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Pedro Almodóvar, María Isasi, Julieta Serrano, Rossy de Palma y Ernest Urtasun en la antesala de la sala 1 del Cine Doré
Filmoteca Española celebrará durante los meses de abril y mayo el ciclo ´Marisa Paredes. El dolor y el humor´, programa dedicado a una de las más icónicas intérpretes del cine español, tras su fallecimiento el pasado 17 de diciembre
El ciclo se ha presentado en el Cine Doré con la presencia del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, el cineasta Pedro Almodóvar, María Isasi, actriz e hija de Marisa Paredes, y Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española
Miércoles, 2 de abril de 2025. El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha presentado hoy en el Cine Doré, junto al cineasta Pedro Almodóvar, a la actriz María Isasi, y a Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española, el ciclo que la institución -organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico- dedica esta primavera a Marisa Paredes, icónica e incontestable intérprete del cine español que forjó una larga trayectoria de más de siete décadas desde su primer trabajo en el cine, con catorce años, en 091:Policía al habla (1960), de José María Forqué; hasta la todavía sin estrenar, Emergency Exit, de Luis Miñarro.
Marisa Paredes. El humor y el dolor
“Marisa fue una actriz virtuosa que dominaba todos los registros. A pesar de su figura sofisticada podía encarnar a una mujer que friega escaleras, una reina shakesperiana o una diva del teatro. Estaba muy dotada para el humor y para el dolor”. Así define Pedro Almódovar, cineasta indisolublemente ligado a su figura, a Marisa Paredes en la hoja de sala que acompaña al ciclo y en la que comparte páginas con la periodista y crítica de cine Marta Medina, quien también destaca la dualidad del arte de una intérprete “angulosa de físico como de carácter, una ´Marlene Dietrich a la española´, siendo difícil encontrar otra actriz con la extraña combinación antitética de quebradiza dureza que transmitía”.
Esta dualidad estuvo presente, más allá de Almodóvar, en la filmografía que fue construyendo con algunos de los grandes nombres del cine español: Fernando Trueba, con quien rodó Òpera prima (1980), con Jaime Chávarri en Las bicicletas son para el verano (1984), con Enrique Urbizu en Tu novia está loca (1984), con Agustí Villaronga en Tras el cristal (1986), con Iván Zulueta en Párpados (1989), conFelipe Vega en Mientras haya luz (1987), o con José Luis Borau en Tata mía (1986) –cineasta a quien Filmoteca Española también rinde homenajeen el Cine Doré desde el pasado mes de febrero-.
Esta versatilidad le permitió interpretar, tanto a nivel nacional como internacional, papeles dramáticos y cómicos, consolidándose como parte de una generación de actrices, junto a otros nombres como Carmen Maura o Kiti Manver, que confeccionaron –tal y como apunta Medina- a la mujer española moderna y autónoma. Una selección de estos papeles, vinculados con algunos de los títulos más emblemáticos de su filmografía, componen el ciclo ´Marisa Paredes. El dolor y el humor´.
En abril podrán verse en el Cine Doré la delirante comedia de enredos La reina anónima (Gonzalo Suárez, 1992), Profundo carmesí (Arturo Ripstein, 1996) –proyección de un nuevo máster de la película que añade al metraje una secuencia inédita no incluida en el montaje original-; Mi familia italiana (Cristina Comencini, 2015), refinado y nostálgico tributo a la tradición cinematográfica de la “commedia all’italiana”; o La flor de mi secreto (Pedro Almodóvar, 1995), en la que Paredes dio vida a la memorable Leocadia Macías -o Amanda Gris-, escritora y amante en crisis, y título por ella considerado como su mejor trabajo.
A estos títulos, se sumarán en mayo Tacones lejanos (Pedro Almodóvar, 1991), éxito abrumador en Francia que le acabaría abriendo las puertas del cine internacional, Latin Lover (Cristina Comencini, 2015), Crepúsculo rojo (Edgar Cosarinsky, 2003), Espelho mágico (Manoel de Oliveira, 2005) y Petra (Jaime Rosales, 2018).
Before Need Redressed (Gunvor Nelson, Dorothy Wiley, 1994)
Las películas de esta sesión exploran la sensualidad del lenguaje y la ambigüedad de las imágenes en una meditación sobre la memoria, el dolor, los animales, la comida o la muerte. Sus ingeniosos y emocionantes juegos de montaje y sus ficciones figuradas demuestran el humor y la libertad desbordante del cine de vanguardia californiano.
Atravesado por las disyunciones entre sonido e imagen, este programa propone un ensamblaje de textos, relatos y cuerpos. En Miss Jesus Fries on Grill, Dorothy Wiley vincula poética e inquietantemente el martirio de san Lorenzo y un suceso periodístico con el llanto de un recién nacido. Por su parte, en una sucesión de siete breves secuencias elípticas, Amy Halpern encadena diferentes emociones, del miedo al humor y la alegría en 3-Minute Hells. En cuanto a Letters, varias «cartas» atribuidas a una amiga, unos gusanos, unos insectos y el hijo de la cineasta llevan a Wiley a expandir los límites de la escritura y a corporeizar lo textual.
En Visible Inventory Six: Motel Dissolve Janis Crystal Lipzin traza un viaje en el espacio y en el tiempo, superponiendo panorámicas por distintas habitaciones de hotel con palabras manuscritas, números impresos y la lectura de dos textos de Gertrude Stein. Finalmente, Wiley y Gunvor Nelson retratan a una mujer a la vez que prolongan y entrelazan diferentes líneas narrativas en Before Need Redressed. Las direcciones se multiplican por medio de una serie de sueños y objetos reunidos por las cineastas, que animan sugerentes intercambios entre imágenes potencialmente alejadas. El montaje tiende a fundir o entrecortar las escenas, los diálogos y las acciones, aportando una cualidad sinestésica a la propia narrativa.
Miss Jesus Fries on Grill, Dorothy Wiley, 1973, 12 min; 3-Minute Hells, Amy Halpern, 2010, 14 min; Letters, Dorothy Wiley, 1972, 11 min; Visible Inventory Six: Motel Dissolve, Janis Crystal Lipzin, 1978, 15 min; Before Need Redressed, Gunvor Nelson y Dorothy Wiley, 1979/1994, 42 min.
Proyección en 16 mm, VOSC.
Copias procedentes de Canyon Cinema.
Fecha: 24 abril 2025
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
La plataforma incorporará a su catálogo el 4 de abril las tres películas dirigidas por José Antonio de la Loma y protagonizadas por ‘El Torete’: Perros callejeros, Perros callejeros II y Los últimos golpes de El Torete (Perros callejeros III)
«¡Dale caña, Torete!», el grito de guerra del cine quinqui regresa con el estreno de la trilogía Perros callejeros enFlixOlé. La saga con la que De la Loma y el delincuente juvenil apodado ‘El Torete’ dieron el pistoletazo de salida a uno de los subgéneros más singulares de la cinematografía española llega a la plataforma el viernes 4 de abril.
A través de los títulos Perros callejeros (1977), Perros callejeros II (1979) y Los últimos golpes de El Torete (Perros callejeros III) (1980), FlixOlé presenta y recorre el arco completo del fugitivo adolescente interpretado por Ángel Fernández Franco: desde sus primeros tirones de bolsos y asaltos a bancos, hasta sus palos junto a ‘El Vaquilla’. Convertidas en todo un fenómeno social y cultural, estas películas inyectaron altas dosis de acción y también de realidad a una gran pantalla que reflejó la cara menos amable de la Transición española, donde los aires de cambio y modernidad no soplaron por igual entre la población.
En ese país de los años setenta y ochenta que caminaba hacia la democracia había una parte de la sociedad, la hacinada en suburbios del extrarradio urbano, que padeció la falta de servicios públicos, el azote del desempleo y los estragos de la droga. La incapacidad del Gobierno para atender las necesidades de esos barrios marginales, sumado a la falta de oportunidades, propició un ambiente hostil del que la juventud intentó salir por medio de la violencia.
La crónica de esas vidas adolescentes al margen de la ley fue llevada al cine por José Antonio de la Loma. Curtido en los géneros de acción y policíaco, el director creó en torno al problema de la criminalidad juvenil toda una iconografía audiovisual que ha pervivido hasta la actualidad y que marcaría los inicios del denominado cine quinqui.
La insólita película que lo empezó todo: Perros callejeros
Tras bucear por las fichas policiales y entablar contacto directo con algunos de los rostros más buscados por la Justicia, De la Loma quedó impactado por las historias del número uno en el ranking de delincuencia juvenil: Juan José Moreno Cuenca, conocido como ‘El Vaquilla’. Éste llegó a convivir durante una semana con la familia del cineasta, quien decidió rodar un filme inspirado en las correrías del quinqui más famoso de Barcelona.
Aquella película llevó por título Perros callejeros y puso en el centro del relato a los propios delincuentes. Tanto es así que el reparto estuvo encabezado por los mismos adolescentes que copaban las páginas de sucesos en los diarios y revistas. De la Loma quiso que ‘El Vaquilla’ protagonizase el largometraje, pero las continuas entradas y salidas de prisión imposibilitaron que pudiese participar en la producción. Así fue cómo el papel principal de Perros callejeros recayó en otro nombre fichado por la policía: Ángel Fernández Franco, alias ‘El Trompetilla’.
Rebautizado en la cinta como ‘El Torete’ —en un claro homenaje al apodo de Moreno Cuenca—, Fernández Franco se interpretó a sí mismo en una película en la que éste y una pandilla de quinceañeros se dedican a robar bolsos, dar palos en tiendas y a entrar y salir de los correccionales.
El resultado fue una insólita cinta en la que convivían el realismo y el cine de explotación. Mientras que el desparpajo de los actores no profesionales y las localizaciones aportaron naturalidad y autenticidad a la historia, las espectaculares persecuciones y la inclusión de escenas explícitas de sexo y drogas saciaron el morbo de un público deseoso de ver imágenes prohibidas durante décadas por la censura franquista.
Al margen del cine que se hacía y de la idílica visión de la Transición, De la Loma apadrinó con Perros callejerosun subgénero de denuncia social en el que, sin renunciar a ciertas cotas de sensacionalismo, mostró con crudeza una verdad silenciada en la época: la delincuencia juvenil.
Trilogía de culto
El largometraje tuvo una gran acogida entre el público; principalmente entre la población joven, que sintió la película como un reflejo de la realidad con la que convivían. Fue uno de los más taquilleros el año de su estreno, y recaudó centenares de millones de pesetas. Tal fue el éxito que se realizaron dos títulos más: Perros callejeros II y Los últimos golpes de ‘El Torete’ (Perros callejeros III).
Ambas secuelas daban continuidad al historial delictivo de ‘El Torete’. Para entonces, personaje y actor ya formaban parte del imaginario colectivo, popularidad que quedó especialmente representada en la segunda parte de la trilogía. Además de hacer coincidir en pantalla a ‘El Trompetilla’ con ‘El Vaquilla’ (interpretado por Bernard Seray) mediante espectaculares escenas de acción, Perros callejeros II hizo un guiño a la mitificación del quinqui que se enfrentaba al sistema y luchaba por su libertad; convirtiéndose en un (anti)héroe, dentro y fuera de la gran pantalla.
La tercera entrega cerró el arco con ‘El Torete’ y ‘El Vaquilla’ (de nuevo interpretados por Fernández Franco y Seray) pugnando por ver quién protagoniza las persecuciones y atracos más alocados. Adulterada con más secuencias de acción y sexo, la película también introdujo hilarantes episodios cómicos al tiempo que plasmó las distintas posturas de los medios de comunicación a la hora de abordar la delincuencia juvenil.
Colección de cine quinqui
Perros callejeros sentó las bases de una corriente del cine español que no ha perdido un ápice de su popularidad y convirtió a De la Loma en padre del cine quinqui. Con la llegada de la trilogía al catálogo de la plataforma especializada en cine español, FlixOlé facilita el acceso del público a estas películas de culto que han marcado a varias generaciones. Y lo consigue haciendo coincidir el estreno de las tres películas de ‘El Torete’ con la presentación de una colección dedicada al cine quinqui.
La biblia en pasta (Manuel Summers, 1984). Int: Celedón Parra, Annete Neils, José Rivera. España. 35mm. Color. 87´
El valle de los hombres de piedra (Perseo L´invincible, Alberto De Martino, 1963). Int: Richard Harrison, Ángel Jordán, Anna Ranalli. Italia. DCP. VE. Color. 95´
La biblia en pasta surgió en la mente de Manuel Summers como una gran parodia histórica en la línea de Mel Brooks o los Monty Python, imaginándose incluso un reparto internacional de primera línea. La financiación no dio para tanto y tras el éxito de su trilogía ¡To er mundo é güeno! (1982), To er mundo e… ¡mejó! (1983) y To er mundo e… ¡demasiao! (1984) filmadas con actores no profesionales y cámara oculta mucho antes de que existieran los reality shows, parecía lógico adaptar la Biblia a ese modelo. El resultado es una locura tan irreverente como surrealista, que hace de la precariedad y el absurdo de la producción su mejor baza. Desde la primera secuencia, Summers cabalga entre la realidad y la ficción, mediante sketches que desarman por completo las fantasías bíblicas con actores y actrices insólitos, imposibles, mezclados con algunos secundarios no menos peculiares. Por supuesto, los efectos especiales, decorados y localizaciones pasan también por esa desmitificación radical, mostrando sin pudor las costuras de una producción de serie Z. Demasiada osadía para el público de la época, que le dio la espalda impidiendo que continuara la saga con la anunciada La Biblia en verso.
Las pelis de romanos o peplum era otro de los clásicos de las carteleras pascuales, por aquello de la cercanía con las escrituras, aunque El valle de los hombres de piedra raramente contentaría a ningún apóstol. Tenemos guaperas en falditas –Richard Harrison en plena forma– batallas a caballo y decorados con transparencias del gran Emilio Ruiz, pero también efectos especiales de Amando de Ossorio y a Carlo Rambaldi dando vida a un dragón artrítico y una medusa que más parece una víctima de Godzilla. La presencia entre los guionistas de José Mallorquí, creador de El Coyote, explica estos deslices tan pulp y tan poco ortodoxos. Dirige además Alberto De Martino, fundamental figura de la serie B italiana.
Presentación cargo de Alex Mendíbil, comisario de <>. Duración de la presentación: 10’ (Total sesión: 190´).
El ciclo Fassbinder y compañía propone un recorrido por las adaptaciones literarias del cineasta alemán y su reconfiguración de los textos clásicos
La selección Adaptaciones desplazadas analizará la transformación de obras literarias en películas más allá de la ilustración de los textos originales
Cineteca celebra los 50 años de dos adaptaciones icónicas: Barry Lyndon, de Stanley Kubrick, y Saló o los 120 días de Sodoma, de Pasolini
A través de títulos como Los clowns, de Fellini, o Big Fish, de Tim Burton, se explorará la fascinación compartida entre cine y circo por el riesgo, la destreza y el asombro
La muestra Romaníes detrás de la cámara da visibilidad a la obra de cineastas gitanos contemporáneos a través de documentales, ficciones y ensayos cinematográficos
Proyecciones especiales en el Día del Libro, un encuentro con el director Eugenio Mira y las propuestas de Cineteca en familia completan la oferta de abril
Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento, dedica el mes de abril a explorar los múltiples diálogos entre el cine y la literatura. A través de una variada selección de películas, ciclos temáticos y eventos especiales, la programación abordará distintas formas en que la literatura se entrelaza con la imagen cinematográfica, desde adaptaciones canónicas hasta experimentaciones formales que desafían los límites del lenguaje escrito.
Fassbinder y compañía (Episodio 1): la adaptación como confrontación
El cine de Rainer Werner Fassbinder se caracterizó por una mirada ferozmente crítica a la sociedad y un constante diálogo con la literatura. En sus adaptaciones no se limitaba a trasladar textos al cine, sino que los desmontaba y reconstruía desde una óptica propia. Este ciclo, organizado en colaboración con el Goethe-Institut, revisa algunas de sus adaptaciones más emblemáticas, en las que el cineasta alemán transforma los textos en intensos dramas sobre la exclusión, el deseo y el poder.
A lo largo del programa, se analizarán títulos como Querelle (Alemania, 1982), basada en la novela de Jean Genet, donde la estilización extrema y la teatralidad subrayan la tensión entre lo prohibido y lo reprimido; o Todos nos llamamos Alí (Alemania, 1974), una de las películas emocionalmente más poderosas del director, que contiene una crítica despiadada a la sociedad alemana y sus prejuicios.
Coincidiendo además con la representación de la obra teatral homónima, dirigida por Rakel Camacho en Nave 10 Matadero hasta el 20 de abril, Cineteca proyectará el sábado 5 Las amargas lágrimas de Petra Von Kant (Alemania, 1972), un estudio del deseo y el poder en una relación lésbica. Completan el ciclo, entre otros títulos, El asado de Satán (Alemania, 1976), Un año con trece lunas (Alemania, 1978), El matrimonio de María Braun (Alemania, 1979) o Lola (Alemania, 1981).
