los cines de nuestro país el próximo 15 de diciembre.
La película nos cuenta como Sandra, de 18 años, es actriz en la España de la Transición, un momento en el que ser joven y guapa te relega irremediablemente a hacer cine del destape. Una calurosa tarde de agosto, sola y angustiada por un embarazo no deseado, intenta decidir su futuro.
La última noche de Sandra M., con guion a cargo del propio Borja de la Vega, está protagonizada por Claudia Traisac, Georgina Amorós, Núria Prims, Nicolás Illoro, Pep Ambròs, Beatriz Arjona, Olaya Caldera, Rafa Castejón, Manu Imizcoz, Ramon Pujol, Bruno Sevilla y Oriol Tarrasón.
Henry James en la discoteca, tráiler para «La bête dans la jungle» de Patric Chiha
Es sin duda alguna una de las películas más inclasificables de este año, el nuevo trabajo del austríaco Patric Chiha, La bête dans la jungle, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, adapta de forma libre de la novela homónima de Henry James. Película, que tuvo su premiere mundial en la sección Panorama de la pasada edición del Festival de Berlín, sobre esperas, cuya banda sonora marca el paso de las transformaciones de un país, que transita entre varias épocas, desde la epidemia de sida a los atentados del 11 de septiembre.
The Beast in the Jungle nos narra la relación de dos amantes que, entre cuerpos en movimiento y a lo largo de veinticinco años, se acercan y alejan en la sala de fiestas de un club nocturno sin percatarse de que, a su alrededor, el tiempo avanza y el mundo cambia.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Patric Chiha junto a Jihane Chouaib y Axelle Ropert, está protagonizada por Anaïs Demoustier, Tom Mercier, Béatrice Dalle, Martin Vischer, Sophie Demeyer, Pedro Cabanas, Mara Taquin y Bachir Tlili.
FlixOlé estrena el primer gran título del Fernán Gómez director: La vida por delante
La plataforma también incorporará al catálogo de películas dirigidas por Fernán Gómez la exitosa adaptación de ‘Los palomos’ y la arriesgada zarzuela ‘¡Bruja, más que bruja!’
Como si de un hombre del Renacimiento se tratara, Fernando Fernán Gómez alcanzó la excelencia en cuantos trabajos realizó a lo largo de su carrera: legó al público memorables personajes en su faceta de actor; firmó obras literarias de obligada lectura, traducidas algunas al guion cinematográfico; y dirigió varios clásicos del cine español, entre los que se encuentra La vida por delante (1958), película que FlixOlé estrenará el próximo viernes, 10 de noviembre.
La plataforma especializada en cine español presentará una colección con los títulos más emblemáticos dirigidos por Fernán Gómez. Un recorrido por la filmografía del cineasta en el que también se incorporarán al catálogo de FlixOlé —además de la citada La vida por delante— la adaptación de la obra teatral de Alfonso Paso, Los palomos (1964), y ¡Bruja, más que bruja! (1977).
Fernando Fernán Gómez, en la película ‘La vida por delante’
Ingeniosa y ácida comedia dramática
Considerado por la crítica como el primer gran título que Fernán Gómez realizó en su faceta como director, La vida por delante significó un soplo de aire fresco para la gran pantalla del país en el momento de su llegada a las salas. El autor proyectó las influencias sainetescas y neorrealistas que le impactaron a su paso por los escenarios y delante de la cámara; hasta convertirlas en un retrato cómico de los dramas que las gentes vivían en la España de los 50.
Protagonizada por el propio cineasta, en compañía de Analía Gadé, el filme presentaba las dificultades que experimenta una pareja joven para construir su hogar. Problemas tan en boga en la actualidad como la falta de oportunidades y de un trabajo fijo, los apuros económicos y la angustia de no poder pagar el minúsculo apartamento en el que viven marcan el negro porvenir de sus personajes.
Una crítica al modelo familiar, moral y laboral promovido por el franquismo. La película fue castigada por la censura, que la calificó con la puntuación más baja para limitar su proyección y distribución. A pesar de ello, el largometraje cosechó un importante éxito comercial, lo que propició el rodaje de una secuela.
Manuel Alexandre, José Luis López Vázquez y Gracita Morales, protagonistas en ‘Los Palomos’
Una completa colección
La vida por delante ha quedado también como uno de los filmes más interesantes estrenados en la época. Ello se debe a la originalidad con la que Fernán Gómez narró los avatares de la pareja, haciendo uso del flashback y del narrador presente. Entre las ingeniosas secuencias de la película se encuentra la de una persona tartamuda que intenta explicar a las autoridades los hechos de un accidente de tráfico: las imágenes de la escena se repiten de acuerdo a las intermitencias de la voz en off de Pepe Isbert cuando éste relata el suceso.
