Tráiler para lo nuevo de Ken Loach «The Old Oak»

Tras su premier mundial en el pasado Festival de Cannes el nuevo trabajo tras las cámaras, después de Sorry We Missed You (2019), del veterano realizador británico Ken Loach titulado The Old Oak estrena un primer tráiler que podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, una crónica social sobre el choque cultural situada en un pequeño pueblo de Inglaterra, se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Vértigo Films el próximo 29 de septiembre.
La película nos cuenta el incierto futuro del último pub, llamado The Old Oak, que queda en un pueblo del noreste de Inglaterra, donde la gente está abandonando la tierra a medida que se cierran las minas. Las casas son baratas y están disponibles con cierta facilidad a un nivel económico, por lo que es un lugar ideal para la aparición de refugiados sirios.
The Old Oak, con guion a cargo del habitual Paul Laverty, está protagonizada por Debbie Honeywood, Andy Dawson, Dave Turner y Ebla Mari.

 

FlixOlé estrena el documental «Margarita Alexandre», en el centenario de esta pionera del cine español

La plataforma estrena el próximo 4 de julio el documental dirigido por Fermín Aio que recorre, en palabras de la propia Margarita Alexandre, la vida y obra de la que fue una de las primeras directoras y productoras de nuestro país
Actriz, guionista, directora en el franquismo y productora en la Cuba revolucionaria. Margarita Alexandre llevó una vida y carrera de película, sin embargo, su nombre permanece casi olvidado en la historia del cine español. Con motivo del centenario de su nacimiento, FlixOlé reivindica su legado con el estreno en exclusiva del documental Margarita Alexandre (Fermín Aio, 2017) el próximo 4 de julio, pudiéndose también visualizar en la plataforma desde sus primeros papeles como intérprete hasta la última película en la que intervino en la producción.
Pionera en situarse detrás de la cámara, luchó contra los convencionalismos sociales y políticos que relegaban a la mujer a las tareas domésticas. “Visceralmente libre”, como ella misma se definió en una entrevista, renunció a los privilegios que le otorgaba su título aristocrático para volcarse por completo en el cine y, mediante éste, expresar sus inquietudes y espíritu crítico. “He sido muy, muy libre. Nunca he aguantado cadenas”, señalaba en el documental.
El primer encuentro de Margarita Alexandre con el séptimo arte fue fortuito. Estudiaba en la Alianza Francesa cuando fue elegida para encarnar, fugazmente, a la Inmaculada Concepción de Murillo en el largometraje Tierra y cielo (Eusebio Fernández Ardavín, 1941). El rodaje despertó su fascinación, y decidió continuar con la experiencia de actriz. Después de trabajar a las órdenes de distintos directores, como Edgar Neville en Correo de Indias (1942), comprendió que su vocación no estaba en la interpretación, sino en la dirección.

Directora durante el franquismo y productora en la revolución
Con Rafael Torrecilla, ayudante de dirección que conoció mientras ella ejercía de script, formó pareja en lo profesional, y también en lo personal. Ambos fundaron Nervión Films, con la que produjeron sus propias películas. Entre ellas: La ciudad perdida (1955), un cántico a la reconciliación en la que un comunista perseguido por las autoridades hace rehén a una joven de clase alta con la que termina entablando una relación de amistad. La censura mutiló gran parte del metraje y limitó sus proyecciones.
A pesar del varapalo que ello supuso para la productora, la pareja Alexandre-Torrecilla estreno un año después La gata. Primera película en Cinemascope rodada en el país, retrató la vida en los cortijos de Andalucía. Protagonizada por Aurora Bautista, la actriz interpretaba a una mujer adelantada a su tiempo, dueña de sus propios deseos y rebelde frente a imposiciones masculinas.
Posteriormente, Margarita Alexandre continuaría su carrera cinematográfica en la Cuba donde había triunfado la revolución. Ligada esta etapa a la producción, la leonesa se convirtió en una de las colaboradoras del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica (ICAIC). Sin embargo, su carácter contestatario la llevó a coger las maletas para abandonar la isla y regresar a Europa. En Italia trabajaría en su último gran proyecto cinematográfico, Operación Ogro (Gillo Pontecorvo, 1980), interviniendo en la producción de este thriller sobre el atentado a Carrero Blanco.
Un relato en primera persona
A través del documental Margarita Alexandre que estrena FlixOlé, el director Fermín Aio propone un viaje a la autora para rememorar una vida y obra marcada por conflictos políticos y culturales, pero también caracterizada por un innato amor a la libertad. Junto a dicho testimonio, la plataforma incluye las citadas películas con las que se inició en la interpretación (Tierra y cielo y Correo de Indias), los títulos que dirigió (La ciudad perdida y La gata), así como su despedida del mundo cinematográfico que revolucionó.

Una historia de venganza, primer tráiler para «Dead Shot»

Tras su debut en el largometraje con la cinta de terror The Uninvited (2009), remake norteamericano de la surcoreana A Tale of Two Sisters de Kim Jee-woon, los hermanos Charles y Thomas Guard se adentran en el thriller de venganzas con Dead Shot, film ambientado en el Londres de los años 70 cuyo primer tráiler a acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película tiene previsto su estreno simultáneo en cines y VOD de Estados Unidos para el próximo 18 de agosto.
En Dead Shot vemos como un paramilitar irlandés retirado es testigo del tiroteo fatal, que le cuesta la vida a su esposa embarazada, por parte de un oficial de SAS. Después de burlar al SAS, ahora herido y dado por muerto, escapa con el objetivo personal de cazar al asesino de su esposa con las oscuras y paranoicas calles del Londres de los años 70 como testigo.
La película, con guion a cargo de los propios Charles Guard y Thomas Guard junto a Ronan Bennett, está protagonizada por Colin Morgan, Aml Ameen, Mark Strong, Felicity Jones, Tom Vaughan-Lawlor y Sophia Brown.

El cine de Jean Rouch llega a Filmin el próximo 7 de julio

Jean Rouch, el cineasta que desenmascaró África. Filmin añade a su catálogo el próximo 7 de julio seis películas de uno de los fundadores del Cinema Verité, el hombre que nos reveló el Continente Negro como objeto cinematográfico.
Siguiendo con su periódica reivindicación de cineastas clásicos y modernos tal vez menos conocidos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de directoras como Marta Mészáros, Chantal Akerman, Seijun Suzuki, Shohei Imamura o Paulo Rocha, Filmin añadirá a su catálogo el próximo 7 de julio seis películas, en nuevas restauraciones digitales, dirigidas por Jean Rouch, cineasta y antropólogo francés considerado uno de los padres del Cinema Verité.

Rouch es una figura clave del cine europeo sobre todo gracias a su serie de películas etnográficas en las que retrató África, no desde el punto de vista habitual del hombre blanco occidental ejerciendo de turista curioso, sino permitiendo que fueran los propios nativos africanos los que decidieran cómo representarse a sí mismos frente a la cámara, creando un enfoque único que se conoce como «cine etnográfico participativo».

Además de su trabajo como cineasta, Rouch también realizó extensas investigaciones antropológicas, especialmente en Níger, donde exploró las tradiciones y costumbres de diferentes grupos étnicos. Sus películas africanas desafiaron las representaciones estereotipadas y ofrecieron una visión más compleja y humana de las sociedades indígenas.

Títulos que integran el ciclo:
– «Los amos locos» (1955)
– «Yo, un negro» (1957)
– «La pirámide humana» (1959)
– «La caza del león con arco» (1965)
– «Jaguar» (1967)
– «Poco a poco» (1969)

Primer tráiler para «The Passenger» de Carter Smith

Carter Smith se dio conocer en 2008 con la interesante, y muy venerada por los fans, adaptación de la novela de terror de Scott Smith The Ruins. Sin embargo lejos de hacer despegar su carrera su trayectoria en estos últimos años se ha visto relegada a trabajos televisivos y producciones de un claro calado independiente como Jamie Marks Is Dead (2014) o la aún inédita Swallowed (2022). Su último trabajo tras las cámaras, The Passenger, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone su primera incursión en el género del thriller, teniendo previsto su estreno en VOD de Estados Unidos para el próximo 4 de agosto.
En The Passenger vemos como un hombre corriente debe encontrar una manera de sobrevivir cuando un compañero de trabajo trastornado que se lanza de forma repentina a una matanza violenta. Una situación límite en donde se verá obligado a enfrentarse sus miedos y a un pasado turbulento.
La película, producida por Blumhouse y con guion a cargo de Jack Stanley, está protagonizada por Kyle Gallner, Johnny Berchtold, Liza Weil, Merah Benoit, Morgana Shaw, Jordan Sherley, Billy Slaughter y Kanesha Washington.

El Festival de San Sebastián dedicará una retrospectiva al director japonés Hiroshi Teshigahara

El ciclo de cine clásico de la 71ª edición del Festival se complementará con la publicación de un libro de entrevistas con el cineasta editado en colaboración con Filmoteca Vasca
La retrospectiva de 2024 estará dedicada al cine policiaco italiano
El Festival de San Sebastián dedica su nueva retrospectiva de cine clásico, coorganizada junto a la Filmoteca Vasca en colaboración con Japan Foundation y Etxepare Euskal Institutua en el marco del programa Euskadi-Japan 2023, al director Hiroshi Teshigahara (1927-2001), autor fundamental del cine japonés de los años 60 gracias a una serie de filmes de poética experimental y a su prolongada colaboración con el escritor Kobo Abe. La única de sus películas que llegó a distribuirse en España, la celebrada Suna no onna / Woman in the Dunes (La mujer de la arena, 1964), resume muy bien aquella época y el estilo de Teshigahara.
Nacido y fallecido en Tokio, Teshigahara estudió primero Bellas Artes y debutó a mediados de los 50 en el campo del corto documental. Interesado por todas las corrientes cinematográficas occidentales que habían mostrado los movimientos de resistencia durante la II Guerra Mundial, netamente el neorrealismo italiano y el cine francés de la época, formó parte de una especie de club denominado Cinema 57, en el que se proyectaban y discutían documentales que en muchas ocasiones no llegaban a verse en las salas comerciales. El manifiesto interés por el cine documental le influiría considerablemente al pasar a la realización de largometrajes de ficción.

