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No será la primera película de este 2024 de alguna manera rompa ciertas coordenadas preestablecidas dentro del subgénero del serial killer, tras la interesante In A Violent Nature del debutante Chris Nash nos llega un primer adelanto en forma de tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de la película Strange Darling, segundo trabajo tras las cámaras de J.T. Mollner, tras el western Outlaws and Angels (2016), que tuvo su estreno mundial en el pasado Fantastic Fest de Austin y llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 23 de agosto de 2024.
El escueto argumento relevado de Strange Darling nos traslada a un día en la retorcida vida amorosa de un asesino en serie, será a partir de esta premisa donde se cuestionará los roles que desempeñen los hombres y las mujeres en determinadas situaciones, proponiéndonos un inteligente juego, dentro género del thriller, entre el gato y el ratón.
La película, con guion a cargo del propio J.T. Mollner, esta protagonizada por Willa Fitzgerald, Kyle Gallner, Ed Begley Jr., Madisen Beaty, Robert Craighead, Barbara Hershey, Steven Michael Quezada, Bianca A. Santos, Eugenia Kuzmina, Denise Grayson, Duke Mollner, Robert Craighead, Sheri Foster, Jason Patric, Evan Peterson, Giovanni Ribisi y Andrew John Segal.
LA TRILOGÍA REMASTERIZADA DEL CINEASTA POLACO KRZYSZTOF KIESLOWSKI AZUL, BLANCO, ROJO LLEGA EL PRÓXIMO 5 DE JULIO A LAS SALAS DE CINE EN 4K COINCIDIENDO CON EL 30 ANIVERSARIO DE SU ESTRENO EN CINES.
Treinta años después del estreno en cines de estas tres obras de culto de la cinematografía europea que vieron más de un millon de personas en los cines de nuestro país, Wanda las trae de nuevo a las salas de cines en 4K con copias remasterizadas.
Más de 600.000 personas vieron AZUL tras ganar el León de Oro en el Festival de Venecia. El próximo 5 de julio queremos volver a estrenar la obra maestra de Krzysztof Kieslowski con la romántica intención de que algunos vuelvan a disfrutar de ella y otros la puedan ver por primera vez en una sala de cine. Esta vez con una copia remasterizada que hará que se pueda gozar en 4K de este pedacito de historia de cine europeo en las salas de cine españolas.
Un sinfín de pequeñas historias sustenta y ornamenta la arquitectura de estos Tres colores (1993-1994). Todo a la sombra de una bandera tricolor tan repleta de significados que sólo un perfil de la talla de Kieslowski podía armar una trilogía tan compleja y convertirse en una obra maestra.
Mientras dirigía Blanco el cineasta se encargaba del montaje deAzul y de escribir el guión de Rojo. De este modo el entramado de puentes que conectan los tres trabajos como si fuesen un mismo sistema nervioso va más allá de lo que vemos en pantalla. Kieslowski impregnó cada una de las películas del proceso de confección de las otras dos.
Liberté: El azul. Julie (Juliette Binoche) pierde a su familia en un accidente de coche. De un brusco desgarro, la mujer de uno de los compositores más importantes de la actualidad se encuentra sola, sin ataduras y, por lo tanto, libre. Kieslowski reflexiona sobre el precio que tenemos que pagar para lograr una meta tan ansiada por el ser humano como es la libertad.
EN CINES EL 5 DE JULIO
Égalité: El blanco. “Esta es una historia sobre la negación de la igualdad. El concepto de igualdad sugiere que todos somos iguales. Sin embargo, yo creo que esto no es cierto. Nadie quiere ser el igual de su próximo. Cada uno quiere ser más igual”.Kieslowski, con sus propias palabras, resume el espíritu de la historia de un inmigrante polaco que no logra retener el sueño de la Europa occidental (esto es, de su mujer francesa) y debe volver a su país de origen. Allí, en una Varsovia que se asoma al capitalismo salvaje, deberá buscar nuevas vías de conseguir su objetivo de abrazar el capitalismo occidental, donde la igualdad es un concepto tan popular como cuestionable.
EN CINES EL 12 DE JULIO
Fraternité: El rojo. Valentine, el juez Kern y Auguste son tres extraños que van a cruzar sus caminos aunque aún no lo sepan. La ciudad de Ginebra se abre como un entramado de relaciones donde la fraternidad puede mover montañas (Valentine y el juez) o agarrotarse en la garganta como un trago amargo (el novio celoso de la protagonista). Kieslowski sitúa la acción en un país como Suiza, donde diferentes comunidades culturales y religiosas conviven con relativa placidez, y dota al color rojo del calor del amor y de la vida.
EN CINES EL 19 DE JULIO
La TRILOGÍA remasterizada se ha estrenado en los últimos meses en Estados Unidos, Reino Unido, Italia, Bélgica, Holanda y Luxemburgo con gran éxito de público.
Acaba de ver la luz un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del documental Made in England: The Films of Powell & Pressburger, trabajo que reúne material de archivo poco común procedente de las colecciones personales de los míticos cineastas Michael Powell y Emeric Pressburger (The Red Shoes, A Matter of Life and Death, Black Narcissus).
El documental dirigido por David Hinton, que tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Berlín, cuenta con la narración y producción de Martin Scorsese, uno de los cineastas mas comprometidos en preservar legados cinematográficos de distinta índole, en el caso que nos ocupa el de dos autores a los que siempre ha profesado una gran admiración, a tal respecto el propio Scorsese comenta «Querían lograr con su cine un tipo de interés elevado que sólo se logra mediante el artificio cinematográfico«, señala. “Incluso con el paso de las décadas, no parece haber ningún otro cineasta que pueda capturar esos mundos oníricos y fantásticos que fueron capaces de evocar”. Al declarar a Colonel Blimp como una de sus películas de cabecera, el responsable de Taxi Driver revela con ternura: “Es el film que más me dice sobre crecer, envejecer y, eventualmente dejarse ir”.
Made in England: The Films of Powell & Pressburger tras su reciente presentación en el Festival de Tribeca se estrenará comercialmente en el Reino Unido el próximo el 12 de julio.
El segundo y tercer sábado de cada mes, el cine de género más extremo y estimulante llega al CBA en La noche bizarra. Un nuevo espacio en el que (re)descubrir y reivindicar aquellos directores y películas que, de forma consciente o no, transgredieron los cánones del género y crearon imágenes extravagantes y alucinadas.
En el mes de junio, La noche bizarra entra por primera vez en el continente asiático para dedicarle un ciclo al visionario director y guionista indonesio Sisworo Gautama Putra (1938-1993). Folklore indonesio, religión, magia negra y asombrosos efectos prácticos se mezclan en el surreal universo de Sisworo Gautama Putra, en el que nos adentraremos con Satan’s Slave (1980), considerada una de las películas más influyentes de la historia del cine de terror asiático, y Santet (1988), un auténtico y explosivo delirio que dejará al espectador boquiabierto, protagonizado por Suzanna, la reina del terror del sudeste asiático. [Programación y notas: Alberto Sedano]
Películas del ciclo
Satan’s Slave
Sesiones
Sáb 08/06, 22:00
Después de la muerte de su esposa, un hombre de negocios y sus dos hijos adolescentes están plagados de visiones de fantasmas y demonios, y pronto, las personas a su alrededor comienzan a morir, todo lo cual comenzó después de la llegada de su nueva y misteriosa ama de llaves.
Ficha técnica
Dirección
Sisworo Gautama Putra
País
Indonesia
Año
1980
Duración
1h 35min
Versión
VOSE
Formato
Archivo digital
Santet
Sesiones
Sáb 15/06, 22:00
El hijo de un antiguo jefe de aldea acaba de regresar de estudiar en una escuela religiosa y se une a la búsqueda de una mujer que acaba de adquirir poderes de magia negra para vengarse de la muerte de su marido.
El checo Matej Chlupacek participó en Karlovy Vary con este drama de época que aborda la intersexualidad y la transexualidad en los años 30 del siglo pasado.
Filmin estrena el próximo viernes 14 de junio, en exclusiva en España, el drama de época checo «El mundo de ayer», dirigido por Matej Chlupacek («The Committee»), que concursó en la sección oficial del Festival de Karlovy Vary. La película recibió 12 nominaciones a los Premios León checo, los galardones de cine y televisión otorgados anualmente por la Academia Checa, y está ambientada en 1937. Narra la historia de Helena, una joven a punto de dar a luz y casada con el exitoso director de una fábrica. Su vida de ensueño choca de frente con la realidad cuando un día descubre en la fábrica de su marido el cadáver de un bebé intersexual. Helena trata entonces de entender lo ocurrido mientras teme por la seguridad de su propio bebé.
«El mundo de ayer» bebe de diversas fuentes. En primer lugar, parte de una historia real que ocurrió en otro tiempo y lugar pero que posee los mimbres de esta película. Además, el director Matej Chlupacek habla de dos libros como inspiración: «La idea principal de la película surgió de un libro del profesor František Hájek, al que se hace referencia en la película. Se publicó en 1937, y fue el primer libro que exploró la intersexualidad, por primera vez en la República Checa y tal vez en toda Europa». El segundo libro inspiró el título internacional de la película, «We Have Never Been Modern»: «Está basado en un libro de Bruno Latour, un famoso antropólogo francés que escribió un libro llamado Nunca hemos sido modernos en los años 90. Trata del choque entre la modernidad y la vieja naturaleza. Es muy interesante. Nos dirigimos a Bruno Latour y a la Universidad de Harvard, que publicó el libro, para preguntarles si podíamos ponerle su título a la película. Latour leyó el tratamiento de guion y dijo que sí. Lamentablemente, murió dos semanas después. Así que todo estuvo bien, pudimos usar el título, pero falleció antes de poder ver terminada la película», recuerda Chlupacek.
El choque entre lo viejo y lo nuevo define el tema de la película, al reflexionar sobre cómo se abordaban la transexualidad y la intersexualidad en los años 30 del siglo pasado, una época que el director considera muy similar a la actual: «Creo que hemos llegado al punto en el que lo tenemos todo. Estamos muy, muy bien. Hay una guerra en Ucrania, pero nuestra vida social no está fuertemente influenciada por ella. Es muy similar a la época de la película. Los personajes están viviendo una vida color de rosa, todo es genial. La arquitectura es moderna, son muy ricos y, básicamente, pueden permitirse cualquier capricho. Pero no saben que dentro de dos años estarán muertos o tendrán que reestructurar toda su vida.», explica, haciendo referencia al estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939.
La comunidad trans fue una fuerte inspiración para la película, interviniendo en la escritura del guion e incluso en la reescritura de su final. Además, uno de sus personajes, Saša, está interpretado por un hombre trans, Richard Langdon, que ni siquiera era actor antes de participar en «El mundo de ayer»: «Sabíamos que queríamos a alguien trans para interpretar a Saša. Pero no hay ningún actor real en la República Checa o Eslovaquia que sea trans. Entonces tuvimos que encontrar a alguien que no fuera actor. Buscamos en Google y descubrimos a Richard, un trabajador social que ofrece ayuda psicológica a las personas que están en la misma situación que él».