El largometraje La vida por delante se incluirá dentro del especial con el que FlixOlé recordará el periplo de Fernán detrás de la cámara. En dicha colección se podrá acceder a títulos tan inspiradores como El extraño viaje (1964) y El mundo sigue (1965); las disparatadas comedias El malvado Carabel (1955), La venganza de Don Mendo (1961) y Crimen imperfecto (1970); así como las premiadas El viaje a ninguna parte y Mambrú se fue a la guerra (ambas de 1986).
Nuevas incorporaciones ‘fernandianas’
A dichos filmes se suman el estreno en la plataforma de Los palomos, encargo que Fernán Gómez recibió y resolvió con envidiable solvencia al dirigir a un reparto de renombre encabezado por José Luis López Vázquez, Gracita Morales, Fernando Rey, Mabel Karr, Julia Caba y Manuel Alexandre. El resultado fue una divertida comedia de salón que atrajo a más de medio millón de espectadores con la historia de un empresario sin escrúpulos que intenta colocar un crimen que él mismo ha cometido a un matrimonio humilde, Los Palomos.
También se añadirá a FlixOlé ¡Bruja, más que bruja!, una zarzuela esperpéntica en la España rural en la que el cacique del pueblo (Fernán Gómez) aprovecha la ausencia de su sobrino (Francisco Algora) para casarse con la novia de éste (Emma Cohen). Cuando el familiar regresa, intentará vengarse.
La desintegración de América, primer tráiler para «Leave the World Behind»
El derrumbamiento de una sociedad ha sido a lo largo de los años un tema recurrente en el cine a través de películas que indagan en la temática del apocalipsis. Al igual que la siempre reivindicable The Trigger Effect de David Koepp en Leave the World Behind, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se nos muestra el principio de un supuesto fin, y como los protagonistas has de asumirlo. Basada en la novela de Rumaan Alam del mismo título, la película con Sam Esmail tras las cámaras, Comet (2014), Mr. Robot (2015), se estrenará vía Netflix el próximo 8 de diciembre.
En Leave the World Behind vemos como las vacaciones de una familia dan un giro escalofriante cuando dos desconocidos, G.H. y su hija Ruth, se presentan en plena noche buscando refugio frente a un ciberataque que se va volviendo más y más aterrador. En esta situación, todos deberán asumir su papel en un mundo que se desmorona.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Sam Esmail, está protagonizada por Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha’la Herrold, Kevin Bacon, Charlie Evans, Farrah Mackenzie, Vanessa Aspillaga, Josh Drennen, Madison Jessica Bennett y Erica Cho.
«Sala:B» y el péplum
Hércules contra los hijos del sol (Osvaldo Civirani, 1964). Int.: Mark Forest, Giuliano Gemma, Angela Rhu, Anna Maria Pace. España, Italia. 35 mm. VE. Color. 80’
La rebelión de los gladiadores (Vittorio Cottafavi, 1958). Int.: Gianna Maria Canale, Ettore Mani, Rafael Luis Calvo, Mara Cruz. España, Italia. 35 mm. Color. 98’
«Presentamos uno de los subgéneros más clásicos de los cines de barrio, el péplum o “cine de romanos”, en un programa doble coproducido con Italia lleno de exóticas aventuras y fornidos gladiadores en minifalda.
Hércules contra los hijos del sol es uno de los últimos trajes a medida del culturista (y luego tenor) Mark Forest, sucesor de Steve Reeves en el trono de héroes musculosos de la antigüedad. Forest había sido gogo-boy de Mae West en Las Vegas, para luego protagonizar varios Hércules y Macistes de segunda fila. En 1964, cuando la prolífica fórmula se empezaba a agotar, se intentaron mestizajes improbables como este, donde el héroe naufraga en el continente americano para toparse con los incas y el mismísimo Atahualpa. Este improbable periplo da como resultado una de las aventuras más exóticas, delirantes y coloridas de la saga, aliñada con paisajes, matte-paintings y vestuarios de puro cómic, en los que se podría reconocer la influencia de un Mario Bava. Ojo a las secuencias musicales que son todo un espectáculo. Para más inri, la habitual compañera femenina queda eclipsada por Giuliano Gemma como príncipe inca, constantemente obnubilado por los brazos y la espada de Hércules. A pesar de la peluca inca que luce, Gemma se convertirá a continuación en una de las raras bellezas masculinas del spaghetti western.
