Crónica festival de Sitges 2016. Día 1
Del 7 al 16 de octubre se celebró la 49 edición del festival de Sitges, una edición que estuvo marcada por el homenaje a la saga de culto creada por Gene Roddenberry en 1966 Star Trek, un certamen que en líneas generales tuvo un nivel en lo referente a la calidad de las películas proyectadas bastante elevado, nuevamente esa fórmula a modo de amplio cajón de sastre genérico de la abundante producción fantástica expuesta desde diferentes vertientes que ha dado este 2016 sirvió como inmejorable termómetro del actual estado de salud del género. A la hora de señalas las pautas de la presente edición subrayar el inmejorable momento que goza el cine asiático (una parcela que domina a la perfección el festival pues prácticamente todo la producción disponible que encaja dentro de ese imaginario tan propio del festival volvió a estar presente en año en Sitges), nombres consagrados como los coreanos Kim Jee-woon, Park Chan-wook o Na Hong-jin y muy especialmente los japoneses Sion Sono y Kiyoshi Kurosawa (ambos con dos extraordinarias propuestas cada uno presentes dentro del certamen) demostraron estar a un nivel de creatividad muy superior al resto.
Una edición que conto con grandes homenajeados, una coexistencia de pesos pesados de la interpretación de alto calibre como Max von Sydow y Christopher Walken, autores de pedigrí como el gran Paul Schrader o personalidades varias para puro disfrute fan como Barbara Crampton, Dolph Lundgren o Bruce Campbell, algo que sirvió como perfecto reflejo de esa coexistencia de perspectivas y miradas genéricas cada vez más amoldadas dentro de un festival en cuyo palmares se premió y condiciono el riesgo y la originalidad (Swiss Army Man) en contraposición a una mayor calidad (The Wailing, The Handmaiden, Creepy).
A modo de reflexión señalar la difícil coyuntura a que la que se enfrentan los festivales de serie B como el de Sitges en un presente y futuro, este año se proyectaros un elevado números de films ya disponibles en plataformas de consumo doméstico (VOD), la mayoría de ellas disponibles de forma ilegal por estos lares, esa añorada exclusividad a la hora de proyectar en la que anteriormente se sustentaban los festivales parece cada vez parece más diluida y lo que es más preocupante de una difícil solución sino habituamos una renovada mirada a la hora de consumir cine ya no solo en lo referente a certámenes como Sitges sino a un nivel mucho más generalizado, el desangelado pase de prensa matinal de The Neon Demon no hizo sino subrayar esta problemática por increíble que parezca.
Señalar del mismo modo el buen nivel exhibido este año dentro de la sección Noves Visions, con muchas propuestas de un mayor nivel de las vistas en algunas películas vistas en la sección oficial, por otra parte la estimulante selección ofrecida este año en Seven Chances, seguramente la más puramente genérica desde su puesta de largo en el ya lejano 1993, algo que siempre es de agradecer y más en Sitges, en contraposición detectar en Panorama Fantàstic una sensación muy palpable de films no aceptados dentro de la sección oficial por su calidad, algo que la deriva en una especie de gueto poco agraciado con respecto a sus propuestas. Resaltar a sí mismo la necesaria tarea de rescatar clásicos restaurados como las esenciales Dawn of the Dead, Phantasm, Terrore nello spazio o la seminal Solaris proyectada esta última dentro de la muy interesante retrospectiva Red Planet Marx.
El próximo año Sitges celebrara su cincuenta aniversario y lo hará por todo lo alto, una serie de actividades servirán como preámbulo de la edición, el primero de ellos el concierto de Fabio Frizzi previsto el próximo 1 de noviembre en la sala Phenomena de Barcelona. El festival contara como padrino de este aniversario con Guillermo del Toro,un director muy afín al festival, además el personaje literario y cinematográfico Drácula, de la novela de Bram Stoker y adaptado en numerosas ocasiones al cine será homenajeado en un certamen que con casi toda seguridad contara como película inaugural con el Blade Runner 2 de Denis Villeneuve el próximo 4 de octubre de 2017. A continuación y como viene siendo habitual y a modo de crónica diaria desgranaremos todo lo que dio de sí la presente edición del festival, más adelante y aprovechando en muchos de sus casos su futuro estreno comercial nos detendremos más detenidamente en las propuestas más interesantes vistas este año en Sitges.
Inside
Una joven viuda, embarazada y deprimida, intenta reconstruir su vida después del fatídico accidente de tráfico en el que perdió a su pareja y su oído de manera parcial. Ahora, a punto de dar a luz, vive en una casa aislada de un suburbio cuando, una noche de Navidad, recibe la visita inesperada de otra mujer con siniestras intenciones…
Muy diluida resulto la inauguración de la presente edición del festival de Sitges, Inside, producción catalana rodada en inglés y tercer trabajo del sevillano Miguel Ángel Vivas tras sus más que aceptables Secuestrados y Extinction, en esta ocasión adentrándose en el pantanoso terreno de los remakes de producciones recientes, una nueva versión de À l’intérieur, opera prima de los franceses Alexandre Bustillo y Julien Maury que dirigieron en el 2007 y que con el paso de los años ha adquirido un pequeño estatus de culto entre los aficionados al género de terror.