Su primer corto, Hokusai, es de 1953 y el primer largometraje, Otoshi-ana / The Trap [La trampa], de 1962. En medio de estas dos fechas ya habían realizado sus primeras películas Nagisa Oshima –el Festival le dedicó su retrospectiva de 2013–, Seijun Suzuki, Shohei Imamura, Susumu Hani, Yoshishige Yoshida y Masahiro Shinoda, nombres representativos de las distintas tendencias de la Nueva Ola japonesa. Teshigahara tuvo un papel más tangencial en este movimiento y una menor repercusión internacional, pese a ganar el premio especial del Jurado en Cannes por La mujer de la arena y ser nominado al Oscar al mejor director y a la mejor película de habla no inglesa por este mismo filme. Pero de una forma u otra estuvo en el centro de aquella agitación conceptual que dio un vuelco al cine japonés a través de nuevas temáticas y formas de filmar.
Fructífera fue su asociación con Kobo Abe, que escribió el guion de La trampa y las adaptaciones de las tres novelas en las que se basan La mujer de la arena, Tanin no kao kao / The Face of Another [El rostro ajeno, 1966] y Moetsukita chizu / The Man Without a Map [El hombre sin mapa, 1968], las obras clave del cineasta. Abe firmó también el guion de Ako, episodio del filme colectivo La fleur de l’âge / Les adolescents (1964), cuatro relatos sobre la adolescencia realizados por Teshigahara, Jean Rouch, Michel Brault y Gian Vittorio Baldi.

Sus últimos trabajos, Rikyu (1989) y Go-hime / The Princess Goh [La princesa Goh, 1992], fueron películas históricas. Rodó también para la televisión y nunca descuidó su práctica documental en formato corto, mediometraje o largometraje. Dedicó dos películas al púgil puertorriqueño José Torres, una al escultor y pintor suizo Jean Tinguely y un filme al Tokio de 1958. Pero su documental más conocido es Antonio Gaudí (1984), excelente aproximación a la figura y obra del arquitecto modernista catalán.
Además de cineasta, Teshigahara fue un maestro en el arte japonés del arreglo floral (ikebana). Desde 1980 hasta su muerte dirigió la escuela Ikebana Sogetsu, que había sido fundada por su padre, y publicó el libro The Art of Ikebana (1997). Estuvo casado con la actriz Toshiko Kobayashi, a quien sólo dirigió en una película, Sama soruja / Summer Soldiers [Soldados de verano, 1972].
En la 71ª edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 22 al 30 de septiembre, se proyectará la filmografía completa de este director relativamente desconocido. Dos de sus películas habían participado en anteriores ediciones del Festival, La mujer de la arena –en el ciclo “Cenizas y diamantes” de la edición de 1985– y El hombre sin mapa dentro de la retrospectiva “Japón en negro” organizada en 2008. El ciclo tendrá como complemento la publicación del libro de Inuhiko Yomota Crónicas de vanguardia. Conversaciones con Hiroshi Teshigahara, traducido del japonés por Daniel Aguilar.
Italia violenta. El cine policiaco italiano
Por otro lado, el Festival de San Sebastián dedicará su retrospectiva de 2024 al denominado poliziesco. Bajo el título Italia violenta. El cine policiaco italiano, el ciclo de la 72ª edición incluirá una selección de títulos de un género que sirvió para realizar un acertado retrato del país y que todavía hoy sigue pendiente de revisión desde un prisma contemporáneo.
Tras sobrevivir a los años del fascismo y de la posguerra, el policiaco italiano pareció encontrar su materialización canónica con la cinta de Pietro Germi Un maledetto imbroglio / The Facts of Murder (Un maldito embrollo, 1959), primera que se desligaba de la imitación del noir francés para fijar un modelo propio que abrirá una auténtica edad de oro para el género. Su evolución será la de la política y la sociedad del país a partir de entonces: si la Italia del boom económico lo trasladará a espacios urbanos y reflejará los primeros conatos de la delincuencia y el crimen organizados, el estallido de mayo del 68, particularmente virulento en Italia, lo conducirá a derivas políticas gracias a realizadores como Francesco Rosi o Damiano Damiani.
La Palma de Oro y el Oscar a la mejor película extranjera obtenidos por Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto / Investigation of a Citizen Above Suspicion (Investigación sobre un ciudadano fuera de toda sospecha, Elio Petri, 1970) pareció marcar un punto final para el género, pero lejos de anquilosarlo éste se abriría a nuevas mutaciones: si el policiaco ortodoxo encontraría continuidad gracias a realizadores como Fernando Di Leo, las mafia movies lo llevarían por derroteros desconocidos hasta entonces. Y tras alzarse con la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián, La polizia ringrazia / Execution Squad (La policía agradece, Steno, 1972) abrirá el filón del poliziottesco, espejo de la confusión provocada por la aparición del terrorismo plasmado según los parámetros fijados por la generación de la violencia estadounidense.

 

El apocalipsis ciego, tráiler para «Bird Box Barcelona» de los hermanos Pastor

No es la primera vez que Álex y David Pastor se adentran en el cine post apocalíptico, Carriers (2009) y Los últimos días (2013) indagaban en la supervivencia ubicada en el fin de la civilización, la última ambientada en la ciudad de Barcelona al igual que Bird Box Barcelona, film cuyo tráiler final acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, spin-off de Bird Box interpretada por Sandra Bullock en 2018, se estrenará a través de Netflix el próximo 14 de julio.
En Bird Box Barcelona vemos como la llegada de una misteriosa presencia, que hace que todo aquel que la vea pierda la vida, está diezmando de forma drástica la población mundial. A través de dicho caos, Sebastián comienza un viaje de supervivencia a través de las desiertas calles de Barcelona. Por el camino se encontrará con otros supervivientes con los que formará alianzas inciertas para intentar escapar de la ciudad. Pronto se darán cuenta de que hay una nueva e inesperada amenaza aún más peligrosa.
La película, con guion adaptado a cargo de los propios hermanos Pastor, está protagonizada por Mario Casas, Georgina Campbell, Alejandra Howard, Naila Schuberth, Diego Calva, Patrick Criado, Lola Dueñas, Gonzalo De Castro, Michelle Jenner y Leonardo Sbaraglia.

Un turbio abismo, tráiler para el thriller «Visions» de Yann Gozlan

Adscrito al thriller con trabajos como Captifs (2010), Un homme idéal (2015), Burn Out (2017) o la reciente Black Box (2020) el francés Yann Gozlan sigue indagando en dicho género con Visions, film cuyo primer tráiler subtitulado al inglés acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, aún sin fecha en nuestro país, se estrenará comercialmente en Francia el próximo 6 de septiembre.
En Visions vemos como Estelle es una piloto de líneas aéreas, con una profesionalidad constatada, lleva una existencia perfectamente organizada junto a Guillaume, su amado y protector esposo. Todo parece ir bien pese a que los vuelos y los repetidos jet lag empiezan a perturbar el ritmo biológico de la joven, y en particular su sueño. Un día, por casualidad, en un pasillo del aeropuerto de Niza, se cruza con Ana, una fotógrafa con la que tuvo una apasionada relación veinte años antes. Estelle está entonces lejos de imaginar que este reencuentro la arrastrará a una espiral de pesadilla que llevará su vida hacia lo irracional.
La película, con guion a cargo del propio Yann Gozlan junto a Aurélie Valat, Audrey Diwan, Michel Fessler y Jean-Baptiste Delafon, está protagonizada por Diane Kruger, Mathieu Kassovitz, Marta Nieto, Amira Casar, Grégory Fitoussi y Aleksandra Yermak.

Seminci elige «Showing Up», un homenaje a la trayectoria del festival, como imagen de su 68 edición