En contraste con la visión pop y sin prejuicios de la anterior, La rebelión de los gladiadores es un pequeño clásico del cine de romanos, dirigido por uno de sus máximos exponentes: Vittorio Cottafavi, que inició con ella una serie de péplums más comprometidos con la historia y menos con la fantasía mitológica. Sin perder el ritmo de aventuras y las peleas de circo romano, La rebelión de los gladiadores incluye sólidas tramas de conspiraciones e intrigas femeninas con villanas de altura, algo poco frecuente en este subgénero tan varonil». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo de Víctor Matellano, escritor y cineasta, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 200’).
Proyecciones Xcèntric: Una Técnica con T mayúscula: Tecnología, etnografía y plástica en el cine de José Val del Omar
Pensado en conexión con la sesión del curso “Escribir el cine II” (Aula Xcèntric 2023) dedicada al cineasta José Val del Omar, este programa pretende ofrecer un marco histórico y biográfico que ayude a comprender su producción teórica, nutrida de un imaginario que se mantendrá constante a lo largo de su trayectoria. Presentación a cargo de Lluis Alexandre Casanovas, programador de la sesión.
Esbozando la constelación de intereses de cineastas próximos a Val del Omar, este programa explora la persistencia de un recurso que alimentará buena parte del cine de vanguardia del siglo XX español: el uso de la tradición popular como punto de partida para la experimentación visual. La tecnología del cine, argumentan diferentes autores, ayuda a reconstruir una supuesta continuidad entre cultura y entorno, entre antropología y tecno-ciencia, con métodos etnográficos sustentados en las posibilidades ópticas de los nuevos mecanismos de registro visual. Se trata, como Val del Omar explicará, de ofrecer al espectador “documentos objectivos de primera calidad” que muestren la conexión entre naturaleza y tradición; por ejemplo, entre las formas del agua sometida a la fuerza de la gravedad y el movimiento del cuerpo al bailar una siguiriya, o entre las formas sinuosas de las células vegetales y las imágenes barrocas esculpidas en madera de pino. Los esfuerzos de estos cineastas se enmarcan dentro de la confianza en las posibilidades comunicativas que, más allá del lenguaje, permite la reproductibilidad técnica de imágenes, y se desarrollarán a partir de diferentes ámbitos cientificotécnicos y artísticos.
El programa se estructura en dos bloques, a partir de dos producciones de Val del Omar sobre su Granada natal. El primer bloque investiga las posibilidades que inaugura el cine en la comprensión de fenómenos biológicos y culturales. Gira alrededor del corto Vibración de Granada (1935), que acompaña con piezas de Guillermo López Fernández-Zúñiga, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, asociados, como Val del Omar, al Servicio de Cinematografía de las Misiones Pedagógicas. Esta iniciativa no solo proyectaba cine en las regiones rurales más aisladas, sino que también documentaba, a través del cine y la fotografía, las condiciones de vida de estas áreas y la persistencia de tradiciones ya desaparecidas en entornos metropolitanos. Esta doble operación servia, además, para recalcar la importancia que estas comunidades y su cultura tenían en el proyecto político de la República. En paralelo a la documentación de las Misiones, estos cineastas realizarán cortometrajes científicos y etnográficos de vocación educativa en los que ensayarán nuevas estéticas políticas como es el caso de Galicia/Finis Terrae (1936), de Velo y Mantilla.
El segundo bloque muestra la continuidad del proyecto de revaloración de las tradiciones populares emprendido en el período republicano después de la Guerra Civil. Aguaespejo granadino (La gran siguiriya) (1953-55) de Val del Omar se acompaña aquí del documental “lírico-antropológico” Boda en Castilla (1941) de Manuel Augusto García Viñolas. Esta película experimental emplea los recursos estéticos que ofrece el cine para registrar las tradiciones nacionales como un sistema esencialista cerrado, sin continuidad con la materia ni el entorno. En contraposición, el programa concluye con Aguaespejo granadino, un “ensayo de plástica lírica” sobre las arquitecturas y el paisaje de la Alhambra y la comunidad romaní que vive a su alrededor. Val del Omar estructura la relación entre entorno e individuo a través de una imajen que funciona como el motor capaz de despertar manifestaciones culturales ocultas en el inconsciente, que se activa a través de recursos ópticos como la obturación rápida que congela el agua de las fuentes de la Alhambra en un baile de siguiriyas o la iluminación estroboscópica que convierte figuras vegetales en patrones ornamentales abstractos.