Adaptaciones desplazadas: la literatura como punto de partida
Comisariado por el cineasta y videoartista Guillermo G. Peydró, este ciclo aborda las adaptaciones que, a diferencia de las versiones convencionales, emplean la literatura como punto de partida para explorar otros caminos narrativos.
La selección incluye títulos El día de la bestia (Álex de la Iglesia, España, 1995), una ingeniosa reinterpretación del relato del Anticristo y el Apocalipsis, con influencias de la literatura satánica y la tradición cristiana; Métamorphoses (Christophe Honoré, Francia, 2014); Fausto (Jan Švankmajer, República Checa-Francia-Reino Unido, 1994); Onirica: Field of Dogs (Lech Majewski, Polonia, 2014) y El retablo de las maravillas. Apuntes para una película sobre el Quijote, dirigida por el propio Guillermo G. Peydró en 2021.
Adaptaciones históricas: 50 años de Barry Lyndon y Saló o los 120 días de Sodoma
En 1975, Stanley Kubrick y Pier Paolo Pasolini estrenaron dos adaptaciones literarias que redefinieron el concepto de cine basado en textos clásicos. En Barry Lyndon (Reino Unido, 1975), Kubrick trasladó la novela de William Makepeace Thackeray a una obra visualmente deslumbrante, donde la luz natural y la composición pictórica transformaron la historia en una experiencia única. Por otro lado, Saló o los 120 días de Sodoma (Pier Paolo Pasolini, Italia-Francia, 1976) llevó la obra del Marqués de Sade a una visión brutal sobre el poder y la degradación humana. Medio siglo después, estas dos películas siguen generando impacto y debate, reafirmando la capacidad del cine para expandir y reinterpretar la literatura.
Cine y circo: el espectáculo del riesgo y la magia
El cine y el circo han compartido, desde sus orígenes, el asombro por lo excepcional. Desde el cine mudo hasta las grandes producciones contemporáneas, este ciclo recorre las múltiples maneras en las que el séptimo arte ha retratado el mundo circense. A través de títulos que van desde Los clowns (Federico Fellini, Italia-Francia-Alemania, 1970) hasta Sombras y niebla (Woody Allen, EE.UU., 1991), pasando por El circo (Charlie Chaplin, EE.UU., 1928), la muestra celebra este arte como un espacio de ilusión y emoción, pero también de lucha y supervivencia. Completa el ciclo El sol del futuro (Italia, 2023), donde Nanni Moretti entrelaza la historia política de Italia con la creación artística.
Romaníes detrás de la cámara: el cine gitano del siglo XXI
Este ciclo, comisariado por Rafael Buhigas Jiménez y Lidia Merás, busca dar visibilidad a cineastas gitanos contemporáneos que han desafiado los estereotipos tradicionales y han construido nuevas formas de representación. Desde biopics de artistas hasta relatos sobre la discriminación y la resiliencia, las películas seleccionadas celebran la diversidad y riqueza de esta cinematografía emergente. Destacan, entre otras, Chaplin. Espíritu gitano (Carmen Chaplin, España-Reino Unido-Países Bajos, 2024) o Carmen, sin miedo a la libertad (Irene Baqué, España, 2023), una reinterpretación documental y feminista del mito literario de Carmen, la icónica protagonista de la novela de Prosper Mérimée.
Día del Libro: cine y literatura en diálogo
Cineteca Madrid se une a la celebración del Día del Libro con proyecciones y encuentros que exploran la relación entre literatura y cine. Entre las películas programadas destacan los estrenos de Cien libros juntas (Marga Melià, España, 2024), un documental sobre los clubes de lectura como espacios de resistencia cultural, y Un hombre libre (Laura Hojman, España, 2024), un retrato del novelista exiliado Agustín Gómez Arcos. También se proyectará Miocardio (José Manuel Carrasco, España, 2024), una exploración sobre la autoficción y la identidad, protagonizada por Marina Salas y Vito Sanz. Después de cada sesión se celebrarán coloquios con cineastas y escritores que ampliarán la reflexión sobre la influencia mutua entre ambos lenguajes.
Encuentro con Eugenio Mira: In the Name of Lol
El mes de abril también acoge el estreno de la versión restaurada y ampliada de The Birthday (España, 2004), la ópera prima de Eugenio Mira. Este filme de culto, difícil de clasificar, combina terror, comedia y artificio para crear una experiencia cinematográfica única. Eugenio Mira ofrecerá un encuentro con el público el jueves 10 de abril, en el que compartirá sus influencias, referencias y procesos creativos a través de material inédito y piezas cortas nunca vistas.
Cineteca en familia: el universo de Tim Burton
Aprovechando la confluencia de los ciclos Adaptaciones desplazadas y Cine y circo, Cineteca Madrid propone un recorrido por el imaginario de Tim Burton a través de cuatro de sus adaptaciones más representativas. Frankenweenie (EE.UU.-Reino Unido, 2012), reinterpreta el universo de Mary Shelley en clave de homenaje al cine clásico de terror, mientras que Sleepy Hollow (EE.UU.-Reino Unido-Alemania, 1999), estiliza el relato de Washington Irving con una puesta en escena barroca y expresionista, con Johnny Depp y Christina Ricci como protagonistas.
En Dumbo (EE.UU.-Reino Unido-Canadá-Australia, 2019) y Big Fish (EE.UU., 2003), el mundo del circo se convierte en un escenario de asombro y extrañeza, donde lo fantástico y lo melancólico se entrelazan para dar forma a fábulas sobre la diferencia y la imaginación. Un programa pensado para disfrutar en familia de un cineasta que ha hecho de la fantasía y el artificio su sello inconfundible.
CineZeta: la identidad en la era digital
El joven equipo de programadores CineZeta propone en el mes de abril una nueva exploración sobre la identidad en la era digital para las tardes de sábado. A través de una selección de ocho obras, este ciclo invita a reflexionar sobre el impacto de Internet en la construcción de nuestra percepción del mundo y de nosotros mismos.
Estrenos y secciones habituales
Hasta 13 estrenos llegan a las pantallas de Cineteca en abril, con títulos como Misericordia (Alain Guiraudie, Francia, 2024), ganadora de la pasada Seminci a la Mejor Película y Mejor Guion, y ¡Caigan las rosas blancas! (Albertina Carri, Argentina, 2025). En ‘Pases Especiales’, el documental Inés, hermana mía se suma a las secciones habituales como ‘La noche Z’, que proyectará La noche del ejecutor (Paul Naschy, España, 1992); en la sección ‘Así son las cosas’, la videoartista Ana Esteve propone Cielo azul artificial, mientras que el apartado ‘Relatos del ruido’ exhibirá Veinte años de IN-SONORA, sobre la Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo. Ciclo DOCMA completa la programación con Código Marcos, de Liena Cid Navia y Patricia Pérez Fernández.
Scott Cummings dirige este documental arty que se sumerge en la vida cotidiana y los rituales de algunos representantes de la Iglesia de Satán, la organización religiosa fundada por Anton Szandor LaVey en los años 60.
El próximo viernes 4 de abril Filmin estrena, en exclusiva en plataformas digitales en España, el documental «El reino de Satán», escrito, dirigido y montado por el estadounidense Scott Cummings. Presentado en los festivales de Sundance y Sitges, entre otros, la película se compone de una sucesión de tableaux vivants que retratan el día a día de diversos miembros de la Iglesia de Satán, una organización religiosa con estatus legal reconocido en Estados Unidos, fundada en 1966 por Anton Szandor LaVey en San Francisco. De enorme popularidad a finales del siglo XX, este culto se caracteriza no solo por su adoración a Satán, sino también por promover un estilo de vida basado en el individualismo y la gratificación personal, rechazando la autoridad externa y las creencias espirituales tradicionales.
Cummings, que fue niño en los años 80, recuerda la influencia que el satanismo tenía entonces en Estados Unidos: «Conocía a fondo la Iglesia de Satán por el Satanic Panic que se vivía en mi infancia. Es una locura recordar que la gente ponía los discos de New Kids on the Block al revés buscando mensajes satánicos. Dragones y mazmorras era satánico también…«. De hecho, el director afirma que siendo niño le acusaron de ser satanista: «El satanismo estuvo presente en mi vida desde que fui un niño metalero. Un niño desconocido de mi escuela me acusó de vender Biblias Satánicas. Ni siquiera sabía qué era eso. Yo era más bien católico. Pero pensé: ¡Ah, sí, ese soy yo!»
«El reino de Satán» no pretende profundizar ni hacer pedagogía sobre qué es la Iglesia de Satán, sino más bien retratarla usando técnicas propias del cine experimental para construir algo así como un misterio a su alrededor: «Vivimos en un mundo donde tienes acceso ininterrumpido a toda la información que quieras. Poder darle a alguien esta experiencia de misterio es como un regalo«, explica el director. El enfoque agradó a los miembros de la Iglesia de Satán, con el Sumo Sacerdote Peter H. Gilmore al frente, que ya se habían exhibido en otros reportajes y documentales anteriores («An American Satan», de Aram Garriga, disponible en Filmin, es uno de los más destacados), pero que abrazaron el enfoque original de Cummings: «La idea de que la película era en gran medida un objeto estético conectó con ellos. Una de las reglas cardinales del satanismo es que hay que presentar las cosas estéticamente.»
Con un influjo evidente del cine de James Benning y de la escuela documental austriaca (con Ulrich Seidl al frente), la película abraza la contemplación pero no desestima los trucajes y efectos visuales, como sobreexposiciones y trucos de montaje, más propios de un cine pretérito. «Los Satanistas son muy fanáticos del terror de monstruos de Universal. La idea de usar efectos especiales al estilo de Lon Chaney encaja a la perfección con su estética«, afirma Cummings: «Cuando presenté la película —es tan pretencioso que lo diré sin rodeos, porque es una buena frase— dije: Es como un documental al estilo de Méliès, no de Lumière», concluye el director.
El ciclo ‘Giallo’ presenta las cintas ‘Vicios prohibidos’ y ‘El gato negro’, títulos emblemáticos del género de terror transalpino.
El director Luigi Cozzi asistirá a la proyección de ‘El gato negro’.
El Festival Atlántico de Género Negro Tenerife Noir celebra su décima edición con una programación cinematográfica que incluye un ciclo dedicado al giallo italiano, un subgénero de terror y misterio caracterizado por su estética provocadora, tramas truculentas y una fuerte carga sensual. Bajo el título “Todos los colores del Noir: Giallo”, se proyectarán dos títulos emblemáticos: Vicios prohibidos y El gato negro, en el Espacio Mutua Tinerfeña de La Laguna, con entrada libre hasta completar aforo.
La primera de las sesiones tendrá lugar el jueves 27 de marzo, de 18:30 a 21:00, con la proyección de Vicios prohibidos (Il tuo vizio è una stanza chiusa e solo io ne ho la chiave, 1972), dirigida por Sergio Martino. Este thriller psicológico gira en torno a un escritor alcohólico y violento que se ve envuelto en una serie de crímenes tras la muerte de su joven amante. Con música de Bruno Nicolai, fotografía de Giancarlo Ferrando y un reparto encabezado por Edwige Fenech, Anita Strindberg y Luigi Pistilli, la película adapta libremente relatos de Edgar Allan Poe. La sesión será presentada por la especialista en cine Sonia Cabrera.
Al día siguiente, viernes 28 de marzo, se proyectará El gato negro (Il gatto nero, también conocida como De Profundis, 1989), obra de Luigi Cozzi, que reinterpretó el universo de Poe desde una perspectiva fantástica y sobrenatural. En ella, una antigua bruja regresa del más allá para atormentar a una pareja de cineastas, en una historia que mezcla terror esotérico y metacine. El reparto incluye a Florence Guérin, Urbano Barberini, Caroline Munro y Brett Halsey, con música de Vince Tempera y fotografía de Pasquale Rachini. La presentación correrá a cargo del especialista y consigliere del festival Pedro Mérida, acompañado por el propio Luigi Cozzi, que asistirá al pase.
Antes de la proyección del viernes, de 17:00 a 19:00, el ciclo se completa con una mesa de presentación de novedades literarias a cargo de destacados autores del panorama negro nacional, entre ellos Santiago Díaz y Nagore Suárez, entrevistados por Elizabeth López.
El giallo, cuyo nombre hace referencia al color amarillo de las portadas de las antiguas novelas de misterio italianas, vivió su época dorada en los años 70 y sigue despertando fascinación por su combinación de suspense, erotismo y horror estilizado. Este ciclo ofrece una oportunidad única para redescubrir dos de sus títulos más representativos en pantalla grande y con invitados de excepción.
La representación del autismo en el cine convencional ha sido codificada en narrativas que presentan al autista como un personaje con habilidades excepcionales que desequilibra la vida de los protagonistas. Sin embargo, en el cine experimental existen obras que han tratado de abordar el autismo mediante formas atípicas. Este es el caso de las películas de Robina Rose, Mike Hoolboom o Arthur y Corine Cantrill que reúne este programa, en donde a partir del documental o la animación se exploran diferentes estructuras no narrativas para representar la neurodivergencia desde una perspectiva autista.
En Jigsaw (1980) Robina Rose examina las actividades de un grupo de niños autistas en una escuela de Londres. A través del uso de planos detalle, secuencias largas, del color y del sonido, la cineasta desafía a la audiencia a adentrarse en la percepción sensorial y emocional desde el interior de una persona autista, donde los sonidos desempeñan un papel más importante que el lenguaje.
Scrapbook (2015), de Mike Hoolboom, está creada a partir de una película del año 1966 encontrada en un centro de desarrollo para niños y adolescentes autistas. El film formaba parte de un proyecto de retrato colectivo mediante el cual los residentes aprendían a verse a sí mismos. Cincuenta años después, Hoolboom revisa el material, presentando, a su vez, el relato de una de sus antiguas residentes, Donna Washington, una mujer autista que mira hacia esas imágenes y narra lo que significó para ella que una cámara habitara el espacio de esa institución.
Myself when Fourteen (1989), de Arthur y Corinne Cantrill, se realizó en colaboración con su hijo autista, reciclando un par de tomas en blanco y negro de Ivor corriendo delante de la cámara, rotoscopiadas por él mismo con colores que cambian continuamente. Los dibujos animados se integran con las imágenes negativas y positivas originales con la ayuda de una impresora óptica, creando patrones de blanco, negro y color y generando así un efecto hipnótico. En la banda sonora Ivor describe el proceso de rotoscopia y rememora el momento en que hizo esas imágenes, sorprendiéndose por la distancia entre las dos versiones de sí mismo, artista y sujeto.
Jigsaw, Robina Rose, 1980, 16 mm, 67 min; Scrapbook, Mike Hoolboom, 2015, 16 mm y vídeo digital, 19 min; Myself when Fourteen, Arthur y Corine Cantrill, 1989, 16 mm, 19 min.
Proyección en digital.
Copias procedentes de BFI, Light Cone y Arsenal, respectivamente.
Fecha: 13 abril 2025
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
El volumen, escrito por el crítico e historiador Carlos F. Heredero, editado junto a Caimán Cuadernos de Cine y que cuenta con la colaboración del festival de San Sebastián, propone un análisis crítico en profundidad del filme que es Película de Oro en la 28.ª edición de Málaga y que inaugurará la sección Klasikoak del certamen donostiarra
La publicación se presenta, con la participación de su autor, el lunes 17 de marzo en el Festival de Málaga y el viernes 21 de marzo el Cine Doré de Madrid
El 8 de septiembre de 1975 se estrenó en el cine Amaya de Madrid ‘Furtivos’, hoy considerada la obra maestra de José Luis Borau. 50 años después, es la Película de Oro del 28 Festival de Málaga, festival que se celebra hasta el próximo 23 de marzo, e inaugurará la sección Klasikoak de la próxima edición del Festival de San Sebastián. A este homenaje se suma un libro editado por Filmoteca Española —organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico— el Festival de Málaga y DAMA (Derechos de Autor de Medios Audiovisuales), en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine y el Festival de San Sebastián.
Dirigida y escrita por José Luis Borau, en colaboración con Manuel Gutiérrez Aragón, ‘Furtivos’ está protagonizada por Ovidi Montllor, Lola Gaos y Alicia Sánchez. La exhibición de ‘Furtivos’ estuvo tan condicionada por las autoridades franquistas que fue desestimada por los festivales de Cannes y Berlín. Fue mejor recibida en San Sebastián, punto de partida de su rotundo éxito de crítica y público, donde recibió la Concha de Oro a la mejor película y el Premio Perla del Cantábrico al mejor largometraje de habla hispana. También logró el reconocimiento en los Premios del Círculo de Escritores Cinematográficos, los Fotogramas de Plata y el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias.