El diseñador catalán Toni Pontí repite como autor del cartel oficial del festival, con el que pretende reflejar que “los cambios forman parte de la evolución”.
El diseño “Coincidir”, del burgalés Diego Gil, será la imagen de la sección Punto de Encuentro, mientras “Historias del pasado”, de la diseñadora vasca Ibone Etxebarria, representará a Tiempo de Historia.
El cartel oficial de la próxima 68 edición de la Semana Internacional de Cine (Seminci), que se celebrará del 20 al 28 de octubre, es obra del diseñador catalán Toni Pontí y lleva por título Showing Up. El jurado ha seleccionado por unanimidad la imagen de Pontí entre un total de 312 propuestas recibidas y vistas de forma anónima hasta emitir su decisión. El director de arte leridano, especializado en diseño gráfico, fotografía y diseño de vestuario para cine y publicidad, firmó el cartel de la sección Punto de Encuentro en el 60 aniversario del certamen, así como la imagen oficial del festival en las ediciones de 2014, 2016, 2017 y 2019.
El planteamiento de Pontí a la hora de realizar este cartel es “un claro homenaje a los 68 años de vida del festival”, a los cambios y su evolución. “La intención era representar todo esto haciendo alusión a que los cambios forman parte de la evolución”. Con una estética noventera, el cartel refleja el crecimiento del festival mediante 68 líneas “correspondientes a las ediciones desde un punto de vista de crecimiento, posicionamiento, dinamismo fuerza y trayectoria y todo ello concentrado en un diseño completamente gráfico y tipográfico donde el conjunto reflejara el halo de una proyección”, según explica el autor.
Punto de Encuentro y Tiempo de Historia
En esta décimo quinta convocatoria del concurso de carteles, se han seleccionado, además, los carteles de la sección Punto de Encuentro y Tiempo de Historia. La propuesta ganadora de la sección Punto de Encuentro lleva por título Coincidir. El cartel, obra del diseñador burgalés Diego Gil, se basa en unas franjas horizontales que “convergen en un espacio común a modo de cintas de películas de cineastas con diferentes miradas y lenguajes, que se proyectan en un punto de encuentro en Seminci”, de tal forma que autores y espectadores “se fusionan, creando un lugar o vínculo donde compartir historias y vivir experiencias”.
Diego Gil, arquitecto de interiores y diseñador, ha logrado numerosos reconocimientos en su faceta como diseñador gráfico. Entre otros trabajos, ha sido premiado por sus carteles del 30 aniversario de la EXPO’92 de Sevilla para la Fundación Fidas, el carnaval de Campo de Criptana, la 24 edición del Menorca Jazz Festival o el logotipo del 50 aniversario de la Dama de Baza, entre otros.
Historias del pasado es el título del cartel ganador de la sección Tiempo de Historia, obra de la joven diseñadora Ibone Etxebarria. Con una foto familiar antigua con los rostros emborronados como principal recurso, la diseñadora propone “representar a todas las personas cuyas vivencias han quedado en el olvido y la importancia de que estas narrativas encuentren su espacio”.
Ibone Etxebarria, nacida hace 27 años y afincada en Getxo (Bizkaia), realizó la carrera en la Escuela de Arte Superior de Diseño de Burgos y, posteriormente, un grado superior de diseño gráfico. Actualmente, trabaja como diseñadora en un estudio en Bilbao.

«La noche que Logan despertó», la primera serie de Xavier Dolan, se estrena en Filmin el próximo 27 de junio

Filmin estrena el próximo martes 27 de junio, en exclusiva en España, La noche que Logan despertó (“The Night Logan Woke Up”), la primera serie creada, dirigida y protagonizada por el quebequés Xavier Dolan. Formada por cinco episodios de 60 minutos, se trata de un thriller dramático que adapta la obra de teatro “La nuit où Laurier Gaudreault s’est réveillé” de Michel Marc Bouchard (autor de «Tom en la granja», obra que Dolan también adaptó a la gran pantalla). Cuenta con el elenco original de la función, encabezado por el propio Dolan junto a Julie LeBreton, Magalie Lépine, Éric Bruneau, Patrick Hivon y Julianne Côté, y también con su actriz predilecta y madre en la ficción por antonomasia Anne Dorval.

La serie está ambientada a principios de los años 90 y narra la historia de Mimi (Julie LeBreton) y su hermano Julien (Patrick Hivone), quienes forman un trío inseparable con su amigo Logan (Pier-Gabriel Lajoie). Su relación se rompe abruptamente cuando ocurre un terrible incidente que les fuerza a tomar caminos separados. Las dos familias están destrozadas y nada volverá a ser lo mismo. Treinta años después, Mimi, convertida en una tanatopractora de renombre, regresa a su tierra natal para cuidar del cuerpo de su madre y se reencuentra con su familia. Los rencores y las viejas heridas resurgen con más fuerza que nunca para revelar qué pasó realmente durante esa fatídica noche.

La serie, que cuenta con una banda sonora compuesta por Hans Zimmer junto a David Fleming, es la primera producción televisiva de Xavier Dolan, uno de los niños prodigio del cine de autor contemporáneo y protegido del Festival de Cannes, donde ha estrenado con éxito la mayoría de sus películas. “Mommy” (2014), ganadora del Premio del Jurado del festival.

Tráiler para lo último de Neil LaBute «Fear the Night»

Curiosa la trayectoria de un director como Neil LaBute, llamado a ser una de las nuevas voces dentro del cine independiente norteamericano de finales de los noventa con trabajos como In the Company of Men (1997) o Your Friends & Neighbors (1998), el responsable del remake de Wicker Man ha visto como estos últimos años su carrera se ha visto relegada a trabajos alimenticios destinados en su gran mayoría al ámbito doméstico. Si el pasado año dirigió la cinta de terror House of Darkness ahora es turno para Fear the Night, película de acción cuyo primer tráiler acaba de ver la luz  podéis ver a final de página junto a su póster oficial.
Fear the Night, que tendrá un estreno en cines y VOD de Estados unidos previsto para el próximo 21 de julio, sigue los pasos de una veterana militar de Iraq llamada Tes, mientras se prepara para contraatacar después de que un grupo de invasores atacara su hogar, situado en una granja remota en las colinas de California, durante la despedida de soltera de su hermana, descubriendo como sus enemigos están empeñados en no dejar ningún testigo atrás.
La película, con guion a cargo del propio Neil LaBute, está protagonizada por Maggie Q, Kat Foster, James Carpinello, Gia Crovatin,  Highdee Kuan, Roshni Shukla y Laith Wallschleger.

Filmoteca Española reabre la sala de verano del cine Doré

La reapertura tendrá lugar el día 1 de julio con la proyección de la recientemente recuperada `El cálido verano del Sr. Rodríguez´ (Pedro Lazaga, 1965)
La programación para el cine de verano se distribuirá por géneros, uno distinto para cada día de la semana, de martes a sábado a las 22:15 horas
Tras haber permanecido siete años cerrada, el próximo sábado 1 de julio se reabre la sala de verano al aire libre del cine Doré, la sede de proyecciones de Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación del patrimonio cinematográfico español. La película seleccionada para la ocasión es la recuperación realizada por Filmoteca Española de `El cálido verano del Sr. Rodríguez´ (Pedro Lazaga, 1965), una de las comedias más frescas y espontáneas del cine español, protagonizada por José Luis López Vázquez, y que normalizó la expresión “estar de rodríguez”. Hasta su estreno estival, el film había permanecido inaccesible durante sesenta años. La recuperación y digitalización del film acometida por Filmoteca Española devuelven la mejor calidad posible al sonido, recuperado a partir del negativo original, y reconstruye el film en su mejor calidad de imagen a partir de la combinación de las escasas copias existentes.
Sala 3 – Sala Berlanga / Cine de verano
Tras su reacondicionamiento para mejorar la comodidad y calidad de las proyecciones, regresarán las sesiones nocturnas durante julio y agosto, al aire libre y con servicio de bar. Siguiendo la normativa municipal, las proyecciones tendrán que hacerse con auriculares que se facilitarán en sala. Las entradas para las sesiones de la sala de verano, designada en su momento como “Sala Berlanga”, únicamente podrán conseguirse a través de la plataforma de venta de entradas online y en taquilla hasta las 20:45 horas, tanto anticipadamente como el mismo día de la sesión. Las sesiones tendrán lugar de martes a sábado a las 22:15 horas. En caso de lluvia o cualquier otro imprevisto, la sesión se realizará en la Sala 2 del cine Doré.
Programación #VeranoEnElDoré
La programación de julio y agosto en la sala de verano recorre una selección de grandes títulos de la historia del cine, distribuidos por géneros, uno para cada día de la semana de martes a sábado. Así, los martes estarán reservados para los dramas; los miércoles, cine de acción y aventuras; jueves de thriller, viernes de terror y sábados para la comedia y el musical. Además, el ciclo “Veranos urbanos”, sobre diversos cuentos del estío que acontecen en la ciudad, estará repartido tanto en la sala 1 del Doré como en la sala de verano a partir de agosto.
Julio
Sábado, 1 de julio
`El cálido verano del Sr. Rodríguez´ (Pedro Lazaga, 1965)
Martes, 4 de julio
`Las vírgenes suicidas´ (Sofia Coppola, 1999)
Miércoles, 5 de julio
`Battle Royale´ (Kinji Fukasaku, 2000)
Jueves, 6 de julio
`Atraco perfecto´ (Stanley Kubrick, 1956).
Viernes, 7 de julio
`Los viajeros de la noche´ (Kathryn Bigelow, 1987)
Sábado, 8 de julio
`Velvet Goldmine´ (Todd Haynes, 1998)
Martes, 11 de julio
`Cielo sobre Berlín´ (Wim Wenders, 1987)
Miércoles, 12 de julio
`Gerry´ (Gus Van Sant, 2002)
Jueves, 13 de julio
`Lazos ardientes´ (Lana y Lilly Wachowski, 1996)
Viernes, 14 de julio
` ¿Quién puede matar a un niño? ´ (Narciso Ibáñez Serrador, 1976)
Sábado, 15 de julio
`Balas sobre Broadway´ (Woody Allen, 1994)
Martes, 18 de julio
`Días salvajes´ (Wong Kar-Wai, 1990)
Miércoles, 19 de julio
`Aguirre, la cólera de Dios´ (Werner Herzog, 1972)
Jueves, 20 de julio
`Election´ (Johnnie To, 2005)
Viernes, 21 de julio
`El proyecto de la bruja de Blair´ (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999)
Sábado, 22 de julio
`El hombre sin pasado´ (Aki Kaurismäki, 2002)
Martes, 25 de julio
`La doble vida de Verónica´ (Krzysztof Kieslowski, 1991)
Miércoles, 26 de julio
`Winchester ‘73 ´ (Anthony Mann, 1950)
Jueves, 27 de julio
`Los amantes de la noche´ (Nicholas Ray, 1948)
Viernes, 28 de julio
`La noche del demonio´ (Jacques Tourneur, 1957)
Sábado, 29 de julio
`Cuando Harry encontró a Sally´ (Rob Reiner, 1989)

Ethan Coen en solitario, primer tráiler para «Drive-Away Dolls»

Tras una larga y reconocida trayectoria tras las cámaras, junto a su hermano Joel, Ethan Coen dirige por primera vez en solitario un largometraje, tras su documental Jerry Lee Lewis: Trouble in Mind (2022), que tendrá como título Drive-Away Dolls, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. Descrita por el propio Ethan Coen como una película «divertida de intriga y persecución, una historia queer que no se toma a sí misma demasiado en serio», Drive-Away Dolls se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 22 de septiembre, llegando a nuestro país dos semanas después, el 6 de octubre.
En Drive-Away Dolls vemos como Jamie, un espíritu libre y desinhibido que se enfrenta a su enésima ruptura sentimental, busca consuelo en su mejor amiga Mariana la hora de relajarse de forma desesperada. En busca de un nuevo comienzo, las dos deciden hacer un viaje improvisado a Tallahassee. Pero como no podía ser de otra manera, las cosas se complicaran de forma inesperada después de que se crucen en su camino con un grupo de criminales un tanto incompetentes.
La película, con guion a cargo del propio Ethan Coen junto a Tricia Cooke, está protagonizada por Margaret Qualley, Geraldine Viswanathan, Matt Damon, Beanie Feldstein, Colman Domingo, Bill Camp, Joey Slotnick y Pedro Pascal.

