Categoría: Noticias

“Sala:B”. Fenómenas y extrañas

  Por ,

Pasiva y bien dotada (Dana Montana, 1996). España. DCP. 35mm. 35´

Las colocadas (Dana Montana, 1996). España. DCP. Color. 33´

La tercera puerta (Álvaro Forqué, 1976). Int: Yolanda Farr, José María Montez, Alfredo Amestoy. España. 35mm. Color. 102´

Pocas veces en «Sala:B» ha sido tan literal lo de “cine underground”: rodado en vídeo doméstico, con personajes de la noche madrileña, en casas prestadas y bares de ambiente. Descubre la sesión más queer del año.

Daniel Gómez, alias Dana Montana, realizó en la segunda mitad de los 90 una filmografía tan desconocida como reveladora, con una combinación única de transgresión y ternura. Entre sus obras destacan dos mediometrajes: Pasiva y bien dotada y Las colocadas, piezas de culto del cine marginal español, que se anticiparon sin quererlo al fenómeno drag y al (escaso) panorama queer del audiovisual español. Pasiva y bien dotada surgió como sátira del cine X y S con un guion escrito del tirón y una escena homenaje a Divine. Su inesperado éxito mediático llevó a preparar una secuela que no llegó a rodarse. En su lugar nacería Las colocadas, interpretada por mujeres “muy maricas” del cabaret alternativo: Mariola Fuentes, Lina Mira y Antonia San Juan. Un trío de lujo que, poco después, daría el salto al cine de Almodóvar. Daniel Gómez dedica esta proyección “a Java, todo un personaje con un sentido del humor fuera de serie y principal motor y artífice de estos mediometrajes. Besos al cielo y forever, Java.»

Completamos la sesión con La tercera puerta, insólito documental con recreaciones que mezcla la memoria oral de José María Montez, exboy de los años treinta, con los ensayos de un espectáculo en el club Topless de Madrid. Presentada por el mítico Alfredo Amestoy, causó revuelo en su estreno en Barcelona cuando varios espectadores detuvieron la proyección entre gritos. La policía tuvo que intervenir. El director Álvaro Forqué, con solo 23 años, firmaba así una de las primeras películas españolas que abordaban la homosexualidad sin moralina ni censura, y lo hacía desde la verdad y la memoria. Una rareza pionera que merece ser recuperada.

Presentan la sesión el director Daniel Gómez y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10´ (Total sesión: 180´).

LUGAR Y FECHAS

Cine Doré

Viernes27/06/202519:30

“Bodegón con fantasmas», la ópera prima que renueva el costumbrismo manchego se estrena en Filmin el próximo 6 de junio

  Por ,

El próximo viernes 6 de junio llega a Filmin “Bodegón con fantasmas”, el debut en el largometraje del director Enrique Buleo. La película ha recorrido con éxito festivales como Sitges, Varsovia y Gijón, donde ha sido destacada por su originalidad y sensibilidad. Esta propuesta fresca y profundamente humana combina comedia negra, costumbrismo rural y elementos paranormales en el corazón de Castilla-La Mancha. 

Crucifijos, mesas camilla con braseros, patios típicos manchegos y fantasmas vestidos con sábanas blancas. En un pequeño pueblo castellano conviven los vivos con los muertos sin demasiados aspavientos. Dividida en cinco historias independientes pero conectadas, la película retrata con humor y delicadeza las vidas (y muertes) de personajes enfrentados a la soledad, la fe o el amor: una mujer harta de su marido, un cura visitado por fantasmas, o vecinos que encuentran consuelo en lo sobrenatural.

La muerte como vecina

“Bodegón con fantasmas” es una obra singular que conjuga con elegancia lo insólito y lo cotidiano en el marco de un pueblo castellano donde la muerte ha dejado de ser un tabú. Enrique Buleo retrata con ironía, cariño y un punto de delirio las rutinas, frustraciones y anhelos de personajes atrapados entre el pasado y la costumbre. El escenario rural no es solo fondo, sino motor emocional: señoras mayores, rituales olvidados y silencios largos conviven con presencias espectrales que parecen más humanas que los vivos. Y la muerte, así, se convierte en una vecina más del pueblo.

Surrealismo al servicio de una comedia negra que emociona

Inspirada en la tradición del esperpento español y en el estilo visual y narrativo de cineastas como Roy Andersson y Aki Kaurismäki, «Bodegón con fantasmas» se vale de ese surrealismo y costumbrismo para abordar temas como la muerte y la soledad. La película funciona como una olla en la que se mezclan los ingredientes más reconocibles del paisaje rural español con una fantasía absurda que no ridiculiza, sino que humaniza. Lo que podría haber sido una comedia grotesca se convierte, gracias al cariño y la sensibilidad del autor, en una obra que deja el corazón muy calentito, haciendo reír mientras lanza un pequeño pellizco en el pecho. 

Llega a FlixOlé la épica y maldita ‘marcianada’ del cine español de los 80’s: «El caballero del dragón»

  Por ,

Dirigida por Fernando Colomo, y protagonizada por Miguel Bosé, Harvey Keitel y Klaus Kinski, El caballero del dragón combinó el cine de extraterrestres con las novelas caballerescas y un humor próximo a los Monty Phyton.

Llega a FlixOlé una de las películas más ambiciosas e inclasificables del cine español de los 80’s: El caballero del dragón (1985). El estreno en la plataforma, el próximo viernes 30 de mayo, coincide con los 40 años de la proyección en salas de esta superproducción con estrellas internacionales que intentó hacer historia en el género de ciencia ficción y fantasía con una trama de naves espaciales en la Europa medieval. Sin embargo, el destino le depararía la etiqueta de película maldita al no poder recuperar en taquilla su astronómico presupuesto.

En la dirección y guion se encontraba Fernando Colomo, quien dos años antes había rodado en New York, La línea del cielo (1983). Dispuesto a cambiar de registro y abrir el cine español al mercado extranjero, el que fuera uno de los creadores de la comedia madrileña se encontró dando órdenes al cantante Miguel Bosé y a los actores Harvey Keitel y Klaus Kinski en una versión sideralmente libre de la leyenda sobre Sant Jordi y el dragón.

El relato transcurre en la Edad Media. En una de sus habituales escapadas, la hija del conde de Ruk, Alba (María Lemor), es abducida por un platillo volante, al cual confunden los lugareños con un dragón. El padre ofrece una recompensa a quien la rescate y dé muerte al monstruo, ofreciéndose para ello el jefe de la guardia, Clever (Harvey Keitel), quien a su vez conspira con Fray Lupo (Fernando Rey) para hacerse con el reino. La joven reaparece, enamorada del extraterrestre que la secuestró (Miguel Bosé). El consejero alquimista del conde (Klaus Kinski) intentará ayudar a que el amor entre Alba y el marciano triunfe frente a las tretas de Clever y el sacerdote.

La película más cara del cine español

Colomo pretendía emular en El corazón del dragón los éxitos hollywoodienses fusionando los filmes de ovnis con el cine caballeresco, introduciendo guiños quijotescos y toques de humor a lo Monty Phyton. La película tuvo que superar innumerables obstáculos: las dificultades de rodar en el inaccesible castillo de Olot, los retrasos por las lluvias, un extra que casi se ahoga y los continuos problemas con Kinski. Según el director, el intérprete alemán vinculado a Werner Herzog quiso boicotear la película desde el primer momento.

A los problemas del rodaje se sumaron los contratiempos con las fechas de estreno y los conflictos con las distribuidoras estadounidenses. Aunque fue una de las cintas más vistas el año de su proyección, la taquilla no fue suficiente para afrontar el coste de la que fue hasta la fecha la película más cara del cine español (más de 300 millones de pesetas de presupuesto). La aventura casi arruinó a Colomo, quien se pudo recuperar con su siguiente proyecto: La vida alegre (1987). 

Adelantado a su época, con una fotografía a cargo del laureado José Luis Alcaine y unos efectos especiales insólitos en la industria audiovisual nacional de la época, el tono del largometraje no se entendió y el filme no acabó de funcionar. Convertida en una película maldita, tanto por su ambiciosa producción como por la intrahistoria que la envuelve, El caballero del dragón marcó un estilo que sería explotado después con gran éxito en títulos como Dentro del laberinto (1986) o La princesa prometida (1987). El filme de Colomo llegará a FlixOlé en una versión restaurada en sus laboratorios, facilitando el visionado de la misma en una calidad de imagen y sonido inmejorables.        

Ciencia ficción a la española

Además del estreno de El caballero del dragón, la plataforma también incorporará otros dos títulos del género de ciencia ficción a su catálogo: Misterio en la isla de los monstruos(Juan Piquer Simón, 1981) y Fuera del cuerpo (Vicente Peñarrocha, 2004). En la primera, el pionero director del cine fantástico en el cine español adaptó la aventura escrita por Julio Verne con un elenco en el que comparten encuadre Terence Stamp y Peter Cushing con Ana Obregón. Por lo que respecta a Fuera del cuerpo, Peñarrocha introduce al espectador en un caleidoscopio narrativo con numerosas trampas de personajes y escenarios.

Dichas películas se incluirán el próximo viernes, 30 de mayo, en una colección con la que la plataforma recorre las otras realidades que el cine español imaginó y con las que alimentó el género de la ciencia ficción en la gran pantalla del país. El especial abarca desde hibridaciones castizas, como La torre de los siete jorobados (Edgar Neville, 1944); rarezas hipnóticas como Fata Morgana (Vicente Aranda, 1965); viajes ‘espaciales’ caseros como El astronauta (Javier Aguirre, 1970); relatos extraídos de la literatura pulp, como La isla misteriosa y La grieta (Juan Piquer Simón, 1973 y 1989, respectivamente); reivindicados Platillos volantes (Óscar Aibar, 2003) y monumentos al disparate como El milagro de P. Tinto (Javier Fesser, 1998). Así hasta alcanzar casi la treintena de filmes distópicos del séptimo arte español.

El cruce entre cine y videoclip protagoniza la programación de junio en Cineteca Madrid

  Por

En un mes dedicado a la música, el ciclo ‘Cine y videoclip: un cruce de lenguajes’ explora la influencia del videoclip en el cine contemporáneo

Los ciclos ‘Vanguardia musical’ y ‘Punto y Raya, visual music’, completan la propuesta de Cineteca Madrid con motivo de la celebración del Día Europeo de la Música en Matadero Madrid (DEMM25)

También el equipo de CineZeta convierte el sonido en protagonista en su ciclo ‘Total Sound Machine’

Una selección de filmes celebra los 30 años de la trilogía de Richard Linklater Antes del amanecer

Un foco sobre el director francés Bertrand Bonello incluye tres proyecciones y una masterclass

El homenaje al 80º aniversario de Fassbinder continúa con un segundo episodio que explora su legado a través de películas que escribió, inspiró o en las que participó

Grandes clásicos familiares para la matinal de los domingos y los últimos estrenos completan una programación en la que no faltarán las secciones habituales

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento, dedica el mes de junio a los cruces entre imagen y música, coincidiendo con la celebración del Día Europeo de la Música en Matadero Madrid (DEMM25). Una programación que pone el foco en el videoclip como forma artística (visual music), la música como herramienta narrativa y la escucha como forma de presencia. Completan la programación un homenaje a Fassbinder, una selección de películas de los directores Richard Linklater y Bertrand Bonello, y la proyección de filmes que celebran la diversidad con motivo del mes del Orgullo.

‘Cine y videoclip: un cruce de lenguajes’

Desde su aparición en los años ochenta con la explosión de MTV y el icónico lema ‘Video killed the radio star’, el videoclip ha transformado radicalmente nuestra manera de entender la música, mirar imágenes y narrar emociones. Contra el escepticismo de la crítica tradicional, el videoclip se consolidó como un formato de experimentación estética y emocional, mezclando lenguajes del cine, la publicidad, la moda y el arte contemporáneo. Su influencia, lejos de limitarse a lo musical, ha sido decisiva para una generación de cineastas que hallaron en su dinámica visual inspiración para innovar en el montaje, la narrativa y la composición.

El ciclo ‘Cine y videoclip: un cruce de lenguajes’, ideado y presentado por Felipe Rodríguez Torres, propone una inmersión profunda en esta revolución audiovisual a través de una selección de películas que encarnan ese cruce de formas. Títulos como Purple Rain (EE.UU., 1984), de Albert Magnoli; Calles de fuego (EE.UU., 1984), de Walter Hill, o Romeo + Juliet (EE.UU.-México-Australia-Canadá, 1996), de Baz Luhrmann, revelan cómo el videoclip ha infundido al cine una nueva energía narrativa, emocional y estética. A ellos se suma ¡Olvídate de mí! (EE.UU., 2004), de Michel Gondry, pionero de la transición del videoclip al cine de autor. Además, dos seminarios teóricos complementan las proyecciones para reflexionar sobre los orígenes del videoclip, sus mutaciones y su impacto en el cine contemporáneo.

‘Vanguardia musical’ y visual music

El ciclo ‘Vanguardia musical’ y el programa ‘Punto y Raya, visual music’ recogen obras que exploran el ritmo, la melodía y la armonía en lo visual; filmes de animación abstracta, experimentación sonora y exploraciones poéticas. Títulos como Sinestesias, Evanescencias o Ritmos algebraicos convierten la pantalla en partitura.

CineZeta: Total Sound Machine

En este ciclo el sonido toma el centro de la experiencia cinematográfica. Desde el clásico de Sistiaga …ere erera baleibu izik subua aruaren… (España, 1970) hasta las piezas más radicales de Nam June Paik o William Basinski, las sesiones proponen un viaje del trance a la contemplación, de la psicodelia al silencio. Son imágenes que suenan y sonidos que se ven.

30 años de Antes del amanecer

En 1995, Richard Linklater estrenó Antes del amanecer, una película que, con una premisa sencilla —dos jóvenes se conocen en un tren y pasan una noche juntos caminando por Viena—, consiguió marcar a toda una generación de espectadores. La intimidad de los diálogos, la honestidad emocional y la atención minuciosa a los gestos cotidianos convirtieron esta historia en un hito del cine romántico contemporáneo. Pero Antes del amanecer no fue solo una historia de amor: fue una reflexión lúcida sobre el tiempo, el azar y la conexión humana.

Para celebrar el 30º aniversario de este clásico, Cineteca Madrid proyecta la trilogía completa, que se prolonga a lo largo de 18 años: Antes del amanecer (EE.UU.-Austria, 1995), Antes del atardecer (EE.UU.-Francia, 2004) y Antes del anochecer (EE.UU.-Grecia, 2013). Cada entrega acompaña a Jesse y Céline en una etapa distinta de sus vidas, revelando cómo el paso del tiempo transforma las relaciones, los deseos y las certezas. La evolución de los personajes y del propio lenguaje cinematográfico de Linklater convierte esta trilogía en un experimento narrativo sin precedentes, donde el cine actúa como un espejo emocional del crecimiento personal.

Cinema Pride 2025

En el marco de las celebraciones del Orgullo 2025, Cineteca Madrid vuelve a ser punto de encuentro para las narrativas LGTBIQ+ con una nueva edición de Cinema Pride, un ciclo organizado junto a Fundación Triángulo y LesGaiCineMad. Esta cita anual, ya consolidada en la programación cultural de la ciudad, celebra la diversidad y la visibilidad desde el cine como espacio de representación, memoria y transformación. Las películas seleccionadas, que van desde los grandes estrenos recientes hasta cortometrajes de autor o clásicos contemporáneos, construyen un retrato plural de las identidades y afectividades queer, apostando por miradas comprometidas, libres y necesarias.

La edición de este año propone una travesía por historias de amor no normativas, luchas cotidianas, comunidades resilientes y expresiones artísticas que desbordan las etiquetas. Títulos como National Anthem (Luke Gilford, EE.UU., 2023) o The Wedding Banquet (Andrew Ahn, EE.UU., 2025) coexisten con propuestas como los cortos palestinos, que acercan la experiencia queer en territorios en conflicto. Además, en la misma semana Cineteca Madrid presenta el programa doble Esta ciudad es mágica / Solo cuando tú eres mágica, una selección del archivo Hamaca que recorre las disidencias sexuales desde el cuerpo, el deseo y la creación digital.

El mito y el deseo en Bertrand Bonello

Filmadrid y ECAM Forum presentan un foco sobre Bertrand Bonello, figura clave del cine francés contemporáneo. Con tres de sus películas más significativas, Tiresia (Francia, 2003), Casa de tolerancia (Francia, 2011) y Zombi Child (Francia, 2019), y una masterclass el 12 de junio, el programa invita a explorar los pilares de su cine: el mito, la historia y el deseo como detonantes del presente.

Fassbinder y compañía (episodio 2)

El homenaje al 80º aniversario de Fassbinder continúa con un segundo episodio que explora su legado a través de películas que escribió, inspiró o en las que participó. Desde La ternura de los lobos (Ulli Lommel, Alemania, 1973) hasta Mysterious Skin (Gregg Araki, EE.UU.-Países Bajos, 2004), pasando por La ley del deseo (Pedro Almodóvar, España, 1987) o Happy Together (Wong Kar-wai, Hong Kong, 1997), el ciclo muestra la proyección de su estilo en cinematografías diversas.

Sesiones matinales en familia, estrenos y secciones habituales

Las mañanas de domingo están dedicadas a toda la familia con clásicos como Shrek (Andrew Adamson, Vicky Jenson, EE.UU., 2001), Los Cazafantasmas (Ivan Reitman, EE.UU., 1984), Top Gun (Tony Scott, EE.UU., 1986) y Donde viven los monstruos (Spike Jonze, EE.UU., 2009), películas que conectan generaciones y emociones.

En junio llegan también a Cineteca Madrid nuevos estrenos que abarcan la experimentación sonora, el thriller, la memoria o la intimidad: Rider (España, 2024), de Ignacio Estaregui; SinÉl (España, 2024), de Emilio Martínez-Borso; Canciones de verano (España-Japón, 2024), de Jorge Suárez-Quiñones (ganadora del Premio Fugas de Documenta Madrid en 2024); Gloria Fuertes (España, 2024), de Francisco Rodríguez, y Cenizas y diamantes, la película de Don Cornelio y La Zona (Ricky Piterbarg, Argentina, 2024).

