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El film, a medio camino entre el romance colonial y el documental etnográfico, fue galardonado con el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cannes 2024.

El próximo viernes 27 de junio se estrena en exclusiva en Filmin «Grand Tour», la esperada nueva película del director portugués Miguel Gomes («Las mil y una noches»). Tras su estreno en cines españoles el pasado mes de marzo, distribuida por Avalon, y su paso por festivales como la SEMINCI de Valladolid, donde obtuvo el Premio al Mejor Montaje, la película aterriza en la plataforma tras conquistar el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cannes 2024. Gomes, uno de los cineastas más reconocidos de la cinematografía europea contemporánea, vuelve a explorar los límites entre la ficción y el documental en esta ambiciosa coproducción entre Portugal, Italia y Francia.

Rangún, 1918. Edward, funcionario británico, decide dejar plantada a su prometida Molly justo antes de su boda, huyendo a través de Asia y sometiéndola al mayor ghosting jamás filmado por el cine. Pero Molly, lejos de quedarse llorando en casa, se lanza a la aventura y le sigue la pista por medio continente, convertida en una detective romántica que no teme cruzar fronteras, idiomas ni épocas para encontrar a su esquivo novio. Entre trenes que descarrilan, karaokes imposibles y marionetas que parecen salidas de un TikTok imperial, «Grand Tour» convierte el drama colonial en una screwball comedy de persecuciones, desencuentros y anacronismos felices, donde el pasado y el presente se cruzan sin pedir permiso.

Anacronismos en movimiento: el proceso creativo de «Grand Tour»

«Grand Tour» es el resultado de un proceso creativo singular: la película se rodó en dos fases diferenciadas. Por un lado, Gomes y un pequeño equipo viajaron por Asia en 2020, grabando imágenes y sonidos en localizaciones reales de Birmania, Tailandia, Vietnam, Filipinas, Japón, China y Singapur, sin un guion previo. Este material, registrado en 16 mm, constituye el archivo contemporáneo del film.

Posteriormente, el grueso de la ficción se rodó en estudios de Lisboa y Roma en 2023, ya con los actores y un equipo de más de cien personas, recreando la Asia de 1918. La película, pues, está supuestamente ambientada en la segunda década del siglo XX, pero en ella podemos ver coches modernos, aires acondicionados, teléfonos móviles y otros elementos fuera de contexto. 

Sobre el sentido de los anacronismos y el diálogo entre realidad e imaginación, el propio Gomes señala: “Me parece muy productivo contraponer el mundo real que compartimos todos a un mundo falso que es el que el cine creó y que no existe. Para mí existen los dos y lo que me parece interesante es ponerlos en contacto para ver qué le da el uno al otro”.

Curiosidades de la producción, rodaje y montaje

• Inspiración en la literatura de Somerset Maugham: La historia parte de un episodio del libro “The Gentleman in the Parlour” de Somerset Maugham, donde un funcionario británico huye de su prometida por Asia. Miguel Gomes leyó este pasaje la víspera de su propia boda, lo que añade un guiño autobiográfico y humorístico al proyecto.
• Lengua portuguesa como acto de subversión: Aunque los personajes principales son británicos y la historia transcurre en Asia colonial, Gomes decidió que no se hablara inglés en la película. El portugués se impone como lengua vehicular, en un gesto deliberadamente anticolonialista y de reivindicación cultural.
• El “acaso embaraçoso”: Gomes ha declarado que buscaba en el rodaje el “acaso embaraçoso”, es decir, situaciones inesperadas y espontáneas que pudieran ser incorporadas a la película. El director es conocido en Portugal por su afán de capturar estos momentos fortuitos, lo que aporta autenticidad y frescura a la obra.
• Marionetas y espectáculos tradicionales asiáticos: La película incorpora marionetas y otros espectáculos populares de Asia, como norias movidas manualmente y karaokes locales. Estas imágenes, captadas durante el rodaje documental, buscan recuperar el espíritu de fascinación de los primeros espectadores de cine, evocando la mirada infantil y el asombro ante lo desconocido.
• Primera cine-fotonovela portuguesa: El Batalha Centro de Cinema de Oporto ha editado una cine-fotonovela basada en «Grand Tour», considerada “probablemente la primera cine-fotonovela de origen portugués de que hay registro”. Este formato adapta la película al papel mediante fotogramas y diálogos impresos, y se distribuye en librerías especializadas y la Cinemateca Portuguesa. Gomes dio carta blanca a los editores, quienes trasladaron fielmente los diálogos y escenas de la película a 56 páginas ilustradas.