En el reparto, junto a Richard Langdon (Mejor Actor en el Festival de Salónica por su papel en el film) encontramos a Eliska Krenková («Los límites del amor»), Milan Ondrík («Que se haga la luz») y Marian Mitas («La casa de la esperanza»), entre otros.
Acaba de ver a luz de la mano de Beta Fiction Spain un primer teaser tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de La infiltrada, nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora Arantxa Echevarria, Carmen y Lola (2018), La familia perfecta (2021), Chinas (2023). La película, previo paso por el Festival de San Sebastián, llegará a los cines de nuestro país el próximo 11 de octubre.
La infiltrada nos cuenta la historia real de Aranzazu Berradre Marín, pseudónimo con el que se infiltró una policía nacional en la banda terrorista ETA durante 8 años. Cuando contaba apenas 20 años, la joven consiguió adentrarse en la izquierda abertzale presentándose como militante del Movimiento de Objeción de Conciencia de Logroño, siendo la única mujer que convivió en un piso con dirigentes de ETA. Durante su infiltración se vio obligada a cortar totalmente lazos familiares, todo para poder desarticular el comando Donosti en un momento crucial en el que la banda declaraba falsamente estar en tregua. Es la historia de una mujer valiente, que cambió su vida, para intentar salvar la de otros.
La película, con guion a cargo de la propia Arantxa Echevarria junto a Amèlia Mora, esta protagonizada por Carolina Yuste, Luis Tosar, Víctor Clavijo, Nausicaa Bonnín, Iñigo Gastesi, Diego Anido, Pepe Ocio, Jorge Rueda, Carlos Troya y Pedro Casablanc.
La infiltrada es una producción de María Luisa Gutiérrez (Bowfinger Int. Pictures) y Mercedes Gamero (Beta Fiction Spain) que cuenta con participación de Esto también pasará, Infiltrada LP AIE y Film Factory Entertainment y la colaboración destacada de Movistar Plus+, así como de ATRESMEDIA CINE, EITB y Crea SGR y con el apoyo del ICAA.
«Viñetaria: historia universal de las autoras de cómic» es, como indica su título, un repaso a las profesionales y autoras que han contribuido al medio a lo largo de sus ciento treinta años de evolución: desde las tiras de prensa a la novela gráfica y el «webcomic», pasando por el humor gráfico, el «comic book» y las revistas periódicas para niños y adultos. Se trata de un proyecto sin precedentes en ningún idioma que abarca el relato cronológico, las peculiaridades geográficas, los sistemas de producción editorial, el análisis crítico y la contextualización social, cultural y feminista. Todo ello con el objetivo de demostrar no solo que han existido numerosas artistas a lo largo y ancho de la historia del cómic, sino que puede trazarse a través de su labor una genealogía de figuras y tendencias que alumbra perspectivas inéditas sobre el medio. En este sentido, el nombre de «Viñetaria» apela a tierras incógnitas: lo que no pudo concretarse, lo que se ha pasado por alto o invisibilizado, los potenciales de futuro malogrados y aquellos que han dado lugar a la revolución feminista del medio.
Elisa McCausland, periodista, crítica, comisaria e investigadora, y Diego Salgado, crítico de cine y divulgador cultural, reflexionan desde hace casi veinte años sobre los sentidos, contextos y potenciales de la cultura popular, en particular el cine y el cómic. Mientras Salgado ha mostrado un interés especial por la naturaleza de la imagen contemporánea, McCausland ha estudiado tanto las intersecciones entre feminismo y pop como el arquetipo de la superheroína, argumentos que confluyeron en su primer libro Wonder Woman: el feminismo como superpoder (2017). Son promotores y miembros de la Cátedra ECC-UAH de Investigación y Cultura del Cómic y autores conjuntos de los ensayos Supernovas: una historia feminista de la ciencia ficción audiovisual (2019), Sueños y fábulas: historia de Vértigo (2022) y Beso negro: brujería, cine y cultura pop (2023).
Autor: Elisa McCausland, Diego Salgado, Editorial: Ediciones Cátedra, Páginas: 568
Furiosa: A Mad Max Saga nos muestra cómo al derrumbarse el mundo, la joven Furiosa es arrebatada del Lugar Verde de Muchas Madres y cae en manos de una gran Horda de Motoristas liderada por el Señor de la Guerra, Dementus; Arrasando el Páramo, concurren en la Ciudadela presidida por Inmortan Joe. Mientras los dos Tiranos luchan por su dominio, Furiosa deberá sobrevivir a muchas pruebas, mientras reúne los medios para encontrar el camino de vuelta a casa.
Existe una curiosa concomitancia con el mensaje que parece desprender una película como Furiosa: A Mad Max Saga y su incómoda naturaleza, con relación al mainstream contemporáneo orquestado por los grandes estudios, curiosamente en los dos casos se percibe una amenaza latente, pues ambos conceptos, el puramente cinematográfico y el industrial, dan la impresión de transitar por ecosistemas amenazados por una serie de intereses económicos y de posicionamiento de poder, en el apartado comercial, certificado por los pobres resultados en taquilla de la película, algo que, con toda seguridad, hará que la saga se dé por concluida.
Si algo define una franquicia tan admirable como Mad Max es su reformulación concebida desde la no complacencia, de hecho, Furiosa en según qué parcelas podría ser considerada como un anti-blockbuster, especialmente dada su condición de cine esencial, pero también por la manera de ahondar en las motivaciones de sus tramas y personajes, llegando a la cima de tal concepto a través de ese arriesgado diálogo final vestido de texturas shakespearianas, que sustituye a la habitual set piece de acción con la que solían concluir los relatos de la saga. Mediante una sólida épica estructurada en cinco episodios y un arco temporal de veinte años, expuesto mediante un tono casi novelesco, el responsable de Babe, Pig in the City, utiliza la condición de precuela a la hora de expandir la mitología de la saga, un poco a la manera de la reivindicable Mad Max Beyond Thunderdome (1985), donde se ampliaba una narrativa dramática más extensa de una historia de connotaciones minimalistas e incluso miméticas, como era la excelente Mad Max 2: The Road Warrior (1982).
En cierto sentido, algo parecido podemos apreciar en Furiosa, pero mostrado, si cabe, de una forma mucho más relevante y acertada, pues la historia orquestada como precuela de la anterior película, Fury Road, adquiere su mayor virtud en la decisión de Miller de cambiar de marcha, de utilizar una nueva narrativa que no desvirtúa una esencia, cuyas escenas de acción siguen siendo extraordinarias, prestando especial atención a ese prodigio de secuencia de cerca de veinte minutos de duración conocida con el título de “Stairway to Nowhere”, donde nos vuelve a remitir a conceptos ya explorados como la road movie de tono apocalíptico, al relato épico con influencias del péplum, o al viaje del héroe y su némesis, un Dementus que viene a ser una nueva reformulación del líder atávico pergeñado de una serie de matices que han sido poco percibidos por la crítica.
Pero si una cosa caracteriza una película como Furiosa, y por ende, toda la saga que la precede, es la condición autoral de la que hace gala George Miller dentro de ese pantanoso ecosistema que son las franquicias comerciales, de ser alguien con un concepto diferente del cine de acción, tanto en los años ochenta como en la actualidad, de un genio del diseño que, pese a no desdeñar ciertos rasgos distintivos evolutivos, sigue siendo el mismo de siempre, un creador cuya peculiaridad reside en el detalle, que antepone la pureza del concepto visual a cualquier otro tipo de narrativa. Lo hace a través de una plástica exuberante, que sabe utilizar, sin ningún ápice de aparatosidad, una serie de herramientas que hacen desplazar la mirada del espectador de un plano general a un plano corto, de un objeto a un rostro, todo ello a través de un montaje y una serie de encuadres concebidos de forma admirable. A tal respecto, y como simple ejemplo, en Furiosa: A Mad Max Saga existe otra secuencia prodigiosa que nos sitúa en el Criadero de Balas, en apariencia, una simple escena de tiroteo filmada de la forma más efectiva e inteligente posible, donde se nos muestra cómo un tiro es montando minuciosamente mediante dos únicos planos, el cañón y el impacto que produce, el mérito viene dado en la utilización de la profundidad de campo, de algo tan inusual hoy en día como tomarse la molestia de introducir dos elementos en un mismo encuadre.
Furiosa, de una manera casi involuntaria, cierra una de las mejores sagas cinematográficas de la historia, lo realiza de la forma más brillante y consecuente posible, dando por concluido el círculo iniciado por Miller en 1979 con Mad Max, hablándonos prácticamente de lo mismo, de una idea llevada casi al paroxismo durante cuarenta y cinco años; en ambas películas, se nos muestra el sinsentido de la barbarie ubicada en escenarios post apocalípticos, la quimérica búsqueda de un oasis y la naturaleza autodestructiva del ser humano y la irremediable sed de venganza derivada de ello, de una épica, en definitiva, carente de cualquier tipo de heroísmo.
Aprovechando su estreno mundial en el Tribeca Film Festival acaba de ser presentado en sociedad un primer teaser tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la cinta de ciencia ficción She Loved Blossoms More, dirigida por el también compositor Yannis Veslemes (Norway 2014).
“Mi experiencia como compositor me ha enseñado que cierto cine narrativo a veces sufre el predominio de la propia narración. Es por eso por lo que intentamos construir todo un mundo de fantasía ubicado en una mansión familiar y su entorno. Supongo que puedes concertante en esta casa, espiar a esta familia e incluso divertirte con su sufrimiento. Suena algo cruel, pero también existen historias para eso. La alegría y el dolor se sienten iguales en este mundo”, comenta Veslemes a propósito de la película.
She Loved Blossoms More nos cuenta la historia de tres hermanos que construyen una inusual máquina del tiempo para intentar devolverle la vida a su madre fallecida tiempo atrás. Cuando su oscuro padre entra en escena, los experimentos fracasan y los llevan hasta un descenso a un infierno psicodélico donde pasado y presente se fusionan en una inquietante exploración del duelo.
La película, con guion a cargo del propio Yannis Veslemes junto a Dimitris Emmanouilidis, está protagonizada por Sandra Abuelghanam, Julio Katsis, Alexia Kaltsiki, Panos Papadopoulos, Aris Balis y Dominique Pinon.
La 1ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid – PUFA (Pucela Fantástica) sigue desvelando poco a poco lo que ofrecerá a sus espectadores del 1 al 6 de julio en los cines Broadway de Valladolid.
Tras el anuncio de la Sección Oficial y Aquelarres la semana pasada, ya se han puesto a la venta los abonos de la Sección Oficial, y hoy se hace pública la película de inauguración, dentro de la sección Proyecciones Especiales.
KILL BOY, que tuvo su estreno mundial en la sección Midnight Madness en el Festival Internacional de Cine de Toronto, es la elegida para inaugurar las Proyecciones Especiales del Festival el 1 de julio, antes de su estreno en salas de cine el 5 de julio de la mano de DeAPlaneta.
