La producción de documentales que abordan desde diferentes ópticas aspectos relacionados con el cine es una tendencia a día de hoy en alza, Sad Hill Unearthed reverencia al clásico El bueno, el feo y el malo de Sergio Leone, aunque más concretamente lo hace a su escena final, ese mítico duelo a tres bandas entre Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef bajo los acordes musicales de El éxtasis del oro de Ennio Morricone, un homenaje a la localización de dicha escena y toda la historia que hay tras ella. Sad Hill Unearthed cuyo tráiler y póster podéis ver a final de página es un largometraje documental sobre la increíble historia de una de las localizaciones de cine más famosas del cine. Una exploración de los sueños y las motivaciones de los fans pero también la transformación del arte, la música y el cine como un substituto de la religión.
En 1966, el Ejército Español construyó en Burgos un enorme cementerio con más de 5.000 tumbas en el Valle de Mirandilla para la escena final de la película “El bueno, el feo y el malo”. El lugar quedó completamente abandonado tras el rodaje y durante 49 años la vegetación cubrió cada tumba. En octubre de 2015 un grupo de fans de la película decidieron empezar a cavar… y bajo 10 centímetros de tierra encontraron el círculo empedrado original. Durante meses personas de toda Europa han viajado a Sad Hill para desenterrar y reconstruir el lugar. La producción ha viajado lejos para conseguir algunos de los testimonios más interesantes sobre el rodaje de la película y la reconstrucción del cementerio. James Hetfield, Joe Dante, Álex de la Iglesia o los mismísimos Ennio Morricone y Clint Eastwood forman parte de esta producción española que ya es una realidad, con el 100% del proceso de grabación y montaje completados.
No obstante los productores, Zapruder Pictures y Sad Hill Desenterrado AIE, se han gastado ya cerca de 35.000 euros desde el inicio de la producción en septiembre de 2015. Una película como esta necesita toneladas de material de archivo (clips de la película, música, imágenes de archivo, fotografías, etc) y un gran porcentaje de los costes de producción se destinarán a cubrir la adquisición de estos derechos. Es por eso que sus responsables han organizado una campaña de crowdfunding (aquí) que les permita comprar imágenes originales de ‘El bueno, el feo y el malo’ (MGM), canciones de la banda sonora original de Ennio Morricone (Sony) y Metallica (Blackened), imágenes de archivo de las televisiones públicas en España y en Italia (TVE y RAI) o más fotografías (Cineteca di Bologna y Reporters Associati), así como cubrir los costes de grabación de la banda sonora original compuesta por Zeltia Montes y los costes de postproducción (motion graphics, corrección de color, mezcla de sonido).Si consiguen su objetivo (y todo hace pensar que así será), la película estará terminada a finales de junio y se estrenará en algún Festival de Cine Europeo en otoño de 2017.
Sad Hill Unearthed es el primer largometraje de Guillermo de Oliveira (Vigo, 1986), anteriormente ha trabajado los últimos 10 años en el sector de la publicidad pero también ha escrito y dirigido varios cortos de acción para el canal de Youtube de Zapruder Pictures como Seth’s Gold o Max Payne: Valhalla. Los productores de la película son Luisa Cowell y Guillermo de Oliveira. La excepcional compositora de la Banda Sonora Original es Zeltia Montes (Nominada al GOYA Mejor Canción 2017) mientras que la parte de motion graphics estará en manos de los maestros Alberto Sobreviela y Juls Gars de LAG.
Javier Duch es co-editor y responsable del Departamento de Sonido y Ezequiel Romero (Nova, El partido) estará a cargo de la corrección de color. En cuanto al póster es obra Iñaki Villuendas, diseñador zaragozano responsable de los carteles de películas como Lo imposible, Enemy o Tarde para la ira.
es algo esporádica (de echo solo visible en una única escena de acción que funciona a la perfección como no podía ser de otra manera a modo de coreografía, un plano secuencia bien apoyado por la tecnología digital de cerca de cinco minutos de duración filmado de forma majestuosa y deviniendo a modo de quintaesencia de lo que podríamos denominar como la plena suspensión de la acción) todo ello adornado con un peculiar y esporádico tono de tragicomedia al mismo tiempo que una curiosa tesis argumental acerca de la fragilidad de la ética en los actos que han de acometer los personajes principales, corrientes narrativas expuestas de forma algo irregular que impregna todo un relato hecho con oficio, una mixtura de géneros que nuevamente pone de manifiesto una de las máximas de su autor, el hacer siempre una arriesgada apuesta por la originalidad con respecto a lo que son sus propuestas aun a riesgo de bordear en alguna que otra ocasión un cierto absurdo en lo concerniente a sus tramas.
