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Será indiscutiblemente uno de los platos fuertes del próximo año, el veterano George Miller vuelve con una nueva entrega de la saga del mundo distópico que creó hace más de 40 años con Furiosa: A Mad Max Saga, película cuyo primer tráiler de la mano de Warner Bros. acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster promocional. El film, que nos situará varias décadas antes de los hechos narrados en Mad Max: Fury Road, tiene previsto un estreno mundial para el próximo 24 de mayo de 2024.
La película nos muestra como al caer el mundo, la joven Furiosa es arrebatada del Lugar Verde de Muchas Madres y cae en manos de una gran Horda de Motoristas liderada por el Señor de la Guerra Dementus. Arrasando el Páramo, se topan con la Ciudadela presidida por El Inmortan Joe. Mientras los dos Tiranos luchan por el dominio, Furiosa debe sobrevivir a muchas pruebas mientras reúne los medios para encontrar el camino de vuelta a casa.
Furiosa: A Mad Max Saga, con guion a cargo del propio George Miller junto a Nick Lathouris, está protagonizada por Anya Taylor-Joy, Chris Hemsworth, Tom Burke, Angus Sampson, Daniel Webber, Nathan Jones, Goran D. Kleut, Lachy Hulme, CJ. Bloomfield, Rahel Romahn, Robert McFarlane y David Collins.
La intimidad, los afectos y los intercambios creativos entre Tom Chomont y Robert Beavers quedan materializados en estas películas en las que ambos cineastas desarrollan paralelamente la posibilidad de un cine lírico en la frontera entre el retrato y el drama psicológico, el erotismo y la estilización formal. Sus frenéticas meditaciones nos ofrecen visiones complementarias de la escisión del sujeto y la exploración de la sexualidad.
La complejidad rítmica y las narraciones elípticas de las películas de Gregory J. Markopoulos inspiraron a los jóvenes Chomont y Beavers para realizar un cine personal en el que la musicalidad del montaje expresa el flujo psíquico de sus personajes. Partiendo de una premisa retratística y a veces vagamente narrativa, ambos sitúan a sus sujetos (en varias ocasiones, el propio Beavers en las películas de Chomont y Chomont en las de Beavers) en un tiempo suspendido vertebrado por la repetición de instantes y el entrecruzamiento de gestos y motivos, confiriendo a cada imagen una gravedad carnal y metafísica.
Durante el periodo recogido en este programa, ambos cineastas desplegaron su riqueza formal reflejando estados anímicos sombríos relacionados con traumas personales. En el caso de Chomont, mediante su uso intenso de las superposiciones, las imágenes en espejo, la alternancia entre el material en positivo y negativo y la intervención directa sobre la película, multiplicando las simetrías en la superficie del plano, convertido en un mandala. Por su parte, Beavers articula frecuentes referencias musicales, pictóricas y literarias con el empleo de ligeros movimientos de cámara, variaciones de enfoque y el uso reiterado de las máscaras geométricas y los filtros de múltiples colores, que convergen en una imagen de la alienación con el propio cuerpo y con el espacio urbano.
Tom Chomont: Ophelia/The Cat Lady, 1969, 2’; Love Objects, 1971, sin sonido, 16’; The Mirror Garden, 1967, sin sonido, 4’; Epilog/Siam, 1968, sin sonido, 5’; Jabook, 1967, sin sonido, 3’; Phases of the Moon, 1968, sin sonido, 3’; Oblivion, 1969, sin sonido, 4’. Robert Beavers: Spiracle, 1966, 12’; The Count of Days, 1969, 21’; Palinode, 1970, 21’.
Proyección en 16 mm.
Copias de Tom Chomont procedentes de The Film-Makers’ Cooperative. Copia de Spiracle de Filmarchiv Schönecker. Copias de The Count of Days y Palinode procedentes de The Temenos Archives, con agradecimientos al artista.
No es la primera vez en este 2023 a punto de finalizar que la novela de Henry James La bête dans la jungle es libremente adaptada al cine. Si hace pocos días nos deteníamos en el film de Patric Chiha, ahora es turno para La Bête, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Mezcla de drama de época, thriller y ciencia-ficción, La Bête supone una nueva incursión en el fantástico por parte de Bertrand Bonello tras la notable Zombi Child. La película, aún sin fecha de estreno, llegará el próximo año a nuestro país de la mano de Caramel Films y YouPlanet.
La Bête nos sitúa en un futuro cercano, donde la inteligencia artificial reina, las emociones se han convertido en una amenaza. Para librarse de ellas, la joven Gabrielle decide purificar su ADN en una máquina que la sumergirá en sus vidas pasadas. Allí se reencuentra con Louis, su gran amor. Pero está abrumada por el miedo y por la sensación de que la catástrofe se avecina. Una historia ambientada en tres períodos distintos: 1910, 2014 y 2044.
La película, con guion a cargo del propio Bertrand Bonello, está protagonizada por Léa Seydoux, George MacKay, Dasha Nekrasova, Julia Faure, Guslagie Malanda, Tiffany Hofstetter, Lukas Ionesco, Parker Henry, Martin Scali, Lottie Andersen y Kester Lovelace.
El ciclo `Jorge Semprún. Miradas del exilio´ se incluye en el programa de actividades culturales impulsado por el Ministerio de Cultura. La efeméride enlaza valores de democracia, libertad y respeto a los derechos humanos
Las sesiones incluidas en el ciclo se celebrarán en el cine Doré durante los meses de diciembre y enero e incluirán, además de sus obras como guionista cinematográfico, el documental ´Les deux mémoires´, único título dirigido por el escritor y uno de los documentales más destacados sobre la guerra civil española
Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación y difusión del patrimonio cinematográfico español, se suma a la celebración del centenario de Jorge Semprún (1923 – 2011), uno de los intelectuales europeos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.
La relevancia de su vida y obra se ve claramente reflejada en su trayectoria como intelectual, político, escritor, guionista y cineasta, facetas estas últimas que articularán el ciclo ´Miradas del exilio’ con el objetivo de profundizar en el conocimiento de su legado cinematográfico, así como de la época que le tocó vivir, abordando aspectos como el exilio español, la oposición al franquismo, el compromiso político de los intelectuales o la relación entre historia y memoria.
Entre los títulos elegidos, podrán verse los guiones en el exilio de Jorge Semprún para directores de relevancia internacional como Costa Gavras, Alain Resnais o Joseph Losey, Yves Boiset, Hugo Santiago o Alexander Arcady; así como el documental ´Les deux mémoires´, único título dirigido por Semprún, y uno de los documentales más destacados sobre la guerra civil española.
El ciclo, que se celebrará en el cine Doré entre los meses de diciembre y enero, comenzará el 27 de noviembre (19:00 h) con la proyección de ´La guerra ha terminado´ (Alain Resnais, 1966). La entrada será libre hasta completar el aforo y contará en su presentación con Felipe Nieto, Doctor en Historia Contemporánea por la UNED y autor de diferentes estudios sobre la figura de Semprún, y con Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española.
Centenario Semprún
El ciclo programado por Filmoteca Española se enmarca dentro del programa de actividades culturales impulsado por el Ministerio de Cultura con motivo de la conmemoración del centenario de su nacimiento. Este programa, que ha arrancado en noviembre, está aglutinando diferentes actividades y propuestas en torno a su vida en instituciones como el Centro Documental de la Memoria Histórica, el Centro Dramático Nacional o el Archivo Histórico Nacional.
Además de la profundización y la difusión del conocimiento de su biografía y su creación, el Centenario Semprún tratará de poner de manifiesto la plena actualidad de muchos de los valores que su legado representa: la solidaridad, la defensa de la democracia y la libertad contra pulsiones totalitarias, la denuncia de la barbarie de la guerra o la reivindicación de la fraternidad y la solidaridad. Igualmente, se destacará la vinculación de la trayectoria y el pensamiento de Semprún con los principios que dan sentido al proyecto de Europa, coincidiendo con la Presidencia española del Consejo de la Unión Europea.
Sesiones noviembre / diciembre
27 de noviembre – 19.00 h. `La guerra ha terminado´ (Alain Resnais, 1966)
3 de diciembre – 17:30 h. ` Z ´ (Costa-Gavras, 1969)
5 de diciembre – 19:30 h. `Las dos memorias´ (Jorge Semprún, 1974)
10 de diciembre – 17:30 `Sección especial´ (Costa-Gavras, 1975)
12 de diciembre – 19:00 ` Stavisky´ (Alain Resnais, 1974)
15 de diciembre – 17:30 `La guerra ha terminado´ (Alain Resnais, 1966)
16 de diciembre – 20:30 `Las dos memorias´ (Jorge Semprún, 1974)
17 de diciembre – 20:30 `La confesión´ (Costa-Gavras, 1970)
20 de diciembre – 21:00 `Las rutas del sur´ (Joseph Losey, 1978)
27 de diciembre – 20:30 `El atentado´ (Yves Boiset, 1972)
Es una de las sensaciones del cine indie estadounidense de este 2023, el debut en el largometraje, del hasta ahora reconocido director de fotografía Sean Price Williams, The Sweet East, estrena un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, una road movie que anida sobre el imaginario norteamericano, rodada cámara al hombro y en 16 milímetros, que nos puede retrotraer a los primeros trabajos de cineastas como Gus van Sant y Sean Baker, después de su paso por el Festival de Cannes, dentro de la Quincena de Cineastas, y la Seminci, llegará a las salas comerciales de nuestro país, aún sin fecha de estreno, de la mano de Caramel Films.
The Sweet East nos sitúa en un picaresco viaje a través de las ciudades y los bosques de la costa este de EE.UU. emprendido por Lillian, una joven estudiante de último curso de secundaria de Carolina del Sur que tiene su primera visión del mundo en un viaje de estudios a Washington, D.C.
La película, con guion a cargo de Nick Pinkerton, está protagonizada por Talia Ryder, Earl Cave, Simon Rex, Ayo Edebiri, Jeremy O. Harris, Jacob Elordi y Rish Shah.
Las formas subversivas, las fugas del clasicismo, el cine moderno no francés, el cine del este y latinoamericano, el cine africano de los 60, el cine experimental y/o underground americano, el giallo y el blaxplotation, la serie B japonesa, los cines periféricos o el cine heterodoxo español. Así se planeta este curso anual para estudiar, analizar y reflexionar sobre las cinematografías olvidadas. Una historia que incluya temas, voces y territorios tradicionalmente ignorados ya sea por género, clase, raza o nación.
BLOQUE 1: El clasicismo y sus fugas
▪ La comedia como agente del caos. El slapstick más allá de Chaplin y Keaton: Harold Lloyd, Laurel & Hardy, Mabel Normand y otras heroínas del slapstick, etc.
▪ Autores fuera de canon en el Hollywood clásico: Erich vonStroheim, Josef von Sternberg, F.W. Murnau…
▪ El Hollywood del “Pre-Code”: sexo, moral y censura en el inicio del sonoro. Mae West, actriz-autora.
▪ Directoras del Hollywood clásico: Dorothy Arzner e Ida Lupino
▪ La producción de serie B: géneros, subgéneros y autoría en el Hollywood clásico. El caso de Monogram Pictures. Val Lewton,productor-autor
BLOQUE 2: Los otros cines modernos. Más allá de la nouvelle vague
▪ El Nuevo Cine de los países del Este: Polonia (el primer Polanski, Andrzej Wajda, Jerzy Skolimowski), Checoslovaquia (el primer Milos Forman, Vera Chytilova), Hungría (Miklos Jancso, Laszlo Kovàcs), etc.
▪ El Nuevo Cine Alemán. Más allá de Schlondorff o Fassbinder: Straub & Huillet, Alexander Kluge, el primer Werner Herzog.
▪ Nuevo Cine Latinoamericano. El Cinema Novo (Brasil): Glauber Rocha, Nelson Pereira Dos Santos, etc. El nuevo cine argentino (Fernando Birri, Fernando Solanas, etc.). El nuevo cine cubano (Tomás Gutiérrez Alea, Santiago Álvarez, etc.). El caso de Sara Gómez, la primera cineasta cubana.
▪ El nacimiento del cine africano en los 60: el cine de Ousmane Sembene (Senegal), Med Hondo (Mauritania) y Djibril Diop Mambety (Senegal).
▪ El cine de la India: de Satyajit Ray al “nuevo cine”. El star system en la India y Bollywood.
BLOQUE 3: Breve recorrido por el experimental y/o underground
▪ Inicios del cine experimental en EE.UU.: Maya Deren, Kenneth Anger, Curtis Harrington y su “cine del psico-drama”.
▪ El New American Cinema: Jonas Mekas, Marie Menken, Stan Brakhage, Bruce Conner, Gregory Markopoulos, etc.
▪ El cine estructural: Peter Kubelka, Hollis Frampton, Michael Snow, Paul Sharits, etc.
▪ El cine militante. Cine y mayo’68. Tercer Cine.
BLOQUE 4: Géneros y subgéneros populares entre los 60 y los 70
▪ Italia: giallo (Dario Argento, Mario Bava, Lucio Fulci, etc.) y spaguetti western (Sergio Leone, Sergio Corbucci, Enzo G. Castellari)
▪ España: la edad dorada del fantaterror (Jess Franco, Paul Naschy, León Klimovsky, Armando de Ossorio…)
▪ EE.UU.: el Blaxploitation y sus estrellas, Pam Grier y Richard Roundtree. Los inicios del gore: el cine de Herschell Gordon Lewis.
▪ Japón: la serie B y los pinku eigas (cine erótico) de Nikkatsu. El caso de Seijun Suzuki (Youth of the Beast, Tokyo Drifter, Branded to Kill)
▪ Hong Kong: los wuxia de los Shaw Brothers. El cine de acción hongkonés.
BLOQUE 5: Cine e identidad(es)
▪ Cine(s) feminista(s). Las pioneras: Agnès Varda, Chantal Akerman. El contracine de Laura Mulvey y Peter Wollen. Born in Flames, de Lizzie Borden. Un caso de estudio: el colectivo de vídeo feminista “Las insumusas” (Delphine Seyrig & Carole Roussopoulos). Otro caso de estudio: Cecilia Bartolomé (España).
▪ Antes del New Queer Cinema: Flaming Creatures de Jack Smith, Derek Jarman. New Queer Cinema: Todd Haynes, Gregg Araki, Rose Troche. El caso de Bruce LaBruce.
BLOQUE 6: Los cines periféricos desde los 80 a la actualidad
▪ El cine iraní desde los años 80 a la actualidad. El cine de Abbas
Kiarostami.
▪ La nueva ola rumana: Cristian Mungiu, Cristi Puiu, Radu Muntean, etc.
▪ El nuevo cine filipino: Lav Diaz, Raya Martin, Brillante Mendoza, etc.
▪ La “nueva” generación de cineastas mejicanos: Carlos Reygadas, Amat Escalante, etc. La “nueva” generación de cineastas argentinos: Lucrecia Martel, Lisandro Alondo, etc.