Bill Skarsgård (It, John Wick 4) interpreta un guerrero sordomudo entrenado para derrocar una dinastía tiránica en esta disparatada ópera prima de Moritz Mohr con guion de Tyler Burton Smith (Kung Fury 2, Muñeco diabólico)y Arend Remmers (Snowflake, “Oderbruch”). Acompañan a Skarsgård actores de la talla de Yayan Ruhian, protagonista de la saga de películas de acción The Raid, Famke Janssen (Venganza), Sharlto Copley (Distrito 9), Michelle Dockery («Downton Abbey») Brett Gellman («Stranger Things») y Jessica Rothe (Feliz día de tu muerte).
Sinopsis:
El joven sordomudo Boy (Bill Skarsgård) decide enfrentarse a la matriarca de la familia Van Der Koy, una desquiciada dinastía que tiene a toda la población sometida bajo su yugo. Tras vivir una trágica infancia, un enigmático chamán le ha convertido en un instrumento de venganza listo para hacer justicia. Para llevar a cabo su cometido, Boy se unirá a un peculiar grupo de rebeldes que desean acabar con el sistema corrupto que domina la sociedad. ¿Una misión suicida? Boy está más que preparado para una buena dosis de acción y ultraviolencia.
Programación PUFA – Pucela Fantástica (Sección Oficial y Aquelarres)
LA PRIMERA EDICIÓN DE PUFA – PUCELA FANTÁSTICA ANUNCIA LA PROGRAMACIÓN DE LA SECCIÓN OFICIAL, AQUELARRES Y UNA PROYECCIÓN ESPECIAL
La Sección Oficial de la 1a edición del Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid – PUFA (Pucela Fantástica) contará con 10 títulos destacados del terror y fantástico actual, algunos de ellos estrenos en España, que aglutinan las distintas tendencias del género actual a través de propuestas arriesgadas e innovadoras que no dejarán indiferente al público.
La británica Stopmotion de Robert Morgan, fue una de las grandes sensaciones del pasado Festival de Sitges, provocando incluso el desmayo de una espectadora, un filme de horror psicológico con perturbadoras marionetas donde realidad y ficción se fusionan en la mente de la protagonista Aisling Franciosi (The Nightingale, El último viaje del Demeter).
También desde Sitges nos llegará la canadiense Vampira humanista busca suicida de Ariane Louis-Seize, una entrañable comedia de terror que aporta frescura al subgénero vampírico y que recientemente se alzó con el Premio a Mejor Película en el Fant Bilbao.
De Japón recibiremos dos obras sugerentes y extrañas muy alejadas del J-horror tradicional, My Mother’s Eyes, de Takeshi Kushida (Woman of the Photographs), y New Religion, de Keishi Kondo. La primera es un drama sensual y perverso con elementos de ciencia-ficción en su juego de identidades convergentes a través de las nuevas tecnologías, mientras que la segunda propone una hipnótica fantasía experimental transformada en metáfora sobre el colapso de la sociedad japonesa.
La única película española a competición en la Sección Oficial será Nueva Tierra de Mario Pagano, que cuenta con un reparto de lujo encabezado por Iván Sánchez, Imanol Arias, Andrea Duro y Juan José Ballesta. Fantasía distópica que combina cine de aventuras y reflexión social en una vuelta a los orígenes de la civilización. Tiene previsto su estreno en cines el próximo 6 de septiembre de la mano de la distribuidora Begin Again.
De Argentina nos llegarán dos propuestas muy distintas, Al Impenetrable, de Sonia Bertotti, found footage y ecoterror en una historia de supervivencia en plena naturaleza, y la bestial Deus Irae, de Pedro Cristiani, película que ha pasado con éxito por festivales tan importantes como Mar de Plata o el BIFFF y que, sin duda, causará estragos en Valladolid con su legión de sacerdotes excomulgados exorcizando demonios a golpes.
También Estados Unidos hará doblete con dos propuestas indies muy especiales. Booger, de Mary Dauterman, comedia negra sobre el duelo donde el universo mumblecore se envuelve con elementos de body horror, y The Unheard, de Jeffrey A. Brown, inquietante thriller con tintes sobrenaturales en el que una joven sorda se somete a un procedimiento experimental que le provocará alucinaciones auditivas relacionadas con su pasado.
La Sección Oficial se completa con Light Falls, de Phedon Papamichael, uno de los directores de fotografía más importantes de Hollywood que estuvo nominado al Oscar por Nebraska y que recientemente ha trabajado en Indiana Jones y el dial del destino o El juicio de los 7 de Chicago. La película es una incómoda radiografía social que se inicia como un sensual drama romántico que acaba derivando hacia un survival donde las víctimas se tornan verdugos.
LA SECCIÓN AQUELARRES APUESTA POR EL CINE INDEPENDIENTE Y LAS NUEVAS TENDENCIAS EN EL GÉNERO
La Sección Aquelarres es una sección paralela competitiva que incluirá 10 títulos de cine independiente que se acerca al fantástico desde distintas ópticas. España y Argentina suman 7 de las selecciones, mientras que Francia, Sudáfrica y Australia se reparten las 3 selecciones restantes.
Una irresistible combinación de comedia, cine quinqui y Serie B de mamporrazos, Os Reviento, de Kike Narcea, aterriza en Valladolid tras arrasar por diversos festivales como Sitges, Isla Calavera, Sombra o Fancine, donde se ha convertido en una de las favoritas del público. Entre sus sorpresas destacan las apariciones estelares de Javier Botet, Antonio Mayans o Lone Fleming.
De distinto registro, Keratyna, de Miguel Azurmendi, también utiliza la comedia para acercarse al suspense a través de un youtuber friki convencido que unos malvados reptiles del espacio pretenden esclavizar a la humanidad. Está protagonizada por Fernando Ramallo, Mireia Oriol, Jordi Aguilar y Ramón Langa.
La dosis gamberra la pondrá Cuentos sangrientos a la luz de la hoguera, de Charli Sangar, animación stop motion con muñecos de plastilina grabada con un teléfono móvil, más violenta que una película de Tarantino y más malhablada que un episodio de South Park.
También de España nos llega el fascinante documental Buscando a la Santa Compaña, de Fernando Cortizo, que tendrá su estreno mundial en Valladolid. El director gallego de O Apóstolo, primer largometraje de animación stop-motion estereoscópico rodado en Europa, nos propone un viaje por el folclore y los mitos a partir de la extraña maldición que padeció su primera película.
El Escuerzo, de Augusto Sinay, es una coproducción hispano-argentina, que también se sirve de la mitología popular para ahondar en una historia de aprendizaje envuelta en un halo constante de misterio y desencanto con el trasfondo de la guerra.
Las otras dos producciones argentinas de esta sección son Sin salida, de Who, thriller con fuerte carga social donde la víctima de una red de prostitución quedará atrapada en un bucle temporal, y la película antológica You Shall Not Sleep Tonight, rodada en inglés, con fragmentos dirigidos por Luciano Montes de Oca, Guillermo Carbonell, Ben Deka y Julien Deka, Hervé Freiburger, Laura Kulik y Filipe Melo, que nos retrotrae a los seriales televisivos de los años 80 y 90 con aquellos giros finales inesperados.
Las 3 películas que completan la sección no pueden ser más diferentes entre sí. La francesa Scarlet Blue, de Aurélia Mengin, es una erótica pesadilla de neones que reflexiona sobre la esquizofrenia con un tratamiento visual vanguardista. La australiana Beaten to Death, de Sam Curtain, es un survival extremo con escenas no aptas para todos los estómagos. Y Breathing In, de Jaco Bouwer (Gaia), una adaptación teatral donde las emociones confluyen con algunos elementos sobrenaturales terroríficos.
PROYECCIÓN ESPECIAL DE LA PELÍCULA “STREAM”
Además de la Sección Oficial y la Sección Aquelarres, habrá más actividades y proyecciones especiales que se irán desvelando en los próximos días. Uno de los eventos más esperados en Valladolid será la presentación de Stream, de Sergio Pereda, película rodada casi íntegramente con equipo de la ciudad, que nos propone una electrizante incursión en el subgénero de los desktop films con su actualización generacional de maldiciones y fantasmas para aterrorizar a los nuevos públicos. La película está cosechando éxito internacional habiendo pasado ya por el Chicago Horror Film Festival, el Festival Internacional de Cine de Terror de Valdivia o el Panamá Horror Film Festival, en España inauguró el Sombra – Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia y en PUFA tendrá su estreno en Castilla y León.
Acaba de ser presentado de la mano de A24 un segundo tráiler, que podéis ver a final de página junto a un póster oficial, de MaXXXine, cierre de la trilogía orquestada por Ti West en 2022 con X y continuada el mismo año con Pearl. El film, situado cronológicamente a mitad de las dos películas anteriores, nos sitúa en la turbulenta trastienda del Hollywood de principios de los años 80, en pleno auge de las cintas de video. Aún sin fecha de estreno en nuestro país, MaXXXine llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 5 de julio de 2024.
La película sigue los pasos de Maxine en su intento por triunfar como actriz y convertirse en una estrella de cine en Los Ángeles de mediados de los años 80. Mientras su estancia en la ciudad es cada vez más accidentada, un misterioso asesino acecha a las estrellas de Hollywood, un rastro de sangre amenaza con revelar su oscuro pasado.
MaXXXine, con guion a cargo del propio Ti West, está protagonizada por Mia Goth, Elizabeth Debicki, Moses Sumney, Michelle Monaghan, Bobby Cannavale, Lily Collins, Halsey, Giancarlo Esposito, Kevin Bacon, Cecilia Yesuil Kim, Pegah Rashti, Uli Latukefu y Ned Vaughn.
En esta cita con Cinema 3/99 nos hacemos con una caja de lápices y acuarelas para dar color a los tonos grises que dominan nuestros entornos urbanos. De manera abstracta o figurativa, desde la fantasía a lo más cotidiano, a través de las coincidencias y azares tonales, las películas de esta sesión nos invitan a ver y pensar la gama de colores que nos presenta la vida cada día. El programa viene acompañado de una pieza de encargo de la artista gallega Mariquiña Díaz.
Hudson and Troop “Against The Grain”, Dropbear, Australia, 2011, 3 min.
Los lápices de colores aprovechan cuando nadie los mira para hacer coreografías como las de los viejos musicales de Hollywood. He aquí un raro avistamiento de sus bailes y juegos.
Lapiceros [Värvipliiatsid], Avo Paistik, Estonia, 1973, 9 min.
¿Os imagináis un mundo sin colores? Aquí un malvado lápiz negro recurrirá a mil estratagemas para tragarse a todos los demás colores. Pero quizás en la amistad y la colaboración está la clave. Porque el negro, aunque no lo parezca, también es un color.
Boogodobiegodongo, Peter Millard, Reino Unido, 2013, 4 min.
Os damos la bienvenida a Boogodobiegodongo, un país rarísimo inventado y coloreado con témperas por Peter Millard, un guiñol de seres amorfos que mantienen graciosísimas e incomprensibles conversaciones en amarillo-azul-naranja-rosa-azul-verde.
