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En 1973 se estrenó la primera película de terror dirigida por una mujer en España. El filme era Vera, un cuento cruel y su responsable, Josefina Molina. Más de cincuenta años más tarde solo una veintena de directoras se ha aproximado al género en nuestro país.
Qué factores políticos, sociales y culturales han influido en hacer del fantástico un terreno de abrumadora autoría masculina forman parte del análisis del nuevo volumen de WomanInFan, centrado en la producción europea, y titulado ‘Horror Girls. WomanInFan Europa’. El título rinde homenaje al desaparecido historiador cinematográfico David J. Skal, que se definia como un monster boy. En este sentido, el volumen expone a las pioneras y referentes horror girls europeas con un foco especial en cuatro filmografías: España, Francia, Alemania e Italia. En él participan Mònica Garcia Massagué (que también actúa cómo coordinadora), Alexandra Heller-Nicholas, Ángel Sala, Olivia Cooper-Hadjian, Marcus Stiglegger y Manlio Gomarasca.
Autor: Mònica Garcia Massagué, Ángel Sala, Olivia Cooper-Hadjian, Manlio Gomarasca, Alexandra Heller-Nicholas, Marcus Stiglegger. Editorial: Hermenaute, Páginas: 184
Del 3 al 13 de octubre tuvo lugar la 57.ª edición del Festival de Sitges, un año marcado por ciertos problemas de infraestructura motivados por la ausencia de una zona clave en espíritu como es el cine Retiro, a causa de una obligada remodelación que se espera que finalice el próximo año, y en parte solventada con la incorporación de un nuevo espacio multiusos como es la nueva sala Escorxador. Sitges 2024 volvió a transitar por unas reconocibles señas de identidad plagadas de una serie de claroscuros, el más evidente: la sensación de que el festival está demasiado preocupado en proclamas de éxito respecto a la afluencia de público, con relación a una justificación ya endémica y percibida como burocrática, algo que no deja de ser contradictorio en lo concerniente a otros ámbitos y apartados de un certamen que, entre otras cosas, propone una generosa selección de títulos de tono ecléctico, adentrándose en el terreno de la arriesgada experimentación, complementando la propuesta con la oportunidad de poder ver clásicos del género en pantalla grande, apartado que en los últimos años ha sido potenciado con un mayor número de títulos. También como función meritoria, señalar su decidida apuesta por seguir ofreciendo publicaciones en papel, este año por partida doble, a través de los ensayos colectivos: La feria de las sombras. Fantasmagorías, fenómenos y circos en el cine de terror y HORROR GIRLS. WomanInFan Europa.
Sitges 2024 intentó navegar a través de nuevos paradigmas evolutivos donde el festival no pudo cuantificar, a modo de termómetro fiable, el estado actual del género, ya que el certamen no goza del beneplácito generalizado a la hora de proyectar un determinado tipo de cine, la ausencia, entre otras, de películas como The Shrouds (David Cronenberg), The Life of Chuck (Mike Flanagan), L’Empire (Bruno Dumont) o Anatema (Jimina Sabadú), pone de manifiesto tal coyuntura, paliada en parte con una vasta producción de cine independiente, o con la presencia de un generoso contenido proveniente de un streaming que aún no ha desembarcado en Europa, por ejemplo, Shudder. Como inabarcable cajón de sastre de géneros que siempre ha sido, Sitges volvió a ofrecer un amplio, aunque incompleto, abanico genérico. A la hora de hacer un balance global de lo ofrecido en esta edición, a nivel de selección, señalar unos viejos déficits intuidos ya casi como endémicos, visibles desde hace décadas, principalmente el referido al difícil equilibrio a la hora de poder cuantificar y cualificar el elevado número de películas presentes en el festival, algo que en realidad no tendría que suponer un problema en sí mismo, en cierta manera no deja de ser una ventaja para el espectador tener la opción de poder elegir qué querer ver, más discutible sería justificar una determinada cifra de películas en relación con una selección percibida como algo mecanizada y poco clarificadora, las secciones, a fin de cuentas, han de servir para guiar al espectador en según qué tipo de contenidos, especialmente con relación a un criterio que da la sensación de estar concebido a la carta, basándose en una cuadratura, intuida como estadística, en la medida de intentar dar un lógico sentido de ubicación y temática a los distintos apartados del festival.
A continuación, el análisis desde la perspectiva generada después de un tiempo para reflexionar sobre todo lo que dio de sí este Sitges 2024 a través de cuatro extensas entregas.
Sección Oficial; Autorías consagradas
Presence
La encargada de inaugurar el certamen fue la ghost story Presence de Steven Soderbergh, realizador cuya trayectoria con el paso de los años ha ido reinventándose mediante nuevas tecnologías, temas y apuestas estructurales poco convencionales, película que prometía una premisa narrada desde la perspectiva de un espectro, a semejanza de propuestas como I Am a Ghost (H.P. Mendoza 2012) o A Ghost Story (David Lowery 2017), mediante un relato expuesto a través de la mirada subjetiva del fantasma, que no deja de ser otra que la del espectador, pues la sensación final es que a Soderbergh le interesa más el artificio creado (una historia de fantasmas donde la visión resulta ser la del director de fotografía) que muestra la deriva social/económica y emocional, con especial hincapié en la depresión de la adolescente, de una familia acomodada estadounidense, que el desarrollo de elementos lindantes a unas determinadas coordenadas genéricas que aquí da la impresión de ser casi una excusa argumental, siendo un producto en el que predomina, por encima de todo, el experimento formal expuesto por el responsable de Traffic y Contagion, posiblemente sus dos mejores trabajos tras las cámaras. Algo que no deja de sorprender viendo que el libreto es obra de David Koepp, autor con un background suficientemente constatado dentro del fantástico, que ya había abordado con anterioridad, a nivel de guion y dirección, notables disquisiciones fantasmagóricas en películas como Stir of Echoes (1999) o la más reciente You Should Have Left (2020).
Tras una extraña ausencia el pasado año con Yannick y Daaaaaalí!, todos sus anteriores trabajos habían estado presentes en el festival, Quentin Dupieux volvía a Sitges con The Second Act, película que reafirma una autoría irreverente e irreductible. Afortunadamente, el reconocimiento de su cine a través de un ámbito cinematográfico más amplio, como la inauguración de la última edición del Festival de Cannes, contando con la presencia de un elenco de intérpretes como Vincent Lindon o Léa Seydoux, no ha rebajado un ápice el tono subversivo característico de Dupieux, aquí mostrado mediante un trabajo donde se satiriza de forma mordaz sobre los egos de algunos de los actores más famosos de Francia, hallando también un espacio para digresiones del presente, como el #metoo o la cultura de la cancelación. Todo expuesto con la ayuda de un ameno juego metafílmico, y lo más importante, conservando esa impronta de transgredir sin intentar aleccionar, utilizando el medio cinematográfico como simple gesto, de forma autorreflexiva, recurriendo a la modificación de unos determinados códigos de ficción, una estructura que nos obsequia con una magnífica, y godardiana escena final, inversa a la primera, que viene a confirmar lo que antes era percibido como un tipo de cine orquestado a modo de divertimento de talante ingenioso y plagado de paradojas absurdas, ha ido evolucionando en estos últimos años hacia algo mucho más reflexivo, aquí materializado en una obra madura sustentada por una milimétrica retórica, que confirma a Dupieux como un autor de incuestionable talento.
The Devil’s Bath
The Devil’s Bath ganadora del Premio a la Mejor Película, traía de regreso a dos sospechosos habituales de Sitges, Severin Fiala y Veronika Franz, autores que, una vez más, regresan con sus torturados universos; en esta ocasión, a través de un relato de época rural documentado con registros históricos donde somos testigos de las dificultades históricas que han tenido las mujeres en determinados ámbitos mediante la deriva mental de una joven campesina recién casada. De caligrafía poco sutil, tanto por medio de oscuros imaginarios infantiles, Goodnight Mommy (2014), como de miméticos y claustrofóbicos relatos de terror, The Lodge (2019), los realizadores austriacos recurren a una constante en su filmografía: la familia como epicentro del mal, aquí mostrada a través de una construcción pervertida de la fe, y cómo esta puede causar un trauma dogmático, expuesto en la película mediante la depresión femenina. The Devil’s Bath, la película más ambiciosa y acertada de sus responsables hasta hoy,abandona, sólo en apariencia, los códigos de género utilizados en anteriores trabajos para adentrarse en un relato crudo de tono premonitorio y fatalista que incide con determinación en la turbia gestación de síntomas distorsionadores. Sobre su intención y posterior resultado, dos de las películas más cuestionables de este Sitges 2024 fueron, por un lado, el nuevo trabajo de Marielle Heller Nightbitch, otra de esas películas cuya supuesta alegoría primaria y subrayada transmuta en panfleto de autoayuda hiperlimitado, en el que la maternidad ha de encontrar un sentido a su tortuosa existencia. El supuesto elemento fantástico, esa evocación de tono weird sobre la transformación animal como metáfora recurrente utilizada dentro del cine de género, en Cat People (1982) o As boas maneiras (2017), por poner dos ejemplos, aquí queda mostrado como burda excusa para un mensaje maniqueo que desdibuja aún más, si cabe, el conjunto. Peor parada resultó 2073 de Asif Kapadia, reconocido director en el ámbito documental con trabajos biográficos sobre iconos de la música y el deporte, Senna (2010), Amy (2015), Diego Maradona (2019) o Federer: Twelve Final Days (2024), su película se adentra en una distopía sociopolítica donde la única, y supuesta ficción, la encontramos en su prólogo y epílogo, en ella somos testigos de la precaria subsistencia postapocalíptica de Samantha Morton, muy similar a la sufrida por Bruce Willis en 12 Monkeys, sin saber cuál fue el “acontecimiento” que condujo a dicha situación, el relato abraza el formato documental para retroceder al pasado, a nuestro presente, a la hora de mostrar cómo fuerzas políticas, tecnológicas y ambientales amenazan al planeta; el problema surge a causa de un tono sermoneador que traiciona conceptos de ciencia ficción y las referencias citadas en su premisa, en especial, la referida a La Jetée de Chris Marker, dándole un aire sórdido y conspirativo, cuando no hay nada intrigante en todo esto: solo hechos económicos y políticos mostrados en cualquier reportaje televisivo del presente. 2073, alejada de un determinado tipo de concepción cinematográfica, de forma irónica e involuntaria, termina simulando los cánones de cualquier documental aleatorio basado en ideologías conspiranoicas difundidas por la extrema derecha, la misma que Asif Kapadia curiosamente pretende denunciar.
De utopías mentales y mitologías patrias
Rich Flu
Respecto a la presencia de cine español en Sitges 2024, prevaleció la tendencia de un nivel exiguo; Rich Flu, primer trabajo en solitario a cargo de Galder Gaztelu-Urrutia tras el díptico El hoyo, nos traslada a otra fábula distópica donde los adinerados sufren un virus mortal. Película, que al igual que la más acertada The Screwfly Solution (Joe Dante 2006), rompe con cualquier tipo de credibilidad interna del relato en lo concerniente a otorgar una lógica científica que actúe a modo de mcguffin, ya que la supuesta agudeza argumental también requiere de algo de verosimilitud, dando la impresión de lo que realmente parece importar a Gaztelu-Urrutia es una impronta expuesta a medio camino entre la sátira y el moralismo social sobre la división de clases que, por momentos, se sitúa demasiado cercana en espíritu a la cuestionable Triangle of Sadness de Ruben Östlund. Peor parada resultó Daniela Forever, nuevo ejemplo en el que un autor como Nacho Vigalondo cuyas ideas y conceptos son bastante interesantes, no termina de plasmar con acierto dicho imaginario, aquí mostrado a modo de tragicomedia romántica que reflexiona en clave low-fi sobre el duelo, el recuerdo fúnebre de la pareja, y la toxicidad masculina que deriva en obsesión, con un resultado irregular con respecto a una narrativa, con claras reminiscencias de Eternal Sunshine of the Spotless Mind de Michel Gondry, que intenta mostrar una geometría onírica distorsionada. Que el metraje se extienda hasta más de dos horas acrecienta la sensación de inconsistencia. Lo mejor vino de la mano de El llanto, película que revisita con determinación una serie de reconocibles conceptos del fantástico contemporáneo, la mayoría derivados del J-Horror, a la hora de mostrar a través de distintos espacios temporales un virus espectral transmitido y heredado que es visualizado a través de lo analógico y lo digital. Algo más discutible resulta su indecisión a la hora de decidirse por lo puramente genérico o lo social, dos vías percibidas de manera equidistante en la película, ya que el relato incide en conceptos costumbristas poco habituales en el género de terror, sobre todo en el tramo final donde se atisba un tímido intento de interpretación con respecto a la violencia machista y sus efectos en el imaginario femenino a través de una dubitativa carga metafórica.
Una Ballena
Por otra parte, Una Ballena de Pablo Hernandonos nos cuenta una historia de supuesto tono críptico, en la que vemos las andanzas de una misteriosa asesina a sueldo en una ciudad portuaria a través de una estilizada historia de pretendida ambivalencia genérica que transita desde un gélido noir a indagaciones en un fantástico de carácter mitológico, e incluso, ciertas derivas hacia el terror cósmico. Es una lástima que el conflicto se genere entre lo sensorial y lo convencional, así como las diversas referencias y alegorías que vemos de forma continuada: el polar francés de Jean-Pierre Melville, con Le Samouraï como abanderado, o el imaginario de Herman Melville en Moby Dick, resultan ser más evidentes de lo pretendido por parte de un autor que da la impresión de intentar alcanzar con esta película un estatus de autor inclasificable, poniendo de manifiesto una vez más, cómo mucho cine español de la actualidad parece empeñado en centrarse en una serie de imágenes que no terminan de dar un sentido coherente, o en el mejor de los casos evocador, en innumerables silencios de pretendida naturaleza simbólica. Luna puso de manifiesto el peligro de exponer en festivales un determinado tipo de películas. De clara vocación intimista y minimalista en su faceta conceptual, la película de Alfonso Cortés-Cavanillas recicla tópico tras tópico un subgénero como es la ciencia ficción espacial de supervivencia; debido a un incidente, un grupo de astronautas tendrá que luchar por sobrevivir en el espacio lunar, temática que antes de Gravity de Alfonso Cuarón ya tuvo infinidad de precedentes en la gran pantalla. El relato, expuesto casi a modo de obra teatral, una suerte de drama de cámara, parece concebido para que un epílogo/ flashback dé sentido a un nivel existencial a todo lo antes expuesto, siendo su principal problema unos diálogos infantilizados que adolecen de un tono sobreexplicativo de difícil justificación, jaleados con sorna por una gran parte de la audiencia de Sitges, público que curiosamente ha mantenido durante estos últimos años, a través de una complicidad muy debatible, una condescendencia intelectual a la hora de aceptar con relativa normalidad, una serie de películas y contenidos bastante más perniciosos que las evidentes imperfecciones ofrecidas en Luna.
Elfantástico multicultural
Sanatorium Under The Sign of the Hourglass
Uno de los puntos álgidos del festival vino de la mano de los hermanos Quay y su regreso al cine con la excepcional Sanatorium Under The Sign of the Hourglass, película que, como bien apuntaba el crítico Álvaro Peña, ofrece horizontes al que realmente los busca. Un tipo de autoría que se ha ido cimentando a lo largo del tiempo sobre un estilo cinético único en el mundo de la animación stop-motion, reafirmado y potenciado con un último trabajo inspirado en la novela homónima de Bruno Schulz, donde los ritmos auditivos y visuales son mostrados mediante una abstracción cinematográfica percibida como espectral. Como viene a ser habitual en el imaginario de los Quay, muy próximo al expresionismo alemán y a la psicodelia, la narrativa se convierte en un tremendo flujo de imágenes visuales e impulsos subliminales donde cada textura, movimiento o sonido resulta impregnado de simbolismos, estando los personajes totalmente supeditados a dichos elementos. A través de un posicionamiento irreductible, cuyo principal cometido consiste en convertir inframundos en celuloide situado fuera del tiempo y, por tanto, percibido como rara avis dentro del actual panorama cinematográfico, su naturaleza restringida a una gran audiencia justifica la existencia de los festivales de cine. Otro sospechoso habitual de Sitges como Marco Dutra, ahora sin la compañía de Juliana Rojas, Trabalhar Cansa (2011), As boas maneiras (2017), regresaba al festival con Bury Your Dead, cinta que posa su mirada sobre el concepto premonitorio del apocalipsis, aquí intuido como político, resaltando el estado del fantástico actual y la demagogia de tono social que parecen ser tendencia, por mucho que su desaforada parte final nos retrotraiga a supuestos imaginarios lovecraftianos representados por doquier a causa de unos desmedidos efectos CGI.
A Different Man
En otro orden de cosas, A Different Man de Aaron Schimbergvino a cubrir la cuota y señas de identidad de la productora de moda A24 mediante una interesante propuesta que indaga en miradas alternativas e identidades difusas en lo concerniente al concepto del doppelgänger, a través de un desarrollo que va de la comedia satírica, con un agraciado tono woodyallenesco, al drama incómodo de reflexiones existenciales y metacinematográficas deudoras del cine de Charlie Kaufman, terminando con un tímido acercamiento al género de terror. Una película que pone de manifiesto una moda, con relación a gran parte del cine independiente norteamericano actual, Beau Is Afraid (2023), Dream Scenario (2023), que abraza como algo habitual el concepto weird a modo de motor narrativo a la hora de abordar oscuros traumas y los matices derivados de ello. Menos satisfactoria resultó la ópera prima de la realizadora Isabella Torre Basileia, extensión de su cortometraje Ninfe (2018), compartiendo trama como una suerte de cara b de la reciente La chimera. Un eco-thriller, situado a medio camino entre lo sobrenatural y lo antropológico, con reminiscencias mitológicas, que reafirma la idea de cierto cine italiano que ha tenido en estos últimos años serios problemas a la hora de vagar por un fantástico de tono pretencioso. Aquí, a diferencia del film de Alice Rohrwacher, queda en evidencia como consecuencia de un cuestionable intento por integrar lo puramente genérico con una ambientación realista. Más interesante fue la cinta polaca Night Silence, película que nos muestra la deriva mental, de tono lovecraftiano, de un octogenario que ingresa en una residencia de la tercera edad. Bartosz M. Kowalski, que ya había incidido con anterioridad en el concepto del miedo desde distintas perspectivas, Playground (2016) o El abismo del infierno (2020), se adentra a través de una serie de irrealidades en la sorprendente subjetividad del personaje, que orbita por un inframundo y una percepción, abandono/muerte, ya mostrada en la fundamental Twilight Zone con el episodio Nothing in the Dark de Lamont Johnson, historia que años más tarde reconfiguraría Steven Spielberg con su adaptación cinematográfica Kick the Can. Propuesta inusual, principalmente por su enfoque poco dado a la concesión conceptual de un temario intuido como poco receptivo para el actual fandom del fantástico.
Francia, entre el riesgo conceptual y el contenido autoimpuesto
Else
Pese a diversas vicisitudes de índole coyuntural, en Sitges aún hay espacio para el auténtico descubrimiento de nuevas autorías, como la del realizador francés Thibault Emin, cuya ópera prima Else, el más acertado body horror de este 2024, nos traslada a imaginarios apocalípticos fascinantes. Partiendo del concepto de la ocupación del espacio entre dos personajes, con un punto de inicio deliberadamente kitsch que nos puede conducir a rasgos estilísticos propios de Amélie de Jean-Pierre Jeunet, el relato se centra en la expansión de un nuevo tipo de pandemia en la que vemos a los infectados fundirse con su entorno, a tal respecto hay una secuencia aterradora en la que un grupo de personas intenta rescatar a un hombre que se fusiona con una acera. Un virus que no solo nos aísla de los demás, sino que también recontextualiza la relación entre nosotros y nuestro entorno, con un desarrollo metódico, plagado de referencias asimiladas del cine de Shinya Tsukamoto, David Cronenberg o de Polanski en Le locataire, mostrando el alucinatorio contagio emocional y corporal de una pareja. Como debut y experiencia cinematográfica con escenas tan potentes cargadas de una hipersensibilidad atmosférica poco común, por ejemplo, cuando la pareja protagonista durante la relación sexual se amalgama con organismos en descomposición que orbitan por el apartamento; la ambición de Thibault Emin, autor a seguir con determinación a partir de este momento, resulta realmente admirable. Bastante menos interesantes resultaron las restantes películas francesas presentes en la Sección Oficial, por un lado, Meanwhile on Earth puso de manifiesto que Jérémy Clapin se desenvuelve mejor en el ámbito de la animación, Palmipedarium (2012), J’ai perdu mon corps (2019) que en una imagen real pretendidamente más críptica que aborda una serie de temas mucho más convencionales de lo que pueda aparentar en un primer momento, estos serían la perdida y la necesidad de pasar página, expuestos bajo los designios de un coming of age situado a medio camino entre la ciencia ficción y la psicología, que en su parte final se desvía hacia un nivel más visceral en la descripción del dolor de una joven que intenta superar la pérdida de su hermano mayor, un astronauta que hace años desapareció en el espacio exterior. Perspectiva y posicionamiento que sitúa el relato en el pantanoso terreno del género elevado, aquel en el que los tropos genéricos habituales de la serie B se insertan de forma algo abrupta en historias supuestamente más trascendentales.
