Cine y navegación. Los siete mares en setenta películas

Cine y navegación. Los 7 mares en 70 películas es un libro que une las dos profesiones de su autor, Fernando de Cea: la de marino y la de crítico de cine. Contiene una selección de reseñas de las mejores películas sobre navegación, con comentarios, datos históricos y curiosidades propias del entorno marítimo. Una obra que gustará a los aficionados al cine y a la historia, pero que también atraerá enormemente a quienes les interese todo lo relacionado con la mar.

Un trabajo actual que aborda cintas clásicas y modernas; películas que van desde El capitán Blood, El motín del Caine o Capitanes intrépidos hasta Piratas del Caribe, Capitán Phillips o Master and Commander. Centrado en 70 de las cintas más representativas del género, pero con referencias a más de 500 películas.

Una obra tan original que apenas existen libros publicados sobre el tema y, desde luego, ningún ensayo tan riguroso, ameno y documentado como el que ahora se brinda al lector.

«El cine ha expresado su fascinación por todo lo que tiene que ver con la mar y los océanos, tal como demuestran los cientos de películas que han tratado el tema desde los comienzos del cinematógrafo hasta nuestros días. No es de extrañar que un medio de divulgación tan popular como el cine se encargue de dar a conocer los secretos que esconde un ámbito tan desconocido como la mar. Que una fábrica de sueños ofrezca al espectador, que se encuentra a salvo, sentado cómodamente en su butaca, la posibilidad de ser partícipe de aventuras, de ser testigo de la historia o de sufrir calamidades navegando virtualmente por el océano».

ÍNDICE:

Introducción

  1. AVENTURAS

1.1 Aventura y Mitología.

Ulises

Jasón y los argonautas

Los Vikingos

 

1.2 Una de piratas.

La isla del tesoro

El capitán Blood

El halcón del mar

El cisne negro

El capitán Kidd

La mujer pirata

El temible burlón

Piratas del Caribe

 

1.3 Motines y Guerras Napoleónicas.

Rebelión a bordo

La fragata infernal

El hidalgo de los mares

Master and Commander

 

1.4 Clásicos de la literatura.

Capitanes intrépidos

El lobo de mar

Almas en el mar

Lobos del Norte

El demonio del mar

El mundo en sus manos

Moby Dick

Lord Jim

 

  1. BÉLICAS.

2.1 El acorazado Potemkin.

El acorazado Potemkin

 

2.2 Ha estallado la guerra.

Hombres intrépidos

Pasaje para Marsella

Mare Nostrum

El zorro de los océanos

 

2.3 A la caza del lobo solitario.

La batalla del Río de la Plata

¡Hundid al Bismarck!

Bajo diez banderas

 

2.4 El océano en llamas.

Sangre, sudor y lágrimas

Acción en el Atlántico Norte

The Cruel Sea

No eran imprescindibles

El motín del Caine

El final de la cuenta atrás

 

  1. COMEDIAS.

3.1 Un mar de risas y música.

Escala en Hawai

Las tres noches de Eva

Los caballeros las prefieren rubias

La bella Maggie

 

3.2 Grandes cómicos.

El navegante

Pistoleros de agua dulce

Marineros a la fuerza

La princesa y el pirata

 

  1. DRAMAS.

4.1 Romance y locura.

Viaje de ida

Mares de China

El barco de los locos

Y la nave va

La leyenda del pianista en el océano

 

4.2 Catástrofes.

La aventura del Poseidón

Titanic

La tormenta perfecta

 

4.3 A toda vela.

La fuerza del viento

Tormenta blanca

Kon-Tiki

Cuando todo está perdido

 

  1. CRIMEN Y SUSPENSE.

5.1 Cine negro.

Estambul

La dama de Shanghai

Tener y no tener

Punto de ruptura

Armas para el Caribe

 

5.2 Entre el misterio, el thriller y el terror.

El barco fantasma

Náufragos

El cuchillo en el agua

Lunas de hiel

El fin de Sheila

Calma total

Capitán Phillips

Niebla

Agradecimientos

Bibliografía

Índice de películas citadas pertenecientes al Cine del Mar.

 

El autor

Fernando de Cea Velasco (Madrid, 1958) es capitán de fragata de la Armada, licenciado en Economía y crítico de cine. Colaborador habitual de revistas culturales, ha publicado artículos, reseñas y críticas en prensa escrita, medios digitales y en su blog de cine, El blog de Ethan (elblogdeethan.blogspot.com).

Es autor de las novelas Puentes y sombras, Cenizas para un blues, La habitación 104, El suave roce de tu pelo y Visibilidad Cero; y del ensayo El autoremake en el cine. ¿Obsesión o repetición? (T&B Editores, 2014). Sus libros, reseñas, entrevistas y demás documentación multimedia pueden consultarse en www.fernandodecea.com.

Autor; Fernando de Cea Velasco, Editorial; Berenice (grupo Almuzara). Páginas; 400

La poética del cowboy, tráiler de «The Rider»

Con tan solo un largometraje en su haber (Songs My Brothers Taught Me 2015) la realizadora Chloé Zhao consiguió labrarse un cierto nombre dentro del circuito de nuevos talentos del actual cine independiente norteamericano, al parecer su segundo trabajo tras las cámaras The Rider, cuyo tráiler y póster oficial podéis ver a final de páginas, va camino de ser la confirmación de su autora si nos atenemos a las buenas reacciones que ha cosechado en su muy extenso paso por certámenes cinematográficos durante el pasado año además de sus cuatro nominaciones (película, director, fotografía y montaje) en los próximos Independent Spririt Awards. El film interpretado por actores no profesionales se adentra a medio camino entre la ficción y el documental en la figura masculina del cowboy a través de un realismo de tono trágico y lirico. The Rider que clausurará la inminente edición del Americana Film Fest tendrá un estreno en cines españoles aun con fecha por confirmar de la mano de Caramel Films.

En The Rider vemos como Brady, que fue una de las estrellas del rodeo y un talentoso entrenador de caballos, sufre un accidente que le incapacita para volver a montar. Cuando vuelve a casa se da cuenta de que lo único que quiere hacer es montar a caballo y participar en rodeos, lo que le frustra bastante. En un intento por retomar el control de su vida, Brady emprende un viaje en busca de una nueva identidad y del significado de lo que es ser un hombre en el corazón de América.

La película con guion de la propia Chloé Zhao y música a cargo de Nathan Halpern está protagonizada por Brady Jandreau, Tim Jandreau, Lilly Jandreau, Cat Clifford, Terri Dawn Pourier, Lane Scott, Tanner Langdeau, James Calhoon y Derrick Janis.

«Brawl in Cell Block 99» review

Bradley es un ex boxeador con un matrimonio a punto de romperse que pierde su empleo como mecánico de coches. Debido a esta sensación pesimista, acaba decidiendo que su mejor opción es trabajar para un viejo amigo como traficante de drogas. Esta decisión mejorará su vida hasta que se ve envuelto en un tiroteo entre la policía y sus aliados; situación que le acaba llevando a la cárcel.

Con tan solo dos largometrajes en su haber el realizador norteamericano S. Craig Zahler parece haberse consolidado por méritos propios como un referente (aunque siempre dentro de un reducido círculo que reconoce plenamente y sin atisbos de duda su inconfundible trazo autoral) esencial en lo concerniente a esa raza de autores que a día de hoy parecen surgir de manera cada vez más minoritaria y que dan visos en estar empeñados un poco en ir a contracorriente en aplicar sugerentes relecturas y mezclas (que en ningún caso modificaciones estructurales) de códigos genéricos de la serie B norteamericana más caustica y genuina, si ya en su anterior y esplendida Bone Tomahawk (premio al Mejor Director en Sitges 2015) demostró una inusitada habilidad en tal cometido es en Brawl in Cell Block 99 en donde da un paso al frente, una suerte de noir de presidios en donde no solo perfecciona la narrativa a la hora de desarrollar conflictos en lo referente a dicho posicionamiento autoral sino que logra llevar al espectador por tránsitos algo imprevisibles a través curiosamente de un material plenamente reconocible.

La grandeza que reside y podemos encontrar en una película de las características de Brawl in Cell Block 99 y por ende en el cine S. Craig Zahler en general está en ver lo irreductible de su posicionamiento, una metáfora de la sangre transformado en ejercicios no solo provistos de una libertad creativa hoy en día prácticamente inexistente sino ejecutados a modo de una declaración de pertenencia incondicional a lo que podríamos denominar como un reconocible espíritu del Grindhouse más desaforado, a la serie B de videoclub, a la referencia y al homenaje expuesto sin ningún tipo de impostura, y esto es lo realmente importante, todo ello expuesto a través  del conocimiento a dichas referencias que circunvalan dicho culto cinematográfico, en este sentido no basta con escanear pautas y modelos con excesivos manierismos y exponerlos a modo de pleitesía como últimamente vemos repetidamente en esa equivocada y vacua exposición de la nostalgia ochentera que parece estar de muy de moda, aquí no hay lugar a dicha nostalgia pero si a potenciarla a través del conocimiento que rigen sus propias reglas y pautas genéricas. Brawl in Cell Block 99 es la quintaesencia del thriller carcelario por excelencia, violento y oscuro, exacerbado hasta la extenuación, el film representa un viaje y posterior bajada sin posibilidad de retorno a los infiernos por parte de un excelso Vince Vaughn (performance one man show en cada uno de los encuadres del film e inexplicablemente ausente en el palmarés del último festival de Sitges), Craig Zahler al igual que en su anterior trabajo tras las cámaras se toma su tiempo en darnos pistas, se intuye claramente que todo tiende a ir mal, en que no hay visos de mejora y que inexorablemente la historia parece predestinada a abordar el estallido como único recurso de redención, hay un profundo drama familiar en sus primeros cuarenta minutos que no deja de ser un camuflaje muy característico en la narrativa que veremos a continuación, generar paroxismo a través de una visceralidad animal que no se ampara en el virtuosismo o en la espectacularidad de sus escenas más virulentas y si en una cierta tosquedad, aquí lo que parece predominar es un viaje o descenso a los infiernos, una narrativa que hasta ese momento ha ido in crescendo con el escenario final de esa cárcel de contornos tan irreales como fantasmagóricos, a la deshumanización en definitiva como única vía posible de escape que parece estar predestinado el destino del protagonista principal.

Ojala en un futuro que parece no presentarse muy lejano S. Craig Zahler, cuyo ámbito natural por lógica deviene como muy claro dada su estilo y naturaleza, no se deje seducir por los cantos de sirenas provenientes de los grandes estudios para empresas supuestamente mayores, en cierta manera seria un paso lógico dado su innegable talento, pero analizando de una forma detenida su cine o las virtudes que le suelen orbitar este sería ciertamente imposible o muy difícil de llevar a cabo a través de dicho medio, posiblemente nos ofrecería otra visión igualmente interesante pues el talento es inherente y está ahí pero no sería desde luego la que hasta ahora hemos conocido y disfrutado de una forma tan incondicional por algunos como la buena y autentica serie B que en toda la amplitud del término suele proyectar su cine, un cine en definitiva provisto de un talante ciertamente inexorable en lo referente a sus propios postulados.