Nunca he sido muy partidario de esa militancia extrema por parte del aficionado en la no aceptación de nuevas versiones ya de antemano, siempre he sido de la opinión de la legitimidad de rehacer desde una mirada renovada y diferente trabajos ya expuestos con anterioridad, lamentablemente Inside pese a esa legitimidad antes mencionada e incluso una supuesta validez como adecuado producto para su comercialización internacional fracasa en su cometido de una forma muy evidente, Inside es diferente a À l’intérieur pero para peor, pues despoja de las principales virtudes del original, esa contundencia y truculencia de contornos hiperrealistas enclavado en una historia muy minimalista desaparece por completo para ofrecernos un producto de naturaleza light, incidiendo más en un torpe uso del thriller en forma casi de drama que en aplicar e incidir en la perversión de tono pesadillesco de su predecesora, un peaje inherente en los remakes es el de hacer comparaciones con el original, y en este aspecto Inside sale bastante mal parada.
Valoración 0/5: 1
Proyecto Lázaro
Año 2084. Un grupo de médicos logra resucitar por primera vez a un hombre que fue criogenizado 60 años atrás. Marc (Tom Hughes) fue diagnosticado con una enfermedad cuyo pronóstico era de un año de vida. Incapaz de aceptar su final, decide congelar su cuerpo. Seis décadas después Marc se convierte en el primer hombre resucitado de la Historia. Entonces descubrirá que el gran amor de su vida, Naomi (Oona Chaplin), le ha acompañado durante todo ese tiempo de una forma que él no esperaba.
Mucha expectación había por ver el nuevo trabajo tras las cámaras del director canario Mateo Gil, Proyecto Lázaro pilla su concepto a modo de spin-off ya expuesto en su guion para Abre los ojos, definiéndose como un drama futurista de ligera estética new age e incluso heredera de la poética evanescente al estilo Malick acerca del desaparecer de tu momento y entorno para renacer en un ámbito al que ya no perteneces, un ritmo que curiosamente se trunca de manera algo abrupta con un giro final más propio de un fabulario en modo Twilight Zone.
Proyecto Lázaro no deja de ser un producto atípico, a contracorriente en el prácticamente inexistente género de la ciencia ficción intimista patria, una película de amor disfrazada en un entorno de género distópico, algo que en cierta manera le da una validez y una razón de ser a la propuesta pese a sus evidentes fallas, por citar solo algunas hay un abuso algo exagerado de la narración en off para subrayar cosas que las imágenes ya explican sobradamente, esa redundancia visual e incluso discursiva choca frontalmente con posibles reflexiones de mucha mayor relevancia que nos intenta lanzar la película, como por ejemplo los dilemas morales que expone Mateo Gil en la trama. Proyecto Lázaro termina siendo un producto ambicioso en sus postulados, no pedante como algunos llegaron a aseverar, aunque muy irregular en lo referente a sus resultados, aun así no deja de ser una película muy a tener en cuenta dada su valentía al adentrarse en un género inexistente en España, algo que dado los tiempos actuales en los que vivimos es digno de aplauso.
Valoración 0/5: 2’5
Train to Busan
Un desastroso virus se me expande por Corea del Sur, provocando importantes altercados. Los pasajeros de uno de los trenes KTX que viaja de Seúl a Busan tendrán que luchar por su supervivencia.
Si en la pasado edición del festival de Sitges la película “zombie” fue la muy disfrutable cinta japonesa I Am a Hero este año otra producción asiática tuvo tal merecido honor, Train to Busan (Premio a la mejor dirección y a los mejores efectos especiales) supone el debut en imagen real del surcoreano Yeon Sang-ho que junto a su animada Seoul Station también presente en el festival forman parte de una particular e interesante franquicia zombie, ambas funcionando como una moneda de doble cara. Vista Train to Busan puede llegar a sorprender en algo si lo comparamos a los anteriores trabajos de su directos, las animadas y claramente sustentadas dentro de unas coordenadas de lectura social The King of Pigs (2011) y The Fake (2013).
Train to Busan se aparta de dicho concepto para adentrarse en un pulcro blockbuster de terror-acción que funciona como un perfecto y disfrutable vehículo de entretenimiento, teniendo como principal virtud el que las ligeras pinceladas de crítica social expuestas en el film (deteriorada relación paterno filiar, ese apunte de que la unión de los individuos hace la fuerza ante las adversidades o la crítica velada ante la total ausencia gubernamental responsables del desaguisado en el conflicto) no logran diluir lo que es de una forma evidente una diversión genérica sin complejos de aplicado ritmo narrativo, y que utilizando al mismo tiempo y de manera inteligente una coordenadas modernas dentro del género de terror se posiciona en resultados muy por encima de productos yanquis de parecida naturaleza como por ejemplo la muy decepcionante World War Z.