Floues et colorées, Isabelle Cornaro, Francia, 2010, sin sonido, 3 min.
Un momento de calma aerografiado, en una hipnótica progresión de fluidos coloridos que van formando ante nuestros ojos distintos patrones de batik.
Swanee, Jeff Scher, Estados Unidos, 2019, 2 min.
Una cascada de formas brillantes sobre fondo negro va desfilando por la pantalla, como la partitura de una pianola imaginaria que pudiera leer los colores como si fueran notas musicales.
Ginko Yellow, Amy Halpern, Estados Unidos, 2022, sin sonido, 5 min.
Si nos fijamos, el mundo está lleno de cosas amarillas. Como por ejemplo el color al que se viran las hojas del ginko, un árbol cuyo nombre chino significa “albaricoque plateado” y que existe desde hace 290 millones de años. Y muchos años de antigüedad tiene también otro carismático ser amarillo al que conoceremos en esta película.
The Colors, Abbas Kiarostami, Irán, 1976, 16 min.
El director de El sabor de las cerezas y ¿Dónde está la casa de mi amigo? realizó también muchas películas educativas con la misma sensibilidad e imaginación que el resto de su cine. En esta, nos presenta los siete colores a través de diferentes objetos, vegetales, flores y animales, y a través de las peripecias y fantasías de un chiquillo, en un film lleno de imaginación, humor y belleza formal.
Los colores se juntan, Mariquiña Díaz, España, 2024, 4 min.*
Esta pieza nos lleva de paseo por la ciudad con los ojos bien abiertos a los encuentros fortuitos entre colores que se dan en nuestro día a día, como el amarillo de los buzones, los contenedores del plástico, un plátano y una peluca para el carnaval o el verde de las hojas de los árboles, un vestido y las marcas de aparcamiento para residentes. Un desfile cromático que nos invita a experimentar el placer del descubrimiento a través de la observación de interrelaciones azarosas en nuestro entorno cotidiano.
Un programa de Elena Duque con aportaciones de Gloria Vilches.
*El sábado 27 de abril, la autora de la pieza Los colores se juntan, Mariquiña Díaz, impartirá un taller familiar para experimentar con los colores y el cine sin cámara. + info
Fecha: 27 y 28 abril, 25 y 26 mayo, 8 y 9 junio 2024
Acaba de ser presentado de la mano de Universal Pictures un primer teaser tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la ópera prima de Pedro Martín-Calero titulada El llanto, film de género fantástico con una fuerte carga psicológica, que llegará a los cines de nuestro país el próximo 25 de octubre.
En El llanto vemos como algo acecha a Andrea, pero nadie, ni siquiera ella misma, puede verlo a simple vista. Hace veinte años, a diez mil kilómetros, la misma presencia aterrorizaba a Marie. Camila fue la única persona que pudo entender lo que le ocurría, pero nadie las creyó. Al enfrentarse a esa amenaza opresiva, las tres escuchan el mismo sonido sobrecogedor. Un llanto.
La película, con guion a cargo del propio Pedro Martín-Calero junto a Isabel Peña (Stockholm, Que Dios nos perdone, El reino, Madre, As Bestas), está protagonizada por Ester Expósito, Mathilde Ollivier, Malena Villa, Álex Monner, Sonia Almarcha, Tomás del Estal, Claudia Roset, José Luis Ferrer y Lía Lois.
El llanto, una producción hispano-franco-argentina de Caballo Films, Setembro Cine, Tandem Films, Tarea Fina, Noodles Production y El llanto AIE que cuenta con la participación de RTVE, Prime Video y Canal+ Francia y la financiación del ICAA, la CAM, el INCAA y el Ayuntamiento de Madrid.
Los archivos personales de José Luis Borau, verdadera ‘gruta del tesoro’, develan numerosos hallazgos decisivos para la cultura española de la segunda mitad del siglo XX y la primera década del XXI: documentos sobre la relevante movilización de Hollywood en solidaridad con la República durante la Guerra Civil, cartas inéditas de Edgar Neville, el desconocido diario de Borau sobre su viaje de costa a costa de los Estados Unidos, varios guiones completos no filmados (entre ellos, algunas de sus creaciones más íntimas y audaces), numerosos argumentos y sinopsis de películas que no llegaron a ver la luz (incluidos sus insólitos proyectos nada menos que con Luis Buñuel, Mickey Rooney, Mario Moreno, ‘Cantinflas’, e Imperio Argentina, mucho antes de filmar Tata mía con esta última), ambiciosas investigaciones historiográficas de enorme envergadura (su extensa y profunda investigación para hacer el inventario y la catalogación de ‘todo’ el exilio cinematográfico español tras la derrota republicana en la Guerra Civil), insólitos proyectos de producción, fracasadas aventuras editoriales, relatos literarios no concluidos
Sacar a la luz todos estos proyectos inconclusos permite reconstruir la voz oculta del cineasta y recuperar en toda su dimensión la obra de un verdadero gigante el cine y de la cultura española.
Autor: Carlos F. Heredero, Editorial:Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, Páginas: 648
Pestañas postizas (Enrique Belloch, 1982). Int.: Queta Claver, Carmen Belloch, Antonio Banderas. España. 35 mm. Color. 84’ Poppers (José María Castellví, 1984). Int.: Giannina Facio, Miguel Ortiz, Agustín González. España. 35 mm. Color. 83’
Doble dosis de iconografía queer para celebrar el orgullo con un par de óperas primas que se acabaron convirtiendo en películas de culto.
En los años 80, con el país sediento de modernidad y la efímera, pero huracanada clasificación S, la representación LGTB en el cine empezó a derribar los estereotipos más rancios. A pesar de los cambios, algunas películas preferían mantener sus códigos queer en la ambigüedad, como disfrutando de los últimos vestigios de lo prohibido. En Pestañas postizas muchos podrán leer subtextos gay en el personaje que interpreta un jovencísimo Antonio Banderas (que debutaba en el cine también), un sugar baby de mujeres maduras, amante de míticas vedettes como Queta Claver y rodeado de prostitutas y mariquitas clásicas como la que exagera Paco Valladares. Estamos en un universo de claras raíces fassbinderianas, como se encarga de anunciar el primer plano del film, universo que Enrique Belloch traslada a Madrid con ecos mesetarios y falleros, desde Miguel Delibes al surrealismo, sin renunciar nunca al melodrama artificioso y exaltado. Es esa intensa teatralidad que requiere el género –y de la que Almodóvar ha bebido tanto– el mayor desafío que corre la película con el espectador, arriesgándose a perderle por su ciega pasión por la tramoya, origen y refugio de Belloch.
Poppers engaña ya desde su título y algunos carteles promocionales, prometiendo una fantasía fetichista de estimulantes y cuero que poco representa a la película. Poppers es en realidad un thriller posmoderno que cuestiona la Movida desde dentro, poniendo en duda si las drogas de diseño y los sintetizadores podrán cambiar la España de pandereta, reaccionaria y violenta. Tener a Alfredo Mayo como villano fue todo un acierto, como darle el protagonismo a un escultural Miguel Ortiz, que además pone la música. Fue producida y escrita por Jacinto Santos mano a mano con el director, José María Castellví, novel en el cine pero con una larga carrera como paparazzi de estrellas, desde Julio Iglesias o Sara Montiel a las musas del destape. Castellví no volvió a hacer cine y perdimos no solo a un creador de imágenes fascinantes, sino a un ácido creador de historias.
Presentan la sesión el director Enrique Belloch, el escritor Carlos Barea y el comisario de «Sala:B», Álex Mendíbil. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 180’)
Acaba de ser presentado en sociedad vía Studiocanal un primer avance en forma de tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de la película The Outrun, adaptación al cine de la novela autobiografica de Amy Liptrot dirigida por la realizadora alemana Nora Fingscheidt, System Crasher (2019), The Unforgivable (2021). El film tras su paso por los festivales de Sundance y Berlín se estrenará comercialmente en el Reino Unido el próximo 27 de septiembre de 2024.
En The Outrun vemos como Rona, una mujer que acaba de salir de rehabilitación por su adicción al alcohol se dirige a su antiguo hogar situado en las Islas Orcadas de Escocia después de una ausencia de varios años. Allí se reencuentra con el paisaje donde creció. Mientras Rona permanece en las Orcadas, comienza a reconstruir mentalmente su infancia, a través de recuerdos se fusionan con los eventos más recientes que la han puesto en el camino de una supuesta recuperación.
La película, con guion adaptado a cargo de la propia Nora Fingscheidt junto a Amy Liptrot, esta protagonizada por Saoirse Ronan, Saskia Reeves, Stephen Dillane, Lauren Lyle, Izuka Hoyle, Paapa Essiedu, Nabil Elouahabi, Naomi Wirthner, Jack Rooke, Danyal Ismail, Tony Hamilton-Croft, Eilidh Fisher, Patch Bell, Posy Sterling y Conrad Williamson.
Jason Isaacs, Lucius Malfoy en la saga de “Harry Potter”, se mimetiza en el mítico Cary Grant en este biopic de 4 episodios que refleja la tormentosa vida del actor; de Gran Bretaña a Hollywood.
Filmin estrena el próximo martes 4 de junio, en exclusiva en España, “Archie”, la serie que sigue al icónico actor Cary Grant, un mito perseguido por la tragedia que, incluso en la cima de su carrera en Hollywood, no olvidó sus humildes orígenes en Bristol como un niño llamado Archibald Leach. Formado por 4 episodios, este biopic explica cómo su complicada infancia, marcada por la pobreza extrema, el adulterio de su padre y la muerte de su hermano mayor rompió su familia y le abocó a una espiral de duelo y depresión. Cary Grant, que no necesita presentación, es recordado como uno de los actores más importantes de la historia de Hollywood por sus papeles en películas como “Con la muerte en los talones”, “La fiera de mi niña”, “Historias de Philadephia” o “Atrapar a un ladrón”.
Uno de los encargados de interpretar a Grant es el actor Jason Isaacs, a quien hemos podido ver como Lucius Malfoy en la saga de Harry Potter o como el Coronel William Tavington en “El Patriota”. “Cuando me ofrecieron el papel me negué rotundamente…¿Quién sería tan estúpido de pretender interpretar al carismático Cary Grant?”, explica Isaacs. “Después vi que [la serie] estaba escrita por Jeff Pope, a quien he admirado durante décadas por todas las historias reales que ha llevado a la gran pantalla (Philomena, The Walk-In)”. Con lo que Isaacs decidió embarcarse en la aventura y empaparse de todo lo que tuviera que ver con Cary Grant, incluso conversando con familiares del actor de Bristol: “En las películas, él interpretaba lo que quería ser, una persona segura, masculina e imperturbable, pero fuera de las cámaras, era muy distinto. Cary Grant era un personaje de ficción que Archie Leach había creado para ocultarse de un mundo que le había herido y en el que se sentía muy solo. Y funcionó. Se convirtió así en la persona más querida y deseada del mundo. Pero, a pesar de todo, sus heridas de infancia nunca se llegaron a cerrar. (…) Él era su peor enemigo”.