Valoración 0/5: 4

La nueva realidad, tráiler de «Las herederas»

Recién inaugurada una nueva edición del festival de Berlín empiezan a llegar los primeros avances de algunas de las películas que se podrán ver en el certamen alemán, Las herederas cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página supone el debut en el largometraje del joven realizador Marcelo Martinessi, dándose la circunstancia de ser la primera película de nacionalidad paraguaya en la historia que competirá por el Oso de Oro. Marcelo Martinessi que con anterioridad había estado presente en la Berlinale con sus cortometrajes Karai Norte 2009 y Calle Última 2011 (su último trabajo en este formato La Voz Perdida 2016 ganó el premio al mejor corto en el festival de Venecia) se adentra en esta ocasión en un universo marcadamente femenino con una fuerte carga social impregnada en el relato.
Las herederas nos narra la historia de Chela y Chiquita, dos mujeres de la sociedad paraguaya que tras treinta años de vivir juntas y después de heredar un suficiente patrimonio para vivir cómodamente ven como a sus 60 años el dinero ya no alcanza, la situación de ambas cambia por completo en el momento en que Chiquita es enviada a prisión por deudas de impago, Chela no tendrá más remedio que trabajar en un servicio de taxi para las señoras mayores adineradas del vecindario. En su nuevo papel como chofer, conoce a una delas hijas de las mujeres, la joven Angy, con la que empieza un fuerte e inesperado vínculo emocional.
La película con guion del propio Marcelo Martinessi está protagonizada por Ana Brun, Margarita Irún, Ana Ivanova, Nilda Gonzalez, María Martins, Alicia Guerra  y Yverá Zayas.

Programación completa del Americana 2018

El Festival de Cine Independiente de Barcelona llega a su quinta edición y para celebrarlo se alarga un día más respecto al año anterior. Así, Americana comenzará el martes 6 de marzo y nos acompañará hasta el siguiente domingo, 11 de marzo.

Como ya viene siendo habitual en las últimas ediciones la inauguración será en la Sala Phenomena, el martes 6 de marzo a las 20:00h, en una sesión a la que se podrá asistir exclusivamente con invitación. Algunas se podrán conseguir mediante las redes sociales durante los próximos días. El resto del festival se celebrará, como cada año, en las tres salas de los Cinemes Girona de Barcelona. Los precios de las entradas serán de 6 euros por película, con la opción de comprar un abono de cinco sesiones compartible por 25 euros.

Un año más la diseñadora gráfica Glòria Bonet propone una imagen para el festival que quiere transportarnos a la esencia del imaginario americano. Esta vez con un guiño a las omnipresentes barras y estrellas, que toman cuerpo en el paisaje urbano nocturno de un barrio cualquiera que todos podríamos reconocer.

La presente edición está formada por un total de 28 largometrajes repartidos en las tres características secciones del festival: Tops, Next y Docs, además de las habituales sesiones gratuitas de Movistar+. También contamos con 20 cortometrajes que se proyectarán dentro de dos sesiones específicas y dos más incluidos en la sección Tops. Además este año colaboramos con una retrospectiva en la Filmoteca de Catalunya y se comienza una ruta que llevará el festival por diferentes localidades de Cataluña y España.

Americana TOPS, con las cintas más galardonadas y los directores más reconocidos del indie actual, está compuesta por once títulos. Beach Rats trata el tema de la adolescencia y la homosexualidad en un entorno en que la delincuencia es una amenaza. Con una fotografía espectacular, interpretaciones naturales y el encanto del parque de atracciones de Coney Island de fondo, la segunda película de la directora Eliza Hittman ha conseguido multitud de premios, destacando el de mejor dirección en el Festival de Sundance. El osito más enternecedor pero también más triste que se ha visto en una pantalla, Brigsby Bear, llega a Americana después de pasar y triunfar por festivales como Sundance, Cannes o Sitges. Brigsby Bear es una historia de superación, de segundas oportunidades, de anhelos artísticos y de amistad tan divertida como emotiva. También proyectaremos Gemini, la última cinta del prestigioso director Aaron Katz, un thriller con crímenes, estrellas de Hollywood, amistad y fama, muy inquietante y que ha estado en festivales como SXSW y Locarno. Uno de los platos fuertes de esta edición será la proyección de Golden Exits, la última película de Alex Ross Perry, el gran invitado del festival este año y que nos presentará su último trabajo personalmente, así como alguna de las proyecciones de la retrospectiva completa que se le dedicará en la Filmoteca de Catalunya. Golden Exits, como es habitual en los films del director, tiene un casting excepcional y cuenta con la presencia de Elily Browning, Mary-Louise Parker o uno de sus habituales, Jason Schwartzman y trata de la inestabilidad en las relaciones de dos parejas ante la llegada de una joven estudiante al barrio. Otro gran nombre del indie, Aubrey Plaza, protagoniza la comedia Ingrid Goes West, ganadora del mejor guión en Sundance y que nos habla de la adicción a las redes sociales y el peligro de desconexión de la realidad que le puede suponer a una mente débil estar enganchado a ellas. Otro de los nombres propios de esta edición de Americana es Harry Dean Stanton, fallecido recientemente. Con una filmografía excepcional se despide después de componer un personaje entrañable como legado cinematográfico. Lo comprobaremos al ver Lucky, donde ficción y realidad se dan la mano para hablarnos de un viejo ateo de 90 años que convive con su aparente intranscendencia cotidiana.

Menashe, hablada íntegramente en jiddish y seleccionada en más de 15 festivales de todo el mundo, explora la naturaleza de la fe y el precio de la paternidad dentro de una comunidad judía ultra ortodoxa de Brooklyn. The Rider, la película de clausura de este año, premiada en Cannes, Valladolid, Hamburgo y multitud de festivales, trata un tema tan propio del cine americano como la figura del cowboy, pero ofrece una visión muy diferente, tan sutil y poética como triste y conmovedora. Rodada por actores no profesionales y con la grandeza de Dakota del Sud como escenario de fondo, la segunda cinta de la directora de origen chino Chloé Zhao es una de las sorpresas del año. El último largometraje de TOPS es Weirdos, canadiense, rodada en exquisito blanco y negro, en que tienen cabida la juventud, el autostop y una aventura llena de rock. Muy celebrada en su paso por Berlín, Toronto o Gijón. Una película que nos hará pasar un gran rato y dejar de lado todos los complejos es Patti Cake$, nominada a la Cámara de Oro en el pasado festival de Cannes. Una comedia en defensa de las minorías en clave de rap que está nominada al premio a la mejor ópera prima a los Independent Spirit Awards. Finalmente, TOPS presenta una sesión con los dos últimos cortos de Don Hertzfeldt, los dos episodios de World of Tomorrow, la filosófica y futurista obra del animador de cine independiente americano más reconocido en la actualidad. Con su estilo minimalista habitual, Hertzfeld cierra la historia que inició hace tres años y que le valió la nominación al Oscar y multitud de premios. La sesión de Americana (que costará tres euros) será una oportunidad de oro para ver juntos y en pantalla grande, tal como merecen, los dos grandes trabajos del realizador de California.

Nuestras nueve apuestas de futuro que forman la sección de Americana Next empiezan con Dayveon, una ópera prima presente en Sundance en que un adolescente de trece años se convierte en el cabecilla de una banda criminal de una ciudad rural de Arkansas. Don’t Think Twice nos habla de unos amigos que tienen un grupo de teatro de improvisación en Nueva York y de cómo su relación se ve afectada a partir de la irrupción de la televisión en uno de sus espectáculos y de la posible fama que puede suceder a alguno de los miembros del grupo. Flesh and Blood navega entre el documental y la ficción para explicarnos la historia de un hombre que acaba de salir de la cárcel e intenta rehacer su vida. Los personajes del film se interpretan a sí mismos. La cinta estuvo presente en el festival de SXSW. Gook será la cinta inaugural de esta edición de Americana. Una historia de amistad cotidiana rodada en blanco y negro y con el problema del racismo de fondo. La cinta fue la ganadora de la sección Next del festival de Sundance. Rotterdam, SXSW y de nuevo Sundance avalan Lemon, una singular comedia alrededor de un director de teatro con carácter irritante que verá puesta a prueba su estabilidad mental en el momento en que un actor lo deje en evidencia y además, su matrimonio se agote. Saturday Church estuvo en Tribeca y ha ganado multitud de premios en festivales LGTB+. Trata de un adolescente de 14 años en lucha con su identidad de género y su religión. Para evadirse necesitará dar alas a sus fantasías. A Sylvio un gorila con rasgos humanos sufre una crisis de identidad al verse involucrado en un late-night de una televisión local. Una crítica mordaz a nuestro sistema de vida y a los programas de televisión que consumimos. The Endless, por otro lado, mezcla sectas, ciencia ficción y viajes temporales consiguiendo ser una de las grandes sorpresas del año dentro del panorama fantástico. Justin Benson y Aaron Moorhead dirigen, escriben, fotografían e interpretan a los protagonistas de esta película presente en Tribeca y en Sitges. Cierra NEXT un thriller, The Strange Ones, en que un joven y un niño atraviesan los Estados Unidos en coche. Parece que vayan a pasar unas bonitas vacaciones rurales en familia. Pero no. Detrás dejan un hecho espantoso del que intentan escapar.

Las variadas realidades de Americana DOCS las forman cuatro películas. La última y esperada cinta del prestigioso Frederick Wiseman, Ex Libris: The New York Public Library, en que durante más de tres horas tendremos el privilegio de conocer una de las instituciones más extraordinarias de los EEEUU, la biblioteca pública de Nueva York. Ganadora del premio Fipresci y nominada al León de Oro de Venecia, entre muchos otros reconocimientos. Jane, por otro lado, acumula más de 40 premios y nominaciones alrededor del mundo. National Geographic pone al alcance de Brett Morgen material inédito para reconstruir la famosa investigación con chimpancés llevada a cabo por Jane Goodall. Dina, ganadora del Gran Premio del Jurado al mejor documental en el Festival de Sundance, nos habla de la extraña pero increíble historia de amor entre una mujer, la Dina del título, con heridas físicas y psicológicas después de ser maltratada por su anterior pareja y Scott, un hombre con síndrome de Asperger. Finalmente en DOCS también proyectaremos The Work, en que un camarero, un profesor y un comisario de exposiciones se adentran en la prisión de Folsomper para realizar una terapia de grupo con diferentes presos. Sin diferencias, todos los asistentes intentarán liberar su dolor de la manera más sincera posible.

A todos estos largometrajes hay que sumar las tres películas gratuitas de las sesiones de Movistar+. Durante el festival, en los Cinemes Girona, se proyectará Dave Made a Maze, una divertida y creativa cinta sobre un hombre que construye un laberinto de cartón en su casa y se pierde dentro. Estuvo presente en el pasado Festival de Sitges ganando el Premio Nuevas Visiones. También en los Cinemes Girona se podrá ver Miss Stevens, donde la señorita del título ha de cuidar a tres de sus estudiantes durante un viaje de fin de semana con destino a un concurso de teatro. Durante el viaje, se explora la fina línea entre ser un adulto y un niño. Finalmente, el viernes 2 de marzo, a poco de empezar el festival, en el MWC de Pl.Catalunya se podrá ver I am Heath Ledger, un documental que recorre la vida del desafortunado artista de la mano de su familia, de sus conocidos y de él mismo.

Americana SHORTS contará con 20 cortometrajes distribuidos en dos sesiones completamente diferentes que se proyectarán en los Cinemes Girona. Las entradas para estas sesiones costarán tres euros, pero también se podrá ver una de ellas de forma gratuita en La Casa del Cine el jueves 22 de febrero, a las 19h. Entre los cortos elegidos tenemos Deklab Elementary, nominado a los Oscar de este año, así como el ganador de Sundance y SXSW, Laps. Además tendremos la suerte de contar con la presencia de Fredric Lehne, director del corto Shy Guys y actor con una enorme experiencia, sobre todo televisiva, ya que ha salido en series como Dallas y Lost y también en películas como The Dark Knight o Zero Dark Thirty. También proyectaremos dos cortos del director Jim Cummings, autor de la fantástica Thunder Road, la gran sensación de la edición de SHORTS del año pasado, titulados It’s All Right, It’s Ok y The Robbery.