Además, durante el mes de junio se celebrará ECAM Forum en las instalaciones de Matadero Madrid, el foro de coproducción que busca convertirse en una plataforma esencial para el impulso del sector audiovisual español. En este marco destaca el ciclo de charlas titulado El estado de las cosas, que propone una revisión no nostálgica de la crianza, la vida, la cultura y el entretenimiento. También Cineteca Madrid acogerá sesiones de Filmadrid, XI Festival Internacional de Cine, el pase especial de Sanatorium Under the Sign of the Hourglass (Stephen Quay, Timothy Quay, Reino Unido, 2024), película que se pudo ver en la pasada edición de Animario, y una sesión de cortometrajes de cine peruano. No faltarán a su cita las sesiones de los ciclos ‘Confesionario’, ‘Así son las cosas’, ‘Relatos del ruido’, ‘Docma’ o Foro CIMA. 

La película de terror «En llamas», candidata de Pakistán a los Óscar, llega a Filmin

  Por ,

El viernes 23 de mayo llega a Filmin el debut visceral de Zarrar Kahn, que retrata, entre lo sobrenatural y lo cotidiano, la opresión estructural que viven las mujeres en Pakistán.

El próximo viernes, 23 de mayo, Filmin estrena “En llamas”, el primer largometraje del cineasta paquistaní-canadiense Zarrar Kahn. Aclamada en festivales como Cannes (Quincena de Realizadores), Toronto o Sitges, y seleccionada como la candidata de Pakistán a los Premios Óscar 2023, la película se erige como uno de los títulos más potentes del cine independiente reciente, un debut audaz que conjuga terror psicológico y realismo social.

“En llamas” narra la historia de Mariam y Fariha, una madre y una hija cuya ya frágil estabilidad se derrumba tras la muerte del patriarca familiar. Atrapadas en un entorno cada vez más hostil y opresivo, madre e hija deben enfrentarse a fuerzas amenazantes que se manifiestan tanto en lo sobrenatural como en lo estructural, en una sociedad donde el miedo se convierte en parte de la vida cotidiana. La película despliega así una crítica feroz al patriarcado, que se enciende desde las primeras escenas como una brasa latente y termina ardiendo con furia devastadora.

Kahn, nacido en Karachi en 1991 y criado en Canadá, regresó de adulto a su país natal, Pakistán. Un reencuentro que lo confrontó con la dura realidad de las mujeres que le rodeaban: “Cuando volví, vi cómo la vida de las mujeres de mi círculo inmediato cambiaba drásticamente, mientras la mía seguía igual”, afirma. Ese contraste marcó el origen de esta historia, que se nutre de las experiencias reales de las actrices —unas brillantes Ramesha Nawal y Bakhtawar Mazhar—, familiares y mujeres cercanas al director. 

Valerse del género de terror

Kahn, que ya había abordado temas de pérdida y trauma en su premiado cortometraje «Dia» (2018), encuentra en el terror un lenguaje cinematográfico ideal para eludir la censura en Pakistán y hablar desde lo simbólico: «El género siempre se deja de lado y se infravalora. Pero eso lo convierte en un caballo de Troya: nos permite hablar de lo que realmente importa«, explica.  

“En llamas” construye una atmósfera de amenaza constante y desprotección institucional, pero más allá del miedo, la película también muestra la resistencia silenciosa y poderosa de sus protagonistas. Como señala su director, el film es incendiario no solo por lo que denuncia, sino por cómo sugiere que, pese a todo, “las mujeres contienen una fuerza que, como una ola, nunca será sofocada”.

«En llamas» en cinco datos

  • La película contiene escenas y aborda temas que han generado debate y controversia en contextos conservadores, pero Kahn se mantuvo firme en su visión de mostrar la realidad sin suavizar el impacto de la opresión de género. 
  • Muchas escenas se grabaron en complejos de apartamentos de clase media en Karachi, espacios raramente mostrados en el cine pakistaní, que suele centrarse en entornos de clases muy altas o muy bajas. El director quiso reflejar la “belleza polvorienta y dura” de la ciudad y mostrar una Karachi cotidiana y realista, alejada de los estereotipos visuales habituales. 
  • Ramesha Nawal, que interpreta a Mariam, es una reconocida actriz de teatro en Pakistán y «En llamas» marca su primer papel protagonista en el cine. Bakhtawar Mazhar, quien da vida a Fariha, ya había trabajado con Kahn en su corto «Dia». 
  • La película fue rodada en solo 25 días y contó con un presupuesto muy ajustado, apoyándose en fondos del Canada Council for the Arts y Telefilm Canada. La búsqueda de financiación se completó tras mostrar un clip de 10 minutos en el Marché du Film de Cannes. 
  • Zarrar Kahn ha citado como influencias a cineastas como Julia Ducournau, Mati Diop y Jordan Peele, por su capacidad para desafiar las convenciones del género y explorar temas sociales a través del terror y el realismo mágico. 

Cartel y primeros premiados e invitados de Sitges 2025

  Por ,

En un acto en el Festival de Cannes, el certamen da el pistoletazo de salida a su 58ª edición, que contará con invitados especiales como Joe Dante, director de Gremlins, y buena parte del equipo del icónico film Re-Animator. También rendirá homenaje a la trayectoria de Sean S. Cunningham, director de Viernes 13.

Hoy, el Fantastic Pavilion del Marché du Film del Festival de Cannes ha acogido el pistoletazo de salida oficial de la 58ª edición de SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.

Ángel Sala, director artístico del Festival, y Mònica Garcia i Massagué, directora de la Fundación Sitges, han presentado, ante medios de comunicación, profesionales del sector audiovisual y representantes institucionales, el cartel oficial de esta edición —uno de los momentos más esperados por los seguidores del Festival—, así como un avance de los primeros premiados e invitados de este año.

La presentación ha incluido también una conversación entre Ángel Sala y el cineasta Pablo Berger, como antesala de Fantastic 7, un proyecto liderado por el Festival de Sitges (del cual Berger es el padrino este año), que mañana celebrará su 7ª edición en un acto en la Sala Palais K del Palais des Festivals, con la participación de más de 150 profesionales de la industria.

El horror-comedy, el gran protagonista

La 58ª edición del Festival se celebrará del 9 al 19 de octubre y pondrá el foco en la comedia dentro del cine de terror y ciencia ficción.

La imagen de este año invita al público a jugar, siguiendo el leitmotiv de una edición que quiere reivindicar el placer de reír con las películas de terror, así como el estimulante goce de recordar que el humor puede ser el mejor catalizador de nuestros miedos. Celebraremos una de las combinaciones que mejor ha sabido reinventar, renovar, subvertir y desmontar los motivos recurrentes que, históricamente, han definido el cine fantástico.

Un año más, la identidad surge de la colaboración con la agencia CHINA, parte de LLYC. “El cartel de esta edición parte de la pregunta más directa posible: ¿qué pasa cuando el universo Sitges se cruza con la comedia? Y nos ha salido responderla con dos elementos deliberadamente obvios que conviven en un punto intermedio entre lo inquietante y lo lúdico. Y que dejan una lectura tan abierta como lo es el propio cine nacido de ese cruce de géneros”, dicen desde la agencia, que ha confiado, como ya hizo en la edición de 2023, para su elaboración en el fotógrafo Nacho Alegre.

Reanimando el género 40 años después

Para rendir homenaje al género, el Festival contará con la presencia de uno de sus grandes maestros: Joe Dante. El cineasta estadounidense revolucionó el humor macabro con Gremlins (1984) y Gremlins 2: La nueva generación (1990), producidas por Steven Spielberg, consolidando así el subgénero del horror-comedy; y con películas como Piraña (1978), una parodia salvaje del clásico Tiburón; o Hollywood Boulevard (1976), su ópera prima codirigida con Allan Arkush. Su visión única —que combina terror, ironía y un impecable sentido del ritmo— lo llevó a dirigir muchos otros títulos emblemáticos, entre los que destacan Aullidos (1981), La dimensión desconocida (1983), Exploradores (1985), Vecinos invasores (1989), Matinee (1993) y The Hole (2009).

También visitará Sitges buena parte del equipo de Re-Animator, de Stuart Gordon, una de las películas más emblemáticas y cómicas del cine de terror y ciencia ficción. Nos pondremos nostálgicos y reuniremos al equipo para recordar su premio a Mejor Película del Festival de Sitges, hace ahora 40 años, en 1985, un reconocimiento que consolidó su estatus de obra de culto. Además, proyectaremos una espectacular versión restaurada del filme en 4K, producida especialmente para celebrar su 40 aniversario. Basada en el relato corto de H. P. Lovecraft, la película es una excelente muestra del terror de los años ochenta que, como proclamaba Sam Raimi, concebía los baños de vísceras como una irresistible disolución donde “la risa y el escalofrío” se presentan como dos caras de la misma moneda.

Sean S. Cunningham, padre de Viernes 13, Premio Máquina del Tiempo

El Festival de Sitges reconoce este año la trayectoria de Sean S. Cunningham, creador de la legendaria franquicia de terror Viernes 13, que dio vida al icónico Jason Voorhees y se convirtió en una de las sagas más influyentes del género slasher. Con el estreno de la primera película en 1980, asentó las bases de una nueva corriente de cine de terror adolescente, convirtiendo el miedo en un fenómeno de masas para toda una generación. 

Con más de una decena de secuelas, un remake, adaptaciones en cómics y videojuegos, y una comunidad de fans fiel en todo el mundo, podemos afirmar que Cunningham ha influido en cineastas de todo el planeta y ha dejado una huella imborrable en el imaginario popular. A lo largo de su carrera, también ha producido otras películas de terror, entre las que destacan House(1985) y House II: The Second Story (1987), que consolidaron su reputación como productor de referencia en el género.

Filmin estrena en España «Blossoms Shanghai», la primera serie dirigida por Wong Kar Wai

  Por ,

El director chino culmina su trilogía iniciada con “Deseando amar” y “2046” con esta serie cuyos primeros 15 episodios estarán disponibles en Filmin a partir del 17 de junio. España será el primer país europeo en el que podrá verse la serie después de su exitoso estreno en China.

Filmin estrenará el próximo 17 de junio “Blossoms Shanghai”, la primera serie creada y dirigida por Wong Kar Wai. Auténtico fenómeno social en China, cuya emisión se produjo a finales de 2023, la serie es un verdadero regalo para los fans del director de “Deseando amar” y “2046”, dos de las películas más importantes del cine de autor contemporáneo, junto a las que “Blossoms Shanghai” completa una singular trilogía centrada en el amor, la nostalgia, la soledad y el paso del tiempo. La serie consta de 30 episodios, y los 15 primeros se estrenarán a Filmin en junio, a razón de cinco nuevos episodios cada semana, los martes 17 y 24 de junio, y el 1 de julio. 

Una novela de éxito“Blossoms Shanghai” es una adaptación de “Blossoms”, novela escrita por Jin Yucheng y publicada en 2013 en China, que se ha convertido en un referente de la literatura contemporánea del país. Se considera una obra fundamental sobre la vida en Shanghái que abarca desde la década de 1960 hasta principios del siglo XXI, y ha sido la materia prima idónea para que Wong Kar Wai realice su particular homenaje a su ciudad natal en su momento más fascinante de la historia reciente. Es, en palabras del propio director, su «In the Mood for Shanghai».

“Blossoms”, que no ha sido editada en España, ha sido reconocida desde su primera publicación con numerosos premios, entre los que destaca el Premio Mao Dun de Literatura, el galardón literario más prestigioso de China para novelas escritas en chino.

El Gran Gatsby de Shanghai

Ambientada principalmente en el Shanghái de los años 90, “Blossoms Shanghai” narra el ascenso de Ah Bao, un joven de origen humilde que, tras perder la fortuna familiar durante la Revolución Cultural, se reinventa y se convierte en un carismático millonario en la ciudad más vibrante de China. Ah Bao es visto como el “Gatsby” de Shanghái: elegante, ambicioso y siempre en el centro de la vida social y empresarial de la ciudad.

La serie comienza el 19 de diciembre de 1990, cuando abre la Bolsa de Shanghái, marcando el inicio de un boom económico sin precedentes. En este contexto de oportunidades y riesgos, Ah Bao aprovecha el auge para construir su fortuna, enfrentándose a desafíos, traiciones y rivalidades en un entorno donde la riqueza puede surgir y desaparecer de la noche a la mañana.

A lo largo de 30 episodios, la historia sigue a Ah Bao en su camino de autoinvención, mostrando sus relaciones con tres mujeres clave, quienes representan los grandes ideales de su vida: el amor, la aventura, el honor y la inocencia. Estas mujeres y sus historias personales se entrelazan con la de Ah Bao, reflejando las transformaciones de la ciudad y de sus habitantes.

El Gregory Peck de China

El protagonista de “Blossoms Shanghai” es el actor de 42 años Hu Ge, nacido en Shanghái y embajador turístico de la ciudad protagonista de la serie. Visto en películas como la candidata a la Palma de Oro del Festival de Cannes, “El lago del ganso salvaje” (2019), es conocido por su elegancia, versatilidad y profundidad interpretativa, lo que le ha valido el apodo de “el Gregory Peck de China”.

Hu Ge es además de actor, un reconocido cantante en China. Ha lanzado varios álbumes y sencillos a lo largo de su carrera, incluyendo discos como “Start” (2006), “Treasure” (2008) y “Blue Ray” (2013), e interpreta en un vídeo “Steal Your Heart”, el tema principal de la banda sonora de “Blossoms Shanghai”, que originalmente fue un éxito de la estrella pop de Hong Kong, Jacky Cheung.

Hu Ge es acompañado en el reparto por actrices como Ma Yili (“My People, My Country”), Tang Yan (“Chinese Paladin”) y Xin Zhilei (“The Rescue, equipo de rescate”).

Un enorme éxito en China

La serie ha sido un fenómeno en China desde su estreno en diciembre de 2023, consolidándose como uno de los mayores éxitos televisivos recientes del país:

  • Fue la serie número 1 en China durante 14 de los 15 días que duró su emisión, manteniéndose en la cima de las audiencias hasta su final el 9 de enero de 2024.
  • Ocupó el primer puesto en Tencent Video (la mayor plataforma de streaming del país) y lideró la audiencia en los cuatro principales canales de televisión de China: CCTV 1, CCTV 8, Dragon TV de Shanghái y Jiangsu TV.
  • En la red social Douban, equivalente a IMDB en China, la serie alcanzó una puntuación de 8,5 sobre 10, inusualmente alta para una serie china.
  • En redes sociales, el impacto fue masivo: más de 10.000 millones de visualizaciones de temas relacionados en Weibo y Douyin, 234 tendencias número 1 y más de 7,9 millones de publicaciones sobre la serie solo en Weibo.
  • La canción principal de la serie, “Steal Your Heart”, de Jacky Cheung, volvió a ponerse de moda y lideró las listas musicales en China durante varias semanas, 30 años después de su lanzamiento.

FlixOlé celebra el centenario de Eugenio Martín con dos estrenos y una colección especial

  Por ,

FlixOlé rinde homenaje a Eugenio Martín en su centenario con el estreno de dos versiones restauradas de sus filmes: Duelo en el Amazonas (1964) y La última señora Anderson (1971). Ambos títulos llegarán a la plataforma el próximo viernes, 9 de mayo, junto a una colección que recorre la obra del conocido como cineasta de todos los géneros.

El 15 de mayo se cumplen 100 años del nacimiento de este inclasificable autor con numerosos pseudónimos —Herbert Martin, Martin Herbert o Gene Martin— que firmó una de las filmografías más variadas del cine español. Así se recoge en el especial programado por FlixOlé, que incluye desde el spaghetti western que fascinó a Quentin Tarantino, El precio de un hombre (1967), hasta la recordada Pánico en el Transiberiano (1972).

Eugenio Martín hizo sus primeros pinitos como ayudante de importantes realizadores extranjeros, entre los que se encontraban Michael Anderson, Terence Young y Nicholas Ray. Ya como director, se sumergió en cosmos cinematográficos tan dispares como el fantaterror, el suspense, el western, la ciencia ficción e, incluso, el musical. A su facilidad de encarar cualquier registro se sumó el abanico de nombres que desfilaron delante de su cámara, y que abarcaba tanto estrellas españolas —Aurora Bautista, Alfredo Landa, José Sacristán, Lola Flores, Ángela Molina, Julio Iglesias, Emma Penella y Rocío Dúrcal— como leyendas del star system europeo y hollywoodiense —Peter Cushing, Carroll Baker, Gina Lollobrigida, James Mason, Judy Geeson, Gillian Hills y Telly Savalas—.

Eugenio Martín fue una de esas voces que predicaron en el desierto y que terminaron por convertirse en autorizadas dentro de un cine de género que él mismo contribuyó a engrandecer, construyendo con un estilo propio todo un imaginario que alimentó la taquilla y sirvió de inspiración a los cineastas que le siguieron —Álex de la Iglesia, Víctor Matellano y el productor Enrique Lavigne, entre otros—. A pesar de la importancia que guarda en la historia del séptimo arte del país, su figura no ha contado con el reconocimiento que se merece; sí en clave internacional, donde se le considera un autor de culto. 

     Estrenos remasterizados, Duelo en el Amazonas

En una época marcada por la estrechez presupuestaria, los atropellados rodajes y la falta de interés en la producción de este tipo de películas, Eugenio Martín se desenvolvió con soltura en el mercado internacional. Recurrió a la coproducción con otros países para sacar adelante proyectos como Duelo en el Amazonas, codirigido con Franz Eichhorn y protagonizado por el francés Pierre Brice y la actriz británica Gillian Hills. En el largometraje, dos amigos de un piloto desaparecido en la selva brasileña organizan una expedición para encontrarlo. En este peligroso viaje los acompañan tres individuos que intentan hacerse con una escultura de oro.