De sorprendente podría calificarse la vuelta al terror low cost de David Moreau, realizador adscrito, de forma errónea, a la ola del extremismo francés de principio de la década del 2000 por su ópera prima Ils. Veinte años después regresa al fantástico con MadS, film que recurre a dos conceptos hoy por hoy percibidos como trillados: el subgénero zombie, aquí más cercano a los infectados vistos en Dèmoni (1985) o [REC] (2007) que a los muertos vivientes de la saga de George A Romero, y a un único plano secuencia, recurso cuyo constante movimiento aquí limita de forma evidente la puesta en escena, donde hay momentos en los que la película literalmente se detiene de forma accidental, dado su montaje interno, poniendo de manifiesto que pese al tono lúdico de la propuesta, las formas, en esta ocasión, dictaminan hasta la extenuación como será el contenido. Bastante peor paradas resultaron dos aportaciones en las que el fantástico, como simple escusa metafórica, tira de agenda y contenidos subvencionados, por un lado, Call of Water de la realizadora Élise Otzenberger nos muestra un drama familiar cuya brecha entre lo real y lo mágico se configura por medio de un tono premonitorio de algo sobrenatural que está por llegar; dicha narrativa, mejor expuesta en Take Shelter de Jeff Nichols a través de la conservación de la institución familiar ante la amenaza apocalíptica, aquí queda expuesta a modo de un rutinario alegato sobre los conflictos identitarios de la maternidad, o lo que es peor, por un trasfondo simbólico de apariencia líquida, subrayando la importancia de ser madre por medio de una liviana conexión espiritual con seres venidos de otro mundo. Por su parte, Planet B nos plantea una abrupta historia de activismo y ciencia ficción que nos sitúa en una prisión virtual en la Francia de 2039. A la realizadora Aude Lea Rapin parece importarle más la reflexión sobre una suerte de política distópica a cerca de los peligros del totalitarismo que las referencias y supuestas influencias genéricas, la serie The Prisoner o disfrutables series B como Wedlock (1991) o Fortress (1992), que se atisban en una película de naturaleza opaca, cuya adhesión a una determinada militancia concienciadora la acercan más a un episodio deficitario de Black Mirror, que a un relato de ciencia ficción cuyo propósito y discurso social se intuya convincente.
Hipercodificación del fantástico
Desert Road
Para terminar este primer análisis de todo lo visto en Sitges 2024, cuatro aportaciones procedentes de Estados Unidos en las que una serie de coordenadas genéricas parecieron estar mejor definidas; por una parte, el gratificante debut en la dirección de Shannon Triplett Desert Road, película que comienza a semejanza de uno de esos thrillers de carretera concebidos por Eric Red en los 80, donde vemos a un solitario personaje que se encuentra atrapado en una pesadilla que parece salida de la mente de Richard Matheson; dicho aislamiento es mostrado a través de tomas panorámicas y aéreas que muestran la inmensidad de un desierto vacío como un inhóspito no-lugar, para ir transformándose en un relato fantástico sobre realidades alternativas y paradojas temporales que mira sin disimulos a películas como Retroactive (Louis Morneau 1997) o Triangle (Christopher Smith 2009) donde la protagonista se enfrenta al tiempo de una forma literal y existencial, con la inclusión en su tramo final de un afortunado toque Amblin. Una agradable sorpresa, con relación a su asimilación/actualización de referencias genéricas. Si en 2016 con Outlaws and Angels J.T. Mollner revisitaba coordenadas contiguas al western, en el thriller psicológico con elementos de terror Strange Darling nos propone una doble alteración de determinados convencionalismos, por un lado, desestructurando el orden del relato, y por otro, jugando con el cambio de rol en relación con sus personajes; el objetivo, un poco a la manera de la notable In a Violent Nature (2024), donde Chris Nash le daba la vuelta al concepto del slasher con ayuda de la variación de la subjetividad del espectador, es tratar de descomponer las percepciones mediante una narrativa dislocada plagada de múltiples twists. Como mal menor, dicho posicionamiento no se intuye caprichoso, tampoco su inquietud formal de rodar en 35 milímetros y otorgar al relato distintos contrastes fotográficos, que van del realismo exacerbado del cine de terror de los 70, a una fotografía más contrastada e iluminada deudora del noir. Algo más cuestionable es que J.T. Mollner recurra en el tramo final a una serie de tropos, bastante obvios, de los géneros que anteriormente ha intentado subvertir.
Azrael
Tras su ópera prima Cheap Thrills (2013), E.L. Katz, junto al guionista Simon Barrett, presentaba en Sitges el survival Azrael, propuesta de carácter heterodoxo, que recoge ingredientes de exitosas narrativas postapocalípticas actuales como The Last of Us o la saga A Quiet Place, unido a algún apunte sobre el folk horror y presentando a Samara Weaving como nueva scream queen, que ejemplifica el concepto de relato de terror desprovisto de un significado profundo. Katz hace gala de su talento a la hora de escenificar secuencias de lucha y persecución, que es básicamente todo lo que sucede en Azrael, sin embargo, el entorno del bosque que subraya un sugestivo tono atávico, parece un recurso escénico redundante, al igual que una trama que se autoimpone una serie de restricciones, cero diálogos y una historia casi minimalista, algo que no deja de ser un aliciente y un lastre al mismo tiempo en una película de tono funcional, con serios problemas para ir más allá de su condición de lúdico ejercicio destinado a liberar tensión en el espectador. Como colofón del festival, Alexandre Aja, otro autor cuya trayectoria arranca en el denominado Extremismo Francés con la efectiva Haute tensión (2003), pero que a diferencia de su compatriota David Moreau sí ha tenido un posterior desarrollo totalmente adscrito al género con películas como The Hills Have Eyes (2006), Mirrors (2008) o The 9th Life of Louis Drax (2016), presentó Never Let Go, relato que parte de una premisa interesante, como el Mal, materia prima de casi todo el cine de terror, es inculcado por una madre a sus dos hijos en el seno de una familia que subsiste al margen de una sociedad de la que no tenemos constancia de su existencia. A tal respecto, la historia nos sitúa en un territorio abierto a la interpretación, ¿existe realmente un componente postapocalíptico/ sobrenatural que justifique la supuesta amenaza de un ente maligno, (The Shining Stanley Kubrick 1980), o todo se debe a una deriva mental provocada por el miedo al exterior, Kynódontas (Yorgos Lanthimos 2009), The Village (M. Night Shyamalan 2004)? Por último, lo más interesante de Never Let Go es su incursión en la suposición y el conocimiento, ambos elementos de forma irregular muy presentes en el fantástico actual, tanto en la reciente tendencia de los thrillers de aislamiento en tiempos de pandemia, como en el subgénero de las películas de terror que intentan ser sutilmente alegóricas. Hay muchas ideas en Never Let Go que quedan sin explorar,sin embargo, evitando reinventar nuevas fórmulas, la película se sitúa en un camino plagado de indecisiones, curiosamente acorde con la trayectoria que ha ido siguiendo Alexandre Aja durante los últimos años, un realizador cuya carrera, como aplicado artesano que es, queda en gran parte supeditada al material que le llega.
Seminario online en directo 30 de noviembre, de 10.30 a 14.30h
Presentación Sin duda, el alemán Werner Herzog es uno de los artistas cinematográficos más complejos y apasionantes de la actualidad. Con una obra que supera los sesenta títulos, entre films de ficción, documentales y telefilmes, Herzog empezó su carrera al calor del llamado “Nuevo Cine Alemán” —junto a Volker Schlöndorff, Rainer Werner Fassbinder, Margarethe von Trotta o Hans-Jürgen Syberberg—, convirtiéndose en uno de sus más destacados representantes gracias a películas como También los enanos empezaron pequeños (1970), Aguirre, la cólera de Dios (1972), El enigma de Kaspar Hauser (1974), Stroszek (1977) o Nosferatu, vampiro de la noche (1979). Posteriormente, a partir de Fitzcarraldo (1982), su constante deseo de experimentación y búsqueda de nuevos espacios cinematográficos y filosóficos —«Hay estratos muy profundos de verdad en el cine, una verdad poética, extática. Es misteriosa y esquiva, y solo se puede alcanzar a través de la invención, la imaginación y la estilización»—, le han llevado a reinventar el cine documental y el mismo cine de ficción, con Lecciones en la oscuridad (1992), La cueva de los sueños olvidados (2010), Teniente corrupto (2009) o Queen of the Desert (2015).
Objetivo Desarrollar la sensibilidad estética a través de la mirada de Antonio José Navarro.
Metodología El seminario se imparte en directo por videoconferencia. Se visualizan y comentan escenas de la filmografía de Herzog, seleccionadas por Antonio José Navarro.
Impartición Antonio José Navarro es crítico e historiador de cine, miembro de la Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC) y de la Asociación Española de Historiadores del Cine (AEHC). Ha escrito sobre cine en diversos medios como Dirigido por, Imágenes de Actualidad, Time Out Barcelona o El Periódico de Catalunya. Ha publicado diversos libros de cine como El imperio del miedo. El cine de horror norteamericano post 11-S (2016), Choque de titanes. 50 películas fundamentales sobre la Guerra Fría (2017), y la Guerra contra el Terror (2021) o El banquete infame. Representaciones del canibalismo en el cine (2022).
Al hilo de la reciente publicación de su ensayo Los pasadizos secretos para la colección «Breus del CCCB», la cineasta y programadora Elena Duque presenta un programa de animación experimental con piezas icónicas de diferentes estilos, épocas y procedencias, que dan una idea de la riqueza de este género.
En una de las definiciones de la animación más célebres y difundidas de la historia, Norman McLaren dice que «lo que pasa entre cada fotograma es mucho más importante que lo que hay en cada fotograma. La animación es por tanto el arte de manipular los intersticios invisibles que hay entre fotogramas». En esos intersticios invisibles, pasadizos secretos ocultos en las películas hechas fotograma a fotograma, se esconde el trabajo de quienes hacen animación, que se nos sustrae con el fin de crear esas imágenes en movimiento imposibles. Los pasadizos secretos. Apuntes sobre animación experimental, libro recientemente publicado en la colección «Breus del CCCB» al hilo del catálogo del Archivo Xcèntric, traza una historia del cine de animación en base a esta idea fijándose en la labor manual de las animadoras y animadores, personas poseedoras de un tipo de inteligencia singular capaz de ver las posibilidades infinitas que esos tiempos ocultos ofrecen.
Programa:
Ko-Ko’s Earth Control, Dave Fleischer, EE.UU., 1928, 35mm a digital, 8’; Wall, Takashi Ito, Japón, 1987, 16 mm, 7’; Hus, Inger Lise Hansen, Noruega, 1997, 16 mm, 7’; Persian Pickles, Jodie Mack, EE.UU., 2012, 16 mm, 3’; The Dante Quartet, Stan Brakhage, EE.UU., 1987, 16 mm, sin sonido, 6’; Recreation, Robert Breer, EE.UU., 1957, 16 mm, 2’; Frank Film, Frank y Caroline Mouris, EE.UU., 1973, 16 mm a digital, 10’; Bang!, Robert Breer, EE.UU., 1986, 16 mm, 10′; Selfportrait, Maria Lassnig, Austria, 1971, 16 mm a digital, 4′, VOSC.
Proyección en 16mm y digital. Copias procedentes de Light Cone excepto Selfportrait (Sixpackfilm), Ko-Ko’s Earth Control y Frank Film.
Notas del programa:
Max y Dave Fleischer fundaron un estudio de animación en los años veinte, aplicando una imaginación sin par a su serie Out of the Inkwell, protagonizada por un payaso llamado Koko que se escapa del tintero del dibujante. Esta mezcla del mundo real y el animado ofreció a los hermanos oportunidades para desarrollar su ingenio. En «Ko-Ko’s Earth Control» vemos cómo la mano del dibujante hace nacer al dibujo animado, en un trabajo que termina siendo inusitadamente vanguardista: no solo prefigura un fin del mundo climático, sino que se adelanta a los flicker films, ofrece un ejemplo primigenio de animación de collage y hasta emplea la pixilación, una forma de animación que usa seres humanos. Si la mano del creador en pantalla sirve a los Fleischer para unir sin fisuras la imagen real y la animada, en el caso de Wall, de Takashi Ito, sirve para revelar el «truco» de la película sin por ello anular su magia. Ito crea espacios imposibles refotografiando cuadro a cuadro fotografías fijas impresas en papel, manipulando así la geometría de las calles y edificios a su antojo.
Moldear el mundo a gran escala, hacerlo bailar un baile nuevo, es lo que hace Inger Lise Hansen en Hus. Animando una cabaña de madera a escala real en el desierto californiano, Hansen introduce otro elemento que revela su intersticio invisible: la luz natural, cuyo movimiento nos hace tomar consciencia del paso del tiempo al animar. Usando también elementos de la realidad, emprendemos un viaje hacia la abstracción. Jodie Mack crea películas estroboscópicas con elementos domésticos y populares como encaje, telas estampadas, mantas y tie dye. En esta ocasión, el estampado de «bacterias» o paisley, un cliché de la moda de los sesenta, le sirve para crear un trabajo rigurosamente plástico (que también juega con el sonido) que a la vez reflexiona sobre esta cultura de la mercancía barata, los deshechos del capitalismo y la división entre el Arte con mayúsculas y lo vulgar y cotidiano. Esta abstracción hecha con materiales de uso tiene que ver con la pintura, al igual que una de las películas pintadas más importantes de Stan Brakhage: The Dante Quartet. En este caso, el trabajo material se vuelca sobre la tira de película que Brakhage pinta con inspiración del expresionismo abstracto y de su investigación de los mecanismos de la visión, en un momento en el que su técnica se refina también gracias al trabajo posterior en impresora óptica.
Robert Breer, originalmente pintor, también se dedica a experimentar con la percepción, y en concreto a lo que ocurre con la rápida alternancia de fotogramas dispares. En la ráfaga veloz que es Recreation, Breer comprime trozos de cartulina, pintura, herramientas, guantes y hasta trozos de pan que se funden en un collage creado en nuestros propios ojos. La abstracción va volviendo al mundo real, y a las posibilidades azarosas de la combinatoria de fotogramas sobre la percepción. La animación de collage, de la que Breer es pionero, es lo que usan Frank y Caroline Mouris en la acumulación obsesiva de recortes de objetos similares clasificados de acuerdo a un hilo autobiográfico, el de Frank, en el que habla de su encuentro con la animación al tiempo que dibuja un retrato de los Estados Unidos consumistas de la postguerra a través, precisamente, de los anuncios coloridos de esos objetos que prometían felicidad y bienestar.
Con los años, la experimentación rigurosa de Breer se va fundiendo en una combinación alquímica perfecta con un componente personal casi diarístico. En Bang!, Breer recupera sus dibujos y obsesiones de infancia en una película en la que caben momentos de flicker, «continuidad discontinua», rotoscopia, crisis existenciales y teléfonos con patas. Y justamente esa capacidad de la animación para expresar lo inexpresable es lo que nos ofrece nuestro último pasadizo secreto: los muy particulares «dibujos animados» de la pintora austriaca Maria Lassnig, que en este autorretrato nos confía los pensamientos y sentimientos particulares y específicos de una mujer volcada en el trabajo creativo.
Fecha. 24 noviembre 2024
Horario. 18.30
No se podrá acceder a la sala una vez empezada la proyección.
Dirigida por Arturo Ruiz-Castillo, esta crónica de la España negra fue una de las primeras adaptaciones cinematográficas de la obra de Antonio Machado
FlixOlé recupera la película maldita del cine español: La Laguna Negra (1952), la historia de un terrible crimen con la que el también olvidado director, Arturo Ruiz-Castillo, enseñó el lado más oscuro de un país marcado por la envidia y la violencia. Restaurado en los laboratorios de la plataforma, este título invisibilizado durante décadas se estrenará en su catálogo el próximo viernes, 8 de noviembre. Previamente, en colaboración con Filmoteca Española, el filme se podrá ver en el cine Doré el miércoles, 6 de noviembre, en un pase que tendrá lugar en la Sala 1 a las 21:00 horas y en el que intervendrá el representante de FlixOlé, Miguel López.
FlixOlé rescata así la que es una de las primeras adaptaciones de Antonio Machado, presentada en las salas de cine en la dictadura franquista. Hablar entonces del literato de la Generación del 98 resultaba peliagudo. Más aún si quien lo hacía tuvo vínculos con el entorno republicano durante la contienda, como fue el caso de Ruiz-Castillo. Pese a ello, el realizador se aventuró a llevar el romance La tierra de Alvargonzález (incluido en el poemario Campos de Castilla) a la gran pantalla para representar la cultura popular y leyendas del interior peninsular.
Bajo el título La Laguna Negra, el director se sumergió en los versos machadianos y extrajo un oscuro y brutal drama. En la serranía de Urbión, los hermanos Martín (José María Lado) y Juan (Tomás Blanco), instigados por la mujer del primero, Candelas (Maruchi Fresno), acaban con la vida de su padre y hunden su cadáver en el lago para heredar su hacienda. Vecinos y autoridades sospechan que tras la desaparición del hombre están implicados sus vástagos, quienes culpan de ello a un inocente buhonero.
El espíritu del difunto persigue a Juan, cuyo sentimiento de culpa comienza a poner nerviosos a Martín y a su esposa, mientras una maldición parece caer sobre las tierras y vidas de todos ellos. Miguel (Fernando Rey), el menor de los tres hermanos regresa a su hogar después de hacer fortuna en las américas. El joven y rico indiano intentará desvelar las incógnitas en torno a la desaparición de su progenitor con la ayuda de Ángela (María Jesús Valdés), mujer de Juan y con quien tuvo una relación en el pasado.
Crónica de la España negra
Como ya hiciera Machado en su romance, Ruiz-Castillo construyó una crónica de la España negra que intercalaba el costumbrismo con pasajes bíblicos, conviviendo las romerías, casas labriegas y habladurías de los lugareños con el castigo divino para aquellas gentes a las que corroe la envidia (la sangre de Caín). Los personajes se desenvuelven de esta manera en un clima de suspense constante, donde el odio, la avaricia y la crueldad afloran entre escarpadas cumbres.
Para lograr la ambientación lúgubre que impregna la cinta, el rodaje se trasladó a las tierras que inspiraron las estrofas del poeta (cambiando los Picos de Urbión por la Sierra de Gredos). Ello implicó el hospedaje del reparto, técnicos y ayudantes en refugios de montaña, lo que conllevó además numerosas horas de viaje en autocar e, incluso, a caballo de todo el equipo.
Al arduo trabajo que contribuyó a acercar el áspero y hostil paisaje se sumó la solvencia técnica para narrar el que, hoy en día, es uno de los pocos ejemplos cinematográficos de la poesía castellana. En plena madurez creativa, el director desplegó todo un abanico de recursos con los que transmitió la mirada amarga de un país al que la violencia había sacudido ferozmente con sus luchas civiles.
Una joya oculta del cine español
Esta rareza del cine de la época contó con numerosas dificultades hasta ver la luz, comenzando por su filmación, la cual se retrasó dos años debido a cuestiones económicas. No exenta de roces con la censura, integrantes de la Junta de Clasificación mostraron su disconformidad respecto al contenido del largometraje, llegando incluso a tachar de “desagradable” el guion; paradójicamente, elogiaban la calidad de la cinta. Finalmente, ésta se estrenó de tapadillo en algunas provincias españolas, y no llegó a las salas de la capital hasta un año después de concluir el rodaje.
La discreta acogida del título en sus inicios, así como la ausencia del mismo en la historia del séptimo arte español, convirtieron a La Laguna Negra en una joya oculta del audiovisual. Una situación que también experimentó el propio Ruiz-Castillo, quien ha quedado como uno de los cineastas malditos del panorama nacional. Ello a pesar de haber formado parte de la denominada generación de ‘renovadores’ (integrada por realizadores como José Antonio Nieves Conde, Manuel Mur Oti y Antonio del Amo) que optaron por hacer un cine de marcada preocupación social y estéticamente vanguardista, distanciándose así de las comedias blancas, películas folclóricas y epopéyicas que promovía el franquismo.
Con la incorporación de la renovada versión de La Laguna Negra al catálogo de FlixOlé, la plataforma pone a disposición del público una obra de difícil acceso al tiempo que confía en traer a la memoria al autor del filme y continuar con su decidida apuesta por dar a conocer las mejores películas españolas restauradas en una calidad de imagen y sonido inmejorables.
Del 20 al 28 de septiembre del 2024 tuvo lugar la 72ª edición del Festival de San Sebastián, un certamen marcado por su ambivalente condición de festival de festivales, y las vicisitudes que se derivan de todo ello. Asumiendo la difícil tesitura de situarse al final del escalafón de los certámenes de categoría A, aún así, la edición del 2024 del Zinemaldia logró finalmente ese ansiado equilibrio entre asentados apartados alternativos como New Directors, Perlas o Zabaltegi-Tabakalera, y una Sección Oficial que esta vez cumplió con relativa solvencia, con relación a la calidad ofrecida respecto a pasadas ediciones.
La presencia en la Sección Oficial de autores consagrados como Costa-Gavras, Mike Leigh (con la extraordinaria Hard Truths, ausencia inexplicable en el palmarés), Kiyoshi Kurosawa, Albert Serra o François Ozon, unido a una valiente, y algo inusual apuesta por el cine genérico con títulos como Conclave, El llanto, Serpent’s Path y el musical postapocalíptico The End fueron fundamentales para convertir la edición del 2024 en un certamen consistente con relación a autorías solventes y una serie de contenidos más arriesgados, que lograron una suerte de equilibrio en lo concerniente a la equiparación de temáticas y calidad artística; sin embargo, hubo otra serie de títulos percibidos de manera aislada, y sujetos a unas determinadas cuotas cinematográficas, como por ejemplo, la muy cuestionable presencia de cine latinoamericano, con producciones de una calidad controvertida, como El lugar de la otra, El hombre que amaba los platos voladores, o la película española Soy Nevenka, que difícilmente encajaban en la Sección Oficial.