Vibración de Granada, José Val del Omar, 1934-35, 16mm, Sin Sonido, 21’; Polinización, Guillermo Fernández López-Zúñiga, 1935, 16mm, Sin Sonido, 3’; Finis Terrae-Galicia, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, 1936, 35mm, 8′; La ciudad y el campo, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, 1934, 35mm, Sin Sonido, 9’; Boda en Castilla, Manuel Augusto García Viñolas, 1941, 35mm, 16’; Aguaespejo granadino (La gran siguiriya), José Val del Omar, 1955, 35mm, 23’
Proyección en digital.
Agradecimientos: Archivo Val del Omar, Piluca Baquero, Fundación Carlos Velo, Margarita Ledo y Grupo de Estudos Audiovisuais de la Universidade de Santiago de Compostela.
Fecha: 2 noviembre 2023
Horario: 19.00
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Los abonos solo se pueden adquirir en las taquillas.
Muerte de un ciclista viaja al Festival Lumière con una copia en 4K restaurada por FlixOlé
El festival de talla mundial dedicado al cine clásico acogerá la proyección de una copia en 4K de la película ‘Muerte de un ciclista’
La película capital del cine español de los años 50, Muerte de un ciclista (1955), estará presente en 4K en la 15ª edición del Festival Lumière. Este encuentro encaminado a preservar la memoria del séptimo arte a través de sus obras maestras incorporará en su sección Grands classiques du noir et blanc el filme dirigido por Juan A. Bardem, el cual se proyectará el miércoles 18 de octubre, a las 21:45 horas, en Pathé Bellecour; y el jueves 19 de octubre, a las 10:45 horas, en Cinema Comoedia.
Galardonada con el premio de la crítica internacional FIPRESCI en Cannes, Muerte de un ciclista regresa a tierras francesas con una renovada imagen después de que la plataforma FlixOlé, en colaboración con la distribuidora Mercury Films, restaurase la película en 4K. Dicha remasterización ha obtenido el reconocimiento del festival, que ha otorgado el sello Lumiére Classics a la copia que se proyectará en la ciudad de Lyon junto a otros clásicos como Rebeca (Alfred Hitchcock, 1940), Bellísima (Luchino Visconti, 1951), El grito (Michelangelo Antonioni, 1957) o El apartamento (Billy Wilder, 1960), entre otros.
De esta manera, el Festival Lumière pone en valor las labores de conservación y restauración del patrimonio audiovisual español desarrolladas por FlixOlé y Mercury Films, al tiempo que redescubrirá al público uno de los clásicos más importantes de la cinematografía del país: Muerte de un ciclista. Obra cumbre en la filmografía de su autor, la película supuso todo un descubrimiento en clave mundial, tanto por el comprometido mensaje social y político que Juan A. Bardem insufló al metraje en plena dictadura; como por su factura técnica.
Lucía Bosé y Alberto Closas, protagonistas de ‘Muerte de un ciclista’
Crítica descarnada a la burguesía
A caballo entre el cine negro americano, el neorrealismo italiano y otras corrientes innovadoras del cine internacional, Muerte de un ciclista se convirtió en una dura crítica de la España franquista. También en una denuncia a la hipocresía, el egoísmo y la falta de escrúpulos de la clase burguesa de la época, prácticas que quedaron reflejadas en los personajes de María José de Castro (Lucía Bosé), una mujer casada con un rico empresario, y el amante de ésta, Juan (Alberto Closas), un profesor de universidad.
Durante un paseo en coche, la pareja atropella a un ciclista. En lugar de socorrerlo, huyen del lugar. El miedo de los protagonistas a que se descubra su adúltera relación, y el temor a perder su estatus social, les lleva a guardar el secreto de lo sucedido. Mientras María José intenta que la verdad no salga a la luz, el sentimiento de culpa hace mella en su amante.
Este crudo reflejo de la sociedad española, que incluye hasta manifestaciones de estudiantes universitarios, evidenciaba el marcado carácter disidente de la película respecto a los postulados del régimen franquista. No obstante, los órganos censores se centraron tanto en las cuestiones morales de Muerte de un ciclista que no se percataron del fuerte componente sociopolítico de la misma; si bien fue censurada en varias ocasiones.