Serpientes, tribus aborígenes, paisajes arrebatadores, escenas de acción y romance se fusionan en una de las aventuras más entretenidas y emocionantes de los años 60 en la gran pantalla. Filmada con artesanía por Eugenio Martín, esta olvidada película, que en su estreno atrajo a más de un millón de espectadores a las salas, llega en exclusiva a FlixOlé tras haber sido remasterizada en sus laboratorios.

Incorporación La última señora Anderson

Y del cine de aventuras al suspense. La plataforma ampliará su listado de títulos dirigidos por Eugenio Martín con la incorporación a su catálogo de La última señora Anderson. Thriller psicológico con un reparto encabezado también por rostros internacionales, Carroll Baker y Michael Craig, junto a un José Luis López Vázquez que se pasea por Londres con un tupé y bigote de tono oxigenado.

La historia presenta a Arthur Anderson, un adinerado hombre que encuentra el cadáver de su esposa flotando en la piscina. Todo indica que ha sido un accidente. Sin embargo, con ésta ya son cuatro las mujeres que fallecieron en trágicas circunstancias después de contraer matrimonio con Arthur, quien ha cobrado grandes sumas de dinero de la aseguradora tras las defunciones. Mientras un inspector intenta esclarecer los hechos, una misteriosa y bella Julie Spencer aparece en la vida de Arthur.

La última señora Anderson demuestra la sofisticación del director con la puesta en escena, su trabajo con los actores y su habilidad para jugar con los códigos del terror y el suspense en una película con tintes de giallo italiano; no exenta de episodios humorísticos protagonizados por López Vázquez.

Colección Centenario Eugenio Martín

Los dos estrenos se incluirán dentro de la colección que FlixOlé ha programado para homenajear y reivindicar el legado del maestro del cine de género español. Un especial que recorre las diversas facetas e iconografías cinematográficas de Eugenio Martín. Comenzando por Pánico en el Transiberiano, un clásico del fantaterror español protagonizado por Christopher Lee y Peter Cushing donde la vida extraterrestre y los zombis coinciden en un mismo vagón.

Cuesta creer que su obra más celebrada surgiese de la necesidad de amortizar la maqueta de la locomotora que el propio director empleó en su rodaje anterior: El desafío de Pancho Villa (1971), un ejemplo de los spaghetti western que firmó. Experto en las películas de vaqueros, rodó auténticos clásicos, ya disponibles en la plataforma: El hombre de río Malo (1971), con James Mason, Gina Lollobrigida y un Lee Van Cleef convertido en líder de una banda de forajidos; y El precio de un hombre (1967), una de las mejores películas del Oeste, según Quentin Tarantino, que dio a conocer a Tomas Milian por su papel de forajido.

Completan la colección el inquietante thriller Hipnosis (1962), en el que Eugenio Martín hizo gala de su sobresaliente narrativa visual al tiempo que se adentró en los misticismos de la ventriloquía; así como dos musicales producidos para aprovechar el tirón de dos estrellas del momento: Julio Iglesias, en La vida sigue igual (1969); y Rocío Dúrcal, con Las Leandras (1969).

El Festival de San Sebastián dedicará la retrospectiva de la 73ª edición a la guionista Lillian Hellman

  Por ,

La autora estadounidense trabajó junto a William Wyler, Arthur Penn, William Dieterle y George Roy Hill, entre otros cineastas

La guionista Lillian Hellman, nombre esencial del Hollywood clásico que trabajó junto a cineastas como William Wyler, Arthur Penn, William Dieterle o George Roy Hill, protagonizará la retrospectiva de la 73ª edición del Festival de San Sebastián. Organizado por el Festival y la Filmoteca Vasca, en colaboración con Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación de un libro sobre Hellman escrito por tres autoras y centrado en todas las vertientes de su carrera.

Lillian Hellman (1905-1984) ha sido durante años un absoluto enigma. La dramaturga, novelista y guionista estadounidense vivió épocas convulsas, de la Gran Depresión a la caza de brujas macarthista, tiempos reflejados a lo largo de una obra que, aun resultando misteriosa, también ha sido muy reivindicada, sobre todo en su vertiente cinematográfica. El Festival de San Sebastián se propone celebrar su trabajo con esta retrospectiva que incluye toda su obra para cine, esencial para entender evoluciones estilísticas, temáticas e ideológicas en el Hollywood desde los años 30 hasta los 60.

Con solo enumerar tres de las películas en las que estuvo implicada, ya sea como guionista de textos ajenos o adaptando sus propias piezas teatrales, está todo dicho: The Little Foxes (La loba, 1941), film de William Wyler con guion de Hellman a partir de su propia obra teatral y con Bette Davis como protagonista; The Children’s Hour (La calumnia, 1961), otro trabajo de Wyler que parte de una compleja pieza de la escritora sobre los rumores falsos que atañen a dos profesoras de escuela (Audrey Hepburn y Shirley MacLaine), en el que ella también participó como guionista; y The Chase (La jauría humana, 1966) de Arthur Penn, notable radiografía de la violencia y racismo extendidos en la sociedad del sur estadounidense, que Hellman escribió a partir de la novela de Horton Foote con Marlon Brando, Jane Fonda y Robert Redford en el reparto.

Con William Wyler estableció una buena relación, ya que además de los dos filmes citados, dirigió These Three (Esos tres, 1936), la primera versión de la pieza The Children’s Hour que director y escritora volverían a acometer en La calumnia: es un insospechado, por moderno, estudio de caracteres en el que la calumnia se ceba en dos profesoras a las que una niña acusa de tener relaciones. La loba, como La jauría humana, está ambientada en un sur déspota y esgrime otro espléndido retrato de personajes arribistas. Hellman y Wyler también colaboraron en Dead End (1937), película que combina drama social con cine negro.

Hellman había debutado en el cine como guionista en 1935 con The Dark Angel (El ángel de las tinieblas), de Sidney Franklin, un melodrama romántico apuntalado en los efectos emocionales de la posguerra. Su trayectoria en el cine corrió en paralelo a la teatral y a la escritura de varios libros de memorias donde alternó ficción y realidad. Situada en el centro de varios debates, inventó nuevos conceptos en la dramaturgia estadounidense, tuvo una bien aireada rivalidad con la novelista Mary McCarthy y mantuvo siempre posturas de izquierdas.

En la vertiente ideológica fue crucial su relación con Dashiell Hammett. El autor de novelas fundamentales del género negro como Cosecha roja o El halcón maltés, comprometido con la izquierda y con el Partido Comunista americano, está bien presente en uno de los libros de memorias de Hellman, Pentimento (1973). Fue llevado al cine por Fred Zinnemann en Julia (1977), con Jane Fonda como Hellman, Jason Robards en el papel de Hammett y Vanessa Redgrave como Julia, la amiga de infancia de la escritora con la que retoma su amistad en Viena durante los tiempos inclementes del auge del nazismo. Su tercer libro autobiográfico, Scoundrel Time (Tiempo de canallas, 1976), se centra en el periodo de la caza de brujas y el comité de actividades antiamericanas. La actriz Kathy Bates dirigió en 1999 el telefilme Dash and Lilly, centrado en la relación entre Hammett y Hellman.

Participó, como adaptadora o como adaptada, en películas de Lewis Milestone –The North Star (1943)–, William Dieterle –The Searching Wind (1946)–, Michael Gordon –Another Part of the Forest (1948)– y George Roy Hill – Toys in the Attic (Cariño amargo, 1963)–, y también colaboró, aunque sin acreditar, en una de las películas fundamentales de la izquierda cinematográfica: The Spanish Earth (Tierra de España, 1937), documental de Joris Ivens sobre la Guerra Civil española en cuya escritura participaron igualmente Ernest Hemingway y John Dos Passos.

Un festival de cine clásico

Desde 2024, la retrospectiva del Festival de San Sebastián se enmarca dentro del programa Klasikoak, impulsado por el Festival y la Filmoteca Vasca a modo de festival de cine clásico expandido en el tiempo y en el espacio. Así, Klasikoak agrupa tres ciclos bajo el mismo sello: las películas de la retrospectiva, los títulos de la sección Klasikoak que se proyectan durante el Festival en septiembre y la docena de filmes restaurados que la Filmoteca programará en el ciclo homónimo del último trimestre del año en distintas instituciones culturales de la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y el País Vasco francés.

Klasikoak es heredero de la tradición histórica del Festival de San Sebastián por recuperar la obra de cineastas, épocas, temáticas o lenguajes cinematográficos que activó prácticamente desde sus inicios, con la retrospectiva dedicada a René Clair en 1959, y de la decidida apuesta de la Filmoteca Vasca tanto por la restauración de películas como por su divulgación.

“Sala:B”. Tarde a la torera

  Por ,

Tú solo (Teo Escamilla, 1984). España. 35mm. Color. 94´

El primer torero porno (Antoni Ribas, 1986). España. 35mm. Color. 91´

En plena feria de San Isidro aprovechamos para organzizar una sesión que torea el cine convencional muy al estilo «Sala:B», irreverente y fascinado, porque, como dice nuestro invitado el escritor Rubén Lardín, “la tauromaquia es una de esas cosas de verdad, una de esas cosas puras que no sirven para nada”.

En El primer torero porno, una activista feminista y un torero catalán independentista ven cómo sus ideales políticos complican su existencia con múltiples contradicciones, hasta el punto de plantearse representar un número porno en un cabaret de Barcelona. Esta comedia tan política como desvergonzada de Antoni Ribas (La ciutat cremada) se rodó a la vez que Matador de Almodóvar, aunque podría estar más conectada con el espíritu punk de las primeras películas del manchego. Lo que interesa a Ribas es sacarle punta a estas situaciones absurdas que generan personajes posiblemente caricaturizados, pero tan reconocibles en la sociedad de entonces como en la actual. Si el humor puede resultar hoy grotesco y de brocha gorda, el trasfondo no parece tan anacrónico y algunos chistes recobran una vigencia que da que pensar. Quizá por eso, en el momento de su estreno, Ribas denunció el veto de TVE a su película, a la que retiraron toda promoción. Nuestro invitado, el escritor Rubén Lardín, la define así: “El primer torero porno entra al trapo de la comedia erótica, la de enredo y situación, el comentario social y hasta la sátira política, y si bien no cuaja una faena memorable, resuelve con admirable vergüenza torera su espectáculo local de variedades.”

Un par de años antes llegaba a las carteleras Tú solo, único largometraje del célebre director de fotografía Teo Escamilla (lo fue de La ciutat cremada de Ribas, entre otras), protagonizado por los jóvenes alumnos de la Escuela de Tauromaquia de Madrid que nos cuentan sus sueños y sus miedos a la hora de enfrentarse al toreo. Es decir, un contexto perfecto para entender el salto desde Los golfos de Carlos Saura (1960) hasta el cine quinqui de los ochenta. Dicen que Escamilla tuvo vocación torera y que fue cámara taurino en TVE, lo que explicaría la verdad que rezuma este semi-documental con futuras figuras como Joselito (José Miguel Arroyo), banderilleros como el Sevillita (Manuel Muñoz), o el inolvidable Cascorrito, que se mezclan con algún actor profesional, el Chino Torero (Gulliver) y música de Vainica Doble. Apunta Lardín que Tú solo es “un documental con fugas, singular ya en su día, y tal vez el eslabón perdido entre el cine taurino folclórico y las Tardes de soledad de Albert Serra.”

Presentan la sesión el escritor Rubén Lardín, autor de Las ocasiones, y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 10´. (Total sesión: 195´)

La nominada al Óscar «La semilla de la higuera sagrada» llega a Filmin el 8 de mayo

  Por

Llega a Filmin la última película del iraní Mohammad Rasoulof («La vida de los demás»), Premio Especial del Jurado en Cannes y nominada al Óscar a la Mejor Película Internacional.

Filmin estrena el próximo jueves 8 de mayo «La semilla de la higuera sagrada», una de las películas europeas más relevantes de la temporada tras una brillante temporada de festivales y premios cuya guinda fue la nominación al Óscar a la Mejor Película Internacional. El film vivió su estreno mundial en el Festival de Cannes, donde se llevó tres premios, entre ellos el Premio Especial del Jurado. Además, fue nominado en los Premios del Cine Europeo, en los Bafta y en los César, y obtuvo también la nominación al Globo de Oro a la Mejor Película de Habla no inglesa. La octava película del iraní Mohammad Rasoulof («La vida de los demás»), estrenada en España en enero de 2025 de la mano de BTeam, es, pues, la más relevante y trascendente de toda su filmografía.

«La semilla de la higuera sagrada» se ambienta en Irán durante las multitudinarias manifestaciones en protesta por el asesinato a manos de la policía de una joven kurda. Iman (Missagh Zareh) acaba de ser ascendido como juez de instrucción en el Tribunal de la Guardia Revolucionaria. Pero las mujeres de su familia no son ajenas a la indignación y al clima revolucionario que se vive en las calles. Cuando Iman descubre que su arma reglamentaria ha desaparecido, comienza a sospechar de los suyos. Temeroso de perder su reputación y su empleo, se vuelve cada vez más paranoico, iniciando una investigación dentro de su propio hogar en la que se quebrarán todos los límites.

Cuenta Mohammad Rasoulof que tras el éxito de «La vida de los demás», ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín en 2020, tardó cuatro años en iniciar un nuevo proyecto. Este vino muy marcado por el hecho de que el director fue de nuevo arrestado en verano de 2022. Desde la cárcel de Evin vivió el estallido del llamado «Levantamiento Jina» como consecuencia de la muerte de Jina Mahsa Amini, una joven kurda de 22 años, el 16 de septiembre de 2022, cuando se encontraba en custodia policial tras ser detenida por no llevar correctamente el velo islámico. Las manifestaciones, lideradas principalmente por mujeres jóvenes, se convirtieron en el mayor movimiento de protesta en Irán desde la revolución de 1979.

«Otros prisioneros políticos y yo seguíamos los cambios sociales desde dentro de la prisión. Mientras las protestas avanzaban en una dirección inesperada y de gran alcance, nos asombraba la magnitud de las manifestaciones y la valentía de las mujeres«, recuerda Rasoulof. Con todo, el detonante del guion fue la confesión que recibió de un alto funcionario de la prisión, muy afectado por tener que apoyar la represión contra la voluntad de su pueblo: «Me dijo que quería ahorcarse frente a la entrada de la prisión. Sufría una intensa punzada de conciencia, pero no tenía el valor de liberarse del odio que sentía por su trabajo«.

La película se filmó casi en clandestinidad bajo la inquisidora mirada del régimen iraní. Con un equipo de rodaje especialmente pequeño, intérpretes muy comprometidos con la causa, y mucha valentía, «La semilla de la higuera sagrada» se hizo posible. «Durante el rodaje, a veces el miedo a ser arrestados ensombrecía al grupo, pero al final, su valentía fue la fuerza motriz que nos permitió seguir trabajando«, recuerda Rasoulof, que afirma que a pesar de todas las dificultades, cuando hay voluntad siempre se encuentra el camino: «No puedo explicar cómo sorteamos el sistema de censura gubernamental, pero es posible. El gobierno no puede controlarlo todo. Intimidando y asustando a la gente, intentan inducir la sensación de que lo controlan todo, pero este método es como una granada aturdidora: su sonido puede intimidar, pero no pueden vigilarlo todo«. Actualmente, y desde mayo de 2024, Mohammad Rasoulof vive en el exilio en Hamburgo.

La Casa Encendida y Documenta Madrid invitan a reflexionar sobre el sueño americano a través del cine de archivo

  Por

La sección Cuando América se atrevía a soñar reúne cuatro películas que reflexionan sobre la historia reciente de Norteamérica

Todos los filmes invocan al pasado mediante la imagen de archivo, desde el mítico Henry Fonda a la visita de los Beatles a New York, pasando por el gran fotógrafo Ernest Cole y la cantante de blues Caiti Lord

El ciclo se podrá ver del 6 al 9 de mayo en La Casa Encendida, dentro de la programación paralela de Documenta Madrid 2025

Documenta Madrid, el Festival Internacional de Cine Documental del Ayuntamiento de Madrid, y La Casa Encendida colaboran en esta 22ª edición con Cuando América se atrevía a soñar, un ciclo de cuatro películas que se proyectarán durante la semana del festival, del 6 al 9 de mayo. Esta propuesta forma parte del programa Cámaras lúcidas, dedicado a películas que ayudan a pensar el presente desde una mirada crítica, política y poética.

La sección plantea una reflexión sobre cómo las cámaras pueden crear memoria e incluso visiones del mundo. En un momento de saturación visual, se apuesta por películas que piensan: sobre la sociedad actual, sobre la historia y sobre lo que está por venir. Las Cámaras lúcidas acercaban el exterior a las habitaciones de los pintores. Por ello es necesario reivindicar películas que acercan lo remoto a nuestros días, ya sea la historia, ya sean las socializaciones perdidas.

En esta edición se muestra un conjunto de películas que reflejan momentos en que la lucha, el inconformismo en forma de arte y pensamiento, fue un motor que dinamizó la vida cultural y política de Estados Unidos. Este año Cámaras lúcidas recoge cuatro películas recientes que llevarán al público a épocas “en llamas”, en las que Norteamérica se veía envuelta en crisis severas, pero en las que surgían también voces clarividentes y armónicas, convencidas de que era posible cambiar la nación y el mundo.

Los autores de estas películas consagradas a seres creativos, socialmente implicados, son extranjeros reflexionando sobre América. Cuatro miradas foráneas que aportan luz a un territorio en penumbra. Todas ellas invocan el pasado mediante la imagen de archivo, desde el mítico Henry Fonda a la visita de los Beatles a New York, pasando por el gran fotógrafo Ernest Cole y la cantante de blues Caiti Lord.