Además recordad que los más pequeños (a partir de 5 años) podrán disfrutar de Americana KIDS y realizar su primera película en stop motion. A diferencia de las anteriores ediciones, estos talleres se realizarán en La Casa del Cine el sábado 10 y el domingo 11 de marzo de 11h. a 13h. y costarán 5 euros por niño.

Y también en La Casa del Cine podréis disfrutar de los talleres y seminarios “El crítico del cine al desnudo: La crónica del festival” impartido por Manu Yáñez y que incluye ser jurado de Americana; “Funambulistas americanos” a cargo de Sergio Morera y finalmente “La campaña de promoción cinematográfica”, un curso impartido por Ana Sánchez y Josep Maria Bunyol. Además, como decíamos al inicio, en esta quinta edición de Americana tendremos como invitado al director Alex Ross Perry, que aprovechará su presencia en Barcelona para presentar su último film, Golden Exits, así como la retrospectiva completa que le dedicará la Filmoteca de Catalunya entre los días 2 y 28 de marzo. Una retrospectiva que incluye sus anteriores cuatro trabajos: Impolex, The Color Wheel, Listen Up Philip y Queen of Earth.

Finalmente, las actividades del festival se completarán con sesiones matinales para institutos bajo el título “Young Americans” y dos sesiones de industria: “The American Way” con la presencia de Alex Ross Perry que nos hablará de cómo hacer cine indie en una industria tan grande como la de los EEUU y “Out Loud”, en que Elena Neira, Ana Sánchez, Marina Queraltó y Glòria Bonet nos hablarán de la comunicación de un festival desde cuatro vertientes diferentes.

Además, por primer año Americana viaja por cineclubs de Cataluña como Igualada, Vilafranca, Manresa, Vic y La Garriga, además de visitar importantes espacios culturales de la geografía española como Tabakalera de San Sebastián, La Casa Encendida de Madrid o el Espai Rambleta de Valencia. A este viaje en que se proyectarán algunas de las películas de Americana de la actual edición lo hemos bautizado con el nombre de Route 66.

Para más información podéis consultar en web y programa de mano.

Primer tráiler de «Grass», lo nuevo de Hong Sang-soo

Si el pasado año tuvimos triple ración de Hong Sang-soo con la magnífica On the beach at night alone junto a Claire’s Camera y The Day After este 2018 empieza bien pronto con respecto a la productividad del director coreano, Grass, cuyo primer tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página, y que supone el título 22 en la carrera de Hong Sang-soo estará presente en el inminente festival de Berlín dentro de la sección Forum, certamen en donde suele ser un habitual desde el año 1997 en donde presento su opera prima The Day a Pig Fell Into the Well, recordemos que en la pasada edición del festival alemán la extraordinaria Kim Min-hee se alzó con el Oso de Plata a la Mejor Actriz por su papel en On the beach at night alone.
Grass nos sitúa en una historia melancólica y alegre sobre los clientes de un café cuyos dueños son fanáticos de la música clásica. Kim Minhee interpreta a una de las clientas habituales, una mujer que siempre se sienta en una esquina a escribir en su ordenador. Ella encuentra la inspiración en los diálogos que se suceden a su alrededor y, de alguna forma, los adapta y transforma a su gusto introduciéndose ella misma en la historia. ¿Será ella la autora real de todo lo que sucede a su alrededor?
La película con guion del propio Hong Sang-soo como viene siendo norma habitual está protagonizada por Kim Minhee, Jung Jinyoung, Ki Joobong, Seo Younghwa, Kim Saebyuk, Ahn Jaehong y Gong Minjeung.

Koldo Serra dirigirá a Emma Suárez, Nathalie Poza y Hugo Silva en «70 binladens»

Koldo Serra (Gernika, Bosque de Sombras) comenzará en unas semanas el rodaje de su nueva película, 70 binladens, protagonizada por Emma Suárez, Nathalie Poza y Hugo Silva y producida a cargo de Sayaka Producciones SL, Pokeepsie Films y La Panda.

En este film, Emma Suárez es Raquel, una mujer desesperada. Su situación personal le ha llevado a una coyuntura en la que necesita 35.000 euros (conocidos coloquialmente como 70 binladens) y los necesita en las próximas 24 horas. Su última esperanza es un préstamo bancario. La irrupción de dos atracadores (Nathalie Poza y Hugo Silva) cuando está a punto de cerrar la transacción complicará la situación a Raquel, que no tiene opción: El tiempo corre en su contra y tiene que salir de allí con el dinero, al precio que sea.

Produce Sayaka Producciones (Nahikari Ipiña, Borja Cobeaga, Borja Crespo, Nacho Vigalondo y Koldo Serra), productora de Colossal, Gernika, Negociador y Open Windows, entre otras.

La producción de 70 binladens cuenta además con Pokeepsie Films, productora de Álex de la Iglesia y Carolina Bang, con la que pretenden dar salida a nuevos talentos y LA PANDA, responsables de títulos como 10.000 KM o Tierra Firme.

El rodaje de este thriller con guión de Javier Echániz, Asier Guerricaechebarria y Juan Gil Bengoa, se desarrollará en Bilbao a partir de marzo y cuenta con la participación de RTVE, ETB y Movistar +. La distribución y ventas internacionales irán a cargo de FILMAX.

Sitges visita el South by Southwest de Texas

El Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya participará en dos sesiones del popular festival de Austin. El prestigioso festival South by Southwest (SXSW) de Austin (Texas) abre la puerta a Sitges. El Festival de Sitges participará en dos paneles profesionales, el próximo 13 de marzo, donde podrá exponer su modelo y la condición de primer certamen de cine fantástico del mundo.

La presencia de Sitges se concreta en dos sesiones, ambas incorporadas en las populares Mentor Sessions de SXSW. Por un lado, la subdirectora de la Fundación organizadora del Festival, Mònica Garcia Massagué, participará en una mesa redonda con otros representantes de festivales internacionales, como el American Film Festival, el Melbourne International Film Festival y el Doqumenta de México. La mesa tendrá una orientación profesional y pondrá el foco de atención en la participación de la industria audiovisual en los festivales. En los últimos años, Sitges ha abierto varias líneas de presencia y participación de la industria en sus actos paralelos, que le han permitido ser destinatario y canalizador de varios proyectos audiovisuales.

La otra sesión tendrá como protagonista a Diego López, miembro del comité de programación del Festival, y expondrá los criterios en la selección de películas de un festival como el de Sitges y los procesos y estrategias a seguir por un director una vez seleccionados en la programación oficial.

En los últimos años, el Festival de Sitges ha intensificado su presencia en las citas cinematográficas más relevantes del planeta. El año pasado –con motivo de la celebración de la cincuenta edición–, Sitges estuvo presente en el Festival de Cannes, donde organizó dos actos de presentación en sociedad, uno dirigido a la industria audiovisual y el otro orientado a directores y programadores. También el año pasado, la marca Sitges estuvo presente en el Bucheon International Fantastic Film Festival de Corea del Sur –donde se reconoció su trayectoria con motivo de sus 50 años–, el festival L’Étrange de París –donde se proyectan películas programadas en Sitges con motivo de un foco de cine fantástico catalán–, y el de Málaga –donde también se abrieron unas sesiones con sello Sitges.

Un ente en la pradera, teaser tráiler de «Mis demonios nunca juraron soledad»

El cine de género proveniente de México está dando últimamente muchas alegrías al aficionado al fantástico más inquieto, películas como la magnífica La región salvaje de Amat Escalante o la polémica Tenemos la carne de Emiliano Rocha Minter son solo algunas muestra de ello, ahora el joven realizador Jorge Leyva tras su opera prima Más amaneceres nos propone un sugerente hibrido genérico situado entre en fantástico y el western en su segundo trabajo tras las cámaras titulado Mis demonios nunca juraron soledad, film cuyo primer teaser tráiler y póster oficial podéis ver a final de página. La película según palabras del propio director «surgió de la idea de intentar hacer un western, pero marcado por un estilo que fuera muy mexicano, siempre me gustó mucho las leyendas de mi tierra Sonora sobre chamanes, brujos y hechiceros que viven en la sierra, así que traté de unirlos para poder crear una historia y este fue el resultado»

Mis demonios nunca juraron soledad nos sitúa México 1854, en una cabaña cerca de la frontera de Arizona, un buscador de oro y su mujer son acechados por una misteriosa presencia. Ella presiente algo sobrenatural, pero él, alucinado y convencido de que su joven esposa lo engaña con otro colono, decide ir tras él y capturarlo. En su caza terminará descubriendo un terrible secreto guardado en el interior de la montaña.

La película con guion del propio Jorge Leyva y música a cargo de Alejandro Karo está protagonizada por Manuel Uriza, Javier Godino, Paulette Hernandez, Noé Hernández, Sergio Galindo y Osvaldo Sanchez.

La 66 edición del Festival de San Sebastián dedicará una retrospectiva a la directora y guionista británica Muriel Box

Filmoteca Española y el Festival de San Sebastián organizan, en colaboración con Filmoteca Vasca, Filmoteca del Institut Valencià de Cultura y el Museo San Telmo, una retrospectiva dedicada a Muriel Box.

Muriel Box (1905-1991) se caracterizó a lo largo de toda su obra como escritora y directora, desarrollada entre 1945 y 1964, por tratar temas complejos y prohibidos –como la prostitución, el abuso de menores, el aborto, los hijos ilegítimos o el sexo en la edad adolescente–, de manera muy clarividente y valiente teniendo en cuenta el contexto social y político en el que se produjeron aquellas películas. Su aportación en relación a estas temáticas es fundamental en el cine inglés de los años cincuenta y la primera mitad de los sesenta.

Como ocurre con las estadounidenses Dorothy Arzner –objeto de una retrospectiva en el Festival de San Sebastián de 2014– e Ida Lupino, la revisión actual de su filmografía parece esencial para establecer un discurso feminista y una reivindicación del importante papel de las realizadoras en distintos contextos y cinematografías. Pese a gozar de un cierto prestigio cinéfilo, son pocos los estudios sobre su obra y apenas aparece reseñada en las historias generales del cine.

Muriel Box responde además al canon del cine independiente a pesar de trabajar con temáticas propias de los géneros clásicos y populares, como el melodrama, la comedia, el policíaco o el cine de época. Su obra como directora queda inscrita en un periodo de cambios en el cine británico, el de las comedias de la productora Ealing, la obra de otros independientes como Michael Powell y Emeric Pressburger y el nacimiento de la práctica documental crítica que derivaría en el Free Cinema.

Nacida el 22 de septiembre de 1905 en New Malden (Surrey), con el nombre de Violette Muriel Baker, comenzó en el cine como script. En 1935 contrajo matrimonio con el escritor Sydney Box, con quien crearía cinco años después Verity Films, una productora destinada a financiar cortos de propaganda bélica durante la segunda guerra mundial. La hermana de Sydney, Betty Box –una de las productoras inglesas más influyentes de los cincuenta–, colaboró con ellos. Muriel realizó para Verity el corto The English Inn (1941).

Escribió varias obras de teatro con su marido destinadas a compañías amateurs. Cuando después de la guerra Sydney se convirtió en el director de Gainsborough Pictures, Muriel pasó a ser la responsable del departamento de guiones y codirigió The Lost People (1949), un drama de posguerra iniciado por Bernard Knowles y que ella completó en el sesenta por ciento de metraje, cuya acción se desarrolla en un teatro alemán donde dos soldados británicos custodian a varios refugiados.