Un retrato cinematográfico sobre uno de los compositores más importantes del siglo XX y su icónica obra. 

El próximo viernes 13 de junio, Filmin estrena “Boléro”, una delicada propuesta musical que recrea la gestación de una de las obras más emblemáticas del siglo XX y la vida de su compositor, Maurice Ravel. Se trata de un drama que, según la directora Anne Fontaine (“Coco avant Chanel”), no llega a ser biográfico, sino que es una forma de soñar a través de la música. El compositor cobra vida a través de la interpretación de Raphaël Personnaz, conocido por títulos como “Una nueva amiga” y “Crónicas diplomáticas”.

En el París vibrante y contradictorio de los años veinte, Maurice Ravel, uno de los compositores más influyentes del siglo XX, se enfrenta a una inesperada propuesta: Ida Rubinstein, una coreógrafa audaz y seductora, le encarga la música para su próximo ballet. Desconcertado y sin una idea clara, Ravel se adentra en un viaje íntimo a través de sus recuerdos y de las mujeres que marcaron su vida, en busca de una inspiración que parece esquiva. Es en esa lucha interna, marcada por sus inseguridades, es donde comienza a tomar forma su creación más célebre: el Boléro.

Anne Fontaine y el ritmo implacable de Ravel

Al igual que la icónica música que le da nombre, “Boléro” se desarrolla como un crescendo gradual. Anne Fontaine estructura la película de modo que cada secuencia se construye sobre la tensión de la anterior, reflejando la repetición hipnótica de la célebre composición: “El ritmo pegadizo y la música no te sueltan; te sacuden, te dejan sin aliento. Es una experiencia muy física, donde la razón desaparece por completo. En este caso, la música no es bella; es brutal. Y la película se construye sobre esa misma crueldad”, comenta la directora.

Verdadero maestro de la orquestación, Ravel fue capaz de combinar tradición y modernidad, integrando influencias del jazz, la música española y popular, y experimentando con nuevas formas y armonías, lo que le permitió desarrollar un lenguaje musical propio: “Creo que tiene que ver con el hecho de que mi padre, músico, me dio formación musical y yo tocaba muchos instrumentos desde pequeña. Un día, mientras estaba en la playa, se me ocurrió la idea de hacer una película sobre él”, recuerda Fontaine.

La magnífica interpretación de Raphaël Personnaz demuestra que la mejor manera de acercarse al compositor es a través de su música: “Así que estudié piano durante un año y aprendí a dirigir una orquesta”, explica el actor. En la película, además del Boléro, se pueden descubrir otras obras magistrales de Ravel interpretadas por el virtuoso pianista Alexandre Tharaud, como Pavane pour une infante défunte, La Valse, Concierto para piano en sol mayor, o Ma Mère l’Oye. 

5 curiosidades del Boléro de Ravel

·  El Boléro fue compuesto en 1928 por encargo de la bailarina rusa Ida Rubinstein, quien deseaba una pieza original para su compañía de ballet.

·  Ravel demostró su virtuosismo como orquestador al construir una obra monumental a partir de un único tema melódico y un ritmo invariable. La magia del Boléro reside en la variación progresiva de timbres y en el crescendo implacable que sostiene el interés durante toda la pieza.

·  Algunos estudiosos han planteado que la estructura repetitiva y casi obsesiva del Boléro podría reflejar los primeros síntomas de los trastornos neurológicos que Ravel padeció en sus últimos años.