El programa incluye, del 6 al 9 de mayo respectivamente, los títulos Henry Fonda for President (Alexander Horwath, 2024, Austria), Grand Theft Hamlet (Pinny Grylls, Sam Crane, 2024), Ernest Cole: Lost and Found (Raoul Peck, 2024, Francia) y Caiti Blues (Justine Harbonnier, 2023, Francia/Canadá). Todas las proyecciones irán precedidas de una presentación por parte del equipo de Documenta Madrid.

La Casa Encendida se suma así a las sedes principales de Documenta Madrid 2025 con un programa que reivindica el archivo como campo de creación estética y como vehículo de memoria política. Esta colaboración subraya el compromiso compartido entre ambas instituciones con el cine documental de autor, la experimentación formal y el pensamiento crítico.

Documenta Madrid 2025

El festival, organizado por Cineteca Madrid, vuelve a ser el punto de encuentro del cine contemporáneo documental y de no-ficción. En esta edición se mantienen las tres secciones competitivas —Internacional, Nacional y Corte Final— con 36.000€ en premios, además del premio de distribución gestionado por la Agencia Freak, así como una potente programación paralela con retrospectivas, sesiones especiales, encuentros profesionales y talleres. La sede principal será Cineteca Madrid, que acogerá íntegramente la sección Corte Final.

Además de Cineteca, Documenta Madrid 2025 se extiende a otras sedes clave de la ciudad como el Museo Reina Sofía, Filmoteca Española, La Casa Encendida y Fundación Casa de México. Cuenta con la colaboración de ECAM, Madrid Film Office, Acción Cultural Española (ACE), el Instituto Cultural Rumano, Centro de Estudios Mexicanos UNAM-España, Embajada de Suiza, Fundación Juan March y Ricardo Bofill Taller de Arquitectura, entre otras entidades culturales nacionales e internacionales.

La animación japonesa brillará en los cines mk2 de Madrid y Sevilla durante todo mayo con ciclos dedicados a «One Piece» y Satoshi Kon

  Por

Nace ‘animek2’, nuevo sello de programación de anime durante todo el año en las salas mk2.

El ciclo arranca con sesiones especiales en Madrid y Sevilla, que incluyen desde una retrospectiva dedicada a Satoshi Kon hasta una maratón de “One Piece” con regalos, presentaciones y sorpresas.

También se proyectarán dos de los estrenos de animación japonesa más esperados del momento: “Kaiju nº 8” y “Anzu, gato fantasma”.

Asimismo, el mk2 Cine Paz de Madrid acogerá una nueva proyección de “cine cutre” donde se proyectará la cinta de animación “Robot Taekwon V” (1976), una delirante copia coreana del clásico “Mazinger Z”.

Las entradas ya están disponibles en las páginas web oficiales de mk2 Palacio de Hielo, mk2 Nervión Plaza y mk2 Cine Paz.

La primavera trae una invasión de anime a las pantallas de mk2 con el nacimiento de ‘animek2‘, un nuevo sello con el que la cadena de cines se compromete a ofrecer durante todo el año una programación continuada de películas de animación japonesa, apostando por grandes títulos, rarezas y estrenos especiales en pantalla grande. El ciclo arrancará el domingo 4 de mayo de manera simultánea en mk2 Palacio de Hielo (C. de Silvano, 77, Madrid) y mk2 Nervión Plaza (C. Luis de Morales, 3, Sevilla), dando paso a un mes repleto de propuestas que van desde una retrospectiva completa dedicada al maestro Satoshi Kon, hasta una maratón de “One Piece” con presentaciones en directo, sorteos de regalos y muchas más sorpresas pensadas para los fans del género.

Durante los fines de semana de mayo, ambos cines desplegarán una cuidada selección de títulos que ofrece un punto de encuentro entre generaciones, desde el espectador veterano hasta quien descubra el anime por primera vez. Cada sesión estará acompañada de presentaciones especiales, sorteos de merchandising y un recorrido por distintas vertientes del género: del cine de autor más introspectivo al espectáculo visual más desatado, sin olvidar joyas poco vistas y estrenos muy esperados.

De hecho, el lanzamiento del sello coincide además con dos importantes estrenos de animación japonesa y que se integran dentro de la programación de ‘animek2‘: por un lado, “Kaiju nº 8: Misión de Reconocimiento”, una espectacular historia de monstruos y transformaciones basada en el manga superventas de Naoya Matsumoto; y por otro, “Anzu, gato fantasma”, una comedia sobrenatural con aroma costumbrista que promete conquistar al público más familiar.

Y para quienes busquen algo completamente fuera de lo común, el ciclo se atreve incluso con una proyección especial de anime coreano, “Robot Taekwon V” (1976), un delirante plagio surcoreano de “Mazinger Z” donde el clásico robot japonés es sustituido por una máquina que, en lugar de lanzar rayos, reparte patadas de taekwondo con entusiasmo nacionalista. Una joya trash animada que se podrá ver en pantalla grande gracias a la colaboración con el festival CUTRECON.

La magia, los sueños y los traumas de Satoshi Kon

Los domingos de mayo estarán dedicados a uno de los nombres más fascinantes e influyentes de la animación japonesa: Satoshi Kon, director y guionista cuya breve pero deslumbrante carrera marcó un antes y un después en el anime moderno. Colaborador del estudio Madhouse y autor de una obra profundamente personal, Kon falleció en 2010 a los 46 años, dejando tras de sí un legado que ha sido reivindicado por cineastas de la talla de Christopher Nolan o Darren Aronofsky, quienes han reconocido abiertamente su influencia.

A las 19:00h de cada domingo, se proyectará una de sus películas más emblemáticas, empezando por “Millenium Actress” (2001), una historia de amor y recuerdos que viaja por los géneros y las épocas del cine japonés, y que en Sevilla contará con la presentación de Viva Er Manga. A continuación llegará “Tokyo Godfathers” (2003), una comedia con espíritu navideño protagonizada por tres vagabundos que encuentran a un bebé abandonado en plena calle, una historia que equilibra el drama y la ternura con una sensibilidad poco habitual en el género.

En el tercer domingo será el turno de “Paprika” (2006), un torbellino psicodélico de ciencia ficción que explora los sueños compartidos y que muchos consideran una fuente de inspiración directa para “Inception” de Christopher Nolan. El ciclo se cerrará con “Perfect Blue” (1997), una joya del thriller psicológico que aborda la fragilidad de la identidad y los peligros de la fama, y que se ha convertido en una referencia ineludible del suspense animado.

“One Piece” a lo grande: maratón, regalos y presentaciones

El sábado 17 de mayo será el turno de “One Piece”, posiblemente el anime más popular del planeta, un auténtico fenómeno de masas nacido de la imaginación de Eiichirō Oda, que lleva más de veinte años conquistando generaciones con su mezcla explosiva de piratas, aventuras, humor y emociones desbordadas.

mk2 ha preparado una maratón especial con dos de las películas más recientes y espectaculares de la franquicia: “One Piece: Estampida” (2019), una aventura coral repleta de acción trepidante en la que decenas de personajes se lanzan a una carrera sin cuartel por hacerse con un tesoro legendario; y “One Piece: Red” (2022), centrada en la misteriosa cantante Uta y su vínculo con Luffy y Shanks, en una historia que combina drama, música y épica con una puesta en escena apabullante que la convirtió en un fenómeno global.

Las sesiones contarán con presentaciones en directo a cargo de expertos locales, con Viva Er Manga en Sevilla y el equipo de Impact Store —Juan Pérez y José Arce— en Madrid. Además, los asistentes podrán participar en sorteos de material exclusivo, pensados para que nadie se vaya a casa con las manos vacías.

“Kaiju nº 8: Misión de Reconocimiento” y “Anzu, gato fantasma”: estrenos del momento

El 9 de mayo se proyecta en exclusiva “Kaiju nº 8: Misión de Reconocimiento”, basada en el manga superventas de Naoya Matsumoto. La historia sigue a Kafka Hibino, un limpiador de cadáveres de monstruos gigantes que acaba convirtiéndose en uno de ellos. Acción, drama y criaturas colosales en una producción espectacular que tendrá sesiones especiales en Sevilla y Madrid, presentadas por Viva Er Manga y Aeterna Nova, respectivamente.

Una semana después, el 16 de mayo, llega a las salas “Anzu, gato fantasma”, una entrañable historia sobre una gata con poderes paranormales que ayuda a los humanos a resolver sus problemas emocionales… Aunque no siempre como ellos esperaban. Humor, ternura y un toque sobrenatural para un público más amplio, ideal para disfrutar en familia o simplemente para reconciliarse con el mundo.

Mazinger con patadas: el delirio coreano de Cinecutre

Y como opción inesperada de este mes de anime, la programación incluirá una joya inclasificable: “Robot Taekwon V” (1976), también conocido como el Mazinger coreano. Se proyectará el viernes 9 de mayo a las 22:30h en el mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral 125) de Madrid, dentro de una colaboración especial con el festival CUTRECON.

Esta película surcoreana es una copia desvergonzada de “Mazinger Z”, nacida del fervor nacionalista de los años 70 y realizada con entusiasmo, prisas y cero presupuesto. ¿El resultado? Un robot gigante que en lugar de lanzar rayos… reparte patadas de taekwondo. Una animación caótica, efectos rudimentarios, combates absurdos y una solemnidad mal entendida hacen de esta cinta un espectáculo hilarante.

PROGRAMACIÓN EN SEVILLA

mk2 Nervión Plaza

Domingo 4 de mayo – 19:00h
MILLENIUM ACTRESS – Presentada por Viva Er Manga

Viernes 9 de mayo – 20:00h
KAIJU Nº 8 – Presentación y sorteo

Domingo 11 de mayo – 19:00h
TOKYO GODFATHERS

Viernes 16 de mayo
ANZU, GATO FANTASMA (Estreno)

Sábado 17 de mayo – MARATÓN ONE PIECE
18:00h – ONE PIECE: ESTAMPIDA – Presentada por Viva Er Manga + sorteos
20:00h – ONE PIECE: RED

Domingo 18 de mayo – 19:00h
PAPRIKA

Domingo 25 de mayo – 19:00h
PERFECT BLUE

PROGRAMACIÓN EN MADRID

mk2 Palacio de Hielo + mk2 Cine Paz

Domingo 4 de mayo – 19:00h
MILLENIUM ACTRESS

Viernes 9 de mayo – 20:00h
KAIJU Nº 8 – Presentación a cargo de Aeterna Nova

Viernes 9 de mayo – 22:30h (Cine Paz)
MAZINGER COREANO: ROBOT TAEKWON V

Domingo 11 de mayo – 19:00h
TOKYO GODFATHERS

Viernes 16 de mayo
ANZU, GATO FANTASMA (Estreno)

Sábado 17 de mayo – MARATÓN ONE PIECE
18:00h – ONE PIECE: ESTAMPIDA – Presentada por Impact Store (Juan Pérez y José Arce)
20:00h – ONE PIECE: RED

Domingo 18 de mayo – 19:00h
PAPRIKA

Domingo 25 de mayo – 19:00h
PERFECT BLUE

«El lazarillo de Tormes», la primera película española en ganar el Oso de Oro, se estrena en FlixOlé

  Por ,

La plataforma también incorporará a su catálogo ocho adaptaciones de la literatura clásica y contemporánea, entre los que se encuentran títulos como La Celestina, Luces de bohemia, El misterio Galíndez y El coronel no tiene quien le escriba.

La plataforma FlixOlé estrenará el próximo miércoles, 16 de abril, la primera película española en recoger el Oso de Oro en el Festival de Berlín, El lazarillo de Tormes (1959). Considerada una de las obras más redondas de su director, César Fernández Ardavín planteó una adaptación literaria y emotiva que recibió la ovación del público internacional al tiempo que fue elevada a la categoría de Interés Nacional por un régimen franquista que, paradójicamente, tachaba de peligroso el texto original.

El también guionista del filme centró la narración en la infancia de Lázaro y en el deambular de ese pequeño de 8 años, aguijoneado por el hambre, en la sociedad española del siglo XVI. Para evitar que el engrasado aparato censor actuase, Fernández Ardavín suavizó el fuerte ataque institucional e ideológico de la novela anónima que inauguró el género de la picaresca, especialmente en el apartado que afectaba a la Iglesia. También los conflictos y percances del protagonista, interpretado por el niño prodigio Marco Paoletti, con cada uno de sus amos. Éstos tuvieron el rostro de populares actores de la época: Carlos Casaravilla (ciego), Juan José Menéndez (el escudero) y Memmo Carotenuto (buldero).

No por ello El lazarillo de Tormes de Fernández Ardavín dejó de ser una película que abordó las injusticias sociales e hipocresías presentes en una España imperial glorificada continuamente por la dictadura franquista. Asumidas de manera más amable, las escenas de miseria física y moral de las que era víctima Lázaro fueron plasmadas a través de una narrativa visual y una factura técnica (con Manuel Berenguer a cargo de la Fotografía) cuyas brillantes imágenes cautivaron a público, crítica y cineastas. “Es una película de la que todos podemos estar orgullosos en cualquier parte”, llegó a decir el director Luis García Berlanga tras la première oficial en Cines Callao.

Primer filme español en obtener el máximo reconocimiento en un festival extranjero, también se proyectó en la Sección Informativa del Festival de Venecia, mientras que en su tierra natal recibió cuatro medallas de Círculo de Escritores Cinematográficos (Película, Dirección, Fotografía y Música). El lazarillo de Tormes se podrá ver en FlixOlé en una restaurada versión de imagen y sonido, proceso llevado a cabo por la propia plataforma.

Nuevos clásicos de la literatura

Adelantándose a la celebración del Día del Libro, además del estreno de El lazarillo de Tormes, FlixOlé incorporará el próximo 16 de abril varias adaptaciones de la literatura clásica española a su catálogo. Comenzando con otro título firmado por Fernández Ardavín: La Celestina (1969), que reprodujo en la pantalla los distintos actos que componen la tragicomedia de Calisto y Melibea; personaje este último interpretado por Elisa Ramírez, quien protagonizó con dicho papel uno de los primeros destapes del cine español durante la dictadura.

Le seguirán los estrenos de El libro de buen amor (Tomás Aznar, 1975), acomodo de la obra clásica de Arcipreste de Hita que narra los escarceos amorosos del poeta burgués, Juan Ruiz; Luces de bohemia (Miguel Ángel Díez, 1985), que absorbió por medio de un reparto estelar (Paco Rabal, Agustín González y Fernán-Gómez, entre otros) el esperpento con el que Valle-Inclán reflejó el decadente Madrid de principios del siglo XX; y La dama boba (Juan Manuel Font, 1980), que recitó en verso el enredo sentimental de dos hermanas con sus respectivos amantes.

Todas estas películas, restauradas también en los laboratorios de FlixOlé, se incluirán en una colección especial que dispondrá igualmente la plataforma el 16 de abril: ‘Grandes clásicos de la literatura’. La misma recoge cerca de 50 versiones cinematográficas que revisitan desde las tragedias del Siglo de Oro hasta los pilares novelescos, líricos y dramáticos del siglo XIX y principios del XX: El perro del hortelano (Pilar Miró, 1996), El Quijote de Miguel de Cervantes (Manuel Gutiérrez Aragón, 1992), La casa de Bernarda Alba (Mario Camus, 1987), Nada (Edgar Neville, 1947), Tristana (Luis Buñuel, 1970), La tía Tula (Miguel Picazo, 1964), entre muchos otros.

Estrenos de las letras contemporáneas

Ya el viernes, 25 de abril, FlixOlé estrenará otros cuatro filmes que ampliarán el estante literario en la plataforma: El misterio Galíndez (Gerardo Herrero, 2003), thriller histórico de Vázquez Montalbán destinado a los amantes de la lectura sobre conspiraciones políticas; El coronel no tiene quien le escriba (Arturo Ripstein, 1999), versión de la novela de Gabriel García Márquez que optó a la Palma de Oro en Cannes; Los novios búlgaros (Eloy de la Iglesia, 2003), la última película del director fue la adaptación de este relato sobre la soledad, la homosexualidad y la inmigración; y Oro rojo (Alberto Vázquez Figueroa, 1978), cuyo autor dirigió su propia novela que conjuga drama y aventuras.

Estas nuevas incorporaciones estarán presentes en un segundo especial sobre literatura que FlixOlé ha programado para el 25 de abril, y que lleva por nombre: ‘El cine de la nueva literatura’. La colección reúne más de 60 adaptaciones de obras publicadas desde mediados del siglo XX y que permiten redescubrir la literatura moderna: El camino (Ana Mariscal, 1963), El maestro de esgrima (Pedro Olea, 1992), Las edades de Lulú (Bigas Luna, 1990), Historias del Kronen (Montxo Armendáriz, 1995), Manolito Gafotas (Miguel Albadalejo, 1999), Plenilunio (Imanol Uribe, 2000), El alquimista impaciente (Patricia Ferreira, 2002).

«Limónov», protagonizada por Ben Whishaw, llega a Filmin el próximo 25 de abril

  Por ,

Kiril Serébrennikov («Leto») dirige esta película sobre el escritor y político Eduard Limónov en la adaptación de la novela homónima de Emmanuel Carrère que protagoniza Ben Whishaw.

El próximo viernes 25 de abril llega al catálogo de Filmin, en exclusiva, «Limónov», la película con la que el director ruso Kiril Serébrennikov concursó en la última edición del Festival de Cannes y que adapta la novela homónima de Emmanuel Carrère (editada en España por Anagrama). Se trata del biopic del controvertido poeta y político ruso Eduard Limónov, fundador del ilegalizado Partido Nacional Bolchevique, un radical post-ideológico, ni fascista, ni comunista, ni liberal, ni conservador, sino todo a la vez; un poeta radical soviético que pasó de vagabundear en Nueva York a realizar trabajos forzosos en las cárceles de Siberia, para convertirse, finalmente, en un antihéroe en su propio país. El ganador del Bafta y el Emmy Ben Wishaw («El perfume: Historia de un asesino») es el encargado de dar vida al protagonista en esta película coescrita por el nominado al Óscar Pawel Pawlikowski («Cold War»).