El libro ‘Furtivos. 50 años’, de Carlos F. Heredero, vuelve a la película para documentar de manera fehaciente, por primera vez, la intrahistoria de tan singular proyecto: la cronología, las cifras, los papeles, la escritura del guion, el plan de producción, los dineros, los contratos, las localizaciones, las incidencias del rodaje, las actas de la censura, las conversaciones con los festivales, la distribución, la taquilla, su circulación internacional, las controversias y las amenazas, etc.
La radiografía ofrece nuevas perspectivas para enmarcar el filme en el contexto social, político y cultural del que surge, entre la criminal agonía de la dictadura franquista y las luchas que preparan la Transición a la democracia.
A su vez, el análisis de sus imágenes —herederas de Buñuel y de Goya, de la Castilla feroz de Gutiérrez Solana y del tremendismo de Cela— permite comprender la compleja naturaleza de su discurso y de sus formas. Una entrevista con Borau rigurosamente inédita hasta ahora, en torno a la película, completa la investigación.
Presentación en el Festival de Málaga y en el Cine Doré de Madrid
El lunes 17 marzo (17.30 h) y el viernes 21 de marzo (20.30 h), el Auditorio Christine Ruiz-Picasso del Museo Picasso de Málaga, —sede del Festival de Málaga— y el Cine Doré de Madrid —sala de proyecciones de Filmoteca Española— acogerán la presentación del libro ‘Furtivos. 50 años’ de Carlos F. Heredero. Tras la presentación, se celebrará la proyección de la película en su versión restaurada (Furtivos, José Luis Borau, 1975), seguida de un breve corte que recoge un final alternativo inédito. La nueva copia de la película en 4K, versión que se proyectará también en San Sebastián, ha sido realizada por la distribuidora Video Mercury Films en colaboración con la plataforma FlixOlé. Para su proceso de restauración, se ha utilizado el negativo original en 35 mm y se ha contado con la supervisión del cineasta y coguionista de la película, Manuel Gutiérrez Aragón.
«Twin Peaks» y «Twin Peaks: A Limited Event Series» llegan a Filmin para completar el amplio catálogo de la plataforma alrededor de David Lynch
La icónica serie original creada en 1990 por David Lynch y Mark Frost, así como la serie limitada de 2017, llegan a la plataforma el 25 de marzo.
Filmin añadirá a su catálogo el próximo 25 de marzo “Twin Peaks”, sin lugar a dudas una de las series más innovadoras e influyentes de la historia de la televisión. Tras el acuerdo alcanzado con Paramount Global Content Distribution, la plataforma española ofrecerá a sus suscriptores las dos temporadas de la serie, estrenadas a principios de los años 90, y “Twin Peaks: A Limited Event Series”, su sonado regreso, 25 años después, emitido en 2017 en SHOWTIME®.
Nacida de la imaginación del mundialmente reconocido director David Lynch y el productor ejecutivo Mark Frost, “Twin Peaks” gira en torno al agente del F.B.I. Dale Cooper (Kyle MacLachlan), quien llega a la pintoresca ciudad maderera de Twin Peaks para investigar el asesinato de Laura Palmer, una hermosa y popular estudiante de secundaria. Mientras investiga, el agente Cooper conoce a los habitantes de la zona, sus comportamientos extraños, y poco a poco descubre las cosas extrañas que suceden en el pueblo. Lynch y Frost crearon, escribieron y produjeron ejecutivamente la serie original.
Dirigida enteramente por David Lynch, “Twin Peaks: A Limited Event Series” retoma la acción 25 años después de que los habitantes de Twin Peaks quedaron conmocionados por el asesinato de Palmer. La serie limitada, de 18 episodios, fue escrita y producida ejecutivamente por los creadores David Lynch y Mark Frost, y producida ejecutivamente por Sabrina S. Sutherland. Ambas series son distribuidas internacionalmente por Paramount Global Content Distribution.
Con estas incorporaciones, Filmin completa su amplio catálogo alrededor de la obra de David Lynch, fallecido el pasado 16 de enero y uno de los artistas más relevantes de la historia del séptimo arte. La colección incluye sus largometrajes “Cabeza borradora” (1977), “El hombre elefante” (1980), “Terciopelo azul” (1986), “Corazón salvaje” (1990), “Carretera perdida” (1997), “Una historia verdadera” (1999), “Mulholland Drive” (2001) e “Inland Empire” (2006), así como algunos de sus cortos más conocidos. Además, los fans más completistas tienen disponibles dos obras nacidas del éxito de “Twin Peaks”: el largometraje “Twin Peaks: Fuego camina conmigo” (1992), estrenado en el Festival de Cannes, y “Twin Peaks: Las piezas desaparecidas” (2014), una compilación de escenas eliminadas de la serie y la película que desvela nuevas pistas sobre el asesinato de Laura Palmer. Completan la colección los documentales “The First Image: David Lynch / Marco Bellocchio” (2019) y “Lynch/Oz” (2022. Estreno en Filmin el 21 de marzo), una película de Alexandre O. Philippe que analiza la influencia de “El mago de Oz” (Victor Fleming, 1939) en la obra de David Lynch.
El 20 de marzo se cumplen 70 años del nacimiento de Seminci en 1956
La selección incluye obras de Fellini, Kiarostami, Truffaut, Zhang Yimou, Atom Egoyan, Lars von Trier, Haneke, Bergman y Tarkovski, entre otros
Las actividades conmemorativas se extenderán a lo largo del año, poniendo en valor el patrimonio documental del festival e impulsando la participación del público
La Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) iniciará en abril la celebración de su 70º aniversario con un ciclo retrospectivo que recupera algunas de las obras maestras del cine mundial que encontraron en este festival su puerta de entrada a España. El ciclo, que se proyectará en los Cines Broadway hasta diciembre, estará compuesto por 24 títulos seleccionados por los programadores del certamen entre los largometrajes presentados y, en su mayoría, premiados durante sus 70 años de vida.
Los actos de conmemoración de los 70 años del nacimiento del festival, el 20 de marzo de 1956, girarán en torno a dos ejes fundamentales: la memoria histórica de Seminci y la participación del público. Por un lado, se revisitarán las cinematografías, cineastas y temáticas que han marcado sus siete décadas de trayectoria a través de su valioso legado fotográfico y documental. Por otro, se abrirá una convocatoria para que el público comparta sus recuerdos del festival, mediante imágenes, vídeos o anécdotas sobre películas que dejaron huella en sus vidas, encuentros con cineastas o espacios emblemáticos de proyección en el pasado.
El 70º aniversario también tendrá un lugar destacado en la próxima edición de Seminci, que se celebrará del 24 de octubre al 1 de noviembre, con publicaciones, retrospectivas y mesas redondas que profundizarán en la historia del festival.
Siete décadas de cine en una veintena de obras maestras
El ciclo retrospectivo ‘70 años de Seminci. Una cierta historia del cine de autor’pretende celebrar la evolución de Seminci desde su fundación en 1956, destacando su apuesta constante por un cine de calidad, innovador y comprometido con la realidad social. Además, como reconocimiento a la fidelidad del público de Seminci, algunas de las películas serán presentadas por espectadores que las vieron en su estreno en el festival.
La selección de títulos pone en valor el papel de Seminci como plataforma de descubrimiento del cine de autor en España, al elegir películas cuya inclusión en el certamen sirvió de puerta de entrada en España de grandes autores del cine mundial, desde Atom Egoyan a Ermanno Olmi. El objetivo ha sido evidenciar la variedad y la calidad en la programación del festival a lo largo de su historia, a la vez que romper así con los clichés habituales sobre su identidad, mostrando la profundidad y diversidad de su propuesta cinematográfica y de los largometrajes que fueron premiados por los jurados.
El recorrido por la historia del cine de autor que propone la retrospectiva refleja el compromiso histórico de Seminci con un cine humanista de marcada pulsión social y política, incluso durante sus primeros años como festival de cine religioso y de derechos humanos en plena dictadura.
Entre los títulos seleccionados figuran joyas cinematográficas como Las noches de Cabiria, de Federico Fellini, que abrirá las proyecciones; Un condenado a muerte se ha escapado, de Robert Bresson,El manantial de la doncella, de Ingmar Bergman, y Sacrificio, de Andrei Tarkovski, obras fundamentales que abordan temáticas sociales profundas como la prostitución, la privación de libertad y reflexiones filosóficas sobre la existencia y la espiritualidad humanas.
Además, se ha procurado incorporar el mayor número posible de directoras, en reconocimiento a la desigualdad de género existente en la historia del festival debido al contexto de la época. La programación pone especial énfasis en recuperar el trabajo de directoras pioneras como Věra Chytilová con Hablemos de otra cosa y Márta Mészáros con La muchacha, cineastas que, aunque no recibieron reconocimiento en su momento, son consideradas hoy figuras esenciales de la modernidad cinematográfica por su capacidad de innovación y subversión.
También forman parte de la retrospectiva Kes, de Ken Loach, y La promesa, de Jean- Pierre y Luc Dardenne, cineastas estrechamente ligados a la identidad de Seminci por su compromiso con un cine político, además del musical Jesucristo Superstar, de Norman Jewison, que tuvo su estreno español en este festival. Completan el ciclo trabajos procedentes de autores de un amplio panorama geográfico Lars von Trier,Paul Schrader, Zhang Yimou, Jane Campion, Sergio Cabrera, Andrzej Wajda, Abbas Kiarostami, Terence Davies, Lone Scherfig, Agnieszka Holland y Milos Forman.
La vitrina del mes: un viaje a la memoria de Seminci
El 70 aniversario supone también una oportunidad para redescubrir el importante legado fotográfico y documental del Festival, generado a lo largo de siete décadas y custodiado por el Archivo Histórico Provincial de Valladolid. A partir de abril, el público que visite Espacio Seminci podrá sumergirse en la historia del certamen a través de la iniciativa ‘La vitrina del mes’, una muestra de postales, sellos, publicaciones, imágenes y otros objetos de películas seleccionadas, así como de momentos clave de cada década del festival, que variará cada mes.
Con esta programación especial, Seminci reafirma su compromiso con la memoria del cine de autor y con el público que ha acompañado su evolución, invitando a todos a revivir juntos la historia de uno de los festivales más emblemáticos del cine independiente.
Títulos del ciclo ‘70 años de Seminci. Una cierta historia del cine de autor’
Las noches de Cabiria, de Federico Fellini (Italia, 1957)
Un condenado a muerte se ha escapado, de Robert Bresson (Francia, 1956)
El manantial de la doncella, de Ingmar Bergman (Suecia, 1959)
El empleo, de Ermanno Olmi (Italia, 1961)
Hablemos de otra cosa, de Věra Chytilová (Checoslovaquia, 1964)
La muchacha, de Márta Mészáros (Hungría, 1968)
El pequeño salvaje, de François Truffaut (Francia, 1970)
Kes, de Ken Loach (Reino Unido, 1970)
Jesucristo Superstar, de Norman Jewison (Estados Unidos, 1973)
Alguien voló sobre el nido del cuco, de Milos Forman (Estados Unidos, 1975)
Blue Collar, de Paul Schrader (Estados Unidos, 1978)
Las señoritas de Wilko, de Andrzej Wajda (Polonia, Francia, 1979)
Sacrificio, de Andrei Tarkovski (Suecia/Francia/Reino Unido, 1986)
Voces distantes, de Terence Davies (Reino Unido, 1988)
Semilla de crisantemo, de Zhang Yimou (China, Japón, 1989)
Un ángel en mi mesa, de Jane Campion (Nueva Zelanda, 1990)
El liquidador, de Atom Egoyan (Canadá, 1991)
La estrategia del caracol, de Sergio Cabrera (Colombia/Italia, 1993)
A través de los olivos, de Abbas Kiarostami (Irán/Francia, 1994)
La promesa, de Jean Pierre y Luc Dardenne (Bélgica/Francia/Luxemburgo/Túnez, 1996)
Bailar en la oscuridad, de Lars von Trier (Dinamarca/Suecia/Francia, 2000)
Italiano para principiantes, de Lone Scherfig (Dinamarca, 2000)
Caché (Escondido), de Michael Haneke (Francia/Austria/Alemania/Italia, 2005)
In Darkness, de Agnieszka Holland (Alemania, Polonia, Canadá, 2011)
El francés Olivier Assayas (“Personal Shopper”) hace un retrato de sí mismo en esta comedia dramática ambientada en los días del Covid.
Filmin estrena el próximo 21 de marzo, en exclusiva en plataformas digitales, “Tiempo compartido”, la nueva película de Olivier Assayas (“Personal Shopper”, “Viaje a Sils Maria”) que tuvo su premiere mundial en la Sección Oficial de la Berlinale y fue seleccionada en la SEMINCI. Además, pasó por cines españoles el pasado noviembre de la mano de ADSO Films.
Protagonizan la historia Vincent Macaigne (“Crónica de un amor efímero”) y Nora Hamzawi (“Dobles vidas”), colaboradores habituales del cine de Assayas que ya compartieron plano en “Dobles vidas” (2018) y en la serie “Irma Vep” (2022). Junto a ellos, la pareja formada por Micha Lescot (“La gran juventud”) y Nine d’Urso (“El sucesor”) completan el reparto.
“Tiempo compartido” habla de la herencia cultural y familiar a través de cuatro personajes confinados en una casa de campo durante la primavera de 2020, en pleno Covid. El personaje principal, Paul (Macaigne), que se inspira en el propio director, es un cineasta maniático y nostálgico. Su hermano, Étienne (Lescot), es un crítico musical. Ambos, junto a sus respectivas parejas (Hamzawi y d’Urso), se encuentran en la casa familiar, lugar en el que pasaron su infancia y adolescencia. En el jardín que la rodea discuten, se emborrachan, leen libros de Gallimard y reviven fantasmas del pasado. Assayas lo explica así: “A menudo, y quizá siempre, hablo de fantasmas en mis películas. (…) Ni Paul ni Étienne están en casa; están en casa de sus padres. Ambos tienen una relación diferente con estos fantasmas. Étienne ha renovado su habitación para deshacerse del pasado. La ha modernizado. La ha devuelto al presente. Paul, en cambio, tiene una relación no resuelta con el pasado. Y en lugar de distanciarse de él, hace lo contrario, trabaja en sí mismo para sumergirse en el pasado y así poder lograr vivir en la habitación de su madre”.
La casa en la que se rodó es, de hecho, la vivienda real del director, quien comenta que fue él mismo el encargado de decorar las estancias: “He vivido con estos objetos, los conozco, sé de dónde vienen, sé cuándo los compró mi padre. (…) En el salón, hay un autorretrato de mi abuelo, un retrato de mi abuela hecho por mi abuelo, y luego una niña pequeña, mi madre, pintada por su padre. Es sin duda esta dimensión la que más me conmueve porque desordena el tiempo y el espacio”. Así, Assayas convierte lo autobiográfico en el motor de una comedia rohmeriana que, a través de la nostalgia, captura el espíritu de su generación de intelectuales.
Figura esencial del movimiento L.A. Rebellion, Haile Gerima investiga el caso de los Wilmington Ten, uno de los símbolos de la lucha racial en Estados Unidos. En 1971, en Wilmington, Carolina del Norte, se produjeron disturbios raciales cuando estudiantes afroamericanos luchaban por la desegregación y los derechos civiles. Durante las protestas, se desató un incendio y hubo una víctima mortal. Un grupo de diez personas, conocidas como los Wilmington Ten (siete afroamericanos y tres blancos), fueron arrestadas y condenadas a 282 años de prisión, en gran parte a partir de testimonios falsos y manipulados.
Con un montaje enérgico, la película sigue el caso y sus apelaciones legales, componiendo un collage de materiales de archivo y testimonios de los miembros del grupo, familiares, la activista Assata Shakur (filmada justo antes de su fuga de la prisión de Clinton) y diferentes voces de habitantes locales, en particular las mujeres negras de Wilmington. La estructura asociativa conecta las injusticias con los legados históricos de esclavitud y leyes de segregación, así como con masacres y violencia perpetrada por supremacistas blancos.
«Esta absorbente y profundamente empática película es una clase magistral en la filmación documental, que muestra el racismo del sistema de justicia penal, la opresión sistemática del activismo político y la resiliencia de generaciones de comunidades y familias negras que luchan contra estos sistemas.» – Mark Toscano
Apenas vista durante décadas, Wilmington 10 – USA 10,000 se proyecta en una nueva restauración del Academy Film Archive.
Wilmington 10 – USA 10,000, 1979, Haile Gerima, 16 mm, 120 min.
Proyección en DCP, VOSC.
Copia procedente del Academy Film Archive.
Agradecimientos: Mypheduh Films Inc. y Merawi Gerima.
Fecha: 20 marzo 2025
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Filmoteca Española arranca en marzo una programación en la que destacarán nombres de autoras nacionales e internacionales como Cecilia Bartolomé, Josefina Molina, Ana Mariscal, Sarah Maldoror o Dorothy Arzner; así como programas que buscan contribuir a sensibilizar y reflexionar sobre diferentes problemáticas actuales.