El gran logro de esta 72ª edición del Zinemaldia, destacando por encima del resto, por su esforzada y necesaria, hoy más que nunca, labor de seguir al pie del cañón, fue la retrospectiva clásica dedicada al ‘poliziesco’ italiano, un ciclo compuesto por 22 títulos, acompañado de una interesante publicación a cargo del experto Felipe Cabrerizo. A continuación, y al igual que en pasadas ediciones, una primera crónica con los títulos presentes en la Sección Oficial, un segundo texto con el análisis pormenorizado de todo lo que dio de sí la Sección Perlas, y una última entrega de índole más periférica, navegando por diferentes secciones como New Directors, Zabaltegi-Tabakalera, Horizontes Latinos, Clásicos y Retrospectiva.
La mirada femenina
Fueron varias las propuestas donde el punto de vista de la mujer se erigió como eje cenital del relato, abriendo fuego, y como riguroso estreno mundial, la realizadora Audrey Diwan, que revisitaba conceptos con una nueva versión del clásico literario y cinematográfico Emmanuelle, adaptación del relato escrito en 1967 por Emmanuelle Arsan, que en esta ocasión versa sobre una historia donde la supuesta sutileza de lo estrictamente corporal del material original queda en un segundo plano a la hora de decantarse por un discurso de connotaciones políticas, aquí provisto de un tono estético aséptico, con una sorprendente indagación sobre el colonialismo, en relación con los roles y dinámicas de poder en el ámbito social y económico. Sin transgresión, ni una mirada distante sobre la exploración personal, todo queda en una estilizada ambigüedad, tanto a nivel narrativo como de puesta en escena. Como punto a su favor hay que reconocer que la responsable de L’événement no recurre a temáticas rupturistas del presente, sin embargo, la sensación final nos retrotrae 50 años a un tiempo y a un lugar donde Just Jaeckin y Sylvia Kristel sí tenían claro cuál era el propósito de su empresa. De vacíos emocionales también gira la notable Hard Truths, casi una tesis fílmica sobre los efectos causados por la amargura y la frustración en el individuo, donde observamos a una Marianne Jean-Baptiste en guerra con el mundo, una mujer con serios problemas de convivencia con la sociedad y que vomita su ira contra todo lo que la rodea. Relato magníficamente actuado, con un último tercio que cambia de tono, al centrarse en lo disfuncional, y el dolor psíquico y físico, y, en especial, cómo la existencia de uno, por muy gris que sea o se intuya, converge en la forzada existencia del otro en diversas ocasiones. Mike Leigh, cineasta de enorme talento nos brinda una de las películas más honestas presentes en el festival. Bastante más discutible resultó la chilena El lugar de la otra. La realizadora Maite Alberdi que venía de trabajos de no ficción como El agente topo y La memoria infinita, se adentra por primera vez en texturas propias de una telenovela de época de tono generalista basada en hechos reales, a través de una película donde de nuevo el contenido, la emancipación y liberación femenina en un mundo de ahora se mira en otro del pasado. Un manifiesto que se enmarca de manera muy forzada por encima de lo estrictamente cinematográfico, resultando un producto donde la reiteración de situaciones banales perfila una autoría demasiado convencional con relación a la caprichosa exposición que hace de sus subrayados.
Otra recreación de un caso real fue Soy Nevenka de Iciar Bollaín, película donde se exponen dinámicas de acoso, de indefensión, y el clima de presión social de la España profunda de principios de siglo, el problema viene dado cuando reiteradamente se confunde la potencia de la temática expuesta con una calidad artística que no deja de ser otra que la de ceñirse a unos hechos concretos, y cómo a partir de ellos, elaborar un discurso de denuncia de tono bienintencionado, dando como resultado un relato de estructura demasiado académico que da la impresión de confiar más en aquello que cuenta, que en cómo lo cuenta, por momentos a la manera de un telefilm al uso, dando la impresión de estar ante un producto empático, pero carente de profundidad a la hora de abordar la situación y que va más allá de un relato supeditado a una pátina visual percibida como muy plana. Por su parte, la realizadora Gia Coppola se adentra en imaginarios crepusculares con The Last Showgirl, crónica del final laboral y existencial de una veterana bailarina de cabaret, interpretada por Pamela Anderson en un local de Las Vegas que está a punto de cerrar. Cinta con un evidente contenido metalingüístico, parcela en la que también entraría en la ecuación el papel secundario de una notable Jamie Lee Curtis, que vendría a ser una cara B del The Wrestler de Darren Aronofsky, cuando muestra la historia de vulnerabilidad y declive, que brilla en lo concerniente a la construcción de un determinado ambiente que retrata un mundo que se desmorona, a través de un componente meramente contemplativo y visual, en detrimento del desarrollo de un arco dramático que otorgue una supuesta profundidad psicológica a sus personajes. Por otra parte, François Ozon volvía al Zinemaldia con Quand vient l’automne, relato de clara índole otoñal que juega al despiste cuando utiliza diversos géneros cinematográficos que van desde la comedia negra al thriller para terminar en un drama familiar donde ninguno de sus protagonistas es exactamente quien parece ser en un principio. Película en apariencia pequeña, pero poseedora de una percepción interesante que aborda la necesidad de las segundas oportunidades y la culpa intergeneracional, todo expuesto a través de un tono costumbrista de calidez ambiental que viene a decir “cuando el invierno y la mortalidad llaman a la puerta, el pasado y sus conflictos sólo importan hasta cierto punto”.
El género avanza
En un intento por diversificar conceptos, un buen número de películas que transitaron a través de coordenadas genéricas bien definidas, estuvieron este año presentes en la Sección Oficial a concurso, a tal respecto, el terror tuvo una presencia notable en el festival con la ópera prima de Pedro Martín-Calero El llanto, película que revisita con determinación una serie de reconocibles conceptos del fantástico contemporáneo, la mayoría derivados del J-Horror, a la hora de mostrar a través de distintos espacios temporales, un virus espectral trasmitido y heredado que es visualizado a través de lo analógico y lo digital. Algo más discutible resulta su indecisión a la hora de decidirse por lo puramente genérico o lo social, dos vías percibidas de manera equidistante en la película, ya que el relato incide en conceptos costumbristas poco habituales en el terror, sobre todo en un tramo final donde se atisba un tímido intento de interpretación con respecto a la violencia machista y sus efectos en el imaginario femenino a través de una dubitativa carga metafórica. Por otra parte, el musical tuvo su espacio en el certamen con el nuevo trabajo tras las cámaras de Joshua Oppenheimer, en su primera aproximación a la ficción, la fascinante y agotadora The End, una oscura y pesimista fábula postapocalíptica que nos sitúa dos décadas después del fin del mundo, a través de las vivencias de una familia que vive en su lujoso búnker construido en una mina de sal, mediante una historia que trata sobre cómo los privilegiados lucharán en el futuro por vivir consigo mismos y sus correspondientes traumas, como consecuencia de lo sucedido. Lo más sorprendente del film posiblemente radique en los números musicales que constituyen en la trama los únicos momentos de fugas disociativas (de tono esperanzador) de sus protagonistas mediante una propuesta formal y conceptual de indudable riesgo.
En Serpent’s Path, terrible historia criminal sobre la negación de la culpabilidad y el círculo vicioso ocasionado por la venganza, donde la acción se sitúa primero y la explicación después, el japones Kiyoshi Kurosawa, en su tercer trabajo tras las cámaras en 2024, tras la extraordinaria Chime y la no menos interesante Cloud, reconfigura conceptos ya transitados con anterioridad por él mismo en el V-Cinema, siendo más una especie de relectura que un remake entendido como tal, para ponernos en contexto algo parecido en conceptos al segundo Funny games de Michael Haneke, sin dejar de experimentar formatos y propósitos, en relación con un material propio rodado en el año 98 con el título homónimo de Hebi no michi. Son pocos los autores que acumulan suficiente experiencia, talento y buena voluntad, como para hacer una revisión conceptual de su propio trabajo, siendo aún menos los que hacen algo que valga realmente la pena en dicho proceso, Kiyoshi Kurosawa es uno de ellos, ofreciendo una obra, en apariencia algo menor dentro de su filmografía, pero que se sitúa muy por encima del resto de autorías de la actualidad. Por su parte, la entretenida y por momentos solvente Conclave de Edward Berger, funciona relativamente bien cuando recurre a coordenadas genéricas cercanas al thriller conspirativo religioso, también en la manera de articular una narrativa meramente funcional y efectista a modo de adaptación de un best-seller de éxito, siendo posiblemente su punto fuerte el uso de simbologías y liturgias católicas como elementos perturbadores, precisamente en un año en el que el terror religioso ha estado muy presente en las carteleras cinematográficas con interesantes propuestas de género de terror como The First Omen o Immaculate. Es una lástima que su desenlace donde la realidad, y un cierto oportunismo y teatralidad, con relación a su función de denuncia y alegoría de lo que sucede hoy por hoy, termine por anular toda esa fascinante ficción que es mostrada a través de una serie de manierismos que hacen hincapié en el complot de una secta oscurantista, y sus perturbadoras dinámicas de poder. Bastante menos satisfactoria resultó El hombre que amaba los platos voladores, trabajo que confirma el bajo nivel de calidad del cine latinoamericano presente este año en la Sección Oficial, que nos muestra una historia que recrea un caso mediático sobre ufología ocurrido en la Argentina de 1986. Su director, Diego Lerman, transita con cierta indeterminación, y una ambigüedad algo tosca, entre el homenaje tragicómico y la burla o parodia de un personaje que busca la compasión del espectador, por poner un ejemplo, presenta cierta semejanza al recurso utilizado por Tim Burton en la fundamental Ed Wood. Es una pena que no profundice más allá de su mirada nostálgica e inocente en ciertas ideas y conceptos que parecen orbitar por la historia, el más evidente sería la manipulación de los medios, el poder mitómano de las fake news o la potestad de crear una ficción de la nada más absoluta.
La mirada autoral
Suele ser bastante habitual en las últimas ediciones del Zinemaldia que exista, sin haber una determinada razón que lo justifique, una temática, en general, poco amable para el espectador, presente de una forma recurrente en un buen número de películas. Este año varias propuestas indagaron sobre la mirada al moribundo, los cuidados paliativos, la legalidad de la eutanasia o el derecho a morir dignamente. En la cinta china Bound in Heaven, opera prima de la veterana guionista Xin Huo, (Premio FIPRESCI, Premio del Jurado – Mejor fotografía), se retrata una historia de amor y huida entre un enfermo terminal y una mujer atrapada en un círculo de violencia doméstica, a través de un relato donde se percibe un curioso y delicioso toque de rareza en una estructura que da la impresión de querer reconfigurar coordenadas adyacentes a un melodrama de carácter comercial, de consiente tono desbordado, en contraposición a una mirada incisiva sobre diferentes núcleos sociales de un país y su compleja transición, aquí expuesta mediante la economía narrativa de una historia primaria, y en especial, a través de unos conceptos meramente estéticos de espacios y escenografías urbanas, cuyo decadente y pesimismo lirismo nos remite, para bien, a una serie de virtuosismos claramente deudores del cine de Wong Kar-wai. Por su parte, el veterano cineasta Costa-Gavras ofreció una mirada concisa sobre la muerte en Le dernier souffle, adaptación de un libro de Régis Debray y Claude Grange, que brinda un dialogo abierto que se establece entre un médico responsable de una unidad de cuidados paliativos y un escritor, a modo de reflexión filosófica abierta a distintos posicionamientos, físicos y emocionales, sobre cómo encarar el trayecto final de la vida. No es la primera vez que el responsable de Missing recurre a formatos, que en mayor o menor medida, circulan alrededor de la no ficción, aquí de índole episódica a través de una serie de pensamientos y vicisitudes de naturaleza subjetiva, contadas a modo de flashbacks, pero dirigidos desde la vertiente pedagógica, cuya mayor virtud se puede apreciar en la honradez derivada de la sencillez de una propuesta que evita cualquier atisbo de sensacionalismo con relación al concepto de hacer soportable lo inaceptable.
Otra propuesta que orbita sobre el fin de la existencia fue el nuevo trabajo tras las cámaras de Pilar Palomero, Los destellos, película basada en la novela de la escritora vasca Eider Rodríguez, que viene a ser una especie de celebración de la vida, un carpe diem que entra en escena cuando asoma la muerte. Propuesta austera y contenida que no recurre, al igual que Le dernier souffle, aunque de manera distinta, a aspavientos emocionales de tono exhibicionista. Sin embargo, en la película existe un conflicto bastante evidente, al igual que sucede en muchas películas españolas de la actualidad , focalizado en imágenes que no terminan de dar un sentido a sus innumerables silencios que aquí giran alrededor de la muerte, y cómo la asumen sus allegados, un enunciado finalmente mostrado como una especie de búsqueda hacia una armonía final, una supuesta belleza del duelo, tesis, por cierto, significativamente mejor expuesta en la denostada Morir de Fernando Franco.
Como conclusión, dos interesantes largometrajes de la Sección Oficial que curiosamente incurren en una constante reiteración de conceptos a nivel formal y escénico, por un lado, la estimable ópera prima de la realizadora Laura Carreira, On Falling, película que retrata un mundo de tristeza y agotamiento, diferente al mostrado por Mike Leigh en Hard Truths, que inevitablemente queda emparentado con el cine social de Ken Loach, por aquello de retratar la precariedad laboral en Reino Unido, integrando en el relato un fuerte componente emocional que, sin embargo, y por fortuna, no concluye con la consabida reivindicación/denuncia tan habitual en los trabajos del director británico, sino más bien con una reflexión, de indudable rigor formal, sobre la alienación y soledad de la clase baja trabajadora, personificada en la historia de una joven mujer portuguesa que vive y trabaja, casi como un autómata en un gran almacén de Escocia. Lo mejor de On Falling posiblemente provenga de las ausencias, las relativas a un tipo de cine intuido hoy en día como trillado dada su saturación, especialmente en las referidas a las catarsis, los subrayados, o aspavientos derivados de un realismo víctima del capitalismo devorador, poniendo sobre la palestra cómo probablemente el mejor cine social actual proceda de su apuesta por la contención. Con respecto a Tardes de soledad, merecida Concha de Oro a la Mejor Película, Albert Serra ofreció un gran debate sobre el poder de observación de un documental sobre la liturgia taurina, de incuestionable valor antropológico, y cercana en espíritu a las fundamentales Lejos de los árboles de Jacinto Esteva o La sangre de las bestias de George Franju, sobresalió por su calidad y su interés, muy por encima del resto de propuestas, supuestamente de contenido trascendente, vistas en la Sección Oficial a concurso. A tal respecto, asistimos a un trabajo que no tiene intención de establecer ningún tipo de discurso sobre el temario por el que transita, si acaso éste vendrá a posteriori de la mano del espectador, el propósito de Serra es ofrecer una mirada frontal a modo de fresco sensorial, de reconocibles connotaciones atávicas, donde solo hay espacio para el toro y el torero, Andrés Roca Rey. No es osado asegurar que una gran parte del cine orquestado por parte del responsable de Liberté, se sitúa con frecuencia al otro lado de un lenguaje entendido como convencional, rozando en ocasiones lo puramente fantástico, con relación a un tipo de autoría que crece a través de sus propias disquisiciones, y es en este aspecto donde Tardes de soledad se erige como una película de indudable valor artístico, invitando a debates que van mucho más allá de antagonismos elementales.
La nominada al Óscar Andrea Riseborough («To Leslie») y Domhnall Gleeson («Cuestión de tiempo») viven una conflictiva relación de 16 años en esta serie antirromántica de Victor Levin.
Filmin estrena el próximo 29 de octubre, en exclusiva en España, «Alice y Jack» una miniserie de 6 episodios protagonizada por dos pesos pesados de la interpretación británica: Andrea Riseborough, nominada al Óscar por su papel en «To Leslie» y vista en títulos como «Mandy» o «Possessor», y el irlandés Domhnall Gleeson, que se dio a conocer en la saga «Harry Potter» y ha participado en películas como «Ex Machina» o «Una cuestión de tiempo». Ambos son, respectivamente, Alice y Jack, cuya relación de pareja, repleta de altibajos, errores y desencuentros, conocemos en la serie a lo largo de 16 años. Victor Levin, productor de «Mad Men» y director de películas como «La boda de mi ex» o «5 a 7», es el creador y guionista de una serie dirigida por el camboyano Hong Khaou («Lilting») y el finlandés Juho Kuosmanen («Compartimento Nº 6»). Curiosamente, Riseborough y Gleeson ya habían sido pareja en la ficción, en la película de 2010 «Nunca me abandones».
Hay algo muy especial en el tono de tragicomedia romántica que adquiere «Alice y Jack» basada en una premisa muy alejada del cánon estadounidense del género. Aquí los personajes buenos también pueden ser malos, cometer errores, hacerse daño y actuar de manera mezquina en ocasiones. «Tanto Alice como Jack toman decisiones que resultan ser equivocadas, objetivamente incorrectas. Se dan cuenta de ello y se adaptan e intentan hacer las cosas bien, pero no son perfectos, están lejos de ser perfectos«, explica Levin. Ese carácter bipolar se apodera también del tono de una serie en la que la comedia y el drama conviven, a veces de manera conflictiva: «Todos intentamos que el drama fuera divertido y la comedia seria. Todos intentamos ser reales en ese sentido y entender que la vida es muy a menudo divertida y seria al mismo tiempo. Y a veces, en los momentos más tristes, se dicen las cosas más divertidas y viceversa, así que queríamos que el diálogo reflejara eso«, afirma el creador.
Levin define «Alice y Jack» como «una historia de amor inusual«: «No creo que se ajuste a la fórmula a la que algunos espectadores pueden estar acostumbrados y a la que yo ciertamente estaba acostumbrado. Habla sobre el caos del amor, las dificultades que conlleva y la necesidad de luchar por el amor de una manera que quizás otras historias no acentúan tanto«, expone. La serie tiene momentos inolvidables pero hay un gran punto de inflexión en el episodio 3 durante la celebración de una boda. Una escena memorable que protagoniza Domhnall Gleeson al pronunciar un discurso improvisado y desgarrador. «Puedo decirte que esa es quizás mi escena favorita de la serie«, afirma Levin: «Me encanta lo que Domhnall hace allí, y me encanta lo que Andrea hace allí. Es difícil porque el personaje no ha escrito el discurso; lo toma por sorpresa, y no sé a ti, pero si alguien me pidiera que me levantara y diera un discurso en una boda, agradecería que me avisara con un par de días de antelación«.
En el reparto encontramos a otros intérpretes como Aisling Bea («Chivalry»), Aimee Lou Wood («Sex Education») o Ella Bruccoleri («Strangers: Capítulo 1»), entre otros.
La feria de las sombras es una obra colectiva que indaga en la fascinante relación entre el cine de terror y los circos, las ferias y los espectáculos ambulantes. Son espacios cuya apariencia festiva oculta secretos inquietantes y personajes turbadores y que han servido de telón de fondo para historias surgidas de los rincones más oscuros de la imaginación. Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro, la presente obra ofrece una rica reflexión sobre cómo el terror —y también el melodrama— han trasladado ciertos espectáculos nómadas a la gran pantalla para mostrar el rostro más turbio de la condición humana.
Mònica García Massagué, Pepe Aracil Sáez, Jorge Loser, Xavi Sánchez Pons, Lluís Rueda, Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro nos proponen un sugestivo recorrido por los filmes más emblemáticos que abordan la materia. Un universo de impostación y barracones poblado de seres inadaptados, híbridos, freaks, payasos, ilusionistas y magos. El libro también analiza la evolución de la temática circense y de ferias y su influencia en la mercadotecnia y la publicidad, así como su evolución en las ficciones más modernas: del Grand Guignol a los parques de atracciones. Esta publicación supone una exploración esencial para cualquier amante del cine y del terror que desee descubrir los horrores que se ocultan tras las iluminadas barracas de feria y el colorido espectáculo bajo la gran carpa.
Descrito por muchos como un estilo de cine lo más parecido a un Woody Allen de la época dorada, el francés Emmanuel Mouret, tras su anteriores y estupendas Les choses qu’on dit, les choses qu’on fait (2020) y Chronique d’une liaison passagère (2022), vuelve a indagar en las relaciones sentimentales y dilemas morales con Trois amies, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. Presente en la Sección Oficial de la pasada edición del Festival de Venecia, y de momento sin noticias de una futura llegada comercial a nuestro país, Trois amies se estrenará en cines de Francia el próximo 6 de noviembre.
En Trois amies vemos como Joan ya no está enamorada de Victor y sufre por no estar siendo honesta con él. Alice, su mejor amiga, la tranquiliza asegurándole que ella misma no siente pasión por su pareja Eric y sin embargo su relación va viento en popa. Ella ignora que él tiene una aventura con Rebecca, su amiga común… Cuando Joan decide finalmente dejar a Victor y este desaparece, las vidas y las historias de las tres amigas dan un vuelco.
La película, con guion a cargo del propio Emmanuel Mouret junto a Carmen Leroi, está protagonizada por Camille Cottin, Sara Forestier, India Hair, Grégoire Ludig, Damien Bonnard, Vincent Macaigne y Eric Caravaca.
Acaba de ver la luz de la mano de Warner Bros. un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial de Juror #2, thriller judicial que supone el último trabajo tras las cámaras del veterano e incombustible Clint Eastwood (94 años) que llegará a los cines de nuestro país el próximo 31 de octubre de 2024.