▪ Corea del Sur y su cine: Bong Jong-hoo, Lee Chang-dong, Na Hong-jing, etc
BLOQUE 7: Breve recorrido por el cine español heterodoxo
▪ Pioneros heterodoxos: Nemesio Sobrevila, Manuel Noriega, Luis Buñuel…
▪ La corriente de “cine telúrico”: Carlos Serrano de Osma. Llorenç Llobet Gràcia y un título de culto: Vida en sombras
▪ José Val del Omar y el Tríptico elemental de España
▪ La Escuela de Barcelona: Joaquim Jordà, Jacinto Esteva, José María Nunes, Gonzalo Suárez, Vicente Aranda…El caso de Pere Portabella y Vampir Cuadecuc.
▪ El cine clandestino catalán: Antoni Padrós, Llorenç Soler, etc. Cine a contracorriente en España: Adolfo Arrieta, Antonio Maenza. Paulino Viota y Contactos.
▪ Cine underground: los cortometrajes (y largometrajes) de Iván Zulueta.
DOCENTES
María Adell, Miquel Echarri, Violeta Kovacsics, Antonio José Navarro, Víctor Esquirol, Mariona Borrull, Adrián Sánchez, Andreu Marves, Bet Giravent, Mar Canet.
Después de algunos años de capa caída, la vuelta del mejor Wim Wenders ha supuesto la aparición de Perfect Days, una de las mejores película de este 2023 que está a punto de finalizar, cuyo primer tráiler norteamericano acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Tras un largo periplo por festivales de cine, Premio a la Mejor Interpretación Masculina para Kôji Yakusho en la pasado edición de Cannes, la película se estrenará en nuestro país de la mano de A Contracorriente Films el próximo 12 de enero de 2024.
En Perfect Days vemos como Hirayama parece totalmente satisfecho con su sencilla vida de limpiador de retretes en Tokio. Fuera de su estructurada rutina diaria, disfruta de su pasión por la música y los libros. Le encantan los árboles y les hace fotos. Una serie de encuentros inesperados revelan poco a poco más de su pasado.
La película, candidata japonesa a los Oscar de este año, cuenta con un guion a cargo del propio Wim Wenders junyo a Takuma Takasaki, estando protagonizada por Kôji Yakusho, Tokio Emoto, Arisa Nakano, Aoi Yamada, Yumi Asou, Tomokazu Miura, Min Tanaka y Sayuri Ishikawa.
El próximo 24 de noviembre llega a Filmin el documental sobre Chet Baker nominado al Oscar, junto a otros cinco títulos del gran fotógrafo y director estadounidense.
35 años después de su celebrado estreno en el Festival de Venecia, donde se llevó el Premio de la Crítica, llega a Filmin el documental de Bruce Weber«Let’s Get Lost», esta vez en una versión restaurada en 4K. Una copia prodigiosa que se estrenó el pasado mes de octubre en el Lumiére Film Festival de Lyon y que ha sido realizada por la empresa neoyorquina Cineric y distribuida internacionalmente por HanWay Films.
Muchos consideran «Let’s Get Lost» como el mejor documental musical de todos los tiempos. Nominado al Oscar en 1988, el film es un retrato del último año de vida del genial trompetista, cantante y músico de jazz Chet Baker, valiéndose de material rodado durante la última gira del músico, con entrevistas con el propio Baker, sus esposas, hijos, amigos y novias, así como extractos de antiguas películas italianas de serie B. La película es un documento explícito que presenta, a modo de advertencia, las trampas en las que pueden caer los personajes famosos y llenos de talento, y adquirió una dimensión adicional cuando, durante la etapa de montaje, el artista murió al precipitarse por la ventana de un hotel en Ámsterdam.
«Let’s Get Lost» llegará a Filmin junto a otros títulos de Bruce Weber, uno de los fotógrafos de moda más importantes del mundo gracias a su trabajo con firmas como Calvin Klein, Abercrombie & Fitch y Ralph Lauren. En su faceta como cineasta encontramos títulos como «Nice Girls Don’t Stay for Breakfast», un retrato del actor Robert Mitchum;«Chop Suey», en el que documenta el paso de la niñez a la edad adulta de un joven llamado Peter Johnson; o «Broken Noses», su ópera prima, en la que sigue al boxeador profesional Andy Minsker y a sus jóvenes pupilos en un pequeño club de boxeo en Portland, Oregon.
Títulos que integran el ciclo:
– «Let’s Get Lost (4K)» (1988)
– «Broken Noses» (1987)
– «The Beauty Brothers» (1987)
– «Chop Suey» (2001)
– «Nice Girls Don’t Stay for Breakfast» (2018)
– «Las fotografías de Paolo di Paolo, el tesoro de su juventud» (2021). Ya disponible en Filmin.
Con tan solo dos largometrajes en su haber, Martha Marcy May Marlene (2011) y The Nest (2020), Sean Durkin se ha convertido en uno de los realizadores más interesantes del momento. Con su tercer trabajo tras las cámaras titulado The Iron Claw, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz de la mano de A24 y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, Sean Durkin se adentra en el biopic de la legendaria familia de lucha libre Von Erich, dinastía que revolucionó dicho deporte a partir de la década de los sesenta con una trágica historia personal a sus espaldas. La película llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 22 de diciembre, teniendo previsto su estreno en España para febrero de 2024.
The Iron Claw nos cuenta la vida de los inseparables hermanos Von Erich, que hicieron historia en el competitivo mundo de la lucha libre profesional a principios de la década de los 80. A través de la tragedia y el triunfo, y bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, los hermanos buscan el éxito en el escenario de dicho deporte.
La película, con guion a cargo del propio Sean Durkin, está protagonizada por Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson, Maura Tierney, Stanley Simons, Holt McCallany, Lily James, Kevin Anton y Cazzey Louis Cereghino.
Conjunto de películas para pensar la relación entre la escritura y el cine, dos ámbitos que en este programa no se contraponen, sino todo lo contrario. Muchos de estos trabajos muestran el espacio y los gestos propios de la creación de un texto en analogía con los procedimientos cinematográficos. Plantean así la palabra escrita como una forma de imagen fílmica, entrelazando las tareas del escritor y del cineasta.
La película La pluie (Projet pour un texte), de Marcel Broodthaers, es una de las muchas obras del artista belga en las que la escritura se relaciona con otras formas artísticas. Este filme, en el que vemos al propio Broodthaers intentando escribir bajo la lluvia mientras el agua diluye constantemente la tinta, explicita que cualquier intento de recreación del gesto literario conduce el cine y el texto al límite.
Poetic Justice, la segunda película de la serie Hapax Legomena (1971-1972), de Hollis Frampton, investiga la naturaleza del cine a través de la relación entre la imagen y la palabra. En este trabajo nos acercamos al espacio que habitualmente se asocia a la escritura —una pila de papeles, una taza de café y una maceta con un cactus sobre una mesa—, y vemos una a una las hojas manuscritas que configuran una especie de guión de un filme que el espectador tiene que vislumbrar. Pero la verdadera acción del filme, la escritura del texto, fuera de campo, solo la podemos atisbar en el espacio minúsculo que existe entre fotogramas.
No es casual que la primera película de João César Monteiro sea un retrato de la escritora Sophia de Mello Breyner Andresen, vinculando así desde el inicio su cine con la creación literaria. Consciente de que la palabra poética no se puede filmar, el cineasta intenta acercarse a la poeta portuguesa mostrándola en el espacio de producción de su escritura, sentada en una mesa junto a una ventana, un vaso de agua y un cesto de fruta, con un lápiz y un cigarro en mano. La película se rodó en un verano con la ligereza y el humor propios de un filme diario, en el que vemos, asimismo, a la escritora con sus hijos junto al mar, elemento fundamental en su literatura y en la filmografía del cineasta.
Además de presentarse materialmente entre las imágenes, los libros condujeron a Robert Beavers a hacer algunas películas, como sucedió con From the Notebook of…, que parte de los cuadernos de notas de Leonardo da Vinci, del ensayo de Paul Valéry sobre el artista y también de las notas que el cineasta hizo para la preparación de este trabajo. En la película, el cineasta se retrata trabajando, en un espacio semejante al de un escritor: una mesa junto a una ventana, un cuaderno de notas, filtros y una cámara. Lo que le llevó a comparar, además del movimiento de las alas de los pájaros con la apertura de las persianas, el giro de las páginas de sus notas manuscritas con el movimiento del obturador y de las lentes de la cámara.
Por último, la película de Bruno Delgado Ramo intenta acercarse a la figura del pensador Baruch Spinoza y retratar la habitación en que trabajaba, donde aparte de escribir uno de sus principales tratados —la Ética—, que vemos fragmentado en tomos en el filme, pasaba los días dedicado al negocio familiar de importación de frutos secos y también puliendo lentes destinadas a la fabricación de instrumentos ópticos.
La Pluie (Projet pour un texte), Marcel Broodthaers, 1969, 16 mm, sin sonido, 2’; Poetic Justice (Hapax Legomena II), Hollis Frampton, 1972, 16 mm, sin sonido, 31’, VOSC; Sophia de Mello Breyner Andresen, João César Monteiro, 1969, 35 mm a DCP, 17’, VOSC; From the Notebook of…, Robert Beavers, 1971-1998, 16 mm a DCP, 48, VOSC’; Spinoza/Ongodist, Bruno Delgado Ramo, 2021, Súper-8, 11’
Copia de La pluie cortesía del MACBA. Copia de Poetic Justice procedente de Light Cone. Copia de Sophia de Mello Breyner Andresen procedente de la Cinemateca Portuguesa. Copias de From the Notebook of… y Spinoza/Ongodist cortesía de sus respectivos autores.
Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía y presentan una retrospectiva integral de Peter Watkins, creador del falso documental.
La retrospectiva `Peter Watkins: Imágenes en guerra´ se desarrollará del 2 de noviembre al 29 de diciembre.
Su obra plantea una crítica a la manipulación y uniformización de los medios y defiende que la experimentación narrativa y formal del documental nos conducirá a ser ciudadanos libres y autónomos.
Patrick Watkins, escenógrafo, colaborador en sus últimas películas e hijo del cineasta, presentará en Madrid las primeras sesiones del ciclo
El Museo Reina Sofía y Filmoteca Española presentan su ciclo anual conjunto dedicado en esta ocasión a Peter Watkins (Reino Unido, 1935), uno de los últimos cineastas rebeldes de nuestro tiempo. Su obra plantea una crítica a la manipulación y uniformización de los medios de masas según intereses creados y defiende una creencia en que la experimentación narrativa y formal del documental nos conducirá a ser ciudadanos libres y autónomos respecto a los poderes que gobiernan el mundo.
Comisariada por Chema González (Museo Reina Sofía) y Natalia Marín y Carlos Reviriego (Filmoteca Española), Imágenes en guerra es una retrospectiva integral que va a mostrar todas las películas del cineasta y que es la culminación de más de dos años de conversaciones entre Peter Watkins, el Museo Reina Sofía y Filmoteca Española, así como un extenso trabajo de búsqueda y negociación de los derechos de proyección, en muchas ocasiones propiedad de televisiones que muestran escaso interés, cuando no censura, en la obra de este cineasta a contracorriente.
El ciclo tiene lugar entre el cine Doré de Filmoteca Española y el Auditorio Sabatini del Museo Reina Sofía, e incluye hitos como una de las escasas proyecciones de La Commune, la primera proyección íntegra en nuestro país de The Journey, serie de más de 14 horas sobre el pacifismo global, la recuperación de las obras de juventud y la presentación comentada de Patrick Watkins, colaborador e hijo del cineasta, durante la primera semana. La mayor parte de las sinopsis de este programa, el orden de proyección de las películas, así como el formato de debate tras su proyección han sido decididos y elaborados por el propio autor.
Del docudrama al falso documental
Vivimos en un tiempo de posverdad, de fake news, de mentiras virales, en el que la representación de los conflictos y guerras a nuestro alrededor imita las convenciones del cine bélico, el lenguaje de los videojuegos o simplemente copia formatos de entretenimiento informativo. A comienzos de 1960, un joven realizador del departamento de documental de la BBC se planteó de qué manera podemos evitar esta “monoforma”, en su propia acepción, y cómo entender el documental como un proceso democrático, emancipatorio y profundamente escéptico con el statu quo. Ese joven, Peter Watkins, inventa así el docudrama o el falso documental; esto es, el uso de la ficción dentro de este género, en el que la re-escenificación teatral de los acontecimientos históricos, la dramatización de los recursos periodísticos —entrevistas, declaraciones—, el uso de actores amateurs y la implicación de un equipo no profesional conduce a un paradójico proceso en el que el artificio nos acerca a las distintas aristas de la verdad. Watkins ha persistido en una firme idea a lo largo de su trabajo: el totalitarismo, la sociedad con nulas libertades civiles y el camino a la aniquilación de la humanidad en una guerra nuclear es una probabilidad muy cercana. Así, su obra está plagada de distopías sobre la noción de un futuro policial y aterrador, Punishment Park, The Gladiator o The Trap que, en última instancia, aluden al potencial del cine político para despertar conciencias.
Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del segundo trabajo tras las cámaras de Borja de la Vega La última noche de Sandra M. Dramatización de las últimas horas de vida de Sandra Mozarowsky, trágica figura de culto del cine español de los setenta que tuvo una muerte misteriosa. El film, después de su paso por el Festival de Málaga y Sitges, dentro de la sección Noves Visions, llegará a los cines de nuestro país el próximo 15 de diciembre.
La película nos cuenta como Sandra, de 18 años, es actriz en la España de la Transición, un momento en el que ser joven y guapa te relega irremediablemente a hacer cine del destape. Una calurosa tarde de agosto, sola y angustiada por un embarazo no deseado, intenta decidir su futuro.
La última noche de Sandra M., con guion a cargo del propio Borja de la Vega, está protagonizada por Claudia Traisac, Georgina Amorós, Núria Prims, Nicolás Illoro, Pep Ambròs, Beatriz Arjona, Olaya Caldera, Rafa Castejón, Manu Imizcoz, Ramon Pujol, Bruno Sevilla y Oriol Tarrasón.
Es sin duda alguna una de las películas más inclasificables de este año, el nuevo trabajo del austríaco Patric Chiha, La bête dans la jungle, cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, adapta de forma libre de la novela homónima de Henry James. Película, que tuvo su premiere mundial en la sección Panorama de la pasada edición del Festival de Berlín, sobre esperas, cuya banda sonora marca el paso de las transformaciones de un país, que transita entre varias épocas, desde la epidemia de sida a los atentados del 11 de septiembre.
The Beast in the Jungle nos narra la relación de dos amantes que, entre cuerpos en movimiento y a lo largo de veinticinco años, se acercan y alejan en la sala de fiestas de un club nocturno sin percatarse de que, a su alrededor, el tiempo avanza y el mundo cambia.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Patric Chiha junto a Jihane Chouaib y Axelle Ropert, está protagonizada por Anaïs Demoustier, Tom Mercier, Béatrice Dalle, Martin Vischer, Sophie Demeyer, Pedro Cabanas, Mara Taquin y Bachir Tlili.
La plataforma también incorporará al catálogo de películas dirigidas por Fernán Gómez la exitosa adaptación de ‘Los palomos’ y la arriesgada zarzuela ‘¡Bruja, más que bruja!’