El programa incluirá proyecciones y coloquios en el Cine Doré y, de forma paralela a la celebración de la exposición sobre la Escuela de Cine, una sesión online que facilitará el acceso a materiales de archivo vinculados a la obra de las escasas cineastas que estudiaron en la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC), mujeres que fueron capaces de manera temprana de reflejar las reivindicaciones que el movimiento feminista abanderó en los siguientes años.
‘Iguales para crear, libres para vivir’ es el lema con el que el Ministerio de Cultura celebra el Día Internacional de la Mujer 2025. Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico, se suma a este lema con una programación cultural en la que destacan nombres de pioneras de nuestro cine y del cine internacional. Parte de este programa se enmarca dentro del Festival Ellas Crean, festival decano de la cultura creada por mujeres organizado por el Instituto de las Mujeres, organismo autónomo adscrito al Ministerio de Igualdad. La cita celebra su vigesimoprimera edición con el lema ‘Memoria y contemporaneidad’. En torno a la fecha del al 8-M, se celebrarán varias actividades en el Cine Doré. La sala de proyecciones de Filmoteca Española acogerá el ciclo Si nosotras paramos se para el mundo, programa vinculado al proyecto de investigación “Ritmos del trabajo femenino en la historia del arte y la cultura visual” de la Universidad de Barcelona, que reflexiona —entre otras cosas— sobre la precarización y la explotación laboral.
El ciclo anual Imágenes para un país en libertad. Cine, Ciudadanía y Democracia (1975–2025), organizado dentro del programa España en libertad. 50 años, se centrará en marzo en dos títulos que pusieron en valor la emancipación de la mujer al explorar cuestiones como la libertad sexual o el divorcio: Función de noche (Josefina Molina, 1981), y Vámonos, Bárbara (Cecilia Bartolomé, 1978).
Por lo que respecta a los ciclos internacionales, la retrospectiva Constelación Sarah Maldoror. La lucha continua atravesará la trayectoria de esta cineasta, poeta y activista francesa que dedicó su vida a poner en imágenes las dificultades y las luchas sociales del pueblo africano, indagando en su identidad, sus traumas coloniales y su proceso de liberación. El Doré recuperará, durante marzo y abril, algunos de sus trabajos imprescindibles, y los pondrá en diálogo con una serie de títulos más recientes realizados por jóvenes cineastas que han seguido su estela, como es el caso de Dahomey (2024), de Mati Diop, o Nome (2023), de Sana Na N’Hada.
Por su parte, el ciclo que celebra el centenario de Columbia Pictures, ´La dama de la antorcha´, incluirá el 8 de marzo la proyección de La mujer sin alma (1936) de Dorothy Arzner, cineasta pionera en Hollywood que alteró los roles femeninos en el cine y única mujer que siguió dirigiendo tras la llegada del sonoro, momento en que el sistema de estudios se volvió más restrictivo, con productores todopoderosos y gremios profesionales dominados por hombres.
Ruinas y rutinas. Instantes de cotidianeidad en el diario fílmico pondrá el foco en el trasunto fílmico de los diarios, proponiendo ampliar el espectro y significante de sus imágenes más allá de la mujer como sujeto pasivo delante de la cámara. ¿Cuál es la imagen cotidiana para las mujeres? ¿Cómo es la vida diaria desde una lente que sustituye sus ojos? El programa pone en cuestión las expectativas en torno a cuestiones como el amor y el matrimonio, presentando algunas de las formas en las que las cineastas a las que se les dedica el ciclo han elegido explorar su propia vida.
Junto a toda esta programación que podrá disfrutarse en el Cine Doré, la exposición Los 100 metros libres. Vida y milagros de la escuela de Cine (1947-1976) podrá seguir visitándose en marzo en la sala de exposiciones de Filmoteca Española. La muestra, que rinde homenaje al lugar en el que se formaron los grandes cineastas españoles de la segunda mitad del siglo XX, no olvida en su recorrido el peso específico que las mujeres tuvieron en la escuela. Aunque cuantitativamente fueron pocas y el machismo imperante les puso algunas trabas, lograron hacerse visibles y reivindicar su lugar en la sociedad fundamentalmente a través de su participación en los proyectos de dos especialidades: Interpretación y Dirección. En lo que a Interpretación respecta, Esmeralda Adam, Concha Gómez Conde, Luisa Muñoz Schneider, Mercedes Juste, Julia Peña o Victoria Vera, entre otras, crearon, en algunos casos, personajes femeninos que poco o nada tenían que ver con el modelo de mujer que fomentaba el régimen de Franco. Mujeres fuertes, desprejuiciadas y desafiantes que plantaron cara a ese machismo que impregnaba la sociedad. En cuanto a la especialidad de Dirección, aunque pocas accedieron y solo dos consiguieron licenciarse, Cecilia Bartolomé y Josefina Molina (Premio Nacional de Cinematografía 2019), sentaron un importante precedente para las mujeres cineastas de las generaciones venideras, siendo capaces de articular su propia mirada, basada en sus preocupaciones y una particular forma de ver el mundo. Algunos de estos trabajos serán accesibles en marzo de forforma online a través del canal Flores en la sombra. El programa comisariado por Sonia Garcia López Mujeres en la EOC. Ante la ley mostrará prácticas que realizaron las alumnas de Dirección de la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC), con el objetivo de visibilizar la aportación de las mujeres a la cultura audiovisual durante la etapa franquista. Entre ellas se encuentran figuras de la talla de Cecilia Bartolomé, Josefina Molina, Helena Lumbreras o María Teresa Dressel, entre otras. Esta sesión incluye además la musicalización de las piezas por parte de Miren Iza, del grupo Tulsa.
Por último, no faltarán en la programación de Filmoteca Española matinales destinadas a centros educativos. En marzo el título protagonista será ‘El camino’ de Ana Mariscal, primera adaptación a la pantalla de la obra de Miguel Delibes, realizada por una de las cineastas pioneras del cine español.
Llega a la plataforma, en exclusiva, el ciclo que celebra y reivindica a la cineasta belga en el sexto aniversario de su muerte; con títulos como “La felicidad” (1965), “Una canta, la otra no” (1977) o “Las playas de Agnès” (2008).
El próximo 28 de marzo, Filmin estrena en exclusiva laColección Varda, con motivo del sexto aniversario de la muerte de la cineasta belga Agnès Varda (29 de marzo de 2019). Considerada por todos la «abuela de la Nouvelle vague» y galardonada con el Óscar Honorífico en 2017, su cine transformó el panorama cinematográfico europeo, del que tomó la delantera, y así la historia del cine, pues su obra y sensibilidad siguen marcando a las nuevas generaciones. El ciclo, compuesto por 15 largometrajes y 15 cortometrajes firmados por la cineasta, ofrece una visión transversal de su trayectoria, con una selección que abarca tanto ficciones como documentales y cortometrajes de todas sus etapas creativas.
A los 26 años, Varda filmó su ópera prima, “La Pointe-Courte” (1955), considerada precursora de la Nouvelle vague. Rodada cinco años antes de la incursión de Truffaut, Godard y otros miembros del movimiento, la película introdujo elementos narrativos y estilísticos que definirían la corriente cinematográfica francesa. Fue en 1965 cuando hizo su incursión al cine de color, y no por casualidad, con “La felicidad”, una película cuyo brillo y vivacidad van de la mano con el asunto de la película.
A lo largo de su carrera, realizó varias ficciones de renombre –”Kung-Fu Master” (1988), con Jane Birkin, o “Las cien y una noches” (1995)– y documentales en los que aprovechó su voz para hacerse eco, con su característica audacia y sensibilidad, del Movimiento de la Liberación de la Mujer de los años 60, en “Una canta, la otra no” (1977); de la revolución cubana, en “Salut les Cubains” (1964); del movimiento hippie, en “Lions Love” (1969); y de la lucha de los Panteras Negras, en “Black Panthers” (1968).
Varda también exploró su propia biografía en obras como “Las playas de Agnès” (2008), donde pronunció una de las frases más recurrentes cada 8M en redes sociales: “Intenté ser una feminista alegre, pero estaba muy enfadada”.
Parte de su obra está dedicada al que fuera su marido y compañero de vida, el también cineasta Jacques Demy. Si en “Jacquot de Nantes” (1992), Varda viajó a la infancia de su pareja y capturó los inicios de su vocación, y en “Las señoritas cumplen 25” (1992) le homenajeó en motivo de una de sus películas más célebres (“Las señoritas de Rochefort”), en “El universo de Jacques Demy” (1994) la directora hizo un retrato de la visión fílmica de su marido, así como de su faceta más personal, a través de los recuerdos compartidos por familiares y amigos.
Listado completo de títulos del Ciclo Varda:
Largometrajes La felicidad (1965) Jane B. por Agnès V. (1988) Kung-Fu Master (1988) Lions Love (1969) Las cien y una noches (1995) Una canta, la otra no (1977) La Pointe-Courte (1955) Las criaturas (1966) Jacquot de Nantes (1992)
Largometrajes documentales Documenteur (1981) Las playas de Agnès (2008) Mur Murs (1981) Las señoritas cumplen 25 (1992) El universo de Jacques Demy (1994) Daguerrotipos (1975)
Cortometrajes Tío Yanco (19 min.) Salut les Cubains (29 min.) Black Panthers (29 min.) Du côté de la côte (27 min.) L’opéra-mouffe (17 min.) Women Reply: Our Body, Our Sex (9 min.) Les Fiancés du pont Mac Donald (5 min.) Les dites cariatides (12 min.) You’ve Got Beautiful Stairs, You Know (3 min.) Ulises (22 min.) Le Lion volatil (11 min.) Placer de amor en Irán (7 min.) 7p., cuis., s. de b., … (à saisir) (29 min.) Elsa la rose (21 min.) Ydessa, les ours et etc. (42 min.)
Dentro de El museo imaginario se proyectarán películas de Alain Resnais, Frederick Wiseman o Aleksandr Sokurov
Videoartistas contemporáneas ofrece una selección de obras con temas como la memoria histórica o la violencia institucional desde una perspectiva feminista y política
El ciclo Cineastas africanas contemporáneas visibiliza las nuevas voces del cine del continente con películas premiadas en festivales internacionales
La III edición de la Semana de Irlanda trae a Madrid por San Patricio el cine irlandés más reciente, en colaboración con la Oficina de Turismo de Irlanda
Autoras de cine, autoras de cómic explora los vínculos entre ambas vertientes artísticas, con películas y coloquios en los que participarán destacadas creadoras
Estrenos relevantes, la segunda parte del ciclo dedicado a Hayao Miyazaki y películas sobre la identidad en la era digital completan la oferta de marzo en Cineteca Madrid
Con motivo de la celebración de la Semana del Arte en Matadero, Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, dedica el mes de marzo a explorar los diálogos entre el cine y los museos. La programación para las próximas semanas incluye también ciclos dedicados a cineastas africanas contemporáneas, videoartistas comprometidas y cine irlandés, además de estrenos y proyecciones especiales.
El museo imaginario: cine y museo
A través de diez sesiones, El museo imaginario propone una reflexión sobre los múltiples vínculos entre el cine y el museo. Desde documentales de Alain Resnais como Van Gogh (Francia, 1948), Guernica, (Francia, 1949) o Paul Gauguin (Francia, 1949) a National Gallery, de Frederick Wiseman (Francia-EE.UU.-Reino Unido, 2014), pasando por narraciones en las que el museo es un elemento clave como Vértigo (Alfred Hitchcock, EE.UU., 1958) o El arca rusa (Aleksandr Sokurov, Rusia-Alemania-Japón-Canadá-Finlandia-Dinamarca, 2002), esta selección ofrece una mirada diversa sobre el cine como archivo y espacio de relectura de la historia del arte.
El ciclo incluye además filmes de gran carga experimental. Obras como Une visite au Louvre (Danièle Huillet, Jean-Marie Straub, Francia, 2003) o El gran museo (Johannes Holzhausen, Austria, 2014) abordan la institución museística desde una óptica crítica, desentrañando sus mecanismos de representación y conservación.
Completan el ciclo de proyecciones Museo (Alonso Ruizpalacios, México, 2018), La restauración (David M. Mateo, España, 2024), El vuelo del globo rojo (Hou Hsiao-Hsien, Francia, 2007) y Banda aparte (Jean-Luc Godard, Francia, 1964) con su emblemática secuencia de nueve minutos a la carrera por los pasillos del Museo del Louvre, homenajeada por Bertolucci en Soñadores (Reino Unido-Francia-Italia, 2003).
Videoartistas contemporáneas
En colaboración con el colectivo Hamaca, este programa reúne obras de videoartistas como Sally Gutiérrez, Salomé Lamas y Nuria Güell, cuyas creaciones desafían los límites entre la instalación y la imagen en movimiento. La selección aborda la memoria histórica, la violencia institucional y la identidad desde una perspectiva feminista y política.
Desde el ensayo audiovisual hasta el documental performativo, las obras de este ciclo proponen nuevas formas de representación que subvierten los discursos dominantes. En particular, trabajos como De putas. Un ensayo sobre la masculinidad (Núria Güell Serra, España, 2018) o Fordlandia Malaise (Susana de Sousa Dias, Portugal, 2019) plantean cuestiones sobre la construcción del poder y las relaciones de género en un contexto de crisis social y económica.
El ciclo, que se desarrollará del 4 al 6 de marzo, se completa con las proyecciones Ta Acorda Ba Tu El Filipinas? (Sally Gutiérrez, España, 2017), Fatamorgana (Salomé Lamas, España, 2019), El jurado (Virginia García Del Pino, España, 2012), Porque é que mostramos as horas da luz e da escuridão no mesmo círculo? [Tentativa] (Susana de Sousa Dias, Portugal, 2024) y DIYSEX (Yaiza de Lamo, Maria Lorente, Juno Álvarez, Mariona Vázquez, España, 2019).
Cineastas africanas contemporáneas
El cine africano vive un momento de gran efervescencia y transformación. Este ciclo presenta siete películas dirigidas por mujeres de Senegal, Argelia, Marruecos y Túnez que abordan temas como la memoria, el expolio cultural y la lucha por la igualdad de género. Destacan títulos como Banel & Adama (Senegal-Francia-Mali, 2023), de Ramata-Toulaye Sy, y Dahomey (Senegal-Francia-Benín, 2024), de Mati Diop, Oso de Oro en la Berlinale 2024.
A través de una amplia variedad de géneros y registros, estas directoras ofrecen una mirada renovadora sobre el continente, desmontando estereotipos y revelando realidades a menudo invisibilizadas en el panorama cinematográfico global. Atlantiques (Francia, 2009) de Mati Diop, por ejemplo, es un retrato intimista sobre la juventud senegalesa y sus deseos de migración, mientras que El caftán azul (Francia-Marruecos-España, 2022), de Maryam Touzani, explora la tensión entre tradición y modernidad a través de un relato de amor y resiliencia.
Otras proyecciones del ciclo son Papicha, sueños de libertad (Mounia Meddour, Francia-Argelia, 2019); Las cuatro hijas (Kaouther Ben Hania, Túnez-Francia-Alemania-Arabia Saudí, 2023); Entre las higueras (Erige Sehiri, Túnez-Francia-Suiza-Alemania-Catar, 2022), y Animalia (Sofia Alaoui, Francia-Marruecos-Catar, 2023).
Cine irlandés contemporáneo y muestra de cine francófono
Con motivo del Día de San Patricio, Cineteca Madrid acoge la III Semana de Irlanda, en colaboración con la Oficina de Turismo de este país. Este ciclo recorre la diversidad del cine actual irlandés con títulos como Belfast (Reino Unido, 2021), de Kenneth Branagh, The Quiet Girl (Irlanda, 2022), de Colm Bairéad, y el documental Nothing Compares (Kathryn Ferguson, Irlanda-Reino Unido, 2022) sobre la vida de la cantante dublinesa Sinéad O’Connor.
Además, se proyectarán obras menos conocidas pero igualmente impactantes, como Perennial Light (Colin Hickey, Irlanda, 2024), un filme experimental que explora la relación entre paisaje y memoria, o Volver a empezar (Irlanda, 2020), de Phyllida Lloyd, un relato conmovedor sobre la resiliencia femenina en tiempos de crisis.
Este programa ofrece una visión amplia del cine irlandés contemporáneo, reflejando su capacidad para abordar temas universales desde una perspectiva profundamente arraigada en su identidad cultural. Completan la cartelera la sesión matinal de cine familiar La canción del mar (Tomm Moore, Irlanda, 2014) y Good Vibrations (Lisa Barros D’Sa, Glenn Leyburn, Reino Unido-Irlanda, 2012), que narra la historia real de Terri Hooley, impulsor clave de la escena punk local durante el conflicto de Irlanda del Norte.
Cineteca Madrid acogerá también, del 19 al 23 de marzo, la X Muestra de Cine Francófono en la que se proyectarán cuatro estrenos en España –Hôtel Silence, Les pas perdus, Mes amis espagnols y Là d’où l’on vient-, y tres estrenos en Madrid –La historia de Souleymane, Une vie rêvée y En fanfare-, además de títulos de cineastas tan destacadas como Nadine Labaki (Et maintenant on va où ?) y la proyección en sesión matinal familiar de la película Flow, nominada este año al Óscar a la mejor película de animación y mejor película internacional.