En Juror #2, película número 38 del legendario director, vemos como Justin Kemp, un hombre de familia que, mientras forma parte de un jurado en un juicio por asesinato de alto perfil, se encuentra luchando con un serio dilema moral… uno que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al asesino acusado.
La película, con guion a cargo de Jonathan Abrams, esta protagonizada por Nicholas Hoult, Toni Collette, J.k. Simmons, Chris Messina, Gabriel Basso, Zoey Deutch, Cedric Yarbrough, Leslie Bibb, Amy Aquino, Adrienne C. Moore y Kiefer Sutherland.
Orloff y el hombre invisible (La vie amoureuse de l’homme invisible, Pierre Chevalier, 1971). Int.: Howard Vernon, Brigitte Carva, Fernando Sancho. Francia. 35 mm. VOSE*. Color. 82’
La tumba de los muertos vivientes (Jess Franco, 1982). Int.: Manuel Gelin, Eduardo Fajardo, Lina Romay. España. 35 mm. Color. 87’
En esta noche de brujas, ya tradicional en «Sala:B», sesión doble de miedo para homenajear a una de las productoras por excelencia de la serie B en este continente: Eurociné.
La tumba de los muertos vivientes, dirigida por Jess Franco y coproducida por Eurociné, es una película de zombis nada convencional. Por un lado, parece subirse al carro del zombi italiano de Fulci y compañía, o de El lago de los muertos vivientes de Jean Rollin para Eurociné, pero lo que interesa a Jess claramente no es eso, incluso se burla de ese tipo de gore adolescente. Él pone el foco en un romanticismo decadente y exótico, más cercano al zombi de Tourneur (Yo anduve con un zombie) y a las pasiones más allá de la tumba de las leyendas de Bécquer. Es en la versión española, que cuenta además con Eduardo Fajardo como protagonista, donde se aprecia mejor esta intención, unida a unos fantásticos paisajes desérticos fotografiados por Juan Soler en Gran Canaria. Hay que recordar que el cine de terror en España le debe a Eurociné su primer gran éxito internacional, Gritos en la noche de Jess Franco (1961), que marcó una fructífera relación de unas treinta películas entre el director, Marius Lesoeur y su hijo Daniel, actual director de la productora.
Seguimos con una de las secuelas de aquel bombazo que originó la saga del Dr. Orloff, esta vez dirigida por otro habitual de Eurociné, Pierre Chevalier. Orloff y el hombre invisible continúa la senda de lo que algunos llaman Horrotica, una mezcla de terror gótico y erotismo ligero que la productora explotó a fondo. El título en francés era más explícito, aunque poco apropiado: La vida amorosa del hombre invisible. Este episodio, el único no dirigido por Jess Franco, ha sido muy maltratado por crítica y fans, pero visto en 35 mm y no en las típicas copias machacadas de VHS permite apreciar unas cualidades estéticas y oníricas que merecen más atención. Además, tener a Paco Valladares como galán frente al icónico Howard Vernon (Orloff) es otra anomalía indescriptible de la película.
Presentación a cargo de Daniel Lesoeur, productor y presidente de Eurociné, y Álex Mendíbil, comisario de Sala: B. Duración de la presentación: 15’. (Total sesión: 185’)
En colaboración con el Festival Alud, organizado por Crater-lab, Xcèntric presenta una sesión a cargo del artista estadounidense Bruce McClure, conocido por sus potentísimas performances en las que los intensos efectos sonoros y lumínicos generados por proyectores de 16 mm intervenidos generan en el público experiencias físicas e inmersivas. La sesión de performances incluirá Textiles Past and Prologue (2006-2024, 17 min) y Ventriloquent Agitators (2010, 43 min), dos piezas que, en palabras del artista, «proponen alternativas a las condiciones cinematográficas convencionales de una de película de 16 mm enhebrada en un proyector. La primera es sustractiva en el sentido de que se quitan el soporte y la ventanilla de película para liberar la película de «las garras» del proyector, lo que da como resultado una caída libre de plástica deformación. La segunda es una disposición aditiva que utiliza placas de metal insertadas en el mismo soporte de película para definir otros límites posibles de distancia focal entre la ventanilla, la película, los intervalos, etc. En ambas obras, el sonido –a menudo denostado por los puristas del cine por no ser esencial para la imagen– se activa en la lámpara de sonido en la segunda fase del proyector: el sistema óptico de sonido. Una vez más, se nos presentan dos operaciones. En la primera, las formas de onda capturadas y sincronizadas con imágenes en la película se deslizan en una narración más bien plana pero fiel, indiferente a las perturbaciones del público en la pantalla. En la segunda, los límites entre la base de la película y la emulsión, la ausencia o presencia de imagen en el sustrato de la película, crean señales electrónicas asincrónicas que son procesadas por el proyeccionista en una matriz de pedales de efectos de guitarra que libera una transmisión asertiva.»
CONSIDERANDO LAS COSAS QUE NO SON COMO ERAN
En su libro Elogio de las sombras, Junichiro Tanizaki describe el placer que siente al ver un baño tenuemente iluminado e impecablemente limpio en un templo de Nara o Kioto. Continúa describiendo la belleza del cuarto japonés y de cómo depende de una variación de sombras. Sombras densas contra sombras claras, no hay nada más. Según Tanizaki, los occidentales se asombran de la sencillez de las habitaciones japonesas, ya que no ven en ellas más que paredes cenicientas desprovistas de adornos. La reacción es comprensible, pero delata la incapacidad de comprender el misterio de las sombras. Junichiro Tanizaki, que murió hace muchos años, es un misterio para mí. Ya que no podemos pedirle que explique sus ideas sobre la apreciación de las sombras en el pensamiento y los edificios occidentales, propongo este taller, dirigido tanto a especialistas como a profanos, sobre los matices del sombreado y la coloración de la imagen fotográfica y la tecnología del sistema de sonido óptico que le es inherente. Todos los estudios de cine tienen una biblioteca de «efectos de sonido» grabados en celuloide. Con un fonógrafo de celuloide ahora es posible controlar la amplitud y la frecuencia de cualquiera de estos sonidos y de darles ritmos inimaginables. Con cuatro fonógrafos de celuloide, podemos componer e interpretar un cuarteto para motor de explosión, viento, latido y desprendimiento. Queremos captar y controlar estos sonidos, y usarlos, no como efectos de sonido, sino como instrumentos musicales. Película fotoeléctrica y medios mecánicos para la producción sintética de música y juegos de sombras. El proyector de 16 mm es el elefante en la habitación que debe ser domesticado por el proyeccionista y, a su vez, por el público atenuando sus pasos. El gigante avanza con pesadez a la velocidad de la luz y del sonido por un lugar desprovisto de límites, no aquellos en los que algo se detiene, sino donde algo comienza. Más allá de las convulsiones de la superproducción puede nacer un estado de calma en el que toma forma un mundo sin productos ni desechos, una zona en la que la mente es energía y materia prima y también producto final, el único objeto intangible para el consumo. Para distinguir las cosas más simples de las más complejas, y para ordenarlas, debemos notar, en todas y cada una de las series de cosas en las que deducimos directamente verdades de otras verdades, cuál es la más simple, y luego notar cómo todas las demás se encuentran a mayor, menor o igual distancia de ella. Solo en la oscuridad tu sombra es clara. Pienso en los cines, trucos panorámicos con multitudes inclinadas hacia alguna escena intermitente nunca revelada, pero precipitada de nuevo, anunciada a otros ojos en la misma pantalla.
OH, NO
Si caminas lo suficiente, llegarás; y cuando llegues te ofrecerán un lugar para sentarte solo para ti, en una silla bonita, y todos tus amigos estarán allí, sonriendo, y ellos también tendrán su lugar.
Bruce McClure
Fecha: 27 octubre 2024
Horario: 18.30
Espacio: Sala Raval
Precio: 4 € (3 € reducida)
Entrada reducida: carnet docente -enseñanza obligatoria-, parados, familias numerosas/monoparentales y jubilados con la tarjeta rosa.
Amigos CCCB: gratuito
Venta de entradas en taquillas (taquilles@cccb.org / 933064100) y online.
Tras trabajos como The VVitch (2015), The Lighthouse (2019) o The Northman (2022), el realizador estadounidense Robert Eggers se ha convertido en un nombre clave para los fans del fantástico, su nuevo trabajo tras las cámaras, y el más ambicioso hasta la fecha, es la esperada nueva versión del clásico de 1922 de F.W. Murnau Nosferatu, película nuevamente inspirada en el ‘Drácula‘ de Bram Stoker cuyo segundo tráiler acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Focus Features y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Este nuevo Nosferatu tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos y España para el próximo 25 de diciembre de 2024.
La breve sinopsis oficial de Nosferatu describe la película de Robert Eggers como un cuento de tono gótico en torno a la obsesión que se establece entre una atormentada joven y el aterrador vampiro enamorado de ella, una tempestuosa relación que dejara un siniestro rastro de sangre a su paso.
La película, con guion adaptado a cargo del propio Robert Eggers, está protagonizada por Lily-Rose Depp, Bill Skarsgard, Aaron Taylor-johnson, Nicholas Hoult, Willem Dafoe, Emma Corrin, Simon McBurney, Ralph Ineson, Paul A Maynard y Stacy Thunes.
La 69ª edición de Seminci estrenará en España la copia restaurada o digitalizada de nueve largometrajes realizados entre 1949 y 2002, además de un trabajo de no ficción sobre el director y productor Pere Portabella.
Entre los largometrajes recuperados se encuentra ‘Deprisa, deprisa’, de Carlos Saura, Oso de Oro en el Festival de Berlín en 1981
Con Memoria y Utopía, la 69ª edición de Seminci revela, en un acto de rebeldía, títulos ocultos por la historia. No siempre debido a la censura política; también debido a razones económicas, discriminación de género, o bien por su propia naturaleza desencajada, fuera del canon imperante en su época. Dentro de esta sección se proyectarán por primera vez en España las copias restauradas o digitalizadas recientemente de ocho largometrajes realizados en México, Estados Unidos, Portugal, Checoslovaquia, Suecia, Hong Kong e Irán entre 1949 y 2002.
Entre las películas que podrían formar parte de una historia del cine alternativa que no encajaron en las imágenes dominantes, marcadas por una situación política o por la homogeneizante industria cinematográfica, en la 69ª edición de Seminci podrán verse dos propuestas, separadas temporal y geográficamente, pero unidas por una reflexión sobre la feminidad que no encajó en su tiempo, a finales de los años 40, por presentar actitudes identificadas con los hombres, como llevar la iniciativa sexual: La negra Angustias, de Matilde Landeta, directora pionera en la cinematografía mexicana, y Woman Without a Face, de Gustaf Molander, con guion de Ingmar Bergman.
Tampoco encontraron ensamblaje en la ortodoxia del cine independiente de los 90 las propuestas de cineastas afroamericanos estadounidenses Naked Acts, de Bridgett M. Davis, y The Annihilation of Fish, de Charles Burnett. El primero fue maltratado por mezclar lo racial y lo sexual; y el segundo, fue olvidado por las distribuidoras tras una demoledora crítica en la revista Variety. Al igual que ellas se desentendieron en forma y tema, Low-Flying Aircraft, de Solveig Nordlund, no cumplió las reglas no escritas del género, fantástico en este caso, al adaptar al autor J.G. Ballard.
Otros títulos seleccionados en Memoria y Utopía demuestran una disonancia dentro de las cinematografías nacionales de las que proceden: Un domingo desperdiciado, debut de la realizadora Drahomira Vihanová, prohibido en su momento en Checoslovaquia por reflejar la situación del país tras la Primavera de Praga; The Sealed Soil, ópera prima de la iraní Marva Nabili, el primer largometraje completo dirigido por una mujer iraní que se conserva,y Nomad, de Patrick Tam, un clásico de la nueva ola de Hong Kong, censurado parcialmente por la franqueza de su lenguaje sexual.
En definitiva, películas todas ellas que desaparecieron de la memoria, así como las carreras truncadas de sus directores, pero que reaparecen ahora gracias a su restauración para, no solo poder disfrutarlas, sino también encajar por fin en el lugar de la historia del cine que les robaron la censura y el olvido.
Claudio Zulian (premio nacional de cine de Cataluña por A través del Carmel), analiza la vida y obra de Pere Portabella, referente de la cultura cinematográfica española alternativa de finales del siglo XX, a través de fragmentos de sus obras, sus declaraciones y entrevistas a críticos, directores e historiadores. Portabella sostenía que sus películas Nocturno 29, Vampir-Cuadecuc o El silencio antes de Bach «no eran experimentales, sino diferentes, hechas desde otro lugar -que no tenían en cuenta ni géneros ni convenciones, que atravesaban la materia fílmica, la abrían a influencias plásticas, literarias y musicales insospechados, la sacaban de su dependencia del plot, para que pudieran florecer otras posibilidades, visuales y auditivas». Constelación Portabella es una producción de Acteón y Eddie Saeta, con apoyo del ICEC y la participación de TV3 – Televisió de Catalunya, RTVE y Caixaforum +.
La personal interpretación del cine quinqui, Deprisa, deprisa, de Carlos Saura, se ha convertido en una película de culto y en una cinta de extraordinario lirismo, sin perder de vista una intención de acercarse a la realidad. Los entonces noveles Berta Socuéllamos y José Antonio Valdelomar protagonizan la historia de un grupo de amigos de un barrio del extrarradio madrileño que empiezan a atracar coches, primero por diversión, y luego por la necesidad de sentirse vivos. La película ganó el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín. La remasterización en 4K ha sido realizada por la plataforma FlixOlé y la distribuidora Mercury Films. Destaca el trabajo de reconstrucción del audio original, que incluye música de Paco de Lucía y Los Chunguitos.
Película basada en una novela de Francisco Rojas González, ambientada en la revolución mexicana de 1910. El personaje principal, una mujer negra llamada Angustias, decide luchar como coronela del ejército zapatista por los derechos de los pobres y por la justicia para las mujeres maltratadas. Su directora, Matilde Landeta, tomó varias decisiones controvertidas: desde seleccionar a una actriz blanca para encarnar a la protagonista hasta exagerar el melodrama típicamente mexicano. Decisiones que, unidas a que el argumento versa sobre una mujer que no se ajusta al orden social imperante, motivaron que una de las primeras directoras mexicanas no fuera identificada con la ‘edad de oro’ del cine mexicano que le correspondía.
Uno de los escasos ejemplos de cine de ciencia-ficción de la cinematografía portuguesa, Low-Flying Aircraft se basa en una historia corta de J.G. Ballard (Crash, El imperio del sol), sobre una humanidad en aras de desaparición ante los crecientes nacimientos de bebés mutantes, que son sacrificados antes o después el parto. Con este argumento, la realizadora sueca Solveig Nordlund optó por una aproximación fílmica más cercana a Godard que a Lynch o Cronenberg, lo que la convierte en una película de género fuera de los códigos del género, entre la indefinición y la autoría. La vida, la muerte, el totalitarismo y la búsqueda de una esperanza son centrales en esta película de culto firmada por una cineasta cuya relevancia a comienzos de siglo quedó relegada a los márgenes. Digitalizada por Cinemateca Portuguesa-Museo do Cine, en el marco del proyecto FILMar, financiado por las becas europeas EEA 2020-2024.
La única película escrita y dirigida por la escritora y periodista Bridgett M. Davis es una modesta producción independiente entre la comedia y el drama, fuera de los cánones del cine indie estadounidense. En NakedActs, la hija de una antigua estrella del género blaxploitation, se debate entre dudas cuando le piden desnudarse para su primera película. La cinta ha sido restaurada y remasterizada por Lightbox Film Center de Philadelphia University of Arts en colaboración con Milestone Film.
Nomad, de Patrick Tam, no pudo verse íntegra hasta este año. Tam, representante del cine de la nueva ola de Hong Kong, utiliza también libremente las formas para relatar la historia coral de un grupo de jóvenes, enfocada en el tabú del despertar sexual y las relaciones amorosas Protagonizada por Leslie Cheung, una de las caras más reconocibles del cine de Wong Kar-Wai, Nomad se presenta hoy en calidad 4K con un nuevo montaje revisado por el propio Patrick Tam, que incluye imágenes eliminadas en su día debido a la fuerte censura que atentó, fundamentalmente, contra el contenido sexual explícito.
Firmada por el prestigioso representante del cine afroamericano Charles Burnett(Killer of Sheep) todavía en activo, The Annihilation of Fish sufrió el desinterés de los distribuidores tras su paso por el Festival de Toronto, destrozada por una crítica en Variety, a pesar de contar a su favor con intérpretes reconocidos como Lynn Redgrave, James Earl Jones y Margot Kidder(Superman). Historia de amor interracial protagonizada por un trío de personajes excéntricos, todos ellos con problemas psiquiátricos, que coinciden en una casa de huéspedes. Copia restaurada por UCLA Film & Television Archive y The Film Foundation, en colaboración con Milestone Films.
El primer largometraje completo dirigido por una mujer iraní que se conserva, The Sealed Soil explora de forma sutil la subyugación y la resistencia de las mujeres en Irán. La historia, que recuerda a otro largometraje incluido en esta 69ª edición, pero rodado 50 años después, plantea cómo una comunidad rural, en la época preJomeini, interpreta como posesión demoniaca el rechazo de una joven de todos sus pretendientes cuando alcanza la edad casadera. Largometraje olvidado tras su paso por el Festival de Cine de Berlín, Marva Nabili solo dirigió dos trabajos más después de este, ya fuera de su país. Después de casi cincuenta años, la película vuelve a la gran pantalla gracias al trabajo de restauración digital (a partir de los negativos originales de 16mm) a cargo de UCLA Film & Television Archive.
Un domingo desperdiciado, prohibida en su momento por el régimen comunista de Checoslovaquia, lanza una visión deformada de la vida en este país tras la Primavera de Praga a través de la descripción de un día en la vida de un joven soldado. Recogiendo el marco teórico de una generación irrepetible del cine checoslovaco, a través de técnicas de montaje vanguardista y un profundo poso de análisis y sátira social, la ausencia de la película de Drahomíra Vihanová dejó un hueco en la nueva ola checoslovaca y en el cine europeo. Copia procedente de Czech National Film Archive distribuida en España por Lost&Found.
Gustaf Molander trabajó en la industria sueca del cine a lo largo de cinco décadas, firmando más de 60 títulos en toda su carrera. Esta amplia trayectoria le llevó a explorar una diversidad de géneros y a colaborar con grandes nombres En Woman without a Face, Molander distorsiona visualmente el género del melodrama con flashbacks y puntos de vista alterados, a la vez que el guion de Ingmar Bergman esboza trasgresiones temáticas que anuncian el cine sueco posterior. En el apartado argumental, este noir sobre un triángulo amoroso en la Segunda Guerra Mundial rompe la ortodoxia una mujer (interpretada por Gunn Wällgren) que toma la iniciativa en el terreno sexual. como Ingmar Bergman. Woman Without a Face es un noir escrito a cuatro manos con el aclamado director de El séptimo sello, que retrata un triángulo amoroso en tiempos de la Segunda Guerra Mundial. Woman Without a Face es una obra imprescindible del cine sueco y su puesta en valor reivindica una figura fundamental que por años se mantuvo en la sombra. Ha podido volver a exhibirse gracias a la restauración realizada por el Instituto de Cine Sueco (Svenska Filminstitutet).
Hoy se le recuerda por un puñado de películas realizadas en los frondosos años ‘60 y, sin embargo, toda su obra exige revisión y reconocimiento. Cine modelado en tierra y bambú, jardín de piedra, escritura sobre la arcilla y la flor. Hiroshi Teshigahara o el diálogo de las artes. Tercer iemoto (gran maestro) de la Escuela Sogetsu de Ikebana, y figura consagrada en este arte; cineasta de prestigio internacional, ceramista, pintor, director de teatro y ópera, diseñador de jardines y autor de sorprendentes instalaciones que alternan lo natural con lo artificial, Teshigahara fue un ejemplo de artista multidisciplinar que exploró de continuos paisajes creativos poco transitados. A lo largo de su carrera buscó infatigablemente esos sutiles hilos que enlazan pasado y presente, tradición y modernidad, oriente y occidente, arte y naturaleza.
En su labor como cineasta realizó veintidós películas, una filmografía nada desdeñable que incluye al menos uno de los largometrajes japoneses de referencia en los años ‘60: La mujer de la arena. Más allá de esta película, y superando todo tipo de encasillamientos y de convenciones, su trayectoria profesional rebosa interés y está llena de sorpresas. El presente trabajo se propone, por primera vez, examinar la obra de este artista en su conjunto. Así el cine convivirá estrechamente con las otras artes en las que volcó su talento, lo que se hará prestando especial atención a su interés y proximidad con algunos artistas españoles fundamentales: Gaudí y Dalí, Picasso y Buñuel, entre otros. El núcleo de su actividad artística se centra en especialidades tradicionales japonesas que encontraron acomodo en su cine, bien entendido como una forma de arte total; pero el propósito es siempre el mismo: ¿cómo dar un sentido moderno, propio de nuestro tiempo, a aquellas artes ancestrales que no han perdido vigencia? ¿Cómo proyectar lo moderno en lo antiguo? ¿Qué actitud debe tomar un artista innovador frente a las prácticas artísticas más venerables y reglamentadas de su país? ¿Acaso basta con filmarlas y transformarlas en imágenes dinámicas, asimismo perecederas? En la respuesta a estos interrogantes se descubrirán las claves para comprender el conjunto de una obra original y diversa, en la que el cine ocupa una posición central, pero nunca exclusiva.