En 1951, Sydney creó la compañía London Independent Producers, en la que Muriel pudo acometer argumentos que entonces no estaban bien vistos ni en el cine ni en la sociedad británica, casi siempre con guiones escritos por ella y su esposo. Lo hizo a partir de una mezcla entre mirada autoral y cine de género, y ese resulta uno de sus rasgos principales. Aunque gozó de ciertos privilegios, tuvo que enfrentarse a los prejuicios masculinos e incluso femeninos de la industria cinematográfica: un año antes, la actriz Jean Simmons presionó para que no fuera la directora de So Long at the Fair (Extraño suceso, 1950), dirigida finalmente por Terence Fisher y Anthony Darnborough. Muriel Box ha sido definida como una directora que se desanimaba fácilmente pero que era, a la vez, tenazmente ambiciosa.

Dirigió 14 largometrajes entre 1949 y 1964 –además de un cortometraje–, de entre los que destacan sus peculiares comedias románticas en torno a la guerra de sexos: To Dorothy a Son (Herencia contra reloj, 1954), interpretada por Shelley Winters y centrada en las tribulaciones de varios personajes para cobrar una herencia; Simon and Laura (1955), con Peter Finch y Kay Kendall en los papeles de una pareja de actores de la vida real que se convierten en protagonistas de un programa de la BBC; The Passionate Stranger (1957), con Ralph Richardson como el chófer que tiene una idea equivocada de su jefa, Margaret Leighton, después de leer la novela erótica que ha escrito ella; The Truth About Women (1957), en la que el personaje encarnado por Laurence Harvey revive sus coloristas y exóticas historias de amor en distintos continentes, y Rattle of a Simple Man (1964), el último film de la directora, en el que narra la relación entre un hincha de fútbol muy introvertido y una prostituta.

Brilló igualmente en el drama, con títulos como The Beachcomber (El vagabundo de las islas, 1954), adaptación de una obra clásica de W. Somerset Maugham sobre alcohol, religión, puritanismo y epidemias; This Other Eden (1959), en el que afrontó el tema irlandés al relatar las tensiones en una pequeña ciudad donde se quiere erigir una estatua a un miembro del IRA, y Too Young to Love (1960), una historia de prostitución de menores y aborto ambientada en un juzgado estadounidense y con Thomas Mitchell como el veterano juez. También rodó curiosos relatos criminales: Street Corner (1953), de estilo semi-documental y sobre el trabajo diario de una mujer policía; Eyewitness (Testigo en peligro, 1956), centrado en una mujer que presencia un asesinato en un cine, es atropellada por un autobús y acosada después en el hospital por los criminales, y Subway in the Sky (1959), ambientado en el Berlín de posguerra y protagonizado por Van Johnson y Hildegarde Knef.

En 1946, Muriel ganó el Oscar al mejor guión original por The Seventh Veil (El séptimo velo), filme realizado por Compton Bennett y escrito en colaboración con su esposo. Fue la segunda mujer en obtener un Oscar al mejor guión después de Frances Marion, que lo había ganado dos veces, en 1930 y 1932. Antes de pasar a la realización participó como guionista o productora en películas de Terence Fisher, Compton Bennett y David MacDonald, entre otros directores británicos ilustres de los años cuarenta y cincuenta.

Después de su proyección en el Festival de San Sebastián, la retrospectiva podrá verse en Filmoteca Española, en Madrid, y en la Filmoteca del Institut Valencià de Cultura durante los meses de octubre y noviembre.

Pecado, catarsis y renacimiento, tráiler de «Genesis»

Buenos tiempos para el cine proveniente de Hungría especialmente en lo relacionado a su buena incidencia dentro del circuito de certámenes cinematográficos, el pasado año películas como On Body and Soul de Ildikó Enyedi, ganadora del Oso de Oro en la última edición del festival de Berlín o Jupiter’s Moon de Kornél Mundruczó presente en Cannes y mejor film en Sitges 2017 son solo algunos ejemplos de ello, el joven realizador Árpád Bogdán con su segundo trabajo tras las cámaras parece seguir dicha línea, Genesis cuyo tráiler subtitulado al inglés y póster oficial podéis ver a final de página estará presente en la inminente edición del festival de Berlín dentro de la sección Panorama, certamen al que vuelve tras presentar en 2007 su notable opera prima Happy New Life.

Genesis nos sitúa en el trasfondo de tres personajes y sus correspondientes historias alrededor de los ataques ocurridos en los años 2008/2009 por parte de grupos de neonazis húngaros contra aldeas romaníes durante los cuales murieron seis personas. Un niño gitano, cuya infancia alcanza un final repentino y drástico cuando pierde a su familia en uno de esos ataques, un joven abogado que bajo la presión de sus superiores se tiene que hacer cargo de la defensa de uno de los hombres que se enfrenta a juicio por su presunta participación en esta serie de asesinatos racistas, mientras investiga el caso entra en contacto con el niño, llamado como testigo, esta reunión casual cambia su perspectiva para siempre. Por otra parte una adolescente también se involucra en el caso cuando salen a la luz los oscuros secretos de su actual novio.

La película con guion del propio Árpád Bogdán con esta protagonizada por Milán Csordás, Anna Marie Cseh, Eniko Anna Illesi, Lídia Danis, Zsolt Kovács, Levente Molnár, Tamás Ravasz, István Szilvási, Szofi Berki y Roland Tzafetás.

La guerra de los clones (Más allá de Star Wars)

El estreno de La guerra de las galaxias en 1977 provocó una onda cultural expansiva que ha acabado llegando hasta nuestros días, en la que se ha convertido en una franquicia millonaria que inunda nuestras vidas con toneladas de merchandising. Pero este libro no trata de la conocida saga galáctica, sino de sus consecuencias cinematográficas a lo largo de las décadas. Su éxito sin precedentes volvió a colocar las aventuras espaciales de moda y generó montones de imitaciones y derivados. Desde productos rápidos, baratos o poco inspirados a grandes epopeyas de animación, pasando por reinterpretaciones locales facturadas por países como Japón, Turquía o Italia.

En este libro, el equipo de la web El Pájaro Burlón (Javier J. Valencia, Dani Morell, Óscar Sueiro López, Xavier Torrents Valdeiglesias y Víctor Castillo Rodríguez) se dedican a analizar y documentar cuarenta películas surgidas de toda esa fascinación por las naves espaciales, los rayos láser, los robots respondones y los estilismos cósmicos. De las galaxias más resultonas a los agujeros negros más ponzoñosos de la exploitation mundial.

La guerra de los clones: un loco viaje por más de tres décadas de fascinación por las aventuras galácticas, indispensable para todo aquél que, como sus autores, quiera ir más allá de Star Wars.

Autor; Dani Morell, Xavier Torrents Valdeiglesias, Javier J. Valencia, Óscar Sueiro López, Víctor Castillo Rodríguez, Prólogo: Luigi Cozzi, Epílogo: Paco Fox, Editorial; Applehead Team Creaciones, Colección: La Generación del Videoclub; Páginas; 288

La Filmoteca de Cataluña presenta un ciclo dedicado a Pere Portabella como complemento a la exposición que le dedica la Fundación Vila Casas

La sesión inaugural, con la proyección  L’Umbracle, servirá de homenaje al músico Carles Santos, estrecho colaborador del cineasta, muerto el pasado mes de diciembre.
La exposición «Pere Portabella. Cinema, art i política«, que presenta La Fundació Vila Casas en el museo Can Framis de Barcelona del 12 de febrero al 23 de junio, tendrá un complemento imprescindible en el ciclo que presenta la Filmoteca de Catalunya. La selección de títulos, a cargo del mismo Portabella, servirá para perfilar una figura fundamental de un cine conceptual que, en los años setenta se enfrentaba a la dirección cultural del franquismo. Por otra banda, los jueves del mes de febrero, los cines Texas de Barcelona acogerán la proyección del documental de Pere Portabella El sopar, centrado en una reunión de ex presos políticos celebrada el día de la ejecución de Salvador Puig Antich, en 1974.
Exposición en Can Framis
La muestra sobre Portabella en Can Framis se estructura en cinco ámbitos que exploran las diversas caras de alguien tan polifacético: su trayectoria política se refleja en el retorno del presidente Tarradellas, que él va organizar, el cineasta está presente en los sectores dedicados a Viridiana, coproducida por Portabella, que supuso la vuelta de Buñuel a España y que provoco un escándalo mayúsculo después de ganar la Palma de Oro en Cannes, o en el que se centra en los films que él ha dirigido, Portabella cineasta, que repasa parte de la cinematografía del realizador. Por otra parte la exposición analiza la relación entre Portabella y su entorno artístico, como director de cine, productor y activista político y cultural que ha colaborado con relevantes creadores de vanguardia. El ultimo ámbito de la exposición es Portabella y Miro, se adentra en el vínculo establecido con el pintor mallorquín, con el que colaboro en diversas ocasiones. La obra de Portabella ha entrado en grandes instituciones de arte contemporáneo como el el MoMA, la Tate Modern, el Centre Georges Pompidou, la Documenta de Kassel, el Museu Reina Sofia o el MACBA.
El ciclo de la Filmoteca
El mismo Portabella ha seleccionado el contenido de las cinco secciones programadas por la Filmoteca, entidad que actualmente conserva la totalidad de los materiales que integran su obra. El director presentara personalmente la inauguración del ciclo, el miércoles 14 de febrero, con la proyección d’Umbracle, a partir de un guion de Joan Brossa, que será al mismo tiempo un homenaje al músico desaparecido el pasado 4 de diciembre  Carles Santos, creador inseparable de la filmografía de Portabella, con el cual colaboro repetidamente en la banda sonora e incluso en el guion, con títulos como Die Stille vor Bach o Pont de Varsòvia, también presentes en el ciclo. Esta visión panorámica del universo de Portabella, Premio Nacional de Cinema el 2009 y Gaudí de honor en 2012, se completa con Vampir-Cuadecuc y se cerrara el 28 de febrero con una tabla redonda y la proyección de tres piezas cortas: Art a Catalunya y No al No, de nuevo con la complicidad de Carles Santos, y Mudanza, particularísimo homenaje al poeta Lorca rodado en su casa museo de la Huerta de San Vicente en Granada. A la tabla redonda intervendrán el cineasta Albert Serra, el catedrático Josep M. Català, el director de fotografía Tomàs Pladevall y Esteve Riambau, actual director de la Filmoteca de Catalunya.

 

Secciones del ciclo “Pere Portabella. Cinema, art i política” en la Filmoteca de Cataluña:
Umbracle, Pere Portabella, 1971: Miércoles 14 de febrero / 18.30 h
Homenaje a Carles Santos.
Presentación a cargo de Pere Portabella.
Vampir-Cuadecuc, Pere Portabella, 1970: Miércoles 21 de febrero / 18.30 h
Pont de Varsòvia, Pere Portabella, 1989: Viernes 23 de febrero / 19.00 h
Die Stille vor Bach El silenci abans de Bach Pere Portabella, 2007: Domingo 25 de febrero / 19.00 h

 

Sesión triple de piezas cortas:
Art a Catalunya Pere Portabella, 1992
No al No Pere Portabella, 2006
Mudanza Pere Portabella, 2008: Miercoles 28 de febrero / 18.30 h
Tabla redonda con Albert Serra, Josep M. Català, Tomàs Pladevall y Esteve Riambau
Podéis descargaros documentación y material gráfico AQUÍ

La venganza indígena, tráiler de «Mohawk» de Ted Geoghegan

Hace un par de años el joven Ted Geoghegan sorprendía a los fans del género de terror con una muy digna serie B titulada We are still here (reseña aquí), una vuelta de tuerca al subgénero de las casas encantadas que desprendía un inconfundible aroma a las películas italianas de los años ochenta como por ejemplo The Beyond o The House by the Cemetery de Lucio Fulci además de contar en su casting con la siempre agradecida presencia de Barbara Crampton, en su segundo trabajo tras las cámaras titulado Mohawk, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, Ted Geoghegan se adentra en una historia a medio camino entre el survival y el film de venganza con la mujer como brazo ejecutor. Posiblemente lo más llamativo de este modesto proyecto sea su ambientación de época, una América colonial que sirve como escenario para unas disputas nada amigables. Mohawk tendrá un estreno simultáneo en cines y VOD en Estados Unidos el próximo 2 de marzo.