Como si de un hombre del Renacimiento se tratara, Fernando Fernán Gómez alcanzó la excelencia en cuantos trabajos realizó a lo largo de su carrera: legó al público memorables personajes en su faceta de actor; firmó obras literarias de obligada lectura, traducidas algunas al guion cinematográfico; y dirigió varios clásicos del cine español, entre los que se encuentra La vida por delante (1958), película que FlixOlé estrenará el próximo viernes, 10 de noviembre.
La plataforma especializada en cine español presentará una colección con los títulos más emblemáticos dirigidos por Fernán Gómez. Un recorrido por la filmografía del cineasta en el que también se incorporarán al catálogo de FlixOlé —además de la citada La vida por delante— la adaptación de la obra teatral de Alfonso Paso, Los palomos (1964), y ¡Bruja, más que bruja! (1977).
Fernando Fernán Gómez, en la película ‘La vida por delante’
Ingeniosa y ácida comedia dramática
Considerado por la crítica como el primer gran título que Fernán Gómez realizó en su faceta como director, La vida por delante significó un soplo de aire fresco para la gran pantalla del país en el momento de su llegada a las salas. El autor proyectó las influencias sainetescas y neorrealistas que le impactaron a su paso por los escenarios y delante de la cámara; hasta convertirlas en un retrato cómico de los dramas que las gentes vivían en la España de los 50.
Protagonizada por el propio cineasta, en compañía de Analía Gadé, el filme presentaba las dificultades que experimenta una pareja joven para construir su hogar. Problemas tan en boga en la actualidad como la falta de oportunidades y de un trabajo fijo, los apuros económicos y la angustia de no poder pagar el minúsculo apartamento en el que viven marcan el negro porvenir de sus personajes.
Una crítica al modelo familiar, moral y laboral promovido por el franquismo. La película fue castigada por la censura, que la calificó con la puntuación más baja para limitar su proyección y distribución. A pesar de ello, el largometraje cosechó un importante éxito comercial, lo que propició el rodaje de una secuela.
Manuel Alexandre, José Luis López Vázquez y Gracita Morales, protagonistas en ‘Los Palomos’
Una completa colección
La vida por delante ha quedado también como uno de los filmes más interesantes estrenados en la época. Ello se debe a la originalidad con la que Fernán Gómez narró los avatares de la pareja, haciendo uso del flashback y del narrador presente. Entre las ingeniosas secuencias de la película se encuentra la de una persona tartamuda que intenta explicar a las autoridades los hechos de un accidente de tráfico: las imágenes de la escena se repiten de acuerdo a las intermitencias de la voz en off de Pepe Isbert cuando éste relata el suceso.
A dichos filmes se suman el estreno en la plataforma de Los palomos, encargo que Fernán Gómez recibió y resolvió con envidiable solvencia al dirigir a un reparto de renombre encabezado por José Luis López Vázquez, Gracita Morales, Fernando Rey, Mabel Karr, Julia Caba y Manuel Alexandre. El resultado fue una divertida comedia de salón que atrajo a más de medio millón de espectadores con la historia de un empresario sin escrúpulos que intenta colocar un crimen que él mismo ha cometido a un matrimonio humilde, Los Palomos.
También se añadirá a FlixOlé ¡Bruja, más que bruja!, una zarzuela esperpéntica en la España rural en la que el cacique del pueblo (Fernán Gómez) aprovecha la ausencia de su sobrino (Francisco Algora) para casarse con la novia de éste (Emma Cohen). Cuando el familiar regresa, intentará vengarse.
El derrumbamiento de una sociedad ha sido a lo largo de los años un tema recurrente en el cine a través de películas que indagan en la temática del apocalipsis. Al igual que la siempre reivindicable The Trigger Effect de David Koepp en Leave the World Behind, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, se nos muestra el principio de un supuesto fin, y como los protagonistas has de asumirlo. Basada en la novela de Rumaan Alam del mismo título, la película con Sam Esmail tras las cámaras, Comet (2014), Mr. Robot (2015), se estrenará vía Netflix el próximo 8 de diciembre.
En Leave the World Behind vemos como las vacaciones de una familia dan un giro escalofriante cuando dos desconocidos, G.H. y su hija Ruth, se presentan en plena noche buscando refugio frente a un ciberataque que se va volviendo más y más aterrador. En esta situación, todos deberán asumir su papel en un mundo que se desmorona.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Sam Esmail, está protagonizada por Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha’la Herrold, Kevin Bacon, Charlie Evans, Farrah Mackenzie, Vanessa Aspillaga, Josh Drennen, Madison Jessica Bennett y Erica Cho.
Hércules contra los hijos del sol (Osvaldo Civirani, 1964). Int.: Mark Forest, Giuliano Gemma, Angela Rhu, Anna Maria Pace. España, Italia. 35 mm. VE. Color. 80’
La rebelión de los gladiadores (Vittorio Cottafavi, 1958). Int.: Gianna Maria Canale, Ettore Mani, Rafael Luis Calvo, Mara Cruz. España, Italia. 35 mm. Color. 98’
«Presentamos uno de los subgéneros más clásicos de los cines de barrio, el péplum o “cine de romanos”, en un programa doble coproducido con Italia lleno de exóticas aventuras y fornidos gladiadores en minifalda.
Hércules contra los hijos del sol es uno de los últimos trajes a medida del culturista (y luego tenor) Mark Forest, sucesor de Steve Reeves en el trono de héroes musculosos de la antigüedad. Forest había sido gogo-boy de Mae West en Las Vegas, para luego protagonizar varios Hércules y Macistes de segunda fila. En 1964, cuando la prolífica fórmula se empezaba a agotar, se intentaron mestizajes improbables como este, donde el héroe naufraga en el continente americano para toparse con los incas y el mismísimo Atahualpa. Este improbable periplo da como resultado una de las aventuras más exóticas, delirantes y coloridas de la saga, aliñada con paisajes, matte-paintings y vestuarios de puro cómic, en los que se podría reconocer la influencia de un Mario Bava. Ojo a las secuencias musicales que son todo un espectáculo. Para más inri, la habitual compañera femenina queda eclipsada por Giuliano Gemma como príncipe inca, constantemente obnubilado por los brazos y la espada de Hércules. A pesar de la peluca inca que luce, Gemma se convertirá a continuación en una de las raras bellezas masculinas del spaghetti western.
En contraste con la visión pop y sin prejuicios de la anterior, La rebelión de los gladiadores es un pequeño clásico del cine de romanos, dirigido por uno de sus máximos exponentes: Vittorio Cottafavi, que inició con ella una serie de péplums más comprometidos con la historia y menos con la fantasía mitológica. Sin perder el ritmo de aventuras y las peleas de circo romano, La rebelión de los gladiadores incluye sólidas tramas de conspiraciones e intrigas femeninas con villanas de altura, algo poco frecuente en este subgénero tan varonil». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo de Víctor Matellano, escritor y cineasta, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 200’).
Pensado en conexión con la sesión del curso “Escribir el cine II” (Aula Xcèntric 2023) dedicada al cineasta José Val del Omar, este programa pretende ofrecer un marco histórico y biográfico que ayude a comprender su producción teórica, nutrida de un imaginario que se mantendrá constante a lo largo de su trayectoria. Presentación a cargo de Lluis Alexandre Casanovas, programador de la sesión.
Esbozando la constelación de intereses de cineastas próximos a Val del Omar, este programa explora la persistencia de un recurso que alimentará buena parte del cine de vanguardia del siglo XX español: el uso de la tradición popular como punto de partida para la experimentación visual. La tecnología del cine, argumentan diferentes autores, ayuda a reconstruir una supuesta continuidad entre cultura y entorno, entre antropología y tecno-ciencia, con métodos etnográficos sustentados en las posibilidades ópticas de los nuevos mecanismos de registro visual. Se trata, como Val del Omar explicará, de ofrecer al espectador “documentos objectivos de primera calidad” que muestren la conexión entre naturaleza y tradición; por ejemplo, entre las formas del agua sometida a la fuerza de la gravedad y el movimiento del cuerpo al bailar una siguiriya, o entre las formas sinuosas de las células vegetales y las imágenes barrocas esculpidas en madera de pino. Los esfuerzos de estos cineastas se enmarcan dentro de la confianza en las posibilidades comunicativas que, más allá del lenguaje, permite la reproductibilidad técnica de imágenes, y se desarrollarán a partir de diferentes ámbitos cientificotécnicos y artísticos.
El programa se estructura en dos bloques, a partir de dos producciones de Val del Omar sobre su Granada natal. El primer bloque investiga las posibilidades que inaugura el cine en la comprensión de fenómenos biológicos y culturales. Gira alrededor del corto Vibración de Granada (1935), que acompaña con piezas de Guillermo López Fernández-Zúñiga, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, asociados, como Val del Omar, al Servicio de Cinematografía de las Misiones Pedagógicas. Esta iniciativa no solo proyectaba cine en las regiones rurales más aisladas, sino que también documentaba, a través del cine y la fotografía, las condiciones de vida de estas áreas y la persistencia de tradiciones ya desaparecidas en entornos metropolitanos. Esta doble operación servia, además, para recalcar la importancia que estas comunidades y su cultura tenían en el proyecto político de la República. En paralelo a la documentación de las Misiones, estos cineastas realizarán cortometrajes científicos y etnográficos de vocación educativa en los que ensayarán nuevas estéticas políticas como es el caso de Galicia/Finis Terrae (1936), de Velo y Mantilla.
El segundo bloque muestra la continuidad del proyecto de revaloración de las tradiciones populares emprendido en el período republicano después de la Guerra Civil. Aguaespejo granadino (La gran siguiriya) (1953-55) de Val del Omar se acompaña aquí del documental “lírico-antropológico” Boda en Castilla (1941) de Manuel Augusto García Viñolas. Esta película experimental emplea los recursos estéticos que ofrece el cine para registrar las tradiciones nacionales como un sistema esencialista cerrado, sin continuidad con la materia ni el entorno. En contraposición, el programa concluye con Aguaespejo granadino, un “ensayo de plástica lírica” sobre las arquitecturas y el paisaje de la Alhambra y la comunidad romaní que vive a su alrededor. Val del Omar estructura la relación entre entorno e individuo a través de una imajen que funciona como el motor capaz de despertar manifestaciones culturales ocultas en el inconsciente, que se activa a través de recursos ópticos como la obturación rápida que congela el agua de las fuentes de la Alhambra en un baile de siguiriyas o la iluminación estroboscópica que convierte figuras vegetales en patrones ornamentales abstractos.
Vibración de Granada, José Val del Omar, 1934-35, 16mm, Sin Sonido, 21’; Polinización, Guillermo Fernández López-Zúñiga, 1935, 16mm, Sin Sonido, 3’; Finis Terrae-Galicia, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, 1936, 35mm, 8′; La ciudad y el campo, Carlos Velo y Fernando G. Mantilla, 1934, 35mm, Sin Sonido, 9’; Boda en Castilla, Manuel Augusto García Viñolas, 1941, 35mm, 16’; Aguaespejo granadino (La gran siguiriya), José Val del Omar, 1955, 35mm, 23’
Proyección en digital.
Agradecimientos: Archivo Val del Omar, Piluca Baquero, Fundación Carlos Velo, Margarita Ledo y Grupo de Estudos Audiovisuais de la Universidade de Santiago de Compostela.
El festival de talla mundial dedicado al cine clásico acogerá la proyección de una copia en 4K de la película ‘Muerte de un ciclista’
La película capital del cine español de los años 50, Muerte de un ciclista (1955), estará presente en 4K en la 15ª edición del Festival Lumière. Este encuentro encaminado a preservar la memoria del séptimo arte a través de sus obras maestras incorporará en su sección Grands classiques du noir et blanc el filme dirigido por Juan A. Bardem, el cual se proyectará el miércoles 18 de octubre, a las 21:45 horas, en Pathé Bellecour; y el jueves 19 de octubre, a las 10:45 horas, en Cinema Comoedia.
Galardonada con el premio de la crítica internacional FIPRESCI en Cannes, Muerte de un ciclista regresa a tierras francesas con una renovada imagen después de que la plataforma FlixOlé, en colaboración con la distribuidora Mercury Films, restaurase la película en 4K. Dicha remasterización ha obtenido el reconocimiento del festival, que ha otorgado el sello Lumiére Classics a la copia que se proyectará en la ciudad de Lyon junto a otros clásicos como Rebeca (Alfred Hitchcock, 1940), Bellísima (Luchino Visconti, 1951), El grito (Michelangelo Antonioni, 1957) o El apartamento (Billy Wilder, 1960), entre otros.
De esta manera, el Festival Lumière pone en valor las labores de conservación y restauración del patrimonio audiovisual español desarrolladas por FlixOlé y Mercury Films, al tiempo que redescubrirá al público uno de los clásicos más importantes de la cinematografía del país: Muerte de un ciclista. Obra cumbre en la filmografía de su autor, la película supuso todo un descubrimiento en clave mundial, tanto por el comprometido mensaje social y político que Juan A. Bardem insufló al metraje en plena dictadura; como por su factura técnica.
Lucía Bosé y Alberto Closas, protagonistas de ‘Muerte de un ciclista’
Crítica descarnada a la burguesía
A caballo entre el cine negro americano, el neorrealismo italiano y otras corrientes innovadoras del cine internacional, Muerte de un ciclista se convirtió en una dura crítica de la España franquista. También en una denuncia a la hipocresía, el egoísmo y la falta de escrúpulos de la clase burguesa de la época, prácticas que quedaron reflejadas en los personajes de María José de Castro (Lucía Bosé), una mujer casada con un rico empresario, y el amante de ésta, Juan (Alberto Closas), un profesor de universidad.
Durante un paseo en coche, la pareja atropella a un ciclista. En lugar de socorrerlo, huyen del lugar. El miedo de los protagonistas a que se descubra su adúltera relación, y el temor a perder su estatus social, les lleva a guardar el secreto de lo sucedido. Mientras María José intenta que la verdad no salga a la luz, el sentimiento de culpa hace mella en su amante.
Este crudo reflejo de la sociedad española, que incluye hasta manifestaciones de estudiantes universitarios, evidenciaba el marcado carácter disidente de la película respecto a los postulados del régimen franquista. No obstante, los órganos censores se centraron tanto en las cuestiones morales de Muerte de un ciclista que no se percataron del fuerte componente sociopolítico de la misma; si bien fue censurada en varias ocasiones.
Juan (Alberto Closas) visita una corrala para localizar a la familia del obrero que él y su amante atropellaron
Restauración de La caza, en la Venice Classics
El largometraje puso a su autor en el mapa fílmico europeo y hollywoodiense. También significó la primera colaboración entre Saura y Elías Querejeta, uno de los productores más importantes del cine español por los numerosos clásicos que ayudó a crear y por los nombres de directores a los que encumbró (el propio Saura, Víctor Erice, Jaime Chávarri y Gracia Querejeta, entre otros).
La selección de La caza dentro de la sección Venice Classics del Festival de Venecia, cuya programación aglutina todos aquellos clásicos de la historia del cine, es una muestra de la relevancia del filme en todo el mundo. Igualmente, la proyección de la copia en 4K pone en valor la labor de restauración del archivo cinematográfico español que desarrolla FlixOlé, en colaboración con la distribuidora Mercury Films.