El autor
Antonio Santos, Doctor en Historia del Arte, es profesor de Didáctica de las Ciencias Sociales en la Universidad de Cantabria y profesor en la Cátedra de Cine de la Universidad de Valladolid. Entre sus líneas de trabajo actuales destacan: La imagen como vía de acceso al conocimiento de la sociedad y de sus representaciones. Educación crítica de la mirada. El cine como recurso didáctico en la enseñanza de las Ciencias Sociales.
Autor de las siguientes monografías: Kenji Mizoguchi (Cátedra, 1993); Yasujiro Ozu: Elogio del silencio (Cátedra, 2005); La trama policial en el cine (Cosema, 1995); El sueño imposible: aventuras cinematográficas de don Quijote y Sancho (Fundación Botín, 2006); Barataria, la imaginada: el ideal utópico de don Quijote y Sancho (Centro de Estudios Cervantinos; Universidad de Cantabria, 2008); En torno a Noriko. Primavera tardía, Principios de verano, Cuentos de Tokio (Filmoteca de Valencia, 2010); Ozu: Tiempo de cine (Tokio: Texnai, 2014); Tierras de Ningún Lugar: Utopía y Cine (Cátedra, 2017) y Tiempos de Ninguna Edad: Distopía y Cine (Cátedra, 2019).
Autor: Antonio Santos, Editorial: Shangrila, Colección Trayectos libros, Páginas: 570
Con interesantes trabajos que de alguna manera reconvertían las reglas del noir, A Dark-Dark Man (2019) o Yellow Cat (2020), el realizador de Kazajistán Adilkhan Yerzhanov vuelve a indagar en dicha temática con Steppenwolf, film cuyo primer avance en forma de un breve teaser tráiler podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial. La película, decimoquinto largometraje de Adilkhan Yerzhanov, situado a medio camino entre la road movie, el cine negro provisto de elementos absurdos y el drama de venganza, tras su paso hace unos meses por el BIFFF de Bruselas estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges dentro de la sección Òrbita.
En Steppenwolf vemos como una mujer llamada Tamara busca a su hijo desaparecido en un pequeño pueblo consumido por los disturbios y la violencia. En un intento desesperado por recuperarlo, decide ofrecer una recompensa a un investigador amoral cuyos métodos resultan sádicos. Convencida de ir hasta el final, Tamara decide completar cueste lo que cueste la búsqueda, y lo hará con el violento detective.
La película, con guion a cargo del propio Adilkhan Yerzhanov, está protagonizada por Berіk Aitzhanov, Anna Starchenko, Azamat Nigmanov, Yerkin Gubashev y Nurbek Mukushev.
A dos semanas para el inicio de la 57ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, y tras el anuncio de la programación completa en la rueda de prensa de la semana pasada, se añaden al line-up algunos títulos más. Mike Flanagan, Amy Adams, Christopher Reeve y James Ward Byrkit son algunos de los nombres que se suman al certamen.
Los amantes de Mike Flanagan están de enhorabuena. Desde el Festival queríamos tener al cineasta por nuestras calles, pero también en nuestras salas. Por eso mismo nos alegra anunciar dos proyecciones excepcionales. Por un lado, acogeremos una sesión especial de Hush (2016), un home invasion angustiosamente silencioso que supuso una de las primeras colaboraciones del cineasta con la actriz Kate Siegel, recuperado aquí en su «Shush» Cut. Por el otro, se suma al line-up de la sección Panorama V/H/S/Beyond, nueva entrega de la saga de antologías de terror en la que Mike Flanagan participa como guionista del episodio dirigido por la propia Kate Siegel. En esta ocasión cogen las riendas de la dirección Jay Cheel, Jordan Downey, Christian Long, Justin Long, Justin Martinez y Virat Pal, llevando la saga al terreno del horror cósmico.
No olvidéis que, además de regalarnos este díptico excepcional, Mike Flanagan recogerá en Sitges el premio Màquina del Temps y estará presente, junto a Mick Garris, en la proyección de The Stand (Apocalipsis) dentro de la programación de Brigadoon.
Últimas incorporaciones a la programación
A nadie amarga un buen dulce de última hora. Por eso os traemos un par de sorpresas más. Amy Adams se suma a la Secció Oficial Fantàstic Competició con Canina (Nightbitch), la nueva película de Marielle Heller, recién llegada de Toronto. La directora de The Diary of a Teenage Girlse lanza al cine de género con este retrato de una maternidad salvaje en la que también aparecen Jessica Harper y Scoot McNairy. También llega de Toronto Ick de Joseph Kahn, una delirante historia de hijas perdidas y invasiones alienígenas que pide a gritos ser vista en pantalla grande y que se añade a la Sección Oficial Sitges Collection. ¿Es un pájaro? ¿Es un avión? No, es Super/Man: The Christopher Reeve Story de Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, el documental sobre la emotiva historia del actor estadounidense que también sobrevolará Sitges este octubre.
Sitges sigue siendo seriéfila
Seguimos apostando por las series y añadimos a nuestra programación una propuesta para los amantes del binge watching sci-fi.James Ward Byrkit, director de Coherence, vuelve a la ciencia ficción con Shatter Belt, una colección de historias sobre los inquietantes puentes que unen la mente y la realidad de la que podremos ver tres episodios en nuestras salas.
Seven Chances, más allá del canon
Sitges vuelve a colaborar un año más con l’Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC) para reivindicar en la sección Seven Chances siete películas que, aún no haber encontrado su lugar en el canon, exploran los límites del género desde la curiosidad y el inconformismo. En esta edición las raras avis rescatadas serán el peculiar slapstick checo The Mysterious Castle in the Carpathians de Oldrich Lipský, la carta de amor La passion selon Béatrice de Fabrice Du Welz, la reflejada serie B de Mirror Mirror de Marina Sargenti, el fantaterror erótico de Las vampiras de Jess Franco, el ozploitation motorizado de Stone de Sandy Harbutt, el thriller arácnido Il nido del ragno de Gianfranco Giagni y el suspense laberíntico de Malpertuis (The Legend of Doom House) de Harry Kümel. Cada sesión estará acompañada de una pequeña presentación de la mano de diversos miembros de ACCEC.
Secció Oficial Fantàstic Competició
Canina (Nightbitch) – Marielle Heller (Estados Unidos, European Premiere)
Secció Oficial Sitges Collection
Ick – Joseph Kahn (Estados Unidos, European Premiere)
Sessions Especials
Hush – Mike Flanagan (Estados Unidos, 2016)
Panorama
V/H/S/Beyond – Kate Siegel, Jay Cheel, Jordan Downey, Christian Long, Justin Long, Justin Martinez y Virat Pal (Estados Unidos, World Premiere)
Sitges Documenta
Super/Man: The Christopher Reeve Story – Ian Bonhôte y Peter Ettedgui (Estados Unidos)
Serial Sitges
Shatter Belt (Ep. 1, 2 y 3) – James Ward Byrkit (Estados Unidos)
Seven Chances
Malpertuis – Harry Kümel (Bélgica, Francia y Alemania, 1971)
Una de las películas más esperas para el inicio del próximo año es sin duda la vuelta a la dirección del coreano Bong Joon-Ho, cinco años después de su oscarizada Parásitos. Mickey 17, cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Warner Bros., y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone la primera incursión en la ciencia ficción del responsable de The Host, que en esta ocasión adapta a la gran pantalla la novela homónima de Edward Ashton.
En la película vemos como Mickey Barnes es un Prescindible, encarnado en la séptima réplica de su cuerpo, que vive (y muere) rodeado de sus colegas colonizadores en Niflheim, un planeta helado y casi inhabitable. Hay quien lo considera inmortal. Otros lo ven como una monstruosidad sin alma. Durante los últimos nueve años ha realizado toda clase de tareas peligrosas y ha sido el conejillo de Indias de experimentos que ponen a prueba los límites de la resistencia humana.
Mickey 17, que tiene previsto estrenarse comercialmente en Estados Unidos y España el próximo 31 de enero de 2025, cuenta con un guion adaptado a cargo del propio Bong Joon-Ho, estando protagonizada por Robert Pattinson, Mark Ruffalo, Toni Collette, Steven Yeun, Naomi Ackie, Thomas Turgoose, Daniel Henshall, Patsy Ferran, Steve Park, Spike White, Chelsea Li, Sam Woodhams y Stuart Whelan.
El actor y productor acudirá al estreno del documental en Valladolid, en una sesión especial que incluirá un coloquio con el escritor Ray Loriga
Estado de silencio, largometraje dirigido por Santiago Maza, tendrá su estreno en España en la Semana Internacional de Cine de Valladolid el próximo 22 de octubre, en una proyección especial que incluirá un coloquio con el propio director y con el productor ejecutivo de la película, el también actor Diego Luna, moderado por el escritor Ray Loriga. Además, el actor y el escritor protagonizarán un segundo encuentro con el público el miércoles 23 de octubre en el Paraninfo de la Universidad de Valladolid.
Esta película muestra el trabajo de cuatro periodistas mexicanos y los riesgos que corren al ejercer la profesión en su país, dado que, en el país azteca, el periodismo es una profesión de alto riesgo desde hace años. Según la ONG Artículo 19 México, un total de 141 periodistas han sido asesinados desde el 2000 hasta la fecha en posible relación con su labor. Además, según el Índice Global de Impunidad que el Comité para la Protección de los Periodistas (CPJ, por sus siglas en inglés), publica anualmente, México figura sistemáticamente entre los 10 países con el número más elevado de asesinatos de periodistas que continúan sin resolverse.
Estado de silencio da voz a cuatro periodistas se han convertido en blanco de la represión, en su búsqueda por revelar el dolor y el miedo que padece la ciudadanía en México tras dos décadas de una violencia desbocada por la llamada guerra contra el narco. Ellos, así como cientos de sus colegas, son al mismo tiempo investigadores y víctimas de la narcopolítica. Este retrato íntimo exclama con sentido de urgencia que la libertad de prensa no puede permanecer bajo asedio. Sobre su compromiso con el proyecto, Diego Luna señala que “si el cine no funciona como espejo, como reflejo, y no se conecta con lo más profundo de nuestra vida en comunidad, no tiene sentido. Existe por eso y para eso, así lo aprendí a ver y así lo aprendí a hacer”.
Actor, guionista, productor y director, Diego Luna es una de las figuras más conocidas del cine mexicano en el mundo, con una extensa filmografía a caballo entre México, España y Estados Unidos. Luna, socio fundador junto al también actor Gael García Bernal de la productora La Corriente del Golfo, ha destacado que, “sin duda, Valladolid representa una gran plataforma para ver y discutir la película. Santiago Maza y yo estamos muy agradecidos con el festival por la invitación. Estamos muy contentos de poder compartir el documental Estado de Silencio con el público español. La constante amenaza bajo la que se encuentra la libertad de prensa y el derecho de todo ciudadano a estar informado es un asunto que no conoce fronteras. Nos vemos pronto por allá”. Rosa Bosch internacional se encarga de las ventas internacionales.
Luna ha participado en películas como Y tu mamá también (Alfonso Cuarón, 2001 –premio Marcello Mastroianni a mejor actor revelación del Festival de Venecia), Mi nombre es Harvey Milk (Gus van Sant, 2008), Solo quiero caminar (Agustín Díaz Yanes, 2008 –nominado al Premio Goya al Mejor Actor-) o Rogue One: Una historia de Star Wars (Gareth Edwards, 2016), además de series como Narcos (Netflix, 2018-2021) y Andor (Disney+, 2022). Como director, debutó con el documental J.C. Chávez (2007), dedicado al legendario boxeador Julio César Chávez, al que siguió el largo de ficción Abel (2010), que también escribe y por el que recibe el Premio Ariel de ese año. Además, es creador y director de series como Todo va a estar bien y Pan y circo, que ganó dos premios Daytime Emmy.
La Corriente del Golfo, productora con sede en México, está enfocada en películas, series y podcasts. Entre otros proyectos, la productora ha desarrollado los largometrajes de ficción Chicuarotes, dirigida por Gael García Bernal y estrenada en el Festival de Cannes; Cassandro, protagonizada por Gael García Bernal; Tesis sobre una domesticación, dirigido por Javier Van de Couter y protagonizado por Camila Sosa Villada y Alfonso Herrera. Los actores mexicanos también han desarrollado con su productora las series Aquí en la Tierra, de García Bernal y Kyzza Terrazas; la serie web La cuestión, dirigida por Santiago Maza; y La máquina, protagonizada por Gael García Bernal, Diego Luna y Eiza González y dirigida por Gabriel Ripstein.
Santiago Maza, formado en la Escuela Nacional de Cine y Televisión británica y en la London Film School, es director del departamento de documentales de La Corriente del Golfo. Maza fue seleccionado en el Talent Campus de la Berlinale y su primer largometraje, Truenos de San Juan, en más de quince festivales internacionales. Codirigió la serie Duda razonable (Netflix) y dos temporadas de El Tema, serie documental conducida por Gael García Bernal.
La nueva película dirigida por Nacho Vigalondo, la coproducción vasca Daniela Forever (2024), será la encargada de inaugurar el 25 de octubre en el Teatro Principal la 35ª Semana de Cine Fantastico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 25 de octubre y el 1 de noviembre en los teatros Principal y Victoria Eugenia y en otros escenarios de la ciudad.
La película, producida por Sayaka Producciones en coproducción con Wrong Men, Señor y Señora, Mediacrest Entertainment y XYZ Films, se estrenó el pasado 5 de septiembre en el Festival de Toronto. Está protagonizada por Henry Golding, Beatrice Grannò, Aura Garrido, Rubén Ochandiano y Nathalie Poza.
Este es el quinto largometraje dirigido por Nacho Vigalondo tras Los cronocrímenes (que inauguró la Semana de Terror en 2007), Extraterrestre (2011), Open Windows (2014) y Colossal (2016). En los últimos años ha trabajado en diversas series de TV y dirigió el capítulo La alarma (2022) de las nuevas Historias para no dormir.
La vida pierde todo sentido para Nicolas (Henry Golding) con la pérdida de su novia Daniela (Beatrice Grannò). Un día es invitado a formar parte de un ensayo clínico que le permitirá controlar sus sueños y accede con la esperanza de recuperarse. Ahora Nicolás puede soñar con Daniela cada noche y reanudar su relación, más idílica que nunca. Aunque sea en sueños. Y corriendo el riesgo de perderse en ellos para siempre.
La película será distribuida en cines por Filmax.
Avance de programación de la Semana de Terror
A continuación se avanzan algunos de los largometrajes que participarán en la 35ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 25 de octubre y el 1 de noviembre. La programación completa se dará a conocer a mediados del mes de octubre.
1978 (2024). Hermanos Onetti. Argentina
Durante la final de la Copa del Mundo entre Argentina y Holanda, en tiempos de plena dictadura militar, un grupo de torturadores irrumpe violentamente en un domicilio y secuestra a un grupo de jóvenes para llevarlos a un centro clandestino de detención. Lo que comienza como un interrogatorio inhumano se convierte en un verdadero martirio: han secuestrado al grupo de personas equivocado. El centro se convertirá en el mismísimo infierno en la última película de los hermanos Onetti –Francesca (2015), Los olvidados (2017), Abrakadabra (2018)–.
Bodegón con fantasmas (2024). Enrique Buleo. España
Angustiados por los sinsabores y aprietos de la vida y la muerte, fantasmas y humanos de un pequeño pueblo de La Mancha hacen lo imposible por poner fin a sus problemas y no dudan en llevar a cabo extremos y desesperados planes para lograrlo.
Else (2024). Thibault Emin. Francia-Bélgica
El introvertido Anx se despierta una noche en su cama junto a la vitalista Cass. Pese a que en principio no parece que tengan mucho en común, algo comienza a florecer. Pero su incipiente relación se ve amenazada cuando un misterioso virus se extiende por el planeta, provocando que poco a poco las personas infectadas se fusionen con todo lo que tocan.
House of Sayuri (2024). Koji Shiraishi. Japón
Después de años de sacrificios, la familia Kamiki consigue por fin cumplir su sueño de comprar una casa en el campo. Se trasladan llenos de esperanza e ilusión… hasta que descubren que tienen que convivir con el fantasma vengador de una adolescente asesinada tiempo atrás Una nueva vuelta de tuerca llena de humor al subgénero de casa poseída de la mano del director de entre otras Cult (2013), Sadako vs. Kayako (2016) y Welcome to the Occult Woods (2022).
Krazy House (2024). Steffen Haars, Flip van der Kuil. Países Bajos
Comedia negra ambientada en los años 90 protagonizada por el muy religioso Bernie (Nick Frost) y su familia de sitcom. Los trabajadores rusos que ha contratado para hacer unas reformas en su casa resultan ser unos peligrosos criminales que buscan en las paredes el botín de un robo que lleva escondido allí unos años. Para salvar a su familia Bernie deberá empoderarse y enfrentarse a ellos con todas las armas a su alcance.
MadS (2024). David Moreau. Francia
El joven Romain hace una parada en casa de su camello, prueba una nueva pastilla y está listo para irse de fiesta. De camino ve a una mujer herida al costado de la carretera. Cuando la sube a su auto comienza a comportarse de manera muy extraña, hasta que finalmente se apuñala a sí misma y muere desangrada. ¿Un mal viaje? ¿O es algo más? Una cosa es segura: solo es el comienzo de la noche.
Oddity (2024). Damian McCarthy. Irlanda
Cuando Dani es brutalmente asesinada en la casa de campo que estaba reformando junto a su marido Ted, todos piensan que el culpable es un paciente del cercano hospital psiquátrico donde Ted trabaja. El sospechoso aparece muerto poco después. Ha pasado un año y Darcy, la hermana gemela ciega de Dani, psíquica y coleccionista de objetos malditos, aparece en la casa, donde ahora Ted vive con su nueva pareja, para descubrir qué sucedió realmente allí. Segundo largometraje del irlandés Damian MacCarthy, que ha presentado en la Semana varios cortos y su anterior Caveat (2020).
En la costera y muy turística Atsumi City han empezado a desaparecer bañistas en extrañas circunstancias. Sus cuerpos son encontrados en pedazos, con síntomas de haber sido atacados por… un tiburón gigante. Las autoridades se preocupan. La policía investiga. Delirante y divertido film japonés que se acerca sin ningún prejuicio al subgénero de películas con tiburones asesinos.
Provincia de Chumphon, Tailandia, 1941. Durante la Segunda Guerra Mundial, Mok y su heterogéneo grupo de jóvenes soldados se enfrentan a las fuerzas invasoras japonesas, que traen una terrorífica arma biológica. Mek, el hermano mayor de Mok, es un suboficial al que le ordenan unir fuerzas con las tropas niponas cuando estas pierden el control de su propia arma. Sus órdenes podrían significar la muerte de su hermano.
Things Will Be Different (2024). Michael Felker. EEUU
Para escapar de la policía tras un atraco, Joseph y Sidney, dos hermanos sin demasiada relación en los últimos años, se refugian en una granja que les transportará en el tiempo. Allí planean permanecer unas semanas hasta que la situación se calme y puedan retomar sus vidas. Pero no todo va a resultar tan fácil, porque una fuerza misteriosa pondrá a prueba sus vínculos familiares.
Timestalker (2024). Alice Lowe. Reino Unido
Comedia romántica que cuenta la historia de Agnes, que viaja a través del tiempo en busca del amor. Desde su primera aparición en 1688 en Escocia, donde se enamora de Alex, tiene una muerte violenta y se reencarna un siglo después para volver a encontrarse y enamorarse del mismo hombre una y otra vez. Un viaje a través de la historia y el amor de la mano de la directora y protagonista de Prevenge (2016).
FRANZ KAFKA EN TABAKALERA
La Semana ha preparado este año dos sesiones dedicadas a Franz Kakfa en Tabakalera, coincidiendo con el centenario de su muerte. El 26 de octubre se proyectará la adaptación de El castillo que dirigió Michael Haneke en 1997 y el día 31 tendrá lugar un maratón de cortos basados o inspirados en la obra del escritor checo.
El castillo (Das Schloss, 1997). Michael Haneke. Austria-Alemania-Francia
A última hora de una fría noche de invierno, el agrimensor K. llega a la localidad de Brückenhof. A partir de ese momento intentará alcanzar el castillo que domina el lugar para poder empezar a hacer el trabajo para el que ha sido contratado nadie sabe por qué. Pero cuanto más empeño pone en ello, menos cerca parece su objetivo. Michel Haneke adapta para la televisión la novela inacabada de Franz Kafka el mismo año que dirige (con parte del mismo reparto) Funny Games.
Franz Kafka: sesión de cortometrajes
The Country Doctor (1953). Lorenza Mazzetti. Reino Unido The Flat / Byt (1968). Jan Švankmajer. Checoslovaquia La cabina (1972). Antonio Mercero. España The Metamorphosis of Mr. Samsa (1977). Caroline Leaf. Canadá Franz Kafka’s It’s a Wonderful Life (1993). Peter Capaldi. Reino Unido L’Homme qui attendait (2006). Theodore Ushev. Canadá Dream of Kafka (2020). David Babayan. Armenia
Conocida entre el gran publico por ser la protagonista principal de Sightseers (2012), Alice Lowe debutó como realizadora en 2016 con Prevenge, comedia fantástica de tono subversivo que le daba la vuelta a los clichés asociados al estado de gestación. En su segundo trabajo tras las cámaras titulado Timestalker, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, Alice Lowe vuelve a indagar en el género a través de una obsesiva comedia romántica provista de paradojas temporales.