Primer teaser póster para lo nuevo de Carlota Pereda «La Ermita»

Acaba de ver la luz un primer teaser póster de La Ermita, segundo largometraje de la directora Carlota Pereda después del éxito conseguido con su ópera prima, Cerdita. La película esta producida por Laura Fernández Brites y Carlos Fernández para Filmax, en coproducción con Iñaki Gómez y Pablo Echart para Bixagu Entertainment, La Ermita es un drama sobrenatural en el que la particular mirada de su directora consigue trascender el cine de género explorando temas como el amor maternofilial, la muerte, los fantasmas o la reconciliación con nosotros mismos y con los que nos rodean.
En La Ermita vemos como Emma (Maia Zaitegi) quiere aprender a comunicarse con el espíritu de una niña que lleva siglos atrapada en la ermita de su pueblo. Intenta convencer a Carol (Belén Rueda), una incrédula y falsa médium, para que le enseñe a hablar con fantasmas. Su ayuda será el único camino para seguir unida a su madre enferma cuando ella muera. Si Carol no la protege, la vida de Emma correrá peligro.
La película ha sido recientemente seleccionada por el Festival de Sitges para formar parte de los Fantastic 7, una iniciativa común del Marché du Film (Festival de Cannes), del Festival de Sitges (Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña) y del experto internacional Bernardo Bergeret para otorgar relevancia al mejor cine de género. Cada año presenta siete proyectos de género seleccionados por siete festivales internacionales que son referencia en el cine fantástico y de género con el objetivo de fomentar y conectar a la industria en el marco del Marché du Film de Cannes. El showcase Fantastic 7 tuvo lugar el pasado el 21 de mayo en el Palais des Festivals de Cannes, y contó con Álex de la Iglesia como padrino de esta edición.

FlixOlé celebra el centenario de José Luis Ozores: el rostro de la comedia con ternura

La plataforma estrenará el próximo 16 de junio una colección del centenario José Luis Ozores donde se encuentran los títulos más recordados del cómico, como Recluta con niño y El tigre de Chamberí
Se cumplen 100 años del nacimiento de uno de los artistas que con su ternura e inconmensurable vis cómica se convirtió en uno de los actores más queridos del cine español: José Luis Ozores. Y es que ‘Peliche’, como lo llamaban en su entorno, hizo mucho más que despertar la carcajada entre el público, se ganó su cariño. En el centenario de esta figura irrepetible de la gran pantalla del país, miembro también de una saga familiar de intérpretes y directores con nombre propio, la plataforma FlixOlé le rinde homenaje con el estreno, el próximo 16 de junio, de una colección que recorre los títulos con los que cautivó al espectador.
Empezando por El último caballo (Edgar Neville, 1950). Ésta fue una de las primeras apariciones de José Luis Ozores, quien demostró sus dotes para encarnar, con humor, al personaje ingenuo y de buen corazón. Un papel que también bordó en su siguiente largometraje: Esa pareja feliz (Juan A. Bardem y Luis Gª Berlanga, 1951). Haciendo gala de un amplio abanico de recursos cómicos, el actor representó al español que, en su búsqueda por tener una vida mejor, no paraba de protagonizar tropiezos. De esta manera se sucedieron títulos como El diablo toca la flauta (José Mª Forqué, 1954) e Historias de la radio (José Luis Sáenz de Heredia, 1955).

 Fotograma de la película ‘Recluta con niño’

 

El gran cómico de los 50 y 60
Y entre risas llegó Recluta con niño (1955). Su inolvidable interpretación de Miguel Cañete, un inocentón que intenta cuidar de su hermano pequeño mientras hace la mili, supuso un antes y un después en la carrera de Ozores. La mezcla de bondad y humanidad que conseguía dar a sus caricaturescos personajes se hizo todavía más palpable en este exitoso filme dirigido por Pedro L. Ramírez. A partir de ese momento, el caché del cómico se disparó, siendo uno de los mejor pagados de la industria del país.
La popularidad alcanzada por ‘Peliche’ siguió en ascenso con el estreno de otros títulos también firmados por Ramírez, e igualmente recordados por el gran público: Los ladrones somos gente honrada (1956) y El gafe (1959). Sin olvidar El tigre de Chamberí (1958), donde su gancho eléctrico quedó para siempre grabado en la historia del cine español.
A continuación, tendría la oportunidad de debutar como director en Las dos y media y… Veneno (1959), un rol que cedió a su hermano Mariano Ozores antes de comenzar el rodaje. A partir de ese momento, la filmografía de ambos quedaría alegremente sellada: Alegre juventud (1963) y La hora incógnita (1964).

La despedida con Hoy como ayer
Lamentablemente, la esclerosis múltiple que padecía Ozores ya había comenzado a hacer mella en su salud, reduciendo sus apariciones en el cine y en los escenarios. Sus compañeros de profesión, entre los que se encontraban Alfredo Landa, Concha Velasco, Francisco Rabal, Gracita Morales y Tony Leblanc, entre otros, se volcaron de lleno en Hoy como ayer (Mariano Ozores, 1966) para devolver a su amigo todo el afecto que éste había regalado en cada actuación.
Con este filme, José Luis Ozores se despidió de la gran pantalla, dejando para el recuerdo una filmografía tan cómica como humana. Cumplidos en junio 100 años del nacimiento del actor, la plataforma especializada en cine español presenta una colección compuesta por una veintena de películas que incluyen todos los títulos citados, y muchos más.

El cuarto número de la revista ‘ZINE’ investiga la práctica docente de Harun Farocki

El texto principal trata sobre la metodología didáctica del cineasta alemán y su aplicación en la práctica cinematográfica, y se complementa con documentos inéditos del archivo de la Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin (DFFB), donde impartió cursos sobre teoría e historia del cine.
La publicación también se centra en otros dos proyectos pedagógicos: la reconstrucción de un experimento educativo en torno a dos películas propagandísticas en Londres y un taller de cine comunitario minero en Bolivia.
A finales de los años 70, Harun Farocki (1944-2014) regresó a la Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin (DFFB), la misma institución que lo expulsó 10 años antes, cuando era un alumno de la primera promoción, por su implicación en las movilizaciones estudiantiles de la época. Farocki volvió a la academia con una propuesta que llevaba tiempo meditando, la de introducir la pedagogía y el pensamiento sobre la imagen como método de creación y práctica cinematográfica. “No quiero recitar teorías, quiero hacer visible mi producción teórica”, escribió en su texto Lo que quiero hacer (1980), que se reproduce en este número. Volker Pantenburg, profesor de Estudios de Cine en la Uni­versidad de Zúrich y cofundador del Instituto Harun Farocki, es el autor de Cómo enseñaba Farocki, el artículo principal del cuarto número de ZINE: cuadernos de investigación cinematográfica que aborda el compromiso pedagógico del cineasta alemán partiendo de investigaciones en el archivo documental de la DFFB y conversaciones con antiguos alumnos. Su contribución incluye reproducciones de documentos inéditos, traducidos por primera vez al euskera, castellano e inglés.
Este número monográfico dedicado a la investigación en torno a la educación y pedagogía cinematográfica también examina otras dos experiencias. Reconstruyendo ‘Record of War’, escrito por Brighid Lowe y Henry K. Miller, profesores del University College de Londres (UCL), trata sobre un experimento a medio camino entre la pedagogía y la militancia política organizado en 1939 en la London Film Society por el cineasta y profesor británico Thorold Dickinson. Dickinson proyectó simultáneamente -alternando partes de cada una de ellas- Camino de héroes y Abisinia, dos películas propagandísticas de distinto signo rodadas en 1936 durante la invasión italiana de Etiopía. Una performance que confrontaba una película realizada por el lado vencedor y otra realizada por el vencido que Dickinson volvió a llevar a cabo en 1969, en el marco del primer programa de estudios de cine de la UCL, y que los autores del texto recrearon en 2017, casi 50 años después, en el mismo espacio.