Serébrennikov ha insistido en señalar que este no es un biopic al uso del Eduard Limónov real, sino una adaptación de la mirada de Emmanuel Carrère en su novela. «Sigo los pensamientos, las entonaciones, su enfoque y su búsqueda para desentrañar el misterio de Eddie, o Edditchka, este héroe lírico creado por Carrère». Aunque el escritor no colaboraba con la adaptación de una de sus novelas desde los tiempos de «La clase de nieve» (Claude Miller, 1998), en esta ocasión conversó sobre el proyecto con su amigo personal Pawel Pawlikowski, autor del guion inicial. «Kiril Serébrennikov, cuyo talento para dirigir admiro, se interesó en Limónov y me pareció lógico que él fuera el encargado de dirigirlo», afirma Carrère, que además protagoniza un sorprendente cameo en un gesto que podemos entender como una validación de esta adaptación de su libro.

El estallido de la guerra en Ucrania paralizó el rodaje de una película cuyo desarrollo se ha extendido a lo largo de cinco años. Tal y como recuerda el director: «En el momento en que comenzó la guerra se suponía que íbamos a comenzar a filmar las escenas ambientadas en Nueva York. Habíamos recreado dos barrios de la ciudad de Nueva York al aire libre, en Moscú. Los interiores debían ser filmados en el set, en Mosfilm. Luego comenzó la invasión. Las embajadas pidieron a los extranjeros que regresaran a sus países, y Ben Whishaw tuvo que irse». Medio año después los productores decidieron reconstruir estos sets de Nueva York en otro lugar de Europa y la filmación se reanudó. 

Pero no es ese el único vínculo de «Limónov» con la actual situación que se vive en Rusia y Ucrania. De algún modo, el viraje político que Eduard Limónov experimentó a lo largo de su vida anticipa lo que ha terminado llegando a Rusia: «Todo lo que está sucediendo hoy proviene de lo que Limónov escribió. Él quería guerra, quería el regreso de la Unión Soviética. Es como si estuviéramos viviendo en el mundo que él soñó, como si el Kremlin se hubiera inspirado directamente en sus textos y en los de Alexandre Dugin (filósofo y miembro del Partido Nacional Bolchevique)». El director, que ha tenido diversos problemas con la justicia rusa por sus posturas liberales y favorables a la comunidad LGBT, reconoce que «dado el contexto actual, sentí una necesidad aún más fuerte de explorar los mecanismos que nos han llevado a esta violencia».

Junto a Ben Whishaw, en el reparto, destaca la presencia de Viktoria Miroshnichenko («Una gran mujer»), Sandrine Bonnaire («Las desapariciones») o el español Víctor Solé («No matarás»), entre otros. La extraordinaria banda sonora de la película lleva la firma del italiano Massimo Pupillo e incluye temas de la banda rusa Shortparis, que reinterpreta varias canciones conocidas de Tom Waits, Lou Reed y Velvet Underground. 

La Academia de Cine y Filmoteca Española impulsan la restauración del patrimonio cinematográfico

  Por

Ambas instituciones firman un acuerdo para trabajar en la restauración de obra fílmica, con el objetivo de preservar piezas de relevancia histórica, artística y cultural

Las candidaturas de las obras a restaurar pueden presentarse desde hoy 10 de abril hasta el 23 de mayo en la web de la Academia de Cine

La Academia de Cine, en colaboración con el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), a través de Filmoteca Española -organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico- han firmado un acuerdo para la restauración y puesta en valor de obras fílmicas. Esta iniciativa tiene como objetivo colaborar en la preservación del patrimonio cinematográfico de España, tanto en el ámbito de los largometrajes, cortometrajes, como en otras piezas audiovisuales relevantes.

La Academia de Cine asumirá los gastos de la restauración, mientras que el ICAA pondrá a disposición las instalaciones y el proceso estará supervisado por el equipo técnico del Centro de Conservación y Restauración de fondo fílmicos “Carlos Saura” de Filmoteca Española. Como contraprestación, los propietarios de los derechos de las obras seleccionadas recibirán una copia restaurada y digitalizada en 4K.

El programa está dirigido a obras originales con al menos 20 años de antigüedad, que posean una relevancia histórica, artística y cultural significativa. Además, deberán encontrarse en un estado de conservación que requiera un proceso de restauración, con el fin de garantizar su preservación a largo plazo. El comité tendrá en cuenta que las piezas seleccionadas generen un impacto directo en la conservación del patrimonio audiovisual del país.

Las solicitudes podrán presentarse desde hoy 10 de abril y hasta el 23 de mayo a través de la web de la Academia: www.academiadecine.com. Para resolver cualquier duda, los interesados podrán contactar con la organización mediante el correo electrónico ayudasrestauracion@academiadecine.com.

Los propietarios de las obras candidatas deberán acreditar que al menos el 60% de su producción se realizó en España. Una vez finalizado el proceso de restauración, se comprometen a permitir que la institución y Filmoteca Española exhiban las piezas durante un período de un año y medio.

La selección de las obras a restaurar estará a cargo de un comité compuesto por cinco profesionales, de los cuales dos serán propuestos por la Academia, dos por el ICAA, y uno más será un experto de reconocido prestigio en la industria cinematográfica. Las obras candidatas deberán estar libres de compromisos legales que puedan obstaculizar el proceso de restauración y deberán justificar su necesidad de ser restauradas.

Documenta Madrid y Filmoteca Española celebran la obra de Kamal Aljafari con una retrospectiva sobre memoria y resistencia

  Por ,

Del 6 al 11 de mayo, el Cine Doré acoge un ciclo dedicado al gran cineasta palestino Kamal Aljafari

Cuatro películas explorarán la memoria colectiva del pueblo palestino desde el cine de archivo

Entre estos títulos se encuentra su último largometraje, A Fidai Film, inédito en España

El ciclo forma parte de la programación paralela de Documenta Madrid 2025

Documenta Madrid, el Festival Internacional de Cine Documental del Ayuntamiento, en colaboración con Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, presenta en su 22ª edición una de las retrospectivas más intensas y necesarias del panorama cinematográfico actual: Kamal Aljafari: el archivo como territorio. Este ciclo podrá verse en el Cine Doré del 6 al 11 de mayo y forma parte de la programación paralela del festival.

Kamal Aljafari, cineasta palestino de referencia internacional, es un incansable recolector de imágenes que ha dedicado su filmografía a reconstruir la memoria amenazada de un pueblo, tanto de forma personal como colectiva. La selección, compuesta por cuatro largometrajes —Port of Memory (2009), Recollection (2015), An Unusual Summer (2020) y su reciente A Fidai Film (2024)—, se articula como un recorrido radical por su obra, que desafía las formas convencionales de abordar esta temática.

Con un lenguaje a caballo entre el documental y el cine ensayo, Aljafari compone desde la ausencia, revela lo que no está, y transforma el archivo en herramienta política y estética. Como señala el comité de programación de Documenta Madrid, “el cine de Aljafari no solo denuncia, también imagina; su trabajo nos enseña que otra narrativa es posible, una que resiste desde el montaje, desde la poesía, desde la persistencia de la memoria”.

Las proyecciones en Filmoteca Española se inscriben dentro del eje temático de esta edición del festival, que gira en torno a la imagen de archivo como detonante de nuevas formas de memoria, consolidando así el compromiso de Documenta Madrid con el pensamiento crítico, la experimentación formal y las prácticas cinematográficas más radicales.

Documenta Madrid 2025

Documenta Madrid, Festival Internacional de Cine del Ayuntamiento de Madrid, celebra su 22ª edición del 6 al 11 de mayo consolidando su apuesta por el cine documental de autor, la experimentación formal y el pensamiento crítico. La edición de este año pone el foco en la imagen de archivo como generadora de nuevas memorias y patrimonios, y en el potencial del cine como herramienta de resistencia, revisión histórica y creación colectiva.

El festival, organizado por Cineteca Madrid, vuelve a ser el punto de encuentro del cine contemporáneo documental y de no-ficción. En esta edición se mantienen las tres secciones competitivas —Internacional, Nacional y Corte Final— con 36.000 € en premios, así como una potente programación paralela con retrospectivas, sesiones especiales, encuentros profesionales y talleres. La sede principal será Cineteca Madrid, que acogerá íntegramente la sección Corte Final.

Además de Cineteca, Documenta Madrid 2025 se extiende a otras sedes clave de la ciudad como el Museo Reina Sofía, Filmoteca Española, La Casa Encendida y Fundación Casa de México. Cuenta con la colaboración de ECAM, Madrid Film Office, Acción Cultural Española (ACE), el Instituto Cultural Rumano, Centro de Estudios Mexicanos UNAM-España, Embajada de Suiza y Fundación Juan March, entre otras entidades culturales nacionales e internacionales.

Filmoteca Española da la bienvenida a su programación de primavera con un ciclo homenaje a Marisa Paredes

  Por ,

Pedro Almodóvar, María Isasi, Julieta Serrano, Rossy de Palma y Ernest Urtasun en la antesala de la sala 1 del Cine Doré

Filmoteca Española celebrará durante los meses de abril y mayo el ciclo ´Marisa Paredes. El dolor y el humor´, programa dedicado a una de las más icónicas intérpretes del cine español, tras su fallecimiento el pasado 17 de diciembre

El ciclo se ha presentado en el Cine Doré con la presencia del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, el cineasta Pedro Almodóvar, María Isasi, actriz e hija de Marisa Paredes, y Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española

Miércoles, 2 de abril de 2025. El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha presentado hoy en el Cine Doré, junto al cineasta Pedro Almodóvar, a la actriz María Isasi, y a Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española, el ciclo que la institución -organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico- dedica esta primavera a Marisa Paredes, icónica e incontestable intérprete del cine español que forjó una larga trayectoria de más de siete décadas desde su primer trabajo en el cine, con catorce años, en 091:Policía al habla (1960), de José María Forqué; hasta la todavía sin estrenar, Emergency Exit, de Luis Miñarro.

Marisa Paredes. El humor y el dolor

“Marisa fue una actriz virtuosa que dominaba todos los registros. A pesar de su figura sofisticada podía encarnar a una mujer que friega escaleras, una reina shakesperiana o una diva del teatro. Estaba muy dotada para el humor y para el dolor”. Así define Pedro Almódovar, cineasta indisolublemente ligado a su figura, a Marisa Paredes en la hoja de sala que acompaña al ciclo y en la que comparte páginas con la periodista y crítica de cine Marta Medina, quien también destaca la dualidad del arte de una intérprete “angulosa de físico como de carácter, una ´Marlene Dietrich a la española´, siendo difícil encontrar otra actriz con la extraña combinación antitética de quebradiza dureza que transmitía”.

Esta dualidad estuvo presente, más allá de Almodóvar, en la filmografía que fue construyendo con algunos de los grandes nombres del cine español: Fernando Trueba, con quien rodó Òpera prima (1980), con Jaime Chávarri en Las bicicletas son para el verano (1984), con Enrique Urbizu en Tu novia está loca (1984), con Agustí Villaronga en Tras el cristal (1986), con Iván Zulueta en Párpados (1989), conFelipe Vega en Mientras haya luz (1987), o con José Luis Borau en Tata mía (1986) –cineasta a quien Filmoteca Española también rinde homenajeen el Cine Doré desde el pasado mes de febrero-.

Esta versatilidad le permitió interpretar, tanto a nivel nacional como internacional, papeles dramáticos y cómicos, consolidándose como parte de una generación de actrices, junto a otros nombres como Carmen Maura o Kiti Manver, que confeccionaron –tal y como apunta Medina- a la mujer española moderna y autónoma. Una selección de estos papeles, vinculados con algunos de los títulos más emblemáticos de su filmografía, componen el ciclo ´Marisa Paredes. El dolor y el humor´.

En abril podrán verse en el Cine Doré la delirante comedia de enredos La reina anónima (Gonzalo Suárez, 1992), Profundo carmesí (Arturo Ripstein, 1996) –proyección de un nuevo máster de la película que añade al metraje una secuencia inédita no incluida en el montaje original-; Mi familia italiana (Cristina Comencini, 2015), refinado y nostálgico tributo a la tradición cinematográfica de la “commedia all’italiana”; o La flor de mi secreto (Pedro Almodóvar, 1995), en la que Paredes dio vida a la memorable Leocadia Macías -o Amanda Gris-, escritora y amante en crisis, y título por ella considerado como su mejor trabajo.

A estos títulos, se sumarán en mayo Tacones lejanos (Pedro Almodóvar, 1991), éxito abrumador en Francia que le acabaría abriendo las puertas del cine internacional, Latin Lover (Cristina Comencini, 2015), Crepúsculo rojo (Edgar Cosarinsky, 2003), Espelho mágico (Manoel de Oliveira, 2005) y Petra (Jaime Rosales, 2018).

Proyecciones Xcèntric: Ficciones sinestésicas. Cuatro cineastas californianas

  Por ,

Before Need Redressed (Gunvor Nelson, Dorothy Wiley, 1994)

Las películas de esta sesión exploran la sensualidad del lenguaje y la ambigüedad de las imágenes en una meditación sobre la memoria, el dolor, los animales, la comida o la muerte. Sus ingeniosos y emocionantes juegos de montaje y sus ficciones figuradas demuestran el humor y la libertad desbordante del cine de vanguardia californiano.

Atravesado por las disyunciones entre sonido e imagen, este programa propone un ensamblaje de textos, relatos y cuerpos. En Miss Jesus Fries on Grill, Dorothy Wiley vincula poética e inquietantemente el martirio de san Lorenzo y un suceso periodístico con el llanto de un recién nacido. Por su parte, en una sucesión de siete breves secuencias elípticas, Amy Halpern encadena diferentes emociones, del miedo al humor y la alegría en 3-Minute Hells. En cuanto a Letters, varias «cartas» atribuidas a una amiga, unos gusanos, unos insectos y el hijo de la cineasta llevan a Wiley a expandir los límites de la escritura y a corporeizar lo textual.

En Visible Inventory Six: Motel Dissolve Janis Crystal Lipzin traza un viaje en el espacio y en el tiempo, superponiendo panorámicas por distintas habitaciones de hotel con palabras manuscritas, números impresos y la lectura de dos textos de Gertrude Stein. Finalmente, Wiley y Gunvor Nelson retratan a una mujer a la vez que prolongan y entrelazan diferentes líneas narrativas en Before Need Redressed. Las direcciones se multiplican por medio de una serie de sueños y objetos reunidos por las cineastas, que animan sugerentes intercambios entre imágenes potencialmente alejadas. El montaje tiende a fundir o entrecortar las escenas, los diálogos y las acciones, aportando una cualidad sinestésica a la propia narrativa.

Miss Jesus Fries on Grill, Dorothy Wiley, 1973, 12 min; 3-Minute Hells, Amy Halpern, 2010, 14 min; Letters, Dorothy Wiley, 1972, 11 min; Visible Inventory Six: Motel Dissolve, Janis Crystal Lipzin, 1978, 15 min; Before Need Redressed, Gunvor Nelson y Dorothy Wiley, 1979/1994, 42 min.

Proyección en 16 mm, VOSC.

Copias procedentes de Canyon Cinema.

Fecha: 24 abril 2025

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

La icónica trilogía de cine quinqui, «Perros callejeros», se estrena en FlixOlé

  Por ,

La plataforma incorporará a su catálogo el 4 de abril las tres películas dirigidas por José Antonio de la Loma y protagonizadas por ‘El Torete’: Perros callejeros, Perros callejeros II y Los últimos golpes de El Torete (Perros callejeros III)

«¡Dale caña, Torete!», el grito de guerra del cine quinqui regresa con el estreno de la trilogía Perros callejeros en FlixOlé. La saga con la que De la Loma y el delincuente juvenil apodado ‘El Torete’ dieron el pistoletazo de salida a uno de los subgéneros más singulares de la cinematografía española llega a la plataforma el viernes 4 de abril.

A través de los títulos Perros callejeros (1977), Perros callejeros II (1979) y Los últimos golpes de El Torete (Perros callejeros III) (1980), FlixOlé presenta y recorre el arco completo del fugitivo adolescente interpretado por Ángel Fernández Franco: desde sus primeros tirones de bolsos y asaltos a bancos, hasta sus palos junto a ‘El Vaquilla’. Convertidas en todo un fenómeno social y cultural, estas películas inyectaron altas dosis de acción y también de realidad a una gran pantalla que reflejó la cara menos amable de la Transición española, donde los aires de cambio y modernidad no soplaron por igual entre la población.

En ese país de los años setenta y ochenta que caminaba hacia la democracia había una parte de la sociedad, la hacinada en suburbios del extrarradio urbano, que padeció la falta de servicios públicos, el azote del desempleo y los estragos de la droga. La incapacidad del Gobierno para atender las necesidades de esos barrios marginales, sumado a la falta de oportunidades, propició un ambiente hostil del que la juventud intentó salir por medio de la violencia.

La crónica de esas vidas adolescentes al margen de la ley fue llevada al cine por José Antonio de la Loma. Curtido en los géneros de acción y policíaco, el director creó en torno al problema de la criminalidad juvenil toda una iconografía audiovisual que ha pervivido hasta la actualidad y que marcaría los inicios del denominado cine quinqui.

La insólita película que lo empezó todo: Perros callejeros

Tras bucear por las fichas policiales y entablar contacto directo con algunos de los rostros más buscados por la Justicia, De la Loma quedó impactado por las historias del número uno en el ranking de delincuencia juvenil: Juan José Moreno Cuenca, conocido como ‘El Vaquilla’. Éste llegó a convivir durante una semana con la familia del cineasta, quien decidió rodar un filme inspirado en las correrías del quinqui más famoso de Barcelona.