En Timestalker, que estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges dentro de la sección Noves Visions, vemos como la desventurada heroína Agnes de forma involuntaria se reencarna cada vez que se enamora del hombre equivocado, a través de un viaje que le llevará por 1680 en el oeste de Escocia, el Manhattan de la década de los años 80, o el apocalíptico siglo XXII.
La película, con guion y rol principal a cargo de la propia Alice Lowe, esta protagonizada por Jacob Anderson, Aneurin Barnard, Kate Dickie, Nick Frost, Tanya Reynolds, Zach Wyatt, Mike Wozniak, Dan Renton Skinner, Gerald Tyler y Boyd Clack.
Nacido el 4 de septiembre de 1916 en Zaragoza, la breve pero intensa trayectoria de Fernando Palacios en el ámbito del Séptimo Arte -truncada por su temprana muerte a los 49 años- demuestra el importante papel que jugó en uno de los periodos clave de la historia del cine español. Durante los años cincuenta y sesenta fue director de grandes éxitos, como El día de los enamorados (1959), Tres de la Cruz Roja (1961), La gran familia (1962), Marisol rumbo a Río (1963) o Whisky y vodka (1965).
Su vocación por el mundo del audiovisual hizo que enseguida probara suerte en la profesión. Su tío, el prestigioso cineasta Florián Rey, le dio la oportunidad de participar como ayudante de dirección en varias de sus películas y le enseñó las claves prácticas de la realización fílmica. Una colaboración que con posterioridad se extendió a Ladislao Vajda, de quien fue asesor y ayudante de dirección, y del que tomó un cierto tono de realismo poético. En 1952 codirigió su primer largometraje, El tirano de Toledo, junto a Henri Decoin, aunque se debut en solitario llegó en 1958 con El marido.
A partir de ese instante Palacios consolidó su carrera dentro de la comedia, siempre con un toque aleccionador y moralizante, tratando temas como la infancia, la adolescencia, la juventud, el noviazgo o el matrimonio; ofreciendo siempre una visión amable y costumbrista de la sociedad española. Sus obras fueron verdaderos productos comerciales, con los que se aseguraba el éxito de un público fiel a un tipo de cine ligero y acomodaticio, algo que no impidió que demostrara sus particulares habilidades como narrador y como cineasta, pudiendo definírsele como un notable “artesano” en el complejo panorama del cine español del franquismo.
Autor: Ana Asión Suñer, Fernando Sanz Ferreruela, Editorial: EDITORIAL FRAGUA, Páginas: 182
Tras su premier mundial hace unos meses en el marco del SXSW y su reciente paso por el Festival de Toronto acaba de ser presentado en sociedad un primer tráiler, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, del film titulado Dead Mail, thriller estilístico de texturas analógicas ambientado a principios de los años ochenta. La película, dirigida por el dueto formado por Joe DeBoer y Kyle McConaghy, BAB (2020) y Sheeps Clothing (2004), con McConaghy en solitario tras las cámaras, estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges dentro de la sección Noves Visions.
En Dead Mail vemos como una ominosa nota de ayuda llega a un departamento de correos de los años 80, conectando a un investigador de cartas muertas que trabaja en dicha oficina con un técnico secuestrado.
La película, con guion a car de los propios Joe DeBoer y Kyle McConaghy, está protagonizada por Sterling Macer Jr., John Fleck, Susan Priver, Micki Jackson, Tomas Boykin, Nick Heyman, Sean Heyman, Aaron Phifer, Michael Cambridge, Micah Fitzgerald, Sharieff Walters, David Willis, Joseph Lopez, Josh Harp, Shelby Sulak, Alyssa Brayboy, Jackie Green, Shelby Shea y Robin D. Stanton.
Los últimos trabajos de Steven Soderbergh, Coralie Fargeat, Alexandre Aja, Asif Kapadia, Natalia Erika James, Adam Elliot, Bertrand Mandico, Pupi Avati y muchos más presentes en Sitges2024.
Dos nuevos premiados de lujo
El actor Geoffrey Rush, mejor conocido como el capitán Barbossa en la saga Piratas del Caribe, será galardonado con el Gran Premi Honorífic de esta edición del festival. Ganador de un Oscar al Mejor Actor por Shine y dos BAFTAs al Mejor Actor Secundario por El discurso del rey y Elizabeth: La edad de oro, el intérprete australiano también ha abrazado el cine de género en películas como Dioses de Egipto, Mystery Men o House on Haunted Hill (1999). El actor vendrá al Festival, donde también se proyectará su última película, The Rule of Jenny Pen, como parte de la Sección Oficial a Competición.
Por otro lado, el cineasta Alexandre Aja recibirá este año el Premi Máquina del Temps. El realizador francés lleva más de dos décadas explorando todas las esquinas del terror, desde el slasher en su celebrado remake de Las colinas tienen ojos hasta las animaladas en Infierno bajo el agua o Piraña 3D. Este año Aja volverá a Sitges, donde su polémica Alta Tensión se llevó tres galardones en 2004, para recibir este reconocimiento y, ya de paso, presentarnos su última película: Nunca te sueltes (Never Let Go), la cual se encargará de poner el punto y final al Festival.
Los galardones a Geoffrey Rush, ALexandre Aja se suman a los premiados ya anunciados en julio: Mike Flanagan, Nick Frost, Heather Lagenkamp, Ovidio G. Assonitis, Christophe Gans, Fred Dekker y Fabio Testi.
Inauguración y clausura
Esta edición dará el pistoletazo de salida con un invitado de lujo. La película inaugural será Presence, lo nuevo del ganador de la Palma de Oro y del Oscar Steven Soderbergh. El polifacético director estadounidense, responsable de títulos como Ocean’s Eleven, Contagio, Sexo mentiras y cintas de video, Traffic o Solaris (entre muchos otros), presentará en el festival su nuevo largometraje, un intrigante relato sobre una familia acechada por una misteriosa presencia. Tras su éxito en la última edición del festival de Sundance y Toronto, Presence será presentada en Sitges con la presencia (nunca mejor dicho) de su director.
Por otro lado, aunque antes os hemos hecho un pequeño spoiler, anunciamos Nunca te sueltes (Never Let Go) de Alexandre Aja como película de clausura, un cuento sobrenatural en una cabaña en el bosque protagonizado por Halle Berry.
Los jurados para esta edición
No puede haber un buen festival sin un buen conjunto de jurados. Como cada año, estamos orgullosos de los numerosos profesionales que van a estar deliberando por nuestras salas. Tal y como anunciamos en julio, el jurado de la Sección Oficial estará formado por el director y guionista Fred Dekker (quien también recibirá el Premio Honorífico Màquina del Temps), el compositor y escritor cinematográfico inglés Stephen Thrower, la cineasta madrileña Carlota Pereda, el cineasta francés Christophe Gans (quien también recibirá el Premi Méliès Career) y la directora del Fantastic Fest, Lisa Dreyer
Por otro lado, en el jurado Méliès d’Argent participarán el guionista e investigador Álex Mendíbil, la directora ucraniana Marysia Nikitiuk y la investigadora norirlandesa Victoria McCollum. Del Jurado Blood Window y de la sección Òrbita se encargarán la productora Roxana Ramos, el director y montador estadounidense Douglas Buck y la productora Nahikari Ipiña, mientras que el periodista José Enrique Monterde, la programadora Rebecca de Pas y la crítica de cine Olivia Cooper-Hadjian serán el jurado de Noves Visions.
El jurado de la sección Anima’t reunirá a la animadora Bill Kopp, a Verónica Buide, presidenta de la asociación MIA (Mujeres en la Industria de la Animación), y el ilustrador Juanjo Sáez. La directora de vestuario Nerea Torrijos, el director Ivan Villamel y le critique de cine Mariona Borull se encargarán de la sección Brigadoon.
Nuevos títulos en la Sección Oficial
Aunque ya os regalamos un pequeño avance en julio, aún nos quedaban muchas caras por desvelar (algunas ya conocidas, otras aún por descubrir) para completar la Sección Oficial Fantàstic a Competició de esta edición del festival.
Asif Kapadia, director de Senna, Amy o Diego Maradona, deja de lado su idilio con el biopic para volver a abrazar sus orígenes vinculados al cine fantástico. Lo hará con 2073, un largometraje inspirado en La Jetée de Chris Marker que deambula entre la ciencia ficción y el documental. Por su lado, el cineasta que nos enamoró en 2019 con su ¿Dónde está mi cuerpo? vuelve a visitarnos, esta vez con Meanwhile on Earth. Jérémy Clapin se lanza a la acción en imagen real con este relato de extraterrestres que generó muy buenas reacciones en el pasado festival de Berlín. Los que aterrizan directamente de Venecia serán los hermanos Quay, monolitos de la animación experimental, nos presentan la oscura Sanatorium Under the Sign of the Hourglass, una fantasmagoría en stop-motion que enloquecerá a los fans de Phill Tippet.
Activistas, desapariciones y un planeta extraño. La actriz Adèle Exarchopoulos, habitual indiscutible del festival, protagoniza Planet B de la realizadora francesa Aude-Lea Rapin. Aislinn Clarke dará el salto de Midnight X-Treme, donde sorprendió en 2018 con su The Devil’s Doorway, a la Sección Oficial. Esta vez nos regala la inquietante Fréwaka, una relectura del folclore irlandés que hizo temblar al festival de Locarno. J.T. Mollner, responsable de Ángeles y forajidos, abandona a los cowboys para invitarnos en Strange Darling a una noche romántica con un asesino en serie. No tan romántica será la sesión de Basileia, el debut en formato largo de la cineasta italiana Isabella Torre, una misteriosa expedición arqueológica con ecos lovecraftianos.
Tras su paso por el festival en 2021 con Atrapados en la oscuridad, el neozelandés James Ashcroft nos abrirá las puertas de The Rule of Jenny Pen, un thriller geriátrico con ancianos asesinos protagonizado por el homenajeado Geoffrey Rush y John Lithgow. Desde Asia nos visita Li Yang con su Escape from the 21st Century, un divertido cuento sobre viajes en el tiempo. El cine de acción del realizador chino vuelve a nuestras pantallas tras sorprendernos en 2012 con su ópera prima, Lee’s Adventure. Y desde Brasil nos llega una interesante sesión doble. Por un lado, Marco Dutra vuelve a la Sección Oficial, tras hacerlo con su As boas maneiras en 2011, con el crudo retrato de dos recogedores de animales muertos en Bury Your Dead. Por el otro, Davi Pretto, director de las aplaudidas Castanha y Rifle, pondrá a dialogar lo sobrenatural con el western en su nueva Continent.
La noruega Tallulah Hazekamp Schwab se lanzará por primera vez al cine de género con Mr. K, un thriller claustrofóbico sobre un hotel con vibraciones de Overlook. Y necesitaremos una vez más ponernos la mascarilla, pues Thibault Emin nos trae la adaptación al largometraje de su corto Else, en el que despliega una extraña pandemia sin forma. Por último, la actriz Élise Otzenberger se estrenará en la dirección con Call of Water, una odisea de ciencia ficción familiar a la orilla del mar.
Una colección de sesiones muy especiales
La nueva Sección Oficial del festival, Sitges Collection, da el pistoletazo de salida con la ya anunciada La sustancia de Coralie Fargeat. Lo último de la directora de Revenge, ganadora del premio a la Mejor Dirección (¡y Mejor Dirección Novel!) en Sitges 2017, causó una auténtica histeria colectiva en la pasada edición del festival de Cannes. Protagonizada por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid, la película explora el arquetipo del doppelganger desde la óptica de la serie Z y del universo celebrity.
El legendario edificio Dakota vuelve a abrir sus puertas en Apartment 7A, la esperada precuela de La semilla del diablo. Tras el aplaudido paso de Relic por la edición pandémica del festival, la directora Natalie Erika James toma las riendas de este prólogo maldito que se pregunta, de la mano de las actrices Julia Garner y Dianne Wiest, qué pasó antes de que Rosemary se mudara a Nueva York. Recién llegada del festival de Venecia aterriza en Sitges L’orto americano, la nueva película del maestro italiano Pupi Avati, protagonizada por Filippo Scotti y Rita Tushingham. El responsable de obras capitales del giallo como La casa dalle finestre che ridono y colaborador de Lamberto Bava presenta en esta ocasión el monocromático relato de un joven psicópata con ambiciones literarias.
No podríamos comprender un Sitges sin él: Nicolas Cage volverá este año a nuestras pantallas con Arcadian de Benjamin Brewer. El reconocido director de videoclips sigue sus andadas por el séptimo arte en este survival paterno-filial que también cuenta con la presencia del joven Jaeden Martell, siempre fiel al cine de terror. El que también adoptará el papel de padre será Elijah Wood, otro amigo del festival, en Bookworm de Ant Timpson. El cineasta repite con Wood tras el éxito en Sitges de Come to Daddy, esta vez en una aventura familiar acechada por una bestia mitológica.
El cine asiático, como no podría ser de otra forma, también estará presente en esta nueva sección. Tras pasar por Sitges en 2017 con su divertidísima Your Spiritual Temple Sucks, el cineasta taiwanés John Hsu presentará su nueva película Dead Talents Society, una comedia paranormal con alma de creepypasta sobre unos fantasmas ansiosos por convertirse en leyenda urbana. En la otra cara de la moneda estará Exorcism Chronicles: The Beginning, de Kim Dong-Chul, una pesadilla animada que combina animación 2D y 3D. Esta adaptación de una de las webtoons coreanas más populares de los últimos años fue estrenada en la pasada edición del festival de Annecy.
Siguiendo con la animación, naufragará en las costas de Sitges Robot Salvaje, lo último del maestro estadounidense Chris Sanders. El responsable de películas como Lilo & Stitch o Cómo entrenar a tu dragón despliega una odisea robótica doblada por un elenco de lujo, entre los que destacan en la versión original Lupita Nyong’o, Pedro Pascal y Mark Hamill, y en la versión doblada al castellano Macarena García y Álvaro Morte. De aventuras animadas va la cosa, pues Diplodocus de Wojtek Wawszczyk también tendrá su hueco en la sección. El cineasta polaco, encargado de los efectos visuales de Yo Robot, debuta en el largometraje con esta colorida propuesta.
Más allá de Sitges Collection, acogeremos también algunas de las ya míticas sesiones especiales del festival, empezando por la esperadísima El misterio de Salem’s Lot, la última adaptación a la gran pantalla del icónico relato de Stephen King. Gary Dauberman, director de Annabelle vuelve a casa y guionista de las It de Andy Muschietti, presentará el nuevo descenso a los infiernos del novelista Ben Mears, interpretado en esta ocasión por Lewis Pullman. El tándem de cineastas Bridget Savage Cole y Danielle Krudy vuelve a pedalear en House of Spoils, un intenso thriller sobre el caos en la cocina, a partir de las angustias de una chef que lucha por mantener a flote su restaurante. Tras Derribad al hombre, las estadounidenses coreografían una pesadilla en la cocina protagonizada por Ariana DeBose, Arian Moayed y Barbie Ferreira.
Otra pareja que no podía faltar a la cita es la compuesta por Alexandre Bustillo y Julien Maury, quienes en The Soul Eater nos sumergirán en la turbia atmósfera de una investigación policial que pretende resolver una escalofriante serie de desapariciones de niños en un apartado pueblo. Destry Allyn Spielberg, hija del mítico director estadounidense, se estrena en el largometraje con Please Don’t Feed the Children de la mano del actor Giancarlo Esposito. Por último, volvemos a acoger a otros sospechosos habituales de Sitges, ya que Hidenori Inoue vuelve a traernos el espíritu teatral del kabuki con Rose & Samurai 2: Return of the Pirate Queen.
Asia vuelve a conquistar Òrbita
Un año más se vuelve a confirmar que las periferias del género siguen siendo lideradas por los cineastas asiáticos; nuestra sección Òrbita sigue siendo testigo de ello. Desde Hong Kong aterriza The Goldfinger, de Felix Chong, un thriller de acción con espíritu ochentero liderado por un elenco de lujo, en el que destacan Tony Leung y Andy Lau. Al igual que estos actores, también ha colaborado con Wong Kar-wai el realizador chino Xu Haofeng.Tras el éxito de El maestro nos narra en 100 Yardsel intenso duelo por el liderazgo de una academia de wushu.
Corea del Sur nos regala The Roundup: Punishment de Heo Myeong Haeng, director de Cazadores en tierra inhóspita, en el que el ya mítico actor Ma Dong-seok completa la cuarta parte de esta exitosa franquicia de acción detectivesca. También es surcoreana y policial la nueva película de Ryoo Seung-wan, el encargado de Escape from Mogadishu. En I, The Executioner, el asesinato de un profesor siembra dudas sobre la existencia de un asesino en serie. Por su parte, Lee Jong-pil nos dejará sin aliento con Escape, en la que un sargento norcoreano intentará dar caza a un desertor. Cierra la alineación asiática primero, desde Hong Kong Kim-Wai Yuen con The Moon Thieves, una sofisticada intriga que gira alrededor de una trama de robos de relojes, y después el japonés Nobuhiro Yamashita, quien este año hace doblete en el Festival con su Ghost Cat Anzu, con un angustioso thriller al que sólo le hacen falta dos actores, Confession.
Esta edición de Òrbita también da la bienvenida a viejos conocidos del festival. Los hermanos Marco y Antonio Manetti seguirán adaptando los fumetti de Angela y Luciana Giussani en Diabolik ¿Quién Eres? (Diabolik: Who Are You?). El cineasta congoleño Jean Luc Herbulot vuelve tras proyectar su Saloum en el Noves Visions de 2021. En esta ocasión se trae bajo la manga Zero, un asfixiante largometraje que se pregunta de dónde salen las bombas que tienen sus protagonistas en el pecho. El belga Fabrice Du Welz también conoce Sitges bastante bien, pues algunos de sus anteriores trabajos, como Adoration o Alleluia, ya han impactado en nuestras pantallas. Un policía que prefiere tomarse la justicia por su mano será su nuevo pretexto para volver a visitarnos con Maldoror, uno de los grandes seísmos del último Festival de Venecia.
Pondrá el punto y final a la sección Òrbita la esperada Beating Hearts, un romance violento que pudo verse en el pasado festival de Cannes. Gilles Lellouche, actor habitual de Quentin Dupieux, se encarga de dirigir al elenco habitual de este mismo (Adèle Exarchopoulos, Vincent Lacoste, Jean-Pascal Zadi) en un retrato kitsch de una relación poco esperanzadora.
Panorama, una constelación del terror actual
La sección Panorama nos ofrece las premieres españolas de algunos de los títulos de terror que más han dado que hablar durante los últimos meses. Cristian Ponce, director de uno de los mayores fenómenos de la edición del 2021, Historia de lo oculto, vuelve a Sitges con A Mother’s Embrace, un survival horror ambientado en 1996. El mexicano Isaac Ezbán, habitual del festival, también estará presente en la sección con su nuevo Párvulos: Hijos del apocalipsis, la historia de tres jóvenes que esconden algo muy oscuro en su sótano.
El danés Ole Bornedal presentará en El vigilante nocturno: Demonios heredados (Nightwatch: Demons Are Forever) a un Nikolaj Coster-Waldau enfrentado con sus traumas del pasado, el ucraniano Pavlo Ostrikov desplegará una solitaria odisea en el espacio en U Are the Universe y el estadounidense Brandon Espy retratará en Mr. Crocket a un presentador de programas infantiles secuestrador de niños, que bien podría ser una versión afroamericana (y muy pasada de rosca) del mítico Freddy Krueger. Por su lado, Paul Evans Thomas coreografia una versión rural del Impacto de Brian De Palma en Within the Pines, Spider One se imagina un monstruo pesadillesco devorador de madres en Little Bites,Mercedes Bryce Morgan construye un tentador laberinto de sexo, mentiras y supervivencia en Bone Lake y Tata Sidharta imagina a un adolescente con capacidad para entrar en los sueños ajenos en Respati.
El letón Marcis Lacis sacará del ataúd su Touched by Eternity, una comedia vampírica art-house, el italiano Francesco Carnesecchi se irá de caza en su oscura Resvrgis y el japonés Jun’ichi Yasuda se pondrá meta con la alocada comedia A Samurai in Time. Acabamos el repaso a Panorama con Push, de David Charbonier y Justin Powell, el horror histórico de The Damned de Thordur Palsson, la búsqueda de un cazador de monstruos desaparecido en Kryptic de Kourtney Roy, la exploración de un tenebroso edificio en Tenement de Sokyou Chea y Inrasothythep Neth, y las artes marciales en el universo comatoso de Inexternal de Kim-Wai Yuen.
Noves Visions, nuevas miradas
La sección Noves Visions sigue siendo el espacio ideal para descubrir esas pequeñas joyas que quizás aún no están generando tanta conversación, pero que sin duda van a empezar a hacerlo. Damos el pistoletazo de salida anunciando una sesión especial en la que podremos disfrutar de la remasterización en 4K y en montaje de “Director’s Cut” de la película de culto The Fall de Tarsem Singh. El cineasta indio plasma en esta apabullante extravagancia, ganadora del premio a Mejor Película en Sitges 2007, el espíritu inconformista de esta sección. Lo mismo puede decirse del cine del francés Bertrand Mandico, quien será el encargado de clausurar la sección con su indescriptible Dragon Dilatation. Este díptico de ensayos fílmicos promete poner el festival patas arriba, tal y como lo hizo en su paso por el festival de Locarno. También podrá verse en Noves Visions el último cortometraje de Don Hertzfeldt, director de It’s Such a Beautiful Day y World of Tomorrow, quien vuelve con su minimalismo existencialista en la odisea musical ME.