En su compromiso de recuperar aquellos títulos imprescindibles del patrimonio audiovisual del país, la plataforma ha remasterizado en sus instalaciones (en los laboratorios Cherry Towers) la película La caza para que la misma pueda ser disfrutada en la mejor calidad de imagen y sonido, poniéndola también a disposición del espectador a través de su catálogo.
Un clásico que se podrá revisitar como nunca antes
Al insólito y arriesgado relato propuesto por Bardem se suma la meticulosa puesta en escena y el moderno montaje del filme, en el que destacan las transiciones y encabalgamientos entre secuencias. Original y arrebatadora, la película forma parte de los grandes clásicos del séptimo arte nacional e internacional.
Tras su restauración en 4K, proceso enmarcado en las tareas de preservación y promoción del cine español por parte de FlixOlé y Mercury Films, el largometraje se podrá visualizar en la mejor calidad de imagen y sonido durante su proyección en el Festival Lumiére. Asimismo, Muerte de un ciclista se encuentra disponible en el catálogo de la plataforma, junto a otros títulos de Juan A. Bardem como Esa pareja feliz (codirigida con Luis García Berlanga, 1951), Cómicos (1954), Calle Mayor (1956), La venganza (1958) y Nunca pasa nada (1963), entre otras.
El ciclo comienza en octubre y se alargará hasta diciembre en el cine Doré
El 21 de septiembre se celebra un acto previo en el que Valia Santella, coguionista de `El sol del Futuro´ (2023), presentará la última película de Moretti en un coloquio abierto al público
Con motivo del estreno en España de la última película de Nanni Moretti, `El sol del futuro´ (2023) Filmoteca Española pone en marcha una retrospectiva del director italiano que se desarrollará entre octubre y diciembre de 2023. Con su última película, cuyo preestreno se celebró en el cine Doré el pasado 11 de septiembre, Moretti cierra un tríptico desarrollado durante tres décadas que completan `Caro diario´ (1993) y `Abril´ (1998).
El ciclo, que arranca en octubre y se desarrollará hasta diciembre, contará con un acto previo el 21 de septiembre en el que Valia Santella, coguionista de `El sol del Futuro´, presentará el filme en un coloquio abierto al público.
Instrucciones para pensar el mundo
El cine de Nanni Moretti se construye desde la autoficción, que no es una atalaya narcisista desde la que mirar el mundo, sino un ejercicio de presentarse a sí mismo como parte del discurso cinematográfico, de relatarlo con su propio cuerpo. Desde sus inicios en el cine, el director italiano hace ya una declaración de intenciones con el título elegido para su primer largometraje `Io sonno un autarchico´ (1976). Moretti, se debate entre la autarquía -que deriva en un estado de autosuficiencia personal y estilística- y un cuestionamiento político permanente acerca de la sociedad italiana. Esta dicotomía entre lo exterior y lo interior inspira el título de la retrospectiva que Filmoteca Española presenta este otoño en el cine Doré: `Instrucciones para pensar el mundo´.
Seminario paralelo
La sesión del 21 de septiembre se desarrolla en paralelo a la celebración en la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) del Seminario Internacional con Valia Santella “Del set a la escritura (y viceversa). Un viaje personal y emocional en la escritura cinematográfica”, organizado conjuntamente con Filmoteca Española y DAMA, y dirigido a guionistas, directores, productores, actores, actrices y otros profesionales del sector. Tendrá lugar en la sala de cine de la ECAM los días 19 y 20 de septiembre . Santella, que comenzó su carrera como guionista en 2010, es colaboradora de Moretti y ha trabajado con otros directores italianos de la talla de Marco Bellucci y Valeria Golino.
Calendario sesiones octubre
1 de octubre – 20:30
`Palombella rossa´ (1989)
4 de octubre – 17:30
`Santiago, Italia´ (2018)
5 de octubre – 17:30
`Habemus Papam´ (2011)
7 de octubre – 21:30
`La misa ha terminado´ (1985)
8 de octubre – 17:30
`La habitación del hijo´ (2001)
10 de octubre – 18:00
`Palombella rossa´ (1989)
13 de octubre – 21:30
`Caro diario ´ ( 1993).
14 de octubre – 17:30
`La habitación del hijo´ (2001)
26 de octubre – 21:30
`Caro diario´ (1993)
28 de octubre – 17:30
`Habemus Papam´ (2011)
29 de octubre – 21:30
`La misa ha terminado´ (1985)
En noviembre completarán este ciclo otros títulos como `Come parli, frate?´, `Io sono un autarchico´, `Ecce Bombo´, `Sogni d’oro´, versión restaurada por la Cineteca Nazionale; `Bianca´ o `El caimán´.
A las puertas de la LVI edición del próximo Festival de Sitges empiezan a ver la luz algunos avances de las películas presentes en el certamen catalán. The Vourdalak, que formará parte de la Sección Noves Visions y cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone el debut en el largometraje de Adrien Beau. La película, con buena recepción en el pasado festival de Venecia, adapta el cuento La familia del vurdalak escrito por Aleksei Tolstoy.
En The Vourdalak, que se estrenará en los cines franceses el próximo 25 de octubre, vemos como perdido en un bosque hostil, el marqués de Urfé, un noble emisario del rey de Francia, encuentra refugio en la casa de una misteriosa familia que oculta un secreto aterrador.
La película, con guion adaptado a cargo Adrien Beau junto a Hadrien Bouvier está protagonizada por Kacey Mottet Klein, Ariane Labed, Grégoire Colin, Claire Duburcq, Kacey Mottet Klein, Erwan Ribard, Vassili Schneider y el propio Adrien Beau.
Más allá de la muerte (Sebastián D’Arbó, 1986). Int.: Narciso Ibáñez Menta, Tony Isbert, Berta Cabré, Sergio Tula. España. DCP. Color. 92’
La herencia del mal (Joaquín Gómez, 1987). Int.: David Rocha, María Vico, Frank Braña, Remedios Hernández. España. DCP. Color. 93’
«Después de las clasificadas S, presentamos el “terror SS” con dos películas malditas del fantaterror español sembradas de subtramas nazis, gotas de erotismo y otras góticas truculencias perfectas para celebrar Halloween en «Sala:B».
Más allá de la muerte, dirigida por Sebastián D’Arbó, es una de sus películas menos conocidas, pero también una de las más interesantes e insólitas. Partiendo de su característico formato de documento paranormal con presentación incluida, D’Arbó prueba aquí una trama mucho más ambiciosa y compleja, combinando experiencias más allá de la muerte con los rituales ocultistas de la Sociedad Thule, que desembocó en el partido nacionalsocialista de Hitler. Narciso Ibáñez Menta y Tony Isbert desempeñan a los dos fascinantes antagonistas de esta misteriosa y trepidante rareza que parece cambiar de género cada 15 minutos, entre flashbacks, sueños, efectos especiales y secuencias psicodélicas cósmicas con aromas kubrickianos, nada menos.
La herencia del mal va a tener su estreno mundial en «Sala:B», después de que su director Joaquín Gómez Sáinz (Dan Barry) donase a Filmoteca Española los materiales que conservaba de este malogrado proyecto. Desavenencias con los productores y la precariedad del rodaje dieron al traste con este giallo tardío que se atrevía también a dar saltos mortales entre subgéneros, desde el terror gótico (con ese magnífico castillo de San José de Valderas) al melodrama nazi, y del slasher al thriller quinqui. Por si faltara poco delirio general, el inconfundible David Rocha pone una vez más sus excesos interpretativos al límite, haciendo de esta película un viaje tan desconcertante como memorable». (Álex Mendíbil)
Presentación a cargo de los directores, Sebastián D’Arbó y Joaquín Gómez Sáinz, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 205’).
La edición, dedicada a Lola Flores con motivo del centenario de su nacimiento, contará con la proyección de la restauración de ‘Embrujo’, dirigida por Carlos Serrano de Osma y protagonizada por Lola Flores y Manolo Caracol
Además de ‘Embrujo’, ‘Las Niñas’ (Pilar Palomero, 2020) y ‘Valentina’ (Chelo Loureiro, 2021) podrán verse dentro y fuera de España como parte del programa de actividades
Filmoteca Española inaugura también el mismo día 6 la exposición ‘Errantes y perseverantes. El siglo de Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal’
El director general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Ignasi Camós, ha presentado esta tarde, junto a la directora de Filmoteca Española, Valeria Camporesi, el programa de actividades de la tercera edición del Día del Cine Español, que se celebra el próximo 6 de octubre y que este año estará dedicado a Lola Flores por el centenario de su nacimiento.
Con los lemas #QuédateALosCréditos y #ElMomentoDeNuestroCine, la cita pretende poner en valor, por un lado, el trabajo de todos los profesionales de la industria que hacen posibles las producciones cinematográficas y, por otro, la importancia del cine español como patrimonio cultural, generador de una identidad e imaginario común.
Con este propósito, para esta tercera edición se llevarán a cabo distintas actividades y acciones que acercarán a los públicos la riqueza y diversidad de la cinematografía española: proyecciones, coloquios, encuentros, actividades formativas, publicaciones, exposiciones y acciones de comunicación completan la agenda del Día del Cine Español 2023
Proyección de ‘Embrujo’
El acto central del Día del Cine Español, que se celebrará el 6 de octubre en el cine Doré, será un homenaje a Lola Flores con motivo del centenario de su nacimiento. Para celebrar la efeméride se proyectará la restauración, realizada por Filmoteca Española, de ‘Embrujo’ (Carlos Serrano de Osma, 1947), protagonizada por Lola Flores junto a Manolo Caracol.
Proyecciones dentro y fuera de España
La película de Flores, junto con ‘Las Niñas’ (Pilar Palomero, 2020) y ‘Valentina’ (Chelo Loureiro, 2021), se programarán también en instituciones públicas y privadas, asociaciones, colegios, institutos, cines, escuelas, museos, casas de cultura, bibliotecas o centros culturales, lugares que abrirán una ventana al cine español tanto dentro como fuera de España. En particular, en esta edición se ha incrementado en más de 700 el número de proyecciones que se llevarán a cabo en los diferentes organismos colaboradores, con la incorporación de nuevos centros culturales y embajadas.
Una exposición dedicada a Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal en Filmoteca Española
Otro de los actos centrales del 6 de octubre será la inauguración de la exposición ‘Errantes y perseverantes. El siglo de Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal’, que se celebrará entre el 6 de octubre de 2023 y el 31 de marzo de 2024 en la sala de exposiciones (calle Magdalena, 10) y el cine Doré (calle Santa Isabel, 3) de Filmoteca Española.
Comisariada por las historiadoras Marina Díaz López y Sonia García López, la muestra propone un recorrido, a través fundamentalmente de las colecciones de Filmoteca Española, de tres grandes nombres del cine español que fueron productoras, guionistas, directoras y empresarias en España y América Latina. Carteles, fotografías, contratos, cartas, guiones, planes de rodaje, órdenes de censura, revistas, audiovisuales o entrevistas componen una exposición que ofrece una mirada no sólo a la vida artística de estas tres mujeres, sino también a la historia del cine español.
Premio Nacional de Patrimonio Cinematográfico y Audiovisual
Por segundo año consecutivo, la celebración del Día del Cine Español estará precedida por el fallo, el 3 de octubre, del Premio Nacional de Patrimonio Cinematográfico y Audiovisual, que en la pasada edición recayó en el preservador y restaurador cinematográfico Ferrán Alberich.
Este premio tiene como objeto destacar la labor de personas, instituciones y organizaciones que han desarrollado iniciativas y proyectos destacables de recuperación, conservación y difusión del patrimonio cinematográfico y audiovisual.
Sobre el Día del Cine Español
El 9 de marzo de 2021, el Consejo de Ministros acordó instaurar el 6 de octubre como el Día del Cine Español con el objetivo de reconocer el papel de los profesionales del sector del cine, su influencia e importancia en la vida cultural y social de nuestro país y el papel que el cine español ha desempeñado a lo largo de su historia y que ha de seguir desempeñando.
La fecha coincide con el final de la producción de ‘Esa pareja feliz’, película dirigida y guionizada por Juan Antonio Bardem y Luis García-Berlanga y protagonizada por Fernando Fernán Gómez y Elvira Quintillá. Con el paso de los años, esta película se ha convertido en símbolo de una de las más brillantes generaciones de cineastas de nuestro país.
El maestro filipino Lav Diaz, el ganador del Festival de Locarno Ali Ahmadzadeh o el esperado largometraje de los directores DK y Hugh Welchman (Loving Vincent) integran esta nueva sección competitiva, cuyo premio de 10.000 euros patrocina Grupo Recoletos Red Hospitalaria.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid introduce una nueva sección competitiva, Alquimias, un espacio nuevo que amplía la mirada del festival y emprende un contundente impulso a su internacionalización, expandiendo su enfoque a un cine vibrante y original. Esta sección, que constituye la mayor innovación en la programación de Seminci, nace para acoger historias ubicadas en latitudes distantes, relatos que definen un momento y un lugar, al tiempo que retratan las pasiones inherentes a la condición humana y evidencian las posibilidades del cine como espejo compartido de los acontecimientos del mundo.
Alquimias dará también cabida a los autores que, con tres o más películas, atesoran ya un cierto recorrido y reconocimiento en el circuito de festivales. Se abre por lo tanto un espacio nuevo que amplía la mirada del festival y se complementa con las secciones Oficial, principal escaparate de la programación con autores consagrados y noveles, y Punto de Encuentro, dedicada a primeras y segundas películas. Grupo Recoletas Red Hospitalaria patrocina el premio de esta sección, que tendrá una dotación de 10.000 euros.
El jurado de esta sección estará integrado por tres representantes de la Confederación Internacional de Cines de Arte y Ensayo (CICAE por sus siglas en francés), asociación creada en 1955 con el objetivo de promover la diversidad cultural en cines y festivales, así como impulsar políticas de apoyo a las salas que se posicionaban a favor de esta forma de arte cinematográfico. La organización reúne a más de 2.400 salas de cine de autor en 45 países del mundo.
Ocho títulos integran la sección, firmados por talentos emergentes, nombres que, en la apuesta firme y definitoria de Seminci por el descubrimiento de nuevos autores y miradas todavía desconocidas en España, copan el grueso de Alquimias. Junto a ellos, los consagrados Lav Diaz (Melancholia, From What Is Before) y el dúo formado por DK y Hugh Welchman (Loving Vincent), que presentan sus trabajos por primera vez en Valladolid y acompañan a otras voces que comienzan a sonar con fuerza en el circuito internacional, como el iraní Ali Ahmadzadeh (Kami’s Party y Atomic Heart).
Su película Critical Zone, galardonada con el Leopardo de Oro de Locarno, es una road movie callejera que viaja a lomos del coche de un pequeño traficante que constituye una crónica del Teherán nocturno y su fauna urbana más clandestina: drogas, prostitución y contrabando. Ali Ahmadzadeh retrata una juventud hastiada de la represión y el fundamentalismo en esta película rodada de forma clandestina en la capital iraní. El cineasta acudirá a Valladolid a presentar su película, después de no poder hacerlo en Locarno ni recoger el Leopardo de Oro por la prohibición de las autoridades iraníes de abandonar el país, que además presionaron para que la película fuera retirada del certamen suizo.