Autoras de cine, autoras de cómic
Este programa, comisariado por Elisa McCausland y Diego Salgado, explora las relaciones entre el cine y la historieta a través de tres sesiones: un homenaje a las pioneras del cómic en El profesor Marston y Wonder Woman (Angela Robinson, EEUU, 2017), un reconocimiento a Marjane Satrapi con la proyección de su película Pollo con ciruelas (Francia–Bélgica–Alemania, 2011) y una retrospectiva sobre el cómic alternativo en la que se proyectará The Diary of a Teenage Girl (Marielle Heller, EEUU, 2015).
Cada sesión contará con un coloquio en el que participarán destacadas creadoras del mundo del cómic en España, como Carla Berrocal, Laura Pérez Granel y Marta Guerrero.
Estrenos, programación familiar y secciones habituales
En paralelo a la participación de Cineteca en la Semana del Arte, se estrenará La revolución de las musas (Mar Nantas, Yaiza de Lamo, Juno Álvarez, España, 2024), una película sobre el papel de la mujer en la historia del arte. Destacan entre la selección de estrenos para este mes Un baño propio (Lucía Casañ Rodríguez, España, 2023), Mi hermano Ali (Paula Palacios España-Portugal, 2024), la última película de Nacho Vigalondo, Daniela Forever (España-Bélgica, 2024), y Vermiglio (Maura Delpero, Italia-Francia-Bélgica, 2024), Gran Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 2024.
La programación familiar ofrece la segunda parte del ciclo El universo mágico de Hayao Miyazaki, que incluye las películas de animación Nausicaä del Valle del Viento (1984), La princesa Mononoke (1997) y El viento se levanta (2013).
El grupo de jóvenes programadores CineZeta centra su selección de películas en la construcción de la identidad en la era digital, mientras que Confesionario explorará el cine de vanguardia de Germaine Dulac y Marcelle Thirache. Regresa Relatos del ruido, con una sesión dedicada a la música y el tiempo. Cineteca también acogerá durante el mes de marzo pases especiales como Here, Mujeres calvas o Los flamencos, y sesiones de programas ya clásicos como La noche Z, que ofrece La mejor idea; Así son las cosas, con Núria Güell, que muestra Palabras de amor; el Foro CIMA, que propone Maternidades filmadas – El parto en la pantalla, o el Ciclo Docma, con Hija del volcán. /
Necrophagus (Miguel Madrid, 1971). Int.: Bill Curran, Catherine Ellison, Frank Braña. España. DCP. VE. Color. 87’
La orgía nocturna de los vampiros (León Klimovsky, 1973). Int.: Jack Taylor, José Guardiola, Dyanik Zuraowska. España. 35mm. VE.. Color. 84’
En esta doble sesión de «Sala:B» recuperamos dos joyas de los inicios del festival de Sitges, una cita esencial en el desarrollo del cine fantástico y de terror de este país desde 1968.
Empezamos con una de las más polémicas ganadoras del festival: Necrophagus (El descuartizador de Binbrook), el debut en la dirección de Mikel Skaife (Miguel Madrid), que se anunciaba como una modesta pero innovadora propuesta de terror psicológico y experimental. La película se mete en no pocos jardines, entre la ciencia ficción, el Génesis y el misterio policiaco, contando la obsesión de un científico por desentrañar el origen de la materia. La criatura titular, explicaba la prensa, era un ser alucinante con un rostro compuesto de tierra, piedra y cristal, que posee una espantosa cabellera de plantas marinas, agallas de pez en lugar de oídos y unas garras aterradoras. Su ansia de carne lo convierte en una amenaza implacable, dando pie a una sucesión de secuencias delirantes. Ángel Sala, actual director del festival, la califica así: “Monster movie, película de mad doctors, de misterio gótico llena de flashbacks y con atmósfera espectral, la película de Madrid circula por los caminos del dislate exploitation pero centrifuga ciertas ideas de deconstructiva prosa (e incluso poesía) fantastique, desordenada y caótica.” Lo que está claro años después, es que premiar a una película de culto como Necrophagus tuvo mucha más relevancia de la que entonces pensaban los que abuchearon su selección.
Seguimos con La orgía nocturna de los vampiros dirigida por otro habitual del festival en aquellos años, el argentino León Klimovsky. Para Ángel Sala, una de sus favoritas: “Klimovsky era un director todo terreno y aparentemente sin toque personal, pero que desplegó un estilo propio en su tratamiento del fantástico no solo en su relación con la estrella del género, Paul Naschy, sino sobre todo por su trilogía vampírica formada por La saga de los Drácula (1973), La orgía nocturna de los vampiros (1973) y El extraño amor de los vampiros (1975). Un auténtico escaparate de rostros y nombres asociados al boom del fantaterror de la época: Helga Liné, Jack Taylor, Dyanik Zurakowska, José Guardiola, Manuel de Blas, Luis Ciges, Fernando Bilbao o el guionista Antonio Fos.
Presentan la sesión Ángel Sala, actual director del Festival de Sitges, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10’. (Total sesión: 180’)
“Lengua extranjera”: Un intercambio de palabras y de amores. Claire Burger retrata la esperanza y los deseos de la juventud europea en este drama sobre el acercamiento entre dos chicas estudiantes de intercambio. Estreno en Filmin el 7 de marzo.
Filmin estrena el próximo 7 de marzo, en exclusiva, “Lengua extranjera”, la película de Claire Burger que, a través de la historia de un intercambio lingüístico entre dos jóvenes, retrata la relación entre Francia y Alemania y perfila las preocupaciones de la juventud europea actual. Estrenada en la sección competitiva del Festival de Berlín, la película tuvo su premiere española en el Atlàntida Mallorca Film Fest y fue seleccionada en LesGaiCineMad, donde ganó el premio al Mejor Guion. Las actrices Lilith Grasmug y Josefa Heinsius, que protagonizan la película, fueron seleccionadas como dos de las actrices revelación del año (Les Révelations 2025) por la Academia de los César. Completan el reparto Chiara Mastroianni (“Marcello Mio”) y Nina Hoss (“Phoenix”).
La película sigue a Fanny (Lilith Grasmug), una estudiante francesa de 17 años, tímida y sensible, que viaja a Alemania para un intercambio lingüístico. Allí conoce a Lena (Josefa Heinsius), su amiga por correspondencia, una joven comprometida con el activismo social. Aunque en un principio parecen tener poco en común, su convivencia dará lugar a una relación que cuestionará sus propias percepciones sobre la amistad, el amor y el futuro. “¿De qué tienes miedo?”, pregunta Fanny. “De todo… del futuro, de los fascistas, de envejecer, de ser aún más cobarde, de nunca cambiar nada”, responde Lena. A medida que la historia avanza, las dos jóvenes se acercan, descubriendo que las barreras culturales e ideológicas pueden desdibujarse cuando entran en juego las emociones.
Claire Burger, quien firma el guion junto a Léa Mysius («Los cinco diablos), se inspira en sus propias experiencias para dotar a la película de realismo y profundidad: “Me baso en mis recuerdos de juventud, en mi propia estancia en el extranjero. Reúno esas vivencias y las actualizo en un contexto actual marcado por la guerra a la vuelta de la esquina, la crisis climática, el auge del populismo y la era de la post-verdad”, explica la cineasta. Más allá del retrato generacional, “Lengua extranjera” es también una exploración de la relación entre Francia y Alemania a través de sus protagonistas. “Este intercambio lingüístico es una metáfora de nuestra historia compartida. Quería poner rostros, cuerpos y emociones en un concepto que a menudo se percibe como frío y distante”, señala Burger. Además, la película juega con la ambigüedad entre la amistad y el deseo. “Al principio, mi intención era escribir una historia sobre la amistad femenina, pero los cuerpos y la conexión física entre ellas cobraron cada vez más peso en el relato. En la adolescencia, los límites entre el amor y la amistad son difusos. Es un momento en el que buscamos construir vínculos con los demás, y esos vínculos, a su vez, nos definen a nosotros mismos”, concluye la directora.
Playlist es un nuevo ciclo de cine documental contemporáneo que explora la intersección entre la música y el cine. La música es el tema principal, pero también se presenta como un elemento narrativo esencial en el lenguaje audiovisual.
Es casi imposible contemplar los fenómenos artísticos de los siglos XX y XXI sin entenderlos como un cúmulo de disciplinas convergentes. Músicos, cineastas, creadoras o artistas visuales interactúan entre sí para dar lugar a nuevos formatos y corrientes que avanzan inexorablemente hacia una renovación de los viejos conceptos que rodean la unión entre música e imagen.
Este programa de cine documental contemporáneo propone películas que tienen la música como objeto temático, pero también filmes en los que la música o el sonido destacan por ser un elemento narrativo fundamental. Las películas de Playlist destacan, además, por su valor cinematográfico y la mirada singular de sus autoras, autores y protagonistas: Marie Losier, Peaches, Alex Ross Perry, Pavement, Abbey Lincoln, Max Roach, David Charles Rodrigues, Nick Davies, Johan Grimonprez, Peaches, Genesis P-Orridge, At the Drive-In o The Mars Volta. Una constelación de talentos que hablan de la indisoluble relación entre cine y música.
El D’A – Festival de Cinema de Barcelona sigue siendo un escaparate del mejor cine independiente del momento y una oportunidad para descubrir algunos de los films más destacados del año, los grandes nombres que han triunfado en los festivales internacionales y las nuevas películas de cineastas imprescindibles. El D’A 2025 estrenará en España The Shrouds, la última película del maestro David Cronenberg, un filme estrenado mundialmente en Cannes 2024, con Vincent Cassel, Diane Kruger y Guy Pearce como protagonistas. Otros nombres imprescindibles son los de Dea Kulumbegashvili que, con su segundo filme, April, ganó el premio especial del jurado en Venecia y el premio a la mejor película de la sección Zabaltegi de San Sebastián; o Simón de la montaña, del director argentino Luis Felipe, convertido en uno de los fenómenos del año después de triunfar en Cannes con el Gran Premio de la Semana de la Crítica.
Otras sensaciones de la temporada son Love, del noruego Dag Johan Haugerud, segunda parte de una trilogía dedicada a las relaciones contemporáneas iniciada con Sex y que culmina estos días en la Berlinale con Dreams ; El idioma universal, de Matthew Rankin, premio del público de la Quincena de Cineastas de Cannes y mejor película canadiense en TIFF; Viet and Nam, del cineasta vietnamita Truong Min Quy, con uno de los films queer más contundentes del año, visto en Cannes 2024; Bagger Drama, de Piet Baumgartner, una película que hizo furor en el último festival de San Sebastián, donde ganó el premio de la sección New Directors. A estos nombres de cineastas emergentes se suman dos favoritos del festival, el argentino Matías Piñeiro con su última obra, Tú me abrasas, estrenada en la Berlinale; y La Prisonnière de Bordeaux, de la gran Patricia Mazuy, directora francesa que está consolidando una carrera personalísima, aquí en un film protagonizado por la gran dama del cine francés, Isabelle Huppert.
«Dahomey», Oso de Oro del Festival de Berlín 2024, llega a Filmin el 14 de febrero
El viernes 14 de febrero llega en exclusiva a Filmin «Dahomey», el segundo largometraje de la directora franco-senegalesa Mati Diop («Atlantique»). Se trata de la vigente ganadora del Oso de Oro del Festival de Berlín a la Mejor Película, y llega a la plataforma coincidiendo con el inicio de la edición de este año del certamen alemán. Filmin estrenó «Dahomey» en diciembre del año pasado en los cines de España. Fue la candidata de Senegal en los Óscar e incluida en la short-list de documentales de los premios de la Academia.
«Dahomey» es un documental de creación que pretende registrar un momento histórico: la decisión del gobierno francés presidido por Emmanuel Macron de devolver 26 obras de arte procedentes del reino de Dahomey (en la actual Benín) a su comunidad de origen, en un inédito proceso de repatriación del patrimonio cultural africano. A día de hoy, muchos museos occidentales siguen poblados de obras de origen africano expoliadas durante la época colonial, lo que da en gran medida una idea de la importancia simbólica de esta restitución que no obstante retorna una minúscula parte de los cientos de obras que las tropas coloniales francesas extrajeron de Dahomey en 1892.
Cuenta la directora Mati Diop que durante el confinamiento por la pandemia reflexionó sobre el sentido que quería darle a su carrera como directora y el posicionamiento político de su obra. «Cuando supe que 26 tesoros reales de Dahomey iban a ser devueltos a Benín por Francia, dejé lo que estaba haciendo y decidí hacer una película sobre eso«, recuerda. Una decisión acorde con su obra previa, especialmente con los mediometrajes que dirigió entre 2009 y 2019, antes de su debut en el largo con «Atlantique«: «Las películas que hice en Dakar entre 2009 y 2019 hablan de un proceso de Retorno, volver a mis orígenes africanos, a una parte de mí que había estado enterrada durante demasiado tiempo bajo la hegemonía de mi entorno occidental«, explica.
Al conocer esta noticia, Diop empezó a imaginar una película de ficción que narraba la épica aventura de una de estas obras, desde que fue saqueada a finales del siglo XIX hasta su regreso a casa en 2075. «Tenía que anticipar el futuro, simplemente porque me parecía muy poco probable que cualquier restitución fuera inminente o incluso que estuviéramos vivos para presenciar un capítulo histórico como ese«, recuerda. «Estuvimos atentos a la prensa hasta que de repente llegó la noticia de que 26 tesoros reales de Abomey (Benín) habían sido seleccionados para la restitución el 10 de noviembre de 2021, y teníamos que hacer posible la filmación. Fue una carrera contra el tiempo, pidiendo permiso al gobierno beninés para escoltar los tesoros mientras organizábamos toda la logística de una filmación que iba de París a Cotonou«.
«Dahomey» documenta el viaje de estas 26 piezas desde que abandonan el Museo Quai Branly de París hasta su llegada a Benín. En paralelo, la película nos ofrece el punto de vista de una de estas obras, una especie de deidad, híbrido entre hombre y animal, que reivindica el significado histórico del viaje de vuelta a su país y lo hace en el idioma fon, que todo el mundo habla en Benín. «Es una elección altamente política. Dahomey habla, ante todo, al pueblo de Benin, que debe poder escucharse y reconocerse. Frantz Fanon dijo: Hablar el propio idioma es existir absolutamente para el otro.Pero también es existir absolutamente para uno mismo«.
Finalmente, la película llega al mundo académico africano, a la universidad, donde jóvenes estudiantes, profesores e historiadores reflexionan sobre el impacto simbólico y real de esta restitución en su país y en sus vidas. «Era necesario trasladar todo el asunto de la cumbre a la base, para crear un espacio que permitiera a los jóvenes identificar esta restitución como parte de su historia y reapropiársela. Crear un espacio donde pudieran ser escuchados«, concluye Diop.
Un libro editado junto con Caimán Cuadernos de Cine analiza el filme, que será Película de Oro en la 28 edición de Málaga e inaugurará la sección de clásicos del certamen donostiarra
El 8 de septiembre de 1975 se estrenó en el cine Amaya de Madrid Furtivos, hoy considerada la obra maestra de José Luis Borau, tras pasar por una serie de vicisitudes que no impidieron que se haya convertido en un clásico del cine español. Ahora, 50 años después, los festivales de Málaga y San Sebastián y la Filmoteca Vasca se unen para rendirle homenaje en su aniversario. Furtivos será la Película de Oro del 28 Festival de Málaga, que tendrá lugar del 14 al 23 de marzo, e inaugurará la sección Klasikoak de la próxima edición del Festival de San Sebastián. Será con una copia restaurada por Video Mercury Films / FlixOlé, en un homenaje que se completará con un libro editado por el Festival de Málaga, Filmoteca Española y Dama, en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine y el Festival de San Sebastián.
Dirigida y escrita por José Luis Borau, en colaboración con Manuel Gutiérrez Aragón, Furtivos está protagonizada por Ovidi Montllor, Lola Gaos y Alicia Sánchez. Cuenta la historia de Ángel, un cazador furtivo que vive en un bosque con su madre Martina, una mujer de carácter tiránico y violento. En uno de sus escasos viajes a la ciudad, conoce a Milagros, joven huida de un reformatorio y amante de un conocido delincuente. Ángel la protege y la lleva a su casa. La animosidad de la madre hacia Milagros, así como la atracción que Ángel siente hacia ella, unido al aspecto claustrofóbico de las relaciones entre los personajes, desembocan en un drama.
La exhibición de Furtivos estuvo tan condicionada por las autoridades franquistas que fue desestimada por los festivales de Cannes y Berlín. Fue mejor recibida en San Sebastián, punto de partida de su rotundo éxito de crítica y público, donde recibió la Concha de Oro a la mejor película y el Premio Perla del Cantábrico al mejor largometraje de habla hispana. También logró el reconocimiento en los Premios del Círculo de Escritores Cinematográficos, los Fotogramas de Plata y el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias.