Aquella película llevó por título Perros callejeros y puso en el centro del relato a los propios delincuentes. Tanto es así que el reparto estuvo encabezado por los mismos adolescentes que copaban las páginas de sucesos en los diarios y revistas. De la Loma quiso que ‘El Vaquilla’ protagonizase el largometraje, pero las continuas entradas y salidas de prisión imposibilitaron que pudiese participar en la producción. Así fue cómo el papel principal de Perros callejeros recayó en otro nombre fichado por la policía: Ángel Fernández Franco, alias ‘El Trompetilla’.

Rebautizado en la cinta como ‘El Torete’ —en un claro homenaje al apodo de Moreno Cuenca—, Fernández Franco se interpretó a sí mismo en una película en la que éste y una pandilla de quinceañeros se dedican a robar bolsos, dar palos en tiendas y a entrar y salir de los correccionales.

El resultado fue una insólita cinta en la que convivían el realismo y el cine de explotación. Mientras que el desparpajo de los actores no profesionales y las localizaciones aportaron naturalidad y autenticidad a la historia, las espectaculares persecuciones y la inclusión de escenas explícitas de sexo y drogas saciaron el morbo de un público deseoso de ver imágenes prohibidas durante décadas por la censura franquista.

Al margen del cine que se hacía y de la idílica visión de la Transición, De la Loma apadrinó con Perros callejeros un subgénero de denuncia social en el que, sin renunciar a ciertas cotas de sensacionalismo, mostró con crudeza una verdad silenciada en la época: la delincuencia juvenil.

Trilogía de culto

El largometraje tuvo una gran acogida entre el público; principalmente entre la población joven, que sintió la película como un reflejo de la realidad con la que convivían. Fue uno de los más taquilleros el año de su estreno, y recaudó centenares de millones de pesetas. Tal fue el éxito que se realizaron dos títulos más: Perros callejeros II y Los últimos golpes de ‘El Torete’ (Perros callejeros III).

Ambas secuelas daban continuidad al historial delictivo de ‘El Torete’. Para entonces, personaje y actor ya formaban parte del imaginario colectivo, popularidad que quedó especialmente representada en la segunda parte de la trilogía. Además de hacer coincidir en pantalla a ‘El Trompetilla’ con ‘El Vaquilla’ (interpretado por Bernard Seray) mediante espectaculares escenas de acción, Perros callejeros II hizo un guiño a la mitificación del quinqui que se enfrentaba al sistema y luchaba por su libertad; convirtiéndose en un (anti)héroe, dentro y fuera de la gran pantalla.

La tercera entrega cerró el arco con ‘El Torete’ y ‘El Vaquilla’ (de nuevo interpretados por Fernández Franco y Seray) pugnando por ver quién protagoniza las persecuciones y atracos más alocados. Adulterada con más secuencias de acción y sexo, la película también introdujo hilarantes episodios cómicos al tiempo que plasmó las distintas posturas de los medios de comunicación a la hora de abordar la delincuencia juvenil.

Colección de cine quinqui

Perros callejeros sentó las bases de una corriente del cine español que no ha perdido un ápice de su popularidad y convirtió a De la Loma en padre del cine quinqui. Con la llegada de la trilogía al catálogo de la plataforma especializada en cine español, FlixOlé facilita el acceso del público a estas películas de culto que han marcado a varias generaciones. Y lo consigue haciendo coincidir el estreno de las tres películas de ‘El Torete’ con la presentación de una colección dedicada al cine quinqui.

En la misma estarán disponibles cerca de una treintena de emblemáticos títulos, entre los que se encuentran los dirigidos por Eloy de la Iglesia, el otro pilar de este subgénero de acción: Navajeros (1980), Colegas (1982), El pico I y II (1983 y 1984, respectivamente), La estanquera de Vallecas (1987); como también largometrajes firmados por autores como Carlos Saura, con Deprisa, deprisa (1981); Vicente Aranda, y sus filmes El Lute: camina o revienta (1987) y El Lute II: Mañana seré libre (1988); películas quinquis menos conocidas, como Chocolate (Gil Carretero, 1980) o documentales sobre aquel movimiento, como Quinqui Stars (Juan Vicente Córdoba, 2018).

“Sala:B”. Santa Sesión

  Por ,

La biblia en pasta (Manuel Summers, 1984). Int: Celedón Parra, Annete Neils, José Rivera. España. 35mm. Color. 87´ 

El valle de los hombres de piedra (Perseo L´invincible, Alberto De Martino, 1963). Int: Richard Harrison, Ángel Jordán, Anna Ranalli. Italia. DCP. VE. Color. 95´ 

La biblia en pasta surgió en la mente de Manuel Summers como una gran parodia histórica en la línea de Mel Brooks o los Monty Python, imaginándose incluso un reparto internacional de primera línea. La financiación no dio para tanto y tras el éxito de su trilogía ¡To er mundo é güeno! (1982), To er mundo e… ¡mejó! (1983) y To er mundo e… ¡demasiao! (1984) filmadas con actores no profesionales y cámara oculta mucho antes de que existieran los reality shows, parecía lógico adaptar la Biblia a ese modelo. El resultado es una locura tan irreverente como surrealista, que hace de la precariedad y el absurdo de la producción su mejor baza. Desde la primera secuencia, Summers cabalga entre la realidad y la ficción, mediante sketches que desarman por completo las fantasías bíblicas con actores y actrices insólitos, imposibles, mezclados con algunos secundarios no menos peculiares. Por supuesto, los efectos especiales, decorados y localizaciones pasan también por esa desmitificación radical, mostrando sin pudor las costuras de una producción de serie Z. Demasiada osadía para el público de la época, que le dio la espalda impidiendo que continuara la saga con la anunciada La Biblia en verso.

Las pelis de romanos o peplum era otro de los clásicos de las carteleras pascuales, por aquello de la cercanía con las escrituras, aunque El valle de los hombres de piedra raramente contentaría a ningún apóstol. Tenemos guaperas en falditas –Richard Harrison en plena forma– batallas a caballo y decorados con transparencias del gran Emilio Ruiz, pero también efectos especiales de Amando de Ossorio y a Carlo Rambaldi dando vida a un dragón artrítico y una medusa que más parece una víctima de Godzilla. La presencia entre los guionistas de José Mallorquí, creador de El Coyote, explica estos deslices tan pulp y tan poco ortodoxos. Dirige además Alberto De Martino, fundamental figura de la serie B italiana.

Presentación cargo de Alex Mendíbil, comisario de <>. Duración de la presentación: 10’ (Total sesión: 190´).

LUGAR Y FECHAS

Cine Doré

Viernes25/04/202519:30

Cineteca Madrid celebra el Día del Libro con una programación especial de películas relacionadas con la literatura

  Por

El ciclo Fassbinder y compañía propone un recorrido por las adaptaciones literarias del cineasta alemán y su reconfiguración de los textos clásicos

La selección Adaptaciones desplazadas analizará la transformación de obras literarias en películas más allá de la ilustración de los textos originales 

Cineteca celebra los 50 años de dos adaptaciones icónicas: Barry Lyndon, de Stanley Kubrick, y Saló o los 120 días de Sodoma, de Pasolini

A través de títulos como Los clowns, de Fellini, o Big Fish, de Tim Burton, se explorará la fascinación compartida entre cine y circo por el riesgo, la destreza y el asombro

La muestra Romaníes detrás de la cámara da visibilidad a la obra de cineastas gitanos contemporáneos a través de documentales, ficciones y ensayos cinematográficos

Proyecciones especiales en el Día del Libro, un encuentro con el director Eugenio Mira y las propuestas de Cineteca en familia completan la oferta de abril

Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento, dedica el mes de abril a explorar los múltiples diálogos entre el cine y la literatura. A través de una variada selección de películas, ciclos temáticos y eventos especiales, la programación abordará distintas formas en que la literatura se entrelaza con la imagen cinematográfica, desde adaptaciones canónicas hasta experimentaciones formales que desafían los límites del lenguaje escrito.

Fassbinder y compañía (Episodio 1): la adaptación como confrontación

El cine de Rainer Werner Fassbinder se caracterizó por una mirada ferozmente crítica a la sociedad y un constante diálogo con la literatura. En sus adaptaciones no se limitaba a trasladar textos al cine, sino que los desmontaba y reconstruía desde una óptica propia. Este ciclo, organizado en colaboración con el Goethe-Institut, revisa algunas de sus adaptaciones más emblemáticas, en las que el cineasta alemán transforma los textos en intensos dramas sobre la exclusión, el deseo y el poder.

A lo largo del programa, se analizarán títulos como Querelle (Alemania, 1982), basada en la novela de Jean Genet, donde la estilización extrema y la teatralidad subrayan la tensión entre lo prohibido y lo reprimido; o Todos nos llamamos Alí (Alemania, 1974), una de las películas emocionalmente más poderosas del director, que contiene una crítica despiadada a la sociedad alemana y sus prejuicios.

Coincidiendo además con la representación de la obra teatral homónima, dirigida por Rakel Camacho en Nave 10 Matadero hasta el 20 de abril, Cineteca proyectará el sábado 5 Las amargas lágrimas de Petra Von Kant (Alemania, 1972), un estudio del deseo y el poder en una relación lésbica. Completan el ciclo, entre otros títulos, El asado de Satán (Alemania, 1976), Un año con trece lunas (Alemania, 1978), El matrimonio de María Braun (Alemania, 1979) o Lola (Alemania, 1981).

Adaptaciones desplazadas: la literatura como punto de partida

Comisariado por el cineasta y videoartista Guillermo G. Peydró, este ciclo aborda las adaptaciones que, a diferencia de las versiones convencionales, emplean la literatura como punto de partida para explorar otros caminos narrativos.

La selección incluye títulos El día de la bestia (Álex de la Iglesia, España, 1995), una ingeniosa reinterpretación del relato del Anticristo y el Apocalipsis, con influencias de la literatura satánica y la tradición cristiana; Métamorphoses (Christophe Honoré, Francia, 2014); Fausto (Jan Švankmajer, República Checa-Francia-Reino Unido, 1994); Onirica: Field of Dogs (Lech Majewski, Polonia, 2014) y El retablo de las maravillas. Apuntes para una película sobre el Quijote, dirigida por el propio Guillermo G. Peydró en 2021.

Adaptaciones históricas: 50 años de Barry Lyndon y Saló o los 120 días de Sodoma

En 1975, Stanley Kubrick y Pier Paolo Pasolini estrenaron dos adaptaciones literarias que redefinieron el concepto de cine basado en textos clásicos. En Barry Lyndon (Reino Unido, 1975), Kubrick trasladó la novela de William Makepeace Thackeray a una obra visualmente deslumbrante, donde la luz natural y la composición pictórica transformaron la historia en una experiencia única. Por otro lado, Saló o los 120 días de Sodoma (Pier Paolo Pasolini, Italia-Francia, 1976) llevó la obra del Marqués de Sade a una visión brutal sobre el poder y la degradación humana. Medio siglo después, estas dos películas siguen generando impacto y debate, reafirmando la capacidad del cine para expandir y reinterpretar la literatura.

Cine y circo: el espectáculo del riesgo y la magia

El cine y el circo han compartido, desde sus orígenes, el asombro por lo excepcional. Desde el cine mudo hasta las grandes producciones contemporáneas, este ciclo recorre las múltiples maneras en las que el séptimo arte ha retratado el mundo circense. A través de títulos que van desde Los clowns (Federico Fellini, Italia-Francia-Alemania, 1970) hasta Sombras y niebla (Woody Allen, EE.UU., 1991), pasando por El circo (Charlie Chaplin, EE.UU., 1928), la muestra celebra este arte como un espacio de ilusión y emoción, pero también de lucha y supervivencia. Completa el ciclo El sol del futuro (Italia, 2023), donde Nanni Moretti entrelaza la historia política de Italia con la creación artística.

Romaníes detrás de la cámara: el cine gitano del siglo XXI

Este ciclo, comisariado por Rafael Buhigas Jiménez y Lidia Merás, busca dar visibilidad a cineastas gitanos contemporáneos que han desafiado los estereotipos tradicionales y han construido nuevas formas de representación. Desde biopics de artistas hasta relatos sobre la discriminación y la resiliencia, las películas seleccionadas celebran la diversidad y riqueza de esta cinematografía emergente. Destacan, entre otras, Chaplin. Espíritu gitano (Carmen Chaplin, España-Reino Unido-Países Bajos, 2024) o Carmen, sin miedo a la libertad (Irene Baqué, España, 2023), una reinterpretación documental y feminista del mito literario de Carmen, la icónica protagonista de la novela de Prosper Mérimée.

Día del Libro: cine y literatura en diálogo

Cineteca Madrid se une a la celebración del Día del Libro con proyecciones y encuentros que exploran la relación entre literatura y cine. Entre las películas programadas destacan los estrenos de Cien libros juntas (Marga Melià, España, 2024), un documental sobre los clubes de lectura como espacios de resistencia cultural, y Un hombre libre (Laura Hojman, España, 2024), un retrato del novelista exiliado Agustín Gómez Arcos. También se proyectará Miocardio (José Manuel Carrasco, España, 2024), una exploración sobre la autoficción y la identidad, protagonizada por Marina Salas y Vito Sanz. Después de cada sesión se celebrarán coloquios con cineastas y escritores que ampliarán la reflexión sobre la influencia mutua entre ambos lenguajes.

Encuentro con Eugenio Mira: In the Name of Lol

El mes de abril también acoge el estreno de la versión restaurada y ampliada de The Birthday (España, 2004), la ópera prima de Eugenio Mira. Este filme de culto, difícil de clasificar, combina terror, comedia y artificio para crear una experiencia cinematográfica única. Eugenio Mira ofrecerá un encuentro con el público el jueves 10 de abril, en el que compartirá sus influencias, referencias y procesos creativos a través de material inédito y piezas cortas nunca vistas.

Cineteca en familia: el universo de Tim Burton

Aprovechando la confluencia de los ciclos Adaptaciones desplazadas y Cine y circo, Cineteca Madrid propone un recorrido por el imaginario de Tim Burton a través de cuatro de sus adaptaciones más representativas. Frankenweenie (EE.UU.-Reino Unido, 2012), reinterpreta el universo de Mary Shelley en clave de homenaje al cine clásico de terror, mientras que Sleepy Hollow (EE.UU.-Reino Unido-Alemania, 1999), estiliza el relato de Washington Irving con una puesta en escena barroca y expresionista, con Johnny Depp y Christina Ricci como protagonistas.

En Dumbo (EE.UU.-Reino Unido-Canadá-Australia, 2019) y Big Fish (EE.UU., 2003), el mundo del circo se convierte en un escenario de asombro y extrañeza, donde lo fantástico y lo melancólico se entrelazan para dar forma a fábulas sobre la diferencia y la imaginación. Un programa pensado para disfrutar en familia de un cineasta que ha hecho de la fantasía y el artificio su sello inconfundible.

CineZeta: la identidad en la era digital

El joven equipo de programadores CineZeta propone en el mes de abril una nueva exploración sobre la identidad en la era digital para las tardes de sábado. A través de una selección de ocho obras, este ciclo invita a reflexionar sobre el impacto de Internet en la construcción de nuestra percepción del mundo y de nosotros mismos.

Estrenos y secciones habituales

Hasta 13 estrenos llegan a las pantallas de Cineteca en abril, con títulos como Misericordia (Alain Guiraudie, Francia, 2024), ganadora de la pasada Seminci a la Mejor Película y Mejor Guion, y ¡Caigan las rosas blancas! (Albertina Carri, Argentina, 2025). En ‘Pases Especiales’, el documental Inés, hermana mía se suma a las secciones habituales como ‘La noche Z’, que proyectará La noche del ejecutor (Paul Naschy, España, 1992); en la sección ‘Así son las cosas’, la videoartista Ana Esteve propone Cielo azul artificial, mientras que el apartado ‘Relatos del ruido’ exhibirá Veinte años de IN-SONORA, sobre la Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo. Ciclo DOCMA completa la programación con Código Marcos, de Liena Cid Navia y Patricia Pérez Fernández. 

«El reino de Satán», documental sobre la Iglesia satánica, llega a Filmin el 4 de abril

  Por ,

Scott Cummings dirige este documental arty que se sumerge en la vida cotidiana y los rituales de algunos representantes de la Iglesia de Satán, la organización religiosa fundada por Anton Szandor LaVey en los años 60.

El próximo viernes 4 de abril Filmin estrena, en exclusiva en plataformas digitales en España, el documental «El reino de Satán», escrito, dirigido y montado por el estadounidense Scott Cummings. Presentado en los festivales de Sundance y Sitges, entre otros, la película se compone de una sucesión de tableaux vivants que retratan el día a día de diversos miembros de la Iglesia de Satán, una organización religiosa con estatus legal reconocido en Estados Unidos, fundada en 1966 por Anton Szandor LaVey en San Francisco. De enorme popularidad a finales del siglo XX, este culto se caracteriza no solo por su adoración a Satán, sino también por promover un estilo de vida basado en el individualismo y la gratificación personal, rechazando la autoridad externa y las creencias espirituales tradicionales.

Cummings, que fue niño en los años 80, recuerda la influencia que el satanismo tenía entonces en Estados Unidos: «Conocía a fondo la Iglesia de Satán por el Satanic Panic que se vivía en mi infancia. Es una locura recordar que la gente ponía los discos de New Kids on the Block al revés buscando mensajes satánicos. Dragones y mazmorras era satánico también…«. De hecho, el director afirma que siendo niño le acusaron de ser satanista: «El satanismo estuvo presente en mi vida desde que fui un niño metalero. Un niño desconocido de mi escuela me acusó de vender Biblias Satánicas. Ni siquiera sabía qué era eso. Yo era más bien católico. Pero pensé: ¡Ah, sí, ese soy yo!»

«El reino de Satán» no pretende profundizar ni hacer pedagogía sobre qué es la Iglesia de Satán, sino más bien retratarla usando técnicas propias del cine experimental para construir algo así como un misterio a su alrededor: «Vivimos en un mundo donde tienes acceso ininterrumpido a toda la información que quieras. Poder darle a alguien esta experiencia de misterio es como un regalo«, explica el director. El enfoque agradó a los miembros de la Iglesia de Satán, con el Sumo Sacerdote Peter H. Gilmore al frente, que ya se habían exhibido en otros reportajes y documentales anteriores («An American Satan», de Aram Garriga, disponible en Filmin, es uno de los más destacados), pero que abrazaron el enfoque original de Cummings: «La idea de que la película era en gran medida un objeto estético conectó con ellos. Una de las reglas cardinales del satanismo es que hay que presentar las cosas estéticamente.»