·  Originalmente, Ravel planeaba orquestar obras de Isaac Albéniz, pero problemas con los derechos de autor lo llevaron a componer una pieza completamente nueva, inspirada en ritmos y colores de la música española.

·  Más allá del mundo de la música clásica, el Boléro ha trascendido su contexto original para convertirse en un fenómeno cultural. Ha sido reinterpretado en el cine, la danza y múltiples expresiones artísticas a lo largo del siglo XXI

El próximo viernes 6 de junio llega a Filmin “Bodegón con fantasmas”, el debut en el largometraje del director Enrique Buleo. La película ha recorrido con éxito festivales como Sitges, Varsovia y Gijón, donde ha sido destacada por su originalidad y sensibilidad. Esta propuesta fresca y profundamente humana combina comedia negra, costumbrismo rural y elementos paranormales en el corazón de Castilla-La Mancha. 

Crucifijos, mesas camilla con braseros, patios típicos manchegos y fantasmas vestidos con sábanas blancas. En un pequeño pueblo castellano conviven los vivos con los muertos sin demasiados aspavientos. Dividida en cinco historias independientes pero conectadas, la película retrata con humor y delicadeza las vidas (y muertes) de personajes enfrentados a la soledad, la fe o el amor: una mujer harta de su marido, un cura visitado por fantasmas, o vecinos que encuentran consuelo en lo sobrenatural.

La muerte como vecina

“Bodegón con fantasmas” es una obra singular que conjuga con elegancia lo insólito y lo cotidiano en el marco de un pueblo castellano donde la muerte ha dejado de ser un tabú. Enrique Buleo retrata con ironía, cariño y un punto de delirio las rutinas, frustraciones y anhelos de personajes atrapados entre el pasado y la costumbre. El escenario rural no es solo fondo, sino motor emocional: señoras mayores, rituales olvidados y silencios largos conviven con presencias espectrales que parecen más humanas que los vivos. Y la muerte, así, se convierte en una vecina más del pueblo.

Surrealismo al servicio de una comedia negra que emociona

Inspirada en la tradición del esperpento español y en el estilo visual y narrativo de cineastas como Roy Andersson y Aki Kaurismäki, «Bodegón con fantasmas» se vale de ese surrealismo y costumbrismo para abordar temas como la muerte y la soledad. La película funciona como una olla en la que se mezclan los ingredientes más reconocibles del paisaje rural español con una fantasía absurda que no ridiculiza, sino que humaniza. Lo que podría haber sido una comedia grotesca se convierte, gracias al cariño y la sensibilidad del autor, en una obra que deja el corazón muy calentito, haciendo reír mientras lanza un pequeño pellizco en el pecho. 

Dirigida por Fernando Colomo, y protagonizada por Miguel Bosé, Harvey Keitel y Klaus Kinski, El caballero del dragón combinó el cine de extraterrestres con las novelas caballerescas y un humor próximo a los Monty Phyton.

Llega a FlixOlé una de las películas más ambiciosas e inclasificables del cine español de los 80’s: El caballero del dragón (1985). El estreno en la plataforma, el próximo viernes 30 de mayo, coincide con los 40 años de la proyección en salas de esta superproducción con estrellas internacionales que intentó hacer historia en el género de ciencia ficción y fantasía con una trama de naves espaciales en la Europa medieval. Sin embargo, el destino le depararía la etiqueta de película maldita al no poder recuperar en taquilla su astronómico presupuesto.

En la dirección y guion se encontraba Fernando Colomo, quien dos años antes había rodado en New York, La línea del cielo (1983). Dispuesto a cambiar de registro y abrir el cine español al mercado extranjero, el que fuera uno de los creadores de la comedia madrileña se encontró dando órdenes al cantante Miguel Bosé y a los actores Harvey Keitel y Klaus Kinski en una versión sideralmente libre de la leyenda sobre Sant Jordi y el dragón.