Antonio Isasi-Isasmendi entregando el premio Concha de Oro al director José Luis Borau, por la película «Furtivos» (1975) Archivo Festival de San Sebastián
Esta nueva copia de la película en 4K que se proyectará en Málaga y San Sebastián ha sido realizada por la distribuidora Video Mercury Films en colaboración con la plataforma FlixOlé. Para su proceso de restauración, se ha utilizado el negativo original en 35mm y se ha contado con la supervisión del cineasta y coguionista de la película, Manuel Gutiérrez Aragón.
El libro Furtivos. 50 años, de Carlos F. Heredero, vuelve a la película para documentar de manera fehaciente, por primera vez, la intrahistoria de tan singular proyecto: la cronología, las cifras, los papeles, la escritura del guion, el plan de producción, los dineros, los contratos, las localizaciones, las incidencias del rodaje, las actas de la censura, las conversaciones con los festivales, la distribución, la taquilla, su circulación internacional, las controversias y las amenazas, etc.
La radiografía ofrece nuevas perspectivas para enmarcar el filme en el contexto social, político y cultural del que surge, entre la criminal agonía de la dictadura franquista y las luchas que preparan la Transición a la democracia.
A su vez, el análisis de sus imágenes –herederas de Buñuel y de Goya, de la Castilla feroz de Gutiérrez Solana y del tremendismo de Cela– permite comprender la compleja naturaleza de su discurso y de sus formas. Una entrevista con Borau rigurosamente inédita hasta ahora, en torno a la película, completa la investigación.
Tráfico de menores (Enigma Rosso, Alberto Negrín, 1978). Int.: Fabio Testi, Christine Kaufmann. Ivan Desny. Silvia Aguilar. Italia. 35 mm. Color. 83’
El carnaval de las bestias (Paul Naschy, 1980). Int.: Paul Naschy, Eiko Nagashima, Silvia Aguilar. España. 35 mm. Color. 91’
Silvia Aguilar ha aparecido varias veces por las pantallas de «Sala:B» pero ya tocaba hacer una sesión doble de homenaje a esta actriz, con dos curiosos gialli que se disfrazan de otros géneros para transformarse en algo especial.
En Tráfico de menores, Silvia Aguilar interpreta a Virginia, una de las compañeras de una joven que aparece asesinada en un río. Virginia y sus amigas comienzan a ser acosadas y a recibir poemas amenazantes de un tal Némesis. El caso será investigado por el inspector Di Salvo, interpretado por Fabio Testi, quien centra sus pesquisas en el prestigioso internado donde las chicas estudian. La película mezcla tramas típicas del giallo italiano con elementos del poliziesco, aderezados con sexploitation a la italiana. Un montaje musical y en paralelo entre una clínica abortiva y una orgía lo demuestra. El reparto lo completan nombres tan familiares por aquí como Helga Liné, María Asquerino, Tony Isbert, Wal Davis o Fabián Conde. Esta coproducción italiana fue rodada en localizaciones como el antiguo Matadero, el Castillo de Viñuelas o el Parque de Atracciones de Madrid, y una de las secuencias más memorables tiene lugar en la mítica montaña rusa 7 Picos, ¡con Fabio Testi interrogando a Jack Taylor!
Dicen que El carnaval de las bestias fue la primera coproducción entre España y Japón, algo que solo el entusiasmo y la tenacidad de Paul Naschy podrían alcanzar. Silvia Aguilar ya conocía a nuestro womanizer favorito, pero aquí tiene que competir con Azucena Hernández y hasta una mujer nipona por sus irresistibles encantos. La película es un pastiche de géneros todavía más extravagante, saltando del cine de acción estilo Charles Bronson al melodrama erótico, del giallo al terror gótico. Adrián Esbilla describe la película como un ejemplo del «gótico cazurro», o la auténtica esencia de lo naschyano. La banda sonora incluye composiciones de Ennio Morricone y otros temazos poliziescos. Más caras conocidas: Pepe Ruiz, Paloma Cela, Luis Ciges, Ricardo Palacios, sin olvidar la tétrica casa de Torrelodones en la que más de una vez hemos estado.
Presentación a cargo de la actriz Silvia Aguilar y de Álex Mendíbil, comisario de Sala:B. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 190’)
Pepi, Luci, Boom y otras chicas del montón (1980, Pedro Almodóvar)
Ángel Víctor Torres, ministro de Política Territorial y Memoria Democrática, y Ernest Urtasun, ministro de Cultura, han presentado esta mañana el ciclo ‘Imágenes para un país en libertad. Cine, ciudadanía y democracia (1975-2025)’ que con más de una veintena de películas invita a reflexionar sobre el largo y difícil camino emprendido por la sociedad española para recuperar la libertad y la democracia, y conocer, debatir y celebrar la transformación política, económica y social de nuestro país en las últimas cinco décadas.
Organizado por el Comisionado para la celebración de ‘España en Libertad. 50 años’ en colaboración con Filmoteca Española —organismo del Ministerio de Cultura encargado dela preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico—, el ciclo, que se extiende hasta diciembre de 2025, incluye títulos como ‘Camada negra’ (Manuel Gutiérrez Aragón, 1977) o ‘Maixabel’ (Iciar Bollain, 2021) en torno a la violencia política, ‘Vámonos Bárbara’ (Cecilia Bartolomé, 1978) o ‘Función de noche’(Josefina Molina, 1981), sobre la conquista de derechos y libertades femenina; ‘Numax presenta’ (Joaquim Jordá, 1979) sobre el empoderamiento de los ciudadanos; ‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’ (2013, David Trueba) sobre la libertad de expresión; entre otras.
Se trata de un ciclo que reivindica al cine español como ‘lugar de memoria’, como herramienta para ayudarnos a comprender nuestra propia evolución como ciudadanos de un país que en 1975 dejaba atrás la dictadura. Pero también una reivindicación del cine —y de sus profesionales— como ‘agentes’ de la historia, como vehículo para mostrar los anhelos y esperanzas de una sociedad, sus luchas y reivindicaciones, a lo largo de estos 50 años.
El ciclo, que estará acompañado en sus sesiones con la presentación de directoras y protagonistas de las películas, da comienzo mañana 6 de febrero, a las 21 horas, con la proyección de Camada negra, de Manuel Gutiérrez Aragón. La proyección contará con la presentación del director y la comisionada para la celebración de ‘España en libertad. 50 años’. Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, celebra este 2024 los 35 años del Cine Doré como sala estable de proyecciones de la institución mediante el ciclo ´35×35. Cine Doré: 35 años, 35 mm´, que durante 6 meses homenajeará uno de los formatos que no ha parado de preservar y proyectar a lo largo de esas más de tres décadas.
Programación
Febrero Camada negra (Manuel Gutiérrez Aragón,1976) Maixabel (Iciar Bollain, 2021)
AbrilEl puente (J. A. Bardem, 1977) Numax presenta (Joaquim Jordà, 1979)
MayoVivir es fácil con los ojos cerrados (2013, David Trueba) El arreglo (1983, José Antonio Zorrilla)
JunioMi querida señorita (1972, Jaime de Armiñán) Cambio de sexo (1977, Vicente Aranda)
JulioEl cielo gira (2004, Mercedes Álvarez) En construcción (2001, José Luis Guerin)
AgostoPepi, Luci, Boom y otras chicas del montón (1980, Pedro Almodóvar) Krámpack (2000, Cesc Gay)
SeptiembreVestigios en Súper-8: una crónica amateur de los años del cambio (2018, Elena Oroz y Xosé Prieto) Canciones para después de una guerra (1976, Basilio Martín Patino)
SeptiembreVestigios en Súper-8: una crónica amateur de los años del cambio (2018, Elena Oroz y Xosé Prieto) Canciones para después de una guerra (1976, Basilio Martín Patino)
OctubreEl crimen de Cuenca (1979, Pilar Miró) + Regresa El Cepa (2019,Víctor Matellano) Rocío (1980, Fernando Vergara) + Caja de Resistencia (2024, ConchaBarquero y Alejandro Alvarado)
El 1 de febrero se proyectará Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), precuela de la mítica serie que Lynch creó junto a Mark Frost
El ciclo ‘La fábula cinematográfica’ cumple su tercera edición proponiendo encuentros con pensadores en torno al cine y estrenos relacionados con la filosofía
Además, explora la influencia de Michel Foucault en el lenguaje cinematográfico contemporáneo y el universo conceptual de destacados pensadores
La primera retrospectiva en España del director de culto japonés Shinji Sōmai presentará la obra de este cineasta fundamental prácticamente desconocido en nuestro país
Se suma a la programación de febrero la proyección de la afamada trilogía del director polaco Krzysztof Kieślowski, Azul, Blanco y Rojo
La sección dominical de cine familiar se sumerge en el universo mágico de Hayao Miyazaki
El equipo de jóvenes programadores de CineZeta apuesta en su selección de este mes por mostrar visiones disidentes del erotismo en el cine
Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se transforma en febrero en un punto de encuentro privilegiado para reflexionar sobre cuestiones filosóficas esenciales como la identidad, la verdad, la libertad, el miedo, el mal o la muerte, a través de una cuidada programación que incluye tanto películas de ficción como documentales. Este espacio ubicado en Matadero Madrid dedicará este segundo mes del año una sesión homenaje al recientemente fallecido David Lynch, dos ciclos a los grandes maestros Shinji Sōmai y Krzysztof Kieślowski y una mirada a la influencia del pensador Michel Foucault en el cine, además de adentrarse en el universo mágico de Hayao Miyazaki y en la relación entre cine y filosofía a través de una cuidada selección de proyecciones y encuentros.
Homenaje a David Lynch
Cineteca dedicará una sesión de homenaje al recientemente desaparecido David Lynch (1946-2025), uno de los cineastas más influyentes de las cuatro últimas décadas, cuyo cine ha sido un asiduo en las pantallas de las salas Azcona y Borau. Fallecido el pasado 15 de enero, la gran repercusión que ha tenido su muerte da fe de la devoción hacia su obra, que abarcó cine, televisión, música, diseño y fotografía. El 1 de febrero se proyectará Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), precuela de la mítica serie creada junto a Mark Frost. Una película incomprendida que el tiempo ha reivindicado como pieza clave en su filmografía.
Tercera edición de ‘La fábula cinematográfica: cine y filosofía’
En la ya habitual sección ‘Carta Blanca’, Cineteca invitará a tres pensadores contemporáneos que compartirán su interpretación sobre las películas seleccionadas exclusivamente para este ciclo. El jueves, 6 de febrero, dará comienzo el filósofo y escritor Javier Gomá, que bajo el título Un cine que da qué pensar argumentará su tesis sobre el cine como lugar privilegiado para mostrar la esencia de lo humano, previamente a la proyección de El sabor del té verde con arroz (Yasujirô Ozu, Japón, 1952). Su selección de películas se completa con Las manos en los bolsillos (Marco Bellocchio, Italia, 1965), La americanización de Emily (Arthur Hiller, EE.UU., 1964) y Los niños del paraíso (Marcel Carné, Francia, 1945).
El viernes, 14 de febrero, la especialista en cultura y literatura medieval Victoria Cirlot tratará en su conferencia el retrato de cuatro mujeres a través de la cámara de sendos grandes cineastas: Alain Resnais, Carl Theodor Dreyer, Chantal Akerman y Jacques Demy. El filme elegido para acompañar la conferencia es Una habitación en la ciudad (Jacques Demy, Francia, 1982). Este bloque incluye también la proyección de El año pasado en Marienbad (Alain Resnais, Francia, 1961), Gertrud (Carl Theodor Dreyer, Dinamarca, 1964), Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (Chantal Akerman, Bélgica, 1975).
La filósofa Eurídice Cabañes será la encargada de reflexionar en torno a los límites y fronteras de la tecnología que desafía nuestro pensamiento. Partiendo del lenguaje, nuestra tecnología más antigua, enfrentado a su versión alienígena en La llegada (Denis Villeneuve, Canadá-EE.UU., 2016), siguiendo con las propuestas especulativas de James Ward Byrkit en Shatter Belt (EE.UU., 2023) y la crítica mordaz del cine animado de Don Hertzfeldt, en una sesión que reunirá sus mejores cortometrajes. El viernes, 28 de febrero, eXistenZ (David Cronenberg, Canadá, 1999) servirá de contexto a la conferencia de Cabañes sobre tecnologías contemporáneas e imaginarias como los videojuegos.
Foucault llevado al cine junto a destacados pensadores contemporáneos
El pensamiento del filósofo e historiador francés Michel Foucault se infiltra en la pantalla de cine como una herramienta para desentrañar las complejas relaciones entre poder, cuerpo y subjetividad. En este ciclo, cuatro películas contemporáneas dialogan con los conceptos de Foucault, explorando distintos aspectos de su pensamiento. La primera entrega del ciclo, Nunca, casi nunca, a veces, siempre (Eliza Hittman, EE.UU., 2020) sigue a una adolescente que se enfrenta a un embarazo no deseado en un retrato íntimo y conmovedor de resiliencia. Titane (Julia Ducournau, Francia, 2021) es un thriller visceral que explora la identidad, el trauma y las relaciones humanas a través de la historia de una mujer. Completan el programa Possessor Uncut (Brandon Cronenberg, Canadá-Reino Unido, 2020), que combina ciencia ficción y terror siguiendo a una agente que utiliza la tecnología para cometer asesinatos, y Saint Maud (Rose Glass, Reino Unido, 2019), un inquietante thriller psicológico sobre una enfermera que quiere salvar el alma de su paciente terminal.
Además, Cineteca programa en febrero cuatro documentales de la serie Un œil, une histoire, dedicados a explorar el universo conceptual de destacados pensadores de la historia y la imagen contemporánea: Georges Didi-Huberman, Svetlana Alpers, Carlo Ginzburg y Victor Stoichita. Cada sesión será introducida por el joven filósofo Pablo Caldera, quien ofrecerá claves para profundizar en los diálogos entre pensamiento, historia y estética.
Sōmai y Kieślowski, grandes maestros compartiendo pantalla
La primera retrospectiva española del director de culto Shinji Sōmai y la proyección de la obra maestra del cineasta polaco Krzysztof Kieślowski son otras de las citas imprescindibles de la programación de Cineteca este mes.
Siete películas de Sōmai que reflejan la alienación, frustración y rabia de la juventud japonesa conforman esta retrospectiva organizada en colaboración con la Fundación Japón, con la que se pretende aliviar el desconocimiento en España de este cineasta fundamental. Destacan Typhoon Club (Japón, 1985), considerada la obra maestra del director, o Sailor Suit and Machine Gun (Japón, 1981), que narra la historia de una estudiante de secundaria que hereda el liderazgo de una banda.
Por otra parte, del 18 al 20 de febrero, Cineteca acerca al público la obra maestra del cineasta polaco Krzysztof Kieślowski, conformada por Azul, Blanco y Rojo, una lectura crítica de los ideales de la Revolución Francesa —libertad, igualdad y fraternidad— y un profundo ejercicio filosófico que interpela a grandes conceptos como la existencia y la condición humana.
Estrenos y visiones disidentes del erotismo
La selección de estrenos de este mes también se ocupa de cuestiones filosóficas sobre la creación, la historia y la resistencia política. Se proyectarán Objeto de estudio (Raúl Alaejos, España, 2024), En la alcoba del Sultán (Javier Rebollo, España-Francia, 2024), Dulcinea (Paloma Polo, España, 2023), Cyborg Generation (Miguel Morillo Vega, España, 2024), El arte de los analfabetos (Kevin Castellano y Edu Hirschfeld, España, 2024) y La marsellesa de los borrachos (Pablo Gil Rituerto, España, 2024).
Por su parte, el joven equipo de programadores de CineZeta ha compuesto un ciclo de cuatro sesiones que reflexionan en torno a visiones disidentes del erotismo. Integran la selección títulos como Shakedown (Leilah Weinraub, EE.UU., 2018), Finished (William E. Jones, EEUU, 1997) o Sex Is Comedy (Catherine Breillat, Francia, 2002), que explora los desafíos y tensiones tras la cámara mientras una directora lucha por dirigir una escena de sexo entre dos actores que no se soportan.
El universo mágico de Hayao Miyazaki y secciones habituales
La sección dominical ‘Cineteca en familia’ se adentra en el fascinante mundo de que ha cautivado a distintas generaciones con sus historias llenas de magia, fantasía y profundas lecciones de vida. Cineteca programa cuatro de sus películas más emblemáticas: Mi vecino Totoro (Japón, 1988), El viaje de Chihiro (Japón, 2002), El castillo ambulante (Japón, 2004) y El chico y la garza (Japón, 2003).
No faltarán a su cita las secciones habituales de Cineteca Madrid como el ‘Ciclo Docma’, que presenta Los últimos; ‘La noche Z’, que proyectará Los maestros tullidos; o ‘Somos documentales’, de Televisión Española, con las películas Félix Murcia, el pintor de películas y Ullate: La danza de la vida. La programación se completa con los pases especiales de L’année dernière à Dachau, La Carmen y Cineastas pioneras andaluzas: Pilar Távora.