Con un influjo evidente del cine de James Benning y de la escuela documental austriaca (con Ulrich Seidl al frente), la película abraza la contemplación pero no desestima los trucajes y efectos visuales, como sobreexposiciones y trucos de montaje, más propios de un cine pretérito. «Los Satanistas son muy fanáticos del terror de monstruos de Universal. La idea de usar efectos especiales al estilo de Lon Chaney encaja a la perfección con su estética«, afirma Cummings: «Cuando presenté la película —es tan pretencioso que lo diré sin rodeos, porque es una buena frase— dije: Es como un documental al estilo de Méliès, no de Lumière», concluye el director.

El giallo italiano toma Tenerife Noir con dos películas imprescindibles de Sergio Martino y Luigi Cozzi

  Por

El ciclo ‘Giallo’ presenta las cintas ‘Vicios prohibidos’ y ‘El gato negro’, títulos emblemáticos del género de terror transalpino.

El director Luigi Cozzi asistirá a la proyección de ‘El gato negro’.

El Festival Atlántico de Género Negro Tenerife Noir celebra su décima edición con una programación cinematográfica que incluye un ciclo dedicado al giallo italiano, un subgénero de terror y misterio caracterizado por su estética provocadora, tramas truculentas y una fuerte carga sensual. Bajo el título “Todos los colores del Noir: Giallo”, se proyectarán dos títulos emblemáticos: Vicios prohibidos y El gato negro, en el Espacio Mutua Tinerfeña de La Laguna, con entrada libre hasta completar aforo.

La primera de las sesiones tendrá lugar el jueves 27 de marzo, de 18:30 a 21:00, con la proyección de Vicios prohibidos (Il tuo vizio è una stanza chiusa e solo io ne ho la chiave, 1972), dirigida por Sergio Martino. Este thriller psicológico gira en torno a un escritor alcohólico y violento que se ve envuelto en una serie de crímenes tras la muerte de su joven amante. Con música de Bruno Nicolai, fotografía de Giancarlo Ferrando y un reparto encabezado por Edwige Fenech, Anita Strindberg y Luigi Pistilli, la película adapta libremente relatos de Edgar Allan Poe. La sesión será presentada por la especialista en cine Sonia Cabrera.

Al día siguiente, viernes 28 de marzo, se proyectará El gato negro (Il gatto nero, también conocida como De Profundis, 1989), obra de Luigi Cozzi, que reinterpretó el universo de Poe desde una perspectiva fantástica y sobrenatural. En ella, una antigua bruja regresa del más allá para atormentar a una pareja de cineastas, en una historia que mezcla terror esotérico y metacine. El reparto incluye a Florence Guérin, Urbano Barberini, Caroline Munro y Brett Halsey, con música de Vince Tempera y fotografía de Pasquale Rachini. La presentación correrá a cargo del especialista y consigliere del festival Pedro Mérida, acompañado por el propio Luigi Cozzi, que asistirá al pase.

Antes de la proyección del viernes, de 17:00 a 19:00, el ciclo se completa con una mesa de presentación de novedades literarias a cargo de destacados autores del panorama negro nacional, entre ellos Santiago Díaz y Nagore Suárez, entrevistados por Elizabeth López.

El giallo, cuyo nombre hace referencia al color amarillo de las portadas de las antiguas novelas de misterio italianas, vivió su época dorada en los años 70 y sigue despertando fascinación por su combinación de suspense, erotismo y horror estilizado. Este ciclo ofrece una oportunidad única para redescubrir dos de sus títulos más representativos en pantalla grande y con invitados de excepción.

Proyecciones Xcèntric: Miradas divergentes

  Por ,

Scrapbook (Mike Hoolboom, 2015)

La representación del autismo en el cine convencional ha sido codificada en narrativas que presentan al autista como un personaje con habilidades excepcionales que desequilibra la vida de los protagonistas. Sin embargo, en el cine experimental existen obras que han tratado de abordar el autismo mediante formas atípicas. Este es el caso de las películas de Robina Rose, Mike Hoolboom o Arthur y Corine Cantrill que reúne este programa, en donde a partir del documental o la animación se exploran diferentes estructuras no narrativas para representar la neurodivergencia desde una perspectiva autista.

En Jigsaw (1980) Robina Rose examina las actividades de un grupo de niños autistas en una escuela de Londres. A través del uso de planos detalle, secuencias largas, del color y del sonido, la cineasta desafía a la audiencia a adentrarse en la percepción sensorial y emocional desde el interior de una persona autista, donde los sonidos desempeñan un papel más importante que el lenguaje.

Scrapbook (2015), de Mike Hoolboom, está creada a partir de una película del año 1966 encontrada en un centro de desarrollo para niños y adolescentes autistas. El film formaba parte de un proyecto de retrato colectivo mediante el cual los residentes aprendían a verse a sí mismos. Cincuenta años después, Hoolboom revisa el material, presentando, a su vez, el relato de una de sus antiguas residentes, Donna Washington, una mujer autista que mira hacia esas imágenes y narra lo que significó para ella que una cámara habitara el espacio de esa institución.

Myself when Fourteen (1989), de Arthur y Corinne Cantrill, se realizó en colaboración con su hijo autista, reciclando un par de tomas en blanco y negro de Ivor corriendo delante de la cámara, rotoscopiadas por él mismo con colores que cambian continuamente. Los dibujos animados se integran con las imágenes negativas y positivas originales con la ayuda de una impresora óptica, creando patrones de blanco, negro y color y generando así un efecto hipnótico. En la banda sonora Ivor describe el proceso de rotoscopia y rememora el momento en que hizo esas imágenes, sorprendiéndose por la distancia entre las dos versiones de sí mismo, artista y sujeto.

Jigsaw, Robina Rose, 1980, 16 mm, 67 min; Scrapbook, Mike Hoolboom, 2015, 16 mm y vídeo digital, 19 min; Myself when Fourteen, Arthur y Corine Cantrill, 1989, 16 mm, 19 min.

Proyección en digital.

Copias procedentes de BFI, Light Cone y Arsenal, respectivamente.

Fecha: 13 abril 2025

Horario: 18.30

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.

Filmoteca Española, el Festival de Málaga y DAMA presentan «Furtivos. 50 años»

  Por ,

El volumen, escrito por el crítico e historiador Carlos F. Heredero, editado junto a Caimán Cuadernos de Cine y que cuenta con la colaboración del festival de San Sebastián, propone un análisis crítico en profundidad del filme que es Película de Oro en la 28.ª edición de Málaga y que inaugurará la sección Klasikoak del certamen donostiarra

La publicación se presenta, con la participación de su autor, el lunes 17 de marzo en el Festival de Málaga y el viernes 21 de marzo el Cine Doré de Madrid

El 8 de septiembre de 1975 se estrenó en el cine Amaya de Madrid ‘Furtivos’, hoy considerada la obra maestra de José Luis Borau. 50 años después, es la Película de Oro del 28 Festival de Málaga, festival que se celebra hasta el próximo 23 de marzo, e inaugurará la sección Klasikoak de la próxima edición del Festival de San Sebastián. A este homenaje se suma un libro editado por Filmoteca Española —organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico— el Festival de Málaga y DAMA (Derechos de Autor de Medios Audiovisuales), en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine y el Festival de San Sebastián.

Dirigida y escrita por José Luis Borau, en colaboración con Manuel Gutiérrez Aragón, ‘Furtivos’ está protagonizada por Ovidi Montllor, Lola Gaos y Alicia Sánchez. La exhibición de ‘Furtivos’ estuvo tan condicionada por las autoridades franquistas que fue desestimada por los festivales de Cannes y Berlín. Fue mejor recibida en San Sebastián, punto de partida de su rotundo éxito de crítica y público, donde recibió la Concha de Oro a la mejor película y el Premio Perla del Cantábrico al mejor largometraje de habla hispana. También logró el reconocimiento en los Premios del Círculo de Escritores Cinematográficos, los Fotogramas de Plata y el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias.

El libro ‘Furtivos. 50 años’, de Carlos F. Heredero, vuelve a la película para documentar de manera fehaciente, por primera vez, la intrahistoria de tan singular proyecto: la cronología, las cifras, los papeles, la escritura del guion, el plan de producción, los dineros, los contratos, las localizaciones, las incidencias del rodaje, las actas de la censura, las conversaciones con los festivales, la distribución, la taquilla, su circulación internacional, las controversias y las amenazas, etc.

La radiografía ofrece nuevas perspectivas para enmarcar el filme en el contexto social, político y cultural del que surge, entre la criminal agonía de la dictadura franquista y las luchas que preparan la Transición a la democracia.

A su vez, el análisis de sus imágenes —herederas de Buñuel y de Goya, de la Castilla feroz de Gutiérrez Solana y del tremendismo de Cela— permite comprender la compleja naturaleza de su discurso y de sus formas. Una entrevista con Borau rigurosamente inédita hasta ahora, en torno a la película, completa la investigación.

Presentación en el Festival de Málaga y en el Cine Doré de Madrid

El lunes 17 marzo (17.30 h) y el viernes 21 de marzo (20.30 h), el Auditorio Christine Ruiz-Picasso del Museo Picasso de Málaga, —sede del Festival de Málaga— y el Cine Doré de Madrid —sala de proyecciones de Filmoteca Española— acogerán la presentación del libro ‘Furtivos. 50 años’ de Carlos F. Heredero. Tras la presentación, se celebrará la proyección de la película en su versión restaurada (Furtivos, José Luis Borau, 1975), seguida de un breve corte que recoge un final alternativo inédito. La nueva copia de la película en 4K, versión que se proyectará también en San Sebastián, ha sido realizada por la distribuidora Video Mercury Films en colaboración con la plataforma FlixOlé. Para su proceso de restauración, se ha utilizado el negativo original en 35 mm y se ha contado con la supervisión del cineasta y coguionista de la película, Manuel Gutiérrez Aragón.

«Twin Peaks» llega a Filmin para completar el amplio catálogo de la plataforma alrededor de David Lynch

  Por ,

«Twin Peaks» y «Twin Peaks: A Limited Event Series» llegan a Filmin para completar el amplio catálogo de la plataforma alrededor de David Lynch

La icónica serie original creada en 1990 por David Lynch y Mark Frost, así como la serie limitada de 2017, llegan a la plataforma el 25 de marzo.

Filmin añadirá a su catálogo el próximo 25 de marzo “Twin Peaks”, sin lugar a dudas una de las series más innovadoras e influyentes de la historia de la televisión. Tras el acuerdo alcanzado con Paramount Global Content Distribution, la plataforma española ofrecerá a sus suscriptores las dos temporadas de la serie, estrenadas a principios de los años 90, y “Twin Peaks: A Limited Event Series”, su sonado regreso, 25 años después,  emitido en 2017 en SHOWTIME®.

Nacida de la imaginación del mundialmente reconocido director David Lynch y el productor ejecutivo Mark Frost, “Twin Peaks” gira en torno al agente del F.B.I. Dale Cooper (Kyle MacLachlan), quien llega a la pintoresca ciudad maderera de Twin Peaks para investigar el asesinato de Laura Palmer, una hermosa y popular estudiante de secundaria. Mientras investiga, el agente Cooper conoce a los habitantes de la zona, sus comportamientos extraños, y poco a poco descubre las cosas extrañas que suceden en el pueblo. Lynch y Frost crearon, escribieron y produjeron ejecutivamente la serie original.

Dirigida enteramente por David Lynch, “Twin Peaks: A Limited Event Series” retoma la acción 25 años después de que los habitantes de Twin Peaks quedaron conmocionados por el asesinato de Palmer. La serie limitada, de 18 episodios, fue escrita y producida ejecutivamente por los creadores David Lynch y Mark Frost, y producida ejecutivamente por Sabrina S. Sutherland. Ambas series son distribuidas internacionalmente por Paramount Global Content Distribution.

Con estas incorporaciones, Filmin completa su amplio catálogo alrededor de la obra de David Lynch, fallecido el pasado 16 de enero y uno de los artistas más relevantes de la historia del séptimo arte. La colección incluye sus largometrajes “Cabeza borradora” (1977), “El hombre elefante” (1980), “Terciopelo azul” (1986), “Corazón salvaje” (1990), “Carretera perdida” (1997), “Una historia verdadera” (1999), “Mulholland Drive” (2001) e “Inland Empire” (2006), así como algunos de sus cortos más conocidos. Además, los fans más completistas tienen disponibles dos obras nacidas del éxito de “Twin Peaks”: el largometraje “Twin Peaks: Fuego camina conmigo” (1992), estrenado en el Festival de Cannes, y “Twin Peaks: Las piezas desaparecidas” (2014), una compilación de escenas eliminadas de la serie y la película que desvela nuevas pistas sobre el asesinato de Laura Palmer. Completan la colección los documentales “The First Image: David Lynch / Marco Bellocchio” (2019) y “Lynch/Oz” (2022. Estreno en Filmin el 21 de marzo), una película de Alexandre O. Philippe que analiza la influencia de “El mago de Oz” (Victor Fleming, 1939) en la obra de David Lynch.

Seminci celebra su 70 aniversario con una retrospectiva de cine de autor proyectadas en el festival

  Por ,

El 20 de marzo se cumplen 70 años del nacimiento de Seminci en 1956

La selección incluye obras de Fellini, Kiarostami, Truffaut, Zhang Yimou, Atom Egoyan, Lars von Trier, Haneke, Bergman y Tarkovski, entre otros

Las actividades conmemorativas se extenderán a lo largo del año, poniendo en valor el patrimonio documental del festival e impulsando la participación del público

La Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) iniciará en abril la celebración de su 70º aniversario con un ciclo retrospectivo que recupera algunas de las obras maestras del cine mundial que encontraron en este festival su puerta de entrada a España. El ciclo, que se proyectará en los Cines Broadway hasta diciembre, estará compuesto por 24 títulos seleccionados por los programadores del certamen entre los largometrajes presentados y, en su mayoría, premiados durante sus 70 años de vida.

Los actos de conmemoración de los 70 años del nacimiento del festival, el 20 de marzo de 1956, girarán en torno a dos ejes fundamentales: la memoria histórica de Seminci y la participación del público. Por un lado, se revisitarán las cinematografías, cineastas y temáticas que han marcado sus siete décadas de trayectoria a través de su valioso legado fotográfico y documental. Por otro, se abrirá una convocatoria para que el público comparta sus recuerdos del festival, mediante imágenes, vídeos o anécdotas sobre películas que dejaron huella en sus vidas, encuentros con cineastas o espacios emblemáticos de proyección en el pasado.

El 70º aniversario también tendrá un lugar destacado en la próxima edición de Seminci, que se celebrará del 24 de octubre al 1 de noviembre, con publicaciones, retrospectivas y mesas redondas que profundizarán en la historia del festival.

Siete décadas de cine en una veintena de obras maestras

El ciclo retrospectivo ‘70 años de Seminci. Una cierta historia del cine de autor’ pretende celebrar la evolución de Seminci desde su fundación en 1956, destacando su apuesta constante por un cine de calidad, innovador y comprometido con la realidad social. Además, como reconocimiento a la fidelidad del público de Seminci, algunas de las películas serán presentadas por espectadores que las vieron en su estreno en el festival.

La selección de títulos pone en valor el papel de Seminci como plataforma de descubrimiento del cine de autor en España, al elegir películas cuya inclusión en el certamen sirvió de puerta de entrada en España de grandes autores del cine mundial, desde Atom Egoyan a Ermanno Olmi. El objetivo ha sido evidenciar la variedad y la calidad en la programación del festival a lo largo de su historia, a la vez que romper así con los clichés habituales sobre su identidad, mostrando la profundidad y diversidad de su propuesta cinematográfica y de los largometrajes que fueron premiados por los jurados.

El recorrido por la historia del cine de autor que propone la retrospectiva refleja el compromiso histórico de Seminci con un cine humanista de marcada pulsión social y política, incluso durante sus primeros años como festival de cine religioso y de derechos humanos en plena dictadura.

Entre los títulos seleccionados figuran joyas cinematográficas como Las noches de Cabiria, de Federico Fellini, que abrirá las proyecciones; Un condenado a muerte se ha escapado, de Robert Bresson, El manantial de la doncella, de Ingmar Bergman, y Sacrificio, de Andrei Tarkovski, obras fundamentales que abordan temáticas sociales profundas como la prostitución, la privación de libertad y reflexiones filosóficas sobre la existencia y la espiritualidad humanas.

Además, se ha procurado incorporar el mayor número posible de directoras, en reconocimiento a la desigualdad de género existente en la historia del festival debido al contexto de la época. La programación pone especial énfasis en recuperar el trabajo de directoras pioneras como Věra Chytilová con Hablemos de otra cosa y Márta Mészáros con La muchacha, cineastas que, aunque no recibieron reconocimiento en su momento, son consideradas hoy figuras esenciales de la modernidad cinematográfica por su capacidad de innovación y subversión.

También forman parte de la retrospectiva Kes, de Ken Loach, y La promesa, de Jean- Pierre y Luc Dardenne, cineastas estrechamente ligados a la identidad de Seminci por su compromiso con un cine político, además del musical Jesucristo Superstar, de Norman Jewison, que tuvo su estreno español en este festival. Completan el ciclo trabajos procedentes de autores de un amplio panorama geográfico Lars von Trier, Paul Schrader, Zhang Yimou, Jane Campion, Sergio Cabrera, Andrzej Wajda, Abbas Kiarostami, Terence Davies, Lone Scherfig, Agnieszka Holland y Milos Forman.