A competición estará Sew Torn, de Freddy Macdonald, uno de los thrillers más adictivos de la temporada, Love me de Sam y Andy Zuchero, una peculiar historia de amor entre una boya y un satélite interpretados por Kristen Stewart y Steven Yeun; Witte Wieven de Didier Koning, un cuento de terror medieval que arrolló el festival de Rotterdam; Your Monster de Caroline Lindy, retrato de un monstruo encantador protagonizado por Melissa Barrera, y Electric Childde Simon Jaquemet, un distópico pacto fáustico con la Inteligencia Artificial. También se pasarán por la sección The Killers, la antología hitman coreana de Jong-kwan Kim, Deok Roh, Hang-jun Chang y Myung-Se Lee; Los hiperbóreos(The Hyperboreans), la rareza esotérica chilena de Joaquín Cociña y Cristóbal León; Gazer, la paranoia discronométrica de Ryan J. Sloan, y Pepe, la increíble fábula sobre los hipopótamos de Pablo Escobar a cargo de Nelson Carlo de los Santos Arias.
Completan el menú los atípicos viajes en el tiempo de Things Will Be Different, de Michael Felker, el combate entre adolescentes inconformistas y espíritus malignos en Spirit in the blood de Carly May Borgstrom, el horror cultista de Body Odyssey de Grazia Tricarico, los surrealistas viajes temporales de She Loved Blossoms More de Yannis Veslemes, los relatos isleños a la mexicana de Un cuento de pescadores, de Edgar Nito, y la pesadilla metacinematográfica de It Doesn’t Get Any Better Than This, de Rachel Kempf y Nick Toti.
El cine de animación brilla en Anima’t
Por mucho que la animación esté presente en muchísimos otros rincones del Festival, Anima’t sigue siendo un año más su santuario. Adam Elliot, director de la más que aplaudida -y llorada- Mary and Max, nos vuelve a abrir las puertas de su oscuro universo de claymation con su nueva película, Memorias de un caracol (Memoir of a Snail). Una de las figuras más importantes del stop-motion contemporáneo narra en esta ocasión la relación entre una solitaria niña aficionada al coleccionismo y una excéntrica anciana llamada Pinky. Todo lo contrario a la oscuridad de Elliot nos aportará la brillante The Colors Within, lo nuevo de Naoko Yamada. La responsable de joyas del anime japonés como A Silent Voice dibuja la historia de una estudiante sinestésica que puede ver a los demás como colores.
Desde China nos llega The Umbrella Fairy, estreno como realizador del director de arte Jie Shen, un cuento de hadas capaz de fusionar el folclore chino con la animación japonesa. Después de imaginar On the White Planet,el animador surcoreano Hur Bum-wook se atreve con Pig that survived foot-and-mouth disease, la irónica historia sobre un cerdo que quiere ser humano y un humano que quiere ser un animal. Ricardo Curtis y Rodrigo Perez-Castro colaboran por primera vez en la divertida Night of the Zoopocalypse, un apocalipsis 3D causado por un meteorito que convierte a los animales en zombis babosos mutantes. Por último, el argentino David Bisbano, director de Rodencia y el diente de la princesa, imagina una odisea familiar borgiana en Dalia y el Libro Rojo, mientras que el paquistaní Usman Riaz se lanza al largometraje con su antibelicista The Glassworker. Cerramos el telón con la proyección especial de Guillot i Llebre salven el bosc (Fox & Hare save the forest), donde la holandesa Mascha Halberstad, directora de la aplaudida Knor (Oink Oink), narra la animada odisea de dos mejores amigos en busca de un búho desaparecido.
Freaks, colmillos y homenajes a los clásicos
Somos conscientes de que las integrantes de la sección Sitges Clàssics de esta edición no necesitan presentación alguna. Este año se podrá disfrutar en este gabinete de obras maestras títulos como La matanza de Texas de Tobe Hopper, monolito del slasher estadounidense que se proyectará en una impactante copia en 35mm. Presentamos también la remasterización en 4K del clásico del kaiju eiga Godzilla de Ishirō Honda. También homenajearemos a algunos de los premiados durante el festival, como por ejemplo a la actriz Heather Lagenkamp con la proyección de Pesadilla en Elm Street de Wes Craven, al actor Fabio Testi con la de Revolverde Sergio Sollima y al cineasta Fred Dekker con una sesión de su Night of the Creeps. Cerramos la sección con la proyección de la secuela apócrifa Alien 2 de Ciro Ippolito.
Además, con motivo del leitmotiv de esta edición, dedicamos una retrospectiva al universo de los freaks, empezando con Freaks, claro está, y Garras humanas de Tod Browning y El rostro de Ingmar Bergman, pasando por Santa Sangre de Alejandro Jodorowsky, Extrañas criaturas de Ray Dennis Steckler y The Funhouse de Tobe Hopper, para terminar con Balada triste de trompeta de Álex de la Iglesia y La casa de los 1000 cadáveres de Rob Zombie, esta última remasterizada en 4K.
La no-ficción se refugia en Sitges Documental
Viviendo una actualidad tan terrorífica y surrealista, no tendría sentido que el festival obviara la no-ficción. Es por eso que este año Sitges Documenta vuelve con mucha fuerza. No podemos entender Sitges sin Dario Argento, así añadimos a los documentales anunciados en julio Deep Argento de Giancarlo Rolandi y Steve Della Casa, un personal viaje por la vida del maestro de giallo, hasta ahora siempre relativamente desconocida. Rupert Russell presenta The Last Sacrifice, un aterrador documento sobre el asesinato de Charles Walton, evento que inspiró The Wicker Man y dio origen al folk horror. Por si fuera poco paganismo, Scott Cummings nos trae Realm of Satan, un experimental retrato de la Iglesia de Satán.
En el terreno nacional Víctor Matellano, un habitual del Festival, presenta un nuevo documental sobre la legendaria figura de Paul Naschy, uno de los grandes nombres del cine de terror español. Se titula Llámame Paul y formará parte de Sitges Documenta. Otra participante española en Sitges Documenta será Ishiro Honda: Memoirs of a Film Director de Jonathan Bellés, uno de los grandes expertos en kaiju eiga de este país. En este caso, se centra en la carrera como director Ishiro Honda, conocido por ser el director de Godzilla. Japón bajo el terror del monstruo (1954).
Midnight X-Treme, para los no madrugadores
Id preparando el café, porque Midnight X-Treme, la sección para los más trasnochadores, vuelve a abrir sus puertas. El incansable Joe Begos, encargado de locuras vistas en el festival como Bliss o Christmas Bloody Christmas, vuelve a casa con Jimmy & Stiggs, una alucinógena pesadilla de drogas, alcohol y alienígenas rodada en 16mm. Frankie Freako de Steven Kostanski, uno de los directores de The Void, promete una alocada fiesta con una extraña criatura. El incansable Lowell Dean estará con nosotros por partida doble, pues nos trae Die Alone, un ‘niño con amnesia vs zombies’, y Dark Match, un ‘luchadores de wrestling vs cultistas’. También nos visita Las motosierras cantan (Chainsaws Were Singing) de Sander Maran, una desternillante película de acción-terror-gore-musical-comedia-serie B recién llegada de Estonia.
Completan el insomnio títulos como Operation Undead de Kome Kongkiat Komesiri, Fly Me To The Saitama: From Biwa Lake With Love de Hideki Takeuchi, Hell Hole de John Adams y Toby Poser, Grafted de Sasha Rainbow, Plastic Guns de Jean-Christophe Meurisse, The Beast Hand de Taichiro Natsume y 1978 de Nicolásy Luciano Onetti.
Brigadoon, café para los muy cafeteros
La sección Brigadoon vuelve a presentarse como el punto de encuentro de esa cinefilia enamorada de los títulos y voces más desacomplejadas del cine de género. Con una completa selección de cortos, documentales, largos, y encuentros/homenajes con artistas siempre a reivindicar, Brigadoon hará las delicias de los paladares más inquietos con propuestas como Traumatika de Pierre Tsigaridis, Tripping the Dark Fantastic de Lg White, Monster on a plane de Ezra Tsegaye y Year 10 de Ben Goodger. Pone la guinda del pastel la reposición de los 360 minutos integros de la miniserie de The Stand (Apocalipsis), que contará con presentación y coloquio de la mano de su director Mick Garris y del premiado Mike Flanagan.
Sitges Family, fantástico para todos los públicos
Como el cine de género no conoce de edad, el festival vuelve a reivindicar las propuestas familiares más fascinantes del momento en Sitges Family. Entre las películas seleccionadas este año encontramos John Vardar vs the Galaxy de Goce Cvetanovski, la primera película de animación de la historia de Macedonia del Norte, Pigsy de Li Wei Chiu, ganadora del Taipei Film Fest, o The Worlds Divide de Denver Jackson, creador de la serie Esluna: The First Monolith, entre muchas otras.
Horror Girls repite por todo lo alto
Tras el éxito de su primera edición, Sitges vuelve a acoger Horror Girls, unas jornadas dedicadas al cine de género fantástico europeo y la creación femenina que ponen de manifiesto cómo el talento de autoras se valora en cada una de las fases de la cadena de valor del producto cinematográfico. Dentro del marco de Horror Girls podremos disfrutar de un encuentro con la actriz Heather Langenkamp (Nancy Thompson en Pesadilla en Elm Street, Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño y La nueva pesadilla de Wes Craven), quien recibirá el Premio Màquina del Temps en esta edición del Festival, y de una conversación entre Coralie Fargeat (directora de La sustancia y Revenge) y Carlota Pereda (directora de Cerdita y La ermita), dos de las voces más provocadoras y frescas del terror contemporáneo.
Entre las diferentes actividades, también proponemos mesas redondas sobre producción y distribución con Priscilla Smith, Manon Barat, Antonia Nava, Nahikari Ipiña, Nuria Valls y Enrique López Lavigne; sesiones sobre el tratamiento de las mujeres protagonistas en el cine de género con Lauren LaVera, Desirée de Fez, Iván Fund, Mònica Garcia Massagué, Heidi Honeycutt y Victoria McCollum; y conversaciones entre parejas de realizadores sobre sus experiencias en la dirección (Paco Plaza y Denisse Castro, Marysia Nikitiuk y Paul Urkijo, Veronika Franz & Severin Fiala).
El paleontólogo José Luis Sanz (Universidad Autónoma de Madrid) es uno de los grandes expertos en dinosaurios y, concretamente, un estudioso de la persistente atracción que estos grandes reptiles han ejercido desde sus orígenes sobre el cine y sobre la cultura popular en su conjunto. Del mismo modo que el invento de los Lumière presenta esa turbadora doble faz que aúna lo científico con lo fantástico, lo imaginario con lo real, en la permanente dinomanía (incluso entre jóvenes y niños) juega sin duda un papel fundamental esa razonable convivencia de lo mitológico con lo natural. De la mano del paleontólogo, propondremos una pequeña historia del cine sobre dinosaurios, desde los tiempos del cine mudo hasta la actualidad. La sesión inaugural (12 de septiembre) irá precedida de una conferencia de acceso libre, en la que el paleontólogo presentará las cinco películas que componen el ciclo.
Fecha: 12.09.2024 — 19.09.2024
Películas del ciclo
El mundo perdido (Harry O. Hoyt 1925)
Una expedición científica británica viaja a una remota meseta de la selva brasileña. Allí encuentran hombres prehistóricos y toda clase de dinosaurios en esta adaptación de la famosa novela de Sir Arthur Conan Doyle. Los efectos especiales corrieron a cargo de Willis H. O’Brien, un pionero de la animación en el cine que desarrolló la técnica de simular la animación por medio de figuras de goma con estructuras metálicas que se movían unos milímetros para cada fotograma.
Jue 12/09, 20:30. A las 19h conferencia de introducción al ciclo a cargo de José Luis Sanz
King Kong (Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack 1933)
Un equipo de cine va a rodar una película a la misteriosa isla de Teschio, al este de Sumatra. Allí los recién llegados descubren la existencia de una civilización prehistórica y de una tribu ancestral que secuestra a la atractiva Ann, la actriz protagonista, para ofrecerla en sacrificio ritual a King, un gigantesco gorila.
Vie 13/09, 19:00
El monstruo de tiempos remotos (Eugène Lourié 1953)
El mítico Ray Harryhausen dirigió los efectos especiales de esta clásica cinta de ciencia-ficción basada en un relato de Ray Bradbury «La sirena». Tras un experimento nuclear, un deshielo provoca la vuelta a la vida de un dinosaurio, que sembrará el pánico entre la población.
Mar 17/09, 19:30
Hace un millón de años (Don Chaffey 1966)
En tiempos prehistóricos, los hombres se guian por sus instintos de supervivencia, compitiendo contra los grandes depredadores y las tribus rivales. En una de ellas, Tumak es expulsado de su clan, el Pueblo de las Piedras, por haberse peleado con su padre. Tras vagar durante días, es salvado por el pacífico Pueblo de las Conchas, y allá Tumak se enamora de Loana, uno de sus miembros.
Mié 18/09, 19:30
Parque Jurásico (Steven Spielberg 1993)
Bienvenidos… a Jurassic Park. Los dinosaurios vuelven a caminar sobre la tierra en una de las obras más queridas y recordadas de Steven Spielberg, adaptación de la magnífica novela de Michael Crichton. Suyo es el honor de haber definido en nuestro imaginario al todopoderoso T-Rex y a los icónicos Velociraptores y que la melodía de John Williams suene en nuestras cabezas siempre que recordamos este título. El multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana.
Acaba de ser presentado de la mano de Searchlight Pictures un primer tráiler, que podéis ver a final de pagina junto a su póster oficial, de Nightbitch, nuevo trabajo tras las cámaras de la realizadora Marielle Heller, The Diary of a Teenage Girl (20215), A Beautiful Day in the Neighborhood (2019), What the Constitution Means to Me (2020), que adapta la novela de Rachel Yoder conocida en nuestro país con el titulo de Canina. La película, una comedia negra con elementos de género fantástico, tras su premier mundial estos días en el marco del Festival de Toronto, llegará a las salas comerciales de Estados Unidos el próximo 6 de diciembre de 2024.
En Nightbitch vemos como una mujer hace una pausa en su carrera profesional para convertirse en madre y ama de casa, pero pronto su vida doméstica toma un giro surrealista. A medida que acepta el poder salvaje profundamente arraigado en la maternidad, se vuelve cada vez más consciente de las extrañas e innegables señales de que se puede estar convirtiendo en un perro.
La película, con guion adaptado a cargo de la propia Marielle Heller junto a Rachel Yoder, está protagonizada por Amy Adams, Scoot McNairy, Mary Holland, Ella Thomas, Kerry O’Malley, Jessica Harper, Michaela Baham, Stacey Swift, Garrett C Phillips, Zoe Chao, Michael Andrew Baker, Laura Meadows y Preston Galli.
“La fragilidad del hielo”: Instantes de vida suspendidos en el tiempo. Anthony Chen, director de la formidable «Retratos de familia (Ilo Ilo)», regresó al Festival de Cannes con su última película, una íntima exploración de las relaciones humanas y la amistad.
El viernes6 de septiembre Filmin estrena,en exclusiva en España, la película «La fragilidad del hielo», tercer largometraje del director singapurense Anthony Chen, quien obtuvo una gran notoriedad hace una década dentro del panorama del cine de autor internacional tras ganar la Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima del Festival de Cannes con «Retratos de familia (Ilo Ilo)«.
Su nueva película narra la relación entre tres jóvenes que se conocen en Yanji, una ciudad al norte de China. El introvertido Li Haofeng ha venido de visita desde Shangái, donde trabaja en una empresa de finanzas. En un tour turístico conoce a la guía Nana, por la que pronto siente una gran fascinación. Ella es quien le presenta a su amigo Xiao, un chico simpático pero frustrado por su trabajo en un restaurante. Los tres compartirán unos días de alcohol, música y risas que contrastan con las enormes heridas interiores que sufren. De Nana, por ejemplo, sabemos que un día soñó con ser patinadora sobre hielo, pero una grave lesión la apartó de su camino. Lo que atormenta a Li es menos obvio, pero a tenor de algunas de sus reacciones, parece algo serio.
El director Anthony Chen quería capturar el espíritu de la generación actual de jóvenes chinos sobre los que había estado leyendo mucho en los últimos tiempos. «Como no crecí ni viví en China, no siento que tenga la autoridad para esculpir un retrato realista y social auténtico de cómo es la vida de un joven en ese país. Por lo tanto, intenté traducir esas ideas sobre las que estaba leyendo a través de trazos más amplios y, idealmente, expresar las emociones y ansiedades de esta generación«, explica.
El título de la película hace referencia, según Chen, a una metáfora alrededor del hielo que puede identificarse con la relación breve pero intensa que une a los personajes: «Me parece fascinante que el agua se solidifique en hielo con bastante rapidez a bajas temperaturas y que, cuando entra en juego el sol o el calor, se derrita de nuevo en agua rápidamente. Hay algo en esta idea que me atrajo y, sin tener una idea clara de qué historia o trama quería escribir, sabía que quería capturar este sentimiento, el de tres jóvenes que se unen y desarrollan una relación en un tiempo relativamente corto«. En este «deshielo» impactan algunas escenas en las que el tiempo parece detenerse para los tres protagonistas, ya sea tocando una canción con una guitarra o frente a un oso salvaje en una montaña nevada. Son como epifanías suspendidas en el tiempo.
Chen confiesa que «Jules y Jim», de François Truffaut, fue su mayor inspiración para esta película. «Para mí era importante que no se tratara simplemente de un triángulo amoroso trillado con dos hombres enamorándose de la misma chica; quería establecer algún tipo de ambigüedad y complejidad en las relaciones», afirma. La película contiene también un pequeño homenaje a otra obra magna de la Nouvelle Vague: «Banda aparte«, de Jean-Luc Godard.
«La fragilidad del hielo» participó en la sección Un certain regard del Festival de Cannes 2023. Está protagonizada por tres estrellas emergentes del cine chino: Zhou Dongyu («Amor bajo el espino blanco«), Liu Haoran («Fire on the Plain«) y Qu Chuxiao («La Tierra errante«).
Tras varios años de gestación acaba de ser presentado en sociedad de la mano de Adult Swim y Production I.G. un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la esperada adaptación animada del famoso manga de Junji Ito Uzumaki. Publicado en la revista Big Comic Spirits, entre los años 1998 y 1999, y con una versión al cine en imagen real a cargo de Andrey Higchinsky en el año 2000, la nueva adaptación, que constará de cuatro episodios en formato de miniserie, viene a ser una aproximación lo más fiel posible al manga, concebida a través de un enfoque visual en blanco y negro que busca reflejar mediante la animación el arte conceptual del maestro Junji Ito.
En Uzumaki vemos como Kurouzu, un pequeño pueblo rodeado por la niebla en la costa de Japón parece estar maldito. Según Shûichi Saitô, el novio de la joven Kirie Goshima, su hogar está encantado, no por una persona, sino por un patrón denominado Uzumaki, la espiral, el secreto hipnótico que da forma al mundo. Unos extraños sucesos empezaran a propagarse por toda la zona, llegando a infectar el cuerpo de las personas, lo que acaba convirtiendo al pueblo en un caos de horror. En un intento desesperado por escapar de la maldición de las espirales, Kirie decide huir de Kuouzu-cho.
Con dirección a cargo de Hiroshi Nagahama, (Detroit Metal City 2008), Flowers of Evil (2013), Mushishi: The Next Chapter (2014), el primer episodio de la serie estará disponible en nuestro país a través de Max el próximo 28 de septiembre.
A través de una obra compacta y cerrada sobre sí misma, André Delvaux visitó regularmente un extraño territorio a mitad de camino entre la realidad y lo imaginario. Su cine alude a una realidad fantástica mágica, como se la ha calificado recurrentemente, a una existencia transpuesta, la realidad de los sueños, de los temores y los remordimientos. Sus motores son los deseos inconscientes y el horror. Por ello, fue un maestro en la descripción de la subjetividad, porque creía en un arte que ha de representar no solo la vida exterior, sino sobre todo la interior. Y, así, partiendo de la realidad, su cine explora esa existencia íntima, reforzando su carácter espiritual y metafísico. Hoy, veinte años después de su muerte y casi cien de su nacimiento, ha caído sobre su obra una inmerecida penumbra que este libro quisiera contribuir a iluminar.
Índice
Prólogo
I. La otra parte
II. Una vida breve (a la manera de Aubrey)
III. La obra cinematográfica
Primer período: los años del realismo mágico (1965-1973)
El hombre del cráneo rasurado (De man die zjin haar kort liet knippen, 1965)
Una noche, un tren (Un soir, un train, 1968)
Cita en Bray (Rendez-vous à Bray, 1971)
Belle (1973)
Segundo período: las películas de investigación, ensayos cinematográficos y el cine de no ficción [1975-1989]
Met Dieric Bouts (1975)
To Woody Allen from Europe with love (1980)
Babel Opéra, ouLa répétition de Don Juan de Wolfgang Amadeus Mozart (1985)
Tercer período: ¿Un interludio naturalista?