Mohawk nos narra como en plena guerra entre británicos y los colonos americanos en el año 1814 una joven mohawk es perseguida por un grupo de implacables soldados renegados después de que alguien de su tribu prendiera fuego al campamento de un soldado estadounidense, lo que les llevará a una batalla en las profundidades del bosque en donde la joven indígena tendrá que utilizar todo lo laberíntico que dicho terreno pueda ofrecer a su favor.

La película con guion del propio Ted Geoghegan junto a Grady Hendrix y música compuesta por Wojciech Golczewski está protagonizada por Kaniehtiio Horn, Ezra Buzzington, Eamon Farren, Justin Rain, Jon Huber, Robert Longstreet, Noah Segan, Ian Colletti, Sheri Foster, Jack Gwaltney, Guy Gane, David La Haye y Wayne W. Johnson.

«Day of the Dead: Bloodline» review

Day of the Dead: Bloodline nos cuenta como el mundo se encuentra diezmado por unos muertos vivientes que han arrasado prácticamente todo resto de vida existente en el planeta. Un pequeño grupo de personas, formado por científicos y militares se refugian en una antigua instalación subterránea del gobierno. Allí intentan contactar sin éxito con otros grupos supervivientes. Mientras, los doctores investigan el origen del fenómeno, y de su posible cura, a la vez que intentan “domesticar” a un muerto viviente al que mantienen encadenado. A medida que pasa el tiempo, las tensiones entre los científicos y los soldados irán creciendo dentro del grupo.

No deja de ser algo curioso como un director de las características del tristemente recientemente desaparecido George A. Romero ha visto a lo largo de estos últimos años como su primera trilogía zombie ha sido posiblemente la saga cinematográfica más revisionada en forma de remakes en la historia del cine, más sorprendente aún resulta el comprobar el muy irregular bagaje que con que se han saldado estas reinterpretaciones de su obra, si en las dos primeras acometidas realizadas surgieron dos piezas ciertamente inusuales y muy a tener en cuenta como fueron las notables Night of the Living Dead (1990) a cargo de Tom Savini y la adrenalítica Dawn of the Dead (2004) de un primerizo Zack Snyder en lo referente a la ya de culto Day of the Dead (se tendría que revisar y poner como ejemplo de poca ecuanimidad y limitada contextualización critica la desmesurada negatividad con que fue recibida en su estreno comercial), tanto el ignomioso film perpetrado por el otrora notable artesano de genero Steve Miner en 2008 como el film que nos ocupa a continuación son claros ejemplos de lo que podríamos denominar como pobres y por momentos injustificadas injerencias con respecto al material original.

No voy a entrar nuevamente en el sempiterno debate acerca de la necesidad o no de realizar nuevas versiones de films ya existentes, siempre he encontrado un poco absurdo ese posicionamiento de génesis casi fundamentalista e incluso de un cariz casi obtuso en sus postulados en donde se niega sistemáticamente la validez o la mera opción de reinventar la obra original, algo que si se para a pensar un poco detenidamente nunca afectara negativamente a ella, posiblemente todo lo contrario, haciendo enaltecer sus virtudes a la hora de equipararla con su nueva némesis, nunca al revés pues una obra primigenia mejor o peor que su nueva versión es inamovible en lo referente a su status estructural, mi cierta aversión e incluso reticencia a este tipo de films viene dado simplemente a un nivel puramente estadístico, solo hace falta repasar muy por encima las tentativas habidas en estos últimos veinte años para cerciorarse de que en su gran mayoría estas películas han devenido como torpes o fallidas, y lo más preocupante como innecesarias (y aquí entra otra vez en escena la consabida comparativa con el original), Day of the Dead: Bloodline termina siendo una muestra más de la infructuosidad del cometido al que hago referencia.

Lo bueno de Day of the Dead: Bloodline es que difícilmente era hacer una película peor que la realizada por Steve Miner en su día, en este aspecto el film del mallorquín Hèctor Hernández Vicens supera a su más reciente predecesora, aun así el film no logra superar unos mínimos que la conviertan en un producto que eleve la calidad media de los remakes, con las innumerables y muy visibles deficiencias que posee, ese personaje clave en el original que era Bud aquí trasfigurado en un poco creíble y por momentos involuntariamente cómica figura por el que orbita prácticamente toda la narrativa de la película, una pobre y algo limitada puesta en escena, generosa cantidad de personajes de cartón piedra, ese complejo militar que lejos de ser claustrofóbica parece dar una cierta sensación de amplitud y bienestar y un final demasiado abrupto posiblemente debido a la prematura liquidación de su muy evidente exiguo presupuesto, Day of the Dead: Bloodline intenta al menos tímidos escarceos a modo de referencia con respecto al film de Romero, son acercamiento a un nivel casi de atrezo, ese calendario colgado en la pared o las caravanas estacionadas en el interior de la base entre otras referencias, existe como mal menor en el producto una intención que aunque no logra satisfacer de forma clara al fan al menos denotan un esfuerzo y una ligera tentativa de proximidad.

Dejando de lado el análisis de un film que por otra parte no requiere de mucha complejidad no estaría de más resaltar el loable mérito de Hèctor Hernández Vicens, joven realizador que con tan solo un film low cost en su haber (la curiosa El cadáver de Anna Fritz) ha conseguido abrirse por sí mismo camino en el farragoso y complicado mundo de las actuales producciones USA de bajo presupuesto. El gran inconveniente que atesora Day of the Dead: Bloodline subyace en su propia naturaleza de derivado de una obra ya existente, esa condición no favorecen a un film que por otra parte no engaña a nadie en lo referente a su cometido, no deja de ser un producto destinado especialmente al streaming como tantos otros que surgen durante el año, el problema viene dado en como la alargada sombra que proyecta George A. Romero sobre ella logra desvirtualizar por completo una faceta que un principio no deja de ser tan funcional como alimenticia.

Valoración 0/5:2

https://youtu.be/TKc65We4Yhs

Isabelle Huppert en modo dual, tráiler de «Madame Hyde»

Puede decirse que el realizador galo Serge Bozon con excepción de La France (2007) se ha movido con hasta el momento con bastante solvencia a través de un tono de comedia más bien poco complaciente, películas como Mods (2002) y Tip Top (2013) así lo atestiguan, ahora con su último trabajo tras las cámaras, Madame Hyde, cuyo primer tráiler y póster oficial podéis ver a final de página, vuelve a incidir en dicho género. Madame Hyde es una libre adaptación por parte de Serge Bozon de la novela de Robert Louis Stevenson en donde se nos plantea modo de fábula los conflictos existentes dentro de la educación pública. El film que tuvimos la ocasión de ver en el festival de Sevilla obtuvo el premio a Mejor Actriz para una inconmensurable Isabelle Huppert en el pasado Festival de Locarno, certamen este en donde tuvo su premier mundial.

En Madame Hyde somos testigos de cómo la señora Géquil es una excéntrica profesora que es despreciada tanto por sus compañeros de trabajo como por sus alumnos. Una noche de tormenta, un rayo la alcanza y pierde el conocimiento, cuando recobra el sentido, Madame Géquil se siente completamente cambiada… Pero, ¿podrá controlar a la poderosa y amenazadora Madame Hyde que habita en su interior?

La película con guion del propio Serge Bozon está protagonizada por Isabelle Huppert, José Garcia, Romain Duris, Adda Senani, Guillaume Verdier, Patricia Barzyk, Pierre Léon, Roxane Arnal, Angèle Metzger, Belkacem Lalaoui, Jamel Barbouche, Gernina Mombili, Sanaa El Morsali, Youssouf Diagouraga, Charlotte Véry y Tristan Pagès.

Ciclo en la Filmoteca de Cataluña: Centenario de Ida Lupino, una pionera tras la cámara

El ciclo, presentado conjuntamente con la Mostra de Films de Dones, incluye sus seis incursiones tras las cámaras junto a grandes interpretaciones como El último refugio y Mientras Nueva York duerme.

En estos tiempos de firmes y justificadas reivindicaciones feministas en el mundo del cine, resulta muy conveniente recordar la trayectoria de Ida Lupino, una actriz que rompió el tabú de ponerse al otro lado de la cámara cuando entonces eran muchos más los prejuicios que dificultaban tal tarea.

Solo hace falta recordar que el Oscar tardo 82 años en ser ganado por una mujer directora: Kathryn Bigelow por The Hurt Locker en el año 2010. El ciclo Ida Lupino, davant i darrera la càmera, que se organiza conjuntamente con la Mostra de Films de Dones, permite acercarse al perfil de toda una pionera. La retrospectiva se inaugurará el 9 de febrero a las 20.15 horas con The Hitch-Hiker (El autoestopista), precedida de un debate y presentación a cargo de Violeta Kovacsis, Maria Adell y Marta Nieto.

Ida Lupino nació en Londres el 4 de febrero de 1918 en el seno de una familia de artistas de origen italiano. A mediados de la década de los 30 desembarca en Hollywood, en donde consigue un puesto de trabajo a las órdenes de directores como Henry Hathaway, William Wellman, Michael Curtiz y sobre todo, Raoul Walsh, dando la réplica a grades actores de la época como Humphrey Bogart, Ronald Colman, John Garfield o Edward G. Robinson. Sin embargo nunca llego a acceder al estatus de estrella de primera fila, la creciente competencia de actrices emergentes y consagradas la llevan a diversificar su carrera dando el salto al otro lado de la cámara. Con una gran dosis de auto ironía, Lupino decía que como actriz era la Bette Davis de los pobres y como directora el Don Siegel de los mismos pobres.

La oportunidad de convertirse en realizadora llega cuando el director de Not Wanted, Elmer Clifton padece un ataque de corazón y es ella quien termina el rodaje. Era una producción de Filmakers, compañía independiente que había fundado con su marido Collier Young con la cual dirigió los seis films que la convirtieron en la única mujer directora en el Hollywood de la década de los cincuenta. Eran films de bajo presupuesto, con temas que reivindicaban a las mujeres y su consideración social, atreviéndose con temas tabú como la bigamia en The Bigamist o la violación en The Outrage. Con la notable The Hitch-Hiker se ganó el honor de ser la primera mujer en dirigir un thriller, a partir de los años cincuenta su trayectoria como directora se traslada a la televisión donde dirige episodios de series tan populares como Alfred Hitchcock Presents, The Untouchables, The Fugitive o The Twilight Zone.

 

Sesiones del ciclo Ida Lupino en la Filmoteca durante el mes de febrero

The Hitch-Hiker/ El autoestopista. Ida Lupino 1953

Viernes 9 de febrero 20.15 h. debate a cargo de Violeta Kovacsis, Maria Adell y Marta Nieto.

Sábado 17 de febrero 22.00h.

 

High Sierra /El último refugio. Raoul Walsh, 1941

Sábado 10 de febrero 22.00h

Domingo 11 de febrero 19.30h.

 

Never Fear/Young lovers/ Nunca tengas miedo. Ida Lupino 1949.

Martes 13 de febrero 21.30h.

Domingo 18 de febrero 19.30h.

 

The Bigamist/El Bigamo. Ida Lupino 1953

Viernes 16 de febrero 19.30h.