Critical Zone
De venganza y asuntos irresueltos trata Femme, ópera prima de Sam H. Freeman y Ng Choon Ping, que adaptan su cortometraje homónimo de 2021 sobre una drag queen que se encuentra en una sauna gay con un joven que meses antes le propinó una paliza. Proyectada en la sección Panorama de la Berlinale, George MacKay (1917, The Beast –programada en Sección Oficial-) y Nathan Stewart-Jarrett (Misfits, Utopía) interpretan a dos amantes que se adentran por un laberinto cada vez más turbio y complejo. YouPlanet distribuye la película en España, seleccionada a los premios EFA de la Academia del Cine Europeo.
Femme
Bajo otra luz, la de los focos y los neones, se desarrolla The Beast in the Jungle, de Patric Chiha (Brothers of the Night, Si c’était de l’amour), que compitió en Panorama en la Berlinale. Adaptación libre de la novela homónima de Henry James –la misma que ha inspirado la película The Beast, de Bertrand Bonello, programada en Sección Oficial, la historia transcurre durante 25 años (de 1979 a 2004) en un enorme club nocturno, donde un hombre y una mujer observan y esperan un evento desconocido, mientras seguimos la evolución de la música disco a la tecno como banda sonora de la historia de una obsesión. Surtsey Films se encarga de la distribución en España de esta película, que protagoniza Anaïs Demoustier (Los consejos de Alice, La chica del brazalete, La casa junto al mar).
The Beast in the Jungle
La esperada película de los directores de Loving Vincent, el dúo formado por DK y Hugh Welchman, completa la selección de Alquimias: En nombre de la tierra, un film de animación pictórica estrenado en el Festival de Toronto y propuesto por Países Bajos como candidato al Óscar a la mejor película internacional. Adaptación de la novela Los campesinos del premio Nobel de Literatura Władysław Reymont, esta historia ambientada en la campiña polaca a caballo entre los siglos XIX y XX, está protagonizada por una joven campesina obligada a casarse con un granjero rico y mucho mayor, pese a que ella está enamorada de su hijo. Karma Films distribuye la película en España.
En otro entorno rural, esta vez en Filipinas, se sitúa Essential Truths of the Lake, con la que el maestro Lav Diaz, ganador de León de Oro en Venecia en 2016 por The Woman Who Left, llega por primera vez a la Seminci. El realizador asiático denuncia las atrocidades del régimen de Duterte a través de este thriller sobre un crimen sin resolver protagonizada por Hermes Papauran, un detective atormentado por un pasado difuso y enfrentado a una encrucijada moral.
Essential Truths of the Lake
La realizadora iraní Sepideh Farsi (Tehran without Permission), declarada persona non grata por el régimen de la república islámica y con la entrada prohibida en su país –reside en París desde 1984-, se estrena en la animación con La Sirène tras una brillante carrera en la ficción (Le Voyage de Maryam, Dreams of Dust, Red Rose) y el documental (Le Monde est ma maison, Hommes de Feu). Su nuevo film abrió la sección Panorama de la Berlinale y compitió en la Oficial de Annecy, donde ganó el premio a la mejor banda sonora. La Sirène es una conmovedora historia antibélica con el sitio de la ciudad iraní de Abadán por parte de las fuerzas iraquíes como trasfondo, donde un adolescente que intenta huir en mitad de los enfrentamientos durante la guerra entre Irán e Irak, en 1980.
Sobre otro suceso real, el enfrentamiento en 1968 entre los estudiantes de la Universidad de São Paulo, contrarios a la dictadura militar, y los de la Mackenzie, favorables a ella, versa A Batalha da Rua Maria Antônia, segundo largometraje de Vera Egito. Cuando estalla el enfrentamiento, se lanzan gritos, bombas molotov, piedras, palos, bombas caseras y un niño inocente muere. La realizadora aborda este capítulo de la historia brasileña con una película que, mediante 21 planos-secuencia, retrata un enfrentamiento entre mentalidades opuestas que guarda inquietantes paralelismos con los días que vivimos, a través de la crónica de un grupo de jóvenes que participa en las protestas en defensa de un ideal.
Tres hermanos, ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival de Mar del Plata, supone también la segunda incursión en el largo de Francisco J. Paparella, que despliega un trepidante y angustioso cruce entre wéstern y thriller ambientado en la Patagonia argentina, cuyo paisaje majestuoso e inhóspito se presenta como el escenario de una historia cruda y violenta donde los tres hermanos del título, seres primitivos, disfuncionales y excesivos, viven presos de sus traumas familiares, en un film que rememora la película de Sorogoyen As Bestas con acento argentino.
Dos de las sensaciones de Cannes, las óperas primas How to Have Sex, de la británica Molly Manning Walker, y The Sweet East, del norteamericano Sean Price Williams, competirán por la Espiga de Oro.
Punto de Encuentro toma protagonismo y se convierte en una sección esencial para entender el cine de hoy con la presencia de los talentos emergentes del panorama internacional y con once títulos dirigidos por mujeres, el 73% del total.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid amplía su mirada con una contundente presencia en su programación de algunos de los referentes actuales del cine indie americano y de los talentos emergentes de otras cinematografías a los cuales la industria audiovisual sigue muy de cerca. Sus propuestas vibrantes y provocadoras estarán presentes en las secciones Oficial y Punto de Encuentro y convertirán la 68 edición en un espacio para el descubrimiento de obras sorprendentes y originales, que marcarán el camino futuro del cine con sus miradas nuevas y distintas.
La Sección Oficial programará en competición dos de los títulos más esperados, polémicos y que han generado más conversación del cine indie de los últimos tiempos, primeros trabajos de dos excelentes directores de fotografía: How to Have Sex, de la británica Molly Manning Walker, y The Sweet East, del norteamericano Sean Price Williams.
How to Have Sex aborda la cuestión del consentimiento sexual a través de la historia de tres amigas británicas que, al terminar el instituto, se escapan a una isla griega con el firme propósito de emborracharse, bailar y ligar en el que se supone que será el mejor verano de sus vidas. El film de Molly Manning Walker llega a la Sección Oficial tras ganar el premio de la sección Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes. Manning da una vuelta de tuerca feminista a las películas de pérdida de la virginidad y cuestiona las presiones sociales sobre las mujeres que subyacen en las liturgias de desinhibición típicas de estos contextos.
Sean Price Williams, habitual de directores indies como Josh y Benny Safdie, Michael Almereyda, Alex Ross Perry o Abel Ferrara, debuta con The Sweet East, película filmada como una variación de “Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas” que celebró su estreno mundial en la Quincena de Cineastas Cannes. La película es un viaje al radicalismo y la locura de la Norteamérica contemporánea por las ciudades y paisajes de la costa Este norteamericana, donde la joven Lillian, tras escaparse de su viaje de estudios con sus compañeros de instituto, descubre a los outsiders de la sociedad: supremacistas blancos, radicales islámicos, neopunks… La película está protagonizada por Talia Ryder (Nunca, casi nunca, a veces, siempre) y Jacob Nathaniel Elordi (The Kissing Booth, Euphoria).
Punto de Encuentro
Punto de Encuentro será esta 68 edición de Seminci un lugar para descubrir las películas que abren nuevas perspectivas en el panorama contemporáneo, realizadas por talentos incipientes de espíritu indomable. Esta sección competitiva, que reúne primeras y segundas películas de ficción, reúne una selección de títulos en la que predomina la mirada femenina, con 11 de los 15 títulos que integran Punto de Encuentro firmados por directoras, el 73% del total.
The Feeling That The Time For Doing Something Has Passed es una autoficción autoparódica de escritora, directora y actriz norteamericana Joanna Arnow proyectada en la Quincena de Cineastas de Cannes y apadrinada por el pope del cine indie Sean Baker. Arnow también protagoniza esta película con tintes de comedia, en la que interpreta a una mujer cercana a los 40 años que se siente estancada en todas sus facetas vitales: tiene un trabajo precario, tiene una desapasionada relación sadomasoquista con un hombre mucho mayor y sufre a su conflictiva familia.
Luna Carmoon, cineasta británica de formación autodidacta, fue una de las grandes sorpresas de la Semana de la Crítica del Festival de Venecia, certamen donde su ópera prima, Hoard, obtuvo varios reconocimientos, entre ellos, una mención del jurado para su protagonista, Saura Lightfoot Leon, y el premio Authors Under 40 a la mejor dirección y guion. Hoard es una historia intensa y por momentos macabra sobre María, una joven separada de su madre cuando era pequeña por los servicios sociales, cuyos traumas infantiles afloran y desembocan en comportamientos degradantes cuando un viejo conocido, interpretado por Joseph Queen (Stranger Things, Gladiator II), entra en la casa de su familia adoptiva y abre la puerta a traumas pasados, magia y locura.
Hello Dankness, film inclasificable, disparatado y gamberro que firma el dúo Soda Jeck –formado por las hermanas australianas Dan y Dominique Angeloro- será uno de los acontecimientos que más dará que hablar esta 68 Seminci. Hello Dankness retrata los cambios experimentados por la sociedad estadounidense desde Trump engarzando fragmentos de 300 películas y programas de televisión –desde American Beauty a Star Wars, pasando por las presidenciales de 2016 o el #MeToo– para componer un tapiz anárquico. Estrenado en la sección Panorama de la Berlinale, el público solo podrá ver el film en su proyección en el festival ya que el uso de imágenes ajenas sitúa esta producción en los límites de la legalidad y es imposible su estreno en cines o plataformas.
Por su parte, Bill y Turner Ross son probablemente los cineastas independientes estadounidenses más innovadores del momento, cuyos trabajos anteriores, enmarcados en el cine de no ficción, han participado en los festivales de Sundance y Berlín y este mismo año ha sido objeto de una retrospectiva en el Centro Pompidou de París. Los hermanos Ross participan en Punto de Encuentro con su primer largo de ficción, Gasoline Rainbow, una road-movie estrenada en Venecia, en el que cinco adolescentes viajan a la costa del Pacífico y vivir una última aventura antes de iniciar la vida adulta a bordo de una destartalada furgoneta.
La película de Sirocco y el reino de los vientos, que inauguró el Festival de Annecy y recibió el premio del público, supone la primera presencia de un largo de animación en la sección Punto de Encuentro desde hace once años. El primer film en solitario del francés Benoît Chieux, que evoca el cine del maestro Hayao Miyazaki, es la historia de dos intrépidas hermanas de 4 y 8 años lucharán por volver al mundo real desde El Reino de las Corrientes de Aire, su libro favorito, al que han accedido por un pasaje secreto y se han transformado en gatas. La historia, aparentemente infantil pero con distintos niveles de lectura, ha sido coescrita por Chieux junto al nominado al Oscar Alain Gagnol (Un gato en París y Phantom Boy).
Stepne, de la realizadora ucraniana Maryna Vroda, Palma de Oro del Festival de Cannes por su corto Cross, participa en Punto de Encuentro con una historia de supervivencia colectiva no exenta de toques de humor que bucea en la identidad ucraniana a través de las voces de los ancianos. Stepne llega a Seminci tras su estreno en el Festival de Locarno.
One Last Evening, estrenada en la Sección Oficial del Festival de Roterdam y ganadora del premio First Look del Festival de Locarno, supone el debut del actor, guionista y director alemán Lukas Nathrath. One Last Evening es una comedia que retrata con empatía y ternura el desconcierto vital de un grupo de amigos treintañeros que acuden a una fiesta de despedida y acaba desembocando en una batalla de egos.
The Quiet Migration, de Malene Choi, directora surcoreana afincada en Dinamarca, regresa a la sección en la que ganó el primer premio en la 63 Seminci con su primer largo, The Return. Choi lleva a la pantalla su propia experiencia en The Quiet Migration, donde el joven Carl –un joven coreado adoptado por una familia danesa- siente que ha llegado el momento de elegir entre su hogar actual y su país natal en un film cómico y tierno ganador del premio FIPRESCI en la sección Panorama de la Berlinale.
La directora griega Sofía Exarchou explora en su segundo film, Animal, la cara B del paraíso visitando la trastienda de los trabajadores que animan un ‘todo incluido’ en el resort de lujo del Hotel Mirage situado en un isla griega. Tras ser seleccionada para el Laboratorio de Guionistas y Directores de Sundance en 2014, Exarchou se convirtió en una de las grandes sorpresas del circuito indie con Park, su primer largometraje, estrenado en el Festival de Toronto y premiado en el de San Sebastián con el premio nuevos directores.
Sweet Dreams, segundo largo de la cineasta bosnio-holandesa Ena Sendijarević, es un drama de época poco convencional al principio. Ambientado en una remota plantación de azúcar en las Indias Orientales Holandesas alrededor del año 1900, Sweet Dreams es una ficción mágica con toques surrealistas que, a través de una película de aparente corte histórico que tiende un puente hacia el espectador del presente para ponerlo frente al espejo del mundo actual.
Arthur & Diana, segundo largo de la directora alemana Sara Summa presentado en el Festival de Locarno, alude a los dos hermanos protagonistas de esta historia, interpretados por la propia directora y su hermano en la vida real, quienes viajan de Berlín a París para realizar la inspección anual de su destartalado Renault, herencia de su padre fallecido. Esta road movie es una comedia ligera y un tanto aventurera llena de personajes inesperados, pequeñas aventuras, problemas solucionables y cambios de rumbo.
The Cage is Looking for a Bird, debut de la cineasta chechena Malika Musaeva apadrinado por el maestro ruso Alexander Sokurov, Proyectada en la sección Encounters de la Berlinale –la primera película en lengua chechena programada en un gran festival-, Musaeva elige actores no profesionales para retratar su Chechenia natal a través de la las historias de varias mujeres.
Estos títulos, junto a los ya anunciados Muyeres, de Marta Lallana; Negu hurbilak, de Colectivo Negu, y On the Go, de María Giséle Royo y Julia De Castro, completan la programación de largometrajes en competición de la sección Punto de Encuentro.
La 56ª edición del SITGES – Festival de Cinema Fantàstic de Catalunya clausurara con la comedia de terror ‘Dream Scenario’, producida por A24 y con un clásico de Sitges como Nicolas Cage a la cabeza, será la encargada de cerrar el festival en una proyección que promete ser toda una fiesta.
Paul Matthews (Nicolas Cage) es un profesor y padre de familia corriente; con una vida aparentemente normal, pero todo cambia cuando, de repente, millones de personas empiezan a soñar con él. Al principio, este extraño suceso resulta una bendición para Paul, pero a medida que los sueños empiezan a cambiar en su tono, empezará a convertirse en una pesadilla… Ari Aster (MIDSOMMAR, BEAU TIENE MIEDO’) produce, junto al sello A24, esta ambiciosa comedia surrealista con guion y dirección a cargo del noruego Kristoffer Borgli, director de la sorprendente comedia negra ‘SICK OF MYSELF’. Nicolas Cage (‘MANDY’, ‘COLOR OUT OF SPACE’) encabeza un reparto de lujo que cuenta con nombres de primer nivel como Julianne Nicholson (‘BLONDE’, ‘YO, TONYA’), Michael Cera (‘BARBIE’, ‘SCOTT PILGRIM VS THE WORLD’) y el veterano Dylan Baker (‘RÉQUIEM POR UN SUEÑO’, ‘SPIDER-MAN 2’).