La serie, que contempla cinco fases vitales de la vida del actor, realizó parte de su rodaje en la ciudad de Málaga. Fue concretamente en Pinares de San Antón donde la cadena británica ITV decidió filmar la última etapa de Cary Grant, ambientando una mansión de lujo de la localidad como la residencia que el intérprete tenía en Hollywood (Los Ángeles). Asimismo, Marbella y Sotogrande también sirvieron como escenario para rodar secuencias ambientadas en una fiesta de piscina sesentera o una gran casa de campo con caballos, paraderos españoles con sabor a la época dorada del cine clásico.
Conocido por su faceta dentro del cine de animación, Palmipedarium (2012), Tigre et dragón (2016), J’ai perdu mon corps (2019), el francés Jérémy Clapin debuta en el largometraje de ficción con Pendant ce temps sur Terre, película cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, que transita a través de la ciencia ficción de tono intimista, tuvo su premier mundial en el pasado Festival de Berlín dentro de la sección Panorama en donde obtuvo el Premio del Público a la Mejor Película.
En Pendant ce temps sur Terre vemos como los hermanos Elsa y Franck siempre estuvieron muy unidos. Cuando Franck desapareció misteriosamente durante una misión espacial hace tres años, todo cambió para Elsa. Desde entonces, esta joven de 23 años lucha por seguir adelante con su vida. Un día, una forma de vida no identificada se pone en contacto con ella y le ofrece traer a su hermano de vuelta a la Tierra. Pero hay un precio que pagar.
La película, con guion a cargo del propio Jérémy Clapin, está protagonizada por Megan Northam, Catherine Salée, Sam Louwyck, Roman Williams, Sofia Lesaffre, Sébastien Pouderoux, Arcadi Radeff, Sabine Timoteo, Christian Bouillette, Marie Bray, Nicolas Avinée, Yoann Thibaut Mathias y Dimitri Doré.
A través de la Cátedra FlixOlé-URJC de Cine Español, la plataforma y la universidad han organizado unas jornadas en memoria del director oscense que consistirán en la proyección de clásicos de su filmografía.
Cumplido más de un año de su fallecimiento, el nombre de Carlos Saura continúa protagonizando homenajes y reconocimientos en los principales festivales cinematográficos y encuentros culturales de todo el mundo. En el marco de su programación de actividades encaminadas a promover el patrimonio audiovisual del país entre las nuevas generaciones, la Cátedra FlixOlé-URJC de Cine Español celebrarán los días 6 y 7 de junio unas jornadas destinadas a poner en valor la memoria y legado del director.
A través de la cátedra, la plataforma y la Universidad Rey Juan Carlos (URJC) han organizado un ciclo retrospectivo para abordar la filmografía y acercar al público la figura del influyente cineasta. El mismo consistirá en la proyección de cuatro de sus obras más emblemáticas, cada una de las cuales se analizarán bajo la forma de mesas redondas donde se expondrán las distintas facetas narrativas y estilísticas de Saura. Para ello, las jornadas contarán con la participación de autoridades y profesionales del cine español, investigadores, críticos y periodistas especializados en el sector.
En palabras del director de la Cátedra FlixOlé-URJC de Cine Español, Mario Rajas, esta iniciativa tiene como objetivo que “la comunidad universitaria descubra a uno de los directores más importantes, creativos e internacionales de nuestro cine”.
Los actos tendrán lugar en el Salón de Grados del Campus de la URJC en Vicálvaro (Paseo Artilleros s/n, Madrid). El evento será gratuito y estará abierto al público hasta completar aforo. Las personas interesadas podrán inscribirse para acudir a través del siguiente enlace: http://eventos.urjc.es/go/saura
Conociendo a Carlos Saura
El jueves, 6 de junio, el vicerrector de Investigación, Innovación y Transferencia de la URJC, Fernando García Muiña, y el presidente de la Asociación Científica Icono 14, Francisco García García, inaugurarán el ciclo para, minutos después, ceder la palabra al presidente de la Academia de Cine, Fernando Méndez-Leite, quien introducirá a los presentes al cine y persona de Carlos Saura.
A las 10:30 horas, tendrá lugar la primera proyección de las jornadas: La caza (1966), la insólita película con la que el director oscense se adentró en las secuelas de la Guerra Civil al tiempo que desmembraba la cultura del ‘amiguismo’ en la España del desarrollismo.
Primera colaboración entre Saura y el productor Elías Querejeta, el largometraje situó a su autor en el mapa fílmico internacional. Dicho hito se encargarán de desglosarlo las personalidades que intervendrán en el coloquio después de la proyección: los hijos del cineasta, los productores Antonio y Anna Saura, junto con el director de Fotografía, José Luis Alcaine, quien colaboró con el director en varios proyectos.
En la tarde del mismo día se retomará la programación con el romance contado en tono de cine quinqui: Deprisa, deprisa (1981). Esta crónica sobre la juventud perdida de los descampados en la España de los 80 conquistó a público y crítica y obtuvo el Oso de Oro en el Festival de Berlín, certamen al que regresó la película el presente año a través de una renovada versión en 4K restaurada por FlixOlé y la distribuidora Mercury Films.
Precisamente sobre este estreno mundial que acogió la Berlinale en su sección Classics hablará el responsable de Marketing, Miguel López, en el apartado ‘Análisis y más’ que cerrará la primera jornada, y que incluirá intervenciones cortas donde los protagonistas serán los propios estudiantes.
Rasgos de un autor
Miembros del Grupo Ciberimaginario, constituido por un equipo de investigadores de comunicación y cultura digital, abrirá las jornadas el 7 de junio con una charla donde Manuel Gértrudix, Váleri Codesido, Héctor Canorea y Mario Rajas abordarán la puesta en escena de canciones populares en el cine de Carlos Saura.
Inmediatamente después se proyectará La prima Angélica (1974), cierre de la críptica trilogía con la que el director cargó las tintas contra los estamentos religiosos, burgueses y castrenses que auspiciaba el régimen franquista. La película será analizada en una nueva mesa redonda en la que tomarán la palabra el periodista y crítico, Quim Casas (Dirigido Por…), el historiador y director editorial de la revista ‘Caimán Cuadernos de Cine’, Carlos F. Heredero, la también periodista y responsable de Comunicación de Teatro del Barrio, Paloma Fidalgo, y el docente de la Universidad Camilo José Cela, Gabriel Doménech.
Por la tarde se exhibirá el último título de las jornadas: ¡Ay, Carmela! (1981). La tragicomedia protagonizada por unos cómicos de la legua a los que la Guerra Civil les pilla en medio de los dos bandos se convirtió en la segunda película con más premios Goya en la historia de la gala.
Una nueva sesión de ‘Análisis y más’ concluirá un evento que, además de contar con importantes especialistas y colaboradores directos del cineasta, tiene como finalidad, según Rajas, “generar un debate ameno y enriquecedor sobre uno de los directores españoles más importantes de la historia: Carlos Saura”.
Pese a su formato y ser presentado fuera de competición fue uno de los eventos más comentados por la crítica en la pasada edición del Festival de Cannes, C’est pas moi, cuyo primer adelanto en forma de un breve tráiler podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, supone el nuevo trabajo tras las cámaras, tres años después de Annette, de Leos Carax, mediante un mediometraje de 40 minutos que venía a ser un encargo sobre una exposición en el Centro Pompidou que nunca llegó a concretarse.
La sinopsis de C’est pas moi es la siguiente: “El Centro Pompidou había encomendado al cineasta la tarea de responder a la pregunta: ¿dónde estás, Leos Carax? Si bien la exposición finalmente no se llevó a cabo, este mediometraje se basa en ensayos visuales y autoficción para ofrecer una respuesta rica en imágenes, con el épico Denis Lavant interpretando a Monsieur Merde en Tokio!. Para C’est pas moi, el director volvió a trabajar con su equipo habitual, aprovechando los talentos de la directora de fotografía Caroline Champetier y el diseñador de escenario Florian Sanson, quienes trabajaron con él en Holy Motors y Annette«.
El mediometraje, que con toda seguridad solo llegará a nuestro país vía festivales y plataformas, tendrá un estreno comercial en Francia previsto para el próximo 12 de junio de 2024.
Aterrizas en Los Ángeles y eres Betty, una inocente chica de Ontario que sueña con ser estrella de Hollywood. Parece que su narrativa ya te acoge, que te despliegas en una trama que oscila del melodrama al thriller. Sí, hay piezas a encajar, mind-game film y expectativas en contexto. Nada puede salir mal. Pero cuidado, tu demiurgo es un águila de los scouts, David Lynch, y esta vez su mirada proyecta un imaginario que ese cine en el que ansías triunfar no puede contener en su gramática. Te vas a retorcer en el misterio, Betty. Vas a desbordarte. Tu rostro se va redescubrir como Diane y la narrativa genérica va a tensarse hasta disolverte en su metástasis. Silencio. No te conoces ni recuerdas. Lynch va a colocarte ante la esfinge del cine para que te proponga un enigma, pero encarnarás su misterio. No hay libro negro de Ed, no hay respuestas porque el enigma solo era el MacGuffin de un MacGuffin. Serás entonces Diane y amargada recorrerás la torcedura angosta del cine fuera de sus márgenes canónicos. Tu sueño devendrá pesadilla siniestra. Rita es Camilla y no es nada, tu doble es el súcubo que te succiona para tomar posesión de tus sueños. Todo es ilusión. Solo queda el club Silencio. Rebekah del Río está “Llorando por tu amor”. Su voz descarnada y en fuga te alcanza y tu mirada cae sin cuerpo en la caja azul. Betty, estás muerta y viva a la vez y no lo sabes. De ti solo queda tu deseo. Diane, vas a soñar como sueñan los muertos con la vida. Vas a ser el último deseo de un fantasma y, ya se sabe, que el cine, como la vida, es una trampa de fantasmas. No te preocupes, Dick Laurent y Laura Palmer ya estaban muertos cuando todo empezó a suceder. Lynch sabe que los muertos lanzan desde su mortaja las mejores historias sin respuestas. Con él vuestro misterio siempre permanece. Sí, This is the girl. Es hora de levantarse.
El autor
MARCOS JOAQUÍN FERRER GARCÍA
(Valencia, 1975). Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universitat Jaume I y licenciado en Derecho por la Universitat de València. En su tesis doctoral, “Lo siniestro como condición y límite del Modo de Representación Institucional. A propósito de David Lynch” (Universitat Jaume I, 2017), abordó el análisis de la representación de lo siniestro en el cine de David Lynch. Ha colaborado con diferentes revistas cinematográficas como L’Atalante Revista de Estudios Cinematográficos, Archivos de la Filmoteca, Miguel Hernández Communication Journal (MHJournal), Academia. Revista del Cine Español, o 7K Gara.
JOSÉ ANTONIO PALAO ERRANDO
(Valencia, 1962). Profesor titular del Departamento de Ciencias de la Comunicación de la Universitat Jaume I de Castelló. Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Valencia (2001) y licenciado en Filología Hispánica (1985).