Mujer entre perro y lobo (Een vrouw tussen hond en wolf,1979)
Cuarto período: el retorno al realismo mágico (1983)
Benvenuta (Benvenuta, 1983)
Coda: la última mirada
L’Œuvre au noir(1988)
IV. Películas que nunca veremos
La literatura en la pantalla
El control del tiempo
Ficciones autobiográficas
Una investigación sobre la herencia de la cultura
Conclusión
Apéndice
V. Documentación y anexos
«Una colaboración sin nubes»
«Literatura y cine», extractos de Leyendoescribiendo
Tres cartas de André Delvaux
Carta a Michel Ciment sobre el filme Met Dieric Bouts
«Hacer una película con Delvaux»
Fragmentos de la correspondencia entre André Delvaux y Marguerite Yourcenar a propósito de la adaptación de Opus Nigrum
El autor en la ciudad (Ponencia de André Delvaux)
VI. Filmografía
Cortometrajes
Programas televisivos
Largometrajes
Bibliografía
Obras citadas
Referencias y fuentes bibliográficas sobre André Delvaux
Agradecimientos
El autor
Santiago Rubín de Celis, licenciado en Sociología y doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, empezó su actividad docente en 2006. Ha trabajado en dicha universidad, como investigador contratado, el Instituto Europeo di Design-Madrid, la Univ. Técnica de Ambato (Ecuador) y la Univ. Internacional de La Rioja, y ha impartido conferencias y seminarios, entre otras, en las prestigiosas Anglia Ruskin University de Cambridge y la University of St. Andrews. Colaborador habitual de revistas especializadas y de medios generales, es autor de artículos científicos y divulgativos y de media docena de monografías, y ha participado en diversos libros colectivos dedicados a la cultura visual, los medios audiovisuales y la historia y la estética del cine.
Autor: Santiago Rubín de Celis, Editorial: Prensas Universidad Zaragoza, Colección Luis Buñuel. Cine y vanguardias, Páginas: 342
Se acerca el inicio del Festival de Sitges y con ello se intensifican los anuncios. Hoy toca desvelar los títulos españoles que se unen a las anteriores confirmaciones de Una ballena, de Pablo Hernando, Apocalipsis Z: El principio del fin, de Carles Torrens, Exorcismo, de Alberto Sedano o The Birthday (4K), de Eugenio Mira, cuya celebración del 20 aniversario de su estreno estará acompañada por la presencia de Corey Feldman (podéis consultar dicho anuncio completo a través de este enlace).
Cine nacional en la Secció Oficial Fantàstic a Competició (SOFC)
Empezamos la batería de nuevas incorporaciones por la Secció Oficial Fantàstic a Competició (SOFC), en la que encontramos algunos nombres que ya saben lo que es estar en ella (y que incluso se han coronado allí).
Nacho Vigalondo y Daniela Forever, su último trabajo, no se podían perder esta cita. Protagonizada por Henry Golding y Beatrice Grannò, la película trata sobre un hombre que decide tomar parte de un ensayo clínico con tal de poder controlar sus sueños y conseguir volver a reunirse con su novia fallecida. Evidentemente, este experimento tiene sus riesgos, y en este caso los que afronta Nicolas son los de perderse en sus sueños para siempre. Daniela Forever fue el proyecto presentado por el Festival de Sitges como parte del Fantastic 7 en el Marché du Film – Festival de Cannes, y se trata de uno de los trabajos más personales del director cántabro.
Otro “sospechoso habitual” que regresa a la SOFC es Galder Gaztelu-Urrutia, quien quiere conseguir revalidar premio tras alzarse con el galardón a la Mejor Película en 2020 con El Hoyo. El director bilbaíno vuelve a explorar los temas de la avaricia, la ambición y la riqueza desmedida en Rich Flu, un largometraje en el que un virus está matando a todo aquél que posea cualquier tipo de riqueza, por lo que todo el mundo se está intentando deshacer de unas posesiones que acaban siendo una auténtica maldición. La película cuenta con un reparto de lujo en el que destacan nombres como el de Mary Elizabeth Winstead, Jonah Hauer-King o Timothy Spall.
Un film que promete dar mucho que hablar es Luna, de Alfonso Cortés-Cavanillas, una propuesta de ciencia ficción en el que una expedición privada viaja a la luna para fotografiar un cometa. Un fragmento de éste termina impactando contra la Tierra, cortando toda comunicación y dejándoles completamente aislados, luchando desesperadamente por sobrevivir en el vacío lunar. Con un reparto encabezado por Marian Álvarez, Greta Fernández, Asier Etxeandíay Roberto ÁlamoLuna podría convertirse en una de las grandes sorpresas de la SOFC.
El último de los largometrajes españoles que estará presente en la Sección Oficial a Competición será la ópera prima de Enrique Buleo, Bodegón con fantasmas, nueva y prometedora voz de la comedia del absurdo avalada por Juan Cavestany que coproduce junto a Alejandra Mora y Sideral. La cinta, que cuenta con una trayectoria impecable por mercados nacionales e internacionales, formó parte de la Incubadora de la ECAM y está recién aterrizada del First Look de Locarno. Se trata de una deliciosa comedia negra coral, con elementos autobiográficos y típicos de la idiosincrasia española como el esperpento o la picaresca, donde la creencia en lo paranormal está totalmente aceptada. En definitiva, un retrato único de la Manchuela que hará las delicias de los espectadores del Auditori.
Cine nacional en las demás secciones oficiales
En Sitges Collection, sección que se estrena en el Festival dedicada al fantástico que ya ha causado sensación en otros grandes certámenes, también podremos encontrar dos nuevas propuestas nacionales que darán mucho que hablar. La primera de ellas es un largometraje de animación que participó en la Sección Contrechamp de la pasada edición del Festival de Annecy. Estamos hablando de Mariposas negras de David Baute, una historia inspirada por mujeres reales que propone un viaje desde África, el Caribe y Asia hacia un futuro incierto para la humanidad. ¿El motivo por el que estos seres tienen que migrar? Un cambio climático que avanza despiadadamente y cuyas víctimas siempre son los más vulnerables.
La segunda incorporación nacional a Sitges Collection (tercera si contamos con la ya anunciada Apocalipsis Z: El principio del fin de Carles Torrens) es El llanto, primer largometraje del director vallisoletano Pedro Martín-Calero. La película trata sobre Andrea (interpretada por Ester Expósito), quien se ve acechada por algo o alguien que ella no es capaz de ver. Veinte años antes, esto mismo le había pasado a Marie (Mathilde Ollivier) y sólo hubo una persona que fue capaz de entender lo que ocurría, una mujer llamada Camila (Malena Villa). Las tres se enfrentarán a esta amenaza en la sombra y las tres escucharán un mismo sonido sobrecogedor: el de un llanto.
La sección Noves Visions siempre nos ofrece algunas de las propuestas cinematográficas más interesantes del año. Centaures de la nit e Infinite Summer son muestras perfectas del espíritu de la sección. La primera de ellas la firma uno de los directores catalanes con más prestigio en la actualidad, Marc Recha. Centaures de la nit, su décimo largometraje, está mrodado mayoritariamente con actores invidentes, y está libremente inspirada en el mundo surrealista del fotógrafo invidente esloveno Evgen Bavèar y el imaginario de Luis Buñuel: cine libre, radicalmente independiente, global y transversal. Por otro lado, Infinite Summer llega de la mano de un director más que conocido para los aficionados al Festival de Sitges: Miguel Llansó. La película nos sitúa en una playa estonia, en la que las vacaciones de tres jóvenes se convertirán en un misterio transhumanista. Una exploración de la juventud, la sexualidad y la amistad con los giros surrealistas a los que nos tiene acostumbrados el director madrileño.
En la sección Panorama tendremos una coproducción española y mexicana filmada en Jalisco destinada a convertirse en una de las cintas más inquietantes de esta edición del Festival. Dirigida por Adrián Araujo, Estela es la historia de una pareja que decide mudarse a una mansión frente a un lago, en busca de una tranquilidad que les permita convertirse en padres. Su obsesión termina por atraer al fantasma de una niña que busca una madre. Además de Estela, también tendremos en Panorama Historias de Halloween, lo último de Kiko Prada. Trata sobre el periplo de Luis, quien en una noche de Halloween termina en un viejo anticuario que esconde muchos secretos. La película cuenta con un gran reparto coral en el que encontramos nombres como los de Macarena Gómez, Christian Thomas y Javier Botet.
En Anima’t también tendremos otra coproducción, en la que en este caso participan España, Argentina, Perú, Brasil, Ecuador y Colombia. Estamos hablando de Dalia y el Libro Rojo, de David Bisbano, una cinta de animación fantástica en la que Dalia se convertirá en parte del libro que estaba escribiendo su padre fallecido, enfrentándose cara a cara con los personajes que había creado.
Recuperando cine español de culto
En Julio ya avanzamos que dedicaríamos una retrospectiva dedicada a la figura de León Klimovsky y también que recuperaríamos algún clásico de culto del gran Jesús Franco. En el caso del primero, ya anunciamos las proyecciones de Dr. Jekyll y el hombre lobo y Último deseo. A ellas, se le suman dos de las grandes películas de vampiros que realizó el director nacido en Argentina pero que realizó la mayor parte de su obra en España: El extraño amor de los vampiros y La saga de los Drácula. Nos mantenemos en territorio vampírico con Las Vampiras, Drácula contra Frankenstein (4K) y El conde Drácula, obras de culto de Jesús Franco. A todos estos tesoros añadimos un título que encaja como anillo al dedo a leitmotiv feriante y circense de este año: Balada triste de trompeta, de Álex de la Iglesia.
Cortometrajes con sello nacional
A los largometrajes anunciados hay que añadirle un buen puñado de cortometrajes que se podrán ver en las distintas secciones del certamen sitgetano. En Sección Oficial, se proyectarán Imago, de Rafa Dengrá, Malet de Roger Danès y Alfred Pérez Fargas y Triangle de Joseph Díaz. Como sesiones especiales tendremos la presencia de Los comensales de Mj Fuentes,The Merchant de Gabriel Campoy y Guillem Lafoz Y Tengo que acabar el puto TFM de Estíbaliz Burgaleta y Andrea Casaseca. La primera, recordemos, fue la ganadora de la primera edición del Concurso de Creación de Corto-Teaser WomanInFan. La sección Anima’t – Curts contará con un total de cuatro producciones nacionales: The Hunt de Diogo Costa, Crimson Harbor de Victor Bonafonte, When It Comes (It Will Have Your Eyes) de Izibene Oñederra y La valla de Sam Orti. Por último, destacar también la presencia del cortometraje hispano-andorrano El mal donat, de Hector Mas y Alfons Casal, que participará en Noves Visions – Curts.
Cine español en Brigadoon
Siguiendo con la temática de cortometrajes nacionales, en la sección Brigadoon podemos encontrar una selección más que interesante, que además competirán por el Premio Brigadoon Paul Naschy. Son un total de cuatro: El Cristo de la Calavera de Chus Lara, Voyager de Pablo Pagán, The Harvest, de David Barrera y Manuel Carballo y Céntrico, de Luso Martínez.
En cuanto a largometrajes, hay que destacar la proyección de La tumba de la isla maldita (1973), de Julio Salvador y Ray Danton, que se proyectará como una sesión homenaje a Teresa Gimpera. También estarán presentes los documentales, empezando por José Lifante, una aventura en el cine, que dirige David García Sariñena. Otro documental que se proyectará será Este será el último. Naxo Fiol y su camarita de Carlos J. Lafuente Cerdán y Xavier Gullaumes que estará en una sesión acompañado del cortometraje El fantasma de la mediocridad de Naxo Fiol. Por último, en una sesión organizada por CineAsia podrá verse Los albores del Kaiju Eiga de Jonathan Bellés.
Sitges Family
En Sitges Family también podemos encontrar una buena cantidad de propuestas españolas. En cuanto a largometrajes, tendremos la presencia de Superklaus, de Steve Majaury y Andrea Sebastiá, una coproducción entre España y Canadá que nos cuenta la historia de Papá Noel que, tras golpearse la cabeza, se cree un superhéroe y se enfrenta a un empresario obsesionado con vender juguetes.
En cuanto a cortometrajes, la selección es muy extensa, llegando a los siete títulos nacionales: La gran cita de Conej de Pablo Río Gómez, Flocky de Esther Casas Roura, Gizaki de Xanti Rodríguez, El atrapasueños, de Guillermo Patrikios, Cuando llegue la inundación, de Antonio Lomas Domingo, Sincopat, de Pol Diggler, Un placer (A pleasure), de Sonia Estevez, Buffet Paradís, de Héctor Zafra y Santi Amézqueta y Malas hierbas, de Cristina Merino.
SOFC
‘Bodegón con fantasmas’ – Enrique Buleo (Estreno Mundial)
El legendario realizador británico Mike Leigh tras sus incursiones de época, Mr. Turner (2014) y Peterloo (2018), regresa al mundo contemporáneo con su nuevo trabajo tras las cámaras titulado Hard Truths, film cuyo primer tráiler acaba de ser presentado en sociedad y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, que vuelve a reunir a Mike Leigh y Marianne Jean-Baptiste veintiocho años después de la premiada Secrets and Lies, ha sido descrita “como un estudio feroz, compasivo y a menudo oscuramente humorístico de la familia y los espinosos lazos que nos unen”.
En Hard Truths, que competirá por la Concha de Oro en la próxima edición del Festival de San Sebastián, vemos como para Pansy la vida es una lucha constante. Llena de dolor físico y mental, su manera de relacionarse con el mundo es a través del enfado y la confrontación: discute con su familia, con su dentista, con su médico, con la cajera del supermercado… Su marido Curtley hace tiempo que no sabe cómo tratarla, mientras Moses, su hijo, vive inmerso en su mundo, apenas dice una palabra y lo único que hace durante todo el día es caminar sin rumbo por la ciudad. Sólo su cariñosa hermana Chantelle la comprende y puede ayudarla.
La película, con guion a cargo del propio Mike Leigh, está protagonizada por Marianne Jean-Baptiste, Michele Austin, David Webber, Ani Nelson, Sophia Brown, Tuwaine Barrett, Felicita Ramundo, Elliot Edusah, Bryony Miller, Llewella Gideon y Tiwa Lade.
Seminci reúne en su 69 edición a los autores más deslumbrantes del nuevo cine independiente americano y dedica una retrospectiva al cineasta Nathan Silver
La 69 edición programará las películas «Bob Trevino Likes It», de Tracie Laymon; «Christmas Eve in Miller’s Point», de Tyler Taormina; «Eephus», de Carson Lund; «Blue Sun Palace», de Constance Tsang; «A Real Pain», de Jesse Eisemberg; e «Invention», de Courtney Stephens
El festival estrenará en España el último trabajo de Nathan Silver, «Between the Temples»
La programación de la 69 Semana Internacional de Cine de Valladolid, tras el éxito cosechado la pasada edición por títulos como The Sweet East (Sean Price Williams) o la ganadora de Punto de Encuentro Gasoline Rainbow (Bill Ross IV y Turner Ross), redobla su apuesta por el nuevo cine independiente americano, tanto en sus secciones competitivas como a través de la celebración de una retrospectiva que abordará en profundidad la obra de Nathan Silver, uno de los cineastas independientes estadounidenses más genuinos del panorama actual. Esta retrospectiva la forman cinco de sus largometrajes, entre ellos, el estreno en España de Between the Temples, su última película.
Los autores seleccionados que compiten en la 69 Seminci son, en Sección Oficial, Tracie Laymon (Bob Trevino Likes It) y Tyler Taormina (Christmas Eve in Miller’s Point); en Punto de Encuentro, Carson Lund (Eephus), Constance Tsang (Blue Sun Palace) y Jesse Eisenberg (A Real Pain), y en Alquimias Courtney Stephens (Invention).
Estos autores representan a la nueva generación de cineastas independientes que afronta en su mayoría sus primeras ficciones y, conservando rasgos clásicos del cine independiente –historias con cierto aire crepuscular protagonizadas por outsiders– indagan con una mirada desacomplejada en algunos temas cinematográficos más populares del cine norteamericano –la Navidad, el béisbol o las buddy movies– con una visión genuina alejada de clichés o llevando a otra esfera los códigos cinematográficos. Además, lejos de ser ejemplos del individualismo radical que identifica a la sociedad norteamericana, son proyectos muy colaborativos en los que unos autores participan en proyectos de otros.
Bob Trevino Likes It, protagonizada por John Leguizamo (Atrapado por su pasado, Romeo & Julieta, Moulin Rouge!) y Barbie Ferreira (Euphoria), es la historia de una joven solitaria, alejada de un padre narcisista y manipulador, que encuentra la paz al establecer una conexión emocional con un hombre que se llama igual que su padre al que conoce por Facebook. Tracy Laymon recibió el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público en el South By Soutwest Film Festival de Austin (Texas, EE UU). A Contracorriente Films distribuye la película en España.
Michael Cera (Juno, Scott Pilgrim contra el mundo, Barbie), Elsie Fisher (La matanza de Texas), Ben Shenkman (El juicio de los 7 de Chicago), Francesca Scorsese y Sawyer Spielberg protagonizan Christmas Eve in Miller’s Point, segundo largometraje de ficción de Tyler Taormina, estrenado en la Quincena de los Cineastas de Cannes. Autor de Happer’s Comet (2022) -presentada en Tiempo de Historia de la 67 Seminci- propone una relectura de uno de los géneros clásicos del cine americano, las películas navideñas, con la historia de una familia que reúne a cuatro generaciones para celebrar la que podría ser la última Navidad en su casa familiar en un pequeño pueblo de Long Island. La distribución en España corre a cargo de Flamingo Films.
Tyler Taormina es junto a Carson Lund uno de los fundadores de Omnes Films, un colectivo que aboga por un cine independiente «apasionado y ambicioso, realizado por amigos que priorizan la atmósfera sobre la trama y estudia las diversas formas de decadencia cultural en el siglo XXI». Carson Lund, director de fotografía de las película Christmas Eve in Miller’s Point, presenta su ópera prima, Eephus, con Tyler Taormina como productor, programada en Punto de Encuentro. Eephus, estrenada también en Cannes, es un film crepuscular que entronca con uno de los grandes iconos de Norteamérica, el béisbol, que plantea un hermoso tratado sobre el tiempo a partir de la celebración de un último partido de dos equipos aficionados en un destartalado estadio de Nueva Inglaterra a punto de ser demolido. La película está protagonizada por los actores Keith William Richards (Diamantes en bruto), Keith Poulson (The Great Pretender) y, en un guiño cinéfilo, el director de cine experimental Frederick Wiseman.
El actor Jesse Eisenberg (La red social) presenta su segunda película como director, A Real Pain, que protagoniza junto a un extraordinario elenco en el que figuran Kieran Culkin (Sucession), Jennifer Grey (Dirty Dancing) o Will Sharpe (The White Lotus). A Real Pain, cuyo guion fue premiado en Sundance, parte de la experiencia personal de Eisenberg: dos primos cuya abuela huyó de Polonia tras el ascenso de los nazis viajan a Varsovia para realizar un tour turístico para judíos o familiares de las víctimas del Holocausto. La película propone una reflexión sobre la banalización del pasado y la memoria de un lugar convertido hoy en un museo repleto de turistas. Walt Disney Studios Motion Picture Spain distribuye la película.
Blue Sun Palace, Premio de la Crítica de la Semana de la Crítica de Cannes, es el brillante y prometedor primer largometraje de Constance Tsang, con un triángulo amoroso accidental marcado por un trágico suceso, en el que dos mejores amigas que viven en la comunidad china de Nueva York y trabajan en el salón de masajes que da título al film mantienen una relación por separado con el mismo hombre casado. La película, una hermosa reflexión sobre la ausencia, el duelo y la necesidad humana de conexión, está protagonizada por el actor y director taiwanés Lee Kang Sheng (El sabor de la sandía), habitual de las películas de Tsai Ming-Liang. Atalante Cinema distribuye el largometraje en España.
En Alquimias compite Invention, de Courtney Stephens, una de las 25 nuevas caras del cine independiente para la revista Filmmaker, con Callie Hernández (The Flight Attendant), premio a la mejor actriz de la sección Cineastas del Presente de Locarno, como protagonista y coguionista. Tras la muerte de su padre, un hombre charlatán, excéntrico y conspiranoico, la protagonista hereda su patente de un dispositivo experimental que supuestamente produce una curación electromagnética.
Considerado un maestro modernista del melodrama, el escritor, productor y director neoyorkino Nathan Silver, graduado por la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York en 2005, aborda en sus películas profundos estudios de los protagonistas, muchos de ellos en los márgenes de la sociedad, que viven momentos existenciales complejos. Silver ha escrito y producido cinco cortometrajes y nueve largometrajes.
Seminci ofrecerá el estreno en España de Between the Temples (2023), su último film hasta la fecha y que representa un salto evolutivo en su carrera. Protagonizada por Jason Schwartzman (Gran Hotel Budapest, Asteroid City), Carol Kane (The Sisters Brothers, La princesa prometida) y Dolly de Leon (El triángulo de la tristeza, Ghostlight), en esta comedia un cantor de sinagoga atraviesa una profunda crisis de fe cuando su profesora de música de la escuela primaria regresa a su vida como su estudiante adulta de Bat Mitzvah. Sony Pictures España distribuye la película.
El ciclo incluye sus películas Soft in the Head(2013), una vuelta de tuerca a las películas románticas con personajes envueltos en grandes incertidumbres; Uncertain Terms (2014), que transcurre en un casa de acogida para adolescentes embarazadas en medio del bosque; Stinking Heaven (2015), ambientada en una comunidad para ex adictos en el que sus miembros afrontan sus traumas mientras se filman, y The Great Pretender (2018), donde la línea entre la ficción y la realidad se difumina cuando una directora de teatro estrena una obra basada en su historia de amor, que se solapa con el romance de los dos protagonistas del espectáculo.