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Por último, Desmitificar la producción para devolver el cine al pueblo: el Taller de Cine Minero (Bolivia, 1983), de Isabel Seguí, profesora del Departamento de Cine y Cultura Visual de la Universidad de Aberdeen (Escocia), pone el foco sobre el taller de cine llevado a cabo en 1983 en la ciudad de Telamayu (Bolivia). Este proyecto tenía la voluntad de facilitar a las comunidades mineras el acceso a la producción cinematográfica, propósito con el que coincidían las y los integrantes de estos grupos que querían que su imagen dejara de ser mediada por intelectuales y que pretendían poner en cuestión la producción de cine en sus aspectos económicos, tecnológicos y artísticos. El texto incluye reproducciones de fragmentos de la tesis defendida por la investigadora boliviana María Luisa Mercado en 1985, una de las escasas fuentes que se conservan para el estudio de esta experiencia de cine comunitario.
En definitiva, tres proyectos que indagan de qué manera se ha enseñado e investigado el cine desde escenarios educativos tradicionales hasta otro tipo de ámbitos y contextos olvidados, en ocasiones, por la historiografía canónica del medio.
Call for papers
ZINE: cuadernos de investigación cinematográfica es un proyecto abierto a las contribuciones de investigadoras e investigadores. Las propuestas de contribución de ZINE serán preseleccionadas por el Comité Editorial y estarán sujetas a revisión externa por pares. Pueden hacerse llegar propuestas a la siguiente dirección: zine@zine-eskola.eus. Cada propuesta debe constar de un resumen de entre 250 y 500 palabras y de un CV completo de la autora o el autor. Las instrucciones están disponibles en la web de EQZE.
ZINE: cuadernos de investigación cinematográfica es una publicación académica online editada por Elías Querejeta Zine Eskola, Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián. El propósito de ZINE es publicar investigaciones originales que contribuyan al conocimiento especializado en el campo de los estudios cinematográficos desde una perspectiva interdisciplinar.

Un incómodo trasfondo, tráiler para «Anatomie d’une chute» de Justine Triet

Después de trabajos como Victoria (2016) o Sibyl (2019) la francesa Justine Triet parece haberse consagrado de forma definitiva con su reciente Palma de Oro en Cannes Anatomie d’une chute, film cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. La película, un oscuro drama familiar expuesto a través de un juicio, se estrenará comercialmente en nuestro país el próximo 6 de diciembre.
Anatomie d’une chute nos muestra como Sandra, una escritora alemana, vive con su marido Samuel y su hijo ciego, Daniel, en un chalé en medio de los Alpes franceses. Cuando Samuel fallece en misteriosas circunstancias, la investigación no puede determinar si se trata de un suicidio o de un homicidio. Sandra es arrestada y juzgada por asesinato, el proceso pondrá en la palestra tanto su tumultuosa relación con su esposo como su ambigua personalidad.
La película, con guion a cargo de la propia Justine Triet junto a Arthur Harari, está protagonizada por Sandra Hüller, Samuel Theis, Swann Arlaud, Jehnny Beth, Milo Machado Graner y Saadia Bentaïeb.

El documental «De humani corporis fabrica» llega a Filmin el 15 de junio

Menos de un mes después de su estreno en cines en nuestro país, llega al catálogo de Filmin uno de los grandes documentales del año: «De humani corporis fabrica», de Lucien Castaing-TaylorVerena Paravel. La película, impactante por las imágenes sin filtros que muestra del interior del cuerpo humano, alude desde su título al trabajo de Andrés Vasalio, fundador de la anatomía moderna. Durante dos horas, el espectador observa como nunca antes el cine había mostrado las entrañas de nuestra existencia, mientras la pista de áudio retrata las conversaciones banales, a veces irreverentes, de los médicos que trabajan para cuidar esos cuerpos.

«Pensando en cómo la medicina moderna ha utilizado las herramientas del cine para desarrollar sus propios poderes de visión, queríamos intentar hacer lo contrario, tomar prestadas las herramientas de la medicina para el cine, para permitirnos ver el cuerpo humano de una manera que casi nadie llega a ver nunca, y romper las formas habituales en que miramos nuestros cuerpos y el mundo«, explica Verena Paravel. La directora cree que la propia estructura del documental permite también observar el hospital como un cuerpo teatral y trágico: «Él mismo es una especie de cuerpo que contiene otros cuerpos y trabaja sobre ellos. El hospital es un órgano de la sociedad, que sostiene un espejo de la sociedad, y a menudo se anticipa a los cambios sociales que están a punto de llegar. En su interior coexisten órganos, funciones y sistemas

Los cineastas tuvieron la suerte de conocer a François Crémieux, por aquel entonces director de cinco hospitales públicos en el Norte de París: «por increíble que parezca, nos dio más o menos carta blanca para filmar cualquier cosa en estos hospitales«, explica Castaing-Taylor. Uno de los aspectos más controvertidos de la película es el contraste entre las imágenes que muestran intervenciones en cuerpos en ocasiones gravemente enfermos, con las conversaciones que mantienen los médicos y cirujanos mientras operan sobre ellos. «Cuando oímos a los médicos hablando sobre asuntos no quirúrgicos -conversaciones que podrían chocar por su banalidad o falta de respeto hacia su deber o sus pacientes-, entendimos que eran conscientes de nuestra presencia, y que aceptaban, y a veces incluso deseaban activamente, que esto también se mostrara en la película«, explica Paravel: «Sin la posibilidad de crear distancia o de crear cierta banalidad en los actos que realizan, les sería imposible sostener este trabajo

«De humani corporis fabrica» se estrenó en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes. En nuestro país, se ha podido ver en el Festival de Valladolid y en el Festival D’A de Barcelona y ha sido distribuida en cines por Vitrine Filmes.

Huida sangrienta, tráiler para «Til Death Do Us Part»

En estos últimos años la ceremonia nupcial ha dado lugar a una serie de películas de género fantástico que de alguna manera han satirizado desde el exceso dicho concepto social, dos ejemplos de ello serian [•REC]³: Génesis de Paco Plaza y la más reciente Ready or Not de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett. Til Death Do Us Part, cuyo primer tráiler acaba de ver la luz y podéis ver a final de página junto a su póster oficial, supone una nueva incursión en este concepto argumental. La película, con dirección cargo de Timothy Woodward Jr. (American Violence (2017), (The Final Wish (2019), (The Call (2020), se estrenará comercialmente en Estados Unidos el próximo 4 de agosto.
Til Death Do Us Part nos cuenta una mujer que decide huir el día de su boda, se encuentra momentos después intentando sobrevivir del ataque de su prometido y sus siete padrinos de boda. En este mortal encuentro, los padrinos descubrirán que la novia no tiene intención de volver a la vida que decidió dejar atrás.
La película, con guion a cargo de Chad Law y Shane Dax Taylor, está protagonizada por Natalie Burn, Jason Patric, Cam Gigandet, Orlando Jones, Ser’Darius William Blain, Pancho Moler y Neb Chupin.

Filmoteca Española clausura la exposición ’70 años, 7 piezas, 7 cineastas’ con 6.500 visitantes

La muestra ha contado con la aportación de 7 cineastas y personalidades del séptimo arte: Ester Expósito, Jonás Trueba, Teresa Font, Santiago Segura, Alauda Ruiz de Azúa, Albert Serra y Eduardo Casanova, quienes eligieron las piezas que componían la exposición de entre la colección de Filmoteca Española.
Entre las piezas seleccionadas se encontraban la máscara original para El Diablo de El día de la bestia o la película más antigua dirigida por una mujer conservada en Filmoteca Española, Chien jouant à la balle de Alice Guy.
Casi 6.500 visitantes han disfrutado de la exposición ’70 años, 7 piezas, 7 cineastas’, muestra conmemorativa del 70 aniversario de la institución, que se ha podido visitar de manera gratuita a lo largo de 6 meses en la sede de Filmoteca Española, desde que fuera inaugurada el pasado 6 de octubre en el marco del Día del Cine Español.
Para transmitir la idea de la mutación constante del cine y de lo cinematográfico a lo largo de estos 70 años de historia de la Filmoteca Española – Desde que fuera creada en 1953 como Filmoteca Nacional, siendo rebautizada en 1982 como Filmoteca Española – la muestra se presentaba como un puente, entre aquellos que hoy hacen cine, los que lo hicieron en el pasado y los públicos que disfrutan a unos y a otros. Así, la selección de piezas que componían esta exposición se realizó a partir de una propuesta lúdica en la que 7 cineastas eligieron 7 piezas, a partir de una preselección de 70 piezas de las ricas y diversas colecciones de la Filmoteca Española.
Ester Expósito, Jonás Trueba, Teresa Font, Santiago Segura, Alauda Ruiz de Azúa, Albert Serra y Eduardo Casanova eligieron las piezas que más les representaban a ellos como cineastas de algún modo; y estas se presentaban en la muestra acompañadas de otras piezas y elementos que ayudaban a contextualizarlas en el tiempo y en el espacio, demostrando cómo apelan e inspiran a los cineastas del presente.
Entre las siete piezas pertenecientes a la colección de fondos fílmicos de Filmoteca Española en torno a las que giraba la muestra, se encontraba la máscara original de José Antonio Sánchez para El Diablo de El día de la bestia (Álex de la Iglesia,1995), elegida por Ester Expósito; Los descartes del negativo de Las Hurdes, tierra sin pan (Luis Buñuel 1932-1933), seleccionados por Albert Serra; Los forillos escogidos por Eduardo Casanova creados por Félix Murcia para la terraza de Pepa (Carmen Maura), en Mujeres al borde de un ataque de nervios (Pedro Almodóvar, 1988); Una moviola vertical seleccionada por Teresa Font, o un álbum fotográfico de los Laboratorios Madrid Film, elegido por Santiago Segura. También el Llamamiento a las Primeras Conversaciones Cinematográficas Nacionales, promovidas y organizadas por el Cine Club de la Universidad de Salamanca, del que era responsable Basilio Martín Patino, que fue escogido por Jonás Trueba; y el film más antiguo conservado en Filmoteca Española dirigido por una mujer, la película Chien jouant à la balle (Alice Guy, 1905), que fue seleccionada por Alauda Ruiz de Azúa.