Autor: Marcos J. Ferrer García y José A. Palao Errando, Editorial: Shangrila, Colección [Encuadre] libros, Páginas: 248
El director Espiga de Honor de Seminci en 2018 presento este pasado viernes en Cannes su última película, The Seed of the Sacred Fig, pocos días después de huir de su país.
Con «Mohammad Rasoulof: Un cineasta íntegro», el festival suma un nuevo ejemplar digitalizado y a libre disposición de su extenso catálogo de publicaciones.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI) pone a disposición del público desde este viernes la edición digital y bilingüe en inglés y español del libro «Mohammad Rasoulof: Un cineasta íntegro», editado por el festival en la 63ª edición, coincidiendo con el estreno mundial en el Festival de Cannes de The Seed of the Sacred Fig, la última película del cineasta iraní, quien recientemente ha abandonado su país tras sufrir una severa condena por un tribunal revolucionario iraní. (https://www.seminci.com/en/publicaciones/mohammad-rasoulofun-cineasta-integro/#flipbook)
Escrito por Jose Cabrera, Andreea Pătru –miembros del equipo de Programación de Seminci- y Diego Morán -gestor cultural y colaborador del festival-, este libro aborda la figura de uno de los máximos exponentes del cine iraní contemporáneo quien, pese a las dificultades para poner en pie sus películas, censuradas en su país, ha conseguido lanzar su mensaje, a menudo mediante relatos simbólicos y metafóricos.
El director, que ha sido detenido y condenado a penas de arresto en varias ocasiones por sus películas críticas al actual régimen iraní, ha permanecido en los últimos años retenido en su país. Esta circunstancia le impidió acudir en 2018 a Valladolid con motivo del homenaje que Seminci le preparó en su 63 edición con la entrega de la Espiga de Honor, una retrospectiva integrada por siete de sus películas elegidas por él mismo y la edición del libro que, desde hoy, se puede descargar de forma gratuita a través de la página web del festival.
Ese año, el cineasta protagonizó una rueda de prensa por videoconferencia, en la que repasó su trayectoria hasta ese momento y aseguró que la falta de libertad y de derechos siempre ha ocupado su mente, pues ve al Estado como “un gigante enorme y poderoso que intenta aplastar a los más débiles e inocentes para beneficio propio”. Además, afirmó que el sistema político iraní es “más complejo que una dictadura” porque funciona como una pirámide de poder en la que “siempre hay alguien por encima”.
Mohammad Rasoulof (Shiraz, Irán, 1972) comenzó su actividad artística a los nueve años actuando en el teatro en su ciudad natal para más tarde dedicarse a la escritura y dirección teatral. Estudió Ciencias Sociales, enfocándose en el impacto que supone vivir bajo un régimen dictatorial tanto en el propio individuo como en la sociedad, algo que refleja en la mayoría de sus películas. El documental Gagooman (The Twilight, 2002) fue su primer largometraje y ganó el Fénix de Cristal en el Fajr International Film Festival en Teherán, así como el Premio al Mejor Documental en la Iran Cinema House.
Rasoulof fue detenido en 2010 con su amigo, el director Jafar Panahi, y sentenciado a seis años de prisión, acusados de conspiración y propaganda contra el gobierno de Irán. La sentencia más tarde fue reducida a un año. En 2013 le fue confiscado su pasaporte en Teherán cuando se disponía a viajar al Festival de Derechos Humanos de Núremberg para la presentación de su película Dast-Neveshteha Nemisoozand, rodada de forma clandestina, al igual que su siguiente trabajo Lerd (2017), cuya proyección en el Festival de Cannes le acarreó la prohibición de trabajar y viajar fuera del país.
Con su siguiente largometraje, La vida de los demás (There Is No Evil, 2020) se alzó con el Oso de Oro del Festival de Berlín, además de lograr una Mención Especial del Jurado de la 65 Seminci, certamen donde su película se presentó al público español. En marzo de ese mismo año, Rasoulof fue condenado a un año de prisión por tres de sus películas, consideradas «propaganda contra el sistema», y la prohibición de rodar durante dos años.
El cineasta anunció el pasado 13 de mayo que había huido de Irán pocos días después de ser condenado por un tribunal revolucionario iraní a una pena de ocho años de prisión, latigazos y la confiscación de sus bienes por el delito de «colusión con la intención de cometer crímenes contra la seguridad del país». Este viernes acude al Festival de Cannes para presentar su último film, The Seed of the Sacred Fig, donde aborda las protestas desatadas por la muerte de Mahsa Amini en 2022 tras ser detenida por no llevar bien puesto el velo islámico. La causa contra Rasoulof ha llevado a un grupo de cineastas ha solidarizarse con los creadores iraníes en una carta abierta que condena la “continua criminalización sistémica de la libertad artística”, a la que se han adherido más de medio centenar de cineastas de todo el mundo.
Seminci suma de esta manera un nuevo ejemplar digitalizado y a libre disposición del público de su extenso catálogo de publicaciones, actividad iniciada el pasado mes de octubre con la obra Cine independiente americano. Una introducción, un destacado texto concebido como complemento al ciclo temático celebrado en la 27 edición del Festival, firmado por los programadores y críticos Fernando Herrero y José Ignacio Fernández Bourgón.
La web de Seminci ofrece además otras publicaciones de forma gratuita, como los especiales editados en colaboración con la revista Caimán Cuadernos de Cine sobre la sección Memoria y Utopía, que reivindica y pone en valor el patrimonio cinematográfico, o sobre el País Invitado de las últimas ediciones, con un exhaustivo análisis de las cinematografías de Irlanda, Argentina, Georgia, Portugal, Islandia, Chile, Turquía, Marruecos, India, Suecia y Brasil.
Juan Domínguez y María Jerez se grabaron durante el confinamiento mientras seguían trabajando por Zoom desde sus respectivas viviendas en Berlín y Madrid. Los barrocos es el resultado de ese trabajo.
Los barrocos, una película de principios de siglo. 2021. 60 min.
A principios del siglo XXI, la pandemia del Covid forzó un confinamiento global. Millones de personas vivieron encerradas en sus casas durante meses. Otros tantos millones debieron salir a trabajar en plena pandemia. Muchos proyectos de diferente índole fueron pospuestos o cancelados.
El formato de videollamada que facilitaron Zoom, Skype o Jitsi fueron algunos de los medios para que muchas personas pudieran comunicarse, teletrabajar y seguir desarrollando proyectos desde sus encierros. Durante este periodo, la noción del tiempo a menudo se veía distorsionada, se incrementaba la atención, las situaciones cotidianas tenían una relevancia sobredimensionada o se convertían en algo totalmente absurdo.
El desconcierto, la incertidumbre, la ansiedad, el ocio, la hiperactividad… Se dieron emociones de todo tipo. La desconfianza, incluso, se podía llegar a sospechar de un picaporte de una puerta a la que llevabas mirando un buen rato.
Dependiendo del carácter y de la situación económica, cada persona vivió este estado de alarma de manera diferente.
Después de los primeros momentos de desconcierto, María Jerez y Juan Domínguez siguieron trabajando en la distancia a través de la pantalla desde sus respectivos confinamientos en Madrid y Berlín. Las imágenes de esta película fueron grabadas desde el interior de sus casas, incluyendo objetos más o menos cotidianos y materiales de trabajo, además de imágenes que se veían a través de sus ventanas y patios.
Un año después decidieron reunirse para editar estas conversaciones visuales.
Los barrocos, una película de principios de siglo es una producción de Juan Domínguez realizada e interpretada por María Jerez y Juan Domínguez. Forma parte del ciclo de cine Tramas, comisariado por Juan Domínguez.
Juan Domínguez es performer, coreógrafo, curador y artista dentro de los ámbitos de las artes performáticas. Su trabajo aboga por la completa disolución entre ficción y realidad: utilizando esta para producir aquella, y viceversa. Trabaja obsesivamente con el concepto de tiempo a través del cual entreteje narraciones de procesos pasados y futuros proyectados, recuerdos y promesas, desestabilizando el sentido del presente, exponiéndolo con capas de realidad temporal, abriendo la posibilidad de un presente que no es ni lineal ni circular, sino vibrante, simultáneamente suspendido y (dis)continuo, buscando siempre un tiempo performativo.
Entre sus trabajos más recientes se cuentan: Tálamo (2020), This Is Not Normal y This Is Still Not Normal (2021-2022), en colaboración con Arantxa Martínez, Rhythm Is The Place (2023). Fue director artístico del festival In-Presentable en La Casa Encendida (2003-2012), co-director del Living Room Festival (2010-2017) y codirector, junto a Arantxa Martínez, del Festival Avant-Garten (Internationales Sommer Festival Kampnagel, 2017).
María Jerez (Madrid, 1978) sitúa su trabajo «entre» la coreografía, el cine y las artes visuales. Más allá del interés, en sus primeras piezas, por las convenciones teatrales y cinematográficas, y la comprensión implícita del espectador de las mismas, en sus últimos trabajos busca cuestionar esta relación abriendo espacios de potencialidad a través de encuentros con aquello que encontramos extraño y ajeno. Su trabajo más reciente insiste en la performatividad del encuentro como espacio de transformación. En este proceso de transformación, el «otro» se aloja en uno mismo, estableciendo bordes difusos entre lo conocido y lo desconocido, el objeto y el sujeto, lo animado y lo inanimado. Su trabajo trata de escapar de las lógicas logocéntricas y antropocéntricas, donde el propio conocimiento humano se convierte en un algo vulnerable ante otros ecosistemas enigmáticos y complejos. María Jerez combina la producción de su trabajo artístico con proyectos pedagógicos, curatoriales y editoriales.
Películas como L’Inconnu du lac (2013) o la espléndida Rester vertical (2016), han situado en estos últimos años al realizador Alain Guiraudie como uno de los autores de culto mas interesantes del momento. Su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Miséricorde, film presente estos días en el Festival de Cannes cuyo primer tráiler acaba de salir a la luz y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, supone una nueva indagación sobre la naturaleza humana a través de esas rupturas de las convenciones sexuales y religiosas tan características en su autor, aquí expuesta mediante una trama que coge como principal referencia el Teorema de Pier Paolo Pasolini y la novela escrita por el propio Alain Guiraudie titulada Rabalaïre.
En Miséricorde vemos como Jérémie regresa a Saint-Martial para el funeral de su antiguo jefe, el panadero del pueblo. Decide quedarse unos días con Martine, la viuda del hombre. Una misteriosa desaparición, un vecino amenazador y un sacerdote con extrañas intenciones hacen que la corta estancia de Jérémie en el pueblo tome un giro inesperado.
La película, con guion cargo del propio Alain Guiraudie, está protagonizada por Félix Kysyl, Catherine Frot, Jacques Develay, Jean-Baptiste Durand, David Ayala, Sébastien Faglain, Tatiana Spivakova, Salomé Lopes, Serge Richard y Elio Lunetta.