El relato transcurre en la Edad Media. En una de sus habituales escapadas, la hija del conde de Ruk, Alba (María Lemor), es abducida por un platillo volante, al cual confunden los lugareños con un dragón. El padre ofrece una recompensa a quien la rescate y dé muerte al monstruo, ofreciéndose para ello el jefe de la guardia, Clever (Harvey Keitel), quien a su vez conspira con Fray Lupo (Fernando Rey) para hacerse con el reino. La joven reaparece, enamorada del extraterrestre que la secuestró (Miguel Bosé). El consejero alquimista del conde (Klaus Kinski) intentará ayudar a que el amor entre Alba y el marciano triunfe frente a las tretas de Clever y el sacerdote.

La película más cara del cine español

Colomo pretendía emular en El corazón del dragón los éxitos hollywoodienses fusionando los filmes de ovnis con el cine caballeresco, introduciendo guiños quijotescos y toques de humor a lo Monty Phyton. La película tuvo que superar innumerables obstáculos: las dificultades de rodar en el inaccesible castillo de Olot, los retrasos por las lluvias, un extra que casi se ahoga y los continuos problemas con Kinski. Según el director, el intérprete alemán vinculado a Werner Herzog quiso boicotear la película desde el primer momento.

A los problemas del rodaje se sumaron los contratiempos con las fechas de estreno y los conflictos con las distribuidoras estadounidenses. Aunque fue una de las cintas más vistas el año de su proyección, la taquilla no fue suficiente para afrontar el coste de la que fue hasta la fecha la película más cara del cine español (más de 300 millones de pesetas de presupuesto). La aventura casi arruinó a Colomo, quien se pudo recuperar con su siguiente proyecto: La vida alegre (1987). 

Adelantado a su época, con una fotografía a cargo del laureado José Luis Alcaine y unos efectos especiales insólitos en la industria audiovisual nacional de la época, el tono del largometraje no se entendió y el filme no acabó de funcionar. Convertida en una película maldita, tanto por su ambiciosa producción como por la intrahistoria que la envuelve, El caballero del dragón marcó un estilo que sería explotado después con gran éxito en títulos como Dentro del laberinto (1986) o La princesa prometida (1987). El filme de Colomo llegará a FlixOlé en una versión restaurada en sus laboratorios, facilitando el visionado de la misma en una calidad de imagen y sonido inmejorables.        

Ciencia ficción a la española

Además del estreno de El caballero del dragón, la plataforma también incorporará otros dos títulos del género de ciencia ficción a su catálogo: Misterio en la isla de los monstruos(Juan Piquer Simón, 1981) y Fuera del cuerpo (Vicente Peñarrocha, 2004). En la primera, el pionero director del cine fantástico en el cine español adaptó la aventura escrita por Julio Verne con un elenco en el que comparten encuadre Terence Stamp y Peter Cushing con Ana Obregón. Por lo que respecta a Fuera del cuerpo, Peñarrocha introduce al espectador en un caleidoscopio narrativo con numerosas trampas de personajes y escenarios.

Dichas películas se incluirán el próximo viernes, 30 de mayo, en una colección con la que la plataforma recorre las otras realidades que el cine español imaginó y con las que alimentó el género de la ciencia ficción en la gran pantalla del país. El especial abarca desde hibridaciones castizas, como La torre de los siete jorobados (Edgar Neville, 1944); rarezas hipnóticas como Fata Morgana (Vicente Aranda, 1965); viajes ‘espaciales’ caseros como El astronauta (Javier Aguirre, 1970); relatos extraídos de la literatura pulp, como La isla misteriosa y La grieta (Juan Piquer Simón, 1973 y 1989, respectivamente); reivindicados Platillos volantes (Óscar Aibar, 2003) y monumentos al disparate como El milagro de P. Tinto (Javier Fesser, 1998). Así hasta alcanzar casi la treintena de filmes distópicos del séptimo arte español.