Fotografía de Someya Katsu (protagonista de Historia de una segadora) por Yukie Hatano
Antiguo miembro de Ogawa Productions, el cineasta y escritor japonés Katsuhiko Fukuda vivió y trabajó en la zona rural de Sanrizuka, donde documentó la lucha contra la construcción del aeropuerto de Narita, así como historias individuales y la vida de la comunidad. Esta sesión incluye una charla ilustrada sobre su obra a cargo del programador Ricardo Matos Cabo y la proyección de una de sus películas, Historia de una segadora (1985).
Historia de una segadora (草とり草紙) es un retrato de Katsu Someya, una mujer de 86 años nacida en 1899 cuya casa se encuentra junto a la pista de aterrizaje del aeropuerto de Narita, en un terreno que fue confiscado y vendido para ampliar dicho aeropuerto en una segunda fase. Vive allí sola, alejada de su familia por decisión propia, resistiéndose a abandonar su tierra, y se dedica a la agricultura, escardando diariamente y trabajando en una fábrica de encurtidos. Los relatos de su vida, contados y repetidos, trazan décadas de la experiencia personal de resistencia de esta mujer. Su historia se entrelaza con las luchas por la tierra y los derechos de los campesinos de Sanrizuka ante la construcción del aeropuerto.
La película, filmada en 8 mm a lo largo de tres años, está estructurada en diecinueve capítulos y editada según los ritmos de la narración de Someya. Explora la disyuntiva entre el habla y la memoria de esta mujer a través de un montaje original de sonido e imagen. Posteriormente se amplió a 16 mm para poder imprimir en la película los subtítulos en japonés con las palabras de Someya. Su compañera, Yukie Hatano, produjo la película y realizó las tarjetas de título que anuncian las diecinueve secciones y las fotografías que proyectaremos antes de la película.
Historia de una segadora marcó un cambio en la práctica y el método documental japonés, incluso en su relación con la política, al centrarse en los pequeños gestos diarios y hacer mayor hincapié en las historias personales. La película tuvo una gran influencia para los cineastas que siguieron los pasos de Fukuda, entre ellos Makoto Satō y Haruka Komori.
Como introducción a la sesión, el programador Ricardo Matos Cabo impartirá una charla ilustrada sobre el cine de Fukuda, con particular atención a sus cuatro «cuadernos de cine» de 8 mm realizados en Sanrizuka entre 1979 y 1985, el último de los cuales se proyectará después de la charla.
Historia de una segadora (草とり草紙), Katsuhiko Fukuda, Japón, 1985, 88 min, 8 mm hinchado a 16 mm, subtitulado en japonés y catalán.
Agradecimientos: Yukie Hatano.
Subtítulos proporcionados por Punto de Vista—Festival de Cine Documental de Navarra, Courtisane & Subtitula’m.
Fecha: 23 febrero 2025
Horario: 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Espacio: Auditorio
Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Dirigida por Antonio Giménez-Rico, Vestida de azul se ha convertido en una película de culto para el colectivo LGTBIQ+ por la valiente forma en la que abordó el tema de la transexualidad durante la Transición española
Nacha Sánchez, superviviente del elenco de mujeres que participó en el documental, intervendrá en la premier
El cine español probaba los límites de la recién inaugurada democracia cuando el documental Vestida de azul (1983) llegó a las salas para abordar como nunca antes se había hecho el tabú de la transexualidad y descubrir la hiriente realidad que enfrentaban las personas del colectivo. Dirigida por Antonio Giménez-Rico, se convirtió en una película de culto de difícil acceso cuyo irremplazable testimonio se proyectará en una renovada versión en 4K en el 75º Festival de Berlín el próximo mes de febrero.
El pionero e impactante documental en torno a las dificultades que atravesaban las personas trans durante la Transición española participará en Berlinale Classics, área del certamen dedicada a las restauraciones en alta calidad de obras históricas del séptimo arte y redescubrimientos cinematográficos. Será la segunda producción española en incluirse en esta sección, después de que en la pasada edición fuese seleccionada Deprisa, deprisa (Carlos Saura, 1981). Remasterizados ambos títulos por Mercury Films, en colaboración con la plataforma FlixOlé y en el marco de sus labores de conservación y difusión del patrimonio audiovisual español, la distribuidora estará presente por segundo año consecutivo en el festival cinematográfico que acoge la capital alemana.
Sobre dicha versión de Vestida de azul, el proceso ha consistido en el escaneo y posterior restauración de imagen y sonido del negativo original de 16mm, logrando como resultado la inédita versión de la cinta que se estrenará en clave mundial en Berlinale. Mercury Films recupera y promueve así una película que, hasta su incorporación en el catálogo de FlixOlé, permaneció durante décadas maldita debido a la limitada distribución que se hizo tras su paso por la gran pantalla.
Obra también de referencia para el colectivo LGTBIQ+, esta rareza del cine español que luchó por la aceptación de las personas trans será reivindicada por la propia Nacha Sánchez, superviviente del elenco de mujeres que participó en el documental, y quien intervendrá en la premier de la copia restaurada.
Insólito documento cinematográfico
Los años 80 gateaban en un país que jugaba a ser moderno al tiempo que intentaba despojarse de los fantasmas del franquismo. El cine comenzó a explorar historias censuradas durante la dictadura. Temas como la transexualidad no habían tenido representación en la gran pantalla española más allá de escenas caricaturescas o personajes trufados de clichés que se presentaban sin otro afán que ridiculizar al colectivo. Esta circunstancia, sumada al desconocimiento y prejuicios en materia de orientación sexual e identidad de género que arrastraba gran parte de la sociedad y medios de comunicación, acrecentó la estigmatización y humillación de las personas trans, cuyos mundos parecían quedar reducidos irremediablemente en aquella época a los cabarets y a la prostitución.
El director Antonio Giménez-Rico se propuso realizar un largometraje de ficción que abordase dicha realidad. Para la elaboración del guion, se ayudó de mujeres transgénero que compartieron sus experiencias con el cineasta. Fue entonces cuando éste comprendió que la película se encontraba ahí: en el sufrimiento y marginación con el que convivían en su día a día, por lo que decidió continuar indagando sobre ellas, pero con una cámara.
De las entrevistas surgió Vestida de azul, el documental que marcó un antes y un después al reflejar la desesperanzada cotidianidad, ilusiones y reivindicaciones de seis mujeres trans: Loren, Renée, Nacha, Eva, Tamara y Josette. A través de la primera, el espectador pudo conocer la hipocresía de una sociedad que las señalaba, perseguía e insultaba mientras reclamaba sus servicios encima del escenario o cuando hacían la calle; Renée reveló el miedo que experimentaban a la hora de presentarse ante sus familiares tal y como eran; un temor justificado por las agresiones verbales y físicas sufridas en su propio entorno, como así atestiguó Tamara, trans y gitana.
Frente a estas prácticas, Nacha ejemplificaba el lado más contestatario, mientras que Eva evidenciaba la incomodidad que se generaba en situaciones tan corrientes como mostrar el carnet de identidad. Por su parte, Josette revelaba las secuelas de los convencionalismos mediante un encuentro que mantuvo con su exesposa en el filme.
Seis mujeres que hicieron historia
Giménez-Rico condujo cada uno de los relatos alejándose de todo componente morboso y sensacionalista, y dirigió el peso narrativo sobre las protagonistas. Ello aportó profundidad al mensaje al tiempo que sirvió de crónica de cuanto rodeaba a las personas trans, ya que las confesiones delante de cámara caminaban en paralelo a las detenciones y encarcelamientos, falta de oportunidades laborales, agresiones y explotación sexual que padecían. También de los cambios que experimentaba la sociedad, coincidiendo la realización del filme con la despenalización de la operación de reasignación de sexo.
Los testimonios e incómodas verdades que con naturalidad y espontaneidad desfilaron en Vestida de azul hicieron de éste un novedoso documental. El mismo se proyectó en el Festival de San Sebastián, donde el público ovacionó durante diez minutos a las seis mujeres que valientemente compartieron con el mundo sus vivencias. La cinta, que también cruzó el charco para participar en el Chicago Film Festival, experimentó un considerable éxito; aun con el reducido presupuesto y equipo con el que contó, participando en el mismo el reputado director de fotografía, Teo Escamilla —quien a su vez intervino en la producción del filme junto al cineasta Jaime de Armiñán (Mi querida señorita, 1972) mediante la compañía Serva Films—.
«El caso Abel Trem»: El escándalo nacional de un examen suspendido. Fake news, ultranacionalismo y polarización son los tres ejes del mal de esta fascinante obra capital para entender el presente de Europa. Un ingenioso drama premiado en el Festival de Venecia.
El próximo viernes 3 de enero Filmin estrena, en exclusiva en España, la película «El caso Abel Trem» («Explanation for Everything» según su título original), dirigida por el húngaro Gábor Reisz («Bad Poems«).Se trata de un drama estrechamente vinculado con la realidad sociopolítica de una Hungría polarizada y que bajo el mandato de Viktor Orbán ha visto renacer una oleada de conservadurismo que afecta a todos los estratos de la sociedad. «El caso Abel Trem» ganó el premio a la Mejor Película de la sección Orizzonti del Festival de Venecia, y entre los muchos reconocimientos internacionales que ha recibido encontramos también la Lady Harimaguada de Plata a la segunda mejor película del Festival de Las Palmas.
En «El caso Abel Trem«, el protagonista de la película (Gáspár Adonyi-Walsh) es un joven estudiante enamorado en secreto de su mejor amiga Janka (Lilla Kizlinger), quien a su vez siente un amor no correspondido por el profesor de Historia de ambos, Jakab (András Rusznák). En el pasado, Jakab tuvo un enfrentamiento con el padre de Abel por razones políticas. Cuando Abel suspende el examen de Historia, el joven encuentra a su alrededor el caldo de cultivo perfecto para poner a Jakab entre la espada y la pared y convertir su suspenso en un asunto de Estado.
El quid de la cuestión en la película lo encontramos en un pin: «En el aniversario de la Guerra de Independencia de 1848, una de las celebraciones más prominentes de Hungría, es costumbre llevar un pin de nacionalidad compuesto por los colores de la bandera de nuestro país«, explica Gábor Reisz: «Los pines de nacionalidad exhibidos por el bando nacionalista durante eventos de partido y manifestaciones han cambiado bastante el significado de este símbolo en los últimos 20 años. Mientras que antes representaba la independencia húngara y un parentesco con nuestro país, hoy en día, cualquiera que lo lleve es considerado partidario de la nación, y cualquiera que no lo lleve es considerado enemigo«. Cuando Abel deje caer la idea de que su profesor le ha suspendido por llevar el pin de nacionalidad al examen, el asunto saltará a la opinión pública con dramáticas consecuencias.
«La situación se ha agravado tanto que ninguna reunión inocente de amigos o familiares puede llevarse a cabo sin que pronto se convierta en una discusión sobre quién está de qué lado, y, como resultado, las personas están cada vez menos interesadas en las opiniones de los demás, menos dispuestas a escucharse mutuamente«, afirma el director, muy activo socialmente en su país, especialmente en contra de la intervención del gobierno en la la Universidad de Artes del Teatro y del Cine de Budapest.
Reisz ha escrito la película junto a su exprofesora, la guionista Éva Schulze. «Un aspecto importante durante el proceso de escritura fue entender e ilustrar las intenciones y la desorientación de ambos lados«, afirma. «El caso Abel Trem» no recibió financiación pública por parte del Fondo Nacional de Cine de Hungría, algo habitual con aquellos proyectos que tratan de diseccionar la realidad política del país. «Con la ayuda de mi socio, el productor Juli Berkes, y de un equipo de diecisiete personas muy jóvenes, a menudo al comienzo de sus carreras, pero muy entusiastas, la ayuda y los favores de amigos y familiares, y trabajando con un presupuesto muy pequeño, logramos rodar la película en 20 días«, concluye el director.
La pantalla de cine de Tabakalera mostrará durante todo el año las películas de la generación de cineastas que han consolidado su carrera en programas como Ikusmira Berriak o Noka con la ayuda del Centro y la EQZE.
El feminismo y las mujeres cineastas serán otro de los ejes que vertebrarán la oferta cinematográfica de Tabakalera durante 2025.
El bono de cine y las entradas para las proyecciones de 2025 estarán disponibles a partir del 20 de diciembre en la web y en el Punto de Información de Tabakalera.
Tabakalera presenta la nueva temporada de cine 2025, que dará comienzo el 10 de enero, de la mano de la propuesta elaborada por las entidades que programan en la pantalla compartida de Tabakalera: Donostia Kultura, Festival de San Sebastián, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine Eskola y Tabakalera.
El próximo año, Tabakalera celebrará su décimo aniversario, y la programación de cine será una prolongación de dicha efeméride, una puesta en valor del camino y el trabajo realizado durante estos años.
‘Generación Tabakalera’
La pantalla de cine de Tabakalera proyectará durante todo el año las películas de la generación de cineastas que ha iniciado y consolidado su carrera al amparo de los diversos programas de residencias y convocatorias de apoyo al cine, promovidas por las entidades que conforman la pantalla compartida, y que ha ido articulando un sistema de apoyo a la creación cinematográfica como Ikusmira Berriak o Noka.
El ciclo Ikusmira Berriak 10 años, parte de Zinemaldia + Plus, se organiza este año en colaboración entre el Festival de San Sebastián y Tabakalera, coincidiendo con el décimo aniversario del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. El nuevo ciclo propone explorar y celebrar, con mirada retrospectiva, los diez años que cumple la residencia cinematográfica Ikusmira Berriak, coorganizada por las dos instituciones junto a Elías Querejeta Zine Eskola, a través de 21 películas desarrolladas en el marco del programa y que ya han sido finalizadas y estrenadas en diversos festivales internacionales como el Festival de San Sebastián, Cannes, Venecia, Berlinale, Sundance, Locarno, Viennale, Márgenes, Torino o Mar del Plata, entre otros.
En la primera sesión, el 25 de enero, se proyectarán el corto El extraño (2016) y el largometraje El gran movimiento (2021), respectivamente dirigidos por Pablo Álvarez y Kiro Russo, mientras que el 1 de febrero coincidirá Calipatria, de Leo Calice y Gerhard Treml, con Eles transportan a morte (2021), de Helena Girón y Samuel Delgado. El 8 de febrero será el turno de Gwendolyn Green (Tamyka Smith, 2017) y All Dirt Roads Taste of Salt (Raven Jackson, 2023), el 15 de febrero el de Trote (Xacio Baño, 2018) y el 8 de marzo el de Las letras de Jordi (Maider Fernández Iriarte, 2019).
Estos son los demás títulos programados, cuyas fechas se concretarán próximamente: Chupacabra (Grigory Kolomytsev, 2020), Stephanie (Leonardo van Dijl, 2020) y Creatura (Elena Martín Gimeno, 2023), Jo ta ke (Aitziber Olaskoaga, 2020), Fantasía (Aitor Merino, 2021) -en la fase de proyecto de esta película también participó Amaia Merino-, El agua (Elena López Riera, 2022), Suro (Mikel Gurrea, 2022), Pornomelancholia (Manuel Abramovich, 2022), Antier noche (Alberto Martín Menacho, 2023), O Corno (Jaione Camborda, 2023), Dormir de olhos abertos (Nele Wohlatz, 2024), Ulysses (Hikaru Uwagawa, 2024) y Monólogo colectivo (Jessica Sarah Rinland, 2024). Aunque también formaron parte de Ikusmira Berriak las películas Muga deitzen da pausoa (2019), de Maider Oleaga, y 918 gau (2022), de Arantza Santesteban, no se proyectarán en la retrospectiva porque han sido recientemente programadas en el ciclo Cineastas Vascas de la Filmoteca Vasca. No obstante, ambas directoras participarán en la celebración presentando alguna película del ciclo.
El aniversario se complementará con un libro cuya publicación está prevista para primavera y que recogerá voces, imágenes y reflexiones acerca de Ikusmira Berriak. No sólo incluirá entrevistas con diez cineastas que han pasado por el programa, sino también aportaciones de algunas personas que han participado en las tutorías o de representantes de las instituciones que impulsan el proyecto. En definitiva, se trata de una memoria que contará los diez años de la residencia y en la que estarán presentes las 53 cineastas que han formado parte de su historia.
Por otro lado, Zinemaldia + Plus también ofrecerá en septiembre las tradicionales proyecciones vinculadas a la filmografía de los Premios Donostia de la edición.
Durante el fin de semana del 13 al 15 de junio, se celebrará el festival Generación Tabakalera, en el que se proyectarán proyectos desarrollados en la EQZE y películas estrenadas en diversos festivales internacionales y que se han desarrollado en los programas de impulso del talento cinematográfico emergente como Noka, una iniciativa dedicada a la tutorización, acompañamiento y apoyo de largometrajes dirigidos por realizadoras vascas que desde su inicio en 2019 ha contado con la participación de una veintena de mujeres cineastas.