Valoración 0/5: 3’5
Tickled
El periodista David Farrier, especializado en buscar en Internet cosas raras y bizarras, se topó con una misteriosa competición de cosquillas online. A medida que se sumergió más en ella, se encontró cada vez una resistencia más feroz a investigar, incluyendo insultos, pero nada le detuvo para intentar llegar al fondo de una historia más extraña que la ficción.
Se echó en falta en la presente edición del festival trabajos de la índole de Tickled, interesante documental de la HBO a cargo de los debutantes David Farrier y Dylan Reeve que se aleja de dicho concepto genérico que suele analizar o homenajear algún aspecto relativo al séptimo arte como la gran mayoría de documentales presentados en el certamen de este año.
Tickled se adentra en la realidad a través de una premisa fundamentada en la anécdota, siguiendo unas pautas narrativas muy parecidas a las de Catfish partimos de una premisa curiosa (competiciones de cosquillas online) en donde lo atípico de ella nos direcciona en primer lugar en una travesía hacia lo inverosímil para a continuación adentrarse en algo mucho más oscuro y perturbador, para terminar descubriendo patologías de desviación sexual y sobre todo ese conclave social que es internet y que deviene como campo abonado a la hora de suplantaciones de identidad y acoso psicológico por parte de sociópatas. Tickled funciona más en lo relativo a su trayecto (aunque este aspecto requiere el ir lo más virgen posible por parte del espectador dado la naturaleza del producto) que en lo referente a su supuesta finalidad, esa investigación periodística que termina enseñándonos que la más simple realidad siempre supera la ficción logra una mayor solidez en contraposición con su exposición de los peligros que puede conllevar contactar con monstruos ocultos tras una aparente y engañosa inocencia.
Valoración 0/5: 3’5
The Sion Sono
No hace falta presentarle: es nuestro provocador favorito. Lo que sí se antoja necesario es ver este documental para descubrir más sobre el poeta, el pintor, el guionista, el cineasta, el niño, el esposo… Arata Oshima (hijo de otro gran irreverente, Nagisa Oshima) se adentra en el complejo e inabarcable universo de Sion Sono mientras este rueda The Whispering Star.
Se suele decir que los documentales que desgranan el día a día de un artista suelen funcionar en lo referente al interés que la persona retratada pueda infundir al espectador en cuestión, Sion Sono (autor clave en estos últimos años dentro del certamen) es un artista muy particular, lleno de matices, unos matices ambivalentes que quedan perfectamente retratados en este interesante trabajo a cargo de Arata Oshima acerca de uno de los autores más validos e interesantes del actual panorama cinematográfico. El Sion Sono poeta, pintor y finalmente director de cine quedan perfectamente definidos en un documental en donde el proceso creativo del artista queda equilibrado en base a un ameno anecdotario bañado en alcohol y tabaco, un magnífico retrato de la vida y obra del misterioso mundo que habita Sion Sono, un genio en cuyo imaginario puedes llegar el aceptar entrar en el o rechazarlo (perfectamente plasmado en el documental en la confección de su mujer y musa Megumi Kagurazaka) pero un genio al fin y al cabo como bien nos muestra The Sion Sono.
Valoración 0/5: 4
The Whispering Star
Yoko (Megumi Kagurazaka), es una especie de repartidor interestelar de UPS . Su trabajo es simple: debe hacer entrega de paquetes y correspondencia a los seres humanos esparcidos por diversos planetas. Pero con tanto tiempo libre entre las entregas, Yoko comienza a preguntarse qué hay en esos paquetes.
En The Whispering Star encontramos al Sion Sono más autoral, aquel que se lanza al vacío sin red, un posicionamiento artístico en donde solemos encontrar casi siempre los mejores trabajos por parte del director nipón, The Whispering Star (film que nace de un guión que escribió hace más deveinte años) no es una excepción en lo referente a semejante aseveración, presentándose como una de las propuestas más validas e interesantes vistas este año en el festival de Sitges.
Sion Sono reviste la tragedia del 11 de marzo de 2011 en Fukushima en una inusual dramatización minimalista de ciencia ficción para hablar de los recuerdos, la perdida y la memoria, aunque no lo parezca a primera vista estamos ante una película dotada de una gran trascendencia en lo referente a su estética y narración, expuestas mediante un maravilloso juegos de lentes, luces y sonidos que la derivan directamente hacia una dramatización casi fantasmagórico. El extraordinario final que vemos en The Whispering Star sirve casi a la perfección para dicha reflexión, un final en donde vemos a un serie de personas viviendo sus cotidianas vidas bajo una aparente y absoluta normalidad detrás de una especie de paneles blancos, a semejanza de unas sombras chinas, una existencia reflejada como si la realidad les fuera tan insoportable de llevar que sólo pueden enfrentarse a ella a través de un futuro inicuo, completamente alejado de cualquier resquicio que muestren la dolorosa realidad.