 

Cinema Jove otorga el Premio Luna de València a Sean Baker

La 38ª edición de Cinema Jove otorgará este año el premio Luna de València a uno de los directores más libres, renovadores y comprometidos del cine ‘indie’ estadounidense reciente, Sean Baker (Nueva Jersey, 1971). El realizador y guionista será reconocido presencialmente durante la gala de inauguración del festival internacional de cine de València el 22 de junio en el Palau de les Arts.

El director adjunto de Audiovisuales y Cinematografía del IVC, Francesc Felipe, ha señalado que Cinema Jove premia este año “a una de las principales figuras del cine independiente norteamericano actual y uno de los más implacables y certeros cronistas del lado más oscuro y deprimente del sueño americano. En sus películas, Baker centra su mirada no exenta de humor en las clases marginales que malviven en la periferia de las grandes ciudades estadounidenses”.

Sean Baker es un guionista, director, productor y editor que ha realizado siete largometrajes independientes en las últimas dos décadas. Su aclamada película ‘The Florida Project’ (2017) recibió un premio al Mejor Director del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y una nominación al Oscar al Mejor Actor de Reparto para Willem Dafoe. Su proyecto anterior, ‘Tangerine’ (2015), ganó un Independent Spirit Award y dos Gotham Awards. El filme más reciente de Baker, ‘Red Rocket’ (2021), se estrenó en el Festival de Cannes con gran éxito de crítica y fue distribuida por A24 en los Estados Unidos. y Focus Features a escala internacional. El cineasta acaba de finalizar la producción de su próximo largometraje.

“Sean Baker es el gran retratista de ecosistemas al margen; alguien que pone el foco en no-lugares, en personajes que tratan de salir a flote o encontrar algo de comodidad dentro de su hábitat“, ha destacado el director de Cinema Jove, Carlos Madrid.

Su cine acostumbra a poner el foco sobre colectivos infrarrepresentados en el audiovisual, personajes que viven en los márgenes de la sociedad, pero en su retrato, nunca falta el humor. Así, su ópera prima, ‘Take Out’ (2004), daba el protagonismo a un inmigrante chino en Nueva York que trabaja frenéticamente para reunir el dinero suficiente en propinas para pagar una deuda con unos contrabandistas, y ‘The Florida Project’ a una niña que vive en uno de los moteles de alquiler semanal situados en el entorno de Disney World. Junto al considerado como el “lugar más feliz del mundo” habitan familias en serios apuros económicos.

La cara B de la prosperidad americana

“La filmografía de Baker está trufada de personajes jóvenes, adolescentes, niños… en medio de una encrucijada o que simplemente buscan su lugar en el mundo. La cámara de Baker los trata con gran respeto, cariño y solidaridad, sin por ello ahorrarnos la crudeza, la cara B de la prosperidad americana”, ha valorado Madrid.

Su trayectoria ha estado marcada por abrazar tanto el formato analógico como el digital. El director alterna el talante experimental que le aporta el uso de cámaras digitales con la defensa del uso de película. Así, en 2015 acaparó la atención en Sundance con ‘Tangerine’, donde empleó un iPhone 5S encajado en un sistema estabilizador de Steadicam para indagar en la vida de dos trabajadoras sexuales transgénero, mientras que en 2022, filmó ‘Red Rocket’ en 16 milímetros y anamórfico, con la experiencia de la gran pantalla en mente para adentrarse en el regreso de un fracasado actor porno a su Texas local.

John Waters incluyó su último largometraje hasta la fecha en su lísta de 10 mejores películas del año 2021 por devolver al cine de autor “los polvos, las peleas y los desnudos frontales”.

Otro rasgo fundamental de su cinematografía es el cromatismo pop. En sus películas, la ciudad se convierte en un personaje más al que asocia una paleta de color. Le sucedió con Kissimmee en ‘The Florida Project’ y con Texas City en ‘Red Rocket’.

 

 

Una lucha espiritual, primer para tráiler para «The New Boy» de Warwick Thornton

Después de trabajos tan interesantes como el documental The Darkside (2013) o la más reciente Sweet Country (2017) el realizador australiano Warwick Thornton presenta The New Boy, película cuyo primer tráiler acaba de ver la luz vía Roadshow Films y podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film, interpretado por la oscarizada Cate Blanchett, después de su premiere mundial en el pasado Festival de Cannes dentro de la sección Un Certain Regard, se estrenará en cines australianos el próximo 6 de julio.
En The New Boy vemos como un niño huérfano aborigen de 9 años llega repentinamente en la oscuridad de la noche a un remoto monasterio dirigido por una monja renegada.
La película, a cargo del propio Warwick Thornton, está protagonizada por Cate Blanchett, Deborah Mailman, Wayne Blair y Patrick Prior.

La Semana de Terror de Donostia y TerrorMolins dedican sus ediciones de 2023 a las brujas

La Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia / San Sebastián y TerrorMolins – Festival de Cine de Terror de Molins de Rei unen fuerzas este año para presentar actividades conjuntas centradas en el mundo de las brujas, protagonistas de las ediciones de 2023 de ambos festivales, que tendrán lugar entre octubre y noviembre. El leitmotiv se denomina Sorginak-Bruixes. Una exposición de 24 ilustradoras y un libro escrito por Elisa McCausland y Diego Salgado forman parte del leitmotiv compartido.
La figura de la bruja ha sido una fuente de inspiración para el cine de terror desde sus orígenes, pero ha adquirido una especial relevancia en el contexto vasco y catalán, donde el cine y la literatura han explorado historia, cultura e identidad bajo ese prisma.
La bruja, en todas sus dimensiones, es un personaje que sigue fascinando y aterrorizando al público del cine de terror, pero también ha experimentado una resignificación en los últimos años, convirtiéndose en un símbolo de empoderamiento femenino y de resistencia frente a la opresión patriarcal y religiosa –The Lords of Salem (2012), The Love Witch (2016), Akelarre (2020)–.
Las brujas vascas se designan como sorgin o sorguiña, que podría ser “hacedora de suerte” o “creadora”. Las brujas catalanas usaban el término bruixa, que proviene del latín bruxa o brutia (“mordedora” o “chupadora”). Ambas han dejado una huella profunda en la cultura popular plasmada en leyendas, lugares y fiestas. En Euskal Herria se encuentra la Cueva de Zugarramurdi o Sorginen Leizea, ubicación para aquelarres. En Catalunya nos topamos con el castillo de Montsoriu, Sant Feliu de Sasserra o la plaça de les Bruixes de Molins de Rei, donde al parecer habitaban o se reunían las brujas.
La Semana de Cine Fantástico y de Terror y TerrorMolins recogen esta herencia cultural común y la celebrarán con una exposición de ilustradoras y un libro oficial compartido, además de otras actividades que se anunciarán más adelante. Las citas serán del 27 de octubre al 3 de noviembre en Donostia y del 3 al 12 de noviembre en Molins de Rei.
Bruixes – Sorginak – Brujas. Aquelarre ilustrado
La exposición Bruixes – Sorginak – Brujas. Aquelarre ilustrado reúne a 24 hechiceras de trayectoria vinculada al cómic, el diseño y la ilustración, reunidas para rendir pleitesía a una representación esencial en la ficción, literaria y audiovisual, que atraviesa nuestros sueños y pesadillas.
Esta muestra ritual, comisariada por Borja Crespo, cuenta con una importante presencia de autoras vascas (Ane Pikaza, Raquel Alzate, Higinia Garay, Josune Urrutia) y catalanas (Genie Espinosa, Sandra Uve, Susanna Martin, Nadia Hafid). Hemos invocado a esta selección de artistas para homenajear, con la magia de su talento, la importancia y el atractivo de un símbolo que protagoniza fábulas y está presente en algunos pasajes espeluznantes de nuestra historia.
Listado completo de ilustradoras participantes: Raquel Alzate, Sara Bea, Carla Berrocal, Natacha Bustos, Olga de Castro, Genie Espinosa, Mabel Esteban, Ana Galvañ, Higinia Garay, Nadia Hafid, Irene Márquez, Susanna Martín, Mermelada de Sesos, Ana Oncina, Laura Pérez, Mireia Pérez, Miriampersand, Ane Pikaza, Sara Soler, Clara Soriano, Josune Urrutia. Sandra Uve, Teresa Valero y Roberta Vázquez.

 

Beso negro: Brujería, cine y cultura pop
Elisa McCausland y Diego Salgado
Como sabe todo aficionado a las artes prohibidas, el osculum infame o beso en el ano del diablo, su otra boca, sella la rendición de un ser humano a los hechizos del mal. Beso negro: Brujería, cine y cultura pop recoge esa imagen en su título para arrojar luz oscura sobre un fenómeno que no ha dejado de manifestarse de una u otra forma en la cultura popular desde los inicios mismos de la Era de la Razón: la brujería.
Tras una introducción en la que se repasa el impacto de la misma en la esfera cultural y artística de los dos últimos siglos como manifestación de un descontento soterrado hacia los valores de la Modernidad, el ensayo pasa a contrastar en dos secciones bien definidas los personajes del brujo y la bruja, omnipresentes en la ficción audiovisual. El brujo y la bruja son figuras complementarias pero también antagónicas, si atendemos a los medios y los fines que persiguen a la hora de subvertir los valores dominantes.
Beso negro: Brujería, cine y cultura pop analiza las estrategias de uno y otra para transformar la realidad a través de un recorrido que tiene su epicentro en el cine pero no olvida la pequeña pantalla, el cómic y otras expresiones plásticas y audiovisuales en las que brujo y bruja han pugnado por materializar otra forma de ser y estar en el mundo. De Dion Fortune (1890-1946) y Häxan: La brujería a través de los tiempos (1922) hasta La bruja (2015) y los nigromantes de TikTok, un viaje en el que parece todo dicho y en el que todo está aún por invocar.
El libro será publicado con la Editorial Hermenaute.