La vitrina del mes: un viaje a la memoria de Seminci

El 70 aniversario supone también una oportunidad para redescubrir el importante legado fotográfico y documental del Festival, generado a lo largo de siete décadas y custodiado por el Archivo Histórico Provincial de Valladolid. A partir de abril, el público que visite Espacio Seminci podrá sumergirse en la historia del certamen a través de la iniciativa ‘La vitrina del mes’, una muestra de postales, sellos, publicaciones, imágenes y otros objetos de películas seleccionadas, así como de momentos clave de cada década del festival, que variará cada mes.

Con esta programación especial, Seminci reafirma su compromiso con la memoria del cine de autor y con el público que ha acompañado su evolución, invitando a todos a revivir juntos la historia de uno de los festivales más emblemáticos del cine independiente.

Títulos del ciclo ‘70 años de Seminci. Una cierta historia del cine de autor’

Las noches de Cabiria, de Federico Fellini (Italia, 1957)

Un condenado a muerte se ha escapado, de Robert Bresson (Francia, 1956)

El manantial de la doncella, de Ingmar Bergman (Suecia, 1959)

El empleo, de Ermanno Olmi (Italia, 1961)

Hablemos de otra cosa, de Věra Chytilová (Checoslovaquia, 1964)

La muchacha, de Márta Mészáros (Hungría, 1968)

El pequeño salvaje, de François Truffaut (Francia, 1970)

Kes, de Ken Loach (Reino Unido, 1970)

Jesucristo Superstar, de Norman Jewison (Estados Unidos, 1973)

Alguien voló sobre el nido del cuco, de Milos Forman (Estados Unidos, 1975)

Blue Collar, de Paul Schrader (Estados Unidos, 1978)

Las señoritas de Wilko, de Andrzej Wajda (Polonia, Francia, 1979)

Sacrificio, de Andrei Tarkovski (Suecia/Francia/Reino Unido, 1986)

Voces distantes, de Terence Davies (Reino Unido, 1988)

Semilla de crisantemo, de Zhang Yimou (China, Japón, 1989)

Un ángel en mi mesa, de Jane Campion (Nueva Zelanda, 1990)

El liquidador, de Atom Egoyan (Canadá, 1991)

La estrategia del caracol, de Sergio Cabrera (Colombia/Italia, 1993)

A través de los olivos, de Abbas Kiarostami (Irán/Francia, 1994)

La promesa, de Jean Pierre y Luc Dardenne (Bélgica/Francia/Luxemburgo/Túnez, 1996)

Bailar en la oscuridad, de Lars von Trier (Dinamarca/Suecia/Francia, 2000)

Italiano para principiantes, de Lone Scherfig (Dinamarca, 2000)

Caché (Escondido), de Michael Haneke (Francia/Austria/Alemania/Italia, 2005)

In Darkness, de Agnieszka Holland (Alemania, Polonia, Canadá, 2011)

Filmin estrena «Tiempo compartido», la nueva comedia de Olivier Assayas

  Por ,

El francés Olivier Assayas (“Personal Shopper”) hace un retrato de sí mismo en esta comedia dramática ambientada en los días del Covid.

Filmin estrena el próximo 21 de marzo, en exclusiva en plataformas digitales, “Tiempo compartido”, la nueva película de Olivier Assayas (“Personal Shopper”, “Viaje a Sils Maria”) que tuvo su premiere mundial en la Sección Oficial de la Berlinale y fue seleccionada en la SEMINCI. Además, pasó por cines españoles el pasado noviembre de la mano de ADSO Films.

Protagonizan la historia Vincent Macaigne (“Crónica de un amor efímero”) y Nora Hamzawi (“Dobles vidas”), colaboradores habituales del cine de Assayas que ya compartieron plano en “Dobles vidas” (2018) y en la serie “Irma Vep” (2022). Junto a ellos, la pareja formada por Micha Lescot (“La gran juventud”) y Nine d’Urso (“El sucesor”) completan el reparto.  

“Tiempo compartido” habla de la herencia cultural y familiar a través de cuatro personajes confinados en una casa de campo durante la primavera de 2020, en pleno Covid. El personaje principal, Paul (Macaigne), que se inspira en el propio director, es un cineasta maniático y nostálgico. Su hermano, Étienne (Lescot), es un crítico musical. Ambos, junto a sus respectivas parejas (Hamzawi y d’Urso), se encuentran en la casa familiar, lugar en el que pasaron su infancia y adolescencia. En el jardín que la rodea discuten, se emborrachan, leen libros de Gallimard y reviven fantasmas del pasado. Assayas lo explica así: “A menudo, y quizá siempre, hablo de fantasmas en mis películas. (…) Ni Paul ni Étienne están en casa; están en casa de sus padres. Ambos tienen una relación diferente con estos fantasmas. Étienne ha renovado su habitación para deshacerse del pasado. La ha modernizado. La ha devuelto al presente. Paul, en cambio, tiene una relación no resuelta con el pasado. Y en lugar de distanciarse de él, hace lo contrario, trabaja en sí mismo para sumergirse en el pasado y así poder lograr vivir en la habitación de su madre”.

La casa en la que se rodó es, de hecho, la vivienda real del director, quien comenta que fue él mismo el encargado de decorar las estancias: “He vivido con estos objetos, los conozco, sé de dónde vienen, sé cuándo los compró mi padre. (…) En el salón, hay un autorretrato de mi abuelo, un retrato de mi abuela hecho por mi abuelo, y luego una niña pequeña, mi madre, pintada por su padre. Es sin duda esta dimensión la que más me conmueve porque desordena el tiempo y el espacio”. Así, Assayas convierte lo autobiográfico en el motor de una comedia rohmeriana que, a través de la nostalgia, captura el espíritu de su generación de intelectuales.

Proyecciones Xcèntric: Wilmington 10 – USA 10,000. A New Black Cinema

  Por ,

Figura esencial del movimiento L.A. Rebellion, Haile Gerima investiga el caso de los Wilmington Ten, uno de los símbolos de la lucha racial en Estados Unidos. En 1971, en Wilmington, Carolina del Norte, se produjeron disturbios raciales cuando estudiantes afroamericanos luchaban por la desegregación y los derechos civiles. Durante las protestas, se desató un incendio y hubo una víctima mortal. Un grupo de diez personas, conocidas como los Wilmington Ten (siete afroamericanos y tres blancos), fueron arrestadas y condenadas a 282 años de prisión, en gran parte a partir de testimonios falsos y manipulados.

Con un montaje enérgico, la película sigue el caso y sus apelaciones legales, componiendo un collage de materiales de archivo y testimonios de los miembros del grupo, familiares, la activista Assata Shakur (filmada justo antes de su fuga de la prisión de Clinton) y diferentes voces de habitantes locales, en particular las mujeres negras de Wilmington. La estructura asociativa conecta las injusticias con los legados históricos de esclavitud y leyes de segregación, así como con masacres y violencia perpetrada por supremacistas blancos.

«Esta absorbente y profundamente empática película es una clase magistral en la filmación documental, que muestra el racismo del sistema de justicia penal, la opresión sistemática del activismo político y la resiliencia de generaciones de comunidades y familias negras que luchan contra estos sistemas.» – Mark Toscano

Apenas vista durante décadas, Wilmington 10 – USA 10,000 se proyecta en una nueva restauración del Academy Film Archive.

Wilmington 10 – USA 10,000, 1979, Haile Gerima, 16 mm, 120 min.

Proyección en DCP, VOSC.

Copia procedente del Academy Film Archive.

Agradecimientos: Mypheduh Films Inc. y Merawi Gerima.

Fecha: 20 marzo 2025

Horario: 19.00

No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.

Espacio: Auditorio

Precio: 4 € / 3 € Reducida
Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido
Amigos CCCB: gratuito

Las protagonistas de marzo en Filmoteca Española

  Por

Filmoteca Española arranca en marzo una programación en la que destacarán nombres de autoras nacionales e internacionales como Cecilia Bartolomé, Josefina Molina, Ana Mariscal, Sarah Maldoror o Dorothy Arzner; así como programas que buscan contribuir a sensibilizar y reflexionar sobre diferentes problemáticas actuales.

El programa incluirá proyecciones y coloquios en el Cine Doré y, de forma paralela a la celebración de la exposición sobre la Escuela de Cine, una sesión online que facilitará el acceso a materiales de archivo vinculados a la obra de las escasas cineastas que estudiaron en la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC), mujeres que fueron capaces de manera temprana de reflejar las reivindicaciones que el movimiento feminista abanderó en los siguientes años.

‘Iguales para crear, libres para vivir’ es el lema con el que el Ministerio de Cultura celebra el Día Internacional de la Mujer 2025. Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación, investigación, documentación y difusión del patrimonio cinematográfico, se suma a este lema con una programación cultural en la que destacan nombres de pioneras de nuestro cine y del cine internacional. Parte de este programa se enmarca dentro del Festival Ellas Crean, festival decano de la cultura creada por mujeres organizado por el Instituto de las Mujeres, organismo autónomo adscrito al Ministerio de Igualdad. La cita celebra su vigesimoprimera edición con el lema ‘Memoria y contemporaneidad’. En torno a la fecha del al 8-M, se celebrarán varias actividades en el Cine Doré. La sala de proyecciones de Filmoteca Española acogerá el ciclo Si nosotras paramos se para el mundo, programa vinculado al proyecto de investigación “Ritmos del trabajo femenino en la historia del arte y la cultura visual” de la Universidad de Barcelona, que reflexiona —entre otras cosas— sobre la precarización y la explotación laboral.

El ciclo anual Imágenes para un país en libertad. Cine, Ciudadanía y Democracia (1975–2025), organizado dentro del programa España en libertad. 50 años, se centrará en marzo en dos títulos que pusieron en valor la emancipación de la mujer al explorar cuestiones como la libertad sexual o el divorcio: Función de noche (Josefina Molina, 1981), y Vámonos, Bárbara (Cecilia Bartolomé, 1978).

Por lo que respecta a los ciclos internacionales, la retrospectiva Constelación Sarah Maldoror. La lucha continua atravesará la trayectoria de esta cineasta, poeta y activista francesa que dedicó su vida a poner en imágenes las dificultades y las luchas sociales del pueblo africano, indagando en su identidad, sus traumas coloniales y su proceso de liberación. El Doré recuperará, durante marzo y abril, algunos de sus trabajos imprescindibles, y los pondrá en diálogo con una serie de títulos más recientes realizados por jóvenes cineastas que han seguido su estela, como es el caso de Dahomey (2024), de Mati Diop, o Nome (2023), de Sana Na N’Hada.

Por su parte, el ciclo que celebra el centenario de Columbia Pictures, ´La dama de la antorcha´, incluirá el 8 de marzo la proyección de La mujer sin alma (1936) de Dorothy Arzner, cineasta pionera en Hollywood que alteró los roles femeninos en el cine y única mujer que siguió dirigiendo tras la llegada del sonoro, momento en que el sistema de estudios se volvió más restrictivo, con productores todopoderosos y gremios profesionales dominados por hombres.

Ruinas y rutinas. Instantes de cotidianeidad en el diario fílmico pondrá el foco en el trasunto fílmico de los diarios, proponiendo ampliar el espectro y significante de sus imágenes más allá de la mujer como sujeto pasivo delante de la cámara. ¿Cuál es la imagen cotidiana para las mujeres? ¿Cómo es la vida diaria desde una lente que sustituye sus ojos? El programa pone en cuestión las expectativas en torno a cuestiones como el amor y el matrimonio, presentando algunas de las formas en las que las cineastas a las que se les dedica el ciclo han elegido explorar su propia vida.

Junto a toda esta programación que podrá disfrutarse en el Cine Doré, la exposición Los 100 metros libres. Vida y milagros de la escuela de Cine (1947-1976) podrá seguir visitándose en marzo en la sala de exposiciones de Filmoteca Española. La muestra, que rinde homenaje al lugar en el que se formaron los grandes cineastas españoles de la segunda mitad del siglo XX, no olvida en su recorrido el peso específico que las mujeres tuvieron en la escuela. Aunque cuantitativamente fueron pocas y el machismo imperante les puso algunas trabas, lograron hacerse visibles y reivindicar su lugar en la sociedad fundamentalmente a través de su participación en los proyectos de dos especialidades: Interpretación y Dirección. En lo que a Interpretación respecta, Esmeralda Adam, Concha Gómez Conde, Luisa Muñoz Schneider, Mercedes Juste, Julia Peña o Victoria Vera, entre otras, crearon, en algunos casos, personajes femeninos que poco o nada tenían que ver con el modelo de mujer que fomentaba el régimen de Franco. Mujeres fuertes, desprejuiciadas y desafiantes que plantaron cara a ese machismo que impregnaba la sociedad. En cuanto a la especialidad de Dirección, aunque pocas accedieron y solo dos consiguieron licenciarse, Cecilia Bartolomé y Josefina Molina (Premio Nacional de Cinematografía 2019), sentaron un importante precedente para las mujeres cineastas de las generaciones venideras, siendo capaces de articular su propia mirada, basada en sus preocupaciones y una particular forma de ver el mundo. Algunos de estos trabajos serán accesibles en marzo de forforma online a través del canal Flores en la sombra. El programa comisariado por Sonia Garcia López Mujeres en la EOC. Ante la ley mostrará prácticas que realizaron las alumnas de Dirección de la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC), con el objetivo de visibilizar la aportación de las mujeres a la cultura audiovisual durante la etapa franquista. Entre ellas se encuentran figuras de la talla de Cecilia Bartolomé, Josefina Molina, Helena Lumbreras o María Teresa Dressel, entre otras. Esta sesión incluye además la musicalización de las piezas por parte de Miren Iza, del grupo Tulsa.

Por último, no faltarán en la programación de Filmoteca Española matinales destinadas a centros educativos. En marzo el título protagonista será ‘El camino’ de Ana Mariscal, primera adaptación a la pantalla de la obra de Miguel Delibes, realizada por una de las cineastas pioneras del cine español.

Filmin estrena la Colección Varda: 15 largometrajes y 15 cortometrajes de Agnès Varda

  Por

Llega a la plataforma, en exclusiva, el ciclo que celebra y reivindica a la cineasta belga en el sexto aniversario de su muerte; con títulos como “La felicidad” (1965), “Una canta, la otra no” (1977) o “Las playas de Agnès” (2008).

El próximo 28 de marzo, Filmin estrena en exclusiva la Colección Varda, con motivo del sexto aniversario de la muerte de la cineasta belga Agnès Varda (29 de marzo de 2019). Considerada por todos la «abuela de la Nouvelle vague» y galardonada con el Óscar Honorífico en 2017, su cine transformó el panorama cinematográfico europeo, del que tomó la delantera, y así la historia del cine, pues su obra y sensibilidad siguen marcando a las nuevas generaciones. El ciclo, compuesto por 15 largometrajes y 15 cortometrajes firmados por la cineasta, ofrece una visión transversal de su trayectoria, con una selección que abarca tanto ficciones como documentales y cortometrajes de todas sus etapas creativas.

A los 26 años, Varda filmó su ópera prima, “La Pointe-Courte” (1955), considerada precursora de la Nouvelle vague. Rodada cinco años antes de la incursión de Truffaut, Godard y otros miembros del movimiento, la película introdujo elementos narrativos y estilísticos que definirían la corriente cinematográfica francesa. Fue en 1965 cuando hizo su incursión al cine de color, y no por casualidad, con “La felicidad”, una película cuyo brillo y vivacidad van de la mano con el asunto de la película.

A lo largo de su carrera, realizó varias ficciones de renombre –”Kung-Fu Master” (1988), con Jane Birkin, o “Las cien y una noches” (1995)– y documentales en los que aprovechó su voz para hacerse eco, con su característica audacia y sensibilidad, del Movimiento de la Liberación de la Mujer de los años 60, en “Una canta, la otra no” (1977); de la revolución cubana, en “Salut les Cubains” (1964); del movimiento hippie, en “Lions Love” (1969); y de la lucha de los Panteras Negras, en “Black Panthers” (1968).

Varda también exploró su propia biografía en obras como “Las playas de Agnès” (2008), donde pronunció una de las frases más recurrentes cada 8M en redes sociales: “Intenté ser una feminista alegre, pero estaba muy enfadada”.

Parte de su obra está dedicada al que fuera su marido y compañero de vida, el también cineasta Jacques Demy. Si en “Jacquot de Nantes” (1992), Varda viajó a la infancia de su pareja y capturó los inicios de su vocación, y en “Las señoritas cumplen 25” (1992) le homenajeó en motivo de una de sus películas más célebres (“Las señoritas de Rochefort”), en “El universo de Jacques Demy” (1994) la directora hizo un retrato de la visión fílmica de su marido, así como de su faceta más personal, a través de los recuerdos compartidos por familiares y amigos.



Listado completo de títulos del Ciclo Varda:

Largometrajes
La felicidad (1965)
Jane B. por Agnès V. (1988)
Kung-Fu Master (1988)
Lions Love (1969)
Las cien y una noches (1995)
Una canta, la otra no (1977)
La Pointe-Courte (1955)
Las criaturas (1966)
Jacquot de Nantes (1992)

Largometrajes documentales
Documenteur (1981)
Las playas de Agnès (2008)
Mur Murs (1981)
Las señoritas cumplen 25 (1992)
El universo de Jacques Demy (1994)
Daguerrotipos (1975)

Cortometrajes
Tío Yanco (19 min.)
Salut les Cubains (29 min.) 
Black Panthers (29 min.)
Du côté de la côte (27 min.)
L’opéra-mouffe (17 min.)
Women Reply: Our Body, Our Sex (9 min.)
Les Fiancés du pont Mac Donald (5 min.)
Les dites cariatides (12 min.)
You’ve Got Beautiful Stairs, You Know (3 min.)
Ulises (22 min.)
Le Lion volatil (11 min.)
Placer de amor en Irán (7 min.)
7p., cuis., s. de b., … (à saisir) (29 min.)
Elsa la rose (21 min.)
Ydessa, les ours et etc. (42 min.)