El viernes 23 de mayo llega a Filmin el debut visceral de Zarrar Kahn, que retrata, entre lo sobrenatural y lo cotidiano, la opresión estructural que viven las mujeres en Pakistán.

El próximo viernes, 23 de mayo, Filmin estrena “En llamas”, el primer largometraje del cineasta paquistaní-canadiense Zarrar Kahn. Aclamada en festivales como Cannes (Quincena de Realizadores), Toronto o Sitges, y seleccionada como la candidata de Pakistán a los Premios Óscar 2023, la película se erige como uno de los títulos más potentes del cine independiente reciente, un debut audaz que conjuga terror psicológico y realismo social.

“En llamas” narra la historia de Mariam y Fariha, una madre y una hija cuya ya frágil estabilidad se derrumba tras la muerte del patriarca familiar. Atrapadas en un entorno cada vez más hostil y opresivo, madre e hija deben enfrentarse a fuerzas amenazantes que se manifiestan tanto en lo sobrenatural como en lo estructural, en una sociedad donde el miedo se convierte en parte de la vida cotidiana. La película despliega así una crítica feroz al patriarcado, que se enciende desde las primeras escenas como una brasa latente y termina ardiendo con furia devastadora.

Kahn, nacido en Karachi en 1991 y criado en Canadá, regresó de adulto a su país natal, Pakistán. Un reencuentro que lo confrontó con la dura realidad de las mujeres que le rodeaban: “Cuando volví, vi cómo la vida de las mujeres de mi círculo inmediato cambiaba drásticamente, mientras la mía seguía igual”, afirma. Ese contraste marcó el origen de esta historia, que se nutre de las experiencias reales de las actrices —unas brillantes Ramesha Nawal y Bakhtawar Mazhar—, familiares y mujeres cercanas al director. 

Valerse del género de terror

Kahn, que ya había abordado temas de pérdida y trauma en su premiado cortometraje «Dia» (2018), encuentra en el terror un lenguaje cinematográfico ideal para eludir la censura en Pakistán y hablar desde lo simbólico: «El género siempre se deja de lado y se infravalora. Pero eso lo convierte en un caballo de Troya: nos permite hablar de lo que realmente importa«, explica.  

“En llamas” construye una atmósfera de amenaza constante y desprotección institucional, pero más allá del miedo, la película también muestra la resistencia silenciosa y poderosa de sus protagonistas. Como señala su director, el film es incendiario no solo por lo que denuncia, sino por cómo sugiere que, pese a todo, “las mujeres contienen una fuerza que, como una ola, nunca será sofocada”.

«En llamas» en cinco datos

• La película contiene escenas y aborda temas que han generado debate y controversia en contextos conservadores, pero Kahn se mantuvo firme en su visión de mostrar la realidad sin suavizar el impacto de la opresión de género. 
• Muchas escenas se grabaron en complejos de apartamentos de clase media en Karachi, espacios raramente mostrados en el cine pakistaní, que suele centrarse en entornos de clases muy altas o muy bajas. El director quiso reflejar la “belleza polvorienta y dura” de la ciudad y mostrar una Karachi cotidiana y realista, alejada de los estereotipos visuales habituales. 
• Ramesha Nawal, que interpreta a Mariam, es una reconocida actriz de teatro en Pakistán y «En llamas» marca su primer papel protagonista en el cine. Bakhtawar Mazhar, quien da vida a Fariha, ya había trabajado con Kahn en su corto «Dia». 
• La película fue rodada en solo 25 días y contó con un presupuesto muy ajustado, apoyándose en fondos del Canada Council for the Arts y Telefilm Canada. La búsqueda de financiación se completó tras mostrar un clip de 10 minutos en el Marché du Film de Cannes. 
• Zarrar Kahn ha citado como influencias a cineastas como Julia Ducournau, Mati Diop y Jordan Peele, por su capacidad para desafiar las convenciones del género y explorar temas sociales a través del terror y el realismo mágico.