El pasajero inesperado, tráiler para «Sympathy for the Devil» de Yuval Adler

Sympathy for the Devil vendría a ser una nueva muestra de ese subgénero que parece haberse convertido en estos últimos años Nicolas Cage, a medio camino entre The Hitcher (1986) y Collateral (2004), el film presenta un primer tráiler, que podéis ver a fina de página junto a su póster oficial. Dirigida por Yuval Adler, The Operative (2019), The Secrets We Keep (2020), la película tendrá un estreno simultáneo en cines y VOD de Estados Unidos el próximo 28 de julio.
En Sympathy for the Devil vemos como después de verse obligado a conducir a un misterioso pasajero a punta de pistola, un hombre se ve envuelto en un juego de alto riesgo del gato y el ratón en el que queda claro que no todo es lo que parece.
La película, con guion a cargo Luke Paradise, está protagonizada por Nicolas Cage, Joel Kinnaman y Kaiwi Lyman.

FlixOlé restaura una versión en 4K de «Me siento extraña»: el clásico lésbico de Rocío Dúrcal y Bárbara Rey

La plataforma presentará también en la Academia de Cine la nueva versión restaurada en 4K de Me siento extraña el 29 de junio, inaugurando así su ciclo ‘Recuperando el celuloide’
La sexualidad era todavía tratada como un tema tabú en España, ni qué decir tiene la homosexualidad, cuando en 1977 llegó a la gran pantalla Me siento extraña. Considerada como la primera en relatar abiertamente una relación lésbica en el cine del país, la película supuso un auténtico escándalo. FlixOlé recupera esta obra de culto, protagonizada por Bárbara Rey y Rocío Dúrcal, con el estreno el próximo 30 de junio de una copia restaurada en la mejor calidad de imagen y sonido.
En una sociedad que emprendía el camino hacia la mayoría de edad, Me siento extraña presentaba un drama erótico en el que dos mujeres con malsanas experiencias sentimentales encuentran consuelo entre ellas. Laura, una pianista que huye de su marido maltratador y de su autoritario suegro, conoce a Marta, una vedette que no termina de entenderse con los hombres en la cama. Ambas construyen una estrecha amistad que despierta la pasión, y las habladurías de los vecinos.

Dos divas, al desnudo
Para esta película, repleta de escenas subidas de tono y desnudos integrales, el director del largometraje, Enrique Martí Maqueda, eligió a dos populares figuras del momento. Por un lado, el papel de Laura recayó en Rocío Dúrcal: niña prodigio, adolescente ye-ye y ‘reina de las rancheras’, su rostro adquirió un nuevo registro al ejercer de coprotagonista en el amorío lésbico que significó Me siento extraña.
Al torso sin ropa de Dúrcal se le unió el de la ‘reina del Destape’: Bárbara Rey. La belleza y sensualidad de ésta le abrió las puertas del espectáculo, tanto encima de los escenarios como delante de la cámara. Convertida en una ‘sex symbol’ del cine, sobre ella recayó el papel de Marta, la vedette que conquista a la pianista. Junto a las divas, completan el elenco otros nombres igual de conocidos como Laly Soldevila, Francisco Algora y Eva León, entre otros.
El ‘pipazo’, como definió en su momento Lola Flores el roce cariñoso entre amigas, de Rocío Dúrcal y Bárbara Rey hizo de la película una de las más taquilleras del año. Después de ésta, Bárbara Rey sumó nuevos proyectos que alimentaron el sobrenombre de ‘reina del Destape’. Por su parte, Rocío Dúrcal decidió no hacer ningún largometraje más, reduciéndose su participación en la gran pantalla a apariciones puntuales.
Pase de Me siento extraña en la Academia de Cine, el 29 de junio
A pesar de permanecer en el olvido durante años, Me siento extraña se ha erigido como un clásico del cine lésbico y en una película reivindicada por parte de la propia Bárbara Rey y el colectivo LGTBIQ+. Una obra de culto, pionera en la cinematografía nacional, que muestra explícitamente el amorío entre dos mujeres como nunca antes había visto el espectador español.
Un filme de no fácil acceso que FlixOlé, en su compromiso de recuperar aquellos títulos imprescindibles del patrimonio audiovisual, ha restaurado en sus instalaciones (en los laboratorios Cherry Towers). En esta línea, la plataforma estrenará el 30 de junio esta versión remasterizada de Me siento extraña junto a una colección especial con la que celebrará el Orgullo.
Previamente, el servicio especializado en cine español presentará el 29 de junio la copia restaurada en 4K de la película en la Academia de Cine, evento abierto al público que tendrá lugar en la sala de proyecciones de la institución (c/Zurbano, 3), y cuyas entradas se podrán adquirir a través de su portal web. Con este acto, la Academia inaugurará así el ciclo ‘Recuperando el celuloide’, una iniciativa en la que colaborará también FlixOlé en próximas ediciones con títulos restaurados en sus instalaciones.

Primer tráiler para «Coup de Chance», lo nuevo de Woody Allen

Acaba de ver la luz de la mano de Metropolitan Filmexport un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página junto al cartel francés, del último trabajo tras las cámaras del veterano Woody Allen titulado Coup de Chance. Película numero cincuenta del director norteamericano rodada en francés y ambientada en la ciudad París, aún sin fecha de estreno en nuestro país, que llegará a las salas comerciales de Francia el próximo 27 de septiembre.
Coup de Chance, que nos muestra una historia de romance, pasión y violencia ambientada en un París contemporáneo, cuenta con un guion a cargo del propio Woody Allen estando protagonizada entre otros por Lou de Laâge, Niels Schneider, Melvil Poupaud, Elsa Zylberstein, Valerie Lemercier, Grégory Gadebois, Guillaume de Tonquedec, Jeanne Bournaud, Anne Loiret y Bárbara Goenaga.

Cine-Bis Nº 10 ya a la venta

Ya se encuentra disponible el número diez de Cine-Bis, la revista dirigida con su habituado buen hacer por Javier G. Romero, en la que se ofrece un nuevo repaso al cine de género alrededor del mundo, en esta ocasión formado por 210 páginas a todo color ilustradas con 510 fotografías, en las que se ofrecen entrevistas y artículos firmados por contrastados profesionales como José Abad, Carlos Aguilar, Daniel Aguilar, Ángel Comas, Adrián Encinas, Roberto García-Ochoa Peces, Anita Haas, David Pizarro, Fernando Rodríguez Tapia y el propio Javier. Todo ello por 12,95 € más gastos de envío.
La portada la protagoniza una imagen del póster de El justiciero de la ciudad, clásico de una modalidad a la que se dedica un amplio artículo: el thriller de acción y crítica social donde ladrones, proxenetas, pandilleros y asesinos son el objetivo del justiciero urbano, erigido en juez, jurado y ejecutor. Entre los contenidos también figuran extensas entrevistas exclusivas a la desaparecida actriz argentina afincada en España Analía Gadé –La vida por delante, Las melancólicas, La mansión de la niebla, Cartas de amor de una monja–, especializada en la comedia pero asimismo brillante en cualquier otro género (terror, thriller, drama…) y al también finado prolífico actor alemán Dan Van Husen –El Cóndor, Cañones para Córdoba, El blanco, el amarillo y el negro, Salón Kitty, El Casanova de Federico Fellini, Nosferatu, vampiro de la noche–, una de las más singulares y carismáticas presencias de la época dorada de la coproducción europea e internacional.

De igual modo resalta la primera parte del dossier dedicado a los inquietantes Yokai, modalidad del cine fantástico y de terror japonés que refleja estos seres sobrenaturales (duendes, demonios y espectros) propios su ubérrimo folclore nacional. Constan, igualmente, un acercamiento a las cuatro trepidantes películas que el director George Pollock dedicó en los años 60 a la simpar Miss Marple, creación de Agatha Christie encarnada por la gran Margaret Rutherfod; un estudio consagrado al inolvidable maestro del cine de animación checo Jirí Trnka, cuyas maravillosas obras crearon escuela en su campo; la segunda parte del dossier “Cine y toros”, centrado en la era dorada de la modalidad, con la eclosión de su particular star system, la nueva espectacularidad, el realismo social…; la apreciada cult movie del fantástico europeo de los 70 La terrificante notte del demonio, donde confluyen satanismo, sexo, maldiciones seculares, castillos siniestros y la sugerente Erika Blanc, entre otros contenidos.

Más información y pedidos en: quatermass@hotmail.com.

Dos únicos supervivientes, tráiler de «Biosphere» de Mel Eslyn

Acaba de ver la luz un primer tráiler oficial, que podéis ver a final de página, de la cinta independiente de ciencia ficción Biosphere, debut tras las cámaras del hasta ahora productor Mel Eslyn, que tras su premiere mundial el pasado año en el Festival de Toronto tiene previsto su estreno comercial en Estados Unidos para el próximo  7 de julio.
En Biosphere vemos como Ray es un científico que diseñó una estructura en forma de bóveda con todos los sistemas necesarios para poder mantener la vida en un planeta que ya no podía soportarla. Allí se encuentran Billy y el propio Ray, en una biosfera personalizada y equipada con las necesidades básicas que hace posible conservar un concepto de cómo solía ser la vida, principalmente a través de un jardín hidropónico que proporciona verduras frescas y un estanque de peces que proporciona las proteínas esenciales. Sin embargo, recientemente los peces han comenzado a morir a un ritmo alarmante. Con tan solo tres peces con vida, Billy y Ray se enfrentan a un siniestro futuro, pero la vida todavía puede encontrar una vía en donde los dos últimos hombres sobre la tierra deberán adaptarse y evolucionar para salvar a la humanidad.
La película, cuenta con un guion a cargo del propio Mel Eslyn y Mark Duplass, que protagoniza el film junto a Sterling K. Brown.