El feminismo será otro de los ejes que vertebrará el programa de cine de Tabakalera, con especial protagonismo en ciclos como Nosferatu o la quinta edición de Cineastas Vascas, pero también con los ciclos específicos que durante 2025 se dedicarán a la directora Patricia Mazuy y Cine y literatura: Chantal Akerman con la presencia en el cine de las escritoras Itxaro Borda, Karmele Jaio y Danele Sarriugarte. Además, la visión y la práctica feminista estará presentes en otros ciclos y proyecciones a través de las temáticas o invitadas presentes en la programación.
‘Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine’
El próximo día 15 de enero comenzará en Tabakalera el nuevo ciclo Nosferatu, Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine, que se acerca a la historia del cine desde un punto de vista femenino y feminista y que repasará sus 130 años de existencia a través de películas dirigidas por creadoras de todas las épocas y procedencias.
El ciclo, organizado por Donostia Kultura y la Filmoteca Vasca, con la colaboración de Tabakalera y el Institut Valencià de Cultura – La Filmoteca, se desarrollará entre enero y diciembre de 2025.
Desde 1896, con los trabajos de la pionera francesa Alice Guy (protagonista de la primera sesión, en la que se proyectarán tres de sus películas junto con una de Mabel Normand), hasta la actualidad esta muestra pretende revisar, proyectar y reivindicar el trabajo de directoras, guionistas, productoras y actrices, algunas reconocidas y reivindicadas en los últimos años, otras muchas olvidadas y eliminadas de las historias del cine.
La retrospectiva se inicia mostrando el trabajo de pioneras como Lois Weber, Frances Marion, Musidora, Dorothy Arzner, Ana Mariscal o Ida Lupino (clásicas), continua con, entre otras muchas, Agnès Varda, Chantal Akerman, Lorenza Mazzetti, Lina Wertmüller, Larisa Shepitko o Barbara Loden (modernas) y se cerrará en otoño con extrañas como Susan Seidelman, Naomi Kawase, Kathryn Bigelow, Jane Campion, Isabel Coixet o Mati Diop.
El ciclo se acompañará con la edición de dos libros, uno en castellano y otro en euskera. El primero,Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine, coordinado por Elisa McCausland y Diego Salgado, se publicará en enero de 2025. El segundo, coordinado por Iratxe Fresneda, se editará a finales del próximo año.
Octava edición de Cine y Ciencia
La Filmoteca Vasca comenzará el año con la octava edición del ciclo Cine y Ciencia, que organiza en colaboración con el DIPC (Donostia International Physics Center) y el Festival de San Sebastián. The Theory of Everything –La teoría del todo– (James Marsh, 2014) inaugurará el año el próximo viernes 10 de enero y contará con la presentación del físico y presidente del DIPC, Pedro Miguel Etxenike. Este programa, que se sirve de la universalidad del lenguaje cinematográfico para mostrar la profundidad del pensamiento científico, tiene por objetivo transmitir cultura cinematográfica y científica. Las doce películas que integrarán el ciclo, así como las sesiones escolares, se anunciarán a principios de enero.
Entre abril y junio tendrá lugar la quinta y última edición de Cineastas Vascas, que pondrá de relieve el trabajo de directoras vascas de largometrajes nacidas en los 80 y 90. Este ciclo, habitualmente programado en otoño, se trasladará a los meses de abril, mayo y junio. En julio, será el turno de Jazzinema, la feliz simbiosis entre cine y jazz. Y entre septiembre (durante el Festival de San Sebastián) y diciembre de 2025 y hasta en cinco capitales, la Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián proyectarán Klasikoak, una propuesta con tres grandes ejes que rescatará películas restauradas y memorables de la historia del séptimo arte: un festival de cine clásico extendido en el tiempo y en el espacio.
El 23 de enero y con la proyección de la película Peaux de vaches Tabakalera se dará inicio a la retrospectiva dedicada a la cineasta Patricia Mazuy, directora formada por el cine de Leone y Peckinpah y aprendiz de la legendaria Agnès Varda. Su filmografía cuenta con seis títulos repartidos a lo largo de más de tres décadas, pero con marcas siempre presentes como la violencia, el humor, lo rural y la mezcla de géneros.
A partir de enero volverá el ciclo que propone el cruce entre cine y literatura, y que en 2025 se centrará en la figura de Chantal Akerman. La primera sesión tendrá lugar el 16 de enero, con la proyección de un hito cinematográfico Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles y contará con una presentación de la mano de la escritora Itxaro Borda.
Roberto Minervini es un director, productor y fotógrafo italiano, residente en EEUU. Se dio a conocer internacionalmente con Stop the Pounding Heart (2014). The Other Side (2016) se estrenó en la sección Un Certain Regard de Cannes. Reconocido por una obra intimista y política que retrata la sociedad norteamericana rural, transita entre la ficción y el documental. Sus retratos de personas marginadas lo han convertido en un cineasta polémico pero indispensable en el panorama actual del cine. Minervini visitará Tabakalera a finales de mayo.
Además, Tabakalera continuará promoviendo el acercamiento entre cineastas y espectadores/as, y el cruce entre las distintas disciplinas creativas en su programación. Proyectos como Cine hablado, que propone un espacio de encuentro para que directores/as charlen en la sala de cine sobre el proceso de creación de sus películas, las sesiones para el público familiar Kameleoiak Gara!, el ciclo de Cine contemporáneo o Cine y Música, continuarán durante 2025.
El Centro también continuará incidiendo en la programación destinada especialmente a atraer nuevos públicos a la sala de cine del Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Propuestas específicas como el Jóvenes en el cine, el grupo de programación conformado por estudiantes de la UPV/EHU, continuarán programando una vez al mes la sala de cine de Tabakalera. El 30 de enero proyectarán La Haine (1995), de Mathieu Kassovitz.
Bono de cine 2025 y venta de entradas
El bono de cine de Tabakalera se renueva por otro año, y ofrecerá a los/as usuarios/as la entrada por120€ a 40 películas de entre todas las programadas por las instituciones socias de la pantalla compartida a lo largo de 2025: Donostia Kultura, Filmoteca Vasca, Elías Querejeta Zine-Eskola, Festival de San Sebastián y Tabakalera, a excepción de las películas programadas durante el Festival de San Sebastián de 2025.
Un año más, la compra del bono incluye una de las dos publicaciones de la Colección Nosferatu: AEBetako western post-klasikoa eta garaikidea o la citada Clásicas, modernas y extrañas. Historias feministas del cine.
El bono se podrá adquirir a partir del 20 de diciembre de 2024 a las 12:00 del mediodía, hasta el 31 de enero de 2025 a las 12:00, tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro. También se abrirá en esa misma fecha y hora y en los mismos espacios la venta de entradas ordinarias correspondientes a las proyecciones del mes de enero.
El consumo del bono podrá realizarse desde el 1 de enero de 2025 hasta el 31 de diciembre de 2025 (ambos incluidos), y todas las gestiones vinculadas al bono podrán realizarse tanto en la web de Tabakalera como en el Punto de Información del centro: comprar el bono, enviarlo como regalo a otra persona, adquirir entradas para películas con el descuento del bono o consultar el saldo disponible.
Toda la información relacionada con el bono de cine 2025 y las proyecciones previstas para el mes de enero se podrán consultar en la web de Tabakalera.
Historia de la vida de Blancanieves (Bernardo Fernández, 1969). España. DCP. B/N. 58’
El manuscrito encontrado en Zarazwela / Nos-fera-a-touts la pugnete (José Ernesto Díaz-Noriega, 1977). España. DCP. B/N. 97’
Con motivo del ciclo “El espejo deformante. Cine y esperpento” entre Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía, programamos esta sesión doble de underground español que abraza sin miedo los reflejos deformantes de las fábulas y el expresionismo para contar a un país que todavía no se podía contar a sí mismo.
Estas Navidades, «Sala:B» os trae un regalo en forma de cine underground español, ese que tanto nos cuesta encontrar y tanto anhelamos. Hemos conseguido reunir dos muestras excepcionales, marginales en su nacimiento y, por si eso fuera poco, castigadas por la censura hasta casi hacerlas invisibles. Historia de la vida de Blancanieves nació como práctica de Bernardo Fernández en la Escuela Oficial de Cine, con tan mala suerte que en su promoción entró un nuevo director (Juan Julio Baena) solicitando que las prácticas de los alumnos se sometieran a la Junta de Censura. Esto provocó que ese espacio único de libertad, donde los cineastas se podían expresar antes de salir a la industria amordazada por el franquismo, fuera perseguido incluso con carácter retroactivo, impidiendo que trabajos anteriores de Pedro Costa o Antonio Drove pudieran ser exhibidos fuera de la Escuela. Uno de los censores calificó Historia de la vida de Blancanieves como “subversiva, infecta, irreverente, sucia, sexual, grosera en imágenes y lenguaje”; otro la tachó de “subversiva y maloliente”. Para David Bizarro, invitado a la sesión, “esta versión ácrata de la fábula de Blancanieves podría definirse como el precedente directo de Alicia en la España de las maravillas (1978) y Gulliver (1977)”. Ojo a las afiladísimas menciones a la monarquía y a los tejemanejes del poder desde castillos muy cercanos al cine Doré.
El manuscrito encontrado en la Zarazwela (“titulada en francés Nous-ferá-tous la Pugnete”) no se queda corta en corrosión y analogías con la escena política española. Se trata de un redoblaje de José Ernesto Díaz-Noriega, JEDN, pionero del cine amateur y la parodia cinéfaga, que convierte el Nosferatu de Murnau en un esperpento sobre las falsas promesas aperturistas de Arias Navarro (aquí Dráculas Navarro), presidente del último gobierno de Franco (Duque de Franconia). Apuntemos el reparto de nombres en clave: Jonathan Carolous (Juan Carlos I), Nina Democracia (Sofía), el Doctor Plaga (Fraga), Adolfus Suave, el castillo de Meirás e Non Tornarás… Como señala Bizarro: “aunque nacido en Barcelona, el sentido del humor de JEDN es consustancial a la retranca gallega. Sufrió la misma maldición que el Nosferatu de Murnau, que a punto estuvo de desaparecer para siempre cuando la viuda de Bram Stoker ganó el juicio sobre derechos de autor y el tribunal ordenó quemar los negativos originales. A Díaz-Noriega le robaron su única copia en Madrid y tuvo que volver a sincronizar el audio en un nuevo Super-8.”
Presentan la sesión David Bizarro, investigador de lo paranormal, médium del audiovisual y miembro de la editorial La Felguera, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 15’.
Xerophtalmie (Akihiko Morishita, 1984), Movie watching (Jun’ichi Okuyama, 1982) i Xerophilie (Akihiko Morishita, 1984)
Esta sesión, un acercamiento al cine de vanguardia japonés de los años setenta y ochenta, reúne la obra de las figuras tutelares de aquella vanguardia con la de artistas prácticamente invisibilizados. El cine ilusionista y lúdico de estas tres generaciones de cineastas combina la representación del paisaje con el análisis minimalista del dispositivo cinematográfico.
Partiendo del mar como motivo (The Pacific Ocean, Heliography, 3···, Walking Works), de la indagación sobre la mecánica del cine (Xérophtalmie, Xérophilie, Spacy, A Man Playing Movie, Wiper) o de una inusitada combinación de ambas aproximaciones (Movie Watching, The Time Slit), las películas de este programa construyen visiones ampliadas que solo posibilita una cámara. Sin embargo, a pesar de las tonalidades compartidas, en esta sesión también se despliega una ecléctica variedad de métodos y referencias de estos cineastas. Takahiko Iimura condensa una travesía por el Pacífico en la ilusión de un único horizonte. En sus desafíos fisiológicos, Hiroshi Yamazaki altera el eje vertical de la visión o reitera un persistente encuadre a lo largo de diferentes distancias o coordenadas. Itaru Kato y Takashi Ito elaboran sus trampantojos y divertimentos enmascarando o confundiendo imágenes fijas y en movimiento, explorando así la relación entre profundidad y superficie. Del letrismo a Fluxus, Akihiko Morishita encuentra en la referencialidad la ironía con la que construye sus sarcásticos collages. Finalmente, Jun’ichi Okuyama pone en abismo los engranajes de la proyección y sus posibles interferencias, componiendo así analogías líricas asombrosas.
The Pacific Ocean, Takahiko Iimura, 1971, sin sonido, 11 min; Heliography, Hiroshi Yamazaki, 1979, 6 min; Movie Watching, Jun’ichi Okuyama, 1982, sin sonido, 12 min; 3···, Hiroshi Yamazaki, 1984, 5 min; The Time Slit, Jun’ichi Okuyama, 1989, 6 min; Xérophtalmie, Akihiko Morishita, 1984, sin sonido, 9 min; Walking Works, Hiroshi Yamazaki, 1983, 5 min; Xérophilie, Akihiko Morishita, 1984, sin sonido, 9 min; Spacy, Takashi Ito, 1981, 9 min; Wiper, Itaru Kato, 1985, 7 min; A Man Playing Movie, Jun’ichi Okuyama, 1986-87, 10 min.
Proyección en 16 mm.
Copias procedentes de Light Cone (Francia) e Image Forum (Japón).
Agradecimientos a Kenji Kadowaki.
Fecha: 20 febrero 2025
Horario: 19.00
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
La primera película como director del genial director de fotografía Sean Price Williams («Good Time») aúna poesía y política para retratar la América contemporánea.
El viernes 29 de noviembre llega a Filmin «The Sweet East», primera película como director de Sean Price Williams, uno de los directores de fotografía más influyentes del cine indie americano en los últimos años. Williams ha trabajado con cineastas como Abel Ferrara («Zeros and Ones«), los hermanos Safdie («Good Time«), Alex Ross Perry («Listen Up Philip«) o Athina Rachel Tsangari («Harvest«), entre otros, y ahora dirige su primera película que ha coescrito junto a su amigo Nick Pirkenton. «The Sweet East» está protagonizada por un reparto repleto de jóvenes promesas de la interpretación estadounidense como Talia Ryder («Nunca, casi nunca, a veces, siempre«), Jacob Elordi (de la serie «Euphoria«), Earl Cave («La escuela del bien y del mal«) o el más veterano Simon Rex, elprotagonista de «Red Rocket» de Sean Baker. Entre los múltiples reconocimientos que ha recibido la película -estrenada en España en la Seminci de Valladolid y posteriormente en cines de la mano de Caramel- destacan premios en los festivales de Deauville, Ghent o Beijing.
Williams y Pinkerton confiesan que una de las mayores inspiraciones de «The Sweet East» es «Carretera asfaltada en dos direcciones«, de Monte Hellman, aunque rehuyen las etiquetas y no creen que su película pueda ser calificada como una road movie. «Una road movie de verdad es algo que viene definido por reglas concretas. Nuestra película terminada podría ser una road movie, pero como ese género se rige por ciertas reglas, no creemos que forme parte de esa categoría«, afirma Williams. «No creo que la película pertenezca a ese género porque se centra más en las paradas en boxes que hace su protagonista que en estar en la carretera«, añade Pinkerton.
La película, que se autodefine como una versión punk de «Alicia en el país de las maravillas«, dibuja un retrato poético y político de la América contemporánea y sus subculturas. «La mera reivindicación del patriotismo norteamericano en el siglo XXI parece irritar a la mayoría de los círculos en los que nos movemos. Creo que la película está inspirada en ese simple hecho«, afirma Williams, que confiesa que su film está repleto de escenarios, personajes y situaciones extraídos de su propia vida y la de su coguionista.
«The Sweet East» destaca también por ser el primer papel protagonista de Talia Ryder, llamada a ser una de las próximas estrellas jóvenes de Hollywood. Vista hasta ahora en «West Side Story«, de Steven Spielberg, o «Golpe a Wall Street«, de Craig Gillespie, tiene pendiente de estreno «The American«, biopic de la bailarina de ballet Joy Womack, la primera estadounidense que ingresó en la prestigiosa Academia de Ballet Bolshoi de Moscú. Williams se deshace en elogios con ella: «Talia fue la primera persona con la que me reuní para interpretar el papel de Lillian. Me impresionó por muchas razones. Pero ella fue la primera, así que, como amante de la historia del cine, no podía asumir que la primera persona que veía fuera la indicada. Hablé con otras. Gente estupenda que me hizo muy buena impresión. Fue emocionante descubrir tantos actores jóvenes y brillantes. Cuando volví a ver a Talia, hizo muchas preguntas. Y quedó claro que ella entendía al personaje más a fondo que cualquiera de nosotros. Confié totalmente en ella. Si no le gustaba una línea, la cortábamos. Hizo muy buenas sugerencias para el casting y siempre las tuvimos en cuenta. Hizo gala de un gran instinto durante el montaje. No paraba de impresionarme. No tuve más remedio que reconocer que Talia era Lillian«.