Jueves 22 de febrero 21.30h.

 

While the City Sleeps/Mientras Nueva York duerme. Fritz Lang 1956.

Sábado 24 de febrero 19.00h.

 

Private Hell 36. Don Siegel 1954.

Domingo 25 de febrero 21.30h.

Martes 27 de febrero 21.30h.

 

El musical según Lav Diaz, tráiler de «Season of the Devil»

Después de un muy prolífico 2016 en donde Lav Diaz presentó en sociedad A Lullaby to the Sorrowful Mystery y su extraordinaria The Woman Who Left el realizador de origen filipino vuelve a tener listo el que es su nuevo trabajo tras las cámaras, el film titulado Season of the Devil (Ang panahon ng halimaw) cuyo primer tráiler subtitulado al inglés podéis ver a final de página nos sitúa en una perdida aldea filipina durante el periodo de la ley marcial, película rodada en blanco y negro que cuenta con una duración de 230 minutos (algo que parece ya habitual en el cine de Lav Diaz). Season of the Devil según palabras de su productora Bianca Balbuena podría definirse como un musical o más bien anti musical en clave mitológica que deriva en ópera rock.

Season of the Devil tendrá su premier mundial formando parte de la sección oficial a concurso en el próximo festival de Berlín que se celebrará del 15 al 24 del mes de febrero, certamen en donde Lav Diaz hace un par de años se alzó con el premio Alfred Bauer por su A Lullaby to the Sorrowful Mystery.

La película con guion del propio Lav Diaz está protagonizada por Piolo Pascual, Shaina Magdayao, Pinky Amador, Bituin Escalante, Hazel Orencio, Joel Saracho, Bart Guingona, Angel Aquino, Lilit Reyes y Don Melvin Boongaling.

Pensamientos del cine. Las películas que acompañamos. El cine que intentamos recuperar

Brigadoon, esa pequeña aldea en la altas tierras escocesas imaginada por Vincente Minnelli, despierta y vive un día cada cien años. Es el precio del hechizo que preserva su armonía de fábula, a salvo del terror del mundo. Brigadoon no está en el tiempo ni en los mapas. Jacques Tourneur filmó una noche del demonio hacia la que conduce el jirón de un pergamino, que se pasa de un elegido a otro, como un anillo envenenado. Anuncia un final con forma de luz metafísica en el bosque, que avanza a la velocidad de un tren. “Está en los árboles. Es él, está llegando”. Un viento de tormenta electrifica el bosque fatal. “Es él. Aquí viene”. Podría ser el amor. Podría ser el cine. Si amas a alguien que habita Brigadoon, podrás entrar en ella. Si la abandonas, Brigadoon desaparecerá. El pergamino, insignia metafórica, es lo que no cesa de moverse en la imagen. Pertenece a un libro inhallable, como Brigadoon, un cuerpo virtual de imágenes y signos. Podría ser una película. Para ir hacia lo fantástico, hay que creer. Como creen los niños en sus amigos invisibles. Para entrar al cine, como quien entra a Brigadoon, hay que rendirse a su parpadeo químico, a esa espectacular intermitencia entre la luz desnuda y la ceguera. Y luego, sentir su sedimentación en la memoria, sus minúsculos picos y sus palas, su trepidación subterránea en nuestra psiquis.
Raymond Bellour escribe el cine para recordarlo. Se hace arqueólogo. O porque lo asedia y se anuda en su interior. Se hace exorcista. De Robert Wise a Ritwik Ghatak, de Rossellini a Philippe Grandrieux, de John Ford a Chantal Akerman, de Ingmar Bergman a Gus Van Sant, del rostro inmóvil de Lillian Gish atravesado por minúsculas olas sensibles al rostro de Cary Grant como ojo del montaje y geómetra del plano: todo está allí para ser recuperado, para pujar y ser una memoria imposible, entre la percepción alucinada de la imagen que adviene (como un cataclismo, como una plegaria) y el recuerdo definitivamente incierto que la fija, que la ancla a nuestra vida como un fósil, radioactivo y estremecedor.
El autor
Escritor, crítico y teórico de cine y literatura. Fue uno de los fundadores de la revista Trafic. Ha escrito, entre otros textos, Henri Michaux (1965, 1986), L’analyse du film (1979), Mademoiselle Guillotine (1989), L’Entre Images: Photo. Cinéma.Vidéo (1990), L’Entre Images 2: Mots. Images (1999), Partages de l’ombre (2002) y La querelle des dispositifs: Cinéma – expositions, installations (2012).
Con Pensées du cinéma. Les filmes qu’on accompagne. Le cinéma qu’on cherche à ressaisir (2016), último libro publicado por Raymond Bellour aquí presentado en español, Shangrila continúa la labor de difusión de su obra, iniciada con la publicación, en 2013, de El cuerpo del cine. Hipnosis, emociones, animalidades (Le corps du cinéma: hypnoses, émotions, animalités, 2009).
Autor; Raymond Bellour, Editorial; Shangrila- Contracampo libros. Páginas; 508

Primer tráiler de la nueva sensación del terror indie «Hereditary»

Parece ser que este 2018 vendrá cargado de un buen número de películas de terror que prometen a priori trascender más allá de ser simple artificios genéricos, una de las primeras que empiezan a sonar a nivel de una fuerte repercusión mediática tras su reciente paso por el festival de Sundance es Hereditary, cuyo primer avance en forma de tráiler oficial y poster podéis ver a final de página, opera prima del joven neoyorkino Ari Aster que en algunos círculos ha sido denominada como la película de terror más inquietante y perturbadora de estos últimos años, tras ella nos encontramos con la productora A24 que en estos últimos tiempos parece especializada en obsequiarnos con productos de género tan estimulantes como por ejemplo The Witch, Green Room o la reciente It Comes at Night. Aún sin fecha de estreno en España Hereditary verá la luz en los cines de Estados Unidos el próximo 8 de junio.

Hereditary nos cuenta como cosas extrañas comienzan a suceder en casa de los Graham tras la muerte de la abuela y matriarca, que deja a su hija Annie en herencia su casa. Annie Graham, una galerista casada y con dos hijos, no tuvo una infancia demasiado feliz junto a su madre, y cree que la muerte de ésta puede hacer que pase página. Pero todo se complica cuando su hija menor comienza a ver figuras fantasmales, que también empiezan a aparecer ante su hermano.

La película con guion del propio Ari Aster y música compuesta por Colin Stetson está protagonizada por Toni Collette, Gabriel Byrne, Alex Wolff, Ann Dowd, Milly Shapiro, Mallory Bechtel y Zachary Arth.

Ciclo Phenomena-Experience Clint Eastwood, maestro del western

Después de pasarse años luciendo poncho, cigarrillo y pistolas a las órdenes de directores como Sergio Leone, con quien trabajo en la fundamental Trilogía del Dólar, el actor Clint Eastwood tomó buena nota de todo lo había que hacer para conseguir rodar un western con carácter.

Durante el mes de febrero Phenomena-Experience dedica un ciclo especial  en donde podrán verse los cuatro westerns dirigidos por esta leyenda del celuloide.

 

El jinete pálido (Pale Rider)

Int.Clint Eastwood, Sydney Penny, Michael Moriarty

Dir.Clint Eastwood, 1985 · USA · 115′ · 35 mm · VOSE

Las tensiones entre los colonos buscadores de oro y el propietario de unas minas cercanas son cada vez más violentas. Los hombres del cacique local roban y atacan a los recién llegados, tratando de expulsarles de los terrenos en lso que se instalado. Un misterioso predicador, que acaba de llegar al pueblo, intentará que paren los ataques y robos.

Miércoles, 07/02/2018, 19:40h

Lunes, 12/02/2018, 15:30h

 

Sin perdón (Unforgiven)

Int.Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris

Dir.Clint Eastwood, 1992 · USA · 131′ · DCP · VOSE

El viejo Munny es un pistolero retirado, viudo y padre de dos hijos, con graves dificultades económicas para no perder sus propiedades. Para conseguir algún ingreso, debe aceptar un último trabajo junto a un buen amigo: matar a dos hombres que le desfiguraron la cara a una prostituta.

Domingo, 11/02/2018, 19:20h

 

 

Infierno de cobardes (High Plains Drifter)

Int.Clint Eastwood, Verna Bloom, Marianna Hill

Dir.Clint Eastwood, 1972 · USA · 105′ · DCP · VOSE

Los propietarios de una compañía minera contratan los servicios de un pistolero, que pasaba por la ciudad, para que les defienda de unos bandidos que les han amenazado y que ya se dirigen hacia el lugar. El pistolero aceptará el trato con la condición de que le dejen trabajar a su manera.

Sábado, 17/02/2018, 17:10h

 

 

 

 

El fuera de la ley (4K) (Outlaw Josey Wales)

Int.Clint Eastwood, Chief Dan George, Sondra Locke

Dir.Clint Eastwood, 1976 · USA · 135′ · DCP · VOSE · 4K

Aunque en el pasado fue un soldado confederado, ahora Josey se ha retirado del servicio para trabajar en su granja al lado de su esposa y su hijo. Pero su vida cambia trágicamente cuando los miembros de una guerrilla del ejército de la Unión matan a su familia. Desde ese momento, su único pensamiento será vengarse de los asesinos.

Sábado, 10/02/2018, 15:25h

 

 

 

La historia de un gigante, tráiler del documental de la HBO «Andre the Giant»

El francés André René Roussimoff conocido popularmente con el nombre de André El Gigante fue un personaje ciertamente peculiar en la década de los 80 y 90, durante esos años fue una de las figuras más importantes que dio la historia de lucha libre además de participar de forma esporádica en películas como Conan the Destroyer, Micki y Maude o en su especialmente recordada presencia en el film de Rob Reiner The Princess Bride amen de varias series de televisión. Ahora la cadena HBO nos presenta un documental, cuyo tráiler final podéis ver a final de página, en donde se nos relata la trayectoria de tan peculiar personaje. Andre the Giant aún sin fecha de emisión en España se podrá ver en Estados Unidos a partir del próximo 10 de abril.

André René Roussimoff, hijo de padres búlgaros y polacos nació en 1946 en la ciudad de Grenoble, Francia, en una adolescencia ya muy temprana empezó a presentar evidentes  signos de gigantismo, aunque no fue diagnosticado de acromegalia hasta que cumplió los veinte años de edad. Comenzando su preparación como deportista de lucha libre en París a los 17 años se hizo conocido en los circuitos de lucha en todo el mundo a partir del año 1973, con el paso del tiempo Andre se convirtió en uno de los miembros más destacados de la World Wrestling Entertainment, competición en donde fue una auténtica estrella llegando a ser rival en multitud de ocasiones de otra de las leyendas de la WWE que termino convirtiéndose en un icono popular, Hulk Hogan, el All Japan Pro Wrestling de 1992 fue el último combate de Andre the Giant.

«Kelvin’s Book» será el nuevo proyecto televisivo de Michael Haneke

Acaba de darse a conocer cuál será el nuevo trabajo tras las cámaras del premiado director austriaco Michael Haneke, Kelvin’s Book supondrá su primera incursión en el ámbito de las series televisivas y en el género de la ciencia ficción, grabada en inglés y compuesta inicialmente por diez episodios la historia de Kelvin’s Book nos sitúa en un futuro distópico y nos cuenta la historia de un grupo de jóvenes habitantes de un futuro próximo que tras sufrir un aterrizaje forzoso en el avión donde viajaban y lejos de su país se verán obligados a realizar un viaje de regreso en donde contemplarán la que se supone que es la verdadera cara de su nación de puertas para afuera.
Según declaraciones recogidas del propio director este ha comentado que “Tras realizar diez telefilms y doce largometrajes para cine ya tenía ganas de contar por primera vez una historia algo más larga». Kelvin’s Book cuya fecha de inicio de rodaje aún no ha sido dada a conocer supondrá la asociación de Michael Haneke con Freemantle Media’s (responsable de series tales como The Young Pope, Hard Sun o American Gods) y la alemana UFA Fiction (Deutschland 83, Danni Lowinski). Por su parte Nico Hofmann y Benjamin Benedict productores ejecutivos de esta distopia futurista han declarado «No creemos que exista otro director contemporáneo que nos haya emocionado e inspirado tanto como Michael Haneke. La historia que nos cuenta Kelvin’s Book es tan fascinante como ambiciosa. Su reflexión acerca de la era digital en la que vivimos hoy en día hace de este proyecto especialmente idóneo para el momento actual en que nos encontramos».