‘DREAM SCENARIO’ llega a Sitges2023 tras su paso por el Festival de Toronto (TIFF), con buena recepción por parte de público y crítica, destacando especialmente la interpretación de un Nicolas Cage en su salsa. La película, supone además la primera colaboración entre el veterano actor estadounidense y el estudio A24, que ha revolucionado el cine de terror en la última década. Su pase en Sitges será además el primero fuera de Norte América y se producirá un mes antes de su estreno en Estados Unidos.
La muestra está comisariada por el Archivo de la Cineteca Nacional de Chile
Su presentación, que se celebrará el 12 de septiembre en el cine Doré, contará con la presencia del embajador de Chile en España, Javier Velasco
En el mes en el que se cumplen cincuenta años del golpe de Estado en Chile, Filmoteca Española, organismo dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico español, acoge una muestra cinematográfica comisariada por el Archivo de la Cineteca Nacional de Chile.
Tal día como hoy, el 11 de septiembre de 1973, varios sectores del ejército chileno se aliaron para acometer un golpe de Estado contra una democracia ejemplar en Latinoamérica, asaltando el Palacio de la Moneda, y tumbando el gobierno democrático de Salvador Allende.
Tras el golpe, se instaló un régimen dictatorial, represivo y criminal encabezado por Augusto Pinochet que, a lo largo de 17 años dejó un país partido en dos con miles de detenidos desaparecidos, asesinados y exiliados.
El cine ha sido en Chile un instrumento fundamental para mantener vivas las reflexiones en torno a estas cinco últimas décadas. En este periodo, se han producido cientos de películas desde Chile así como fuera de sus fronteras, por sus exiliados en el extranjero.
Filmoteca Española acoge esta muestra cinematográfica comisariada por el Archivo de la Cineteca Nacional, centro que tuvo como una de sus primeras misiones —desde su creación en 2006— localizar y rescatar esta producción, generando una memoria audiovisual del país, que se retroalimenta de manera constante a través de nuevos hallazgos documentales que enriquecen su fondo.
La selección de películas que configuran la muestra da cuenta de este trabajo realizado a lo largo de sus 17 años de existencia, así como de su búsqueda y continua reflexión sobre los hechos que, tras medio siglo de procesos, siguen repercutiendo en el presente del país.
El cine Doré, sala de proyecciones de Filmoteca Española, acogerá las cuatro sesiones de la muestra así como su presentación el 12 de septiembre, que contará con la presencia del embajador de Chile en España, Sr. Javier Velasco Villegas. En esa sesión de presentación, se proyectará `Compañero presidente´ (1971), mítico documental de Miguel Littin que retrata las conversaciones de Salvador Allende con el filósofo francés Régis Debray.
SESIONES
12 de septiembre – 18:00
`Compañero presidente´ (Miguel Littin, 1971)
13 de septiembre – 19:30
`El cine de la dictadura´ (Jorge Morgado, 1975)
14 de septiembre – 19:30
`No olvidar/Cien niños esperando a un tren´ (Ignacio Agüero)
15 de septiembre – 19:00
`Fragmentos de un diario inacabado´ (Angelina Vázquez, 1983)
Tras haber colaborado en el guion de la premiada Border (2018), y ponerse por primera vez detrás de las cámaras con la polémica Holiday (2018), la realizadora de origen sueco Isabella Eklöf tiene ya listo su segundo largometraje titulado Kalak, film cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, basada en la novela autobiográfica del escritor noruego Kim Leine, competirá por la Concha de Oro en la inminente edición del Festival de cine de San Sebastián.
Kalak nos cuenta como Jan, un enfermero que también es padre, fue abusado sexualmente por su padre cuando era adolescente. Trabajando en Nuuk, Groenlandia, intenta conectarse con la cultura a través del sexo. Cuando alguien lo llama Kalak, una palabra groenlandesa que tiene el doble significado de denotar tanto a un groenlandés «verdadero» como a un «sucio», usa el epíteto como una insignia de honor.
La película, con guion a cargo de la propia Isabella Eklöf junto a Kim Leine y Sissel Dalsgaard Thomsen, está protagonizada por Emil Johnsen, Asta Kamma August, Soren Hellerup, Connie Kristoffersen y Hans Jukku Noahsen.
Los últimos trabajos de Hayao Miyazaki, Yorgos Lanthimos, Takeshi Kitano, Hideo Nakata entre otros muchos estarán presentes este año en el SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
Unas sesiones muy especiales
Empezamos el repaso a los nuevos títulos anunciados con las películas que formarán parte de la Sección Oficial Fantàstic, pero sin competir por los premios. Algunas de ellas están entre las más esperadas del año, como por ejemplo el caso de ‘POBRES CRIATURAS’, última película de Yorgos Lanthimos y flamante León de Oro en el Festival de Venecia. Una fantástica Emma Stone protagoniza una historia sobre empoderamiento femenino con toques fantásticos y el humor particular que caracteriza la obra del cineasta griego. Otro de los grandes nombres, éste nacional, es el de J. A. Bayona quien presenta, ‘LA SOCIEDAD DE LA NIEVE’, película que hace tan solo unos días clausuraba el Festival de Venecia. También se proyectará ‘EL CHICO Y LA GARZA’, la última película de una leyenda de la animación como Hayao Miyazaki; que ha sido un gran éxito en Japón a pesar de estrenarse sin ningún tipo de promoción por petición expresa de su propio autor: ni tráileres, ni imágenes ni siquiera sinopsis.
Otros nombres presentes en estas sesiones especiales incluyen a uno de los directores españoles más internacionales, Daniel Benmayor, que presenta, por primera vez, el thriller de ciencia ficción ‘AWARENESS’; el portugués Gabriel Abrantes también nos trae un thriller, ‘AMELIA’S CHILDREN’; si regresamos a la ciencia ficción, ‘UFO SWEDEN’, largometraje dirigido por el colectivo de cineastas suecos Crazy Pictures, es un gran ejemplo, igual que la estadounidense ‘ALIENS ABDUCTED MY PARENTS AND NOW I FEEL KINDA LEFT OUT’, aunque en este caso Jake Van Wagoner, su director, juega más en el terreno de la comedia. Similar es el caso de ‘THE TOXIC AVENGER’, el esperado remake del clásico de culto de 1984 que firma el director estadounidense Macon Blair.
Para terminar, un título de corte más clásico que hará las delicias de los fans del terror: ‘BLOOD DE BRAD ANDERSON’ del estadounidense Brad Anderson (valga la redundancia) es un filme impactante que, a pesar de sus elementos sobrenaturales destaca por el realismo que envuelve a la historia de terror.
Y para los aficionados más extremos, tenemos las dos propuestas que llegan al Especial Mitjanit de la Sección Oficial: ‘LA BALA DE DIOS’, thriller de acción del director estadounidense Nick Cassavetes, con un reparto de lujo encabezado por Nikolaj Coster-Waldau y ‘THE DEEP DARK’, una espeluznante muestra de cine de monstruos que dirige Mathieu Turi, que estuvo en el Festival hace tres años presentando la sorprendente ‘EL TUBO’.
Òrbita: la sección más asiática
El Festival de Sitges siempre ha sido un punto de encuentro para los aficionados del cine asiático, que este año van a estar exultantes al conocer la programación de una sección Òrbita, que confirma, un año más, que SITGES2023 sigue fiel a su espíritu global. Teniendo en cuenta la importancia del thriller en la sección (reservada a aquellos géneros limítrofes con el fantástico) no resulta extraño que Corea del Sur se erija como la reina de la sección, ya que se añaden cuatro títulos a la ya anunciada ‘FUERZA BRUTA: SIN SALIDA’: ‘CONCRETE UTOPIA’ de Um Tae-hwa, una película de catástrofes que fue un éxito tanto en su pase de Cannes como en la taquilla coreana durante este verano, ‘LOS OJOS DE LA NOCHE’ de Ahn Tae-jin, thriller sobre un acupunturista ciego que resulta ser el único testigo de un asesinato, ‘SMUGGLERS’ de Ryoo Seung-wan, un thriller policíaco ambientado en un pequeño pueblo costero durante los años 70 y ‘THE CHILDE’, un drama con pinceladas de thriller que dirige Park Hoon-jung, uno de los directores coreanos de género más reconocidos (junto a Ryoo Seung-wan) de la última década.
Siguiendo con los títulos asiáticos, hay un nombre que es sinónimo de Sitges (hasta rodó una película aquí) y no podía faltar: Takashi Miike nos trae, en primicia mundial, ‘LUMBERJACK THE MONSTER’, su última locura. Tampoco podía faltar un thriller de Hong Kong, a la ya anunciada ‘MAD FATE’ de Soi Cheang se le suma ‘WHERE THE WIND BLOWS’, filme dirigido por Philip Yung y que cuenta con un reparto de lujo que encabeza Tony Leung. También desde la periferia (pero en el otro extremo) llegan ‘PROPRIEDADE’ del brasileño Daniel Bandeira, un relato claustrofóbico sobre una mujer traumatizada llevada a una situación límite y ‘LA EXTORSIÓN’ del argentino Martino Zaidelis, un astuto thriller sobre un piloto obligado a colaborar con los servicios de inteligencia nacionales.
La sección también contará con dos títulos estadounidenses: ‘BLACK FLIES’, un thriller de Jean-Stéphane Sauvaire que protagonizan Tye Sheridan y Sean Penn y ‘THE LAST STOP IN YUMA COUNTY’ de Francis Galluppi, otro thriller en el que un vendedor ambulante de cuchillos se verá convertido en rehén por unos ladrones de bancos.
Acabamos el repaso a Òrbita por Europa con cuatro títulos más: los thrillers de acción británicos ‘JACKDAW’ de Jamie Childs (que se estrena en el largometraje) y ‘JERICHO RIDGE’ de Will Gilbey, director ya conocido del Festival; ‘NIGHT OF THE HUNTED’ del director francés Franck Khalfoun y ‘DIABOLIK: GINKO ALL’ATTACCO’, una secuela de los hermanos Antonio y Marco Manetti, quienes ya presentaron la primera parte en Sitges.
Panorama: el mejor terror actual
La sección Panorama nos ofrece premieres españolas de algunos de los títulos de terror más interesantes del año. Esta vez empezamos por los Estados Unidos, país con una mayor representación en la sección: Anna Zlokovic firma ‘APPENDAGE’, cinta de terror con toques de humor, pero realmente aterradora; Larry Fessenden presenta una nueva muestra de terror licántropo con ‘BLACKOUT’, Alan Scott Neal nos trae ‘LAST STRAW’, una historia de terror narrada desde dos perspectivas distintas y Jenn Wexler dirige ‘THE SACRIFICE GAME’, historia en la que dos jóvenes estudiantes deberán hacer lo necesario para sobrevivir a un peligro desconocido que acecha en su residencia. También de América, en este caso México, llega ‘RABIA’, otra cinta de hombres lobo con Jorge Michel Grau detrás de las cámaras. Del otro extremo del planeta, Australia, aterrizan dos propuestas de terror canónico: ‘EL EXORCISMO DE EASTFIELD’, una historia basada en hechos reales de Nick Kozakis y ‘YOU’LL NEVER FIND ME’, terror claustrofóbico que llega de las manos de Josiah Allen e Indianna Bell.
La programación asiática de la sección, sin ser tan extensa como en Órbita, es también significativa, con la presencia de dos películas japonesas, ‘#MANHOLE’ de Kazuyoshi Kumakiri y la ya mencionada ‘THE FORBIDDEN PLAY’ de Hideo Nakata, la coreana ‘PROJECT SILENCE’ de Kim Tae-gon, que se estrenó en la pasada edición de Cannes y la comedia de terror hongkonesa ‘LET IT GHOST’ de Hoi Wong. En cuanto a las representantes europeas, un total de cuatro películas estarán en competición: ‘NINA DEI LUPI’ del italiano Antonio Pisu, ‘RESTORE POINT’ del director checo Robert Hloz, ‘SUPERPOSITION’ de la danesa Karoline Lyngbye y ‘HOOD WITCH’ del francés Saïd Belktibia.
A todos estos títulos hay que sumarle cinco películas que se proyectarán fuera de competición: las japonesas ‘IMMERSION’ de Takashi Shimizu (otro gran nombre del j-horror) y las dos partes del live-action ‘TOKYO REVENGERS 2’, dirigidas por Tsutomu Hanabusa; la comedia de terror ‘CUANDO LOS AMOS DUERMEN’ del español Santiago AlvaradoIlarri y ‘THE PRIMEVALS’, el proyecto soñado de David Allen, leyenda de la creación de efectos visuales desde la década de los 70 hasta los 90,que se ha podido finalizar veinte años después de su fallecimiento.
20 años de Noves Visions
La sección Noves Visions, que este año celebra su 20 cumpleaños, es ideal para descubrir pequeñas joyas no tan comerciales o conocidas como el resto. Con motivo de su aniversario, se realizará una proyección especial de ‘EL DESPRECIO’ de Jean-Luc Godard en 4K, una película que representa a la perfección el espíritu de la sección. Si hablamos de los filmes en competición, este año la variedad de países es tan grande que no hay ninguno que tenga a más de dos representantes. Entre estos, se encuentra Bélgica con ‘LUKA’ de Jessica Woodworth y ‘THE LAST ASHES’ de Loïc Tanson, Japón con ‘MONDAYS: SEE YOU “THIS” WEEK!’ de Ryo Takebashi y ‘RIVER’ de Junta Yamaguchi (autor de la gran sensación ‘MÁS ALLÁ DE LOS DOS MINUTOS INFINITOS’), Francia con ‘THE VOURDALAK’ de Adrien Beau (premiada en la Semana de la Crítica de Venecia)y ‘EN ATTENDANT LA NUIT’ de Céline Rouzet y Canadá con ‘MY ANIMAL’ de Jacqueline Castel y ‘HUMANIST VAMPIRE SEEKING CONSENTING SUICIDAL PERSON’ d’Ariane Louis-Seize (gran triunfadora de las Jornadas de los Autores de Venecia).
La programación de la sección la completan ‘EMBRYO LARVA BUTTERFLY’ del griego Kyros Papavassiliou, ‘HALFWAY HOME’ del húngaro IstiMadarász, ‘HUNDREDS OF BEAVERS’ del estadounidense Mike Cheslik, ‘LA ÚLTIMA NOCHE DE SANDRA M.’ del español Borja de la Vega, ‘MIMÌ – PRINCE OF DARKNESS’ del italiano Brando De Sica (nieto del legendario Vittorio De Sica), la coproducción de Indonesia y Singapur ‘MOTEL MELATI’, dirigida por Mike Wiluan y Billy Christian, ‘RAGING GRACE’ del británico Paris Zarcilla, ‘THE FUNERAL’ del turco Orçun Behram, ‘THE INVISIBLE FIGHT’ del director estonio Rainer Sarnet y ‘TELA DE ARAÑA’ del reconocido director coreano Kim Jee-woon, que será el encargado de clausurar la sección.