Organizado en colaboración con el Americana Film Festival, la muestra programará las películas Showing Up, de Kelly Reichardt; Las habitaciones rojas, de Pascal Plante; Riddle of Fire, de Weston Razooli, y Shortcomings, de Randall Park.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid y los cines Casablanca, en colaboración con el Americana Film Festival de Barcelona, organizan el próximo mes de junio un ciclo que reunirá algunas de las películas más premiadas o esperadas del panorama indie norteamericano.
Esta actividad de Seminci acerca al público vallisoletano lo más destacado del Americana Film Festival de Barcelona, plataforma destacada para la promoción del cine de Estados Unidos, México y Canadá en España con una cuidada selección de películas que abarcan géneros, estilos y temáticas variadas.
El ciclo Americana, que tendrá lugar todos los martes de junio a las 19:00 horas en los Cines Casablanca, programará las películas de EE UU Showing Up, de Kelly Reichardt (2022); Riddle of Fire, de Weston Razooli (2023); Shortcomings, de Randall Park (2023), y la canadiense Las habitaciones rojas, de Pascal Plante (2023).
El ciclo arranca el 4 de junio con Showing Up, programada por el Festival de Cannes y uno de los títulos Top 10 del año de Cahiers du Cinema, es la nueva película de la veterana cineasta Kelly Reichardt (First Cow, Meek’s Cutoff) que narra la historia de una escultora que se prepara para abrir una nueva exposición y debe equilibrar su vida creativa con los dramas diarios de la familia y los amigos. Michelle Williams y Hong Chau interpretan a dos artistas plásticas que rivalizan por su arte.
El 11 de junio se programará Las habitaciones rojas, producción canadiense dirigida por Pascal Plante (Falsos tatuajes, Nadia mariposa). Esta película intensa trata sobre el sonado juicio al asesino en serie Ludovic Chevalier, a cuyo juicio asisten fascinadas dos mujeres jóvenes. Cuando la realidad se mezcla con sus fantasías morbosas, una de ellas se adentra en un oscuro camino para buscar la última pieza del rompecabezas: el vídeo desaparecido de una niña de 13 años, con la que guarda un inquietante parecido. Esta fascinante película participó en los festivales de Sitges y Karlovy Vary, entre otros.
El 18 de junio es el turno de Riddle of Fire, ópera prima de Weston Razooli que fue programada en la Quincena de Cineastas de Cannes y recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Sitges. En Riddle of Fire, tres niños intentaban descifrar el control parental de su videoconsola y dar con la receta de la tarta de arándanos perfecta.
El ciclo finaliza el 25 de junio con Shortcomings, ópera prima del también actor Randall Park, quien en su debut firma una comedia tierna e ingeniosa de personajes en busca de la felicidad, basada en el conocido cómic de Adrian Tomine (Rubia de verano) y que formó parte de la selección oficial de Sundance. Ben, un cineasta en apuros, vive con su novia, Miko, que trabaja para un festival de cine muy local. Cuando no está en una sala de cine viendo cine de autor, Ben pasa su tiempo obsesionado con mujeres rubias y comiendo en restaurantes con su mejor amiga Alice.
Programación – Cines Casablanca a las 19.00 horas
Martes, 4 de junio – Showing Up, Kelly Reichardt (Estados Unidos, 2022)
Martes, 11 de junio – Las habitaciones rojas, Pascal Plante (Canadá, 2023)
Martes, 18 de junio – Riddle of Fire, Weston Razooli (Estados Unidos, 2023)
Martes, 25 de junio – Shortcomings, Randall Park (Estados Unidos, 2023)
Interesante la trayectoria como director de Oz Perkins dentro del fantástico, tras dos primeros trabajos tan a tener en cuenta como The Blackcoat’s Daughter (2015) y la reivindicable ghost story I Am the Pretty Thing That Lives in the House (2016), llego su reinterpretación en clave de terror del clásico Gretel & Hansel (2020), película que supuso un impasse solo interrumpido con su participación en la fallida re visitación de la fundamental The Twilight Zone a cargo de Jordan Peele. Longlegs es su nuevo trabajo tras las cámaras, film de terror psicológico cuyo primer tráiler final vía Neon, que ya inició una inteligente campaña de marketing meses atrás, acaba de aparecer y podéis ver a final de página junto a un par de carteles promocionales. La película tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo 12 de julio de 2024, en España lo hará el 27 de septiembre de la mano de DeAPlaneta.
En Longlegs vemos como a medida que el caso de un escurridizo asesino en serie sin resolver va tomando giros cada vez más oscuros, la agente del FBI Lee Harker descubrirá nueves evidencias y una conexión personal con el despiadado asesino, algo que le hará emprender una carrera contra el reloj para poder llegar a detenerlo antes de que vuelva a matar.
La película, con guion cargo del propio Oz Perkins, está protagonizada por Maika Monroe, Nicolas Cage, Alicia Witt, Blair Underwood, Dakota Daulby, Vanessa Walsh, Rryla McIntosh, Michelle Cyr, Anita Wittenberg, Marlea Cleveland, Erin Boyes, Lisa Chandler, Charles Jarman y Lauren Acala.
Venerada por Stephen King en redes sociales el pasado fin de semana, la película de Caye Casas es un auténtico hit de festivales, no había encontrado distribución en España hasta ahora.
Filmin estreno el pasado viernes 17 de mayo «La mesita del comedor«, segundo largometraje como director del catalán Caye Casas («Matar a Dios«). Es con diferencia la película más premiada del cine español en festivales de cine esta temporada y acumula más de 40 galardones alrededor del mundo, entre ellos el Premio a la Mejor Película y el Premio del Público de TerrorMolins, el Premio a la Mejor Película del Festival de Cine Fantástico de Bruselas o el Premio del Público en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. No obstante, y a pesar de su innegable éxito y el prestigio adquirido en los últimos meses gracias al boca-oreja, la película no había logrado encontrar distribución en España. Ahora llega a Filmin en exclusiva en plataformas digitales en España.
La popularidad de «La mesita del comedor» se ha multiplicado este fin de semana, después de que el mismísimo Stephen King, posiblemente el mayor referente mundial del género fantástico y de terror, publicase un mensaje en sus redes sociales elogiando la película. «Creo que nunca, ni una vez en tu vida, has visto una película tan negra como esta. Es horrible y horriblemente divertida. Es el sueño más oscuro de los Hermanos Coen.», ha afirmado el escritor estadounidense.
«La mesita del comedor” narra la desventura de María y Jesús, una pareja en crisis que acaba de tener un bebé. A él se le antoja comprar una mesita realmente hortera para el comedor. A pesar de las reticencias de ella, la mesa acaba en casa y su adquisición se acaba convirtiendo en la peor decisión de sus vidas. La película está protagonizada por David Pareja («Amigo«) y Estefanía de los Santos («Que Dios nos perdone«) y cuenta con la participación de la fallecida Itziar Castro.
A pesar de su éxito internacional, el director Caye Casas lamenta que la película haya visto hasta ahora todas las puertas cerradas en nuestro país: «Para la industria somos invisibles, unos outsiders que hacen un cine que nadie se atreve a hacer«, afirma. Fue una auténtica sorpresa su ausencia en la programación del Festival de Sitges, que parecía por razones obvias el lugar ideal para su estreno y Casas ha tenido que escuchar todo tipo de negativas en todo este tiempo. «Un distribuidor llegó a decirme que ojalá esta película no se hubiese hecho nunca«, confiesa.
«La mesita del comedor» es una producción de Alhena Production, La Charito Films y Apocalipsis Producciones.
Descendiente de un linaje de cineastas que dejó una huella imborrable en la industria cinematográfica de su país, Lamberto Bava también fue, por méritos propios, uno de los grandes protagonistas de la escena de terror italiana de los años ochenta. Su película “Demons”, de 1985, marcó un cénit en el género y se convirtió en un filme de culto que es aún hoy reverenciado en todo el mundo. Pero antes de ese éxito, Bava ya tenía en su filmografía algunos títulos más que reivindicables y siguió firmando largometrajes y series de televisión relevantes después de su díptico demoníaco, transformándose en una figura clave para el renacer del fantástico italiano en la televisión gracias al enorme éxito de la saga “Fantaghirò”. En esta autobiografía, Lamberto recorre de manera pormenorizada su carrera y su vida, en un apasionante relato acompañado, además, de jugosas anécdotas nunca contadas y de imágenes inéditas provenientes del propio archivo personal del autor.
Autor: Lamberto Bava, Prólogo de Manlio Gomarasca, Traducción de Santiago Alonso. Editorial: APPLEHEAD TEAM CREACIONES, Páginas:
Presentada recientemente en el festival de Cannes, Horizon: An American Saga, cuyo tráiler final vía Warner Bros. Pictures podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, supone una nueva aproximación de Kevin Costner a un género, lamentablemente casi extinto, como es el western. Concebida inicialmente para televisión, el nuevo trabajo del responsable de Open Range estará dividido en cuatro capítulos, los dos primeros se estrenarán comercialmente en Estados Unidos el próximo 28 de junio y 16 de agosto, teniendo previsto llegar a España el mismo 28 de junio y 30 de agosto, y los dos últimos en un principio se rodarán de forma simultánea este verano de 2024.
El capítulo uno de Horizon: An American Saga abarca los cuatro años de la Guerra Civil, de 1861 a 1865, narrando una historia a través de un viaje emocional en un país en conflicto consigo mismo, mostrado mediante la lente de familias, amigos y enemigos, el intento por descubrir lo que realmente es y significa pertenecer en aquella época a los Estados Unidos de América.
La saga, con guion a cargo del propio Kevin Costner junto a Jon Baird, está protagonizada por Kevin Costner, Sienna Miller, Sam Worthington, Giovanni Ribisi, Jena Malone, Abbey Lee, Michael Rooker, Danny Huston, Luke Wilson, Isabelle Fuhrman, Jeff Fahey, Will Patton, Tatanka Means, Owen Crow Shoe, Ella Hunt y Jamie Campbell Bower.
En el Fantastic Pavilion del Marché du Film del Festival de Cine de Cannes, se ha dado el pistoletazo oficial de salida a la previa de la 57ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
Ángel Sala y Mònica Garcia i Massagué, Director Artístico del certamen y Directora de la Fundació, han presentado un acto ante periodistas, agentes de la industria fílmica y representantes institucionales, en el que ha empezado a tomar forma la nueva edición de la mayor celebración del cine fantástico a nivel mundial.
La 57ª, ni más ni menos, se celebrará del 3 al 13 de octubre, y lo hará bajo la imagen gloriosamente deformante de uno de los grandes clásicos de la Historia del cine. 92 años después de su impactante estreno, el espíritu de los “Freaks” de ‘La parada de los monstruos’, tomará las calles y las salas de proyección de Sitges.
Sin lugar a duda, el film de Tod Browning supone uno de los hitos que mejor puede explicar el poderoso sentimiento de comunidad alrededor del cine fantástico. A esto cabe sumar, de forma orgánica, el contagioso ambiente festivo que cada año empapa nuestro Festival… como si éste, en cierto modo, fuera heredero directo de aquellas ferias donde la gente se juntaba para maravillarse y horrorizarse a partes iguales.