Nos sumamos con uno de los platos fuertes de la programación del cincuentenario: la organización, conjuntamente con el festival, de la exposición conmemorativa 
Todo un reto el escoger solo 50 títulos, uno por año en la vida del certamen, a partir de los cuales mostrarán la evolución del festival y del género fantástico. Entre otros muchos, hasta octubre en la Filmoteca se podrán ver películas como Evil Dead, el film de Sam Raimi que gano con diversos premios la edición de 1982, The Exorcist, de la cual se proyectará el Director’s Cut, Hellraiser, uno de los títulos clave del cine de horror de los 80 que supuso el debut en la dirección del escritor Clive Barker, o Reservoir Dogs, la carta de presentación a Europa de un director habitual en Sitges como es Quentin Tarantino. Entre films de Cronenberg, Greenaway, Guillermo del Toro y otros especialistas en el género fantástico también se podrán ver aportaciones locales que dejaron una buena sensación en el festival, Més enllà de la passió, [REC], Tren de sombras y El día de la bestia son algunos ejemplos de una de las muchas miradas al festival que ocuparan las pantallas de la Filmoteca hasta el 4 de octubre. La aportación de la Filmoteca a los primeros 50 años del festival de Sitges pretende ser un álbum de familia repleto de recuerdos, en donde todos podrán encontrar referencias específicas a algunos de los iconos más emblemáticos y perturbadores de cine fantástico. Feliz aniversario y larga visa al Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya!
un posicionamiento que como tal no nos termina por ofrecer un producto perfecto, más bien irregular sería un término más apropiado, en este aspecto resulta muy evidente el conflicto existente en como el discurso racional que nos quiere hacer llegar Assayas choca de frente con el elemento puramente fantástico del relato, algo que quedan en un segundo plano ante la incuestionable valentía de la propuesta, posiblemente estemos ante una de las películas que mejor reflejen el medio cinematográfico como mero instrumento exploratorio del que parten sus personajes (extraordinaria labor interpretativa por parte de Kristen Stewart que al igual que su compañero de reparto en la saga Twilight Robert Pattinson han sabido revertir sus carreras en base a su innegable talento).
cuidando al máximo todas sus costuras y engranaje, una pequeña y cuidada pieza de orfebrería de síntesis genérica muy ambivalente, su supuesta catalogación podría ser la de una piece arty de horror de tono malsano, de hecho la historia que nos es contada no es nueva y tampoco original, si lo es en parte en la manera en que lo hace. En The Eyes of My Mother vemos como a raíz de un violento hecho traumático la pequeña Francisca en los albores de lo que podemos entender como iniciación a la vida queda marcada en lo psicológico y más allá, aquí entra en escena lo que podríamos entender como la importancia de la familia, o más bien la ausencia de ella, a partir de ese momento somos testigos de cómo su ya dañado imaginario anidara a través de la locura, transito este de la que ella no parece ser plenamente consciente, siendo incapaz de vislumbrar ese conclave que nosotros entendemos como la realidad, un viaje casi dramático de una persona solitaria, incapaz de asimilar cualquier concepto básico de relación afectiva.
amen de una gratuita (e inusual por lo poco creíble de la situación en el momento que se produce) escena de sexo de final funesto digna del más puro estilo slasher al uso, todo ello aderezado conscientemente por guiños tales como los títulos de créditos iniciales o el continuo homenaje musical a cargo de Jed Kurzel a la originaria banda sonora compuesta en su día por Jerry Goldsmith, aunque de forma curiosa (y de ahí la principal valía del film) el mejor tramo de Alien: Covenant sea aquel en el que momentáneamente se aparta del tratado que estamos comentando, en donde vemos como Ridley Scott en el tramo narrativo central y mirando de reojo al Frankenstein de Mary Shelley discierne acerca sobre lo efímero del conocimiento por parte dela existencia humana algo que deriva irremediablemente en un impulso de connotaciones fáusticas en lo relativo a la creación y posterior evolución, tratado que termina siendo un claro vaso comunicante acerca de la pesimista e incluso por momentos terrorífica visión que se ofrece del A.I, no en vano los androides que vemos en la película están muy por encima en lo referente al peso dramático de la historia que cualquiera de los humanos que aparecen en la trama.