La mejor animación se encuentra en Anima’t
Anima’t es sin duda una de las secciones con más encanto del Festival. Como suele pasar cada año, Japón demuestra su condición de potencia mundial en animación con un total de tres películas en competición: ‘KOMADA – A WHISKY FAMILY’, una historia original de Masayuki Yoshihara centrada en una familia y su lugar de trabajo; ‘LONELY CASTLE IN THE MIRROR’ de Keiichi Hara, una película donde los espejos se convierten en un portal que lleva a otras realidades y ‘SAND LAND’, largometraje basado en una obra de Akira Toriyama (creador de Bola de Dragón y guionista de la película) y dirigido por Toshihisa Yokoshima.
‘HEAVIES TENDRES’ se suma a la ya anunciada ‘ROBOT DREAMS’ como representantes españolas de la sección. Se trata de una historia en la que dos jóvenes encontrarán un refugio en la música heavy metal y que viene firmada por Joan Tomàs, Carlos Pérez-Reche y Juanjo Sáez. El checo Filip Posivac presenta ‘TONY, SHELLY AND THE MAGIC LIGHT’ tras haber ganado el Premio especial del jurado en la sección Contrechamp del Festival de Annecy; una conmovedora historia de amistad y diversidad realizada en stop motion. Por último, no podía faltar una producción francesa: ‘MARS EXPRESS’ de Jéremi Périn es una cinta que navega entre la ciencia ficción y una historia detectivesca.
Además de las películas que compiten, se proyectarán cuatro largometrajes más en el marco de la sección: las japonesas ‘FEAST OF AMRITA’ de Saku Sakamoto y ‘PHOENIX: REMINISCENCE OF FLOWER’ de Shojiro Nishimi se proyectarán fuera de competición. En el caso del clásico de 1982 ‘LES MAÎTRES DU TEMPS’ del francés René Laloux (con diseño de personajes de Moebius), una proyección que además será en 4K, y ‘THE SOLDIER’S TALE’, del estadounidense R. O. Blechman. Estas dos últimas proyecciones también formarán parte de Sitges Clàssics.
También en la sección Anima’t pero en el marco de Sitges Clàssics tendremos una sesión de cortos muy especial: ‘100 AÑOS DE WALT DISNEY ANIMATION STUDIOS: UN HOMENAJE A SUS CORTOS’. La proyección incluirá un total de 11 cortos, desde algunos de la década de los 20 y 30 hasta otros de esta última década.
Recuperando clásicos conocidos (y otros no tanto)
Seguimos con la sección Sitges Clàssics, de la que acabamos de mencionar ya algunos títulos. La selección de este año presenta una excelente combinación entre clásicos que no necesitan ninguna introducción entre los fans del cine de terror y películas más desconocidas que merecen ser vistas en las mejores condiciones. En este primer grupo tendríamos las versiones en 4K de ‘EL EXORCISTA’ de William Friedkin, ‘EL RESPLANDOR’ de Stanley Kubrick y ‘THE WICKER MAN’ de Robin Hardy. Otras películas que podríamos incluir en este primer grupo son ‘KING KONG’, ‘STAR TREK – THE MOTION PICTURE – THE DIRECTOR’S CUT’, la última versión de la primera película de la saga Star Treko ‘THE RAID’ de Gareth Evans, que a pesar de no ser un clásico por antigüedad lo es por el impacto que causó en 2011 cuando se proyectó por primera vez en Sitges.
En cuanto al segundo grupo, aunque no tan conocidos, los títulos son igual de reivindicables: ‘SIESTA’, el debut en el cine de Mary Lambert, la muy reciente ‘LAKE MICHIGAN MONSTER’ del estadounidense Ryland Brickson Cole Tews, ‘PSYCHIC VISION: JAGANREI’ del japonés Teruyoshi Ishii, ‘ANGUSTIA DEL SILENCIO’, una de las mejores películas de Lucio Fulci, uno de los grandes maestros del giallo, ‘LA MÁSCARA DEL DEMONIO’ del italiano Lamberto Bava (Premio Honorífico en esta 56a edición), ‘MUNDO CANÍBAL, MUNDO SALVAJE’, del también italiano Ruggero Deodato y la proyección en 4K de ‘LOS NUEVOS EXTRATERRESTRES’ de Juan Piquer Simón. Y para rematar, programa doble de bruceploitation con ‘ENTER THE GAME OF DEATH’ de Tso Nam Lee y ‘DRAGON LIVES AGAIN’ de Chi Chih Lo.
Recordar, también, que se realizará la retrospectiva titulada ‘Ciudad Pánico’, que rinde homenaje a aquellas ciudades del cine que se transforman en catalizadoras del terror. Se proyectarán un total de siete películas dentro de la retrospectiva: ‘AMENAZA EN LA SOMBRA’ de Nicolas Roeg, ‘EL ALMUERZO DESNUDO’ (4K) de David Cronenberg, ‘GOD TOLD ME TO’ (4K) de Larry Cohen, ‘HOLLYWOOD 90028’ (4K) de Christina Hornisher, ‘LA CASA SIN FRONTERAS’ de Pedro Olea, ‘LOS ÚLTIMOS DÍAS’ de Àlex y David Pastor y ‘PÁJAROS DE CIUDAD’ de Jose María Sánchez Álvaro.
La no-ficción en el Festival de Sitges
El Festival de Sitges también ha apostado siempre por la no-ficción que reflexiona sobre el género y temas relevantes para el contexto de las obras que se han podido ver a lo largo de su historia. En la sección Sitges Documenta se podrán ver algunos de los documentales más interesantes del último año sobre cine de terror y de género en un sentido más general, buena parte de los cuales vienen de los Estados Unidos. Éstos son: ‘THE HISTORY OF METAL AND HORROR’ de Mark Schniff, que explora la relación entre la música heavy metal y el cine de terror; ‘LIVING WITH CHUCKY’ de Kyra Elise Gardner, documental sobre la saga del conocidísimo muñeco diabólico; ‘YOU CAN CALL ME BILL’ de Alexadre O. Philippe sobre William Shatner, actor reconocido sobre todo por su personaje de capitán Kirk en la saga Star Trek, ‘SPOOKTACULAR!’ de Quinn Monahan y ‘KIM’S VIDEO’ de David Redmon y Ashley Sabin en la que el espectador se embarcará en una aventura que trata de recuperar una legendaria colección de películas de un videoclub de Nueva York perdidas en la otra punta del mundo.
De Reino Unido llegan dos documentales que participarán en la sección: ‘DARIO ARGENTO PANICO’ de Simone Scafidi, una aproximación a la obra de uno de los autores más conocidos por los habituales del Festival y ‘LOCH NESS: THEY CREATED A MONSTER’ de John MacLaverty, que explora la leyenda del monstruo del lago Ness a través de las historias de los habitantes de la zona y los “cazadores” del monstruo.
Además, ‘DREAM TIME’ del italiano Claudio Lattanzi también estará en la sección, así como cinco proyecciones más que se realizarán de forma gratuita en el espacio Brigadoon: ‘UN MILLÓN DE ZOMBIES: LA HISTORIA DE PLAGA ZOMBIE’ de Nicanor Loreti y Camilo de Cabo, ‘THE DARKSIDE OF SOCIETY’ de Larry Wade Carrell, ‘SHARKSPLOITATION’ de Stephen Scarlata, ‘OTRA PELÍCULA MALDITA’ de Alberto Fasce y ‘MUJERES SIN CENSURA’ de Eva Vizcarra.
Midnight X-Treme: la sección de los trasnochadores
El Festival de Sitges tiene fans de todo tipo y la sección Midnight X-Treme es para los que siempre quieren más sangre, más tripas y más desmembramientos. Este año serán nueve películas las que conformen la programación: ‘ALL YOU NEED IS BLOOD’, del estadounidense Cooper Roberts, ‘KILL’ del director indio Nikhil Nagesh Bhat, ‘MAD CATS’ del japonés Reiki Tsuno; ‘OS REVIENTO’ del español Kike Narcea; ‘THE WELL’del italiano Federico Zampaglione; ‘THE WRATH OF BECKY’ de los estadounidenses Matt Angel y Suzanne Coote, ‘TRIGGERED’, película filipina del director Richard V. Somes; ‘WE ARE ZOMBIES’ del trio canadiense François Simard, Annouk Whissel y Yohan-Karl Whissel (que estarán en SITGES2023 por partida doble) y ‘WINNIE THE POOH: MIEL Y SANGRE’, del británico Rhys Frake-Waterfield.
Sitges afianza su idilio con las series
En julio, anunciamos casi todas las series que podrán disfrutar en SITGES2023. A modo de recordatorio eran las siguientes: los dos primeros capítulos de la 2a temporada de ‘30 MONEDAS’, el nuevo trabajo de Álex de la Iglesia; los tres primeros episodios de ‘EL OTRO LADO’, serie original de Movistar Plus+ creada por Berto Romero y que dirigen Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro y los tres primeros capítulos de ‘ROMANCERO’, serie original de Prime Video dirigido por Tomás Peña. A ellas, se les suma una incorporación estelar: se podrán ver los dos primeros capítulos del nuevo true crime de Carles Porta, ‘LUZ EN LA OSCURIDAD’, serie original de Movistar Plus+.
Brigadoon, nuestro otro refugio
Un año más, la sección Brigadoon, el espacio de proyecciones y sesiones gratuitas del Festival, se erige como el punto de encuentro de la cinefilia más enamorada de los títulos y voces más desacomplejadas del cine de género. Con una completa selección de cortos, largos, videoclips y encuentros/homenajes con artistas siempre a reivindicar, Brigadoon hará las delicias de los paladares más inquietos con propuestas como ‘THORNS’, de Douglas Schulze; ‘ALLA RICERCA DEL PIACERE’, de Silvio Amadio; ‘SHARKSPLOITATION’, de Stephen Scarlata o ‘SAMURAI NINJA ONIMANJI’, de Yoshihiro Nishimura.
Con el Festival de San Sebastián a la vuelta de la esquina varias son las películas presentes en el certamen donostiarra cuyos primeros avances empiezan a ver la luz, como es el caso de Last Shadow at First Light, film cuyo tráiler subtitulado al inglés vía Cine Maldito podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, presente en el Zinemaldia dentro de la sección New Directors, supone el debut en el largometraje de la realizadora originara de Singapur Nicole Midori Woodford
En Last Shadow at First Light vemos como atormentada por apariciones recurrentes, Ami se embarca en un viaje de Singapur a Japón en busca de su madre desaparecida. Entre paisajes que se transforman, los sueños, los fantasmas y la madre perdida de Ami desvelan su verdadera forma.
La película, con guion a cargo de la propia Nicole Midori Woodford, está protagonizada por Masatoshi Nagase, Mihaya Shirata, Mariko Tsutsui y Peter Yu.
El Cine de Autor es aquel en que el director o la directora impone su visión personal en la película, en términos temáticos y de puesta en escena, por oposición al cine industrial masivo, cuyo imperativos son el entretenimiento y las fórmulas de éxito. El curso pretende ahondar en la evolución del cine de autor desde su nacimiento en diferentes artículos de los años 50, principalmente cahieristas, hasta nuestros días, en que puede considerarse un género en sí mismo con su público, sus festivales y convenciones.
Los temas planteados en el curso giran en torno a cuestiones contemporáneas como la pérdida de la centralidad cultural del cine, la banalización de las imágenes, la eclosión del cine feminista, la posibilidad de realizar un cine subversivo o la pervivencia del canon. El curso se despliega a través del comentario de escenas de William Wyler, Ida Lupino, Robert Bresson, Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini, Terence Fisher, Alain Resnais, Jean-Luc Godard, Chantal Akerman, Andrei Tarkovsky, Pedro Costa, Wong Kar-Wai, Kelly Reichardt, Elena López Riera, etc. Las clases se complementan con textos teóricos de Alexandre Astruc, François Truffaut, Jean-Claude Carrière, Laura Mulvey, Annette Khun, Virgine Despentes, Barbara Zecchi, Nathaniel Dorsky, Alain Bergala, Werner Herzog, Carlos Losilla, Àngel Quintana, etc.
Dirigido a Todo cinéfilo que quiera profundizar en el cine de autor.
Metodología Los contenidos del curso se despliegan a través de fragmentos de películas y textos diversos. Cada tema planteado se presenta con una película de obligatorio visionado para el alumno, disponible en nuestra página de Filmin. Puedes consultarla aquí. El grupo de alumnos es reducido con el objetivo de fomentar la reflexión y el diálogo en las clases. La impartición es online, en directo desde Zoom. Las sesiones se graban y permanecen en la nube a disposición del alumnado.
Temario
• Hacia una definición de autoría.
• El hilo invisible: autoría y mainstream.
• Voces femeninas de cine de autor(a).
• Reformulando la teoría de los autores.
• Películas y textos profanos.
• Patologías de la imagen contemporánea.
Profesorado Javier Urrutia: filósofo
Mireia Iniesta: crítica de cine
Andrés Duque: cineasta experimental
Javier Trigales: guionista
Antonio José Navarro: historiador de cine
Duración y horario trimestral (octubre, noviembre y diciembre)
jueves, de 18:00 a 21:00h.
La matriculación incluye
• Certificado final
• Suscripción a Filmin
• Suscripción a la revista Caimán
Precioa escoger entre:
a) 225€ al mes x 3 = 675€
b) 580€ (una sola vez)
Cuatro años después de su debut en el largometraje con Les Misérables el realizador francés de origen maliense Ladj Ly vuelve a indagar en el trasfondo político sobre la desigualdad en la Francia actual con Les Indésirables, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, presente estos días en los festivales de Toronto y San Sebastián, presente en la sección Perlak, llegará a las salas de cine de Francia el próximo 6 de diciembre, a España, aun con fecha por concretar, lo hará de la mano de Caramel Films.
En Les Indésirables vemos como tras la repentina muerte del alcalde de la ciudad, Pierre, un joven médico idealista, es nombrado para sustituirle. Pretende continuar la política de su predecesor, que soñaba con rehabilitar este barrio obrero. Haby, una joven francesa de origen maliense que vive en uno de los bloques de pisos en ruinas, se niega a que su familia sea expulsada del barrio donde creció.
La película, con guion a cargo del propio Ladj Ly junto a Giordano Gederlini, Alexis Manenti, Anta Diaw, Jeanne Balibar, Steve Tientcheu, Valentin Pradier y Aristote Luyindula.
La cineasta Claire Denis presidirá el Jurado Oficial, en el que estará acompañada por la actriz china Fan Bingbing; la productora, realizadora y escritora colombiana Cristina Gallego; la fotógrafa francesa Brigitte Lacombe; el productor húngaro Robert Lantos; la actriz española Vicky Luengo y el director alemán Christian Petzold.
Cineastas como Maite Alberdi, J.A. Bayona, Robin Campillo, Isabel Coixet, Víctor Erice, Michel Franco, Matteo Garrone, Craig Gillespie, Jonathan Glazer, Kitty Green, Todd Haynes, Tran Anh Hung, Ladj Ly, James Marsh, Cristi Puiu, Valeria Sarmiento y Justine Triet presentarán sus películas ante el público y los medios de comunicación
Cineastas e intérpretes de todo el mundo han confirmado su presencia en San Sebastián con motivo de la celebración de la 71ª edición del Festival. Juliette Binoche, Gabriel Byrne, François Cluzet, Emmanuelle Devos, Griffin Dunne, Aidan Gillen, Mads Mikkelsen, James Norton y Dominic West acompañarán sus películas y participarán en las galas del Festival. Además de Víctor Erice, que recogerá el Premio Donostia el día 29, y Javier Bardem, que lo hará en la próxima edición debido a las limitaciones que le impone la huelga convocada por el Sindicato de Actores de Estados Unidos (SAG-AFTRA), el Festival también reconocerá la trayectoria del maestro japonés de la animación Hayao Miyazaki, que dirige la película inaugural Kimitachi wa do ikiru ka / The Boy and the Heron (El chico y la garza). Miyazaki recibirá el Premio Donostia de forma virtual durante la gala de inauguración.