Un año más, la identidad visual del certamen surge de la colaboración con las mentes creativas de la agencia CHINA parte de LLYC cuyos representantes, para la ocasión, han emitido la siguiente declaración:
“No sería raro afirmar que el Festival de Sitges es el sitio de lo diferente, de lo extraño, es decir, de lo raro. Y tampoco sería raro pensar que ha sido ese cine distinto y valiente que se ve aquí el que ha dado lugar a una tipología de fan que no se parece al de ningún otro festival. Precisamente eso es lo que hemos querido mezclar en el cartel de esta edición: el poder transformador del cine y el miedo a lo diferente. Para ello, hemos colaborado con el fotógrafo Mikel Bastida en un proyecto en el que se ha intervenido un retrato aplicando químicos sobre las emulsiones del celuloide como se ha hecho históricamente en el cine. El resultado, un rostro distorsionado, deforme. Pero también una metáfora visual que nos habla de cómo tememos a lo diferente, a lo que no reconocemos, y lo excluimos. Aquí eso no pasa, al contrario: se celebra.»
Freaks que generan cine y cine que genera freaks. Imágenes de rostros bellos desfigurados por productos y procesos que nos hablan del paso del tiempo… de cómo la adopción de la monstruosidad puede generar un nuevo tipo de belleza: extraña, misteriosa; más magnética si cabe.
SITGES vuelve así a apostar por un impacto visual que invita a disolverse en todas sus capas y texturas; en el conjunto que éstas componen… y que llama a los miembros de la audiencia a abrazar esta nueva apariencia: a convertirse en una de los nuestros.
En este sentido, se ha aprovechado el acto de hoy para anunciar la primera estrella que acudirá a dicha llamada.
Mike Flanagan (Salem, Massachussetts, 1978) lleva más de una década consagrado como una de las figuras clave del cine de terror. En este período de tiempo, se ha descubierto como una fuerza creativa incansable, tanto desde las labores de dirección, escritura, montaje y producción.
Sus películas y series conforman un rico ecosistema de propuestas escalofriantes y emocionantes a partes iguales, fenómenos de audiencias masivas a nivel mundial y objetos de culto que también confirman el talento diferencial de su autor. Desde ‘Absentia’ (2011) a ‘La caída de la casa Usher’ (2023), pasando por ‘Oculus: El espejo del mal’ (2013), ‘Somnia: Dentro de tus sueños’ (2016) (ambas mostradas en la Sección Oficial a Competición del Festival de Sitges), ‘Ouija: El origen del mal’ (2016), ‘La maldición de Hill House’ (2018), ‘Doctor Sueño’ (2019), ‘Misa de medianoche’ (2021) o ‘El club de la medianoche’ (cuyos primeros episodios también fueron presentados en Sitges.
En este ritmo de producción espectacular, sobresale la ambición de un cineasta capaz de salir reforzado del reto mayúsculo de adaptar las obras de gigantes como Shirley Jackson, Stephen King, Henry James o Edgar Allan Poe. También su impresionante capacidad a la hora de dotar a cada título de una personalidad única. Alejándose de los estruendos del jump scare, los momentos más terroríficos en su cine suelen cocinarse a fuego lento, e incluso pueden manifestarse a plena luz del día.
La estrecha complicidad que establece con sus actores le define tanto como el mimo por la palabra hablada, así como por el montaje de cortes limpios… y por supuesto, la conciencia de que lo sobrenatural es la mejor puerta de entada a historias cargadas con un poso humano apabullante. No en vano, en su universo, los fantasmas tienen el mismo peso que las buenas y las malas decisiones que pueden llevarnos por los tortuosos caminos del perdón y la redención.
Por todo esto, Mike Flanagan es el artista ideal para empezar a desvelar nuestra lista de invitados de la 57ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Este 2024, el festival contara con su presencia otorgándole el Premio Honorífico Màquina del Temps.
A pocos días de su estreno mundial en el Festival de Cannes acaba de ver la luz un primer adelanto, en forma de un breve teaser, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del nuevo trabajo, tras su ópera prima (Revenge 2017), de la realizadora francesa Coralie Fargeat The Substance. El film, un estilizado body horror, ha sido adquirido recientemente por Mubi para los derechos de distribución a nivel mundial.
La sinopsis promocional de The Substance es la siguiente ¿Alguna vez has soñado con una mejor versión de ti mismo? Tú misma, sólo que mejor en todos los sentidos. Deberías probar este nuevo producto, se llama The Substance. Cambio mi vida. Con The Substance puedes generar otro tú: más joven, más bello, más perfecto. Sólo tienes que compartir el tiempo: una semana para uno, una semana para el otro. Un equilibrio perfecto de siete días cada uno… fácil ¿verdad? Si respetas el equilibrio… ¿qué podría salir mal?
La película, con guion a cargo de la propia Coralie Fargeat, está protagonizada por Margaret Qualley, Demi Moore, Gore Abrams, Tom Morton, Tiffany Hofstetter, Dennis Quaid, Joseph Balderrama, Oscar Lesage, Matthew Géczy, Vincent Colombe, Philip Schurer, Olivier Raynal y Hugo Diego Garcia.
A lo largo de tres meses, Filmoteca Española dedica una retrospectiva integral al cineasta sevillano Manuel Summers, uno de los grandes nombres del Nuevo Cine Español
Manuel Summers. Un verso suelto´ se presentará el 10 de mayo en el Cine Doré con la proyección del documental Summers el rebelde (Miguel Olid, 2024) y de El viejecito (Manuel Summers, 1959), cortometraje que dio inicio a su carrera.
La sesión contará con la presencia del periodista y director Miguel Olid, quien ha indagado en la figura del cineasta a través de entrevistas con directores, críticos y familiares del cineasta.
Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura encargado de la preservación y difusión del patrimonio fílmico y cinematográfico, dedica una retrospectiva completa al cineasta Manuel Summers, uno de los grandes nombres del llamado Nuevo Cine Español. El ciclo `Manuel Summers. Un verso suelto´ se celebrará entre los meses de mayo y julio en el Cine Doré.
Un verso suelto
El genio y humanidad de Manuel Summers llega al fin al Cine Doré. Una retrospectiva completa de este “verso suelto” de la historia de nuestro cine arranca en mayo en Filmoteca Española, saldándose así una deuda pendiente con el cineasta. La degradación de determinadas copias había impedido hasta la fecha su programación, pero una reciente masterización digital de determinados títulos, acometidos por su familia, han hecho posible la celebración de este exhaustivo ciclo que revisita su filmografía.
La sesión de presentación de esta retrospectiva tendrá lugar el viernes 10 de mayo con la proyección del documental Summers el rebelde (2024). La sesión contará con la presencia de su director, el periodista y cineasta Miguel Olid, quien ha indagado en la figura del cineasta a través de entrevistas con directores, críticos y familiares del cineasta. En esta misma sesión se proyectará El viejecito (1959), que dio inicio a su trayectoria como cortometraje de fin de carrera en el IEC (Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas). En él afloraba ya de forma temprana su interés por la muerte y el humor negro, así como su debilidad por contar con actores no profesionales.
Durante el mes de mayo, se proyectarán en el Cine Doré Adiós cigüeña adiós (1971), El niño es nuestro (1973), secuela de Adiós, cigüeña, adiós ; Del rosa… al amarillo (1963), con la que recibió la Concha de Plata al mejor director, entre otros galardones; o la trilogía To er mundo é… (1982 1985), entre otros títulos.
Manuel Summers
Manuel Summers (Sevilla, 1935-1993) destacó desde sus inicios por su personal forma de entender el cine. Una vez admitido en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, sobresalió entre sus compañeros con el cortometraje de fin de carrera, El viejecito (1959), en el que ya afloraba su interés por la muerte y el humor negro.
Su trayectoria continuó con películas como Del rosa al amarillo (1963) y La niña de luto (1964), reflejándose en ambos títulos —imbuidos por su particular sentido del humor— los problemas políticos y sociales de la época. Con la primera debutó por todo lo alto estrenándose en el Festival de cine de San Sebastián y recibiendo la Concha de Plata al mejor director, entre otros galardones. Con la segunda, participó en el Festival de Cine de Cannes. A ellas se suman en estos años iniciales de su carrera obras documentales como la excelente Juguetes rotos (1966) o Urtain, el rey de la selva… o así (1969), crítica de la violencia cotidiana en la sociedad y alegato antibelicista en plena guerra del Vietnam, lo que le ocasionó numerosos problemas con la censura.
Pese a estos problemas y a que, tal y como señala Miguel Olid, en su trayectoria no faltaron elogios, pero también críticas y algún descalabro, gozó de un incontestable éxito con el público: títulos como Adiós, cigüeña, adiós fue visto por 3.500.000 personas en España, en Francia estuvo más de 15 semanas en cartel, en Venezuela más de 20 y, según la publicidad de la época, en Colombia su recaudación superó a la de El Padrino. Llegó, además, a mercados inusuales en el cine español, desde el Lejano Oriente, hasta África, pasando por la península arábiga, entre otros muchos países.
Este éxito pudo facilitar que se atreviese a adentrarse en diferentes géneros y tonos, llegando a las películas musicales que realizó en los 80 con el grupo de moda, Hombres G, liderado por su hijo David. Aunque esta fórmula no siempre es sinónimo de buenos resultados, logró con ellas un gran éxito, no solo en España sino también en Iberoamérica. En estos años, a estos títulos se sumaría su trilogía To er mundo é… (1982 1985).
En la necrológica de su fallecimiento que publicó Basilio Martín Patino en el diario `El País´ destacó que había conocido “a pocos hombres de su genio, con una humanidad más generosamente noble, más bueno, desde su sonrosado aire de colegial díscolo y sentimental. (…) Y se enmascaraba de francotirador insolidario en el papel de lobo al que se le veía la patita bonachona bajo el disfraz”.
alguien con un concepto diferente del cine de acción, tanto en los años ochenta como en la actualidad, de un genio del diseño que, pese a no desdeñar ciertos rasgos distintivos evolutivos, sigue siendo el mismo de siempre, un creador cuya peculiaridad reside en el detalle, que antepone la pureza del concepto visual a cualquier otro tipo de narrativa. Lo hace a través de una plástica exuberante, que sabe utilizar, sin ningún ápice de aparatosidad, una serie de herramientas que hacen desplazar la mirada del espectador de un plano general a un plano corto, de un objeto a un rostro, todo ello a través de un montaje y una serie de encuadres concebidos de forma admirable. A tal respecto, y como simple ejemplo, en Furiosa: A Mad Max Saga existe otra secuencia prodigiosa que nos sitúa en el Criadero de Balas, en apariencia, una simple escena de tiroteo filmada de la forma más efectiva e inteligente posible, donde se nos muestra cómo un tiro es montando minuciosamente mediante dos únicos planos, el cañón y el impacto que produce, el mérito viene dado en la utilización de la profundidad de campo, de algo tan inusual hoy en día como tomarse la molestia de introducir dos elementos en un mismo encuadre.