Juan (Alberto Closas) visita una corrala para localizar a la familia del obrero que él y su amante atropellaron
Restauración de La caza, en la Venice Classics
El largometraje puso a su autor en el mapa fílmico europeo y hollywoodiense. También significó la primera colaboración entre Saura y Elías Querejeta, uno de los productores más importantes del cine español por los numerosos clásicos que ayudó a crear y por los nombres de directores a los que encumbró (el propio Saura, Víctor Erice, Jaime Chávarri y Gracia Querejeta, entre otros).
La selección de La caza dentro de la sección Venice Classics del Festival de Venecia, cuya programación aglutina todos aquellos clásicos de la historia del cine, es una muestra de la relevancia del filme en todo el mundo. Igualmente, la proyección de la copia en 4K pone en valor la labor de restauración del archivo cinematográfico español que desarrolla FlixOlé, en colaboración con la distribuidora Mercury Films.
En su compromiso de recuperar aquellos títulos imprescindibles del patrimonio audiovisual del país, la plataforma ha remasterizado en sus instalaciones (en los laboratorios Cherry Towers) la película La caza para que la misma pueda ser disfrutada en la mejor calidad de imagen y sonido, poniéndola también a disposición del espectador a través de su catálogo.
Un clásico que se podrá revisitar como nunca antes
Al insólito y arriesgado relato propuesto por Bardem se suma la meticulosa puesta en escena y el moderno montaje del filme, en el que destacan las transiciones y encabalgamientos entre secuencias. Original y arrebatadora, la película forma parte de los grandes clásicos del séptimo arte nacional e internacional.
Tras su restauración en 4K, proceso enmarcado en las tareas de preservación y promoción del cine español por parte de FlixOlé y Mercury Films, el largometraje se podrá visualizar en la mejor calidad de imagen y sonido durante su proyección en el Festival Lumiére. Asimismo, Muerte de un ciclista se encuentra disponible en el catálogo de la plataforma, junto a otros títulos de Juan A. Bardem como Esa pareja feliz (codirigida con Luis García Berlanga, 1951), Cómicos (1954), Calle Mayor (1956), La venganza (1958) y Nunca pasa nada (1963), entre otras.
Filmoteca Española dedica una retrospectiva al cineasta italiano Nanni Moretti
El ciclo comienza en octubre y se alargará hasta diciembre en el cine Doré
El 21 de septiembre se celebra un acto previo en el que Valia Santella, coguionista de `El sol del Futuro´ (2023), presentará la última película de Moretti en un coloquio abierto al público
Con motivo del estreno en España de la última película de Nanni Moretti, `El sol del futuro´ (2023) Filmoteca Española pone en marcha una retrospectiva del director italiano que se desarrollará entre octubre y diciembre de 2023. Con su última película, cuyo preestreno se celebró en el cine Doré el pasado 11 de septiembre, Moretti cierra un tríptico desarrollado durante tres décadas que completan `Caro diario´ (1993) y `Abril´ (1998).
El ciclo, que arranca en octubre y se desarrollará hasta diciembre, contará con un acto previo el 21 de septiembre en el que Valia Santella, coguionista de `El sol del Futuro´, presentará el filme en un coloquio abierto al público.
Instrucciones para pensar el mundo
El cine de Nanni Moretti se construye desde la autoficción, que no es una atalaya narcisista desde la que mirar el mundo, sino un ejercicio de presentarse a sí mismo como parte del discurso cinematográfico, de relatarlo con su propio cuerpo. Desde sus inicios en el cine, el director italiano hace ya una declaración de intenciones con el título elegido para su primer largometraje `Io sonno un autarchico´ (1976). Moretti, se debate entre la autarquía -que deriva en un estado de autosuficiencia personal y estilística- y un cuestionamiento político permanente acerca de la sociedad italiana. Esta dicotomía entre lo exterior y lo interior inspira el título de la retrospectiva que Filmoteca Española presenta este otoño en el cine Doré: `Instrucciones para pensar el mundo´.
Seminario paralelo
La sesión del 21 de septiembre se desarrolla en paralelo a la celebración en la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) del Seminario Internacional con Valia Santella “Del set a la escritura (y viceversa). Un viaje personal y emocional en la escritura cinematográfica”, organizado conjuntamente con Filmoteca Española y DAMA, y dirigido a guionistas, directores, productores, actores, actrices y otros profesionales del sector. Tendrá lugar en la sala de cine de la ECAM los días 19 y 20 de septiembre . Santella, que comenzó su carrera como guionista en 2010, es colaboradora de Moretti y ha trabajado con otros directores italianos de la talla de Marco Bellucci y Valeria Golino.