La oscura experimentación psicológica de Steven Soderbergh, primer tráiler de «Unsane»

Lejos de parecer cumplir sus supuestas intenciones de abandonar el mundo del cine el realizador estadounidense Steven Soderbergh da la impresión de estar más inquieto, en el buen sentido de la palabra, que nunca, después de su algo decepcionante Logan Lucky estrenada el pasado mes de octubre ya tiene lista la que será su nueva película, en Unsane, cuyo primer tráiler oficial acaba de ver la luz y podéis ver a final de página, Soderbergh vuelve a experimentar en el medio cinematográfico (algo que si os paráis a repasar su filmografía no tendría que ser motivo de extrañeza) en una película rodada con un iPhone durante una semana. Unsane que vistas sus primeras imágenes nos remiten ligeramente al Shock Corridor de Samuel Fuller supondrá la primera incursión por parte de Soderbergh en el género del terror psicológico. La película previo paso por el festival de Berlín se estrenará en salas comerciales de Estados Unidos el próximo 23 de marzo de 2018.

Bajo el eslogan oficial del film, Is she… or isn’t she? en Unsane vemos como una joven es  recluida contra su voluntad en una institución mental para someterse a un tratamiento psiquiátrico, una vez allí tendrá que enfrentarse a las dudas y a lo que parece ser su mayor temor, ¿es real o es un producto de sus delirios las consecuencias que acarrean sus propios actos?

La película con guion de Jonathan Bernstein y del novelista James Greer está protagonizada por  Claire Foy, Juno Temple, Aimee Mullins, Amy Irving, Jay Pharoah, Joshua Leonard, Colin Woodell, Sarah Stiles, Polly McKie, Ursula Triplett, Laura Rothschild y Lance Coughlin.

La tragedia del romanticismo según Wim Wenders, tráiler en castellano de «Submergence»

Acaba de ver la luz un primer tráiler en castellano, que podéis ver a final de página junto a su póster oficial, de Submergence (Inmersión) la nueva película del veterano cineasta alemán Wim Wenders, coproducción rodada en Berlín, Madrid, Toledo, así como en distintas localizaciones francesas y Djibuti. El film que ha sido escrito por Erin Dignam (The Yellow Handkerchief, The Last Face) a partir de la celebrada novela homónima del corresponsal de The Economist J.M. Ledgard (Giraffe) inauguró la pasada edición del festival de San Sebastián (reseña aquí) teniendo previsto su estreno comercial en España de la mano de eOne Films el próximo 6 de abril de 2018.

En Submergence vemos como James More (James McAvoy) es un ingeniero hidráulico que ha sido tomado como rehén en Somalia por los terroristas yihadistas, que sospechan que es un espía británico. Danielle ‘Danny’ Flinders (Alicia Vikander) es una biomatemática que trabaja en un proyecto de inmersión en las aguas más profundas de los océanos para demostrar su teoría sobre el origen de la vida en el planeta. Un año antes James y Danny se conocieron en un hotel de la costa atlántica francesa y se enamoraron. Ahora, separados, Danny inicia su peligrosa inmersión al fondo del océano en Groenlandia sin saber si James sigue vivo.

La película con guion adaptado de Erin Dignam y música compuesta por Fernando Velázquez está protagonizada por James McAvoy, Alicia Vikander, Alexander Siddig, Celyn Jones, Reda Kateb, Mohamed Hakeemshady, Clémentine Baert, Julien Bouanich, Loïc Corbery, Thibaut Evrard, Harvey Friedman, Matthew Gallagher, Godehard Giese, Andrea Guasch, Alex Hafner, Jess Liaudin, Jean-Pierre Lorit, Adam Quintero y Jannik Schümann.

https://youtu.be/AAaogmGdWfk

Méliès

Georges Méliès (1861-1938), uno de los pioneros del cine, tal vez el pionero de los pioneros. Gracias a su perseverancia, personalidad y condición de ilusionista imprimió a sus películas un estilo característico, heredero de la fantasmagoría y el teatro de lo increíble. La magia, el misterio, la ilusión se fundía en unas escenografías sorprendentes, que él mismo diseñaba, y que transportaban al espectador a la irrealidad, al sueño, a parajes que recorren desde el cielo con sus astros hasta el mundo subterráneo con sus diablos y esencias. Si bien Méliès se dedicó a otros géneros, como la comedia o el drama, sus películas de viajes fantásticos permanecen en la memoria del espectador para siempre. Se tiene a Le voyage dans la Lune (Viaje a la luna, 1902) por su obra más recordada. Con este volumen Libros del Innombrable rinde homenaje al artista que tanto nos cautiva. Para tal fin hemos recabado una solvente y principal tripulación. Juan Luis Borra ha iluminado las páginas del libro con sus dibujos y el diseño de portada. Por otro lado, contribuyen los actores: Raúl Herrero, Bruno Marcos, Alberto Ruiz de Samaniego, Jesús F. Pascual Molina, Silvia Rins, Carlos Barbarito, Aldo Alcota, Laia López Manrique, Antonio Fernández Molina, Iván Humanes, Alfredo Moreno, Tomás Fernández Valentí y Diego Civilotti García.

Cada nauta ha glosado, recreado, analizado, expuesto o profundizado en aspectos de la obra y la vida de Méliès. Georges Méliès, (8 de diciembre de 1861-21 de enero de 1938). Toda la biografía de Méliès es deliciosa y parece ya una película de Méliès. Bruno Marcos *** La maquinaria prodigiosa de lo extraordinario se convierte, pues, en una pasión que, efectivamente, organiza y ocupa toda la vida del incansable Méliès. Alberto Ruiz de Samaniego *** … sus películas causaron un gran impacto en el Surrealismo, que en muchos aspectos reconocía a Méliès como uno de sus precursores. Jesús F. Pascual Molina *** Lo único que sabemos es que Méliès, como verdadero creador, no dejó de ser jamás un niño. Silvia Rins *** Allí me asomé a nombres y lugares, y entre esos lugares, París, entre esos nombres, el de Méliès. Carlos Barbarito *** … las bellas alucinaciones del séptimo arte no se perdieron en el quiosco de juguetes de Montparnasse. Méliès las resguardó, confiando que algunos cómplices más jóvenes, partidarios de la recuperación de sueños, llegaran un día a su recinto y así poder transmitirles el secreto de la luna. Aldo Alcota *** Lo que preocupa a los cuerdos es el tránsito de la razón a la fiebre… Laia López Manrique *** Más allá de ironías, Méliès es el ilusionista universal. Iván Humanes *** La figura de Méliès emergió, como el héroe de un antiguo serial de aventuras, en el instante justo, en el momento crucial para salvar al cine de una muerte prematura. Alfredo Moreno *** El cine como magia y la magia del cine. Tomás Fernández Valentí *** La mirada de Méliès es artística y extraordinaria porque trabaja directamente con ideas. Diego Civilotti García.

Autor; VV.AA (Incluye textos de Raúl Herrero, Bruno Marcos, Alberto Ruiz de Samaniego, Jesús F. Pascual Molina, Silvia Rins, Carlos Barbarito, Aldo Alcota, Laia López Manrique, Antonio Fernández Molina, Iván Humanes, Alfredo Moreno, Tomás Fernández Valentí y Diego Civilotti García) Ator; Antonio José Navarro, Editorial; Libros del Innombrable. Páginas; 312

Ellen Page y la reinserción social de los infectados, primer tráiler de «The Cured»

Tras tener su premier mundial el pasado mes de septiembre en el TIFF y pasar un poco desapercibida por el festival de Sitges en octubre (reseña aquí) acaba de ver la luz un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página del film Irlandés The Cured. Opera prima del joven realizador David Freyne que nos ofrece una nueva vuelta de tuerca del subgénero zombie o de infectados como se suelen denominar últimamente a algunas películas que abordan dicha temática. El film está contado, conservando elementos propios del cine de terror, a través de una perspectiva social con un claros paralelismos políticos teniendo algún que otro punto argumental en común con la serie también británica In the Flesh aunque sin los esporádicos toques de humor que nos ofrecía esta. The Cured tendrá en EE.UU un estreno simultáneo en cines y VOD el próximo 23 de febrero.

The Cured nos cuenta como hace unos años, el continente europeo se vio asolado por un virus que convirtió a la población en monstruosos caníbales. Se logró hallar un antídoto, pero incluso después de curadas, las personas infectadas recuerdan todo lo que hicieron durante su enajenación. Hoy, la última tanda de convalecientes se prepara para reintegrarse en sociedad.

La película con guion del propio David Freyne está protagonizada por Ellen Page, Sam Keeley, Tom Vaughan-Lawlor, Stuart Graham, Amy De Bhrún, Patrick Murphy, Frank Cannon, Peter Campion y Natalia Kostrzewa.

 

 

«Brigsby Bear» review

Brigsby Bear Adventures es un programa de televisión infantil que tiene un solo espectador: James. Cuando el programa termina de golpe, la vida de James cambia para siempre, y éste se propone terminar la historia él mismo.

La sensación de antaño que ha tenido un servidor en lo referente a que una película presentada en un festival de cine te pueda llegar sorprender (en lo positivo o negativo) sin apenas tener conocimiento previo de su existencia, no solo ya a un nivel individual sino colectivo, era a mi modo de ver uno de los activos más importantes que atesoraban los certámenes cinematográficos del pasado, es algo que ha ido desapareciendo con el tiempo, era el pan de cada día en los ochenta e incluso noventa para ir difuminándose a partir de la década del 2000, no dejaba de ser una puesta de largo, un juicio el enfrentarte a una película en donde tenías la certeza de emitir tu parecer sin ningún tipo de intoxicación proveniente del exterior, entrar en una sala con la mente totalmente virgen y descubrir una película o un director y no porque uno mismo se autoimpusiera dicha actitud sino por la total ausencia de información previa del producto en cuestión, sería muy difícil enumerar la cantidad de esos descubrimientos que han tenido lugar a lo largo de los años en un sitio como Sitges durante las primeras décadas de su existencia, hoy esto como he comentado más arriba es prácticamente imposible debido a la gran cantidad de información disponible al abasto del espectador más inquieto, el que suele frecuentar dichos certámenes, un colectivo este que suele ir suficientemente preparado para enfrentarse a películas que recién terminado su rodaje ya nos ofrecen una ingente cantidad de imágenes, artículos y demás tipo de información sobre ellas mismas a través de las redes sociales.