Además, cineastas relevantes de la cinematografía contemporánea viajarán a San Sebastián para acompañar sus últimas películas, como Maite Alberdi (La memoria infinita, Perlak), J.A. Bayona (La sociedad de la nieve, Perlak), Robin Campillo (L’île rouge, Sección Oficial), Isabel Coixet (Un amor, Sección Oficial), Michel Franco (Memory, Perlak), Matteo Garrone (Io Capitano, Perlak), Craig Gillespie (Dumb Money, Perlak), Jonathan Glazer (The Zone of Interest, Perlak), Kitty Green (The Royal Hotel, Sección Oficial), Todd Haynes (May December, Perlak), Tran Anh Hung (La passion de Dodin Bouffant, Culinary Zinema), Tatiana Huezo (El eco, Horizontes Latinos), Ladj Ly (Bâtiment 5, Perlak), James Marsh (Dance First, Sección Oficial), Cristi Puiu (MMXX, Sección Oficial), Valeria Sarmiento (El realismo socialista, Klasikoak), Justine Triet (Anatomie d’un chute, Perlak) o Fernando Trueba y Javier Mariscal (They Shot the Piano Player, Sección Oficial).
En Sección Oficial, los actores Griffin Dunne, Miles Heizer y James Norton acompañarán al director Noah Pritzker para presentar Ex-Husbands, que compite por la Concha de Oro, como la cineasta Raven Jackson y la productora Adele Romanski, que mostrarán All Dirt Roads Taste of Salt. Joaquim Lafosse, que participa con Un silence, se desplazará con Daniel Auteuil y Emmanuelle Devos; François Cluzet y Vincent Lacoste viajarán a San Sebastián con el director de Un métier serieux (Los buenos profesores), Thomas Lilti; Xavier Legrand defenderá Le successeur / The Successor con sus protagonistas, Marc-André Grondin e Yves Jacques; y Robin Campillo, el director de L’île rouge (La isla roja) lo hará junto a Quim Gutierrez y Nadia Tereszkiewicz (quien estará en San Sebastián por partida doble porque también protagoniza Rosalie, programada en Perlak). El cineasta rumano Cristi Puiu presentará MMXX con los actores Dorian Boguta (también productor), Florin Tibre y Laurentiu Bondarenco y las actrices Adelaida Perjoiu y Otilia Panainte. También se desplazarán al Festival la realizadora Kitty Green (The Royal Hotel), Christos Nikou (Fingernails) e Isabella Eklöf (Kalak). La película de clausura, Dance First, contará con una amplia representación: además de Marsh, Byrne y Gillen, también viajarán integrantes del reparto como Fionn O’Shea.
Buena parte de las y los cineastas de Perlak acompañarán sus películas en San Sebastián: Jonathan Glazer (The Zone of Interest); Todd Haynes (May December); Christian Petzold, jurado oficial y director de Roter Himmel / Afire; Matteo Garrone con los protagonistas de Io Capitano, Seydou Sarr y Moustapha Fall; Michel Franco (Memory); Nicolaj Arcel y Mads Mikkelsen (The Bastard / The Promised Land); los cineastas australianos Warwick Thornton (The New Boy) y Craig Gillespie (Dumb Money); Ladj Ly (Bâtiment 5) con los actores Steve Tientcheu, Anta Diaw, Aristote Luyindula y Alexis Manentis; así como las realizadoras Celine Song (Past Lives) y Stephanie di Giusto (Rosalie).
Como es habitual, la cinematografía latinoamericana estará ampliamente representada en San Sebastián. En Sección Oficial, con María Alché y Benjamín Naishtat y los actores Marcelo Subiotto, Leonardo Sbaraglia y Mara Bestelli (Puan); y Martín Rejtman y los intérpretes Esteban Bigliardi -también en Los delincuentes– y Camila Hirane (La práctica). En Horizontes Latinos, Dolores Fonzi, en su debut como directora, acompañada del actor Toto Rovito y Santiago Mitre en calidad de productor (Blondi); Tatiana Huezo (El eco); Paula Hernández junto a Alfredo Castro y Sergi López (El viento que arrasa); Lucía Puenzo y Mariana di Girolamo (Los impactados); Rodrigo Moreno (Los delincuentes); Felipe Gálvez (Los colonos); y Lila Avilés (Tótem), entre otras realizadoras. Presentarán sus películas en Zabaltegi-Tabakalera Eduardo Williams (El auge del humano 3) y Andrés di Tella (Mixtape La Pampa); en Culinary Zinema, los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat y los intérpretes Luis Brandoni, Enrique Piñeyro y Majo Cabrera (Nada); y la cineasta Valeria Sarmiento asistirá al estreno de El realismo socialista (Klasikoak).
Encabezado por el Premio Donostia Víctor Erice y el reparto de Cerrar los ojos, José Coronado, Manolo Solo, Ana Torrent, María León, Petra Martínez, Mario Pardo, Venecia Franco y Helena Miquel, el cine español estará presente en San Sebastián en Sección Oficial con Isabel Coixet y los actores de Un amor (Laia Costa, Hovik Keuchkerian, Hugo Silva, Luis Bermejo, Francesco Carril e Ingrid García Jonsson), Jaione Camborda y los intérpretes Janet Novás y Diego Anido (O Corno), Isabel Herguera (El sueño de la sultana), Fernando Trueba y Javier Mariscal (Dispararon al pianista) y el equipo de La Mesías: los directores Javier Ambrossi y Javier Calvo y las actrices Carmen Machi, Macarena García, Cecilia Roth, Lola Dueñas y Ana Rujas, entre otras muchas intérpretes.
Para competir en New Directors se desplazarán los creadores de La estrella azul, con el director Javier Macipe y los intérpretes Pepe Lorente, Marc Rodríguez, Catalina Sopelana y Bruna Cusí. En Perlak, en busca del Premio del Público, J.A. Bayona presentará La sociedad de la nieve con el actor uruguayo Enzo Vogrincic. En las Galas RTVE, la directora Arantxa Echevarría estará acompañada de Leonor Watling, Carolina Yuste, Pablo Molinero, Xinyi Ye, Shiman Yang, Yehu Ji y Valeria Fernández (Chinas) y Emma Suárez, Carlos Cuevas, Alexandra Jiménez, Fernando Guallar, Gonzalo Castro y Anna Moliner asistirán junto al director, Vicente Villanueva, y al autor de la obra teatral, Alfredo Sanzol (La ternura). La actriz Mónica Randall presentará la proyección de la copia restaurada de Furia española en Klasikoak. En Zinemira estará el equipo de 20.000 especies de abejas con la directora Estibaliz Urresola y las actrices Patricia López Arnaiz, Itziar Lazkano, Ane Gabarain y Sofía Otero; para presentar Las buenas compañías, acudirán Alicia Falcó e Itziar Ituño, quien también acompañará al equipo de Irati.
En Made in Spain, Elena Trapé presentará Els Encantats; Elena Martín Gimeno, Creatura; Juan Francisco Viruega, Aura Garrido e Isabel Ampudia, Amanece; Miguel Ángel Vivas y Natalia de Molina, Asedio; Gerardo Herrero, Juan Carlos Vellido, Eva Ugarte, Fele Martínez, Antonio Pagudo y, de nuevo, Alexandra Jiménez, Bajo terapia; con El fantástico caso del golem, sus directores Burnin’ Percebes, Brais Efe y Bruna Cusi, quien, además de en La estrella azul, también participará en la presentación de Upon Entry junto a sus compañeros de reparto Alberto Ammann y Laura Gómez y el director, Alejandro Rojas.
En el Velódromo, Berto Romero, Andreu Buenafuente, María Botto y Nacho Vigalondo y, de nuevo, Eva Ugarte acompañarán a los directores Javier Ruiz Caldera y Alberto del Toro en el estreno de la serie El otro lado, y C. Tangana se desplazará a San Sebastián junto a los directores Santos Bacana, Cris Trenas y Rogelio González para presentar el proyecto documental Esta ambición desmedida. No será el único representante musical, porque también viajarán a San Sebastián la cantante francesa Jeanne Cherhal, que protagoniza Un silence, y Amaia Romero, que forma parte del reparto de La Mesías, ambas en Sección Oficial.
Asimismo, viajarán a San Sebastián intérpretes, cineastas o profesionales de otras disciplinas que cuentan sus historias en primera persona. En Made in Spain, la actriz Carmen Elías, que desveló hace un año que padecía Alzhéimer, presentará Mientras seas tú, junto a la directora Claudia Pinto; Fernando Méndez Leite vendrá como protagonista de la no ficción La memoria del cine: una película sobre Fernando Méndez-Leite,dirigida por Moisés Salama; el exfutbolista y exentrenador enfermo de ELA Juan Carlos Unzué hará lo propio con los directores de Unzué, l’ultim equip del Juancar, Jesús Muñoz, Santi Padró y Xavi Torres. El filósofo Paul B. Preciado presentará Orlando. Ma biographie politique, una suerte de autobiografía colectiva a través de la obra de Virginia Woolf en Zabaltegi-Tabakalera y el superviviente del accidente de aviación de los Andes Gustavo Zerbino acompañará a J.A. Bayona en el pase de La sociedad de la nieve (Perlak).
Jurado Oficial
El jurado de la Sección Oficial estará presidido por la directora francesa Claire Denis, galardonada con el Gran Premio del Festival de Cannes, el Oso de Plata en Berlín, el Leopardo de Oro en Locarno y el Premio Fipresci en San Sebastián. La directora de Beau travail y Trouble Every Day estará acompañada en las deliberaciones por la actriz china Fan Bingbing (ganadora de la Concha de Plata por su actuación en I Am Not Madame Bovary, Concha de Oro en 2016); la productora, directora y escritora colombiana Cristina Gallego (codirectora de Pájaros de verano y productora de la primera película colombiana nominada al Oscar, El abrazo de la serpiente, y de la última Concha de Oro, Los reyes del mundo), la fotógrafa francesa Brigitte Lacombe, quien, entre muchos otros trabajos, ha fotografiado el rodaje de películas como Todos los hombres del presidente, Kramer vs. Kramer, Gangs of New York, El lobo de Wall Street o El irlandés, y es también la autora del cartel oficial del Festival del año pasado, protagonizada por Juliette Binoche; el productor húngaro Robert Lantos (el productor de David Cronenberg y Atom Egoyan y de películas como Being Julia y Barney’s Version), la actriz española Vicky Luengo, protagonista de Suro y Antidisturbios, y el cineasta alemán Christian Petzold, Oso de Plata por Barbara, Premio Fipresci en San Sebastián por Phoenix y Gran Premio del Jurado en la Berlinale por Roter Himmel / Afire (El cielo rojo).
Hayao Miyazaki
Tras graduarse en Ciencias Políticas y Economía por la Universidad de Gakushuin en 1963, Hayao Miyazaki (Tokio, 1941) se unió a la compañía de animación Toei como animador. Trabajó bajo la dirección de Isao Takahata en la planificación de escenas y la animación clave para la producción de Taiyo no oji: Horusu no daiboken (La princesa encantada, 1968). Posteriormente pasó al estudio de animación A Production con Takahata en 1971, donde trabajó en el concepto original, guion, diseño de layout y animación clave para Panda Kopanda (1972). Miyazaki trabajó en varios estudios, incluyendo Zuiyo Eizo, con Takahata, Nippon Animation y Telecom, realizó la planificación de escenas y el diseño de layout para las series de televisión Arupusu no shojo Haiji (Heidi, 1974) y Haha wo tazunete sanzenri (Marco: De los Apeninos a los Andes, 1976), y dirigió su primera serie de televisión, Mirai shonen Konan (Conan, el niño del futuro, 1978).
Debutó como director de largometrajes con Rupan sansei: Kariosutoro no shiro (El castillo de Cagliostro, 1979). En 1984, escribió y dirigió Kaze no tani no Naushika (Nausicaä del Valle del Viento), basada en su novela gráfica original serializada en la revista mensual de animación Animage.
Miyazaki cofundó Studio Ghibli en 1985 con Takahata y ha dirigido diez largometrajes desde entonces, entre los que se incluyen Tenku no shiro Rapyuta (El castillo en el cielo, 1986), Tonari no Totoro (Mi vecino Totoro, 1988), Majo no takkyubin (Nicky, la aprendiz de bruja, 1989), Kurenai no buta (Porco rosso, 1992) y Mononoke hime (La princesa Mononoke, 1997). Sen to Chihiro no kamikakushi (El viaje de Chihiro, Velódromo, 2001) rompió todos los récords de taquilla en Japón y obtuvo numerosos premios, incluyendo el Oso de Oro en el Festival de Berlín y el Oscar a la mejor película de animación. Hauru no ugoku shiro (El castillo ambulante, 2004) recibió una Osella de Oro por sus logros técnicos en el Festival de Venecia, que en 2005 le otorgó un León de Oro en reconocimiento a toda su carrera. En 2008, escribió y dirigió Gake no ue no Ponyo (Ponyo, 2009), con la que volvió a la competición de Venecia. Posteriormente contribuyó a la planificación y escribió los guiones para Kari-Gurashi no Arrietty (Arriety y el mundo de los diminutos, 2010), de Hiromasa Yonebayashi, y Kokuriko-zaka kara (La colina de las amapolas, 2011), de Goro Miyazaki. En 2013 dirigió Kaze tachinu (El viento se levanta, Perlak), que compitió en el Festival de Venecia y fue nominada Oscar a la mejor película de animación.
En noviembre de 2014, la Junta de Gobernadores de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas le otorgó un Oscar honorífico por toda su carrera. Su última película, Kimitachi wa do ikiru ka / The Boy and the Heron (El chico y la garza), se estrenó en Japón el 14 de julio de 2023, se presentó en el Festival de Toronto e inaugurará fuera de competición la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, en lo que supondrá su estreno europeo.
Miyazaki ha publicado varios libros de ensayos, dibujos y poemas, entre los que se incluye Shuppatsuten 1979-1996. Ha diseñado varios edificios, como el Museo Ghibli, en Mitaka, que se inauguró en 2001 y donde ejerce de director ejecutivo honorario. En 2012, Miyazaki fue nombrado Persona de Mérito Cultural por el Gobierno de Japón. En julio de 2014 fue incluido en el Salón de la Fama de los Premios Will Eisner de Cómic.
La cineasta Claire Denis presidirá el Jurado Oficial, en el que estará acompañada por la actriz china Fan Bingbing; la productora, realizadora y escritora colombiana Cristina Gallego; la fotógrafa francesa Brigitte Lacombe; el productor húngaro Robert Lantos; la actriz española Vicky Luengo y el director alemán Christian Petzold.