Calendario sesiones octubre
1 de octubre – 20:30
`Palombella rossa´ (1989)
4 de octubre – 17:30
`Santiago, Italia´ (2018)
5 de octubre – 17:30
`Habemus Papam´ (2011)
7 de octubre – 21:30
`La misa ha terminado´ (1985)
8 de octubre – 17:30
`La habitación del hijo´ (2001)
10 de octubre – 18:00
`Palombella rossa´ (1989)
13 de octubre – 21:30
`Caro diario ´ ( 1993).
14 de octubre – 17:30
`La habitación del hijo´ (2001)
26 de octubre – 21:30
`Caro diario´ (1993)
28 de octubre – 17:30
`Habemus Papam´ (2011)
29 de octubre – 21:30
`La misa ha terminado´ (1985)
En noviembre completarán este ciclo otros títulos como `Come parli, frate?´, `Io sono un autarchico´, `Ecce Bombo´, `Sogni d’oro´, versión restaurada por la Cineteca Nazionale; `Bianca´ o `El caimán´.
Vampiros en la campiña, primer tráiler para «The Vourdalak» de Adrien Beau
A las puertas de la LVI edición del próximo Festival de Sitges empiezan a ver la luz algunos avances de las películas presentes en el certamen catalán. The Vourdalak, que formará parte de la Sección Noves Visions y cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el debut en el largometraje de Adrien Beau. La película, con buena recepción en el pasado festival de Venecia, adapta el cuento La familia del vurdalak escrito por Aleksei Tolstoy.
En The Vourdalak, que se estrenará en los cines franceses el próximo 25 de octubre, vemos como perdido en un bosque hostil, el marqués de Urfé, un noble emisario del rey de Francia, encuentra refugio en la casa de una misteriosa familia que oculta un secreto aterrador.
La película, con guion adaptado a cargo Adrien Beau junto a Hadrien Bouvier está protagonizada por Kacey Mottet Klein, Ariane Labed, Grégoire Colin, Claire Duburcq, Kacey Mottet Klein, Erwan Ribard, Vassili Schneider y el propio Adrien Beau.
«Sala:B» y el terror SS
Más allá de la muerte (Sebastián D’Arbó, 1986). Int.: Narciso Ibáñez Menta, Tony Isbert, Berta Cabré, Sergio Tula. España. DCP. Color. 92’
La herencia del mal (Joaquín Gómez, 1987). Int.: David Rocha, María Vico, Frank Braña, Remedios Hernández. España. DCP. Color. 93’
«Después de las clasificadas S, presentamos el “terror SS” con dos películas malditas del fantaterror español sembradas de subtramas nazis, gotas de erotismo y otras góticas truculencias perfectas para celebrar Halloween en «Sala:B».
Más allá de la muerte, dirigida por Sebastián D’Arbó, es una de sus películas menos conocidas, pero también una de las más interesantes e insólitas. Partiendo de su característico formato de documento paranormal con presentación incluida, D’Arbó prueba aquí una trama mucho más ambiciosa y compleja, combinando experiencias más allá de la muerte con los rituales ocultistas de la Sociedad Thule, que desembocó en el partido nacionalsocialista de Hitler. Narciso Ibáñez Menta y Tony Isbert desempeñan a los dos fascinantes antagonistas de esta misteriosa y trepidante rareza que parece cambiar de género cada 15 minutos, entre flashbacks, sueños, efectos especiales y secuencias psicodélicas cósmicas con aromas kubrickianos, nada menos.
La herencia del mal va a tener su estreno mundial en «Sala:B», después de que su director Joaquín Gómez Sáinz (Dan Barry) donase a Filmoteca Española los materiales que conservaba de este malogrado proyecto. Desavenencias con los productores y la precariedad del rodaje dieron al traste con este giallo tardío que se atrevía también a dar saltos mortales entre subgéneros, desde el terror gótico (con ese magnífico castillo de San José de Valderas) al melodrama nazi, y del slasher al thriller quinqui. Por si faltara poco delirio general, el inconfundible David Rocha pone una vez más sus excesos interpretativos al límite, haciendo de esta película un viaje tan desconcertante como memorable». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo de los directores, Sebastián D’Arbó y Joaquín Gómez Sáinz, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 205’).