La prostitución en primera persona, tráiler para «La Maison» de Anissa Bonnefont

Tras realizar dos documentales, Wonder Boy, Olivier Rousteing, né sous X (2019) y Nadia (2021), la joven directora francesa Anissa Bonnefont debuta en la ficción con la adaptación de la novela homónima de Emma Becker La Maison, película cuyo primer tráiler podéis ver a final de página junto a su póster oficial. El film se estrenará comercialmente en nuestro país de la mano de Vértigo Films el próximo 23 de junio.
La Maison nos cuenta como Emma, una novelista de 27 años quiere escribir un libro que hable de las trabajadoras del sexo y del mundo de la prostitución. Para entender ese mundo consigue que la elijan para trabajar como prostituta en La Maison, un famoso burdel de Berlín. Su intención era pasar allí no más de dos semanas, pero acaba quedándose dos años.
La película, con guion adaptado a cargo de la propia Anissa Bonnefont, está protagonizada por  Ana Girardot, Aure Atika, Yannick Renier, Philippe Rebbot, Gina Jimenez, Nikita Bellucci y Rossy de Palma.

El ciclo «Paulo Rocha Esencial» llega a Filmin el próximo 9 de junio

Filmin añade a su catálogo cinco películas de uno de los cineastas portugueses más relevantes de todos los tiempos, padre del Novo Cinema Portugués.
Siguiendo con su periódica reivindicación de cineastas clásicos y modernos tal vez menos conocidos, que le ha llevado a estrenar en los últimos meses retrospectivas de directoras como Marta Mészáros, Chantal Akerman, Seijun Suzuki o Shohei Imamura, Filmin añadirá a su catálogo el próximo 9 de junio cinco películas, en nuevas restauraciones digitales, que recorren tres de las diversas etapas de la filmografía de Paulo Rocha, padre del Novo Cinema Portugués y uno de los grandes referentes de la cinematografía lusa y mundial.

Nacido en 1935, Rocha es uno de los directores esenciales de la modernidad cinematográfica. Entusiasta de la Nouvelle Vague y de autores como Kenji Mizoguchi, en sus inicios fue ayudante de dirección de cineastas de la trascendencia de Jean Renoir («El cabo atrapado», 1962) o Manoel de Oliveira («Acto de primavera», 1963). Sus dos primeros largometrajes, «Los verdes años» (1963) y «Mudar de vida» (1966), son piedra angular del llamado Cinema Novo portugués y obras maestras del cine europeo.

Aunque poco conocida en nuestro país, su filmografía es tan apasionante como compleja, y aborda temas como la identidad, las raíces culturales o las clases populares del país luso. Reivindicado por las nuevas generaciones, su influencia es palpable en la obra de sus compatriotas contemporáneos, desde João Pedro Rodrigues a Miguel Gomes, pasando por Pedro Costa o João Salaviza.

Títulos que integran el ciclo:
– «Los verdes años» (1963)
– «Mudar de vida! (1965)
– «La isla de los amores» (1982)
– «La isla de Moraes» (1988)
– «El río de oro» (1998)

 

Póster y tráiler de «Citas Barcelona», la serie dirigida por Pau Freixas

Acaba de ver la luz el póster y tráiler oficial de Citas Barcelona. La serie, dirigida por Pau Freixas y producida por Filmax, tendrá estreno semanal en TV3 a partir del lunes 12 de junio con la emisión de los episodios 1 y 2. Todos los episodios estarán disponibles en Prime Video en España el martes 13 de junio.
En Citas Barcelona los personajes se encuentran cara a cara después de conocerse en internet; buscan amor, sexo o simplemente alguien que les aleje de la soledad. El formato es también una cita romántica con la Ciudad Condal, que será el escenario a través del cual los espectadores visitarán los lugares más icónicos de la ciudad como la Sagrada Familia, el puerto o la Rambla, conectando también con la vida cotidiana barcelonesa a través de otros rincones menos conocidos.
La serie narra encuentros entre desconocidos, historias sobre lo que ocurre cuando la tecnología desaparece y lo único que queda son dos personas con sus propias necesidades y contradicciones. Cómo es la primera cita, cuando entran en juego los miedos, los secretos y las expectativas serán algunos de los hilos conductores del guion de Citas Barcelona donde, en un marco muy urbano, cada capítulo narrará la historia de dos citas. A lo largo de la temporada, los personajes se mezclan y entrelazan, cruzándose algunas de las historias y ofreciendo una mirada elegante, natural y entretenida de las relaciones de pareja actuales, de su diversidad y complejidad.
Citas Barcelona cuenta con un reparto compuesto por Carmen Machi, Belén Cuesta, Ivan Massagué, Laia Costa, Nausicaa Bonnín, Carolina Yuste, Pablo Rivero, Manuela Vellés, Betsy Túrnez, Eduard Buch, Aida Oset, Ricard Sales, Jordi Llovet, Carlos Cuevas, Gonzalo de Castro, Miguel Ángel Muñoz, Aina Clotet, Ajay Kumar, Andrea Álvarez, Pol López, Pep Ambrós, Alejo Sauras, Albert Ausellé, David Verdaguer, Berta Castañé, Berta Bayarri, Joana Vilapuig, Vito Sanz, Eva Santolaria, Antonio Hortelano, Carme Balagué y Dulceida.
La serie es una producción de Filmax y Citas La Serie, AIE que cuenta con la participación de Prime Video y TV3. Pau Freixas y Èric Navarro son sus productores ejecutivos creativos. A su vez el también creador de ‘Todos mienten‘ (y de su esperada continuación) es uno de sus directores junto a David Selvas, Paco Caballero, Patricia Font y Carles Torrens.

Retrospectiva completa de la Filmoteca Española a José Luis Garci

El cineasta inaugurará la retrospectiva el 1 de junio en el Cine Doré con la presentación de ‘Volver a empezar’ y un coloquio posterior con el público
El ciclo se realiza en coordinación con Centro de Cultura Contemporánea Condeduque del Ayuntamiento de Madrid, que inaugura el 29 de junio la exposición ‘Garcine’
El homenaje en Filmoteca Española incluye una carta blanca de títulos escogidos por el propio Garci para el Doré, así como presentaciones de diversos colaboradores de su filmografía
Cuando se cumplen 40 años del Oscar a José Luis Garci por ‘Volver a empezar’, el primero otorgado a una obra española como Mejor Película de Habla No Inglesa, Filmoteca Española homenajea al director español. A lo largo de los próximos meses, el programa ofrecerá un recorrido por la filmografía del director que más veces ha sido nominado al Premio de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood. El ciclo, titulado ‘Vidas de repuesto’, reúne toda su obra cinematográfica como director, así como una selección de sus trabajos como guionista, productor e incluso intérprete.
El ciclo de Filmoteca Española, organismo del Ministerio de Cultura y Deporte encargado de la preservación del patrimonio cinematográfico español, se realiza en coordinación con el Ayuntamiento de Madrid, a través del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, organizador de la exposición ‘Garcine. 40 años del primer Oscar a una película en lengua española’, que tendrá lugar del 29 de junio al 15 de octubre en el Centro Condeduque de Madrid.
Para inaugurar este ciclo, el propio José Luis Garci acudirá el día 1 de junio al Cine Doré, sala de proyecciones de Filmoteca Española, para presentar ‘Volver a empezar’ y mantener un coloquio con el director de Programación, Carlos Reviriego, y con el público. También contará con la presencia de varios de sus colaboradores más habituales, como José Sacristán el día 2 de junio para la sesión de ‘Solos en la madrugada’, así como Miguel Ángel Muñoz o Carlos Santos los días 21 y 22 para hablar de sus personajes en la trilogía de ‘El crack’.
José Luis Garci se ha convertido en icono de la cinefilia no solo por su obra, cargada de amor al séptimo arte, sino también por su labor como divulgador y crítico cinematográfico al frente de publicaciones como ‘Nickelodeon’ y espacios televisivos como el mítico ‘¡Qué grande es el cine!’. El homenaje en Filmoteca Española incluye una carta blanca de títulos escogidos por el propio Garci para el Cine Doré.

 

Calendario de sesiones
1 de junio – 20.30h
‘Volver a empezar’
Presentación a cargo del director, José Luis Garci
2 de junio – 17.30h
‘Solos en la madrugada’
Presentación a cargo del actor José Sacristán
3 de junio – 21.30h
‘Asignatura pendiente’
4 de junio – 17.00h
‘Viva la clase media’
7 de junio – 17.30h
‘Cortometrajes de José Luis Garci’
11 de junio – 17.00h
‘Las verdes praderas’
14 de junio – 17.30h
‘La herida luminosa’
16 de junio – 21.30h
‘Sesión continua’
20 de junio – 20.30h
‘El crack’
21 de junio – 20.30h
‘El crack dos’
Presentación a cargo del actor Miguel Ángel Muñoz.
22 de junio-20.30h
‘El crack cero’
Presentación a cargo del actor Carlos Santos
23 de junio – 17.30h
‘El abuelo’
24 de junio – 21.30h
‘Una gota de sangre para morir amando’
27 de junio – 18h
‘Canción de cuna’
29 de junio – 21.30h
‘Extramuros’
30 de junio – 17.30h
‘Asignatura aprobada’