Todo este baturrillo previo que espero que me disculpéis viene a colación a propósito de la entusiasta y a mi entender muy desmesurada recepción que tuvo Brigsby Bear en el pasado Sitges, su muy concurrido pase de prensa un día laborable al mediodía me indican que dicha actitud previa a su visionado por parte de esta parte de la audiencia venia de alguna manera preparada o lo que es peor preconcebida, en cierta manera es como intentar revisitar un comportamiento de antaño de forma algo artificial, que la ópera prima de Dave McCary se llevara la coletilla de descubrimiento del festival antes incluso de que comenzara el certamen en bastante debatible, no solo porque ya venía de festivales como Sundance o Cannes y se sabía de ella con antelación sino porque en realidad Brigsby Bear es realidad muy poquita cosa algo que en mi opinión pone de manifiesto que dicha burbuja festivalera tiende al equívoco en lo referente a una primera apreciación, una desmesurada alabanza que al final deviene como liquida, Brigsby Bear, historia edulcorada del eterno adolecente es un perfecto ejemplo de todo ello.

Un film que parte de claros ecos estéticos y narrativos del cine de Wes Anderson, en cierta manera Brigsby Bear parece estar estructurado a partir de una impostura en lo referente a sus propios postulados, básicamente es un film destinado a complacer a un cierto tipo de espectador muy determinado, como supuesta fantasía infantil poco importa que su línea narrativa sea predecible y no se salga de una estructura ya vista en demasiadas ocasiones, una historia que gira a través del proceso de madurez de una persona adulta aniñada marcada por una atipicidad en lo relativo a lo que tendría que haber sido su desarrollo, es ese tipo de cine independiente norteamericano de contornos buenistas en exposición e intención que rehúye conscientemente indagar en lo no amable por mucho que esta esté soterrada en la historia, una especie de cruce excesivamente adocenado del Room de Lenny Abrahamson y el Be Kind Rewind de Michel Gondry, tan claro es el posicionamiento de Dave McCary (ciertamente muy inteligente en sus propósitos) que ni se molesta en indagar aspectos de la trama más peliagudos, lo mejor del film lo vemos en sus primeros veinte minutos pues la historia parte de una premisa cuyo posterior abarcamiento daba para mucho más de lo que finalmente logramos ver, es ahí en donde a través de la ambigüedad narrativa percibimos en la distancia interesantes disquisiciones que más tarde no son ni tienen visos de ser exploradas, una historia en definitiva que conmoverá a algunos pero que no inquietara a nadie, un principio ciertamente original que da paso a lo convencional e incluso a lo preconcebido, si a la formula le añadimos la nostalgia ochentera de rigor (poco importa en esta líderes que el receptor haya nacido a mitad de los noventa, el hype manda en este tipo de disquisiciones) Brigsby Bear logra con su inconfundible humor blanco complacer a un determinado público, de hecho la fórmula es bien antigua por mucho que algunos de forma momentánea la quieran revestir de una presunta y novedosa modernidad, algo que si escarbamos de forma superficial deviene como una impostura poco favorable con respecto al film en un futuro.

Valoración 0/5: 2’5

Segundo tráiler y póster español para «Pacific Rim: Insurrección»

Tras una producción plagada de varios retrasos y cancelaciones con respecto a su estreno Universal Pictures y Legendary Pictures acaban de lanzar un segundo tráiler en castellano, que junto a su póster oficial podéis ver a final de página, de Pacific Rim: Insurrección, la esperada continuación del film dirigido en 2013 por Guillermo del Toro que en esta ocasión ejercerá como productor ejecutivo estando tras las cámaras Steven S. DeKnight, un habitual del medio catódico con trabajos en series tales como Ángel, Spartacus o Daredevil entre otras. Pacific Rim: Insurrección se estrenará en cines estadounidenses el próximo 23 de marzo, en España lo hará dos semanas después, el 6 de abril.

Pacific Rim: Insurrección nos vuelve a situar en un futuro cercano. Han pasado 10 años tras la primera invasión que sufrió la humanidad, pero los océanos lejos de recobrar la tranquilidad se muestran inquietos. El planeta volverá a ser asediado por los Kaiju, una raza de alienígenas gigantes que vuelven a emerger a través de un portal interdimensional con el objetivo de destruir a la raza humana. Ante esta nueva amenaza, los Jaegers, robots gigantes de guerra pilotados por dos personas para sobrellevar la inmensa carga neuronal que conlleva manipularlos, ya no están a la altura de lo que se les viene encima. Será entonces cuando los supervivientes de la primera invasión, además de nuevos personajes como el hijo de Pentecost, cuyo padre dio su vida para asegurar la victoria de la humanidad contra los Kaijus, tendrán que idear la manera de sorprender nuevamente al temible enemigo apostando por nuevas estrategias defensivas y de ataque. Con la Tierra en ruinas e intentando reconstruirse, esta nueva batalla puede ser decisiva para el futuro de la humanidad.

La película con guion a cargo del propio Steven S. DeKnight junto a Emily Carmichael, T.S. Nowlin y Kira Snyder está protagonizado por John Boyega, Scott Eastwood, Cailee Spaeny, Jing Tian, Adria Arjona, Levi Meaden, Charlie Day, Rinko Kikuchi, Burn Gorman, Ivanna Sakhno, Nick E. Tarabay, Dustin Clare, Karan Brar, Daniel Feuerriegel, Madeleine McGraw, Shyrley Rodriguez, Rahart Adams, Jin Zhang, Jaime Slater, Lily Ji y Luke Judy, Mackenyu.

Tráiler de la nueva vuelta de tuerca a las antologías de terror británicas «Ghost Stories»

Hablar de películas episódicas que abordan el terror es dirigir la mirada de forma casi forzosa al Reino Unido, no solo por haber salido de allí la que es posiblemente a día de hoy la mejor muestra de tal temática, Dead of Night 1945 (reseña aquí) sino también al referirnos a la productora Amicus como principal emblema de las llamadas antologías de terror (artículo aquí). Ghost Stories cuyo tráiler oficial y poster podéis ver a final de página parte a priori de la idea de reverenciar a sus predecesores mirando sin disimulo a producciones británicas de los años 70 que abordaban el terror con algún que otro elemento de humor negro a través de la narración de segmentos. La película parte de la peculiaridad de ser una adaptación de una obra de teatro cuyos mismos autores Jeremy Dyson y Andy Nyman han sido los responsables de llevar al cine.

Ghost Stories nos cuenta como Phillip Goodman es un escéptico profesor cuya racionalidad es puesta a prueba cuando recibe la petición de un moribundo de investigar un archivo perdido de hace años que contiene detalles de tres sucesos paranormales no aclarados. Se embarcará así en la misión de intentar encontrar una explicación racional para estos casos que se aparta de lo habitual, unas investigaciones que terminarán relevando más sobre el propio Goodman que sobre los propios misterios.

La película con guion de los propios Jeremy Dyson y Andy Nyman y música compuesta por Haim Frank Ilfman está protagonizada por Martin Freeman, Alex Lawther, Jill Halfpenny, Andy Nyman, Paul Whitehouse, Nicholas Burns, Daniel Hill, Kobna Holdbrook-Smith, Jake Davies, Ryan Oliva, Derren Brown, Samuel Bottomley, Lesley Harcourt, Oliver Woollford, Maggie McCarthy, Paul Warren, Emily Carding, Amy Doyle, Ramzan Miah, Louise Atkins, Billy Sneddon, Callum Goulden, Christine Dalby, Benji Ming, Deborah Wastell, Elaine Dyson, Joe Osborne, Maria Major, Macie Allen, Leonard Byrne, Anthony Davis, Mike Aarons, Julie Waring y Richard Waring.

Convidados y horarios de Rècord, primera muestra del libro deportivo de Barcelona

El próximo sábado 27 de enero, desde las 11h y hasta las 21h con entrada gratuita, l’Antiga Fàbrica d’Estrella Damm de Barcelona acogerá la primera edición de Rècord, la mostra del llibre esportiu.

Espacio para la interrelación del mundo de la cultura y el deporte, la jornada de presentaciones, conferencias, charlas, firmas de libros y talleres, tienes como principales protagonistas a nombres tan relevantes de la literatura y el periodismo deportivo del ámbito catalán como Sergi Pàmies, Jordi Puntí, Ramón Besa y Jordi Robirosa. Compartiendo cartel con figuras no menos relevantes como Galder Reguera, Carles Viñas, Ramon Usall, Jordi Costa, Lluís Lainz, Frederic Porta y Guillem Balagué. Finalizado el evento la conferencia «El periodisme com experiència literària» que tendrá como ponentes a los jefes de redacción de las revistas Panenka, H (publicación dedicada al mundo del rugby), Volata (ciclismo) y el polideportivo en catalán Fosbury.

La muestra del libro deportivo de Barcelona también tendrá una zona de venta en donde los asistentes podrán adquirir títulos de editoriales tales como Random House, Ara Llibres, Contra, Corner, Grupo Anaya y Libros del KO.

Organizado por los responsables del Offside Fest, festival que desde hace cinco años presenta en Barcelona los mejores documentales de futbol, Rècord nace como un aparador de la cada vez más prolífica y literalmente relevante colección de títulos, tanto de ficción como de no ficción, comic, infantil..en catalán y castellano, relacionados con el mundo del deporte.

Horarios

11h Apertura de puertas.

12h Charla con Ramon Besa (moderada per Aitor Lagunas, editor de Panenka), (posterior firma de libros).

13h Charla «L’esport d’escriure» Sergi Pàmies i Galder Reguera (posterior firma de libros).

14h Charla «Futbol i política» Carles Viñas + Ramon Usall (moderado por Marcel Beltran) (posterior firma de libros).

16h Charla «Barça. Un club amb molt per escriure» Jordi Costa + Frederic Porta + Lluis Lainz (posterior firma de libros).

17h Charla «Apostoflant! La molt llarga i sempre única trajectòria de Jordi Robirosa en el periodisme esportiu«, Jordi Robirosa (moderado por Dani Senabre) (posterior firma de libros).

18h Charla «L’art de la biografia» Guillem Balagué (posterior firma de libros).

19h Charla «Els meus favorits» Jordi Puntí  (moderado por el también escritor Miguel Ángel Ortiz) (posterior firma de libros).

20h Charla «El periodisme com experiència literària«. Revistas deportivas Panenka, Volata, H y Fosbury  (posterior firma de libros).

Tráiler extendido para la adaptación televisiva de «The Terror» de Dan Simmons

Tras un breve teaser visto hace ya unos meses acaba de ver la luz un primer tráiler oficial que podéis ver a final de página de uno de los acontecimientos más esperados de este 2018 recién estrenado en lo referente al ámbito televisivo, The Terror adaptación de la conocida novela de Dan Simmons se estrenará en el canal AMC el 26 de marzo, en nuestro país lo hará el próximo 3 de abril. La serie que constará de 10 episodios cuenta entre sus varios productores con  el cineasta Ridley Scott a través de su compañía Scott Free productions.

The Terror nos sitúa en el año 1847, un equipo de expedición de la Marina Real británica es enviado al Ártico en busca del Paso del Noroeste, acechados por las condiciones extremas, los recursos limitados, la falta de esperanza y el miedo a lo desconocido, la tripulación se encontrará constantemente al borde de la muerte. Una vez llegados al destino son atacados por un misterioso depredador que acecha a los barcos y a sus tripulaciones.

La serie con guion adaptado a cargo de David Kajganich está protagonizada por Jared Harris, Ciarán Hinds, Edward Ashley, Caroline Boulton, Mikey Collins, Chris Corrigan, Anthony Flanagan, Kevin Guthrie, Declan Hannigan, Roderick Hill, Christos Lawton, Matthew McNulty, Tobias Menzies, Paul Leonard Murray, Adam Nagaitis y Alistair Petrie.

Rodada en Budapest, The Terror está producida por Scott Free, Emjag Productions y Entertainment 360, con AMC Studios. Además de Kajganich y Hugh, la serie también está producida por Ridley Scott, David W. Zucker, Alexandra Milchan, Scott Lambert y Guymon Casady.

https://youtu.be/d5Z_pAK7How